Sztuka nieustannie ewoluuje, podobnie jak cały otaczający nas świat. Współcześni artyści XXI wieku i ich obrazy w niczym nie przypominają tych, które istniały w średniowieczu i renesansie. Pojawiają się nowe nazwy, materiały, gatunki i sposoby wyrażania talentów. W tym rankingu poznamy dziesięciu innowacyjnych artystów naszych czasów.
10. Pedro Campos. Na dziesiątym miejscu znajduje się Hiszpan, którego pędzel może śmiało konkurować z aparatem, maluje właśnie takie realistyczne płótna. Tworzy głównie martwe natury, jednak to nie tyle tematyka jego obrazów budzi niesamowity podziw, co mistrzowskie wykonanie. Tekstury, rozjaśnienia, głębia, perspektywa, objętość – Pedro Campos podporządkował to wszystko swojemu pędzlowi, dzięki czemu rzeczywistość, a nie fikcja, patrzyła na widza z płótna. Bez ozdobników, bez romantyzmu, tylko rzeczywistość – takie jest właśnie znaczenie gatunku fotorealizmu. Nawiasem mówiąc, dbałość o szczegóły i skrupulatność artysta nabył pracując jako konserwator.
9. Ryszard Estes. Inny miłośnik fotorealizmu, Richard Estes, zaczynał od zwykłego malarstwa, ale później zajął się malowaniem pejzaży miejskich. Dzisiejsi artyści i ich twórczość nie muszą do nikogo się dopasowywać i to jest cudowne, każdy może wyrazić siebie tak jak chce, w czym chce. Podobnie jak w przypadku Pedro Camposa, prace tego mistrza można łatwo pomylić z fotografiami, miasto z nich jest tak podobne do prawdziwego. Rzadko widuje się ludzi na obrazach Estesa, ale prawie zawsze są odbicia, refleksy, równoległe linie i doskonała, idealna kompozycja. Tym samym nie tylko szkicuje pejzaż miasta, ale odnajduje w nim doskonałość i stara się go ukazać.
8.Kevin Sloan. Współczesnych artystów XXI wieku i ich obrazów jest niesamowita ilość, jednak nie każdy z nich jest wart uwagi. Amerykanin Kevin Sloan stoi, bo jego prace zdają się przenosić widza w inny wymiar, świat pełen alegorii, ukrytych znaczeń i metaforycznych zagadek. Artysta lubi malować zwierzęta, gdyż jego zdaniem zyskuje w ten sposób większą swobodę w przekazywaniu historii niż w przypadku ludzi. Sloan od niemal 40 lat kreuje swoją „rzeczywistość z haczykiem” w olejach. Bardzo często na płótnach pojawia się zegar: patrzy na niego słoń lub ośmiornica, obraz ten można interpretować jako upływ czasu lub ograniczenia życia. Każdy z obrazów Sloan oddziałuje na wyobraźnię, człowiek chce się domyślić, co autorka chciała jej przekazać.
7. Laurent Parselier. Malarz ten należy do tych współczesnych artystów XXI wieku, których malarstwo wcześnie zyskało uznanie, już w czasie studiów. Talent Laurenta objawił się w publikowanych albumach pod ogólnym tytułem „Strange World”. Maluje olejami, jego styl jest lekki i zmierza w stronę realizmu. Cechą charakterystyczną prac artysty jest obfitość światła, które zdaje się wylewać z płócien. Z reguły przedstawia pejzaże i niektóre rozpoznawalne miejsca. Wszystkie prace są niezwykle lekkie i przewiewne, przepełnione słońcem, świeżością i oddechem.
6. Jeremy Mann. Pochodzący z San Francisco kochał swoje miasto i najczęściej przedstawiał je na swoich obrazach. Współcześni artyści XXI wieku mogą szukać inspiracji do swoich obrazów wszędzie: w deszczu, mokrych chodnikach, neonach, latarniach miejskich. Jeremy Mann nasyca proste krajobrazy nastrojem, historią i eksperymentuje z technikami i doborem kolorów. Głównym składnikiem manny jest olej.
