Рисунком принято называть изображение, созданное с помощью линий, черт, отображающих важные признаки предмета (форму, размер, пропорцию, динамику, объем и т.д.), используемых во всех видах изобразительного искусства.
Существуют многочисленные разновидности рисунка, различающиеся по методам рисования, по темам и жанрам, по технике исполнения. Рисунок может быть станковым и служить вспомогательным материалом для создания живописных, графических, скульптурных произведений. Неслучайно рисунок служит основой для усвоения выразительных средств создания художественного образа в изобразительном искусстве, для решения различных творческих задач. Знание техник и материалов рисунка, понимание их особенностей помогают реализовать любой замысел.
По использованию изобразительно-выразительных средств различают:
Линейный рисунок . Выполняется легкими, светлыми, обобщенными штрихами. С помощью линейного рисунка создается художественный образ, строятся различные таблицы, схемы, опорные сигналы.
Тональный рисунок . Способствует передаче объемной формы изображаемого предмета и дает более полную характеристику его свойств и качеств. Тональный рисунок позволяет отобразить на плоскости характер освещения, материальность и пространственные отношения. Простейший вид тонального рисунка - контурный рисунок (силуэт), который заполняется одним ровным тоном.
По технике выполнения:
Оригинальный рисунок. Выполняется от руки в единственном экземпляре.
Печатный рисунок. Наносится на клише, оставляющее оттиск на бумаге. Другое название -эстамп. Выделено несколько разновидностей эстампа: ксилография (на дереве); литография (на камне); линогравюра (на линолеуме); офорт (на металле).
По целевому назначению:
Академический рисунок. Выполняется длительное время на высоком профессиональном уровне с целью совершенствования приемов рисования, более глубокого освоения приемов изображения и тщательного изучения различных форм.
Учебный рисунок , подготовительный этап, составная часть академического рисунка, выполняется с целью обучения рисованию.
Творческий рисунок выступает в качестве самостоятельного произведения изобразительного искусства, отображающего внутренний мир художника, его душевную и духовную сущность, мысли, мировоззренческие идеи.
Набросок - краткосрочный рисунок, выполненный с помощью линий, дополняемых редкой штриховкой или тушевкой.
Этюд служит для более подробного изучения предмета и изображения его частей. Цель - выделение в течение длительного времени важнейших внешних и внутренних свойств и признаков объекта.
Эскиз выполняется на основе собранных набросков и этюдов, которые выступают в качестве строительного материала эскиза, который впоследствии станет будущим произведением.
По способам рисования . Различие между образом реального предмета, сложившимся в процессе зрительного восприятия, и образом, сохранившимся в памяти в виде представления, приводит к появлению разных способов изображения.
Рисование по восприятию . Объект изображения в течение всей работы находится перед рисующим. Такой способ рисования называется еще ирисованием с натуры.
Этот вид рисования заставляет художника задуматься над формой, содержанием натуры, определить признаки и свойства предметов, осмыслить их отношения. Параллельно с этим воспитываются внимательность и наблюдательность, развивается способность гармоничного видения, осмысления и изображения.
Рисование по оригиналам (копирование). Выполняется не с натуры, а с рисунка-оригинала работы мастером. Такой вид рисования - вспомогательный прием при обучении основам изобразительной грамоты, поскольку позволяет наглядно увидеть, как могут быть решены изобразительные задачи. Цель копирования заключается еще и в том, чтобы практически освоить ту или иную технику рисования.
Рисование по представлению . Объект изображения отсутствует, т.е. его нет перед глазами рисующего. Изображение создается на основе представлений и впечатлений о предметах, объектах, явлениях, событиях, которые были получены ранее. Образы формируются в сознании рисующего и потому несут на себе отпечаток индивидуальности, неповторимости. Очень часто они менее конкретны и глубоки, чем воспринимаемые объекты. Однако, несмотря на обобщенность характера рисунков по представлению, образы могут дополняться, конкретизироваться художником в ходе рисования, что способствует развитию зрительной памяти, творческого воображения, насыщению новыми образами.
Выразительные средства рисунка
Точка. Получается от прикосновения острия карандаша, кисти или любого изобразительного материала к изобразительной плоскости или от пересечения линий и штрихов. Чаше всего используется при отображении светотени или при линейном построении композиции рисунка. В этом случае точка выступает в качестве опоры, поэтому ее называют опорной.
Линия - наиболее распространенное изобразительно-выразительное средство, легко наносимое любым материалом.
Линии различают
по назначению:
- вспомогательные - используются при компоновке и линейно- конструктивном построении формы предметов (объектов);
Пространственные - служат для передачи пространственного положения формы в зависимости от освещения и окружающей обстановки;
- плоскостные - применяются чаще всего в декоративном искусстве и графике.
По характеру:
- прямые выполняются короткими соединяющими тонкими штрихами, идущими от намеченной на бумаге точки и обозначающими направление линии;
- кривые изображаются посредством трех опорных точек (две конечные определяют длину линии, третья - указывает на высоту линии). Расстояние между точками оказывает влияние на характер самой линии.
По направлению: горизонтальные; вертикальные; диагональные.
По технике выполнения :простые (все прямые и некоторые кривые: замкнутая, дугообразная) исложные (ломаная - зигзагообразная; волнистая; комбинированная; спиралевидная).
Штрих - относительно короткие линии, позволяющие отобразить размеры, контуры предмета, светотеневую моделировку, характер формы, передать объем и фактурность. Штрихи, как и точки, могут быть опорными.
Штриховка - прием нанесения тона с помощью штрихов, направление которых определяется движением поверхности изображаемого предмета, ее структурой, формой, размерами и пр.
Тон - передача в рисунке светотеневых отношений (градаций) на предмете посредством штриховки, тушевки и окраски. На предметах с ровной, мягкой изогнутой линией переход от света к тени будет постепенным, с характерными полутонами, тоновыми нюансами, наличием рефлексов. Предметы, имеющие угловатую неровную поверхность, содержащую множество изгибов и изломов, отличаются своеобразием и в тональном изображении. Тоновой рисунок в этом случае подчиняется другим законам передачи светотени, в зависимости от материала предмета, направления источника света.
