Эгон Шиле - выдающийся художник и лучший мастер австрийского модерна. К сожалению, у нас в стране он малоизвестен. И вообще, австрийское искусство долгое время оставалось в тени для россиян. В начале 20 века все обращали внимание лишь на Париж, а что происходило в Вене, Копенгагене или Берлине - никого не интересовало. Климт стал первым австрийским живописцем, известным в России. Эгона считали его преемником, но ранняя смерть помешала Шиле достичь высот своего кумира. Тем не менее, он оставил очень яркий след в искусстве начала 20 века.
Детство
Отец Эгона - Адольф, работал на железной дороге и нёс ответственность за станцию Тулли. Именно там появился на свет будущий художник в 1890 году. Школ поблизости не было, поэтому Эгон Шиле был отослан в Кремс. В 1904 году из-за ухудшения здоровья отца вся семья переехала в Вену. Болезнь Адольфа прогрессировала, и через год он скончался.
Отношения с родителями
Поворотный год
1915 год стал для Эгона поворотным. Он встретил двух девочек, живших напротив его студии. Адель и Эдит были дочерьми слесаря, владевшего мастерской. Шиле сильно привязался к ним обеим, но в итоге решил остановиться на Эдит. Прежняя модель художника - Уолли Невзил, была равнодушно уволена. Последняя встреча Эгона и Уолли произошла в местном кафе Айхбергер, где пара ежедневно играла в бильярд до этого дня. Шиле вручил Невзил письмо с предложением. Суть его была в следующем: несмотря на то, что они с Уолли больше не вместе, Эгон хочет каждый год уезжать с ней на всё лето в отпуск без Эдит. Невзил естественно отказалась. Позже она стала медсестрой в Красном Кресте и умерла в военной больнице от скарлатины перед Рождеством 1917 года. Эгон и Эдит поженились в июне 1915 года. Семейство девушки было категорически против. Мать же художника к тому времени уже умерла.
Призыв в армию
Через несколько дней после свадьбы, Эгон Шиле, фото которого прилагается к статье, был призван в армию. Войну он пережил достаточно легко. Сначала Эгон служил в отделении, транспортирующем российских военнопленных, а потом стал клерком в одном из тюремных лагерей. В январе 1917 года его перебросили в Вену для службы на складе, снабжавшем табаком, спиртными напитками и продовольствием Австрийскую армию. В стране, где цены на продукты постоянно росли, это считалось привилегированным местом.
Последние годы
Армейская служба никак не сказалась на популярности Шиле. Все знали, что он ведущий австрийский художник молодого поколения. В связи с этим, руководство попросило его принять участие в Стокгольмской выставке для улучшения образа страны в Скандинавских государствах. А в 1918 году Эгон стал главным участником на выставке Сецессиона, где представил свой проект - эмблему в стиле со своим портретом вместо Иисуса Христа. Даже в условиях войны этот показ стал настоящим триумфом, и Шиле получил много заказов на портреты. Причём цены на его рисунки постоянно росли. Это позволило переехать супругам в новый дом-студию. Но насладиться семейным счастьем они не успели. В октябре 1918 года беременная Эдит заболела гриппом и спустя 10 дней умерла. Эгона опустошила эта потеря, и он тоже слёг с этой болезнью. Шиле скончался спустя три дня после смерти супруги.
Веривший в бессмертие душ, но боявшийся смерти, Эгон Шиле прожил жизнь короткую, но яркую и эмоциональную. Каждый год его существования можно было сравнить с надорванными струнами, создававшими в своем надрыве уникальную музыку. Их оказалось всего 28, но даже этого хватило для создания шедевров художественного искусства – неоднозначных, нервных, глубоких. Шиле оставил после себя тысячи рисунков и 300 картин, экспонируемых сегодня в самых известных музеях мира.
Детство
Будущий живописец родился 12 июня 1890 года в маленьком австрийском городке Тульн в семье железнодорожного служащего и домохозяйки. Отец Эгона занимал пост начальника крупной станции, днями пропадая на работе. Первыми рисунками мальчика стали совсем не романтичные полотна железной дороги, строгие семафоры, серый дым паровозов. Место, в котором Эгон Шиле родился и провёл первые годы жизни, был настолько мал, что в нём невозможно было получить образование – отсутствовала даже школа.
