Семнадцатый век имел особое значение для формирования национальных культур нового времени. В эту эпоху завершился процесс локализации больших национальных художественных школ, своеобразие которых определялось как условиями исторического развития, так и художественной традицией, сложившейся в каждой стране – Италии, Фландрии, Голландии, Испании, Франции. Это позволяет рассматривать 17 век как новый этап в истории искусства. Национальное своеобразие не исключало, однако, общих черт. Развивая во многом традиции эпохи Возрождения, художники 17 века значительно расширили круг своих интересов и углубили познавательный диапазон искусства.
По сравнению с эпохой Возрождения искусство 17 века сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. Целостное поэтическое восприятие мира, характерное для Возрождения, разрушается, идеал гармонии и ясности оказывается недосягаемым. Но образ человека остается по-прежнему в центре внимания художника. Титаны, воспетые в произведениях искусства Возрождения, уступили место человеку, сознающему свою зависимость от общественной среды и объективных законов бытия. Его воплощение становится более конкретным, э моциональным и психологически сложным. В нем обнаруживается бесконечное разнообразие и богатство внутреннего мира, ярче и определеннее выступают национальные черты, показывается его место в обществе. Реальная жизнь раскрывается художниками 17 века в многообразии драматических коллизий и конфликтов, гротескио-сатирических и комедийных ситуаций. В литературе это время расцвета трагедии, комедии (Шекспир, Лопе де Вега, Кальдерон, Корнель, Расин, Мольер).
Художественная культура 17 века отражает сложность эпохи, подготовившей победу капиталистического строя в развитых в экономическом отношении странах Европы. К началу 17 века утверждаются революционные завоевания в Голландии – первой капиталистической стране Европы. В Англии совершается буржуазная революция 1640–1660 годов общеевропейского масштаба. Во Франции складывается классический образец абсолютистского государства. Служа интересам феодального дворянства, французский абсолютизм протекционистской политикой обеспечил рост буржуазии. Однако феодализм был еще прочен. Испания, бывшая в 16 столетии сильнейшей державой мира, превратилась в одно из отсталых реакционных государств Европы. В Италии и Германии при сохранении феодальной раздробленности формируется мелкодержавный княжеский; деспотизм. Даже в Англии буржуазия делится властью с земельной аристократией.
В борьбе за прогрессивный путь развития европейских государств важную роль играли народные движения. Протест народных масс против абсолютистского гнета и хищничества эпохи первоначального накопления составлял основное содержание общественной жизни 17 века. Развитие культуры в той или иной степени испытывало ее воздействие. Выступления передовых мыслителей против феодализма были связаны с критикой католической церкви, вновь усиливающей свое влияние и сковывающей общественную мысль.
В то же время общий подъем экономики в передовых странах Европы, расцвет мануфактуры, торговли создали почву для прогресса точных и естественных наук. Великие открытия Галилея, Кеплера, Ньютона, Лейбница, Декарта в математике, астрономии, физике, философии способствовали утверждению материалистических идей (Бэкон, Гоббс, Локк, Спиноза), расширению и углублению представлений о природе и вселенной. В то время как для ученых эпохи Возрождения установление закономерностей явлений основывалось на опытном наблюдении единичного, индивидуального, мыслители 17 века исходили в своих научных теориях из целостных систем и взглядов на мир. В творчестве художников также утверждается более целостное и глубокое восприятие действительности. Получает новое истолкование понятие синтеза искусств.
Отдельные виды искусства, как и отдельные произведения, утрачивают обособленность и стремятся к соединению друг с другом. Здания органически включаются в пространство улицы, площади, парка. Скульптура становится динамичной, вторгается в архитектуру и садовое пространство. Декоративная живопись пространственно-перспективными эффектами дополняет то, что заложено в архитектурном интерьере. Стремление к широкому показу действительности привело в 17 столетии к многообразию жанровых форм. В изобразительном искусстве наряду с традиционными мифологическими и библейскими жанрами самостоятельное место завоевывают светские: бытовой жанр, пейзаж, портрет, натюрморт.
Сложные взаимоотношения и борьба социальных сил порождают и разнообразие художественно-идейных течений. В отличие от предшествующих исторических периодов, когда искусство развивалось в рамках однородных больших стилей (романский стиль, готика, Возрождение), 17 век характеризуют два больших стиля – барокко и классицизм, элементы которых ярко выражены в архитектуре и в новом понимании синтеза искусств. Искусство барокко раскрывает сущность жизни в движении и борьбе случайных изменчивых стихийных сил. В крайних проявлениях искусство барокко приходит к иррационализму, к мистике, воздействует на воображение и чувство зрителя драматическим напряжением, экспрессией форм. События трактуются в грандиозном плане, художники предпочитают изображать сцены мучений, экстазов или панегирики подвигам, триумфам.