Тушевка - прием нанесения тона с помощью слитных штрихов, выполняемых боковой поверхностью графита карандаша.
1. Какие виды рисунка выделены в теории искусства?
2. Какое значение имеют выразительные средства для формирования графического образа в рисунке?
3. В чем состоит значение рисунка для различных видов искусства?
Особенности овладения рисунком детьми дошкольного возраста
Специфика рисования
Рисование - один из самых популярных видов изобразительной деятельности и творчества. Первые рисунки появляются у ребенка тогда, когда ему впервые попадет в руки карандаш. Мы уже говорили о том, что первые каракули, штрихи носят исследовательский и вместе с тем отобразительный характер. Направления штрихов, их форма, сочетание - первые изображения ребенка, через которые он передает свое настроение, отношение к тому, что его привлекает, волнует. После того как малыш узнает краски и другие изобразительные материалы, рисунок не перестает его привлекать. В свободной деятельности дети чаще рисуют карандашами и фломастерами, чем красками, поскольку они позволяют быстрее получить изображение, точнее передать детали образа.
Лист бумаги служит для дошкольника средством общения, самовыражения и даже полем для изобразительной игры. Поэтому в рисунке ребенок уделяет внимание внутреннему смыслу, а не его форме. Из-за этого маленький художник упускает важные моменты построения образа, что приводит к хаотичному расположению его элементов, размыванию главного. Если не уделять этой проблеме внимания, то рисунок постепенно утрачивает свою изобразительно- выразительную привлекательность и напоминает некое схематичное повествование, имеющее незаконченный вид. Для того чтобы у детей не формировалось искаженное восприятие рисунка, целесообразно выделить ряд направлений в педагогическом процессе.
1. Отработка изобразительных навыков - цель изобразительной деятельности. Одним из изобразительных навыков становится свободное проведение различных по характеру линий (рис. 12- 16).
2. Оптимизация творческой активности, обусловливающей развитие изобразительного творчества дошкольников.
Дети 2,5 - 3,5 года собрались рисовать зимний пейзаж. Предварительно они рассмотрели различные изображения зимнего леса в разных колористических гаммах, с использованием нескольких техник. Педагог предложил закрыть фон для будущей работы. Так как данный вид деятельности хорошо знаком дошкольникам, ему оставалось только напомнить, что общий колорит фона должен соответствовать тому настроению, которое они хотели бы отразить в своих работах. После того как фон был готов, педагог, используя показ как метод обучения, продемонстрировал способы рисования заснеженной ели, и каждый новый способ дети самостоятельно повторяли на отдельных листках бумаги. Затем каждый ребенок выбрал тот прием, который ему больше всего понравился. Рисуя первую ель, дошкольник стремится повторить все движения, которые он совершал при тренировке. А вот последующие деревья он начинает изменять, добавляя какие-то элементы, поясняя ход своих мыслей: «...А на этой ели будет много снега, и я поставлю большие отпечатки кисточкой»; «А у меня елка наклонилась, потому что ей тяжело под снегом».
Рис. 12. Прямые линии:
I - горизонтальные; ритм вертикальный (падающий); вертикальные;
2 - свободный горизонтальный ритм; свободный диагональный; объемные горизонтальные; 3 - пространственные горизонтальные; диагональный устремленный; композиционные вертикальные; 4 - падающий вертикальный ритм; сложный смешанный ритм; смешанный горизонтальный ритм
Рис. 13. Ломаные линии:
1 - усиливающийся вертикальный ритм; смешанный ритм; 2 - диагональный ступен чатый; ритм ломаных линий; 3 - ломанный горизонтальный ритм; ломанный верти кальный ритм; 4- спокойный вертикальный ритм; переплетение ломаных линий
Рис. 14. Волнистые линии :
1 - волнистые горизонтальные; пучок диагональных; 2 - волнистые вертикальные; волнистые усиленные к центру; 3 - волнообразное движение; волнистые усиленные к краю; 4 - волнистые диагональные; «срез камня»; 5 - концентрация линий к центру; волнистые пересекающиеся; 6 - волнистая «живая»; концентрация линий к краю; 7- расходящиеся от угла; ветвистые линии; 8- округлые линии (ослабление тона); концентрические ослабленные к центру; 9 - переплетение; концентрические,
ослабленные к краю
Рис. 15. Округлые линии:
1 - горизонтальные овалы; «цепочка»; 2- пересекающиеся овалы; горизонтальный ритм овалов; 3 - вертикальный ритм овалов; перекрывающиеся овалы
Рис. 16. Спиралевидные линии:
1 - горизонтальная спираль с усилением; приближающаяся спираль; спираль «улитка»; 2 - диагональная спираль; свободные диагональные спирали; свободная горизонтальная спираль; 3 - ниспадающая диагональная спираль; ниспадающие вертикальные спирали; расширяющаяся вертикальная спираль; 4 - наклонная горизонтальная спираль; пучок расходящихся спиралей; свободные пересекающиеся спирали; 5 - пересечение диагональных спиралей; свободные дугообразные спирали; расширяющийся пучок спиралей
Упражнения в рисовании
Невозможно ждать от ребенка проявления творчества, если у него не хватает технического опыта. Здесь важны две стороны: наличие опыта и внесение нового элемента. Замыслы могут остаться нереализованными, так как их воплощение обусловлено не только уровнем владения техникой рисования (проведение различных линий, наложение мазков, нанесение штрихов и т.д.), но и связью между зрительно воспринимаемым объектом, координацией движения руки с кисточкой (карандашом) и представляемым образом. Для того чтобы перенести задуманное на плоскость листа, ребенку необходимо освоить несколько операций:
Научиться зрительно рисовать любой объект и регулировать рисовальные движения благодаря импульсам коры головного мозга;
Овладеть техникой изображения;
Изучить последовательность изображения для достижения целостности образа;
Усвоить цветовые отношения и формообразующие движения.
Каждая из обозначенных сторон выступает одновременно самостоятельным механизмом и составляющим одного процесса, который направлен на развитие изобразительного творчества.
