Impresjonizm(francuski impresjonizm, od wrażenia - wrażenie) - ruch w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się w najbardziej naturalny sposób uchwycić prawdziwy świat w jego mobilności i zmienność, aby przekazać swoje ulotne wrażenia.
1. Wyzwolenie się od tradycji realizmu (żadnych obrazów mitologicznych, biblijnych i historycznych, tylko życie współczesne).
2. Obserwacja i badanie otaczającej rzeczywistości. Nie to, co widzi, ale jak widzi z pozycji postrzeganej „wizualnej istoty rzeczy”
3. Życie codzienne współczesnego miasta. Psychologia mieszkańca miasta. Dynamika życia. Tempo, rytm życia.
4. „Efekt przedłużonej chwili”
5. Szukaj nowych formularzy. Prace małych formatów (studia, oprawa). Nietypowe, ale przypadkowe.
6. Seryjność obrazów (Monet „Stogi siana”)
7. Nowość systemu malowania. Otwórz czysty kolor. Ulga, bogaty zbiór odruchów, drżenie.
8. Mieszanie gatunków.
Edwarda Maneta – nowator. Od matowych, gęstych tonów po lekkie malowanie. Fragmentacja kompozycji.
„Olimpia” – opiera się na Tycjanie, Giorgione, Goi. pozowała Wiktoria Muran. Wenus jest przedstawiana jako nowoczesna kokota. U moich stóp leży czarny kot. Czarna kobieta wręcza bukiet. Tło jest ciemne, ciepły ton ciała kobiety jest jak perła na błękitnej pościeli. Głośność jest zakłócona. Nie ma modelowania odcięcia.
„Śniadanie na trawie”- modelka i dwóch artystów + pejzaż + martwa natura. Czarne surduty kontrastują z nagim ciałem.
"Flecista"- wrażenie muzyki.
„Bar Folies Bergere” – Dziewczyna jest barmanką. Dreszcz przebłysku chwili. Samotność tętniącego życiem miasta. Iluzja szczęścia. Nakładam go na całe płótno (niedostępne w moich myślach, ale dostępne dla klientów baru). Pełna sala zwiedzających jest obrazem świata.
Claude Monet - zrezygnowano z tradycyjnej sekwencji (podmalowanie, szkliwienie itp.) - ala prima
"Wrażenie. Wschodzące słońce" - fieria żółta, pomarańczowa, zielona. Łódź jest wizualnym akcentem. Nieuchwytny, niedokończony krajobraz, bez konturów. Zmienność środowiska świetlno-powietrznego. Promienie światła zmieniają widzenie.
„Śniadanie na trawie” – skraj lasu, wrażenie pikniku , ciemnozielona kolorystyka przeplatana brązem i czernią. Liście okazują się mokre. Ubranie i obrus kobiety są oświetlone, wypełnione powietrzem, światłem przechodzącym przez liście.
„Boulevard des Capucines w Paryżu” – fragmentaryczny. Odcina dwie osoby patrzące z balkonu na bulwar. Tłum ludzi to życie miasta. Połowa w świetle zachodzącego słońca, a połowa w cieniu budynku. Brak centrum wizualnego, natychmiastowe wrażenie.
„Skały w Belle-Ile» - dominuje poruszająca się masa wody (grube uderzenia). Tęczowe odcienie zastosowane energetycznie. Skały odbijają się w wodzie, a woda odbija się w skałach. Poczucie mocy żywiołów, wrzącej zielono-niebieskiej wody. Kompozycja z wysokim horyzontem.
„Gare Saint-Lazare” – pokazane jest wnętrze stacji, ale bardziej interesuje mnie lokomotywa i para, która jest wszędzie (fascynacja mgłą, liliową mgłą).
Pierre'a Augusta Renoira- artysta radości, znany przede wszystkim jako mistrz portretu świeckiego, niepozbawiony sentymentalizmu.
"Huśtać się"- przesiąknięty ciepłym kolorem, ukazana jest młodość, dziewczyna jest pod wrażeniem.
„Bal w Moulin de la Gallette” – scena rodzajowa. Dzień. Młodzi ludzie, studenci, sprzedawczynie itp. Przy stołach pod akacjami znajduje się platforma do tańca. Zabawa światłem (promienie słońca na plecach).
„Portret Joanny Samary” – kobiety-kwiaty. Urocza, kobieca, pełna wdzięku, wzruszająca, spontaniczna aktorka. Głębokie oczy, lekki, słoneczny uśmiech.
„Portret Madame Charpentier z dziećmi”- elegancka towarzyska kobieta w czarnej sukience z trenem i dwie dziewczyny w niebieskim. Gobeliny, stół, pies, parkiet – wszystko mówi o zamożności rodziny.
Edgara Degasa– nie malował w plenerze, kult linii i rysunku. Kompozycje po przekątnej (od dołu do góry)); Figury w kształcie litery S, spiralne + okno z którego oświetlenie + oświetlenie punktowe. Olej, potem łóżko.
„Baletnice”, „Tancerze”- wkracza w życie baletnic. Pociągnięcia łączą rysunek i malarstwo. Stały rytm treningu.
„Niebiescy tancerze”- żadnej indywidualności - pojedynczy wieniec ciał. W jednym rogu widać jeszcze światło z ramp, w drugim cień kulis. Ten moment jest także dla aktorek i zwykłych ludzi. Wyraziste sylwetki, chabrowe sukienki. Fragmentacja – bohaterowie nie patrzą na widza.
„Nieobecny” – mężczyzna i kobieta siedzą w kawiarni. Zakres popiołu. Mężczyzna z fajką patrzy w jedną stronę, a pijana kobieta z dystansem - dotkliwa samotność.
