Ekspozycja znajduje się na drugim piętrze budynku południowego zespołu historyczno-architektonicznego z XVIII-XIX w. „Podwórko dla koni”. Wprowadza zwiedzających muzeum w szeroką gamę eksponatów reprezentujących tradycyjną rosyjską sztukę i rzemiosło. Są to dzieła światowej sławy ośrodków obróbki drewna i kości, malowania lakierami na papierze-mache i metalu, wiodących rzemiosł zabawkarskich z gliny, a także drukowane i haftowane złotem szaliki wykonane przez rosyjskich rzemieślników, wyroby szklane, porcelanowe i fajansowe.
Ośrodki te są skupione w Moskwie, Włodzimierzu, Wołogdzie, Iwanowie, Niżnym Nowogrodzie i innych regionach. Kolekcję zapoczątkowano w latach dwudziestych XX wieku, kiedy to nieliczne dzieła twórców ludowych, należące do znacjonalizowanych skarbów Ławry Trójcy-Sergiusza, uzupełniono eksponatami z Muzeum Regionalnego i Muzeum Optina Pustyn. W 1941 r. bogate zbiory Muzeum Ludowego Rzemiosła Artystycznego (MNHR) zostały przeniesione do Muzeum Siergijewa Posada (wówczas Zagorskiego). Składało się z około czterdziestu tysięcy eksponatów, w tym szereg unikatowych dzieł rzemiosła ludowego i dzieł o charakterze eksperymentalnym, wykonanych przez mistrzów różnych ośrodków artystycznych w warsztatach utworzonych w Moskiewskiej Republice Ludowej. Od lat pięćdziesiątych muzeum rozpoczęło celowe, systematyczne pozyskiwanie kolekcji tradycyjnej rosyjskiej sztuki zdobniczej i użytkowej, a twórczość ta stała się jednym z priorytetowych obszarów jego działalności.
Znaczące miejsce w salach wystawowych zajmują dzieła rzemieślników ludowych i artystów regionu Siergijew Posad. Szczególną sławę miastu przyniosły zabawki. Wykonywano je z drewna - rzeźbione, toczone, stolarskie; wykonane z papier-mache i mastyksu - z ruchem i dźwiękiem. W muzeum prezentowane są lalki wyrzeźbione z trójkątnych klinów i pomalowane - damy, husaria, pielęgniarki, słynne lalki lęgowe, popularne w drugiej połowie XIX - na początku XX wieku. zestaw zabawek architektonicznych, w tym „Ławra Trójcy-Sergius”.
Produkcja zabawek we wsi jest nierozerwalnie związana z rzemiosłem zabawkarskim Siergijewa Posada. Bogorodskoe. Kolekcja muzealna rzeźbionej sztuki plastycznej w Bogorodsku obejmuje zabawki, rzeźby, kompozycje rzeźbiarskie i liczy około czterech tysięcy eksponatów. Bardzo interesujące są dzieła XIX wieku: „Generał Skobelev na koniu” - P.F. Bardenkova, „Przewodnik z niedźwiedziem” – D.I. Puchkowa; zabawne, wielopostaciowe kompozycje o tematyce rosyjskiej baśni ludowej i nowej sowieckiej rzeczywistości, powstałe w latach 30. XX wieku. (prace A.F. Balaeva, N.E. Eroshkina, V.T. Polinova, A.G. Shishkina).
Muzeum posiada bogatą kolekcję dzieł od końca XIX wieku do początków. XX wiek warsztaty zabawek edukacyjnych oraz warsztaty plastyczno-stolarskie Siergijewa Posada i Abramcewa. Są to pudełka, szkatułki, meble wykonane według próbek opracowanych przez znanych artystów S.V. Malyutin, ED Polenova, Ap. M. Wasnetsow, N.D. Bartram, Vl.I. Sokołowa i innych. Praca warsztatu Abramtsevo, prowadzonego przez E.D. Polenova, miał bezpośredni wpływ na powstanie i rozwój rzemiosła rzeźbiarskiego w drewnie Abramcewo-Kudrinsk z charakterystycznym płaskorzeźbionym wzorem roślinnym. Jednym z założycieli łowiska był V.P. Wornoskow. W muzeum znajduje się kilka dzieł mistrza, m.in. naczynia dekoracyjne z początku XX w. oraz portal „Straż Graniczna” z 1937 r.