Ребенок, не имея представления о том, как выглядит верблюд, не может его изобразить, добиться узнаваемости образа. А для этого ему необходимо хотя бы один раз увидеть это животное
Даже знакомый предмет (объект) сложно изобразить, если не хватает ручной умелости. Конечно, можно возразить, указав на удачные и интересные по цвету, форме, композиции каракули, которые получаются у ребенка, не имеющего большого опыта в области изобразительной грамоты. В этих удивительных каракулях видим занимательные образы мы, взрослые. Именно с позиции взрослого в них отмечается неординарное цветовое решение, оригинальное композиционное построение. Считать это в полной мере творчеством детей было бы необъективно. Сами малыши не видят ни оригинальности, ни индивидуальности в своих работах, так как у них пока еще нет опыта сравнения и сопоставления. Они ориентируются на мнения взрослых, что способствует постепенному формированию их собственной эстетической оценки.
Поэтому очень важно помочь дошкольнику обогатить изобразительный опыт, используя упражнения и творческие задания, которые служат связующим звеном между замыслом и творческим продуктом. Условно можно выделить несколько обучающих упражнений.
Рисование в воздухе с повторением движений педагога.
При выполнении лессировкой неба педагог показывает рукой движение кисточки: сначала в одном направлении, затем ворс разворачивается и начинает движение в другом направлении. Педагог показывает именно рукой, а не кисточкой, поскольку кистью руки можно более наглядно отразить характер движения ворса. Дети повторяют за педагогом движения рукой. Иногда рисование в воздухе необходимо выполнять кисточкой, чтобы дети зрительно и тактильно запоминали особенности рисовального движения.
Совместная прорисовка деталей на отдельном листке бумаги с подробным пояснением каждого рисовального движения .
Упражнение позволяет скорректировать мелкие рисовальные движения и помогает ребенку прочувствовать силу нажима кисти или карандаша для получения определенного изображения, увидеть последовательность изобразительных движений. Важно не только развивать зрительную и тактильную память в отношении формообразующих движений, но и учить детей на слух воспринимать инструкции. В связи с этим всем движениям необходимо давать словесную характеристику.
Рисуя дерево, педагог поясняет: «Посмотри, мы положили кисточку плашмя и ведем плавно вверх. Кисточка свободно движется, слегка изгибаясь, рисует еле заметную волнистую линию, и постепенно ворс кисти отрывается от листка. Только кончик соприкасается с поверхностью. Мы продолжаем рисовать концом кисти. Получился ствол. На самом верху ствол переходит в большую ветку. Теперь мы меняем широкую кисть на среднюю и рисуем ветки более тонкой кистью. Кладем кисточку к стволу и плавными волнистыми движениями поднимаемся вверх. Опять к стволу, кисточку кладем плашмя, постепенно она поднимается, и мы рисуем концом. Вот одна ветка длиннее, а другая короче. Они все разные. Мы их рисуем смело, не боимся, что они будут заходить на ствол, друг на друга. Теперь берем тонкую кисточку и рисуем еще более мелкие веточки, они переплетаются, как будто держатся за руки. Веточки не плоские, а объемные, нарисуем тень на них. Смешаем краски, чтобы у нас получился темный оттенок, и теперь тонкой кисточкой покажем тень, она должна быть только с одной стороны, а с другой ветка остается светлой...» Подробное объяснение необходимо для того, чтобы дети могли одновременно видеть изображение, анализировать характер рисовальных движений для получения образа.
Отработка отдельных технических приемов по инструкции педагога . Упражнение может проводиться как вне занятия, так и в ходе него. Цель его - обеспечить своевременную коррекцию отдельных приемов, деталей, необходимых ребенку для реализации замысла.
Процесс освоения основ изобразительной грамоты сложен, длителен, требует постоянного закрепления усвоенного материала. Дошкольники в ходе рисования очень часто, увлекаясь самим процессом, забывают многие правила и начинают расстраиваться, если у них что-то не получается из задуманного. Важно ненавязчиво оказать помощь, направляя ребенка на припоминание правил. Если же дошкольник испытывает неуверенность при выполнении какого-либо приема, то целесообразно его подбодрить, вселить в него уверенность.
Когда ребенок оказывается не в состоянии вспомнить прошлый опыт, можно предложить потренироваться на отдельном листке, поскольку попытки выполнить заново какую-то деталь могут также закончиться неудачей. Маленький лист бумаги меньше сковывает действия дошкольника и выступает в качестве тренировочной основы, на которой он смело экспериментирует, пробует разные варианты или отрабатывает какой-то один прием. На отдельном листке можно при необходимости отрабатывать приемы совместно с педагогом.
Очень часто педагог из-за нехватки времени на занятии не дожидается, пока дошкольник самостоятельно добьется результата, а сам выполняет необходимый элемент на детской работе. Творческого развития в этом случае не происходит. Ребенок привыкает, что педагог дорисует, педагог поможет и т. д., перестает проявлять усилия в достижении поставленной цели. У него постепенно пропадает интерес к рисованию.
Подражание педагогу, копирование отдельных элементов изображения. В копировании нет ничего опасного для творчества. Все зависит от характера его использования в системе обучения. Если оно выступает в качестве основного метода, то оказывает негативное влияние на творчество. Когда копирование или подражание используется с целью закрепления рисовальных движений, то оно способствует расширению опыта ребенка, формированию технической базы 1 (рис. 17).
Таким образом, использование упражнений, направленных на приобретение ребенком «рисовального» опыта, приводит в конечном счете к развитию детского изобразительного творчества. Творчество и деятельность - это не исключающие друг друга понятия, а две стороны одного явления. Изобразительная деятельность помогает ребенку творить, проявлять индивидуальность, дает определенную свободу. А творчество, которое проявляется на основе изобразительной деятельности, способствует гармоничному развитию личности дошкольника.
1. См.: Ломоносова М. Т. Графика и живопись: учеб. пособие. - М., 2003. - С. 150-151.