Kamil Pissarro – interesuje się krajobrazami, a także znajdującymi się w nich ludźmi i wozami. Motyw drogi, po której chodzą ludzie. Kochałam wiosnę i jesień.
„Wjazd do wsi Voisin„- ciemny, miękki krajobraz, drzewa wzdłuż drogi - otaczają wejście, ich gałęzie mieszają się, rozpuszczając na niebie. Koń chodzi powoli i spokojnie. Domy to nie tylko obiekty architektoniczne, ale mieszkania dla ludzi (ciepłe gniazda).
„Pasaż Opery w Paryżu”(seria) – szary, pochmurny dzień. Dachy są lekko przysypane śniegiem, chodniki mokre, budynki toną w zasłonach śniegu, przechodnie z parasolami zamieniają się w cienie. Kolor wilgotnego powietrza jest otaczający. Liliowo-niebieskie, oliwkowe odcienie. Małe pociągnięcia.
Alfreda Sisleya– starał się dostrzec piękno przyrody, niesamowity spokój nieodłączny od wiejskiego krajobrazu.
„Mróz w Louveciennes” – poranek, stan świeży, przedmioty skąpane w świetle (połączenie). Żadnych cieni (subtelnych niuansów), kolory żółto-pomarańczowe. Spokojny zakątek, a nie ruchliwe miasto. Poczucie czystości, kruchości, miłości do tego miejsca
Impresjonizm w Rosji. rozwija się później i w szybszym tempie niż we Francji
V.A. Serow – obojętny na rysunek akademicki, pragnie pokazać piękno natury w kolorze.
„Dziewczyna z brzoskwiniami”" - portret Verochki Mamontowej. Wszystko jest naturalne i zrelaksowane, każdy szczegół jest ze sobą powiązany. Piękno twarzy dziewczyny, poezja obrazu życia, nasycone światłem kolorowe malarstwo. Piękno i świeżość szkicu, dwa trendy, dwie siły organicznie zjednoczone, tworzące jedną formę obrazowej wizji. Wszystko wydaje się takie proste i naturalne, ale w tej prostocie jest tyle głębi i integralności! Z największą wyrazistością V. Serov przekazał światło wylewające się jak srebrny strumień z okna i wypełniające pokój. Dziewczyna siedzi przy stole i nie jest niczym zajęta, jakby naprawdę na chwilę usiadła, mechanicznie podniosła brzoskwinię i trzyma ją, patrząc na ciebie prosto i szczerze. Ale ten spokój jest tylko chwilowy i przez niego widać pasję do energicznego ruchu.
"Dzieci"- ukazuje duchowy świat dzieci (synów). Starszy patrzy na zachód słońca, młodszy twarzą do widza. Różne spojrzenie na życie.
„Mika Morozow”- siedzi na krześle, ale przewraca się w stronę widza. Przekazuje się emocje dzieci.
"Tancerka rewiowa"- szkicowość. Maluje bogatymi pociągnięciami pędzla, szerokimi pociągnięciami liści, pociągnięciami czasem pionowymi, czasem poziomymi i różniącymi się fakturą ⇒ dynamizmem, powietrzem i światłem. Połączenie natury i dziewczyny, świeżości, spontaniczności.
"Paryż. Boulevard des Capucines” – pstrokaty kalejdoskop kolorów. Sztuczne oświetlenie - rozrywka, dekoracyjna teatralność.
I.E.Grabar – początek wolicjonalny, emocjonalny.
« lazur lutego”- Zobaczyłem brzozę z poziomu gruntu i byłem zszokowany. Dzwonki tęczy łączy lazurowe niebo. Brzoza jest monumentalna (w całym płótnie).
„Marcowy śnieg”- dziewczyna niesie wiadra na jarzmie, cień drzewa na roztopionym śniegu.
Impresjonizm otworzył nową sztukę – ważne jest to, jak artysta widzi, nowe formy i sposoby prezentacji. Oni mają chwilę, my mamy trochę czasu; Mamy mniej dynamiki, więcej romantyzmu.
Mane Śniadanie na trawie Mane Olympia
Manet „Bar Folies Bergere” Maneta Flecista"
monet "Wrażenie. Wschodzące słońce Monet „Obiad na trawie” – „Boulevard des Capucines w Paryżu”
Monet „Skały w Belle-Ile”" Monet „Gare Saint-Lazare”
Monet „Boulevard des Capucines w Paryżu”Renoira"Huśtać się"
Renoira „Bal w Moulin de la Gallette” Renoir „Portret Joanny Samary”
Renoir „Portret Madame Charpentier z dziećmi”
Odgazować „Niebiescy tancerze” Odgazować „Nieobecny”
Pissarro –„Pasaż Opery w Paryżu”(seria) Pissarro „Wjazd do wsi Voisin»
Sisleya „Mróz w Louveciennes” Serow „Dziewczyna z brzoskwiniami”
Sierow „Dzieci” Sierow „Mika Morozow”
Korovin „Dziewczyna z chóru” Korovin „Paryż. Bulwar des Capucines”
Grabar „Lutowy Błękit” Grabar „Marcowy Śnieg”
TreśćWprowadzenie…………………………………………………………………...….3
1 Impresjonizm jako jeden z kierunków artystycznych XIX wieku………5
1.1 Historia rozwoju impresjonizmu………..………………..…….5
1.2 Główne cechy charakterystyczne impresjonizmu……………...…….7
2 Twórczość artystów impresjonistów…..……………...……9
2.1 Edouard Manet………………………………….………………….……9
2.2 Edgar Degas…………………………….…………………….……..11
2.3 Auguste Renoir……………………….……………………….…….13
2.4 Claude Monet…………….…………………………………….……..15
2.5 Alfred Sisley…………………………………………….…….16
2.6 Camille Pissarro………………………………………...………...17
2.7 Paul Cézanne………………………………………………….……18
3 Wartość kulturowa impresjonizmu……………………………...19
Zakończenie………………………………………………………20
Lista referencji…………………………………………………21
Wstęp
Rozwój przemysłu w XIX wieku skrócił odległości i skrócił czas. Krajobrazy zmieniły się i ukazały się ludziom w nowej, niezwykłej formie. Do rozkwitu krajobrazu przyczynił się cały rozwój kultury i sztuki francuskiej. Pragnienie natury, wszystkiego, co naturalne, chęć przeciwstawienia się kierownictwu akademickiemu za pomocą prostych i bezpretensjonalnych uczuć, zostało wyraźnie rozpoznane nawet w przededniu rewolucji francuskiej. Na początku lat 70. grupa młodych artystów rozpoczęła pracę we Francji. Po raz pierwszy w historii sztuki artyści przyjęli zasadę, że nie malują w swojej pracowni, ale w plenerze: nad brzegiem rzeki, na polu, na leśnej polanie. To byli przyszli „impresjoniści”. Ważną zasadą impresjonizmu było unikanie typowości. Do sztuki wkroczyła bezpośredniość i swobodny wygląd, wydaje się, że obrazy impresjonistów namalował zwykły przechodzień spacerujący bulwarami i cieszący się życiem.
