С 30 июля 2016 года в Главном штабе представлена выставка «Эдуард Мане. “Олимпия”. Тема и вариации», организованная Государственным Эрмитажем совместно с Музеем Орсэ, Париж, при поддержке Министерства культуры Российской Федерации и Министерства культура Французской Республики.
«Олимпия», самая знаменитая картина Эдуарда Мане, чрезвычайно редко покидает Музей Орсэ, в котором она хранится. Необычность выставки заключается в том, что в Эрмитаже шедевр Мане экспонируется в широком историческом контексте: его сопровождают более двадцати произведений из эрмитажного собрания, позволяющие проследить развитие образа обнаженной женщины в вариациях искусства Возрождения, барокко и Нового времени.
Для эволюции темы важны такие произведения как «Рождение Венеры» Боттичелли, «Венера Урбинская» Тициана из Уффици и «Спящая Венера» Джорджоне из Дрезденской галереи, которые отражены в гравюрах из собрания Эрмитажа. Эти полотна породили важнейший для европейского искусства образ прекрасной наготы, постепенная трансформация которого через три с половиной века привела к появлению «Олимпии».
Тема обнаженной женской натуры обозначена на экспозиции выдающимся творением Тициана «Даная», двадцатью гравюрами по работам великих венецианцев и французских художников XVII-XIX столетий, и рисунком Франсуа Буше из коллекции Эрмитажа. Позднейшие обращения романтиков или мэтров Салона изящных искусств к образу обнаженной женщины позволяют глубже и точнее оценить смелость Мане в преодолении салонно-академической рутины и невероятном прорыве к правде новой живописи. Формально все произведения эрмитажной выставки уместно отнести к одному жанру, какие бы персонажи ни были в них задействованы – исторические или современные. Отсутствие одежд и только это качество определяет их принадлежность жанру ню (фр. nu).
В творчестве Мане созданию «Олимпии» предшествовали – «Нимфа, застигнутая врасплох» (1859–1861, Музей изобразительных искусств, Буэнос-Айрес), первая работа в жанре ню, исполненная в натуральную величину, и «Завтрак на траве», вызвавший бурю негодований в знаменитом Салоне Отверженных 1863 года. К «Олимпии» он приступил по его окончании. Художник искал новый прием ввода модели в композицию, которая, при всех усвоенных тициановских уроках, не должна была стать лишь повторением. Гарантией этого послужила работа с лучшей моделью мастера – Викториной Мёран, с ее нестандартностью и несхожестью с признанными красавицами, отвечавшими вкусам буржуазного общества.
Изображение обнаженной женщины на неприбранной постели и возле нее – негритянки с букетом и черной кошки с выгнутой спиной, не завуалированное каким-либо греческим или римским мифом, противостояло привычным произведениям жанра ню. Служанка приносит от поклонника большой букет цветов в спальню Олимпии, которая продает любовь, как и положено женщинам ее профессии. Последний персонаж, черный кот с выгнутой спиной и вертикально торчащим хвостом, вносит окончательную ноту двусмысленности. Французское слово сhatte (кошка) оставалось повсеместным парижским обозначением продажной любви. У Тициана спутницей Венеры былая маленькая домашняя собачка, символизирующая верность. В «Олимпии» оставалось только заменить ее кошкой, которая «гуляет сама по себе», и поместить на таком же точно месте, в ногах.
«Олимпию» Мане представил в Салоне 1865 года, где она стала причиной скандала: публика и критики увидели в ней неприкрытое попрание приличий, а ее показ – дерзким вызовом. По всем правилам, произведение, допущенное к показу решением жюри, нельзя было удалить до окончания Салона. Опасаясь, что разъяренные зрители могут повредить картину, дирекция приставила к ней двух охранников. Ни одна картина, публично показывавшаяся прежде, не вызывала такого потока карикатур и изобразительных откликов, как «Олимпия».
«Олимпия», как тема и композиция, еще долго не отпускала Мане даже после Салона 1865 года. Через два года он вернулся к ее вариациям в гравюре, а спустя еще год включил ее изображение в качестве детали фона в «Портрет Эмиля Золя» (1868, Музей Орсэ). Этот портрет он подарил писателю в благодарность за умелую защиту его репутации, предпринятую, правда, после завершения Салона. При жизни Мане картина никогда больше не показывалась. «Олимпию» никто так и не купил, полотно оставалась в мастерской до конца его жизни и было снято с посмертной распродажи не найдя ни одного покупателя.
Куратор выставки – Альберт Григорьевич Костеневич, главный научный сотрудник Отдела западноевропейского изобразительного искусства Государственного Эрмитажа, доктор искусствоведения.
К выставке подготовлена книга «Эдуард Мане. “Олимпия”. Тема и вариации» (Издательство Государственного Эрмитажа, 2016), автор текста – А.Г. Костеневич.
Введение.
Объектом исследования в данной курсовой работе предстает творчество французского живописца 19 века Эдуара Мане.
Предметом исследования является живописное произведение «Олимпия», 1863 года
Степень изученности. Изучению творчества Э. Мане посвящено множество исследований. В основном, статьи о Э. Мане появляются в работах, связанных с импрессионизмом.
Один из самых известных трудов по французскому импрессионизму – книга Д. Ревалда «История импрессионизма». Автор опирается на свидетельства современников, на подлинные документы. Ревалд характеризует манеру Мане как находящуюся «между так называемой реалистической и романтической». Его творчество было «манифестацией новой школы».
Именно как основоположника импрессионизма рассматривают Мане многочисленные западные исследователи 1 .
Янсон Х.В. и Янсон Э.Ф. считают, что Мане произвел «революцию красочного пятна», т.е. утвердил ценность живописи самой по себе, право сочетания деталей картины единственно ради эстетического эффекта. Авторы находят, что именно эти принципы позже лягут в теорию «искусства для искусства». Многие работы Мане «переводят на современный ему язык живописи картины старых мастеров» 2 .
Биография А. Перрюшо отличается легкостью изложения. Автор уделяет особое внимание окружению художника, общественной жизни Парижа, мировоззрению эпохи, художественной атмосфере. Перрюшо представляет работу «Олимпия» как своеобразную визитную карточку творчества Мане. Он пишет: «Мане – автор «Олимпии» - оказался в самом центре эпохи…» 3
Отечественный искусствовед Б.Н. Терновец акцентирует внимание на реализме Мане. Он пишет, что художник порвал с системой академических условностей и дал в своем творчестве картину современного общества. Он подчеркивает это, даже основываясь на технике Мане: «сильный, широкий удар кисти имеет мало общего с дробным раздельным мазком импрессионистов» 4 . Также автор считает, что в творчестве Мане много точек соприкосновения с реализмом Флобера и Мопассана.
Каталин Геллер 5 считает, что плоскостность, активное декоративное начало в картинах Мане - в чем его неоднократно упрекал Курбе - связана с влиянием японской гравюры, которое распространилось в Европе в 19 веке. С этим мнением согласны и другие исследователи.
А. Якимович 6 в статье «О построении пространства в современной картине» выделяет ключевые фигуры, «узлы» во всей истории искусства, которые внесли принципиально новое в концепции пространственного построения . Среди них – Джотто, Пьеро делла Франческа, Дюрер, Брейгель, Веласкес, Вермеер, Гойя, Сезанн, Матисс, Петров-Водкин.
К числу таких фигур автор относит и Э. Мане. Он считает, что Э. Мане ввел принцип «заслоняющей плоскости». Такая «идеографическая» уплощенность связана с обращением к традиции примитива, фольклора и архаики. В случае с Э. Мане такая уплощенность связана, скорее всего с влиянием на него искусства Японии, в частности, гравюр.
В связи с тем, что Мане был дружен с поэтом Ш. Бодлером, существует традиция сравнивать их творчество. Так, П. Валери проводит параллель между сюжетами картин Мане и тематикой стихов Бодлера: «Любителя абсента» (1860) он сравнивает с «Вином мусорщика», а «Олимпию» - с циклом стихов «Парижские картинки».
М.Н. Прокофьева указывает на неиндифферентность Мане к политическим событиям: его творчество формировалось и эволюционировало в эпоху 2-ой Империи и 3-ей Республики, и Мане никогда не оставался безучастным к событиям в Париже. Также автор высказывает мнение, что Мане «будто экспериментировал» 7 с публикой, предлагая то картины на испанские темы, то сюжеты с современными парижанами, то пленэрные работы.