Рис. 17. Упражнения в штриховке
Контрольные вопросы
1. Какие виды рисунка, по вашему мнению, доступны детям дошкольного возраста?
2. В чем состоит суть упражнений? С какого возраста целесообразно применять упражнения для формирования изобразительных навыков?
Рисование баллончиками
с аэрозольной краской – это не только граффити, которое является рисованием на вертикальных поверхностях. В последнее время получила распространение удивительная техника под названием
s
pray paint
(или
s
pray paint
art) – рисунки спреем
, которые наносятся на картон, дерево, специальную плотную бумагу.
Фактически рисование баллончиками
– это «отпрыск» аэрографии, но оно имеет некоторые чисто художественные особенности.
Прежде всего, аэрография – жанр в основном «прикладной»: аэрографические рисунки наносятся на автомобили и другие объекты. Spray paint
– это чисто художественный жанр. Своеобразна тематика рисунков спреем
: это как правило фантастические или даже сюрреалистические пейзажи – космические, инопланетные и т.п.
Процесс рисования баллончиками, как правило, быстр и загадочен: зрители озадачены и заинтригованы неожиданными приемами и материалами, которыми пользуется художник.
Рисунки
создаются не одним только спреем
, но и свёрнутой или скрученной бумагой (например, листами из старых журналов), донышками баллончиков с краской и так далее. Действо завораживает: из беспорядочного с виду смешения распыляемых красок, из разводов, создаваемых прижатой к рисунку бумагой, возникает нечтоцельное и прекрасное.
Искусство рисования баллончиками
возникло в Европе и в настоящее время пришло и в Россию. Художников, работающих в жанре
s
pray paint
, можно увидеть на улицах наших городов, например, в Москве на Арбате.
Арсенал такого художника – набор баллончиков, бумажные листы, скребки, заостренные палочки, различные трафареты, которыми обычно служат подручные предметы круглой или другой геометрической формы – и так далее.
Рисовать можно на чем угодно.
Существуют даже, как ни удивительно, способы
рисованияна воде
–
техники эбру
и
суминагаши
. Причем очень древние. Только родина
суминагаши
– Япония, а
техника эбру
пришла к нам из Турции, а еще раньше (предположительно) зародилась в древней Индии, затем перешла к персам – они-то и принесли
технику эбру
в Османскую империю.
Различаются эти
техники
и приёмами, и материалами. Прежде всего,
суминагаши
– это именно
, а для
эбру
используется специальный раствор: смесь воды
с соком (нектаром) турецкого растения-эндемика гевены.
Этот компонент придает воде
дополнительную клейкость. Краски для обеих
техник – эбру
и
суминагаши
– используются нерастворимые, растекающиеся по поверхности воды
.
Для суминагаши вода наливается в прямоугольную ванночку-корытце, а краски помещаются на картонные кружки, свободно плавающие по поверхности и оставляющие за собой цветные шлейфы.
Для начала рисования вода
приводится в движение путём обыкновенного «взбаламучивания» рукой или любым подручным инструментом – либо можно просто дуть на плавающие картонные кружочки. На поверхности воды
появляются цветные разводы, после чего в ванночку помещается бумага. Итог такого рисования на воде
– «картина» суминагаши
– представляет собой лист бумаги с причудливым «мраморным» рисунком.
Традиционно для техники эбру эти инструменты – своего рода «кисти» – изготавливаются из розового дерева и конского волоса. Этими «кистями» художник работает с нерастворимой пленкой красок – смешивает цвета, растягивает, закручивает и т.д. В результате такого рисования краска на воде тоже приобретает рисунок, подобный мраморному (другое название техники эбру – турецкое мраморирование), но «текстура» рисунка, выполненного в технике эбру , отличается от суминагаши . С помощью тех же красок поверх мраморного фона теми же инструментами наносятся дополнительные рисунки – либо сохраняется только фон.
После помещения в ванночку листа бумаги этот фон отпечатывается на ней, затем бумага высушивается, и на неё с помощью трафарета наносится рисунок
. Первые дошедшие до нас картины эбру
датируются
XI
веком, но судя по совершенству техники - эбру
как искусство зародилось еще раньше.
Некоторое подобие рисования на воде в технике эбру или суминагаши можно попробовать воспроизвести в домашних условиях. В воду для рисования эбру можно добавить немного конторского клея, краски использовать масляные. В краски тоже можно добавить клей. Разумеется, эта кустарная техника – только подобие эбру . Но, тем не менее, это тоже будет , и результат может оказаться очень красивым и своеобразным. А главное – собственноручно выполненным и уникальным.
Рисунки крупой
– довольно популярное занятие.
Чем же привлекательно рисование крупами ? Во-первых, если проводить аналогию с рисунками песком – рисунки из крупы можно делать абсолютно с тем же успехом, но это занятие… чище. Чистый песочек надо ещё раздобыть, или отмыть тот, что есть, а крупа (например, манная) – вот она, сразу чистая, бери и рисуй .
Благодаря этой экологической чистоте рисование крупой – одна из первых техник, которым можно обучать детей. Кроме того, привлекательность рисования крупой – в её внешних свойствах: у каждой свой цвет, калибр, форма крупинок. Поверхность рисунка из крупы рельефна, текстурна.
Самая первая, элементарная техника, годящаяся для самых маленьких детишек – это рисование
пальчиком по слою крупы
.
Следующая методика – это рисунки из крупы
«насыпью»: на этом мы не останавливаемся, так как эта техника полностью совпадает с рисованием
песком
. Отметим только, что для такого рисования
лучше подходят крупы
самые мелкие – та же манка, к примеру.
Рисование крупами
на бумаге или картоне с помощью клея. Сначала рисуем
картинку карандашом. Потом аккуратно покрываем клеем ПВА ту часть поверхности рисунка
, на который будет насыпаться крупа
.
Если мы хотим сделать рисунок
разноцветным – можно пользоваться разными крупами
, а можно их красить.
Насыпать крупу
можно не только на клей, но и на краску, смешанную с клеем – так поверхность рисунка
под крупой
будет выглядеть более равномерно окрашенной.