В основе искусства классицизма лежит рациональное начало. Прекрасным с точки зрения классицизма является лишь то, что упорядочено, разумно, гармонично. Герои классицизма подчиняют свои чувства контролю разума, они сдержанны и величавы. Теория классицизма обосновывает разделение на высокие и низкие жанры. В искусстве классицизма единство достигается путем соединения и соответствия всех частей целого, сохраняющих, однако, самостоятельное значение. И для барокко и для классицизма характерно стремление к обобщению, но мастера барокко тяготеют к динамичным массам, к сложным, обширным ансамблям. Часто черты этих двух больших стилей переплетаются в искусстве одной страны и даже в творчестве одного и того же художника, порождая в нем противоречия.
Наряду с барокко и классицизмом в изобразительном искусстве возникает более непосредственное мощное реалистическое отражение жизни, свободное от стилевых элементов. Реалистическое направление является важной вехой в эволюции западноевропейского искусства. Его проявления необычайно разнообразны и ярки, как в различных национальных школах, так и у отдельных мастеров. 17 веку принадлежат величайшие мастера реализма – Караваджо, Веласкес, Рембрандт, Хальс, Вермеер Дельфтский. В 17 столетии на первое место выступают те национальные школы, в искусстве которых были достигнуты высшие творческие результаты. Италия, Испания, Фландрия, Голландия, Франция быстро становятся влиятельными художественными центрами. В других европейских странах – Англии, Германии, Австрии, Чехии, Польше, Дании художественная культура сохраняет отпечаток локальных свойств и взаимосвязи с традицией предшествующих эпох.
Семнадцатый век является расцветом феодального периода в России. В это время происходит укрепление феодально-крепостного строя и попутное зарождение буржуазных связей в недрах этого же строя. Быстрое развитие городов и общественности в целом привело к расцвету культуры. Живопись в 17 веке в России также обретала силу. Началось сосредоточение народных масс в крупных городах, что, в свою очередь, и было основной причиной столь стремительного развития культуры. Кругозор русских людей также расширило начало промышленного производства, которое заставляло внимательней присмотреться к дальним районам страны. Различные светские элементы проникают в живопись 17 века в России. Картины становятся все более популярными.
Воздействие церкви на искусство
Большую силу воздействия искусства, в частности живописи, осознавала и церковь. Представители духовенства старались держать под контролем написание картин, пытаясь подчинить их религиозной догматике. Преследованию подвергались народные мастера - живописцы, которые, по их мнению, отходили от установленных канонов.
Живопись в 17 веке в России все ещё была далека от реалистических тенденций и развивалась крайне медленно. На переднем плане все ещё было отвлечённо-догматическое и аллегорическое видение живописи. Иконы и росписи отличались перегруженностью мелкими сценамии и предметами вокруг главного изображения. Ещё характерными для того времени были пояснительные надписи на картинах.
Личность и картины 17 века
Описывая живопись в 17 веке в России, нельзя не упомянуть художника Симона Фёдоровича Ушакова, который является автором таких знаменитых картин, как «Спас нерукотворный», «Троица» и «Насаждение древа государства Российского». Примечательным явлением в живописи стал интерес к человеку как к личности. Об этом говорила распространившаяся портретная живопись 17 века в России.
Нужно отметить, что портрет стал достоянием народных масс только с середины 18 века, а до этого времени только близкие к верховной власти могли оставить о себе воспоминание на холсте художника. Некоторое количество парадных и декоративных картин создавалось для больших общественных помещений, таких как Академия художеств, Сенат, Адмиралтейство и Императорские дворцы. Портреты могли заказать и семьи, но не выставляли их напоказ, а оставляли в своём кругу. Они могли украшать даже небогатые петербургские квартиры представителей интеллигенции, которые старались следить за тенденциями и модой в обществе.
Влияние на русскую живопись западноевропейской культуры
Нужно отметить, что живопись в 17 веке в России сильно изменилась, особенно это касается портретной. На передний план стал выходить реальный мир с реальными судьбами и процессами. Все становилось более светским и жизнеподобным. Огромное влияние навевалось с запада. Эстетические вкусы запада постепенно начали перетекать и в Россию. Это касалось не только искусства в целом, но и таких художественных вещей, как посуда, кареты, одежда и многое другое. Стало популярным заниматься портретами как увлечением. Было модно привозить в подарок царю картины с изображением монархов. Вдобавок к этому и посланники были не прочь приобрести интересующие их портреты в мировых столицах. Уже чуть позже стало популярным подражать мастерству писания на холсте иностранных художников. Появляются первые «Титулярники», в которых изображены портреты иностранных и русских государей.