В связи с этим, в 1901 году будущий экспрессионист был отослан в город Кремс для школьного обучения, а позже уже вся семья Шиле перебралась в Клостернойберг. Переезд был связан не только с необходимостью обучать детей (у Эгона было две родных сестры), но и с резким ухудшением здоровья главы семейства. В 1905 году после мучений от сифилиса и развившегося на его фоне тяжёлого психического недуга Адольф Шиле скончался. Для 15-летнего мальчишки это оказалось настоящей трагедией, рвавшей душу художника всю оставшуюся жизнь.
Семейные привязанности Эгона Шиле были такими же болезненными, как и мироощущение. Юноша боготворил отца даже в период его сумасшествия, был в особых чувственных отношениях с младшей сестрой и ненавидел мать. После кончины Адольфа Эгон довёл собственные обиды на мать до предела, обвиняя её в отсутствии любви к нему и недостаточной скорби по ушедшему мужу. Память об отце Эгон пронёс через всю жизнь, часто посещая дорогие ему места, каждый раз мысленно возвращаясь в моменты недолгого счастья.
Обучение и начало творчества
Страсть к рисованию проявилась у Эгона Шиле в дошкольном возрасте. Когда же пришло время вливаться в коллектив и заниматься учёбой, оказалось что будущему гению все это неинтересно. Уроки парень считал пустой тратой драгоценного времени, а общение с одноклассниками – скукой. Он заваливал экзамены и считался «неучем» с плохим поведением. Всё, что необходимо было Шиле, касалось лишь рисования.
В 1906 году юноша наперекор совету родного дяди (брата матери) освоить другую профессию поступает в Венскую школу ремесел и искусств. Неуживчивость и нонконформизм Эгона преподавателям совершенно не приходятся по нраву и через некоторое время молодой Шиле меняет Школу на Академию изящных искусств, где становится самым юным и неординарным студентом. В это время случается важное для молодого художника знакомство с живописцем Густавом Климтом, ставшим для Эгона покровителем и другом.
С третьего курса Шиле уходит в свободное плавание, уговорив одного из преподавателей Академии подписать его диплом. Найдя подходящую квартиру в Вене (не без участия Климта), скандальный художник делает из неё студию. Там Шиле окунается в настоящее творчество и богемную жизнь.
Экспрессионизм, любовь, смерть
Во время обучения в венской Академии изящных искусств Эгон Шиле познакомился и сблизился с Густавом Климтом. Под его протекцией и влиянием художник окунулся в тему эротики. Графика и живопись Шиле пронизаны нервом и особым эротизмом – драматичным, изощренным. Кроме Климта на его творчество очень повлияли работы Зигмунда Фрейда. Из-под пера субтильного мужчины-мальчика появлялись картины, на которых молодой Эгон изображал собственные сомнения, комплексы и подавленные желания.
Обнажённое тело Шиле подавал нарочито сексуальным и фривольным, но не без изъяна. Его картины поражали откровенностью, насилием и фрустрацией, выплёскивавшейся через край. В студии художника кипела богемно-развратная жизнь. При свете дня и глубокой ночью его творческое убежище не покидали юные модели. Одни были совсем ещё девочками, другие – опытными проститутками. Здесь же Шиле встретил её – свою любовь длиной в 4 бурных года. Валери Нойзель становится музой Эгона и частью самого сложного периода его жизни. Пара переезжает из города в город, проходя через осуждение, изгнание, обвинение в растлении и судебные разбирательства. Разрыв отношений произошёл так же нервно и драматично: художник сделал предложение другой, а Валери нашла спасение от душевных мук в Красном кресте. Там же, работая медицинской сестрой, она умерла.