Obecnie dzieła impresjonistów są wysoko cenione. Do grupy impresjonistów z reguły zaliczają się artyści, którzy brali udział w wystawach impresjonistycznych w latach 70. – 80. XIX w. w Paryżu. Są to Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley i inni.Prezentowana praca będzie podejmowała temat poświęcony badaniu impresjonizmu jako jednego z ruchów artystycznych XIX wieku.
Trafność wybranego tematu tłumaczy się koniecznością studiowania tego kierunku sztuki francuskiej, aby zrozumieć wartość kulturową impresjonizmu i ocenić jego dziedzictwo kulturowe (obrazy i płótna, które przetrwały do dziś) z współczesnego punktu widzenia.
Celem pracy jest zgłębienie impresjonizmu jako jednego z nurtów w sztuce francuskiej XIX wieku. Zgodnie z tym rozwiązano następujące zadania:
▬ poznawać historię rozwoju impresjonizmu;
▬ studiować twórczość głównych przedstawicieli impresjonizmu;
Przedmiotem badań tego dzieła jest sztuka francuska XIX wieku. Tematem opracowania jest impresjonizm, jako jeden z nurtów w sztuce francuskiej XIX wieku.
Badania tematu „Impresjonizm jako jeden z kierunków sztuki francuskiej XIX wieku” przeprowadzono następującymi metodami:
▬metoda dialektyczna – realizacja wszechstronnej wiedzy o przedmiocie i przedmiocie badań tej pracy;
▬ metoda analizy i syntezy – osobna analiza części składowych (twórczość, płótna, obrazy wybitnych artystów tego kierunku);
▬ metoda strukturalno-funkcjonalna – określenie roli impresjonizmu w sztuce XIX wieku i jego znaczenia;
▬ metoda systematyczna – analiza całości sztuki francuskiej i określenie roli i znaczenia impresjonizmu w niej;
▬ metoda analityczna – analiza twórczości kilku wybitnych artystów tego kierunku;
▬ metoda podsumowania całej zdobytej wiedzy na dany temat.
Podstawą teoretyczną prezentowanej pracy były prace naukowe z zakresu kulturoznawstwa, dotykające badań nad sztuką francuską XIX wieku, w szczególności twórczością impresjonistów. Są to prace takich autorów jak Gurevich P.S., Stolyarov D.Yu., Kortunov V.V., Markaryan E.S., Radugin A.A., Schweitzer A., Dmitrieva N.A. itd.
Postawione cele i szczegółowe zadania zdeterminowały strukturę prezentowanej pracy. Praca składa się ze wstępu, części głównej i zakończenia, zawiera spis literatury i zastosowań.
Główna część składa się z trzech części: pierwsza część poświęcona jest badaniu historii powstania impresjonizmu, druga część poświęcona jest badaniu twórczości najwybitniejszych przedstawicieli tego ruchu, trzecia część poświęcona jest kulturowa ocena impresjonizmu.
Praca ujęta jest na 21 stronach, zawiera 2 załączniki, do napisania pracy wykorzystano 13 źródeł naukowych.
1 Impresjonizm jako jeden z kierunków sztuki XIX wiek
1.1 Historia rozwoju impresjonizmu
U szczytu idei rewolucji francuskiej w sztuce francuskiej zachodziły poważne zmiany. Dla wielu artystów realistyczna reżyseria przestaje być standardem i w zasadzie zaprzecza się realistycznej wizji samego świata. Artyści są zmęczeni żądaniami obiektywności i typizacji. Rodzi się nowa, subiektywna rzeczywistość artystyczna. Liczy się nie to, jak wszyscy postrzegają świat, ale to, jak ja to widzę, ty to widzisz, on to widzi. Na tej fali ukształtował się jeden z kierunków sztuki - impresjonizm.
Na początku lat 70. XIX wiek Grupa młodych artystów rozpoczęła pracę we Francji. Po raz pierwszy w historii sztuki światowej artyści przyjęli zasadę malowania nie w pracowni, ale w plenerze - nad brzegiem rzeki, na polu, na leśnej polanie. Dzięki wynalezieniu metalowych tub z farbą, gotowych i przenośnych, które zastąpiły stare, ręcznie robione farby z oleju i sproszkowanych pigmentów, artyści mogli wyjść ze swoich pracowni i pracować w plenerze. Pracowali bardzo szybko, bo ruch słońca zmieniał oświetlenie i koloryt krajobrazu. Czasami wyciskali farbę na płótno prosto z tuby i uzyskiwali czyste, błyszczące kolory z efektem pociągnięcia pędzla. W latach 70. XIX wieku wielu z tych artystów przybyło do Paryża. To byli przyszli „impresjoniści”.