Несмотря на то что сопротивление некоторых кругов росло прямо пропорционально увеличению популярности народного искусства, сдержать движение уже было просто невозможно. Во второй половине столетия живопись в 17 веке в России набрала большие обороты. Одной из основных мастерских художественных центров стала в которой была написана не одна сотня картин двумя десятками мастеров под руководством Лопуцкого, Вухтерса и Безмина. В их работах отражались существовавшие противоречивые тенденции живописи. Часть картин была выполнена в официальном стиле, а другая часть - в западноевропейском.
Новизна в портретной живописи
Живопись в 17 веке в России изменила свой вид. Обрёл новую форму светский жанр - портрет. Основной темой искусства стал именно человек. Можно сделать вывод, что роль отдельной личности как человека возросла. Канонические «лики» отошли на второй план и уступили место житейским отношениям и личности в целом. Поэзии стал достоин реальный человек, а не только божественный или святой. Церемониальный портрет сошёл со сцены русского художества. Естественно, его влияние не закончилось и сегодня, но оно стало не столь значимым. В Петровский период он также находит себе место на русской земле, и даже существует наравне с европейским портретом.
Заключение
Так развивалась живопись 17 века в России. Кратко можно заключить, что именно в это столетие произошёл переломный момент в искусстве, повлиявший на культуру страны и её дальнейшее развитие.
Содержание
Введение
1.1. Рембрант Харменс ван Рейн
- величайший голландский художник XVII
века
1.2. Рубенс Питер Пауль
1.3. Французский живописец
Пуссен Никола
Глава II Русские художники XVII
века
2.1. Зубов Алексей Федорович (1682- 1750)
2.2. Никитин Иван Никитич
(1680-1742)
Заключение
Список литературы
Введение
Живопись 17 века развивалась под влиянием
стиля барокко, который главенствовал
в европейском искусстве до середины 18
века. Новая философия мира, которая заключалась
в измененных суждениях о единстве, многообразии
и безграничности мира, оказала большое
влияние на мировоззрение художников
того времени. Пышность и динамика, интенсивность
чувств и патетичность, эффектность, реальность
и иллюзорность, контрасты и игра света
отличают живопись этого периода.
Семнадцатый век во многом имел значение
в формировании национальных культур
нового времени. В это время был
завершён процесс локализации художественных
школ, многообразие которых в основном
определялось условиями исторического
развития и сложившимися традициями
в каждой конкретной стране. Русские
художники 17 века в основном занимались
иконописью. Испанские художники 17
века были сформированы под идеологией
монашеских орденов, поэтому основные
заказы на произведения искусства были
из духовной сферы. Итальянские художники
17 века, пристально изучали различные
науки: естествознания, перспективу, анатомию
и другие. Они изображали на картинах
религиозные сцены как светские.
В эпизодах научились передавать
характер и раскрывать глубокие переживания
человека. Взглянув на «Распятие» написанное
Андреа Мантеньи. Голландские художники
17 века отличались тем, что у них
преобладали практически все
виды живописи. Эта профессия была
далеко не редкой, среди первых художников
была серьёзная конкуренция. В Голландии
картины художников 17 века украшали
дома не только богатых представителей
общества, но и обычных ремесленников
и крестьян.
Глава I Зарубежные художники
XVII века
1.1.Рембрант Харменс ван
Рейн - величайший голландский художник
XVII века
Творчество голландского
художника Рембрандта Харменса Ван
Рейна (1606-1669) - одна из вершин мировой
реалистической живописи. Рембрандт
писал картины на исторические, библейские,
мифологические и бытовые темы, портреты
и пейзажи. Он был крупнейшим в
Европе мастером рисунка и офорта.
Для его творчества характерно стремление
к философскому осмыслению жизни, честность
к себе и людям, интерес к духовному
миру человека. Нравственная оценка событий
и человека - основной нерв искусства
мастера. Одухотворенность модели и
драматизм события художник великолепно
передавал через эффекты светотени,
когда пространство словно тонет
в тени, в золотистых сумерках, а
луч света выделяет отдельные
фигуры людей, их лица, жесты и движения.
В этом методе живописного построения
картины Рембрандту не было и нет
равных (один лишь только итальянец
Караваджо может соперничать
с ним по мастерству использования
светотени). Как это часто бывает
в истории искусства, не смотря на
свой гениальный талант, Рембрандт
умер в бедности и одиночестве, забытым,
никому не нужным мастером. Но работы его
живут в веках, так что можно
без преувеличения сказать, что
Рембрандт - один из самых величайших
художников в истории мирового искусства.