Эгон Шиле любил рисовать не только женские тела. Он оставил немало автопортретов, пытаясь разобраться в себе самом. Обвинения критиков в эксгибиционизме и нарциссизме разбиваются на осколки невероятных сложностей, заметных в каждой линии и каждом изгибе. Да, он был очарован и где-то даже восхищался собственным телом. Но в своих автопортретах Шиле выступал скорее мучеником и шутом, нежели богом красоты. Он постигал себя так же безжалостно, как изучал других. “Меня осуждают лишь за то, что я пытаюсь понять себя”, – в таком тоне Шиле подписывал автопортреты.
Недолгая творческая жизнь художника была скандальной, надрывной, наполненной яркими в своём драматизме событиями. Экспрессионизм и модерн именно Эгон Шиле смог совместить так, что об этом будут говорить, кричать и спорить. Его рисунки пугали гибкостью и изощрённостью, а цвета удивляли нервными контрастами. За пять лет до своего ухода художник знакомится и анализирует работы Ван Гога. И вновь идёт процесс впитывания чужого творчества, в результате чего у Шиле выходит серия ярких и завораживающих пейзажей.
В 1918 году страшная эпидемия испанки, косившая жизни миллионов европейцев, добралась и до Шиле. Жизнь самого глубокого и уникального художника завершилась в 28 лет, но история его творчества продолжается и сейчас.
Виктория Бондарчук
Кирилл Алексеев
Иcкусствовед, глава образовательных программ Музея Москвы
Сергей Хачатуров
Историк искусства, преподаватель исторического факультета МГУ им. М.В.Ломоносова
О рисунках Климта и Шиле и их месте в истории
Сергей Хачатуров : «Эта выставка показывает, насколько разнообразны рисунки обоих художников. Шиле завершил свою карьеру тогда, когда в двери стучались экспрессионизм и ар-деко: его прорывные вещи содержат в себе что-то из архаики, любовь к которой как раз была близка и ар-деко. А женские и детские образы Шиле очень разнообразны - они могут напомнить реализм натуральной школы и даже нашего Серова. Первые рисунки же Климта очень академичны и напоминают предшествующие стили - прежде всего, маньеризм».
Эгон Шиле. Художник Макс Оппенгеймер, 1910
Кирилл Алексеев : «В графических работах Климта и Шиле есть общее - линия: плавная, текучая, обнимающая - у одного, и нервная, дрожащей рукой как будто бы нарисованная (но на самом деле, конечно же, очень уверенная) - у другого. В этих рисунках - отражение естественного хода истории мирового искусства: стиль модерн сменился изломанными линиями конструктивизма. Оба художника умерли в одном - 1918 году, и хотя они были связаны достаточно условно, но вместе отражают всю историю графики своего времени, которая подготавливала живопись к прорыву. Графика вообще намного более сильно передает идеи: живопись монументальна, а графика ловит мысль на лету - над редким рисунком художники будут трудиться больше пары дней. Поэтому в рисунках мы видим обычно чистое переживание, незамутненное временной оптикой. Живопись может обмануть: художник к ней возвращается по несколько месяцев, может сделать ее более декоративной, как это любил показывать Климт, а здесь человек практически сведен до абстракции, передает трепет и нервозность. Именно поэтому в сексуальности образы обоих художников трудно обвинить: они местами почти абстрактны.
И Климт, и Шиле нам интересны потому, что они занимают переломное место в искусстве на пути к абстрактной живописи, находятся фактически на полпути к беспредметности. Отношение к телу у любого художника неизбежно определяется состоянием стиля, а в данном случае мы можем констатировать эпоху перелома с фигуративной живописи к модернистской. У Климта фигура располагается на практически беспредметром фоне, у Шиле - на молочном абстрактном, а, как мы помним, Малевич говорил, что все выходит из белого цвета. Конечно, западные художники знали о том, что происходило в русском искусстве, они размышляли о беспредметности, и белый фон многих их работ вполне мог был быть этим мотивирован.