Pod tą nazwą łączy się wielu różnych artystów, a każdy z nich miał swój własny styl rysowania. W ten sposób grupa impresjonistów jednoczy artystów, którzy brali udział w wystawach impresjonistycznych w latach 70. - 80. XIX wieku. Są to Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Henri Toulouse-Lautrec i inni.
Nowe techniki malarskie młodych artystów i niezwykły wygląd obrazów sprawiły, że ich prace nie zostały przyjęte na Salon Paryski, gdzie malarze mieli jedyną okazję zaprezentować swoje prace publiczności. Następnie śmiało przeciwstawili się nieprzyjaznemu jury Salonu, które rok po roku uparcie odmawiało wystawiania ich prac. Po zjednoczeniu w 1874 roku zorganizowali własną, niezależną wystawę. Wystawa została otwarta w pracowni fotografa Nadara, która mieściła się w Paryżu przy Boulevard des Capucines. Po tej wystawie artystów zaczęto nazywać impresjonistami. Nazwa ta narodziła się dzięki krytykowi Louisowi Leroyowi. Taki tytuł nosił prezentowany na wystawie obraz Claude’a Moneta – „Impresja. Wschodzące słońce” („Impresja. Lewantowy soleil”).
To słowo pasowało do ich dzieł, ponieważ artyści przekazywali w nich bezpośrednie wrażenia z tego, co widzieli. Artyści przyjęli nowe podejście do przedstawiania świata. Najważniejsze było dla nich drżące światło, powietrze, w którym zdawały się zanurzać ludzkie postacie i przedmioty. Na ich obrazach można było poczuć wiatr, ziemię mokrą po deszczu i nagrzaną słońcem. Starali się dostrzec i pokazać niesamowite bogactwo kolorów w przyrodzie. Impresjonizm był ostatnim znaczącym ruchem artystycznym w XIX-wiecznej Francji.
Nie można powiedzieć, że droga artystów impresjonistów była łatwa. Początkowo nie byli rozpoznawani, prasa albo ignorowała artystów, albo z nich kpiła; ich malarstwo wydawało się zbyt odważne i niezwykłe, śmiali się z nich. Nikt nie chciał kupować ich obrazów. Oni jednak uparcie poszli swoją drogą. Ani bieda, ani głód nie mogły zmusić ich do porzucenia swoich przekonań.
Artyści nie od razu zaakceptowali nazwę „Impresjoniści”, którą przykleił im jeden niemiły dziennikarz. Wznowiono jednak doświadczenie wystaw niezależnych z 1876 roku. Zaakceptowanie ich przez społeczeństwo nastąpiło dopiero pod koniec XIX wieku, dzięki wsparciu krytyków sztuki i licznych handlarzy dziełami sztuki. Minęło wiele lat, niektórzy artyści impresjoniści już nie żyli, gdy ich twórczość została w końcu rozpoznana.
Impresjonizm to zatem zjawisko nowego podejścia do malarstwa, nowego spojrzenia, chęci zatrzymania chwili prawdziwego życia, uchwycenia jej na obrazie na długi czas. Ten kierunek w sztuce otworzył oczy zarówno artystom, jak i widzom na kolor i światło w naturze, wywracając do góry nogami rutynę akademickich zasad.
1.2 Główne cechy charakterystyczne impresjonizmu
Teraz, gdy gorące debaty na temat znaczenia i roli impresjonizmu należą już do przeszłości, mało kto odważy się zaprzeczyć, że ruch impresjonistyczny był kolejnym krokiem w rozwoju europejskiego malarstwa realistycznego. „Impresjonizm to przede wszystkim sztuka obserwacji rzeczywistości, która osiągnęła niespotykane dotąd wyrafinowanie”.
Dążąc do maksymalnej spontaniczności i dokładności w przekazywaniu otaczającego świata, zaczęli malować głównie w plenerze, podnosząc rangę szkiców z natury, które niemal zastąpiły tradycyjny rodzaj malarstwa, starannie i powoli tworzony w pracowni.
Impresjoniści pokazali piękno prawdziwego świata, w którym każda chwila jest wyjątkowa. Konsekwentnie doprecyzowując swoją paletę, impresjoniści uwolnili malarstwo od ziemistych i brązowych lakierów i farb. Konwencjonalna, „muzealna” czerń w ich płótnach ustępuje miejsca nieskończenie różnorodnej grze refleksów i kolorowych cieni. Niezmiernie poszerzyli możliwości sztuk pięknych, odsłaniając nie tylko świat słońca, światła i powietrza, ale także piękno londyńskich mgł, niespokojną atmosferę wielkomiejskiego życia, rozproszenie nocnych świateł i rytm nieustannego ruchu.
Dla mnie styl impresjonizmu jest przede wszystkim czymś zwiewnym, efemerycznym, nieubłaganie nieuchwytnym. To ten oszałamiający moment, którego oko ledwo ma czas uchwycić, a który następnie pozostaje w pamięci na długi czas jako moment najwyższej harmonii. Mistrzowie impresjonizmu słynęli z umiejętności łatwego przeniesienia tej chwili piękna na płótno, obdarowując ją namacalnymi doznaniami i subtelnymi wibracjami, które jak każda rzeczywistość powstają podczas interakcji z obrazem. Kiedy patrzy się na dzieła wybitnych artystów tego stylu, zawsze pojawia się pewien posmak nastroju.
Impresjonizm(od impresja - impresja) to ruch artystyczny, który powstał we Francji pod koniec lat sześćdziesiątych XIX wieku. Jej przedstawiciele starali się w jak najbardziej naturalny i bezstronny sposób uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności oraz przekazać ulotne wrażenia. Szczególną uwagę zwrócono na transmisję koloru i światła. 