Многие назвали бы его непревзойденным
живописцем, даже гораздо более великим
чем Рафаэль или Леонардо. Его
творчество, казалось бы, сковывали
традиции и догмы голландского протестантского
искусства, ведь он никогда не выезжал
за пределы Голландии. И все же
Рембрант не только восхищает блестящей
техникой живописи, но и являет своим
творчеством откровение: никто прежде
не рассказывал о простых человеческих
чувствах столь глубоко, нежно, интересно
и проникновенно. В своих исторических
и библейских сценах, в своих портретах
современников он достигает глубин
психологической выразительности.
Его мудрость, сострадание и проницательность,
скорее всего, являются следствием самопознания:
много раз, как никто другой, писал
он автопортреты и запечатлел свой
жизненный путь, начиная с поры
молодости и успеха и кончая старостью,
принесшей горести и лишения.
В настоящий момент известно более
ста автопортретов Рембрандта, каждый
из которых является удивительным шедевром.
Благодаря удачно сложившимся историческим
обстоятельствам, Россия сейчас обладает
одной из самых богатых коллекций
картин Рембрандта. Почти все они
хранятся в Государственном Эрмитаже
в Санкт-Петербурге, включая такие
прославленные шедевры, как "Возвращение
блудного сына", "Даная", "Портрет
Саскии в образе Флоры", "Портрет
старика в красном", "Давид
и Урия" и др. На картинах Рембранта
из Эрмитажа училось не одно поколение
русских художников. Если же у вас
нет возможности посетить Государственный
Эрмитаж, то приглашаем вас в нашу
виртуальную галерею картин Рембранта.
Здесь вы можете увидеть практически
все знаменитые шедевры мастера,
ко многим из которых даны развернутые
описания. Приятного путешествия в пленительный
мир удивительного художника и чуткого
человека - Рембрандта.
1.2. Питер Пауль Рубенс
Питер Пауль Рубенс (Peter Paul
Rubens), 1577–1640 гг. - фламандский художник и дипломат.
Родился в Зигене в Вестфалии 28 июня 1577
г. в семье Яна Рубенса, антверпенского
юриста. Когда Питеру Паулю Рубенсу было
одиннадцать лет, его отец умер, а мать
переехала с детьми в Антверпен. Будущий
художник получил образование в школе
иезуитов. Способности к языкам (он говорил
на шести языках) позволили ему не только
освоить культурное наследие своей эпохи,
но и достичь значительных успехов на
дипломатическом поприще. Рубенс учился
у трех фламандских живописцев – Тобиаса
Верхахта, Адама ван Норта и Отто ван Вена.
В 1598 г. он был принят в гильдию св. Луки.
В 1600 г. художник приехал в Италию; там
он изучал античную архитектуру и скульптуру,
итальянскую живопись, а также писал портреты
(в основном в Генуе) и алтарные образы
(в Риме и Мантуе). В 1603 г. итальянский покровитель
Рубенса Виченцо Гонзага послал его в
Испанию в составе дипломатической миссии.
В 1608 г. Рубенс стал придворным живописцем
Изабеллы Австрийской, поселился в Антверпене
и в 1609 г. женился на аристократке Изабелле
Брант. От этого брака родилось трое детей.
Чтобы удовлетворить растущий спрос на
свои картины, Рубенс за несколько лет
создал большую мастерскую, где работали А. ван Дейк, Якоб Йорданс и Ф. Снейдерс. Он выполнял эскизы,
которые его ученики и помощники переносили
на холст, а затем, по окончании работы,
слегка подправлял картины. Он даже организовал
гравировальную школу, чтобы еще шире
распространять свои работы. Картины Рубенса
этих лет полны страстной динамики. Среди
сюжетов преобладают сцены охоты, битвы,
яркие и драматичные евангельские эпизоды
и сцены из жизни святых, аллегорические
и мифологические композиции; в них Рубенс
с удовольствием писал энергичные, мощные
тела, так нравившиеся его современникам.
Кроме заказов, поступавших от местных
церквей и антверпенских аристократов,
художник получал заказы из-за границы,
в основном из Англии. Большая мастерская,
здание которой он спроектировал в стиле
генуэзского палаццо (восстановлено в
1937–1946), вскоре стала общественным центром
и достопримечательностью Антверпена.
В 1620-е годы Рубенс работал для французского
королевского дома. Он написал для Марии
Медичи цикл аллегорических панно на сюжеты
из ее жизни и выполнил картоны для гобеленов
по заказу Людовика XIII, а также начал цикл
композиций с эпизодами из жизни французского
короля Генриха IV Наваррского, так и оставшийся
незавершенным. С начала 1620-х годов Рубенс
вел активную дипломатическую деятельность.