Актуальность и новизна исследования. Как видно из обзора работ, никто из исследователей не рассматривает художника как мыслителя. Более того, часто упоминается об интересе только к новым живописным эффектам, оттенкам, новой трактовке поверхности. Ни в одной публикации не представлен философско-искусствоведческий анализ шедевра.
«Олимпия» - одна из самых концептуальных работ Мане, выражающих не только новые находки в технике живописи, но и определенное мышление художника, его идеи, воплотившиеся в этом произведении. В данном исследовании Э. Мане будет рассмотрен как мыслитель, как мастер, который выразил в своем шедевре определенный круг идей. Это можно считать и новизной работы.
Также все исследователи считают Э. Мане импрессионистом. В данной работе творчество художника представлено как самостоятельное явление в истории искусства.
Новизной работы также является сравнение и сопоставление живописных и художественных идей "Олимпии" с полотном Тициана ""Венера Урбинская"" 1538 г.
Цель работы. Выявление сущности произведения в ходе философско-искусствоведческого анализа.
Задачи.
Рассмотреть современную художнику атмосферу: политику, экономику, религию, нравы, художественную ситуацию. Определить место художника в этой атмосфере.
Описать произведение, вычленить знаки и системы знаков.
Произвести сравнение с работой Тициана ""Венера Урбинская"" 1538 г.
Изучить творчество мастера, выделить этапные работы, определить круг проблем, которые решает художник во всех работах.
Провести искусствоведческий анализ: рассмотреть сюжет, изучить красочный слой, особенность техники мастера, традицию и новацию Мане в живописи.
Провести философско-искусствоведческий анализ работы, выделить спектр художественных и философских идей мастера.
Методологическим основанием для данной курсовой работы является теория В.И. Жуковского о визуальном мышлении, концепция о синтетическом мышлении Д.В. Пивоварова, теория рефлексии Г. Гегеля.
Теоретическая и практическая значимость. Данная работа является подготовкой для написания диплома, может быть включена в дипломную работу как составляющая часть.
Основная часть.
Культурно-историческая ситуация во Франции второй половины 19 в.
Начало 50-х гг. 19 в. знаменует переломный рубеж в развитии французского общества. Социально-исторические потрясения – подавление июньского рабочего движения 1848г., затем цезаристский переворот Луи-Бонапарта 2 дек. 1851г., вскоре утвердившего Вторую империю , наложил глубокий отпечаток на мироощущение творческой интеллигенции.
Время Второй империи, вплоть до ее крушения в 1870-71гг в результате поражения во франко-прусской войне и Парижской коммуны, представляет собой особый период в истории французской культуры.
В соответствии со столь характерным для всех желанием подражать более ранним системам правления, во время Реставрации (1814-1830) и 2-ой империи (1852-1871) в искусстве воспроизводились стилевые элементы разных эпох. В подобном стиле построены многие общественные и культовые здания, например, парижская Гранд-Опера в стиле нового барокко (1860-1874). При Наполеоне III Г.Е. Хауссман полностью изменил облик столицы, сделав из нее современный город с транспортными артериями.
События французской истории еще с детства привлекали Мане, но в большинстве своем он интересовался лишь внешней стороной. Так, ему интересны баррикады, патрулирование армией улиц. Он обязательно приезжает посмотреть на это.
Став императором, Наполеон III в январе 1853г женился на Евгении Монтихо, которая принадлежит к старинному испанскому роду. Испания входит в моду у французов. В Лувр завозят множество картин испанских живописцев, Мане тщательно копирует их. О Веласкесе Э. Мане высказывается: «…вот кто отобьет …вкус к нездоровой пище» 8
Наполеон III стал осуществлять политику по укреплению престижа за пределами страны. Он устраивает Вторую Всемирную выставку, для которой строится огромное сооружение – Дворец промышленности. Для художников рядом – специальный дворец, где художники выставляют свыше пятисот произведений. Классицистические полотна Энгра и Кутюра занимают первые места.
Курбе устраивает в соседнем павильоне выставку своих произведений. Мане присутствует на обоих мероприятиях. Живопись Курбе ему ближе, но она все равно «слишком темная» 9 .
19 век – эпоха интенсивного развития различных школ в европейском искусстве, которые, сосуществуя во времени, находятся в состоянии взаимной полемики. Среди этих школ – неоклассицизм, романтизм, реализм и импрессионизм.
Во второй половине века в искусстве наблюдается поворот к реализму – романы Гюстава Флобера, А. Доде, Э. Золя, новеллы Ги де Мопассана; живопись Курбе, Милле.
Так как круг общения Э. Мане в большинстве своем состоял из литературных деятелей, рассмотрим основные идеи французских писателей и поэтов.
Э. Золя выдвинул концепцию натурализма как конкретно-исторического литературного направления 60-80х гг. Золя пишет двадцатитомную серию романов – «Ругон-Маккары», где представлена «естественная и социальная история одной семьи времен Второй империи» 10 . Теория научного романа Золя идет в общем русле позитивистских увлечений эпохи. Она тесно связана с успехами естественных наук. Золя даже против термина ""характер"" – ему гораздо понятнее слово ""темперамент"", что означает с его точки зрения физиологическую конституцию человека. В 60-е гг. он пишет статьи об искусстве – сборник «Мои салоны», где восторгается картинами Курбе и Мане. По мнению Э. Золя, «невозможно…чтобы для г-на Мане не наступил день триумфа, чтобы он не раздавил трусливую посредственность, его окружающую».
Ш. Бодлер . В сборнике «Цветы Зла» возникают городские зарисовки, в основном, вынесенные в раздел «Парижские картины» - воплощение «духа современности» (modernite). Бодлер писал: ""Красота в искусстве, получаемая при переплавке житейской «грязи» дотоле отталкивавшей своей неказистостью, в «золото» самой высокой пробы, всегда исторична и неповторимо личностна"".
Красота – сфера, спасенная от эгоизма, это мир высшей истины и высшей справедливости. Красота свободна от цели и смысла, она сама есть высшая цель и последнее убежище от уродливой реальной жизни. Выделение красоты из реальной жизни вводит в эстетику требование «необычности». «Обычное» запятнано злом и эгоизмом. Прекрасно лишь особенное, редкостное, уникальное. Даже природа кажется Бодлеру банальной. Но, с другой стороны, требование искусственной оригинальности приводит к тому, что редкостное заслуживает изображения в искусстве даже тогда, когда оно безобразно. Безобразное – тайные пороки города, душа развратницы, грезы наркомана, распад и тление мертвой плоти – выступают как «цветы зла», и зло у Бодлера получает эстетическую реабилитацию. Он не только разоблачает порок, но и эстетизирует его.
Бодлер видел в Э. Мане «настоящего живописца», он всегда поддерживал художника, подсказывал сюжеты и темы живописных работ.
Ш. Бодлер утверждал, что Э. Мане будет настоящим живописцем, «который сумеет ухватить в современной жизни эпическую сторону» 11 .
Ги де Мопассан . Его прозу можно назвать «документальной» 12 - Париж Мопассана, его улицы, дома, театры, кафе-варьете наделены очень ясным колоритом времени. Мопассан считал, что «задача художника изображать жизнь такой, как она есть, то есть более справедливым, более точным, более правдоподобным, чем сама жизнь»
Исследователи отмечают сходство приемов Братьев Гонкур и художников-импрессионистов. Произведения Гонкуров 60-х гг. основаны на скрупулезном отборе фактов и материалов, точном описании деталей в произведениях, посвящаемых современности.
Париж меняет свой облик: выравниваются кварталы, разбиваются скверы. Развивается промышленность, коммерция. Богатые парижане соперничают в мотовстве: целые состояния тратятся на драгоценности и туалеты. В моде кринолин.
Париж становится центром развлечений. Царит культ женщины.
Основным местом, где проводят время светские жители Парижа, является сад Тюильри. Расположенный недалеко от императорского дворца, он привлекает горожан. Здесь дважды в неделю проводят концерты, которые собирают вокруг музыкального павильона весь Париж.
Цензура контролирует печатные издания, и на первый план выходит драматургия .
Наиболее известным драматургом был А. Дюма-сын (1824-1895). Его роман «Дама с камелиями» (1848), переделанный автором в одноименную мелодраму (1852), обеспечил своей героине долгую жизнь на сцене, а опера Д. Верди «Травиата» (1853) дала ей бессмертие. Именно в середине 19 века появляются дерзостно-смелые идеи вывести в произведениях искусства в качестве главной героини «падшую женщину». Героиня А. Дюма и позже Д. Верди – парижская куртизанка, которая, несмотря на «низость» своей профессии, обладает высокой моральностью, способностью к искренним чувствам и жертве во имя настоящей любви.