Густав Климт. Этюды для Бетховенского фриза, 1901
© The Albertina Museum, Vienna
Линии «Шиле - Фрейд» и «Шиле - Бэкон» очевидны. Во всех этих случаях мы видим послевоенное искусство, только на глазах Шиле случилась Первая мировая война, а у Фрейда - Вторая. И там и там мы видим персонажей, которых общество размололо: люди, красивые своей болезненностью, асимметрией и страданием - на самом-то деле не слишком украшающими переживаниями, которые выражаются и в позе, и в «бесстыдстве», по-прежнему дразнящем критиков. Кроме того, Шиле с Фрейдом роднит и техника: у того и другого линия - самостоятельная, практически абстрактная единица, в первом случае - дрожащая и ломаная, а во втором - очень четкая. Понятно, почему так происходит: связь художников отражает закономерности развития искусства. Что касается Климта, так это тот автор, который ведет живопись к обнулению, растворению, превращает своего персонажа в облако - и его линия продолжится в классической абстрактной живописи, которая по сути своей антропоморфна».
О современности Климта и Шиле
Эгон Шиле. Автопортрет в обнаженном виде. Гримаса, 1910
© The Albertina Museum, Vienna
Сергей Хачатуров : «Может показаться, что Шиле более созвучен сегодняшнему дню, а Климт принадлежит истории, музею, визуальной культуре прошлого. Но эта выставка ломает стереотипы: смотреть тонкие работы Климта по-хорошему трудно в отличие от привлекательных и ярких рисунков Шиле, с их жесткими линиями, будто высеченными резцом. Но неуловимость и тонкость графики не есть качество неумелости: напротив, это высший пилотаж. На мой взгляд, он роднит графику с кинематографом - то есть тем искусством, которое оперирует понятием развития сюжета в пространстве. Анри Бергсон это качество называл длительностью. Так вот, рисунки Климта как будто бы сняты в неопределенности, их мерцающий контур имеет особую музыкальность пластики. Но смотреть на них сложнее, чем на яркие и привлекательные листы Шиле. Но эта выставка показывает, что Климт был более сложным, чем просто представитель модерна или ар-нуво. Простота его как будто наивных графических листов, напоминающих детские рисунки, обманчива.
Густав Климт оперирует различными традициями и собирает сложный образ. Его эстетика на самом деле очень современна: тот же его знаменитый «Поцелуй» - это фактически коллаж, важный прием постмодернизма. Мы привыкли думать о нем как о представителе трафаретного модерна, когда графический образ или певучая линия проецируются на плоскость, - это и есть формула рисунка модерна. А здесь линии такие тонкие, что создают вибрацию и объем, который преодолевает трафаретную плоскость.
Густав Климт. Женское лицо, щекой прижатое к рукам, 1903
© The Albertina Museum, Vienna
У Шиле наоборот: мы видели вначале его графические картины, которые сделаны по принципу аппликации. Он оказался очень отзывчивым к веяниям времени - и вплотную подошел к новой вещественности, жаль, что прожил только так недолго. Шиле закрыл своим творчеством ту эпоху модерна, которую открыл Климт. Его графическая техника напоминает о молодежной культуре сегодняшнего дня - именно поэтому его так любят 17-летние. Когда мы смотрим на его работы, то понимаем, что эти образы где-то близки Бэнкси и другим изображениям, которые граффитчики делают на бетонных заборах. Его вибрирующие линии напоминают о культуре современных субкультур своей удивительной жизненной силой и энергией, которая как сжатая пружина вот-вот выпрямится и прорвет поверхность».
Эгон Шиле. Лежащая обнаженная с поджатыми ногами, 1918
© The Albertina Museum, Vienna
Кирилл Алексеев : «И Климт, и Шиле оба созвучны сегодняшнему дню. У нас и сегодня присутствует не очень здоровое отношение к сексу и телу, и сам факт того, что были разговоры о возрастном пороге выставки и его необходимости просто смешон. Как это можно еще понимать, кроме как знак того, что авторы актуальны, а тема злободневна? Современное искусство обеспокоено отношением к человеку, его ролью в обществе. А в искусстве, которое рефлексирует на эту тему, неизбежно разговор о свободе проявляется темами, связанными с телом. Взлет Люсьена Фрейда случился именно на фоне важности общественных разговоров о человеческой свободе и благодаря его внимания к телу - не слишком красивому, которое он демонстрировал всегда. Поэтому актуальность этой выставки про Шиле и Климта, конечно, намного серьезнее, чем размышление о том, как именно нужно изображать тело: она отражает скорее интерес к человеку, его правам и его месту в обществе».