В 1628 и 1630 гг. Рубенс ездил в Мадрид и Лондон
с дипломатическими поручениями и участвовал
в заключении мирного договора между Испанией,
Англией и Голландией. Вернувшись в Антверпен,
Рубенс был встречен с большими почестями;
испанский король пожаловал ему титул
государственного советника, а английский
король – личное дворянство. Вскоре Рубенс
женился на шестнадцатилетней Елене Фоурмен;
у них было пятеро детей. В эти годы стиль
Рубенса изменился – композиции строятся
в свободном и плавном ритме, характерная
для раннего периода творчества жесткая
скульптурная трактовка форм сменяется
более легкой и воздушной цветовой моделировкой.
В них можно заметить влияние произведений Тициана, которые Рубенс копировал во
время пребывания в Мадриде. Несмотря
на то, что у него много времени отнимала
работа над большими декоративными композициями
и сооружениями (роспись плафона в банкетном
зале во дворце Уайтхолл в Лондоне; триумфальные
арки в честь въезда в Антверпен инфанта
Фердинанда; украшение охотничьего замка
Торре де ла Парада), Рубенс успевал писать
также более камерные, лирические произведения.
Среди них следует назвать портрет "Елены
Фоурмен Шубка" (ок. 1638–1640, Вена, Художественно-исторический
музей), "Кермесса" (ок. 1635–1636, Лувр), и особенно несколько сияющих,
ярко освещенных пейзажей, созданных в
последние пять лет жизни в загородном
поместье близ Мехлина. Умер Рубенс 30 мая
1640 г.
В своих произведениях
Рубенсу удалось достичь того,
к чему стремились три предыдущих
поколения художников Фландрии: соединения
фламандского реализма с классической
традицией, возрожденной итальянским
Ренессансом. Художник был наделен
огромной творческой энергией и неистощимым
воображением; черпая вдохновение из
самых разных источников, он создал
свой неповторимый стиль. Для выполненных
им алтарных образов характерны чувственность
и эмоциональность; украшая замки
аристократии эпохи зарождающегося
абсолютизма, он способствовал распространению
стиля барокко – художественного
языка не только Контрреформации, но
и светской культуры этого времени.
1.3. Французский
живописец Пуссен Никола
Родился в 1594 в Лез-Андели
в Нормандии. Первым учителем Пуссена
стал Кантен Варен из Амьена, который
в 1611–1612 жил в Лез-Андели. В 1612 Пуссен
приехал в Париж, где Александр
Кутуа, камердинер короля, предоставил
молодому художнику возможность
посещать королевскую коллекцию
живописи; там он впервые увидел
произведения Рафаэля и мастеров
его школы. В Париже Пуссен познакомился
с поэтом Джованни Баттиста Марино,
для которого впоследствии выполнил
прекрасную серию рисунков на сюжеты
из Овидия, Вергилия и Тита Ливия, хранящуюся
сейчас в Виндзорском замке.
Весной 1624 художник приехал
в Рим и поселился там на всю оставшуюся
жизнь. В 1640, когда слава Пуссена достигла,
наконец, его родины, он получил приглашение
Людовика XIII и был вынужден на некоторое
время вернуться в Париж. В Париже Пуссен
создал такие произведения, как Евхаристия,
Чудо св. Франциска Ксаверия (обе в Лувре)
и Время спасает Истину от посягательств
Зависти и Раздора (Лили, Музей изящных
искусств). Последняя была написана по
заказу кардинала Ришелье и предназначалась
для украшения плафона. Известно, что жизнь
при королевском дворе тяготила Пуссена,
и в 1642 он вернулся в Рим.
Главными источниками живописи
Пуссена являются произведения классической
античности и итальянского Ренессанса.
Многочисленные рисунки свидетельствуют
о его огромном интересе к памятникам
Древнего Рима. Ему принадлежит множество
зарисовок античных рельефов, статуй и
саркофагов. Однако классические мотивы,
столь многочисленные в произведениях
Пуссена, почти всегда изменены и переработаны
им в соответствии с его собственными
художественными задачами. Из произведений
мастеров итальянского Возрождения наиболее
сильное воздействие на художника оказала
живопись Рафаэля и Тициана. В поздних
работах Аполлон и Дафна (ок. 1664) и серии
из четырех картин Времена года (1660–1664,
все в Лувре) Пуссен обращается к лирическим
мотивам; эти произведения богаче по композиции
и тоньше по технике исполнения, нежели
чисто романтические полотна раннего
периода. Серия Времена года с библейскими
сценами Рай (Весна), Руфь (Лето), Исход
(Осень) и Потоп (Зима) принадлежит к числу
лучших пейзажей Пуссена.