Наконец, можно рисовать крупой на пластилине: покроем тонким слоем пластилина картонку, нужные участки рисунка несколько примнём – утопим – и заполним крупой . Можно проделывать эту процедуру через заранее подготовленные трафареты. Можно на готовой пластилиновой картине часть поверхности украсить выпуклой крупяной текстурой – для таких рисунков годятся крупы «крупнокалиберные»: гречка, рис, перловка, чечевица и т.д.
С помощью такой техники прекрасно получаются, например, пушистые зверушки, птичьи перья, рыбья чешуя. Да что угодно – стоит только дать простор фантазии!
Бодиарт и фейсарт
Эти слова пришли из английского: body – тело, face – лицо, art – искусство. Соответственно, бодиарт – украшение тела, фейсарт – лица. Фейсарт – это частный вид бодиарта. Часто бодиарт отождествляют с рисованием на теле , но это не совсем так. имеет название бодипейнтинг (от англ. paint – рисовать) и является одним из направлений бодиарта. Аналогично фейспейнтинг (роспись лица ) – это разновидность фейсарта . К бодиарту и фейсарту , помимо рисования на теле , росписи лица и удивительногободиарта на руках , относятся такие техники, как пирсинг, скарификация (шрамирование), имплантация (вживление чужеродных предметов и материалов), наконец, модификации тела (умышленное изменение частей тела). Такое известное направление бодиарта как татуаж, являясь тоже рисованием на теле , объединяет бодипейнтинг с повреждающими методиками.
Корни рисования на теле и особенно росписи лиц уходят в древность. Традиционнаяр оспись тела и лица практиковалась почти во всех ранних обществах для совершения языческих ритуалов, церемоний и обрядов. Она могла символизировать перевоплощение в животное или в мистический персонаж, а также указывать на социальный статус носителя рисунка. У индейцев традиционная роспись лица указывала на принадлежность к определенному племени, на участие в войне и т.д.
Особое место занимает индийская Менди – рисование на теле с помощью хны. В конце 20 века Менди сделалась популярной и у девушек западных стран.
Для нас привычна роспись лиц
клоунов и актёров, в частности, традиционных масок многих национальных театров. Грим и макияж – тоже типичные представители фейсарта
. В последнее время фейсарт
зачастую используется при проведении праздников, презентаций, промоакций. Особое место приобрел детский праздничный фейсарт
.
Для современного фейсарта , помимо обычного грима и знакомых всем косметических принадлежностей, используются хна, аквагрим, иногда гуашь (недостаток последней – высыхание и растрескивание, подсохшая роспись осыпается с лица ). В качестве инструментов для рисования на теле и лице, кроме карандашей, кистей и тампонов, используются специальные фломастеры и аэрографы.
Несколько слов о татуаже.
Традиционная татуировка – рисование на теле путём введения несмываемой краски внутрь кожи – процедура дорогая, болезненная, необратимая и, если выполняется непрофессиональным мастером, небезопасная. Поэтому в последнее время традиционную татуировку активно вытесняет временный татуаж: упомянутая роспись тела и лица с использованием хны (рисунки держатся около трех месяцев) и самый безобидный вид «татуажа» – переводные картинки и рисование на теле специальным маркером для татуажа, с использованием или без использования трафаретов.
Слышали ли вы про рисование светом ? Возможно ли это? Ведь свет, казалось бы, – это нечто неуловимое и неосязаемое. Ответим: очень даже можно. Заинтересовавшись искусством рисования светом, вы встретите множество терминов: фризлайт или фризлайтинг (freezelight – замороженный свет), светографика (light graphic ), люминография или лайтпейнтинг (light painting - рисование светом ),space drawing (рисование в воздухе), светопись, наконец, световое граффити. Все эти русские и английские слова означают рисование светом . Модификаций у этого искусства несколько, одни авторы считают светографику и люминографию различными приемами, для других эти термины равноценны и обозначают любое рисование светом – не будем сейчас вникать в тонкости терминологии. Одно ясно: простор для воображения и творчества у фотохудожника необозримый.
Так что же это такое – люминография, светографика и т.д.? Это одно из искусств нового времени, требующее современной техники. А именно – фототехники. – это вид художественной фотографии.
Если вы знакомы с фотографией (речь пока просто о фотографии – о светографике мы поговорим чуть ниже), вы, безусловно, знаете, как непросто сделать качественный ночной портрет или пейзаж. Особенно если вы фотографируете не абсолютно неподвижный объект и камеру держите в руках. Выдержка (экспозиция) требуется большая, и малейшее дрожание рук или шевеление «натуры» делает снимок нечетким, расплывчатым, изображение двоится, троится и т.д. От источников света тянутся неровные полосы… А теперь представьте, что эти полосы и разводы как раз и есть ваша цель. Попробуйте в ночное время при длинной выдержке сделать снимок, допустим, уличных фонарей, умышленно двигая камеру – кругами, зигзагом и т.д. Вот вам простейший прием рисования светом .
Рисование пластилином – это искусство на стыке двух классических изобразительных жанров: «плоской» живописи и объемного изображения, то есть скульптуры. Пластилин – благодатнейший материал для художника, но, кажется, еще недостаточно оцененный.
Если знать и использовать секреты пластилина
, можно создавать не просто поделки, а настоящие картины из пластилина
– от тонких, почти не отличимых от живописи, полотен до выпуклых барельефов.
Во-первых, пластилин замечательно пластичен.
Второе замечательное свойство – это вязкость, «прилипчивость».
Третий из секретов пластилина
– цветность.
Четвертое его свойство – термолабильность. При нагревании (даже до температуры наших рук) пластилин легко размягчается, поэтому пальцы и ладони художника – главный инструмент при рисовании пластилином
. Некоторые художники почти всю работу выполняют пальцами, размазывая материал по поверхности будущей картины из пластилина
.
Рисование пластилином
, особенно детское, в принципе не отличается по характеру этих приёмов – только детали укладываются на поверхность картины из пластилина
, и далее им придается желаемая форма и рельеф поверхности.