Oprócz rzemiosła drzewnego w Rosji rozpowszechniła się ceramika, obok naczyń rzeźbiono zwykle zabawki. Sztuka ta ma swoje korzenie w pogaństwie, kiedy to małe gliniane figurki, uczestniczące w magicznych rytuałach, pełniły rolę unikalnych obiektów kultu. Muzeum prezentuje zbiory zabawek Kargopola (obwód archangielski), Filimonowskiej (obwód Tula), Abashevskaya (obwód Penza), Skopińskiej (obwód riazański). Dużym zainteresowaniem cieszy się zabawka Dymkowa (rejon kirowski) z przełomu XIX i XX w. Są to prace nieznanych autorów i A.A. Mezrina: pielęgniarki, panowie, pary tańczące itp. Cenną część kolekcji Dymkowa stanowią prace z lat 30. XX wieku. Wśród dzieł drugiej połowy XX wieku. Wielofigurowa kompozycja „Wesele” wykonana przez grupę rzemieślników z Dymkowa pod przewodnictwem E.I. wyróżnia się rozrywkowym charakterem. Koss-Denshina.
Drewno było jednym z najpopularniejszych materiałów w Rosji, a rzemiosło służące do jego artystycznej obróbki istniało w różnych regionach. Wraz z Siergijewem Posadem muzeum najpełniej prezentuje rzemiosło regionu Niżnego Nowogrodu - Khokhloma i Gorodets. Lekkie drewniane misy Khokhloma, bratiny, lizawki solne, pomalowane w jasne wzory kwiatowe i przypominające drogocenne złote naczynia, były powszechnie znane już w XIX wieku. Ich produkcją tradycyjnie zajmowali się chłopi w szeregu wiosek położonych na terenie nowoczesnego powiatu Kverninsky w obwodzie niżnym nowogrodzie. Wśród eksponatów znajdujących się w zbiorach muzealnych znajdują się próbki naczyń chłopskich z XIX wieku. oraz meble z lat 30. XX w. z niezwykłym obrazem dla „Khokhlomy” na biało-srebrnych tłach.
Rzemiosło Gorodets zaczęło nabierać kształtu pod koniec XVIII wieku, kiedy chłopi z kilku małych wiosek położonych w pobliżu dużej wioski handlowej Gorodets zaczęli produkować na sprzedaż spody do kołowrotków. Kobiety siadały na nich podczas pracy, zabezpieczając wysoki grzebień lnianym lub wełnianym kablem w specjalnym otworze. Niemniej jednak starano się, aby spód był piękny: był powodem do dumy gospodyni, był ceniony i pielęgnowany, a po pracy zawieszany był na ścianie jako dekoracja domu. W dekoracji Dońca zastosowano bardzo rzadką w rosyjskiej sztuce ludowej technikę inkrustacji kawałkami ciemnego dębu bagiennego. XIX wieku przeszli od rzeźbienia z intarsjami do malarstwa; bujne „róże”, jeźdźcy, sceny picia herbaty i uroczystości przedstawiano szybkimi, malowniczymi pociągnięciami. W latach dwudziestych XX wieku zniknęło zapotrzebowanie na pączki, a artyści z Gorodca zaczęli szeroko wykorzystywać swoje umiejętności malarskie do ozdabiania innych przedmiotów: pudełek, szkatułek, paneli dekoracyjnych, zabawek.
Kolekcja muzeum Gorodets nie tylko pozwala prześledzić główne etapy rozwoju tego ośrodka od końca XVIII do końca XX wieku, ale także daje wyobrażenie o twórczości niemal wszystkich mistrzów który pozostawił wyraźny ślad w jego historii. W kolekcji znajdują się dzieła uznawane za „klasyczne” przykłady sztuki Gorodets: Donets A.V. i L.V. Melnikovs, G.L. Polyakov, V.K. Smirnov, panel: I.K. Mazin, ekran: I.K. Lebiediew i D.I. Kryukova i inni.