Верди пишет своему другу де Санктису: «Сюжет современный. Другой не взялся бы может быть за этот сюжет из-за приличий, из-за эпохи и из-за тысячи других глупых предрассудков. Я же занимаюсь им с величайшим удовольствием» 13 .
А. Дюма видит моральное оправдание для куртизанки в той жертве, которую она приносит в угоду буржуазным нравственным устоям.
Итак, можно сделать вывод о том, что в 19 века присутствовала тенденция выводить в качестве главных героев людей низшего сословия и порицаемых обществом профессий.
Формально, господствующее положение занимало «салонное» искусство. Это искусство пользовалось полной поддержкой кругов буржуазии, прессы и науки, заполняло залы Салонов, т.е. официально ежегодно проводимых в Париже больших художественных выставок. Салон – учреждение, регламентируемое и контролируемое государством. Это практически единственная возможность для художника показать произведения публике. 14 Приобретение картин в Салоне означало их солидность и респектабельность.
В 30-50-х гг. Салон был враждебен искусству Э. Делакруа, О. Домье и Г. Курбе.
В 60-70-х гг. он относился враждебно к работам Э. Мане, К. Моне, О. Родена.
Художники «салонного» искусства обучались в Школе изящных искусств, где руководили Т. Кутюр и А. Кабанель.
Наполеон III приобрел на Салоне картину А. Кабанеля «Рождение Венеры» - эта работа представляет собой официальные вкусы Второй империи. (см. приложение 1)
Наряду с Салоном, придерживавшимся классических тенденций предшествующих периодов, в течение 70-х гг. складываются символические и мистические тенденции, тяга к условно-стилизованной форме выражения. Таким было искусство Г. Моро и Пюви де Шаванна, однако во Франции оно не получило широкого развития 15 .
Искусству Салона и символистам противостояли реалистические направления и импрессионисты – К. Моне, Писсарро, Сислей, Ренуар.
Название «импрессионисты» появилось благодаря репортеру Леруа, который 25 апреля 1874 года в юмористическом листке «Шаривари» поместил статью «Выставка «импрессионистов».
Это название, бывшее сначала насмешкой, позже стало объединять хотя и близких душевно, но все же вовсе не однородную группу художников: каждый из них представлял собой индивидуальность.
Необходимо разъяснить, что импрессионисты целиком и полностью противоречили распространенным вкусам, понятиям и представлениям об искусстве, причем не только из-за своей новой живописной техники, но из-за совершенно нового отношения к миру, которое для своего выражения и нашло эту новую живописную технику.
В обиходе искусства появились предметы, которые раньше не были замечены, или считались антиэстетическими.
Впервые и поэзию, и в живопись полноправно вошла тема большого современного города. Интересно отметить, что импрессионисты-художники, изображая городской пейзаж, видели только его красоту, а поэты стремились передать уродство городской цивилизации 16 .
Г. Курбе и Э. Мане создают свой особый стиль в искусстве, основанный на стремлении к демифологизации 17 . Г. Курбе (1819-1877) – основатель реалистической школы и автор манифеста реалистической живописи сказал однажды, что он не в состоянии рисовать ангелов, потому что никогда их не видел.
Их искусство представляет огромный контраст к образам классической мифологии. Художники – реалисты обратились к новой системе ценностей, к новым сюжетам и образам, которые долгое время считались непристойными и антиэстетическими.
Демифологизация культуры – один из основных принципов реалистического искусства 19 века 18 . Свою задачу деятели культуры 19 века видели в освобождении от иррационального наследия истории ради естественных наук и рационального преобразования человеческого общества. Реалистическая литература стремилась к отображению действительности в адекватных ей жизненных формах, на создание художественной истории своего времени. В этой литературе нет традиционных мифологических имен, но уподобленные архаическим ходы фантазии активно выявляют в заново созданной образной структуре простейшие элементы человеческого существования, придавая целому глубину и перспективу. Такие названия, как «Воскресение» Л.Н. Толстого или «Жерминаль» Э. Золя ведут к мифологическим символам.
Говорить о принадлежности Э. Мане какому-либо направлению в искусстве сложно. Он, как всякий гений, не вписывается ни в одну «рамку». Следует отметить высказывания, которые схожи с манифестами реалистов, но, несомненно, Э. Мане себя ни реалистом, ни импрессионистом не считал. Он, еще в годы ученичества у Кутюра, говорил: «Я делаю то, что вижу, а не то, что нравится видеть другим», «Я делаю то, что есть, а не то, чего нет» 19 .
Этапы творчества Э. Мане.
Во всех исследованиях, посвященных импрессионизму, Э. Мане рассматривают как некое «переходное звено», как нечто, давшее основы, но постепенно начавшее «мешать» такому цельному явлению, как импрессионизм.
Отрицать влияние Э. Мане на импрессионистов нельзя – он несомненно заложил основы этого течения. Но говорить о Э. Мане как об импрессионисте также неверно, т.к. это самостоятельный художник, импрессионистом себя не считающий.
Мы стоим на позиции, что творчество Э. Мане - самостоятельное явление в истории искусства.
Подготовительный этап
Э. Мане начинает рисовать, обучаясь в коллеже. Рисунок – единственный предмет, по которому у будущего художника стоит оценка «хорошо». По остальным – «неудовлетворительно». Позже, плавая на корабле в Рио-де-Жанейро, он рисует «карикатуры» на товарищей – моряков. Первое датированное произведение Мане – «Пьяный Пьеро» - это рисунок тушью товарища Понтийона, одетого в костюм Пьеро. Известно, что сам художник не сохранял свои ранние работы и наброски.
Занятия живописью профессионально начинаются в январе 1850 года, когда отец Эдуара Мане нанимает для сына лучшего в то время живописца - Тома Кутюра. По словам Э. Золя, Мане ""поступил учеником в мастерскую …и провел в ней около шести лет, связанный наставлениями и советами, погрязая в посредственности…""
Мастерская Тома Кутюра представляла собой официальную школу живописи, Кутюр представлял традиции академизма, обращение к мифологическим и аллегорическим сюжетам.
Академизм - сложившееся в 16-19 вв. направление, основанное на следовании внешним формам классического искусства. Академизм противопоставлял современной действительности вневременные и вненациональные формы красоты, идеализированные образы, далекие от реальности сюжеты.
Художник ежедневно посещает Лувр, где делает первые наброски. Они были сосредоточены на произведениях великих мастеров: Андреа дель Сарто («Мадонна дель Сакко») 1857 г., Тициана («Венера Урбинская», «Мадонна с кроликом», «Юпитер и Антиопа») 1856 г., Делакруа («Ладья Данте») 1858 г., Филиппо Липпи («Голова молодого человека»). Тщательное копирование мастеров позволяет нам судить о знании художником объект-языка, овладении им.
Мастерскую Кутюра Э. Мане покидает в 1856 году.
Итак, для подготовительного этапа характерно:
Освоение объект-языка , тщательное копирование произведений мастеров прошлого
Неприятие академизма , «условных» поз и жестов, мифологических сюжетов
Тяготение к «реалистическим» сюжетам и трактовке
Устойчивый интерес к испанским художникам : Гойе, Веласкесу, Мурильо, Зурбарану.
Первый этап творчества 1856 – 1 8 61
Этот этап ознаменован уходом из мастерской Кутюра и появлением первых самостоятельных работ. Он пишет «Мальчика с вишнями» (1858), «Любителя абсента» (1859) и «Портрет родителей» (1860)
В ранних работах Мане практически не отходит от принятых канонов живописи. Его первые самостоятельные работы находят положительные отклики у публики.
Только «Любитель абсента», написанный по правилам живописной техники Кутюра, вызвал категорическое неприятие своим сюжетом:
на холсте изображен не мифологический герой, а обыкновенный бродяга-люмпен, любящий выпить. Тем более, классицистическая манера тоже искажена: полотно темное и монохромное, что салонным жюри не принимается.
В 1861 – 62 гг. художник пишет «Музыку в Тюильри». Эту картину можно считать этапной по находкам, которые сделал художник.
Это первая многофигурная работа, где художник обращается к теме современного города, к развлечениям парижан. Новизна, открытие Э. Мане в том, что он организовал полотно не с помощью общепринятых графических приемов и светотеневой моделировки, а посредством словно расплывающихся силуэтов и пятен. Также художник отказывается от пространственных качеств формы.