Кроме того (вспомним про секреты пластилина
!), материал можно поместить в одноразовый шприц и, подогрев его, выдавить поршнем идеально ровную «нить» – так на картину из пластилина
можно наносить стебли, ветки и другие линейные детали. Шприц для рисования пластилином
можно брать и кондитерский (для более толстых «колбасок» или для деталей с определенным сечением). «Взрослые», «настоящие» художники предпочитают рисование пластилином
путём размазывания его по «холсту».
«Холст» для картины из пластилина годится не всякий. Пластилин – материал жирный (еще один секрет пластилина ). На обычной бумаге или картоне от него могут оставаться жирные разводы.
Хотите научиться создавать шедевры в технике One Stroke и самостоятельно расписывать стены, мебель, посуду – да что угодно?
Не пугайтесь иностранного названия: оно переводится на русский язык просто: рисование одним мазком .
Вы думаете, что совсем не умеете рисовать?
А вы попробуйте. Этому нетрудно научиться. Главное – понять принцип.
А принцип заключается в том, что осуществляется такая роспись двойным мазком
: на плоскую кисть набирается краска сразу двух цветов. (Или даже тройным: на кончик кисти иногда набирается третья краска, чаще всего белила.)
На границе цветов краски неизбежно смешиваются, и когда вы ведёте такой кистью по бумаге или другой поверхности, даже этот один мазок
получается удивительно красивым:
он содержит в себе всю гамму переходов от одного цвета к другому.
На принципе рисования двойным мазком основана тагильская роспись , похожая на знаменитую жостовскую, но и отличающаяся от неё.
Тагильская роспись родилась, как понятно из названия, на Урале, в 18 веке, популяризатором её был известный промышленник и меценат Никита Демидов.
Откуда же произошло английское название техники – One Stroke
?
Дело в том, что у росписи двойным мазком
есть и другой «родоначальник».
Основоположницей техники One Stroke считается Донна Дьюберри (Donna Dewberry), художница-самоучка, которая запатеновала своё изобретение в конце прошлого века.
Не будем обвинять художницу в плагиате – случается так, что одни и те же открытия совершают люди в разных концах света, американка могла вовсе не знать о существовании тагильской росписи .
К концу 20 века работы Донны в технике рисования одним мазком приобрели необычайную популярность, она стала проводить мастер-классы и даже организовала собственное дело по росписи жестяных изделий методом двойного мазка .
Итак, давайте попробуем.
Обмакнём одну сторону кисточки, допустим, в красную краску, а другую сторону в кремовую – и начнём рисование одним мазком
.
Красная сторона будет точкой опоры, а светлым краем мы опишем дугу, лучше не ровным, а волнообразным, веерообразным движением.
Не правда ли, красивый получился лепесток, с тенями, оттенками, переходами – совсем как живой?
Попробуем дополнительно набрать чуть-чуть белой краски на светлый кончик кисти – это уже будет роспись двойным
и тройным мазком.
Правда же, получилось ещё выразительнее?
Давайте нарисуем ещё один, и ещё?
А теперь на другую кисть наберём зелёный и жёлтый цвет – пусть зелёный край кисти движется ровно, а желтый зигзагами – вот вам половинка листика.
Перевернём кисточку и повторим тот же зигзаг с другой стороны – и вот уже из-под нашей кисти вышел совершенно живой, но уже ранне-осенний лист.
Тонкой кистью дорисуем мелкие детали: стебельки, тычинки, «усики».
Вот видите, а вы думали, что не умеете рисовать!
Теперь для того, чтобы начать роспись мебели или стен двойным мазком , вам остается совсем немного: потренироваться, подобрать подходящую густоту краски (она должна быть не жидкой, но и не слишком густой) и ширину кисти.
Да и удобную для себя краску вам предстоит выбрать – разные художники, работающие в технике One Stroke , предпочитают разные краски: акрил, масло, даже гуашь, которую сверху покрывают лаком.
Всё зависит ещё и от ваших целей, и от поверхности, на которой вы рисуете.
Ну вот. Немного тренировок – и можете смело считать, что овладели мастерством настоящей тагильской росписи .
Или техникой One Stroke , если иностранные слова вам нравятся больше.
Итак, выбираем названия для ваших фотографий. Мы даем имя нашему творчеству, поэтому название должно быть привлекательным, интересным, четким, легким для понимания и идеально сочетаться с искусством.
Название – это пролог. Оно всегда дополняет картину, повествуя о характере изображения, и помогает зрителю понять ее лучше. Оно должно намекать на характер изображения. Наши названия или заголовки должны создать чувство принадлежности к автору. Мы осознанно даем имена нашим детям, клички домашним животным, и так же вдумчиво стоит отнестись к названиям в этой форме искусства. Должен быть дополнительный контекст к тому, что было уже сказано картиной.
Для лучшего понимания, можно разделить способы создания заголовка к изображению на три категории.
Прямо к контексту
Постарайтесь подобрать слова, которые смогут точно описать то, что пытается передать изображение. Ваше название может быть описанием сцены, глаголом происходящего внутри действия, или просто название темы. Выбор такого рода названия должен быть простым и прямолинейным.
Отголосок неизведанного
Дерево дракона
Горстка счастья (Первые шаги)
Вера
Без улыбки
Вото: Dennis Bautista
Дышать
Настроение в словах
Настроение снимка передают амбициозные названия. Здесь следует использовать сильные и острые слова. Они должны драматизировать момент, вызывать определенные ощущения, дать почувствовать радость или боль, вселить веру или вызвать отвращение. Это даже может быть диалог между субъектами внутри кадра, голос их внутренней души, их мысли и мечты. Заголовок должен интерпретировать их слова для того, чтобы у зрителей возникало понимание и единение с картиной.
Только в бурю
Она вернется
Секрет
Я не боюсь
Мелодия в тиши
Час пик
Жизнь прекрасна
Творческий подход
О творчестве легче рассуждать, чем самому становиться творческим. Креативность - это искусство самореализации, следование внутреннему голосу. Медленно, но уверенно, этот процесс превращается в привычку, и становится характерной особенностью. Когда стремятся подобрать название со щепоткой творчества, следует мудро и осторожно отнестись к выбору слов. Часто эти названия, как стрела, попадают в яблочко, четко передавая характер картины, и надолго врезаются в глубины памяти. Творческое название, несомненно, поразит зрителя, который удивленно поднимет брови или, по крайней мере, на лицах зрителей появится улыбка.