5. Hansa Rudolfa Gigera. Na piątym miejscu znajduje się niepowtarzalny, wyjątkowy Hans Giger, twórca Obcego z filmu o tym samym tytule. Dzisiejsi artyści i ich dzieła są różnorodni, ale każdy jest genialny na swój sposób. Ten ponury Szwajcar nie maluje natury i zwierząt, woli malarstwo „biomechaniczne”, w którym jest mistrzem. Niektórzy porównują artystę do Boscha w mroku i fantazji jego obrazów. Choć z obrazów Gigera emanuje coś nieziemskiego i niebezpiecznego, nie można odmówić mu techniki i umiejętności: zwraca uwagę na szczegóły, umiejętnie dobiera odcienie, przemyśla wszystko w najdrobniejszych szczegółach.
4. Will Barnett. Artysta ten ma swój własny, niepowtarzalny, autorski styl, dlatego jego prace są chętnie akceptowane przez największe muzea świata: Metropolitan Museum of Art, National Gallery of Art, British Museum, Ashmolean Museum, czy Muzeum Watykańskie. Współcześni artyści XXI wieku i ich dzieła, aby zostać docenionym, muszą w jakiś sposób wyróżniać się na tle innych mas. I Will Barnett może to zrobić. Jego prace są graficzne i kontrastowe; często przedstawia koty, ptaki i kobiety. Na pierwszy rzut oka obrazy Barnetta są proste, ale po bliższym przyjrzeniu się okazuje się, że ich geniusz tkwi w tej prostocie.
3. Neila Simona. To jeden ze współczesnych artystów XXI wieku, którego prace nie są tak proste, jak się wydaje na pierwszy rzut oka. Jakby zacierały się granice pomiędzy bohaterami i dziełami Neila Simona, przepływały one od siebie do siebie, pociągając za sobą widza, wciągając go w iluzoryczny świat artysty. Kreacje Simona charakteryzują się jasną, nasyconą kolorystyką, co dodaje im energii i siły oraz wywołuje reakcję emocjonalną. Mistrz uwielbia bawić się perspektywą, wielkością obiektów, niezwykłymi połączeniami i nieoczekiwanymi kształtami. W pracach artysty jest dużo geometrii, która łączy się z naturalnymi pejzażami, jakby wdzierając się do środka, ale nie niszcząc, ale harmonijnie uzupełniając.
2. Igor Morski. Dzisiejszego artystę XXI wieku i jego obrazy często porównuje się do wielkiego geniusza Salvadora Dali. Dzieła polskiego mistrza są nieprzewidywalne, tajemnicze, ekscytujące, budzą silne emocje, a czasem wręcz szaleństwo. Jak każdy surrealista nie stara się pokazywać rzeczywistości taką, jaka jest, ale pokazuje aspekty, których nigdy w życiu nie zobaczymy. Najczęściej głównym bohaterem dzieł Morskiego jest człowiek ze wszystkimi swoimi lękami, pasjami i brakami. Również metafory w twórczości tego surrealisty często dotyczą władzy. Nie jest to oczywiście artysta, którego prace powiesiłybyście nad łóżkiem, ale taki, na którego wystawę zdecydowanie warto się wybrać.
1. Yayoi Kusama. Tak więc na pierwszym miejscu w naszym rankingu znajduje się japońska artystka, która osiągnęła niesamowity sukces na całym świecie, mimo że cierpi na pewne choroby psychiczne. Główną cechą artysty są kropki. Obejmuje wszystko, co widzi, okręgami o różnych kształtach i rozmiarach, nazywając to wszystko sieciami nieskończoności. Interaktywne wystawy i instalacje Kusamy cieszą się dużym powodzeniem, bo każdy czasami chce (nawet jeśli się do tego nie przyznaje) znaleźć się w psychodelicznym świecie halucynacji, dziecięcej spontaniczności, fantazji i kolorowych kręgów. Wśród współczesnych artystów XXI wieku i ich obrazów najlepiej sprzedającą się jest Yayoi Kusama.
Sztukę współczesną nazywa się zwykle wszelkiego rodzaju ruchami artystycznymi, które pojawiły się pod koniec XX wieku. W okresie powojennym był to rodzaj ujścia, który na nowo uczył ludzi marzyć i wymyślać nowe realia życia.