О разном подходе к обнаженному телу
Эгон Шиле. Спящая девушка, 1911
Хачатуров : «Английские искусствоведы предложили в своих книгах использовать два термина: человек обнаженный и человек голый. Густав Климт видит обнаженную натуру сквозь фильтры классически обнаженных образов. Даже если он ее рисует, то как будто бы показывает в покровах. Обнаженный человек на картине Климта защищен культурными кодами. А Шиле так радикален, что не боится травмы наготы, - эту линию после него подхватят Френсис Бэкон и Люсьен Фрейд. Они не стесняются показывать наготу именно как наготу, а не типизацию обнаженного тела. В то время была открыта бездна подсознания, которая привела к радикальному обнажению всех подтекстов в живописи: культурные коды капитулировали, а художники и философы показали незащищенную точка бытия с нервами и болью. В этом смысле Шиле, конечно, более провокационный художник, а Климт совершает более тонкую работу с культурными кодами.
Я бы не сказал, что на этой выставке есть самоцензура. То, что тема обнаженного тела не становится главной, связано со следующим моментом: кураторы хотели показать разнообразные стороны творчества Шиле. Если бы тема была связана с жанром ню в его творчестве, то можно было бы обсуждать откровенность и обнаженность - здесь же представлена достойная архитектурная графика, эскизы, галерея портретов, напоминающая работы Константина Сомова с его фирменной болезненной заостренностью черт. Вроде бы ничего не происходит на рисунке, а вроде бы меняются судьбы человеческие - и это происходит в разных частях мира в один и тот же 1917 год. Нам показали такого Шиле, который меняет наши границы и понимание художника».
Эгон Шиле. Натурщица в красном, 1914
© The Albertina Museum, Vienna
Алексеев : «Каждое произведение искусства - это отражение автора в материале. Художник показывает то, что он хочет сказать, и главное в данном случае - не обманывать себя. Главная проблема обнаженного тела - это пошлость: она возникает неизменно, если художник хотя бы немного занимается самообманом. Ни у Шиле, ни у Климта этой пошлости не возникает, потому что оба они честны и прямолинейны в изображении своей сексуальности. Начало XX века развязностью нравов не отличалось: посмотрите только журналы мод - увидите на редкость консервативное общество. То, что делают Климт и Шиле, можно назвать пощечиной общественному вкусу. С точки зрения сюжета это фактически две стороны одного и того же: оба художника переживают один и тот же материал, только один из них в форме страдания, а другой - гедонистического наслаждения.
© The Albertina Museum, Vienna
Ключевая история любой выставки - это повествовательное высказывание. В этом случае выставка - не демонстрация работ, а идея, воплощенная в материале. Если бы у обоих художников привезли более традиционные работы вроде «Поцелуя» и жены Фердинанда Блоха - я сейчас говорю о живописных произведениях, - то это породило бы более традиционные интерпретации. Здесь же кураторы решили показать более сложную задачу: показ рисунков художников требует рассказа о скандальной жизни Шиле и Климта (он тоже был не подарок - феноменальный бабник по жизни и сибарит) и лейтмотивах их творчества: эстетического пребывания в чувственной среде Климта и преодоления социальной среды у Шиле. Как экспозиционер, возможно, какие-то вещи я бы сделал по-другому, но мне легко об этом говорить со стороны, а у ГМИИ, я уверен, были серьезные основания выбирать и такой цвет стен, и такое оформление. Я поражаюсь, почему критика так мало говорит об этой выставке, по сути своей блестящей - достаточно смелой в наше ханжеское время. Помните скандал со Стерждессом (фотографии содержали очень смутный сексуальный подтекст)? А в случае с Климтом и Шиле история хранит память о них как о достаточно развязных в этом смысле людях, и то, что музей не испугался их произведения демонстрировать и спокойно их обсуждать, говорит положительно и о работе музея, и о преувеличенном внимании к этой теме в нашей жизни».