Кроманьонцы, обитающие на земле 30 тыс. лет назад, для выражения своих чувств и эмоций использовали простые рисунки. Но наскальные рисунки первобытных людей нельзя называть примитивными, поскольку их создавали люди, обладающие незаурядными художественными талантами. Рисунки первобытных людей в пещерах — это графические и объемные изображения, барельефы на стенах. Таких рисунков на сегодня известно много: во Франции (юго-западная часть), Испании (северо-западная ее часть), Италии, даже в России, Сербии и Англии имеются в единичных экземплярах.
Наскальная живопись и картинки первобытных людей уникальны и чаще всего напоминают двухмерное изображение. При этом приемы, помогающие передать объем, стали применять только в период Возрождения. Наскальная живопись изобилует изображением носорогов, бизонов, мамонтов, оленей. Также на рисунках встречаются сцены охоты, изображены люди со стрелами и копьями. Изредка встречаются рисунки рыб, растений, насекомых. Краски, которыми выполнены рисунки, не тускнеют и в полной мере передают первозданную яркость. Трудно представить человека, который не имеет представления о том, что такое наскальные рисунки (фото помогут разобраться в этом).
Где рисовали первые люди?
Труднодоступные участки пещер, расположенные в сотне метров от поверхности, являлись прекрасным местом для рисования. Это объясняется прежде всего культовым значением наскальных изображений, требующим исполнения определенного обряда. Таким обрядом и было рисование. В плошки заливали растопленный и еще горячий жир диких животных, пучков мха или шерсти. Тогда художник начинал трудиться при свете каменных светильников.
Как называются наскальные рисунки?
Наскальные рисунки древних называются петроглифы (греч. — вырезать камень). Встречаются рисунки, выполненные в виде символов или условных обозначений. Рисунки содержат огромное количество ценной информации о быте представителей древнейшего населения, раскрывают традиции и исторические события, оказавшие влияние на древнего человека.
Более поздние рисунки выполнялись в виде символов или условных обозначений. Человек изначально стремился к выражению мыслей с помощью знаков, письма. Живопись приближала наступление этого момента, став переходным периодом между графическими рисунками и письменностью. Изображения получили название пиктограмм. Например, на территории Армении археологами были обнаружены начертания, напоминающие все известные древние алфавиты. Самые древние изображения, найденные здесь, созданы более 9 000 лет назад. Наскальные рисунки первобытных людей — картинки, созданные первыми людьми.
Техника выполнения и материалы
Что побуждало людей рисовать? Просто желание создавать красоту или необходимость совершить и запечатлеть особый ритуал? Выполнить скальную гравюру было не так уж и просто, особенно, если краска наносилась в глубокие прорези, которые древний живописец высекал грубым режущим инструментом. Это мог быть крупный каменный резец. Такой инструмент был обнаружен на стоянке древних людей Ле Рок де Сер. В период среднего и позднего палеолита техника выполнения наскальной живописи первобытных людей более тонкая. Контуры гравюр высекались по несколько раз неглубокими линиями. Уже тогда использовалась штриховка и комбинированная роспись. Встречаются подобные изображения на бивнях и костях животных, которые относятся к тому же периоду.
Наскальные рисунки, фото в Пещере Альтамира
Краска первобытного человека – это все оттенки охры, которые использовались в качестве красного красителя, древесный уголь и марганцевая руда. Использовался и мел, гуано летучих мышей. Будущая краска растиралась при помощи кости или камня. Полученный порошок смешивали с жиром животных. У древних людей были даже прототипы современных тюбиков. Краски они хранили в полых частях животных костей, обе стороны которых запечатывались затвердевшим комочком из того же животного жира. Других красок, например, зеленых или голубых, не было.
Кистью первобытным художникам служили кости или острые палочки, концы которых расщепляли. Использовали и кусочки шерсти, которые привязывали к кости. Рисовали сначала контур, а потом закрашивали. Но встречаются и другие изображения. Например, отпечаток руки, который был забрызган краской через тростинку.
Древние люди не имели представления о композиции или пропорциях тела. Они рисовали больших хищников и на их фоне – крошечных горных козлов. Но это не мешало им создавать шедевры, сопоставимые с современным представлением о живописи. Точность передачи объектов и животных поразительна, и рисунки древних людей в пещерах запечатлели в камне древних животных, которые давно вымерли. Визуальный эффект усиливался благодаря тому, что изображение наносилось на выступ скалы.
Что рисовали первобытные люди?
Наскальные рисунки древних людей — это проявление эмоционального и яркого образного мышления. Не все могли создавать подобные шедевры, а только те, в подсознании которых возникали зрительные образы. Те, кого переполняли яркие образы, переносили их на плоскость скал.
Существует предположение, что с помощью наскальной живописи передавались видения, человек самовыражался и передавал полученный жизненный опыт. Но большинство ученых придерживаются версии о культовом значении рисунков: вероятно, они создавались перед охотой. Таким образом, человек пытался повлиять на результат, привлечь предпочитаемого зверя во время охоты.
Исчезновение некоторых животных, изменение климата повлекло серьезную смену деятельности человека. Теперь он больше времени проводил, выращивая животных и обрабатывая землю. Для охоты оставалось меньше времени. Это отразилось и в наскальной живописи. Рисунки теперь выполнялись не глубоко в пещере, а снаружи. Изображения человека теперь встречались все чаще. Животные, которых одомашнили, также изображались на пещерных гравюрах (сцены охоты на лис). Распространились схематические рисунки: треугольники, прямые или извилистые линии, нагромождение цветных пятен.
Если раньше чаще всего изображали сцены охоты, то теперь это были и ритуальные танцы, сражения, выпас скота. Таких рисунков много в Испании.