Zmęczeni kajdanami surowych zasad przeszłości młodzi artyści postanowili przełamać stare artystyczne normy. Dążyli do stworzenia nowych, nieznanych wcześniej praktyk. Kontrastując z modernizmem, zwrócili się w stronę nowych sposobów ujawniania swoich historii. Artysta i koncepcja jego twórczości stały się o wiele ważniejsze niż sam wynik działania twórczego. Chęć odejścia od ustalonych ram doprowadziła do pojawienia się nowych gatunków.
Wśród artystów zaczęły pojawiać się spory na temat znaczenia sztuki i sposobów jej wyrażania. Czym jest sztuka? Jakimi środkami można osiągnąć prawdziwą sztukę? Konceptualiści i minimaliści znaleźli odpowiedź dla siebie w zdaniu: „Jeśli sztuka może być wszystkim, to może być niczym”. Dla nich odejście od utartych środków wizualnych zaowocowało różnymi wydarzeniami, wydarzeniami i performansami. Jaka jest specyfika sztuki współczesnej XXI wieku? O tym porozmawiamy w artykule.
Grafika trójwymiarowa w sztuce XXI wieku
Sztuka XXI wieku słynie z grafiki 3D. Wraz z rozwojem technologii komputerowej artyści zyskali dostęp do nowych sposobów tworzenia swojej sztuki. Istotą grafiki trójwymiarowej jest tworzenie obrazów poprzez modelowanie obiektów w trójwymiarowej przestrzeni. Jeśli weźmie się pod uwagę większość form sztuki współczesnej XXI wieku, tworzenie obrazów 3D wydaje się najbardziej tradycyjne. Grafika 3D ma wiele stron, w najprawdziwszym tego słowa znaczeniu. Służy do tworzenia programów, gier, obrazów i filmów na komputerze. Ale widać to też tuż pod stopami – na asfalcie.
Grafika 3D pojawiła się na ulicach kilkadziesiąt lat temu i od tego czasu pozostaje jedną z najważniejszych form sztuki ulicznej. Wielu artystów maluje na swoich „obrazach” trójwymiarowe obrazy, które potrafią zadziwiać swoim realizmem. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner i wielu innych współczesnych artystów tworzy dziś sztukę, która może zaskoczyć każdego.
Sztuka uliczna XXI wieku
Wcześniej zajęciem zajmowali się ludzie zamożni. Przez wieki był przykryty murami specjalnych instytucji, do których odmawiano wstępu niewtajemniczonym. Oczywiście jego ogromna moc nie mogła pozostać na zawsze w dusznych budynkach. Wtedy właśnie wyszedł na szare, ponure ulice. Zdecydowaliśmy się zmienić naszą historię na zawsze. Chociaż na początku wszystko nie było takie proste.
Nie wszyscy byli zadowoleni z jego narodzin. Wielu uważało to za wynik złego doświadczenia. Niektórzy nawet nie chcieli zwracać uwagi na jego istnienie. Tymczasem pomysł nadal rósł i rozwijał się.
Artyści uliczni napotykali po drodze trudności. Mimo całej różnorodności form, sztukę uliczną czasami trudno było odróżnić od wandalizmu.
Wszystko zaczęło się w latach 70. ubiegłego wieku w Nowym Jorku. W tym czasie sztuka uliczna była w powijakach. A jego życie wspierali Julio 204 i Taki 183. Zostawili napisy w różnych miejscach na swoim terenie, poszerzając następnie obszar dystrybucji. Inni chłopcy postanowili z nimi konkurować. Tutaj zaczęła się zabawa. Entuzjazm i chęć popisu zaowocowały bitwą kreatywności. Każdy chciał odkryć dla siebie i innych bardziej oryginalny sposób na pozostawienie po sobie śladu.
W 1981 roku sztuce ulicznej udało się przepłynąć ocean. Pomógł mu w tym artysta uliczny z Francji BlekleRat. Uważany jest za jednego z pierwszych artystów graffiti w Paryżu. Nazywany jest także ojcem szablonowego graffiti. Jego charakterystycznym akcentem są rysunki szczurów, które nawiązują do imienia ich twórcy. Autor zauważył, że po przestawieniu liter w słowie szczur (szczur) powstaje sztuka (sztuka). Blek zauważył kiedyś: „Szczur to jedyne wolne zwierzę w Paryżu, które rozprzestrzenia się wszędzie, podobnie jak sztuka uliczna”.