Słowo „impresjonizm” pochodzi od tytułu obrazu Moneta „Impresja”. Wschód słońca, prezentowany na wystawie w 1874 roku. Mało znany dziennikarz Louis Leroy w swoim artykule nazwał artystów „impresjonistami”, aby wyrazić swoją pogardę. Jednak nazwa utknęła i straciła swoje pierwotne negatywne znaczenie. 
Pierwsza ważna wystawa impresjonistów odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 roku w pracowni fotografa Nadara. Zaprezentowano tam 30 artystów, w sumie 165 prac. Młodym artystom zarzucano „niedokończone” i „niechlujne malowanie”, brak smaku i sensu w swojej twórczości, „atak na prawdziwą sztukę”, buntownicze uczucia, a nawet niemoralność. 
Czołowymi przedstawicielami impresjonizmu są Alfred Sisley i Frederic Bazille. Edouard Manet i Eduard Manet wystawiali wraz z nimi swoje obrazy. Joaquin Sorolla jest również uważany za impresjonistę. 
Pejzaże i sceny z życia miejskiego – bodaj najbardziej charakterystyczne gatunki malarstwa impresjonistycznego – malowano „w plenerze”, czyli tzw. bezpośrednio z natury, a nie na podstawie szkiców i szkiców przygotowawczych. Impresjoniści uważnie przyglądali się naturze, zauważając kolory i odcienie zwykle niewidoczne, jak np. błękit w cieniach. 
Ich metoda artystyczna polegała na rozłożeniu złożonych tonów na składowe czyste kolory widma. Rezultatem były kolorowe cienie i czysty, lekki, żywy obraz. Impresjoniści nakładali farbę osobnymi pociągnięciami, czasami stosując kontrastujące odcienie w jednym obszarze obrazu. Główną cechą malarstwa impresjonistycznego jest efekt żywego migotania kolorów. 
Aby oddać zmiany w kolorze przedmiotu, impresjoniści zaczęli preferować stosowanie kolorów, które wzajemnie się wzmacniają: czerwonego i zielonego, żółtego i fioletowego, pomarańczowego i niebieskiego. Te same kolory tworzą efekt spójnego kontrastu. Na przykład, jeśli przez chwilę patrzymy na czerwień, a następnie przeniesiemy wzrok na biel, wyda nam się ona zielonkawa. 
Impresjonizm nie podnosił problemów filozoficznych i nie próbował nawet przeniknąć pod kolorową powierzchnię codzienności. Zamiast tego artyści skupiają się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu czy kącie widzenia. Ich obrazy przedstawiały jedynie pozytywne strony życia, nie dotykając dotkliwych problemów społecznych. 
Artyści często malowali ludzi w ruchu, podczas zabawy lub relaksu. Poruszano tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarni i teatrze, pływania łódką, na plażach i w ogrodach. Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to ciągła seria małych wakacji, przyjęć, przyjemnych rozrywek poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu. 
Impresjonizm pozostawił po sobie bogatą spuściznę w malarstwie. Przede wszystkim jest to zainteresowanie problematyką kolorystyczną i niestandardowymi technikami. Impresjonizm wyrażał chęć odnowienia języka artystycznego i zerwania z tradycją, jako protest przeciwko żmudnej technice mistrzów szkoły klasycznej. Cóż, Ty i ja możemy teraz podziwiać te wspaniałe dzieła wybitnych artystów. 
Impresjonizm to kierunek w malarstwie, który powstał we Francji w latach 60. XIX wieku i w dużej mierze zdeterminował rozwój sztuki w XIX wieku. Mistrzowie rejestrowali swoje ulotne wrażenia i starali się uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności w jak najbardziej naturalny i bezstronny sposób. Centralnymi postaciami tego ruchu byli Cézanne, Degas, Manet, Pizarro, Renoir i Sealey, a wkład każdego z nich w jego rozwój był wyjątkowy. Impresjoniści przeciwstawiali się konwencjom klasycyzmu, romantyzmu i akademizmu, afirmowali piękno codziennej rzeczywistości, proste, demokratyczne motywy, osiągali żywą autentyczność obrazu i starali się uchwycić „wrażenie” tego, co oko widzi w danym momencie. Najbardziej typowym tematem dla impresjonistów jest pejzaż, ale w swojej twórczości poruszali także wiele innych tematów. Na przykład Degas przedstawiał wyścigi konne, baletnice i praczki, a Renoir urocze kobiety i dzieci. W impresjonistycznych pejzażach tworzonych w plenerze prosty, codzienny motyw często ulega transformacji pod wpływem wszechobecnego, poruszającego się światła, nadając obrazowi charakter świąteczny. W niektórych technikach impresjonistycznego konstruowania kompozycji i przestrzeni zauważalny jest wpływ ryciny japońskiej i częściowo fotografii. Impresjoniści jako pierwsi stworzyli wieloaspektowy obraz codziennego życia współczesnego miasta, oddając oryginalność jego krajobrazu i wyglądu zamieszkujących je ludzi, ich życia, pracy i rozrywki.