Пуссен создаёт произведения,
предвосхищающие суровую гражданственность
позднего классицизма ("Смерть Германика",
около 1628, институт искусств, Миннеаполис),
полотна в духе барокко ("Мученичество
свыше Эразма", около 1628-1629, Ватиканская
пинакотека), просветленно-поэтичные
картины на мифологические и литературные
темы, отмеченные особой активностью
цветового строя, близкого традициям
венецианской школы. ("Спящая Венера",
Картинная галерея, Дрезден; "Нарцисс
и Эхо", Лувр, Париж; "Ринальдо и
Армида", Музей изобразительных
искусств им. А. С. Пушкина, Москва; все
три - около 1625-1627; "Царство Флоры",
около 1631-1632, Картинная галерея, Дрезден;
"Танкред и Эрминия"). Более
четко классицистические принципы
Пуссена выявляются в полотнах 2-й
половины 30-х годов. ("Похищение
сабинянок", 2-й вариант, около 1635;
"Израильтяне, собирающие манну",
около 1637-1639; обе - в Лувре, Париж). Царящий
в этих произведениях чеканный композиционный
ритм воспринимается как непосредственное
отражение разумного начала, умеряющего
низменные порывы и придающего величие
благородным поступкам человека.
В 1640-1642 годах Никола Пуссен работает в
Париже при дворе Людовика XIII ("Время
спасает Истину от посягательств Зависти
и Раздора", около 1641-1642, Художественный
музей, Лилль). Интриги придворных художников
во главе с С.Вуэ побуждают Пуссена вернуться
в Рим.
Глава II Русские художники
XVII века
2.1. Зубов Алексей
Федорович
Сначала живописец при Оружейной палате,
с 1699обучался у Адриана Шхонебека «грыдоровать
гербы» (для гербовой бумаги). Для доказательства
своих познаний в гравировании, Зубов
уже в 1701 представил в Оружейную палату копию
с голландской Библии 1674, за подписью: «по фрески Сошествие Святого
Духа».
Зубов скоро стал искусным гравёром
и награвировал много больших
листов, в которых достиг высокой
техники. Огромный видСанкт-Петербурга,
выгравированный им на 8 досках, в пару
виду Москвы, награвированному Яном Бликландтом,
лучшее произведение Зубова. Ему также
принадлежат изображения морских сражений
(«Баталия при Гренгаме», 1721), празднеств
по случаю побед («Торжественное вступление
русских войск в Москву после победы под
Полтавой», 1711) и других важнейших событий
того времени. Парадную часть подобных
изображений Зубов дополнял точно переданными
жизненными деталями. Он создавал гравюры,
пользуясь чертежами и проектами зодчих,
например, М. Г. Земцова. Документальность
композиций совмещалась с декоративностью
гравированного листа и изображением
предполагаемых построек. Виды города
изображались художником «с птичьего
полета», что способствовало ощущению
масштабов грандиозных сцен - панорам
берегов Невы.
С 1714 года Зубов работал в Санкт-Петербурге.
Был старшим мастером при Санкт-Петербургской
типографии. После смерти Петра I, в царствование
Екатерины I, Зубов делает портрет императрицы
(1726, с оригинала И. Адольского), гравирует,
вместе с П. Пикартом, конный портрет Петра
(1726), исполняет по заказу А. Д. Меншикова
портреты жены и дочери «светлейшего»
князя - Д. М. и М. А. Меншиковых (1726). Осенью
1727 г. закрывается Санкт-Петербургская
типография, при которой Зубов состоял
с момента приезда в северную столицу.
После отставки он вынужден был, как и
его брат, превратиться в мастера народных
лубочных картинок. Художник пытался устроиться
в Гравировальную палату Академии наук,
но постоянную работу там так и не получил.
К 1730 г. он возвращается в Москву.
В старой столице Зубов по-прежнему
трудится очень интенсивно. В 1734 году
он создает портреты Петра I, Петра II и
Анны Иоанновны. Много работает по заказам
церквей и богатых горожан. Но вещи Зубова
этого времени показывают, сколь тонок
еще был слой новой культуры, сколь сильно
зависели русские художники от окружения,
сколь сильны еще были традиции допетровской
эпохи. Тому свидетельство - известный
«Вид Соловецкого монастыря» - огромная
гравюра, выполненная Зубовым совместно
с братом Иваном в 1744 году. Словно и не было
видов Петербурга, баталий, портретов.
Словно не было самой петровской эпохи.
Словно никогда не покидал Зубов Москвы
и Оружейной палаты. Последние известные
нам работы гравера датированы 1745 годом,
а последнее упоминание о нем - 1749-м. Умер
мастер в бедности и безвестности.