На идейном уровне работу можно трактовать как поиск и жажду признания. Его сдержанные родители дают ему достойное порядочного буржуа воспитание. Мане никогда не ввязывается в споры, не участвует в посиделках в дешевых кабачках. Художник всегда работает в мастерской, наедине с самим собой. Однако, жажда быть известным в порядочном обществе, пользоваться успехом, не покидает его.
Он пишет разрозненную толпу в саду Тюильри. Сад Тюильри - основное место, где проводят время светские жители Парижа. Расположенный недалеко от императорского дворца, он привлекает горожан. Здесь дважды в неделю проводят концерты, которые собирают вокруг музыкального павильона весь Париж.
Некоторые персонажи работы смотрят на художника, и все же он - не среди них, хотя это является его мечтой.
Итак, для первого этапа характерно:
первые самостоятельные работы – еще следование правилам живописи мастерской Кутюра, однако уже здесь заметна особенность Мане – моделей для своей работы он берет из жизни («Любитель абсента», «Музыка в Тюильри». )
ориентация на мастеров прошлого
приверженность к темным тонам,
изображение современных жителей Парижа
нововведение Мане – организация полотна «Музыки в Тюильри» посредством пятен и силуэтов,
акцентирование отсутствия пространственной глубины, перспективы.
Второй этап творчества - 1862 год . Его можно назвать «испанским» .
Это время, когда создано довольно много рисунков и картин на испанскую тематику.
Создание этих полотен обусловлено, с одной стороны, исторической ситуацией - Наполеон III , женившись на особе, принадлежащей старинному испанскому роду, завозит в Лувр множество картин испанских живописцев. Мане тщательно копирует их. Испания входит в моду у французов.
С другой стороны, страсть, темперамент испанских танцоров привлек Мане, который жаждал приобщиться к ярким проявлениям человеческого характера, естественности и не надуманности.
Мане создает серию картин с изображением испанских танцоров.
«Испанский музыкант» – «Гитарреро » был написан в новой манере, которая находится между так называемой реалистической и романтической. В ней опять же мы наблюдаем реминисценции голландцев 17 века, Караваджо.
В 1862 году он создает еще несколько работ: портрет испанской танцовщицы – «Лола из Валенсии », изображает своего брата Эжена в национальном испанском костюме махо – «Молодой человек в костюме махо», пишет «Портрет Викторины Мёран в костюме эспады».
После триумфа в Салоне «Гитарреро» многие молодые художники отправились к господину Мане, они начали считать его своим учителем.
Этапным произведением мы выделяем работу «Лола из Валенсии».
В этой работе художник решает ту же проблему, что и на протяжении всего периода – отношение модели и фона, поиск яркой, естественной натуры.
Он выстраивает соотношение красок яркого национального костюма танцовщицы с остальными цветами работы.
Можно привести высказывание Ш. Бодлера о картинах вообще: «все должно содействовать выражению основной идеи, все должно хранить ее изначальный колорит, …опознавательные цвета».
Основные цвета этой работы – красный, белый и черный. Фон дан условно – мы видим некие перекладины. Основные цвета – цвета страстной, эмоциональной Испании, символы духа страны. Художник передает своеобразие именно испанского темперамента.
Противопоставление фигуры и фона и поиск их гармоничного соотношения имеет отдельный детерминирующий фактор: я думаю, это может быть связано не только с живописными исканиями, но и с поиском самим художником места в обществе, желанием нравиться, выставляться в Салоне и получать награды.
Почему Э. Мане, француз, обращается к испанской живописи? У меня есть несколько гипотез.
Обращение Мане к Веласкесу и Гойе.
Во-первых , приведем отрывки их писем и воспоминаний о Веласкесе и Гойе:
О Веласкесе писал его современник, учитель: «так хорошо, …так похоже на модель…его способность казалась чудом»
Гойя в письмах определяет место художника: «живопись выбирает Вселенной то, что наилучше соответствует её целям, она соединяет в едином вымышленном образе явление жизни и свойства характеров, которые природа рассеяла повсюду, и благодаря такому искусно построенному сочетанию получаются удачное подражание , в силу которого художник и именуется творцом, а не покорным копировщиком ».
Как видим, испанским художникам было важно точно скопировать модель, передать ее сущностные характеристики.
Гойю и Веласкеса называют реалистами. О живописи 17 века Испании говорят также, что появляется натуралистическая тенденция, связанная с распространением караваджизма, появляется воспроизведение повседневной жизни . Э. Мане в отечественных изданиях тоже классифицируется как «реалист». Если обобщить эти характеристики, и понять, что имеется в виду, то речь заходит, скорее всего, не о реализме в общепринятом искусствоведческом понимании, а о художественном реализме с точки зрения философии искусства. Художественный реализм – соответствие рожденного художественного образа объективной сущности. И Гойя, и Веласкес, и Э. Мане - художники, которые максимально «схватили» сущность времени, выявили ее в своих работах.
Во-вторых, и Веласкес, и Гойя резко порвали с художественной традицией, бросили вызов академизму . Тоже делает и Э. Мане. Он против академической школы Кутюра, не приемлет классицизм Энгра и Давида. Те современники Мане, которые также были «анти-академиками» - Курбе и Милле - также не вдохновляли художника. Он не приемлет их суровый реализм.
Может быть, у великих испанцев он искал поддержки именно в такой ситуации.
В-третьих, общее стремление к демифологизации находит свое яркое воплощение в работах Гойи и Веласкеса.
Веласкес обращается не к античным мифам и не к религиозным сюжетам, а к конкретной современной теме. Несмотря на античный сюжет, например, в картине «Вакх», художник продолжает традиции жанровой живописи 17 века, так называемых «бодегонес» - бытовых картин , натюрмортов. Бога виноделия окружают обычные «пьяницы» - крестьяне, мужички из народа. Этот прием – включение современников в мифологический сюжет использовал и Караваджо.
Считается, что у испанского художника пост-мифологическая концепция, которая составляет существенный вклад в живопись 17 столетия.
Я думаю, что Э. Мане также придерживается этой позиции, но у него уже не пост-мифологическая концепция, а стремление вообще к демифологизации, которая была свойственна всей культуре второй половины 19 века.
Итак, для второго, испанского, этапа характерно:
утверждение доминирования темных тонов
Появление в палитре художника ярких розовых, красных, белых красок
поиск и изображение «естественных» моделей
Третий этап творчества – 1863 –1868
Этот этап можно охарактеризовать как поиск, самоопределение художника. За эти пять лет Э. Мане работает практически во всех жанрах: бытовой, исторический, ‘nu’, пейзаж, марина, портрет, натюрморт.
Художник не отказывается от обращения к прошлому, однако, в этом этапе происходят изменения.
Он пишет самую знаменитую работу 60-х гг. – «Флейтист» (1866). Здесь опять представлена фигура на условном фоне. В произведении нет ни литературного основания, ни опоры на мифологический или библейский сюжет. Акцент переносится на современное событие, поиск сущности в окружающем мире.
Сложно определить жанр этой картины - как портрет или бытовой жанр. «Флейтист», «Женщина с попугаем» (1866),- такие работы, в которых жанры взаимодействуют друг с другом. На этом этапе таких картин появляется много.
На этом этапе художник создает работу «Бой быков», от которой сохраняет фрагмент - «Мертвый тореро»; пишет религиозную композицию «Христос с ангелами». Создает морские пейзажи и многочисленные натюрморты, «Бой "" Кирсэджа"" и ""Алабамы""». В 1867 году появляется работа на современную историческую тему «Казнь императора Максимилиана».
Портрет современников - «Балкон» опять нам напоминает работу «Махи на балконе» Гойи.
В 1863 году художник пишет самые «скандальные» работы во всем его творчестве - «Завтрак на траве» и "Олимпия".
Интересно, что «Олимпия» и «Завтрак на траве» практически единственные завершенные работы, где у художника появляется обнаженная натура. Это идеал женской красоты для Мане. Братья Гонкур писали: «Художник, который не изображает женский тип своего времени не останется долго в искусстве».
В эти работах многое критиковалось – плоскостность, широкая манера письма, и, естественно, присутствие обнаженной натуры вне контекста мифологического сюжета. Что трактовалось как непристойность. Однако художник опять идет по своему пути, что мы назовем двунаправленностью искусства Э. Мане:
С одной стороны – «воскрешение» работ старых мастеров – Тициана, Рафаэля, Джорджоне, актуализация их.
С другой стороны - вписывание буквально в холсты великих произведений современную художнику действительность, реальных моделей.