Густав Климт (нем. Gustav Klimt; 14 июля 1862, Баумгартен, Австрийская империя - 6 февраля 1918, Вена, Австро-Венгрия) - широко известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм.
Густав Климт родился в венском предместье Баумгартен в семье художника-гравёра и ювелира Эрнеста Климта, был вторым из семи детей - троих мальчиков и четырёх девочек. Отец Климта был выходцем из Богемии и гравёром по золоту, мать, Анна Климт, урождённая Финстер, пыталась, но не смогла стать музыкантом. Большую часть своего детства Климт провёл в бедности, так как экономическая ситуация в стране была тяжёлой, и его родители не имели постоянной работы. Все трое сыновей Эрнеста Климта стали художниками.
Первое время Густав учился рисовать у отца, а затем с 1876 года - в венском художественно-ремесленном училище при Австрийском музее искусства и промышленности (преподаватели Карл Граховина, Людвиг Миннигероде, Михаэль Ризер), в которое в 1877 году поступил и его брат Эрнст. Густав Климт обучался там до 1883 года и специализировался на архитектурной живописи. Образцом для него в этот период был художник исторического жанра Ганс Макарт. В отличие от многих других молодых художников, Климт согласился с принципами консервативного академического образования. С 1880 года Густав, его брат Эрнст и их друг художник Франц Мач работали вместе, украшая фресками театры в Райхенберге, Риеке и Карловых Варах (городах австро-венгерской провинции). В 1885 году они работали над оформлением венского здания «Бургтеатра» и Художественно-исторического музея. В 1888 году Климт получил награду от императора Франца Иосифа - «Золотой крест» за заслуги в искусстве. Он стал также почётным членом Мюнхенского и Венского университетов.
В 1892 году отец и брат Эрнст умерли, и на Густава легла финансовая ответственность за семью. Кроме того, эти события наложили отпечаток на его художественные взгляды, и в скором времени он начал развивать глубоко индивидуальный стиль. В начале 1890-х годов художник встретил Эмилию Флёге, которая, несмотря на его отношения с другими женщинами, оставалась его спутницей до конца дней.
Климт в 1897 году стал одним из основателей и президентом Венского сецессиона и журнала «Ver Sacrum» (Весна Священная), издаваемого группой. Он оставался в группе до 1908 года. Изначально целями Сецессиона были устройство выставок для молодых художников, пишущих в необычном стиле, привлечение лучших работ зарубежных художников в Вену, и популяризация работ членов группы путём издания журнала. У группы не было манифеста, и она не пыталась выработать единый стиль: в ней сосуществовали натуралисты, реалисты и символисты . Правительство поддержало их усилия и сдало им в аренду участок городской земли для постройки выставочного зала. Символом группы была Афина Паллада, символ правосудия, мудрости и искусства.
С начала 1890-х годов Климт ежегодно отдыхал вместе с семьёй Флёге на озере Аттерзе и написал там множество пейзажей. Пейзажный жанр был единственной нефигуративной живописью, интересовавшей Климта. По стилю пейзажи Климта похожи на его изображения фигур, они содержат те же элементы дизайна. Пейзажи Аттерзее настолько удачно вложены в плоскость полотна, что иногда предполагают, что Климт рассматривал их в телескоп.