Oscar Moneta-Claude'a Jeden z twórców impresjonizmu, artysta Monet z drugiej połowy lat 60. XIX wieku, w swoich obrazach starał się przekazać poprzez malarstwo plenerowe zmienność środowiska świetlno-powietrznego, bogactwo barw świata, zachowując przy tym świeżość pierwszego wizualne wrażenie natury. Od nazwy pejzażu Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” („Impresja. Soleil levant”; 1872, Muzeum Marmottan, Paryż) – to nazwa impresjonizmu. W swoich kompozycjach pejzażowych („Bulwar Kapucynów w Paryżu”, 1873, „Skały w Étretat”, 1886, oba w Muzeum Puszkina w Moskwie; „Pole maków”, lata 80. XIX w., Państwowe Muzeum Ermitaż w Petersburgu) Monet odtworzył wibrowanie światła i powietrza za pomocą małych, oddzielnych pociągnięć czystego koloru i dodatkowych tonów widma głównego, licząc na ich optyczne połączenie w procesie percepcji wzrokowej. Próbując uchwycić różnorodne stany przejściowe natury o różnych porach dnia i przy różnej pogodzie, w latach 90. XIX wieku Monet stworzył serię obrazów-wariacji na temat jednego motywu fabularnego (cykl obrazów „Katedry w Rouen”, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Sztuka nazwana imieniem A. S. Puszkina, Moskwa i inne spotkania). Późny okres twórczości Moneta charakteryzował się dekoracyjnością, postępującym rozpuszczeniem form przedmiotów w wyrafinowanych zestawieniach plam barwnych.
Degasa Edgara Począwszy od obrazów historycznych i portretów o ścisłej kompozycji („Rodzina Bellellich”, ok. 1858 r.), Degas w latach 70. XIX w. zbliżył się do przedstawicieli impresjonizmu i zwrócił się w stronę ukazywania współczesnego życia miejskiego – ulic, kawiarni, przedstawień teatralnych („Place de la Concorde” około 1875 r.; „Absynt”, 1876 r.). W wielu pracach Degas ukazuje charakterystyczne zachowanie i wygląd ludzi, wynikające ze specyfiki ich życia, ujawnia mechanizm zawodowego gestu, postawy, ruchu człowieka, jego plastyczne piękno („Prasownice”, 1884). Afirmacja estetycznego znaczenia życia ludzi i ich codziennych czynności odzwierciedla wyjątkowy humanizm twórczości Degasa. Twórczość Degasa charakteryzuje się połączeniem piękna, czasem fantastycznego, z prozaicznością: oddaniem świątecznego ducha teatru w wielu scenach baletowych („Gwiazda”, pastel, 1878). Artysta, jako trzeźwy i subtelny obserwator, jednocześnie uchwycił żmudną codzienną pracę kryjącą się za eleganckim showmanem („Egzamin taneczny”, pastel, 1880). Prace Degasa, ze swoją ściśle sprawdzoną, a jednocześnie dynamiczną, często asymetryczną kompozycją, precyzyjnym, elastycznym rysunkiem, nieoczekiwanymi kątami, aktywną interakcją figury i przestrzeni, łączą pozorną bezstronność i przypadkowość motywu i architektury obrazu ze starannym przemyśleniem i obliczenie. Późne prace Degasa wyróżniają się intensywnością i bogactwem barwy, które uzupełniane są efektami sztucznego oświetlenia, powiększonymi, niemal płaskimi formami i ciasną przestrzenią, nadając im intensywnie dramatyczny charakter („Niebiescy tancerze”, pastel). Od końca lat 80. XIX wieku Degas intensywnie zajmował się rzeźbą, osiągając ekspresję w przekazywaniu natychmiastowego ruchu („Tancerz”, brąz).
Renoira Pierre’a Auguste’a W latach 1862-1864 Renoir studiował w Paryżu w Ecole des Beaux-Arts, gdzie zbliżył się do swoich przyszłych kolegów z impresjonizmu, Claude'a Moneta i Alfreda Sisleya. Renoir pracował w Paryżu, odwiedził Algierię, Włochy, Hiszpanię, Holandię, Wielką Brytanię i Niemcy. Na wczesną twórczość Renoira wpływ ma Gustave Courbet i twórczość młodego Edouarda Maneta („Tawerna Matki Antoniego”, 1866). Na przełomie lat 60. i 70. XIX w. Renoir zajął się malarstwem w plenerze, organicznie włączając postacie ludzkie w zmieniające się środowisko świetlne („Kąpiel w Sekwanie”, 1869). Paleta Renoira rozjaśnia się, lekkie, dynamiczne pociągnięcie pędzla staje się przejrzyste i wibrujące, kolorystyka nasycona jest srebrno-perłowymi refleksami („Lodge”, 1874). Przedstawiając epizody wyrwane z biegu życia, przypadkowe sytuacje życiowe, Renoir preferował odświętne sceny z życia miasta - bale, tańce, spacery, jakby próbując ucieleśnić w nich zmysłową pełnię i radość bycia („Moulin de la Galette” , 1876). Szczególne miejsce w twórczości Renoira zajmują poetyckie i urokliwe wizerunki kobiet: wewnętrznie różne, ale zewnętrznie nieco do siebie podobne, zdają się być naznaczone wspólnym piętnem epoki („Po obiedzie”, 1879, „Parasole”, 1876; portret aktorki Jeanne Samary, 1878). W przedstawieniu aktów Renoir osiąga rzadkie wyrafinowanie goździków, zbudowane na połączeniu ciepłych odcieni ciała z przesuwającymi się jasnozielonkawymi i szaroniebieskimi refleksami, nadającymi płótnu gładką i matową powierzchnię („Naga kobieta siedząca na kanapie” , 1876). Niezwykły kolorysta Renoir często odnosi wrażenie malarstwa monochromatycznego za pomocą subtelnych zestawień tonów zbliżonych kolorystycznie („Dziewczyny w czerni”, 1883). Od lat 80. XIX wieku Renoir coraz bardziej skłaniał się ku klasycznej przejrzystości i uogólnieniu form, w jego malarstwie nasilały się cechy dekoracyjności i pogodnej idyllizmu („Wielcy kąpiący się”, 1884-1887). Lakonizm, lekkość i zwiewność kreski wyróżniają liczne rysunki i ryciny („Kąpiący”, 1895) Renoira.