В итоге – в композиционные схемы прошлого он помещает своих современников, и создает тем самым чисто французские образы.
Именно на этом этапе появляются первые портреты современников – Э. Золя, Т. Дюре, портрет жены в картине «Чтение» (1868)
Итак, для третьего этапа характерно:
работа практически во всех жанрах
наложение жанров друг на друга
интерес к обнаженной натуре
появление портретного жанра
Четвертый этап. 1869 - 1873
Мане отказывается от приемов композиции старых мастеров.
Художник продолжает писать портреты. Появляется несколько портретов художницы Берты Моризо, которая поддерживала Мане:
«Отдых» (Портрет Берты Моризо, 1869), «Берта Моризо с букетом фиалок» (1872), «Берта Моризо в трауре».
На этот этап приходятся события 1870 – 71 гг., когда рушится Вторая империя в результате поражения во франко-прусской войне и Парижской коммуны. Творческая жизнь в Париже затихает и сворачивается. Мане участвует в военных событиях, делает зарисовки баррикад, расправы версальцев с коммунарами.
На этом этапе художник особенно близок импрессионистам: он обращается к работе на пленэре: «На пляже», «Купальщицы на пляже» (1873).
Его интересуют эффекты пара, дыма, освещения ускользающего пространства - появляется «Железная дорога».
Однако он верен своему «бархатистому» черному цвету, его тонким градациям, о чем говорят работы этого же года (1873) – «Кружка пива» и «Бал-маскарад в Опере».
Пятый этап 1874 –1875. «Импрессионистический».
Весной 1874 года импрессионисты – Моне, Писсарро, Сезанн, Сислей, Ренуар – организовали совместную выставку. Они обратились к очень светлой палитре, изображая природу, передавая атмосферу и свет. Хотя Мане был для них лидером, вдохновляющим примером, под их влиянием существенно изменилась палитра художника. Она стала гораздо светлее. Мане также обратился к работе на пленэре.
В работах Мане появляется фиксация момента, приём случайно срезанной композиции: художник выбирает из потока бытия мимолетный фрагмент и запечатлевает его на полотне. Композиция изобилует срезами фигур и предметов, они как бы предполагают возможность продолжения изображенного за пределы холста. Контуры теряют четкость, растворяясь в световоздушной среде.
В 1870-80х гг. во Франции очень популярен гребной спорт. Центром этого модного увлечения становится именно Аржантей – город на реке Сене, где любят бывать французы. Мане едет туда и в 1874 г. создает там свои работы, которые близки импрессионизму - «Сена у Аржентейля», «Аржантей», «В лодке», «Клод Моне в своем ателье». В 1875 появляется «голубая симфония» - «Гондолы на Большом канале в Венеции».
В 70-х годах меняется техника живописи Э. Мане: происходит отказ от традиционной последовательности - подмалевок, пропись, лессировка. У художника появляется техника «a la prima». Появление этой техники также связано, я думаю, с импрессионистами, у которых был принцип писать быстро, чтобы запечатлеть мгновение (тот же Клод Моне, который писал Руанский собор, стога сена, пытаясь поймать особенности освещения).
Однако приверженность его импрессионистам была краткой, художник никогда не участвовал в их выставках и себя импрессионистом не считал.
Итак, для «импрессионистического» этапа характерно:
высветление палитры; мелкий, дробный мазок
принцип композиционной «кадрировки»
живопись на пленэре
изменение техники с классической на «a la prima».
Шестой этап. 1876 – 1883
После импрессионистических поисков, Мане вновь возвращается к своей манере. Импрессионистический этап изменил палитру Мане на более светлые краски.
Несмотря на душевную близость импрессионистам - Мане многих считал талантливыми и всячески поддерживал - он остается верен своим находкам, своим творческим задачам: он отказывается от пейзажа, опять в его палитре появляются излюбленные темные тона.
Отдельной темой в позднем творчестве Э. Мане стоят кафе, кафе-концерты, кафе-шантаны. Именно в буржуазный, 19 век, в кафе собираются довольно разные люди, не принадлежащие какому-либо одному общественному слою. Каждый человек, попав в кафе и взяв чашку кофе или бокал пива, расслабляется, ведет себя естественно. Такое поведение людей привлекало Э. Мане, определенно нравилось художнику, ведь он, еще со времен обучения у Кутюра, был против условностей и специального позирования. Художник часто бывает в таких местах, запечатлевает такую натуру. Появляются работы «Слива» («Подвыпившая»), «Подавальщица пива», «У папаши Латюиль».
Жанры поздней живописи Э. Мане - портрет, натюрморт.
Он создает портреты современников: «Портрет Малларме», «Портрет Фора в роли Гамлета» (1876), «Портрет Жоржа Клемансо» (1879). Опять заметно возвращение к проблеме фона и фигуры. Мане трактует эту проблему по-своему, как и в ранние периоды: темный фон и освещенная модель.
Впервые, на этом этапе появляется «Автопортрет с палитрой» (около 1878) - именно обязательным присутствием своей палитры Мане еще раз подчеркивает почетное занятие, свою профессию – живописец.
Необходимо отметить, что Э. Мане довольно поздно написал свой автопортрет. Интересно, что в психологии также есть такой термин – «автопортрет». По-английски это звучит как self-concept, т.е. – «Я – концепция» - как Я представляю, знаю себя . Э. Мане обязательным присутствием своей палитры подчеркивает почетное занятие, свою профессию – живописец . Основной миссией живописца было и есть поиск красоты в обыденном.
В последние годы Э. Мане работает над циклом «Времена года», но осуществил он всего две картины – «Весна» и «Осень» (1881). Это аллегорические портреты двух актрис – Жанны и Мэри.
Она представляет собой «шедевр пространственного иллюзионизма», как и «Менины» Веласкеса, которыми восхищался Э. Мане.
Отражение всего во всем и слияние, объединение Бытия через взаимоотношения цвета и света - это наверное, основной принцип живописи импрессионизма. Происходит смещение акцентов: если раньше в живописи свет и цвет были средствами моделирования предмета , то теперь предметы становятся полем для игры света и цвета. Близок этот принцип и Э. Мане.
Блики света присутствуют на всех персонажах картины. Они объединяют разрозненную публику, девушку-барменшу, подошедшего к ней мужчину. Свет и цвет сближает все, что есть в этом заведении, и, в целом, в Бытии. Мане утверждает этой картиной ценность для него современности (тема развлечений горожан и кафе), близость ему испанской живописи, в частности, Веласкеса.
Проблемные поля творчества Э. Мане.
Этюдная манера: широкие мазки, формы трактованы обобщенно. Работы выполнены, как правило, с натуры.
Обращение к композиционным схемам старых мастеров, реминисценции.
Наполнение сюжетов и мотивов живописи старых мастеров актуальным содержанием, создание с помощью старых композиционных схем чисто французских образов.
Предпочтение бытовым сюжетам, портретам
Отсутствие пространственной глубины. Подчеркнутая плоскостность работ, связанная с увлечением японской гравюрой и с собственными живописными задачами. Работы Мане из-за их плоскостности даже сравнивали с лубочными картинками из Эпиналя. Однако, как пишет Э. Золя, «цвета положены плоско, с той разницей, что ремесленники пользуются чистыми тонами, не заботясь о валерах, в то время, как Э. Мане усложняет их и устанавливает между ними точные соотношения».
Не совсем искусствоведческий термин, но его работы, как писал сам художник, должны отличаться «изяществом и непосредственностью ». Скорее всего, речь идет о естественности моделей и мгновенном запечатлении их на полотне художником.
Мане использует прием сопоставления контрастов светлого и темного: лицо и фигура модели выделяются светлым пятном на темной массе фона. Однотонность фона имеет своё обоснование в творчестве живописца: для Мане «…наиболее удивительный кусок живописи…» 20 когда фон дан условно, когда «…фон исчезает». Таким образом, модель как бы предстает перед зрителем, взгляду зрителя нет возможности уйти в глубь холста. Он сосредоточен на модели .
Сочетание мгновенного и вечного. Своеобразное, присущее только Мане, наложение современности и шедевров прошлого. Если обратиться к «Философии искусства» Шеллинга - через особенное передается всеобщее.
Работы Мане реалистичны с точки зрения философии искусства, т.е. рожденный художественный образ соответствует объективной сущности.
Для японской гравюры характерно отсутствие линейной перспективы, доминирование линии как выразительного средства, локальные цвета.
Традиционно все искусство 19 века делится на неоклассицизм, романтизм, реализм и импрессионизм.