Последний лист, выгравированный Зубовым,
отмечен в 1741 году. Лучшие его портреты чёрной манерой:
«Екатерины I», «Петра I», двух княгинь
«Дарьи и Марьи Меншиковых» - чрезвычайно
редки; резцом - «Екатерины I», «Головина»
и «Стефана Яворского». У Ровинского («Русские граверы», М. 1870) приведён список 110 досок работы Зубова.
Некоторые доски сохранились до настоящего
времени и даже способны давать ещё хорошие
отпечатки.
2.2. Никитин Иван
Никитич
Родился в Москве, сын священника Никиты Никитина, служившего
в Измайлове, брат священника Иродиона
Никитина, позднее протопопа Архангельского
собора в Кремле, и живописца Романа Никитина.
Учился в Москве, по всей видимости,
при Оружейной Палате, возможно,
под руководством голландца Шхонебека в гравировальной мастерской. В1711 году переведен в Петербург, учился у Иоганна Таннауэра,
немецкого художника, который одним из
первых принял приглашение Петра Первогопереехать в Петербург учить перспективной живописи русских
художников. Быстро завоевывает авторитет
при дворе. В 1716-1720 на государственную пенсию, вместе со
своим братом Романом послан, в числе двадцати
человек, учиться в Италии, в Венеции иФлоренции. Он учился у таких мастеров, как Томмазо
Реди и И. Г. Дангауера. После возвращения
становится придворным художником. Так,
Никитину принадлежит портрет умирающего
Петра Первого. В 1732 году вместе с братом Романом, также художником,
был арестован по делу о распространении
пасквилей на Феофана Прокоповича.
После пяти лет предварительного заключения
в Петропавловской Крепости был бит плетьми
и сослан в Тобольск пожизненно. В 1741 году, после смерти Анны Иоанновны,
получил разрешение вернуться в Петербург.
Выехал в 1742 году и скончался по дороге.
Имеется всего три подписанных
работы Никитина, вместе с теми, что
ему приписываются, всего около
десяти. Ранние работы еще содержат
следы парсуны, бывшей единственным стилем портрета
в России в XVII веке. Никитин является одним
из первых (часто называется первым) русских
художников, отошедших от традиционного
иконописного стиля русской живописи
и начавших писать картины с перспективой,
так, как в это время писали в Европе. Тем
самым он является основателем традиции
русско
и т.д.................
В истории искусства России 17 век был периодом борьбы двух живописных школ и формирования новых жанров. Православная церковь все еще имела огромное влияние на культурную жизнь человека. Художники тоже испытывали некоторые ограничения в своей деятельности.
Иконопись
Во времена позднего Средневековья центром сосредоточения в России художников и ремесленников был Кремль, а точнее Оружейные палаты. Там трудились лучшие мастера архитектуры, живописи и других видов творчества.
Несмотря на стремительное развитие искусства по всей Европе, живопись в России в 17 веке имела только один жанр - иконопись. Художники вынуждены были творить под неусыпным надзором церкви, которая всячески противилась любым нововведениям. Русская иконопись сформировалась под влиянием живописных традиций Византии и имела к тому времени четко сформировавшиеся каноны.
Живопись, как и культура в России 17 века, была достаточно замкнутой в себе и развивалась очень медленно. Однако одно событие повлекло за собой полное реформирование иконописного жанра. При пожаре в 1547 года в Москве сгорело множество древних икон. Необходимо было восстанавливать утраченное. И в процессе главным камнем преткновения стал спор по поводу характера ликов святых. Мнения разделились, приверженцы старых традиций считали, что образы должны остаться символичными. В то время как художники более современных взглядов были за то, чтобы придать святым и мученикам большую реалистичность.
Разделение на две школы
В итоге живопись в России в 17 веке разделилась на два лагеря. В первом были представители "годуновской" школы (от имени Бориса Годунова). Они стремились к возрождению иконописных традиций Андрея Рублева и других средневековых мастеров.
Эти мастера работали над заказами для царского двора и являли собой официальную сторону искусства. Характерными чертами для этой школы были каноничные лики святых, упрощенные изображения толпы людей в виде множества голов, золотистые, красные и сине-зеленые тона. При этом можно заметить попытки художников передать материальность некоторых предметов. Годуновская школа наиболее известна своими настенными росписями в палатах Кремля, в Смоленском соборе, Троицком соборе.
Противоборствующей школой стала "строгановская". Название связано с купцами Строгановыми, для которых делалась большая часть заказов и которые выступали в качестве "спонсоров" в развитии живописи в России в 17 веке. Именно благодаря мастерам из этой школы и началось стремительное развитие искусства. Они первыми стали делать миниатюрные иконы для домашних молитв. Это способствовало их распространению среди простых граждан.