Najbardziej znanym artystą ulicznym jest Banksy, który nazywa BlekleRata swoim głównym nauczycielem. Aktualne dzieła tego utalentowanego Brytyjczyka mogą uciszyć każdego. W swoich rysunkach tworzonych przy użyciu szablonów obnaża współczesne społeczeństwo z jego wadami. Banksy ma tradycyjny styl, który pozwala mu wywrzeć jeszcze większe wrażenie na widzach. Ciekawostką jest to, że tożsamość Banksy'ego wciąż owiana jest tajemnicą. Nikomu jeszcze nie udało się rozwikłać zagadki tożsamości artysty.
Tymczasem sztuka uliczna nabiera tempa. Sztuka uliczna, niegdyś zdegradowana do ruchów marginalnych, wkroczyła na scenę aukcji. Prace artystów są sprzedawane za niewiarygodne sumy przez tych, którzy kiedyś nie chcieli o nim rozmawiać. Co to jest, życiodajna siła sztuki czy mainstreamowe trendy?
Formularze
Dziś istnieje kilka dość ciekawych przejawów sztuki współczesnej. Przegląd najbardziej niezwykłych form sztuki współczesnej zostaną przedstawione poniżej.
Gotowe
Termin „readymade” pochodzi z języka angielskiego i oznacza „gotowy”. W rzeczywistości celem tego kierunku nie jest tworzenie niczego materialnego. Główną ideą jest to, że w zależności od otoczenia obiektu zmienia się postrzeganie samego obiektu przez osobę. Założycielem ruchu jest Marcel Duchamp. Jego najsłynniejszym dziełem jest „Fontanna”, czyli pisuar z autografem i datą.
Anamorfozy
Anamorfoza to technika tworzenia obrazów w taki sposób, że można je w pełni zobaczyć dopiero pod pewnym kątem. Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli tego nurtu jest Francuz Bernard Pras. Tworzy instalacje wykorzystując wszystko, co pod ręką. Dzięki swoim umiejętnościom udaje mu się stworzyć niesamowite dzieła, które jednak widać tylko pod pewnym kątem.
Płyny biologiczne w sztuce
Jednym z najbardziej kontrowersyjnych kierunków w sztuce współczesnej XXI wieku jest rysunek malowany płynami ludzkimi. Często zwolennicy tej współczesnej formy sztuki używają krwi i moczu. Kolor obrazów w tym przypadku często przybiera ponury, przerażający wygląd. Na przykład Hermann Nitsch wykorzystuje krew i mocz zwierząt. Zastosowanie tak nieoczekiwanych materiałów autor tłumaczy trudnym dzieciństwem podczas II wojny światowej.
Malarstwo XX-XXI wieku
W krótkiej historii malarstwa zawarta jest informacja, że koniec XX wieku stał się punktem wyjścia dla wielu ikonicznych artystów naszych czasów. W trudnych latach powojennych sfera przeżyła swoje odrodzenie. Artyści starali się odkryć nowe oblicza swoich możliwości.
Suprematyzm
Za twórcę suprematyzmu uważany jest Kazimierz Malewicz. Będąc głównym teoretykiem głosił suprematyzm jako sposób na oczyszczenie sztuki ze wszystkiego, co niepotrzebne. Porzucając zwykłe sposoby przekazywania obrazów, artyści chcieli uwolnić sztukę od pozaartyzmu. Najważniejszym dziełem tego gatunku jest słynny „Czarny kwadrat” Malewicza.
Pop Art
Pop-art ma swoje korzenie w USA. W latach powojennych społeczeństwo doświadczyło globalnych zmian. Ludzi było teraz stać na więcej. Konsumpcja stała się najważniejszą częścią życia. Ludzi zaczęto wywyższać do rangi kultów, a produkty konsumpcyjne do rangi symboli. Jasper Johns, Andy Warhol i inni zwolennicy tego ruchu starali się wykorzystać te symbole w swoich obrazach.