Творчество Э. Мане стоит, скорее всего, между реализмом и импрессионизмом. Но так как художник не считал себя импрессионистом, то корректнее будет говорить о нем как о реалисте.
В искусстве Мане была некая предопределенность. Можно сказать, реализм Мане созрел непосредственно в конкретной культурно-исторической ситуации, когда поворот к реализму был уже твердо намечен. Не случайно в это же время пишут Братья Гонкур, Э. Золя, Ги де Мопассан, Гюстав Флобер, А. Доде. Создают свои произведения барбизонцы, Курбе, Милле.
Реалисты стремились к отображению действительности в адекватных ей жизненных формах, на создание художественной истории своего времени.
Список использованной литературы
Холл Д. Словарь сюжетов и символов в искусстве. М., 1997
Чегодаев А.Д. Статьи об искусстве Франции, Англии, США 18-20вв. - М.: Искусство, 1978. – 267с., 80 ил.
Шестаков В.П. Эрос и культура. М., 1999
Эдуард Мане: Альбом /Авт.-сост. М.Н. Прокофьева. 2-е изд. М.: Изобраз. искусство. 1998. – 48с.,ил
Энциклопедия символов, знаков, эмблем. Сост. В. Андреева и др. – М.: Локид; Миф. – 576 с. – «AD MARGINEM».
Эфрос А.М. Мастера разных эпох. Избранные историко-художественные и критические статьи. М., «Советский художник», 1979.
Янсон Х.В., Янсон Э.Ф. Основы истории искусств. СПб, 1996. – 512с.
Якимович А.К. «Художник и дворец». Веласкес. М., 1989
Яшухин А.П., Ломов С.П. Живопись. М., АТАР, 1999
Бодлер Ш. Об искусстве. /Пер. с франц. – М.: Искусство, 1986. – 422с., 40л. ил.
Бодлер Ш. Цветы зла. Стихотворения в прозе. Дневники. 1993.
Веласкес. Альбом. М, Белый город, 2000
Вентури Л. От Мане до Лотрека. М., 1958.
Виппер Р.Ю., Реверсов И.П., Трачевский А.С. «История Нового времени», М., 1995.
Всеобщая история искусств. Т.V. М., Искусство, 1964, 972с.
Даниэль С.М. Искусство видеть. М., 1990.
Денвир Б. Импрессионизм: живопись, художники. Альбом. М., «Белый город», 2000.
Европейская живопись XIII-XX вв. Энциклопедический словарь. М., 1999
Жуковский В.И. Формула гармонии: Красноярск: БОНУС, 2001. – 208с., ил.
Жуковский В.И. Пивоваров Д.В. Интеллектуальная визуализация сущности. – Красноярск. – 1998.
Зачек Я. Импрессионисты. М.: «Искусство», 1995. – 64с.
Золя Э. «Париж». //Собрание сочинений в 26-ти тт., т. 19. Издательство «Художественная литература», М., 1965.
Золя Э. «Эдуард Мане» //Алпатов М.В. и др. Искусство. Книга для чтения. Живопись, скульптура, графика, архитектура. Изд. 3-е, испр. и доп. М., «Просвещение», 1969. 544 с., 196 илл.
Импрессионизм. Письма художников. Воспоминания Дюран-Рюэля. Документы. Л., «Искусство», 1969.
Импрессионисты и пост-импрессионисты. М., «Правда», 1988.
Импрессионисты, их современники, их соратники. М.: «Искусство», 1976. – 319с.
История всемирной литературы» в 9тт., т.7. Изд-во «Наука», М., 1990.
История Франции в 3-х тт., т. 3, М., 1961
История эстетической мысли. В 6-ти т. М.: Искусство, 1986.
Каталин Геллер. Французская живопись XIX века. «Корвина», Венгрия, 1988.
Комарова И.И., Железнова Н.Л. Художники. – М.: «РИПОЛ КЛАССИК», 2000. – 640с.
Котерелл Артур. Мифология. Энциклопедический справочник. М., 1999
Мастера искусства об искусстве. Том V, кн.1. Изд-во «Искусство», М., 1969.
Мастера живописи. Мане. М., «Белый город», 2000.
Ортега-и-Гассет Х. Веласкес. Гойя. М., 1997.
Парч С. Домашний музей. История искусства. М., 1999
Педроккио, Фил. Тициан. Альбом, М., 1995
Перрюшо А. Жизнь Мане. /Пер. с франц. – М.: Радуга, 1988. 272с.
Перрюшо, А. Э. Мане. М.: ТЕРРА – Книжный клуб, 2000. – 400 с., 16 с. ил.
Пространство картины. М., Советский художник, 1989
Психологические корни эротического искусства.//Психол. журнал. – 1992 – Т.13, № 1
Ревалд Джон. История импрессионизма. /Пер. с англ. – М.: Республика, 1994. – 415с.: ил.
Рей Р. Мане. Серия «Картинная галерея», 1995.
Розенблюм Р. Музей Д’Орсэ. Живопись: альбом. «Международная книга», 1998.
Русакова Р.И. Живопись французских импрессионистов: Госуд. музей изобр. искусств им. А.С. Пушкина. – М., «Изоб. искусство», 1995. – 48с.: ил. – (В помощь школе).
Сальви Фр. Импрессионисты: истоки современной живописи. М.: Росмэн, 1998. – 64с.
Терновец Б.Н. Избранные статьи. Изд-во «Советский художник», М., 1963.
Терновец Б.Н. Письма, дневники, статьи.
Тициан. Альбом. М, 1987
Тициан. Альбом. М, Белый город, 2000
Фукс Э. Иллюстрированная история эротического искусства: Пер. с нем. – М.: Республика, 1995. – 448с.: ил.
Фукс Э. Иллюстрированная история нравов: Буржуазный век: Пер. с нем. – М.: Республика, 1994. – 442с.: ил.
Хилл Ян Б. Импрессионизм: новые пути в искусстве. М.: Арт, Родник, 1998. – 200с., ил.
1 Янсон Х.В., Янсон Э.Ф . Основы истории искусств; Сальви Фр . Импрессионисты: истоки современной живописи; Розенблюм Р. Музей Д’Орсэ. Живопись: альбом; Ревалд Джон. История импрессионизма; Денвир Б. Импрессионизм: живопись, художники. Альбом.
2 Янсон Х.В., Янсон Э.Ф. Основы истории искусств. СПб, 1996., с. 380
3 Перрюшо А. Жизнь Мане. /Пер. с франц. – М.: Радуга, 1988. 272с., с.5
4 Терновец Б.Н. Избранные статьи. Изд-во «Советский художник», М., 1963.,с. 235
5 Каталин Геллер. Французская живопись XIX века. «Корвина», Венгрия, 1988., с.29
6 Цит. по: А. Якимович «О построении пространства в современной картине» // Пространство картины. Сборник статей. – М., «Советский художник», 1989. – 368 с., ил., с.8
7 Эдуард Мане: Альбом /Авт.-сост. М.Н. Прокофьева. 2-е изд. М.: Изобраз. искусство. 1998. – 48с.,ил, с.8
8Перрюшо, А. Э. Мане. М.: ТЕРРА – Книжный клуб, 2000. – 400 с., 16 с. ил., с.51
9 Перрюшо, А. Э. Мане. М.: ТЕРРА – Книжный клуб, 2000. – 400 с., 16 с. ил., с.53
10 История эстетики. Памятники мировой эстетической мысли. Т.3, изд-во «Искусство», 1967г., с.700
11 Перрюшо, А. Э. Мане. М.: ТЕРРА – Книжный клуб, 2000. – 400 с., 16 с. ил., с.87
12 «История всемирной литературы» в 9тт., т.7. Изд-во «Наука», М., 1990, 1005 с., с. 300
13 Оперный словарь. Музыка, М-Л., 1965. с. 409
14 Перрюшо, А. Э. Мане. М.: ТЕРРА – Книжный клуб, 2000. – 400 с., 16 с. ил., с.90
15 Всеобщая история искусств. Т.V. М., Искусство, 1964, 972с., с.83
16 Импрессионисты, их современники, их соратники. М.: «Искусство», 1976. – 319с., с.223
17 Шестаков В.П. Эрос и культура: Философия любви и европейское искусство. – М.: Республика, ТЕРРА – Книжный клуб, 1999. – 464с.; 48с. ил., с.119
18 Лотман Ю.М., З.Г. Минц, Е.М. Милетинский. Литература и миф. // Мифы народов мира. Энциклопедия в 2-х т. / гл. ред. С.А. Токарев./ - М.: Сов. Энциклопедия, 1992. - Т.2. К-Я. - 719 с. - С.62.