Maneta Edouarda Na rozwój Maneta jako artysty znaczący wpływ miały dzieła Giorgione, Tycjana, Halsa, Velazqueza, Goi i Delacroix. W pracach z przełomu lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XIX wieku, które tworzyły galerię ostro oddanych typów i postaci ludzkich, Manet połączył żywą autentyczność obrazu z romantyzacją wyglądu modelki („Lola z Walencji”, 1862 ). Wykorzystując i reinterpretując tematy i motywy obrazów dawnych mistrzów, Manet starał się wypełnić je odpowiednią treścią, czasem w sposób szokujący, wprowadzając wizerunek współczesnego człowieka do słynnych klasycznych kompozycji („Lunch na trawie”, „ Olimpia” – oba 1863). W latach 60. XIX wieku Edouard Manet sięgnął po tematykę historii nowożytnej („Egzekucja cesarza Maksymiliana”, 1867), ale uduchowiona dbałość Maneta o nowoczesność objawiała się przede wszystkim w scenach sprawiających wrażenie wyrwanych z codzienności, pełnych lirycznych duchowości i znaczeniu wewnętrznym („Śniadanie w pracowni”, „Balkon” – oba 1868), a także w portretach im podobnych w oprawie artystycznej (portret Emila Zoli, 1868, portret Berthe Morisot, 1872). Swoją twórczością Edouard Manet przewidział pojawienie się, a następnie stał się jednym z twórców impresjonizmu. Pod koniec lat 60. XIX wieku Manet zbliżył się do Edgara Degasa, Claude'a Moneta, Auguste'a Renoira i przeszedł od matowych i gęstych tonów, intensywnych barw z przewagą ciemnych barw do jasnego i swobodnego malarstwa plenerowego („In the Boat”, 1874, Metropolitan Museum of Art; „W tawernie ojca Lathuile”, 1879). Wiele dzieł Maneta charakteryzuje się impresjonistyczną swobodą obrazową i fragmentacją kompozycji, nasyconą światłem, wibrującą gamą barw („Argenteuil”). Jednocześnie Manet zachowuje klarowność rysunku, odcienie szarości i czerni, woli nie krajobraz, ale codzienną fabułę z wyraźnymi podstawami społeczno-psychologicznymi (zderzenie snów i rzeczywistości, iluzoryczna natura szczęścia w błyszczący i świąteczny świat - w jednym z ostatnich obrazów Maneta „Bar w Folies Bergere”, 1881–1882). W latach 1870–1880 Manet dużo pracował w dziedzinie portretu, poszerzając możliwości tego gatunku i przekształcając go w swego rodzaju studium wewnętrznego świata współczesnego (portret S. Mallarmé, 1876), malował pejzaże i martwe natury („Bukiet bzu”, 1883), pełnił funkcję rysownika, mistrza akwaforty i litografii.
Kamil Pissarro był pod wpływem Johna Constable'a, Camille Corot, Jean Francois Millet. Jeden z czołowych mistrzów impresjonizmu, Pissarro, w licznych wiejskich pejzażach odsłonił poezję i urok natury Francji, za pomocą miękkiej palety malarskiej, subtelnego przeniesienia stanu środowiska świetlno-powietrznego, nadał urok świeżości do najbardziej bezpretensjonalnych motywów („Zaorana ziemia”, 1874; „Taczka”, 1879) . Następnie Pissarro często zwracał się do krajobrazu miasta („Boulevard Montmartre”, 1897; „Pasaż Opery w Paryżu”, 1898). W drugiej połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku Pissarro sięgał niekiedy po technikę malarską neoimpresjonizmu. Pissarro odegrał jedną z głównych ról w organizowaniu wystaw impresjonistów. Camille Pissarro unikał w swoich pracach skrajnej manifestacji pleneru, kiedy przedmioty materialne zdają się rozpuszczać w migotliwej przestrzeni światła i powietrza („Śnieg w Louveciennes”; „Ulica w Louveciennes”, 1873). Wiele jego dzieł wyróżnia zainteresowanie charakterystyczną ekspresją, wręcz portretową, wpisaną w krajobraz miasta („Widok Rouen”, 1898)
Sisleya Alfreda pod wpływem Camille'a Corot. Jeden z czołowych mistrzów impresjonizmu, Sisley malował bezpretensjonalne pejzaże przedmieść Paryża, naznaczone subtelnym liryzmem i utrzymane w świeżej i powściągliwej palecie światła. Krajobrazy Sisleya, oddające autentyczną atmosferę Ile-de-France, zachowują szczególną przejrzystość i miękkość zjawisk naturalnych o każdej porze roku („Mały plac w Argenteuil”, 1872, „Powódź w Marly”, 1876; „Mróz w Louveciennes”, 1873, „Skraj lasu w Fontainebleau”, 1885).
Czarujące obrazy natury autorstwa artysty Alfreda Sisleya z lekką domieszką smutku fascynują niesamowitym oddaniem nastroju danej chwili („Brzeg Sekwany w Bougival”, 1876). Od połowy lat 80. XIX wieku w twórczości Sisleya nasilają się cechy kolorowego dekoryzmu.