Futuryzm
Futuryzm został odkryty w 1910 r. Główną ideą tego ruchu było pragnienie czegoś nowego, zniszczenie zrębów przeszłości. Artyści przedstawili to pragnienie specjalną techniką. Ostre pociągnięcia, przepływy, połączenia i przecięcia są oznakami futuryzmu. Najbardziej znanymi przedstawicielami futuryzmu są Marinetti, Severini, Carra.
Sztuka współczesna w Rosji XXI wieku
Sztuka współczesna w Rosji (XXI w.) płynnie wypłynęła z podziemnej, „nieoficjalnej” sztuki ZSRR. Młodzi artyści lat 90. poszukiwali nowych sposobów realizacji swoich ambicji artystycznych w nowym kraju. W tym czasie narodził się moskiewski akcjonizm. Jego zwolennicy kwestionowali przeszłość i jej ideologię. Zniszczenie granic (dosłownie i w przenośni) pozwoliło zobrazować stosunek młodszego pokolenia do sytuacji w kraju. Sztuka współczesna XXI wieku stała się wyrazista, przerażająca, szokująca. Takie, przed którym społeczeństwo tak długo się zamykało. Działania Anatolija Osmołowskiego („Majakowski - Osmołowski”, „Przeciw wszystkim”, „Barykada na Bolszai Nikitskiej”), ruch „ETI” („tekst ETI”), Olega Kulika („Prosiaczek rozdaje prezenty”, „Wściekły pies czyli ostatnie tabu”, którego strzeże samotny Cerberus”), Avdey Ter-Oganyan („Pop Art”) na zawsze zmienił historię sztuki współczesnej.
Nowe pokolenie
Slava PTRK to współczesna artystka z Jekaterynburga. Niektórym może kojarzyć się z jego twórczością Banksy’ego. Jednak prace Sławy zawierają idee i uczucia znane tylko obywatelowi Rosji. Jednym z jego najważniejszych dzieł jest kampania „Kraina możliwości”. Artysta stworzył napis o kulach na budynku opuszczonego szpitala w Jekaterynburgu. Slava kupował kule od mieszkańców miasta, którzy kiedyś z nich korzystali. Artysta ogłosił akcję na swoim portalu społecznościowym, załączając apel do współobywateli.
Muzea Sztuki Współczesnej
Być może kiedyś współczesna sztuka plastyczna XXI wieku wydawała się medium marginalnym, dziś coraz więcej ludzi pragnie wstąpić do nowej dziedziny sztuki. Coraz więcej muzeów otwiera swoje drzwi na nowe środki wyrazu. Nowy Jork jest rekordzistą w dziedzinie sztuki współczesnej. Znajdują się tu także dwa muzea, które należą do najlepszych na świecie.
Pierwszą z nich jest MoMA, czyli repozytorium obrazów Matisse’a, Dali i Warhola. Drugie to muzeum.Niezwykła architektura budynku sąsiaduje z dziełami Picassa, Marca Chagalla, Kandinsky'ego i wielu innych.
Europa słynie także ze wspaniałych muzeów sztuki współczesnej XXI wieku. Muzeum KIASMA w Helsinkach umożliwia dotykanie prezentowanych obiektów. Centrum stolicy Francji zachwyca niezwykłą architekturą i dziełami współczesnych artystów. Stedelijkmuseum w Amsterdamie posiada największą kolekcję obrazów Malewicza. Stolica Wielkiej Brytanii posiada ogromną liczbę obiektów sztuki współczesnej. W Wiedeńskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej znajdują się dzieła Andy'ego Warhola i innych utalentowanych współczesnych artystów.
Sztuka współczesna XXI wieku (malarstwo) - tajemnicza, niezrozumiała, fascynująca, na zawsze zmieniła wektor rozwoju nie tylko odrębnej sfery, ale całego życia ludzkości. Odzwierciedla i jednocześnie kreuje nowoczesność. Zmieniająca się nieustannie sztuka nowoczesności pozwala człowiekowi w ciągłym pośpiechu zatrzymać się na chwilę. Zatrzymaj się, aby przypomnieć sobie uczucia, które leżą głęboko w Tobie. Zatrzymaj się, aby ponownie przyspieszyć i rzucić się w wir wydarzeń i spraw.
Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są już w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I wierzcie mi, ich dzieła pozostaną w Waszej pamięci nie mniej głęboko, niż dzieła mistrzów minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył studia na Politechnice Śląskiej, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Koncentruje się na wyrażaniu emocji, stara się uzyskać jak największy efekt prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z różnymi nowymi technikami. Ostatnio zyskuje coraz większą popularność za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z sukcesem sprzedaje swoje prace, które znajdują się już w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang to współczesny amerykański artysta. Urodzony w 1957 r. i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 r., gdzie uzyskał tytuł BFA. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę profesjonalnego artysty.
Jego obrazy realistyczne można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy do wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi przy pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa sięga twórczości XVI-wiecznego artysty Johannesa Vermeera i rozciąga się na tematy, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, studentów, wnętrza pracowni, sale lekcyjne i domy. Jego celem jest tworzenie nastroju i emocji w swoich realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki piękne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters of America, największej społeczności zajmującej się malarstwem olejnym w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Warren obecnie mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, a także wykłada (znany jako utalentowany nauczyciel) w Akademii Sztuki w San Francisco.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni to włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955 r. Uzyskał dyplom ze scenografii w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, gdyż samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne obrazy Bruniego zakorzenione są w surrealizmie, jednak z czasem zaczyna on skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyjątkowym wyrafinowaniem i czystością swoich bohaterów. Obiekty animowane i nieożywione zyskują jednakową dostojność i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za kurtyną, ale pozwalają dojrzeć istotę swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony splendorem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasander Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 w Gliwicach, od 1989 mieszka i pracuje w USA, w Shasta w Kalifornii.
Już w dzieciństwie uczył się plastyki pod okiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, dlatego od najmłodszych lat działalność artystyczna cieszyła się pełnym wsparciem obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i pracująca na pół etatu artystka Cathy Gaggliardi namówiła Alkasandera do zapisania się do szkoły plastycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee w stanie Wisconsin, gdzie studiował malarstwo pod kierunkiem profesora filozofii Harry'ego Rozina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata Balos przeniósł się do Chicago, aby rozpocząć studia w School of Fine Arts, której metody opierają się na twórczości Jacques-Louis Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do uwypuklenia cech i wad ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Tematyka kompozycji jego obrazów przeznaczona jest do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy obrazy nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu tematyka jego prac znacznie się poszerzyła i obejmuje obecnie bardziej swobodne metody malarskie, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrażać idee i ideały istnienia poprzez malarstwo.
Alyssa Monks
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodzony w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Malowaniem zacząłem się interesować już jako dziecko. Studiowała w The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, a w 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo de' Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała studia w ramach studiów magisterskich w New York Academy of Art na wydziale Sztuki Figuratywnej, które ukończyła w 2001 roku. W 2006 roku ukończyła Fullerton College. Przez pewien czas wykładała na uniwersytetach i placówkach oświatowych w całym kraju, ucząc malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy of Art College.
„Używając filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru - częściami ludzkiego ciała.
Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utarte już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Mogłyby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak zalety pływania, tańca i tak dalej. Moi bohaterowie przyciskają się do szyby okna prysznica, zniekształcając własne ciała, uświadamiając sobie, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Miesza się grube warstwy farby, aby z daleka imitować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska widoczne są niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję punkt, w którym abstrakcyjne pociągnięcia pędzlem stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu byłem nim zafascynowany, a nawet miałem obsesję i wierzyłem, że muszę malować jak najbardziej realistycznie. „Wyznawałem” realizm, aż zaczął się on rozwikłać i ujawnić same w sobie sprzeczności. Obecnie badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style będą mogły współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antonia Finelliego
Włoski artysta – „ Obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech pomiędzy Rzymem a Campobasso. Jego prace wystawiane były w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, a także znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem” Obserwator czasu„Antonio Finelli zabiera nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej doczesności i związaną z nią skrupulatną analizę tego świata, której głównym elementem jest przemijanie czasu i ślady, jakie pozostawia on na skórze.
Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta pragnie także znaleźć dowody bezlitosności czasu na ciałach swoich bohaterów. Antonio określa swoje prace jednym, ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować rzeczywiste skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminię Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma trójkę dzieci. Przez dwanaście lat mieszkała w Rzymie, a przez trzy lata w Anglii i Francji. Ukończyła historię sztuki w BD School of Art. Następnie uzyskała dyplom konserwatora dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa zrodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „uczesać la pate” i bawić się materiałem. Podobną technikę rozpoznała w twórczości artysty Pascala Torui. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper czy François Legrand, a także różnymi ruchami artystycznymi: sztuką uliczną, realizmem chińskim, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Szkoły Artystycznej w 1998 roku pozostał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował także na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.
Regularnie uczestniczy w wystawach sztuki, obecnie odbyło się ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość dzieł Denisa Chernova znajduje się w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis posługuje się szeroką gamą technik graficznych i malarskich. Do jego ulubionych metod malarskich należy rysunek ołówkiem, lista tematów jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna; maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.
Od 8 czerwca do 31 lipca w Moskwie odbywa się VI Międzynarodowe Biennale Sztuki Młodych. Swoje prace zaprezentowało ponad 50 artystów z całego świata do 35. roku życia. Ale współcześni artyści wystawiają nie tylko w galeriach i muzeach – często można kupić ich prace. Niekoniecznie jest to kosztowne: popularyzacja sztuki współczesnej zapoczątkowała proces demokratyzacji cen, w wyniku którego część mieszkańców miast zaczęła wliczać koszty obrazów do swoich budżetów remontowych. Nawet domy aukcyjne i targi sztuki, które zaczęły wystawiać prace młodych artystów, nie mogły zignorować zainteresowania sztuką mieszczańską. The Village poprosiła dziennikarkę i współwłaścicielkę galerii Oily Oil Ekaterinę Polozhentsevą o wybranie dzieł współczesnych rosyjskich artystów, które są przystępne zarówno pod względem podejścia, jak i ceny.
Ekaterina Położentsewa
Timofey Radya
Jekaterynburski artysta Tim Radya łączy w swoich pracach filozofię i sztukę uliczną. Tim, filozof z wykształcenia i prawdziwy artysta z natury, Tim od dawna pielęgnuje ideę przyszłej pracy, a następnie wdraża ją w przestrzeni miejskiej z pomocą swojej małej armii przyjaciół i współpracowników. Zwroty, które stały się memami: „Uściskałbym cię, ale to tylko SMS”, „Im więcej światła, tym mniej widzisz” lub „Kim jesteśmy, skąd jesteśmy, dokąd zmierzamy?” chwilowo wpisują się w miejskie środowisko, ale na zawsze pozostają na fotografiach Radia. Sprzedaje je w galeriach.
Timofey Radya. Precz ze śmiercią. 2013. Druk zdjęć na papierze matowym. 60 x 80. Nakład 15/24. Cena - 44 000 rubli. Kup - galeria Artwin
Aleksiej Dubiński
Dubinsky urodził się w Groznym w 1985 roku. Kształcił się klasycznie w Rosyjskiej Akademii Malarstwa, Rzeźby i Architektury Ilji Głazunowa. Alexey pracuje w stylu abstrakcyjnego ekspresjonizmu, za którym zawsze kryje się obraz jakiegoś bohatera – samego Aleksieja, jego przyjaciół lub „całkiem szczęśliwej rodziny”. Wiosną 2018 roku Dubinsky miał dużą wystawę osobistą, której kuratorką była Sofia Simakova w galerii Triumph, po czym pojawienie się Aleksieja na tej liście było wielkim sukcesem: duże (metr po metrze) prace Dubinsky'ego już dawno wykroczyły poza kategorię cen o których warto wspomnieć głośno. Ale grafiki z poprzednich lat nadal można kupić bez rujnowania osobistego lub rodzinnego budżetu.
Cyryl Kto
Jeśli widzisz wycięte oczy na banerach na ulicach Moskwy, wiedz, że stworzył je człowiek, który naprawdę kocha spacery – Cyryl Lebiediew. Drugim znakiem firmowym Who są frazy pisane drukowanymi literami. Często zdarza się, że każda litera jest narysowana innym kolorem. Którego trudno pomylić z kimś innym. Kilka lat temu właścicielki galerii Elwira Tarnogradska i Nadieżda Stiepanowa poprosiły Cyryla o przeniesienie kilku prac na płótno: sukces pomysłu był oczywisty. Ceny Who rosną szybciej, niż jego nowe oczy pojawiają się w mieście. Ale jest też opcja dla liczących pieniądze – sitodruk z podpisem autora i wyprodukowany w limitowanej edycji.