19 Перрюшо, А. Э. Мане. М.: ТЕРРА – Книжный клуб, 2000. – 400 с., 16 с. ил., с. 47
20 Мастера искусства об искусстве. Том V, кн.1. Изд-во «Искусство», М., 1969, с.20
Эдуард Мане. Олимпия. 1863 г. , Париж.
“Олимпия” Эдуарда Мане – одна из самых известных работ художника. Сейчас почти никто не спорит, что это шедевр. Но 150 лет назад она произвела невообразимый скандал.
Посетители выставки в буквальном смысле плевали в картину! Критики предостерегали беременных и слабонервных от просмотра полотна. Ибо те рисковали испытать чрезвычайное потрясение от увиденного.
Казалось бы, ничто не предвещало такой реакции. Ведь на эту работу Мане вдохновила классическая работа . Тициан же в свою очередь был вдохновлён работой своего учителя Джорджоне “Венера спящая”.
В середине : Тициан.. 1538 г. Галерея Уфицци, Флоренция. Внизу : Джорджоне. Венера спящая. 1510 г. Галерея старых мастеров, Дрезден.
Обнаженные тела в живописи
И до Мане, и во времена Мане обнаженных тел на полотнах было предостаточно. При этом эти работы воспринимались с большим воодушевлением.
“Олимпия” была показана публике в 1865 году в Парижском Салоне (самой главной выставке Франции). А за 2 года до этого там же была выставлена картина Александра Кабанеля “Рождение Венеры”.
Александр Кабанель. Рождение Венеры. 1864 г. , Париж. Работа Кабанеля была воспринята публикой с восторгом. Красивое обнаженное тело богини с томным взглядом и струящимися волосами на полотне в 2 метра мало, кого могут оставить равнодушным. Картину в этот же день купил император Наполеон III.
Почему Олимпия Мане и Венера Кабанеля произвели такие разные реакции у публики?
Мане жил и творил в эпоху пуританских нравов. Любоваться обнаженным женским телом было крайне неприлично. Однако это было дозволено, если изображённая женщина была как можно менее реальной.
Поэтому художники так любили изображать мифических женщин, таких как богиня Венера Кабанеля. Или же женщин восточных, загадочных и недосягаемых, таких как Одалиска Энгра.
Жан Огюст Доминик Энгр. Большая одалиска. 1814 г. . 3 лишних позвонка и вывихнутая нога ради пущей красоты
Явно, что модели, которые позировали и Кабанелю, и Энгру, в реальности обладали более скромными внешними данными. Художники откровенно их приукрашивали.
По крайней мере, это очевидно с Одалиской Энгра. Художник добавил своей героине 3 лишних позвонка, чтобы вытянуть стан и сделать изгиб спины эффектнее. Рука у Одалиски также неестественно вытянута, чтобы гармонировать с удлиненной спиной. К тому же и левая нога неестественно вывернута. В реальности под таким углом она не может лежать. Несмотря на это образ получился гармоничным, хотя и очень нереалистичным.
Слишком откровенная реалистичность Олимпии
Мане пошёл против всех вышеописанных правил. Его Олимпия слишком реалистична. До Мане так, пожалуй, писал только . Он изобразил свою хоть и приятной внешне, но явно не являющейся богиней.
Маха является представительницей одного из самых низших сословий Испании. Она, как и Олимпия Мане, смотрит на зрителя уверенно и немного вызывающе.
Франсиско Гойя. Маха обнаженная. 1795-1800 гг. . Мане также вместо прекрасной мифической богини изобразил женщину земную. Более того – проститутку, которая оценивающе и уверенно смотрит прямо на зрителя. Чернокожая служанка Олимпии держит букет цветов от одного из её клиентов. Это ещё более подчёркивает, чем наша героиня зарабатывает на жизнь.
Внешность модели, названной современниками уродливой, на самом деле просто не приукрашена. Это внешность реальной женщины со своими недостатками: талия еле различима, ноги коротковаты без соблазнительной крутизны бёдер. Выступающий живот никак не скрадывается худощавыми ляжками.
Именно реалистичность социального статуса и внешности Олимпии так возмутили публику.
Ещё одна куртизанка Мане
Мане всегда был первопроходцем, как и в своё время. Он пытался найти свой собственный путь в творчестве. Он стремился взять лучшее из творчества других мастеров, но никогда не занимался подражательством, а создавал своё, аутентичное. “Олимпия” – яркий тому пример.
Мане и в последующем остался верен своим принципам, стремясь изображать современную жизнь. Так, в 1877 году он пишет картину “Нана”. Написанная в . На ней женщина лёгкого поведения припудривает носик на глазах ожидающего её клиента.
Эдуард Мане. Нана. 1877 г. Гамбургский кунстхалле музей, Германия.
Описание полотна
На картине изображена полулежащая обнажённая женщина. Правой рукой она опирается на пышные белые подушки, верхняя часть тела слегка приподнята. Её левая рука покоится на бедре, прикрывая лоно. Лицо и тело модели обращены к зрителю.
На её белоснежное ложе наброшено кремовое покрывало, богато украшенное по кромке цветочным узором. Кончик покрывала девушка придерживает рукой. Зрителю видна и тёмно-красная обивка кровати. Девушка полностью обнажена, на ней лишь несколько украшений: её убранные назад рыжие волосы украшает крупная розовая орхидея , на шее у нее завязанная бантиком чёрная бархотка с жемчужиной . В пандан к жемчужине подобраны серьги , а на правой руке модели - широкий золотой браслет с подвеской. Ноги девушки украшают изящные туфли-панталеты.
Второй персонаж на полотне Мане - темнокожая служанка . В руках она держит роскошный букет в белой бумаге. Негритянка одета в розовое платье, ярко контрастирующее с её кожей, а её голова почти теряется среди чёрных тонов фона. В изножье кровати устроился чёрный котёнок, служа важной композиционной точкой в правой части картины.
Иконография
Предшественницы
«Олимпия» явилась одной из самых знаменитых ню XIX в. Однако у Олимпии есть много предшествовавших ей известных образцов: изображение лежащей обнажённой женщины имеет в истории искусства давние традиции. Прямыми предшественницами «Олимпии» Мане являются «Спящая Венера » Джорджоне 1510 г. и «Венера Урбинская » Тициана 1538 г. Обнажённые женщины написаны на них практически в одинаковой позе.
«Олимпия» Мане обнаруживает большое сходство с картиной Тициана, ведь именно с неё Мане написал копию в годы ученичества. И Венера Урбинская, и Олимпия изображены в домашней обстановке; как и на картине Тициана задний план «Олимпии» Мане чётко разделён на две части вертикалью в направлении лона лежащей женщины. Обе женщины одинаково опираются на правую руку, у обеих женщин правая рука украшена браслетом, а левая - прикрывает лоно, и взгляд обеих красавиц направлен прямо на зрителя. На обеих картинах в ногах у женщин расположился котёнок или собачка и присутствует служанка. Подобную манеру цитирования с перенесением ренессансного мотива в современные парижские реалии Мане уже использовал при создании «Завтрака на траве ».
Прямой и открытый взгляд обнажённой Олимпии уже известен по «Махе обнажённой » Гойи , а контраст между бледной и тёмной кожей уже обыгрывался в картине «Эстер» или «Одалиска » Леона Бенувиля 1844 года, хотя на этой картине белокожая женщина одета. К 1850 году в Париже также получили широкое распространение фотографии ню лежащих женщин.
На Мане оказали влияние не только живопись и фотография, но и поэтический сборник Шарля Бодлера «Цветы зла». Первоначальный замысел картины имел отношение к метафоре поэта «женщина-кошка », проходящий через ряд его произведений, посвященных Жанне Дюваль . Эта связь чётко прослеживается в первоначальных эскизах. В готовой картине у ног женщины появляется ощетинившийся кот с таким же, как и у хозяйки, выражением глаз.
Название полотна и его подтекст
Эдуар Мане:
Портрет Захари Астрюка
Эдуар Мане: Портрет Эмиля Золя . Художник изобразил Золя на фоне стены с эскизом к «Олимпии» и японской гравюрой
Одной из причин скандальности полотна послужило и его название: художник не последовал традиции оправдывать наготу женщины на картине легендарным сюжетом и не назвал свою ню «мифологическим » названием типа «Венера » или «Даная ». В живописи XIX в. появились многочисленные «Одалиски », самая известная из которых, конечно же, «Большая Одалиска » Жана Огюста Доминика Энгра , однако Мане пренебрёг и этим вариантом.