Wniosek: Mistrzowie impresjonizmu utrwalali swoje ulotne wrażenia i starali się uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności w jak najbardziej naturalny i bezstronny sposób. E. Manet (formalnie nienależący do grupy impresjonistów), O. Renoir, E. Degas wnieśli do sztuki świeżość i spontaniczność postrzegania życia, zwrócili się w stronę ukazywania chwilowych sytuacji wyrwanych z przepływu rzeczywistości, życia duchowego człowiek, przedstawienie silnych namiętności, uduchowienie natury, zainteresowanie
do narodowej przeszłości, pragnienie syntetycznych form artystycznych łączy się z motywami światowego smutku, chęcią eksploracji i odtworzenia „cieniowej”, „nocnej” strony ludzkiej duszy, ze słynną „romantyczną ironią”, która pozwoliła romantycy odważnie porównują i utożsamiają to, co wysokie i niskie, tragiczne i komiczne, prawdziwe i fantastyczne. posługiwali się fragmentarycznymi realiami sytuacji, fragmentarycznymi, na pierwszy rzut oka niezrównoważonymi strukturami kompozycyjnymi, nieoczekiwanymi kątami, punktami widzenia, przekrojami postaci. W latach 70.–1880. XIX w. ukształtował się pejzaż francuskiego impresjonizmu: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley opracowali spójny system plenerów, tworząc w swoich obrazach wrażenie mieniącego się światła słonecznego, bogactwa barw natury , rozpuszczanie form w wibracji światła i powietrza.
IMPRESJONIZM(francuski impresjonizm, od impresja - wrażenie) - ruch w sztuce końca lat 60. XIX wieku - początku lat 80. XIX wieku, którego głównym celem było przekazywanie ulotnych, zmiennych wrażeń. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryciach optyki i teorii koloru; wpisuje się w tym w ducha analizy naukowej charakterystycznego dla końca XIX wieku. Impresjonizm najwyraźniej objawił się w malarstwie, gdzie szczególną uwagę zwrócono na transmisję koloru i światła.
Impresjonizm pojawił się we Francji pod koniec lat sześćdziesiątych XIX wieku. Jej czołowymi przedstawicielami są Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley i Jean Frédéric Bazille. Swoje obrazy wystawiali u nich Edouard Manet i Edgar Degas, choć stylu ich dzieł nie można nazwać impresjonistycznym. Słowo „impresjonizm” pochodzi od tytułu obrazu Moneta Wrażenie. Wschodzące słońce(1872, Paryż, Muzeum Marmottan), prezentowane na wystawie w 1874. Tytuł sugerował, że artysta przekazuje jedynie przelotne wrażenia z krajobrazu. Obecnie termin „impresjonizm” rozumiany jest szerzej niż tylko subiektywna wizja artysty: jako wnikliwe studium natury, przede wszystkim pod kątem koloru i oświetlenia. Koncepcja ta jest w istocie przeciwieństwem tradycyjnego, sięgającego czasów renesansu, rozumienia głównego zadania malarstwa, jakim jest przekazywanie kształtu przedmiotów. Celem impresjonistów było ukazanie chwilowych, pozornie „przypadkowych” sytuacji i ruchów. Sprzyjała temu asymetria, fragmentacja kompozycji, zastosowanie skomplikowanych kątów i cięć figur. Obraz staje się odrębną ramą, fragmentem poruszającego się świata.
Pejzaże i sceny z życia miejskiego – bodaj najbardziej charakterystyczne gatunki malarstwa impresjonistycznego – malowano „w plenerze”, czyli tzw. bezpośrednio z natury, a nie na podstawie szkiców i szkiców przygotowawczych. Impresjoniści uważnie przyglądali się naturze, zauważając kolory i odcienie zwykle niewidoczne, jak np. błękit w cieniach. Ich metoda artystyczna polegała na rozłożeniu złożonych tonów na składowe czyste kolory widma. Rezultatem były kolorowe cienie i czysty, lekki, żywy obraz. Impresjoniści nakładali farbę oddzielnymi pociągnięciami, czasami stosując kontrastujące odcienie w jednym obszarze obrazu, wielkość pociągnięć była różna. Czasem, np. dla przedstawienia czystego nieba, wygładzano je pędzlem, uzyskując bardziej równą powierzchnię (ale i w tym przypadku podkreślano swobodny, niedbały sposób malowania). Główną cechą malarstwa impresjonistycznego jest efekt żywego migotania kolorów.
Camille Pissarro, Alfred Sisley i Claude Monet w swoich pracach preferowali pejzaże i sceny miejskie. Auguste Renoir malował ludzi w plenerze lub we wnętrzach. Jego twórczość doskonale ilustruje charakterystyczną dla impresjonizmu tendencję do zacierania granic pomiędzy gatunkami. Zdjęcia jak Bal w Moulin de la Galette(Paryż, Musée D'Orsay) lub Śniadanie wioślarzy(1881, Waszyngton, Phillips Gallery) to kolorowe wspomnienia radości życia, miejskiego i wiejskiego.
Podobne poszukiwania transmisji środowiska świetlno-powietrznego, rozkładu złożonych tonów na czyste kolory widma słonecznego miały miejsce nie tylko we Francji. Do impresjonistów zaliczają się James Whistler (Anglia i USA), Max Liebermann, Lovis Corinth (Niemcy), Joaquin Sorolla (Hiszpania), K.A. Korovin, I.E. Grabar (Rosja).
Impresjonizm w rzeźbie zakłada żywe, swobodne modelowanie płynnych, miękkich form, co tworzy złożoną grę światła na powierzchni materiału i poczucie niekompletności. Pozy dokładnie oddają moment ruchu i rozwoju; postacie wydają się być sfilmowane ukrytą kamerą, jak np. w niektórych pracach E. Degasa i O. Rodina (Francja), Medardo Rosso (Włochy), P. P. Trubetskoya (Rosja).
Na początku XX wieku. w malarstwie pojawiły się nowe tendencje, wyrażające się w odrzuceniu realizmu i zwróceniu się w stronę abstrakcji; spowodowały, że młodsi artyści odwrócili się od impresjonizmu. Impresjonizm pozostawił jednak po sobie bogatą spuściznę: przede wszystkim zainteresowanie problematyką koloru, a także przykład śmiałego zerwania z tradycją.