В 1894 году Климт получил заказ на создание трёх картин для украшения потолка большого актового зала главного здания Венского университета на Рингштрассе. Аллегорические картины «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция», известные как «факультетские», были закончены к 1900 году. Их резко критиковали за тематику, которую называли «порнографической». Климт преобразил традиционные аллегории и символы в новый язык, с большим ударением на эротику, и потому более раздражающий консервативных зрителей. Недовольство высказывали все круги - политические, эстетические и религиозные. В результате картины не были выставлены в главном здании университета. Это был последний публичный заказ, который художник согласился выполнить. После этого картины приобрёл меценат Август Ледерер. В 1930-е годы нацистские власти национализировали ледереровскую коллекцию работ Климта. В конце войны эти работы перевезли во дворец Иммерхоф, но в 1945 году в эту местность вошли союзнические силы, и отступающие войска СС подожгли замок. Картины погибли. Все, что сегодня имеется, - это разрозненные предварительные наброски, черно-белые снимки трёх картин плохого качества и одна цветная фотография Гигеи из «Медицины». Её сверкающие золотые и красные краски дают представление о том, сколь мощно выглядели эти три утраченные произведения искусства.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Обнаженные модели, застывшие в неестественных позах, беременные со сложенными на животе руками, прижимающиеся друг к другу влюбленные. В Пушкинском музее выставили графику главных представителей австрийского искусства начала XX века — Густава Климта и Эгона Шиле. Их рисунки в Москву привезли из венской Альбертины , где первые работы художников появились еще при их жизни. В Пушкинском музее зрители увидят почти 100 графических листов: 47 — Климта и 49 — Шиле.
Эгон Шиле. «Сидящая пара», 1915
Густав Климт пользовался репутацией феноменального рисовальщика, хотя со временем и оказался в тени Климта-живописца. Рисование было для него ежедневной потребностью. Кроме того, его графика оказала влияние на более молодых художников, среди которых был и Эгон Шиле. Сам Шиле считал себя в первую очередь живописцем, но при этом делал рисунки постоянно, инстинктивно и быстро. Всего он оставил более 3 тыс. работ на бумаге.
Эгон Шиле. «Скорчившаяся», 1918
arts-museum.ru / The Albertina Museum, Vienna
«Климт и Шиле — это такой горячий пирожок, который все хотят получить к завтраку. Музей понимал, что в России должны быть показаны произведения двух величайших художников XX века, без которых невозможно себе представить историю искусства. Мы сделали первый шаг, чтобы рассказать о Климте и Шиле. И начать говорить с рисунка было правильным», — отметила директор Пушкинского музея Марина Лошак.
Эгон Шиле. «Натурщица в красном», 1914
arts-museum.ru / The Albertina Museum, Vienna
Густав Климт произвел революцию в изображении обнаженной женской натуры. Причем в трактовке эротики в своих рисунках шел намного дальше, чем в живописи. Что же касается Шиле, его работы и вовсе называли порнографическими. Для художника не было запретов в изображении женского тела, которое он показывал предельно откровенно. Весной 1912 года Шиле даже был приговорен к сроку за порнографию. Находясь в тюрьме, он создал тринадцать акварелей и рисунков, пару из которых привезли в Москву.
Эгон Шиле. «Автопортрет в обнаженном виде, гримаса», 1910
arts-museum.ru / The Albertina Museum, Vienna
Выставке рисунков Густава Климта и Эгона Шиле присвоили возрастной ценз 18+. «Мы понимали, что можем иметь дело с публикой, которая впервые увидит искусство такого рода. Мы имели в виду некую напряженность в обществе. Мы все время думаем о том, как бы не ущемить чьи-то чувства: верующих, нервных или эмоциональных. И нам нужно было, не слишком расстраивая рассчитывающих на пуританство, тем не менее показать то, без чего невозможно показать искусство одинокого, страждущего, сложно воспринимающего жизнь художника», — рассказала Марина Лошак.
Эгон Шиле. «Художник Макс Оппенгеймер», 1910
arts-museum.ru / The Albertina Museum, Vienna
«Рисунки Климта и Шиле из Альбертины ждут во многих странах. В ближайшее время — в Англии и в Америке. Мы знаем также, что работы на бумаге не могут экспонироваться на свету ни слишком часто, ни слишком долго. И общий резерв времени для их публичного пребывания не безграничен. Три месяца из этого резерва отдали Москве. И это большая привилегия», — отметил куратор проекта Виталий Мишин.
Выставка «Густав Климт. Эгон Шиле. Рисунки из музея Альбертина (Вена)» в Пушкинском музее продлится до 14 января 2018 года.