Наоборот, стиль немногочисленных ювелирных украшений и фасон туфель девушки указывают на то, что Олимпия живёт в современное время, а не в какой-либо абстрактной Аттике или Османской империи .
Необычно и само имя, которое дал девушке Мане. За полтора десятка лет до этого, в 1848 г. Александра Дюма публикует свой прославленный роман «Дама с камелиями », в котором имя Олимпия носит главная антагонистка и коллега героини романа. Мало того, это имя было нарицательным: так часто называли дам полусвета . Для современников художника это имя ассоциировалось не с далёкой горой Олимп , а с .
Это подтверждает и символический язык картины:
- На тициановской картине «Венера Урбинская» женщины на заднем плане заняты подготовкой приданого , что вместе со спящей собачкой у ног Венеры должно означать домашний уют и верность . А у Мане чернокожая служанка несёт букет цветов от поклонника - цветы традиционно считаются символом дара, пожертвования. Орхидея в волосах Олимпии - афродизиак .
- Жемчужные украшения носила богиня любви Венера, украшение на шее Олимпии выглядит как лента, завязанная на упакованном подарке.
- Прогнувшийся котёнок с поднятым хвостом является классическим атрибутом в изображении ведьм, знаком плохого предзнаменования и эротических излишеств.
- Кроме того буржуа были особенно возмущены тем, что модель (голая женщина) вопреки всем нормам общественной морали не лежала, скромно потупив глазки. Олимпия предстаёт перед зрителем не дремлющей, как джорджоновская Венера, она смотрит ему прямо в глаза. Прямо в глаза проститутке обычно смотрит её клиент, в этой роли, благодаря Мане, оказывается каждый, кто смотрит на его «Олимпию».
Кому пришла идея назвать картину «Олимпией», осталось неизвестным. В г., спустя год после создания картины, появились поэма «Дочь острова » и стихи Захари Астрюка, посвящённые Олимпии. Эта поэма указана в каталоге Парижского салона в 1865 г.
Захари Астрюк написал эту поэму, вдохновлённый картиной своего друга. Однако любопытно, что на портрете кисти Мане 1866 года Захари Астрюк изображён не на фоне «Олимпии», а на фоне «Венеры Урбинской » Тициана.
Скандал
Парижский салон
Эдуар Мане:
Осмеяние Христа
Впервые представить свои работы на Парижском салоне Мане пытался в 1859 г. Однако его «Любитель абсента» к салону допущен не был. В 1861 г. на Парижском салоне благосклонность публики снискали две работы Мане - «Гитареро» и «Портрет родителей». В 1863 г. работы Мане снова не прошли отбор жюри Парижского салона и были показаны в рамках «Салона отверженных », где уже «Завтрак на траве » оказался в эпицентре крупного скандала.
Вероятно, Мане собирался показать «Олимпию» на Парижском салоне в 1864 году, но поскольку на ней была опять изображена та же обнажённая Викторина Мёран , Мане решил избежать нового скандала и предложил на Парижский салон 1864 года вместо «Олимпии» «Эпизод боя быков» и «Мёртвого Христа с ангелами », но и им было отказано в признании. Лишь в 1865 г. «Олимпия» была представлена на Парижском салоне вместе с «Осмеянием Христа».
Новая манера письма
Из-за «Олимпии» Мане разразился один из самых крупных скандалов в искусстве XIX в. Скандальным оказался как сюжет картины, так и живописная манера художника. Мане, увлекавшийся японским искусством, отказался от тщательной проработки нюансов светлого и тёмного, к которой стремились другие художники. Из-за этого современники не смогли увидеть объёмности изображённой фигуры и считали композицию картины грубой и плоской. Гюстав Курбе сравнил Олимпию с дамой пик из колоды карт , только что вышедшей из ванны. Мане обвинили в аморальности и вульгарности . Антонин Пруст позднее вспоминал, что картина уцелела лишь благодаря мерам предосторожности, принятым администрацией выставки.
| Никогда и никому ещё не приходилось видеть что-либо более циничное, чем эта «Олимпия», - писал современный критик. - Это - самка гориллы , сделанная из каучука и изображённая совершенно голой, на кровати. Её руку как будто сводит непристойная судорога... Серьёзно говоря, молодым женщинам в ожидании ребенка, а также девушкам я бы советовал избегать подобных впечатлений. |
Полотно, выставленное на Салоне, вызвало
В главном здании ГМИИ им. Пушкина открылась выставка «Олимпия» - в Москву привезли знаменитый шедевр импрессиониста Эдуара Мане. «Вокруг света» рассказывает о символах, зашифрованных в этой картине.
Картина «Олимпия» (Olympia)
Холст, масло. 130,5 × 190 см
Год создания: 1863
Находится в Музее Орсе, Париж
Чувства публики так легко оскорбить... Сейчас этого можно добиться, вытащив плакат с Христом на сцену или станцевав танец пчелок. А в XIX веке, когда обнаженной натурой никого было не удивить, Эдуар Мане написал голую проститутку - скандал был до небес. Сам автор сенсации на такое не рассчитывал.
В 1865 году на Парижском салоне разразился чуть ли не самый крупный скандал за всю его, на тот момент почти двухвековую, историю. Перед одной из картин пришлось выставить вооруженную охрану, чтобы защищать произведение от негодующей толпы. Возмущенные посетители пытались плюнуть на полотно, ударить его тростью или зонтом. Критики клеймили картину за цинизм и разврат и заклинали оградить от этого чудовищного зрелища беременных женщин и юных дев. Казалось бы, что отличало обнаженную девушку с картины Мане от «Венер», «Сусанн», «Купальщиц» и прочих ню, которые в середине XIX века присутствовали на каждой выставке? Но его Олимпия не была ни персонажем мифа или древней истории, ни аллегорией, ни отвлеченным примером женской красоты. Судя по бархотке на шее и туфлям, художник изобразил современницу, причем все, включая название картины, однозначно указывало на профессию девушки. Олимпией звали куртизанку, героиню романа и драмы Александра Дюма - сына «Дама с камелиями»; это эффектное античное имя служило «творческим псевдонимом» многим дорогим парижским проституткам. Лежащая на приготовленной постели девушка с картины Мане смотрит прямо на зрителя откровенным и немного циничным взглядом - как на только что вошедшего клиента, и это злило респектабельных (по крайней мере, на публике) столичных буржуа.
На выставке злополучную работу перевесили в дальний зал почти под потолок, чтобы никто не мог ее повредить. Признание, как это нередко случается, пришло к шедевру уже после смерти художника.
1. Поза героини и композиция картины - прямая отсылка к «Венере Урбинской» Тициана Вечеллио. «Олимпия» - своего рода осовремененная версия шедевра эпохи Ренессанса - как бы пародирует его во многих деталях.
2. Модель. Представительница парижской богемы, натурщица Викторина Мёран, за миниатюрность прозванная Креветкой, послужила моделью не только для Олимпии, но и для многих других женских образов с картин Мане. Впоследствии она и сама пыталась стать художницей, но не преуспела. Искусствовед Филис Флойд полагает, что одним из прототипов Олимпии стала самая обсуждаемая куртизанка тех лет - Маргарита Белланже, любовница императора Наполеона III.
3. Мюли, или пантуфли. Такие туфли без задников - распространенная домашняя обувь того времени. Снятая туфля - эротический символ, знак утраченной невинности.
  |
4. Браслет и серьги. Они повторяют украшения Венеры с полотна Тициана, подчеркивая связь между двумя картинами.
5. Цветок. Волосы Олимпии украшает афродизиак - орхидея.
6. Жемчуг. Атрибут Венеры, богини любви.
7. Кошка. Символ женской сексуальной распущенности. На картине Мане она на том же месте, где на полотне Тициана собака - символ супружеской верности («Венера Урбинская» посвящена радостям брака, изначально предназначалась для украшения сундука с приданым невесты).
8. Букет. Традиционное подношение куртизанкам от их клиентов.
9. Служанка. В то время как на картине Тициана наперсницы Венеры-невесты раскладывают по сундукам ее приданое, у Мане служанка несет хозяйке своеобразный «задаток» от клиента. Некоторые дорогие проститутки в Париже XIX века держали темнокожих прислужниц, чья внешность навевала ассоциации с экзотическими удовольствиями восточных гаремов.
|
1832
- Родился в Париже в семье чиновника Министерства юстиции и крестницы шведского короля. |
Художник