Где можно увидеть наскальную живопись?
Во Франции в пещерах Ласко и Шове обнаружены рисунки, которые датируют примерно XVIII-XV тысячелетиями до н. э. На них изображены лошади, коровы, быки, медведи. В Испании в пещере Альтамира сцены охоты изображены древними художниками настолько искусно, что если смотреть на них при пылающем огне, то создается впечатление движения объектов. В Африке есть целый комплекс пещер с наскальной живописью. Это и Лаас-Гаальв Сомалиленде, и Тассилин-Адджер в Алжире. Обнаружены наскальные рисунки и в Египте (пещера Пловцов), Болгарии, Башкирии, Аргентине (пещера Куэва-де-лас-Манос) и многие другие.
Объекты искусства или примитивное отражение действительности?
Между первобытным «искусством» и современным невозможно поставить знак равенства. Но, рассматривая древние изображения, современные искусствоведы опираются на привычные формулировки, далеко уходя за пределы специфики первобытного искусства. Сегодня в мире искусства есть автор произведения, и есть потребитель. Древние художники создавали свои творения лишь потому, что обладали умением рисовать и чувствовали необходимость в отображении окружающей их действительности или значимых событий. Представления об искусстве у них отсутствовали либо были размытыми, но переполнявшие сознание образы находили выход в мир через своего создателя, которого, вероятнее всего, соплеменники считали наделенным сверхъестественной силой.
Так чем же отличается наскальная живопись от обычной современной? Отличие только в том, что первые рисунки выполнялись художниками эпохи палеолита, а в качестве холста использовалась скала. Конечно, феномен творчества связан с взаимодействием всех духовных сил и выбросом особым образом эмоций. Человек мог создавать нечто новое и важное для себя, но осознание этого явления происходило постепенно. Кроманьонец проживал в такой культурной среде, в которой отсутствовало разделение на отдельные сферы деятельности. А досугом в нашем понимании древние люди не располагали, так как их жизнь не делилась на строгое выполнение работы и отдых. Время, когда человек не боролся за существование, он посвящал выполнению ритуалов и иных действий, важных для благополучия племени.
Обманите меня...
Обманите меня... но совсем, навсегда...
Чтоб не думать зачем, чтоб не помнить когда...
Чтоб поверить обману свободно, без дум…
М. Волошин
Пер Боррель дель Касо, 1874.
Койфман Валерий
«Ах, обмануть меня не трудно!..
Я сам обманываться рад!
А. Пушкин «Признание»
В истории европейского искусства есть необычные картины, которые стоят как бы в стороне от других и которые называются «обманки», или «тромплеи» (фр. „trompe l’oile“ - обман зрения).
С виду обманка - это просто разновидность натюрморта, но отличить ее от натюрморта не трудно, слишком уж явно автор обманки пытается выдать рукотворное изображение (живопись, рисунок, фреску или мозаику) за кусок реального мира.
Применение обоих терминов («обманка» и «тромплея») для обозначения картин этого жанра является правомерным.
Искусствоведение этот жанр почти не замечает, и в «Историях искусств» тромплеи можно отыскать с трудом.
Многие тромплеи, несмотря на то, что их главной задачей было лишь введение зрителя в заблуждение, обладают несомненными художественными достоинствами, особенно заметными в залах музеях, где такие композиции, конечно же, не могут обмануть зрителя, зато неизменно возбуждают у него искреннее восхищение.
История картин-обманок восходит к Древней Греции. Легенда рассказывает, что в VI веке до нашей эры жили два выдающихся художника Зевксис из Гераклеи и Паррасий из Эфеса, которые однажды поспорили, кто лучше напишет картину.
Собрался народ, вышли соперники, у каждого в руках картина под покрывалом.
Зевксис отдернул покрывало - на картине была виноградная гроздь, такая похожая, что птицы слетелись ее клевать. Народ рукоплескал. «Теперь ты отдерни покрывало!» - сказал Зевксис Паррасию.
«Не могу, - ответил Паррасий, - ведь покрывало нарисованное». Зевксис склонил голову и сказал: «Ты победил! Я обманул глаза птиц, а ты обманул глаза живописца».
Мастера обманки применяли множество приемов, чтобы вызвать у зрителя желание дотронуться до предметов, представленных на картине.
Они писали полуопущенные занавески, отогнутые уголки листов бумаги, создавали иллюзию прикрепленного к стене листа бумаги, вбитого гвоздя и так далее.
Скрытые от взгляда фрагменты предметов и надписей побуждали человека протянуть руку, чтобы отдернуть иллюзорную занавеску и увидеть предмет или прочитать фразу целиком.
В России самым знаменитым мастером тромплеи был художник начала XIX века граф Федор Толстой. Он был почетным членом многих европейских Академий художеств.
Сложно даже сказать, какие произведения в первую очередь приходят на ум любителю искусства при упоминании его имени, но «кормили» художника именно картины-обманки, которые он часто выполнял на заказ, в том числе для императриц Марии Федоровны и Елизаветы Алексеевны.
И в этом искусстве Федору Толстому трудно найти равных.
Свою знаменитую акварель «Ягоды красной и белой смородины» (1818) он повторял столь многократно, что сам художник говорил: «... можно не шутя сказать, что моя семья питалась одной смородиной».
В самом жанре обманки заложено, как сказал бы М. Булгаков, «разоблачение всяческой магии», картина сама показывает нам, как искусство обманывает нас.
В таком случае, это самый ироничный и одновременно самый виртуозный из жанров европейского изобразительного искусства.
Это своего рода попытка дать ответ на мучительный вопрос в вечном споре-диалоге художника и зрителя о том, где же грань, разделяющая мир нарисованный, т. е. мир искусства, от того, что мы условились называть миром реальности. Собственно говоря, главным содержанием картин-обманок и является эта самая грань.
Вот такие непростые размышления вызывают, казалось бы, простые картины, называемые „обманками», хотя, по сути, речь идет едва ли не о самом правдивом из всех жанров живописи.
Использованы картины обманки работы
Толстого Федора Петровича
1783-1873
******************************************************************