Строгановские мастера все больше и больше выходили за рамки церковных канонов и стали уделять внимание деталям окружения, внешнему виду святых. Так потихоньку стал развиваться пейзаж. Их иконы отличались красочностью и декоративностью, а трактовка библейских персонажей была ближе к образам реальных людей. Самые известные из сохранившихся произведений - иконы "Никита воин", "Иоанн Предтеча".
Ярославские фрески
Уникальным памятником в истории живописи 17 века в России являются фрески в церкви Пророка Ильи в Ярославле, над которыми работали художники из Оружейных палат. Особенностью этих фресок являются сцены из реальной жизни, которые преобладают над библейскими сюжетами. Например, в сцене с исцелением основную часть композиции занимает изображение крестьян во время жатвы. Это было первое монументальное изображение в бытовом жанре.
Среди этих фресок можно встретить сказочные и мифологические сцены. Они поражают своими яркими красками и сложной архитектурой.
Симон Ушаков
На каждом этапе культурного развития страны появляются свои значимые лица. Человеком, который продвинул живопись в России в 17 веке по новому направлению и способствовал ее частичному освобождению от религиозной идеологии, был Симон Ушаков.
Он являлся не только придворным живописцем, но и ученым, педагогом, богословом, человеком широких взглядов. Симон был увлечен западным искусством. В частности, его интересовало реалистичное изображение человеческого лица. Это хорошо заметно в его работе "Спас Нерукотворный".
Ушаков был новатором. Он первым из русских художников стал использовать масляную краску. Благодаря ему стало развиваться искусство гравюры на меди. Будучи тридцать лет главным художником Оружейной палаты, он написал множество икон, гравюр, а также несколько трактатов. Среди них "Слово к любителю иконного писания", в котором он изложил свои мысли о том, что художник должен, подобно зеркалу, правдиво отображать окружающий мир. Он придерживался этого в своих работах и обучал этому своих учеников. В его записях есть упоминания анатомического атласа, который он хотел написать и проиллюстрировать гравюрами. Но, судя по всему, он не был издан или же не сохранился. Главная заслуга мастера в том, что он заложил основы портретной живописи 17 века в России.
Парсуна
После значительных преобразований в иконописи, начал формироваться портретный жанр. Поначалу он выполнялся в иконописном стиле и получил название "парсуна" (от латинского - персона, личность). Художники все больше работают с живой натурой, и парсуны становятся более реалистичными, лица на них приобретают объем.
В этом стиле написаны портреты Бориса Годунова, царей Алексея Михайловича, Федора Алексеевича, цариц Евдокии Лопухиной, Прасковьи Салтыковой.
Известно, что при дворе работали и иностранные художники. Они тоже в значительной мере способствовали эволюции русской живописи.
Книжная графика
Книгопечатание тоже довольно поздно пришло на русские земли. Однако параллельно с его развитием популярность приобретали и гравюры, которые использовались в качестве иллюстраций. Изображения были как религиозного, так и бытового характера. Книжная миниатюра того периода отличается сложным орнаментом, декоративными буквицами, встречаются и портретные изображения. Большой вклад в развитие книжной миниатюры внесли мастера строгановской школы.
Живопись в России в 17 веке из высокодуховной превратилась в более мирскую и близкую к народу. Несмотря на противодействие церковных деятелей, художники отстояли свое право творить в жанре реализма.
Одним из главенствующих стилей является барокко: это яркий порывистый стиль, проявляющийся в пышности и излишествах. Основоположником барокко, зародившегося в Италии можно считать Микеланджело да Караваджо.
Первым и наиболее ярким представителем церковного барокко стал художник, известный под именем Эль Греко. Творчество де Сильва Веласкеса считается вершиной испанского искусства золотого века барокко.
Величайшими представителями фламандской живописи 17 века являются Питер Рубенс и Рембрандт.
В начале 18 столетия ведущее положение занял новый стиль – рококо. Название этого направления произошло от французского слова, означающего «узор из камней и раковин». Характерной особенностью нового направления был уход от реальной жизни в придуманный мир, что находило яркое выражение в творчестве лучших представителей стиля.
Одним из представителей первого периода французского рококо является Антуан Ватто, Франсуа Буше, Никола Ланкре. Портретный жанр получил развитие в творчестве Жана Наттье.
В итальянском рококо ярким представителем стиля был Джованни Тьеполо, Франческо Гварди, Пьетро Лонги.
Во второй половине 18 века на смену легкому, рафинированному стилю рококо в живописи пришел классицизм с его глубоким содержанием и стремлением к идеальному эталону. Представителями французского классицизма середины 18 века являются Жозеф Мари Вьен, Жак Луи Давид. Представителями германского классицизма – Антон Менгс, Антон Графф, Франц Маульберч.