Julia Iosilzon
Yosilzon urodził się w Moskwie w 1992 roku. Obecnie Julia mieszka w Londynie, gdzie zdobywa tytuł licencjata w Slade School of Art na Wydziale Sztuk Pięknych. Całodobowe przebywanie w studenckiej pracowni plastycznej nie przeszkodziło jej w zorganizowaniu osobistej wystawy w moskiewskiej galerii „Triumph”. Najczęściej tworzy wyraziste prace na jedwabiu rozciągniętym na noszach. Wśród bohaterów dzieł rozpoznawalny jest wilk i zając z radzieckiego „No cóż, chwileczkę!”. Iosilzon będzie już musiał odłożyć kilka pensji na malowanie, ale grafikę nadal można kupić za niewielkie pieniądze.
Antoni Totibadze
Anton Totibadze jest synem artysty Konstantina Totibadze i bratankiem artysty Georgy'ego Totibadze. Anton kontynuuje niewypowiedzianą rodzinną tradycję malowania martwych natur i codziennych pejzaży, często inspirowanych grillowaniem na własnym podwórku. Jedno z tych dzieł Antona Totibadze włączyło już do swoich zbiorów Muzeum Rosyjskie w Petersburgu. Nieźle jak na 25-letniego artystę.
Antoni Totibadze. Tymczasowe niedogodności. 2017. Płótno, tempera. 15x19. Cena - 25 000 rubli. Kup - OilyOil.com
Ale Nomad
Anna Asyamova urodziła się w Kazachstanie, jest absolwentką Uniwersytetu Artystycznego w Kemerowie. Jej wczesne prace to ascetyczne portrety, podczas malowania których nie mieszała farb. Później Aleś zainteresował się malarstwem i zaczął malować portrety w stylu dawnych mistrzów, przekształcając je w plecaki lub miękkie zabawki, wykorzystując zamki błyskawiczne, aby prace były wielofunkcyjne. Mniej więcej na tym etapie zauważył ją Władimir Dubossarski i zaproponował zorganizowanie wspólnej wystawy. Jeden z najdroższych żyjących rosyjskich artystów miał oczywiście wpływ na koszt nowych dzieł Alesa. Ale wczesne prace można dziś kupić nawet za 22 tysiące rubli.
Ale Nomad. Ślub. 2013. Karton, akryl, pisaki. 70 x 100. Cena - 22 000 RUB. Kup - OilyOil.com
Walery Chtak
Valery Chtak to artysta z długą historią wystawienniczą i rozpoznawalnym stylem. Jego prace to zawsze monochromatyczna paleta czerni, bieli i szarości z tekstem. W jego obrazach niewiele jest malarstwa, a wiele prostych obrazów, jakby wyciągniętych ze ściany pobliskiego przejścia podziemnego. Z wykształcenia bibliotekarz, Chtak dużo pracuje ze słowami: „Wszyscy umarli są tak samo martwi”, „Kocham się bawić, nienawidzić i mścić się” czy „Kiedy w Moskwie jest północ, w Murmańsku jest też północ” – twórczość artysty teksty, które warto kupić także dzisiaj.
Dmitrij Aske
Dmitry Aske to kolejny artysta, który przeniósł się z ulicy do pracowni artystycznej. Większość dzisiejszych prac Aske to ułożone w stosy panele drewniane, wycinane i malowane ręcznie, a następnie artysta składa je w panele. Wśród prac budżetowych Dimy warto dziś zwrócić uwagę na jego sitodruk z ręcznym malowaniem farbami akrylowymi. Wydruki Asuki są podpisane i ponumerowane.
Dmitrij Aske. Budda. Sitodruk, papier akrylowy, bawełniany. 50 x 50. Cena - 16 000 RUB. Kup - format1.net
Zdjęcia: okładka, 15–21 - Olej tłusty, 1 - Artwin, 2 - Timofey Radya, 3–7, 12–14 - Próbka, 8, 25, 26 - galeria internetowa „Problemy białych ścian”, 9–11, 22–24 - Galeria Trójkąt, 27 - „Format Jeden”