Rosyjskie lakiery artystyczne są znane na całym świecie. Zbiory muzealne pozwalają odzwierciedlić ich historię i przybliżyć Państwu wszystkie ważniejsze ośrodki malarstwa lakowego. W muzeum eksponowane są malowane metalowe tace z Niżnego Tagila i Zhostowa (obwód moskiewski), przedmioty „lakierowane” wykonane z papier-mache z XIX–XX wieku. wieś pod Moskwą Fedoskino, a także ośrodki obwodów iwanowskiego i włodzimierskiego: Palech, Choluj i Mstera, gdzie sztuka miniatur lakowych rozwinęła się dopiero w czasach sowieckich i opierała się na ustalonych tradycjach malowania ikon. Od lat trzydziestych XIX wieku w warsztacie O.F. Wiszniakow, znajdujący się we wsi Zhostovo, wraz z wyrobami z papieru-mache, zaczął wytwarzać metalowe tace. Stopniowo rybołówstwo zyskiwało niezależne znaczenie. Przy dekorowaniu tac zaczęto preferować kompozycje kwiatowe pomalowane bogatymi, malowniczymi pociągnięciami.
Szczególnie cenny jest zbiór miniatur lakowych Palecha z lat 1920-1930, w którym znajdują się dzieła o bardzo wysokim poziomie artystycznym. Wśród nich znajdują się prace artystów wchodzących w skład utworzonego w 1924 roku „Palekh Artel of Ancient Painting”: A.V. Kotukhina, I.V. Markicheva, I.M. Bakanova, I.P. Vakurova, I.I. Zubkovej i innych, w tym wirtuozowskie dzieła założyciela malarstwa lakowego w Palechu, I.I. Golikowa.
Historia ośrodków pod Moskwą (wieś Fedoskino i wieś Zhostovo) sięga końca XVIII wieku, kiedy kupiec P.I. Korobov zorganizował we wsi przedsiębiorstwo zajmujące się produkcją wyrobów lakierniczych z papier-mache. Danilkov, położony w pobliżu wsi. Fedoskino. Wkrótce rybołówstwo rozprzestrzeniło się po całej okolicy. W zbiorach muzealnych prezentowane są dzieła fabryki Łukutina (następców P.I. Korobowa) oraz drobnych przedsiębiorstw chłopskich we wsiach Ostaszkowo, Zhostovo, Sorokino i innych znajdujących się w wołoście Trójcy Obwodu Moskiewskiego. Najstarsze dzieła znajdujące się w zbiorze pochodzą z połowy XIX wieku. Wyroby tych warsztatów są jednolite stylistycznie: pudełka, szkatułki, papierośnice, portfele i tabakierki wykonane z papier-mache ozdobione są malowniczymi, realistycznie zinterpretowanymi miniaturami z wyraźnym motywem narodowym. Tradycyjne obrazy „trojek”, „podwieczorków”, sceny z życia chłopskiego są z reguły darmowymi kopiami obrazów sztalugowych i grafik rosyjskich artystów.
Poczesne miejsce na wystawie zajmuje kolekcja rosyjskich szali i szali. Są to chusty haftowane „złotymi” nićmi i innymi wyrobami rzemieślników z Tweru i Niżnego Nowogrodu oraz eleganckie szale drukowane czołowych przedsiębiorstw moskiewskich i rejonu moskiewskiego XIX – początków XX wieku. Największym i obecnie jedynym producentem wełnianych szali i szali z nadrukiem w Rosji jest Pawłowski Posad pod Moskwą, gdzie ich produkcję opanowano na początku lat 60. XIX wieku w fabryce należącej do kupców Ya.I. Labzin i V.I. Gryaznow. Produkcja szali była niemal w całości ręczna. Wzory nanoszono na tkaninę za pomocą rzeźbionych desek, „kwiatków” i „manierów”. Ulubionym motywem we wzorach pawłowskich szali i tac Zhostovo były wizerunki kwiatów. Wśród eksponatów muzeum znajdują się szale Pavlovo Posad z różnych czasów. Są to szaliki legendarnego XIX-wiecznego rysownika. S.V. Postigova „Podkowa” i „Rozwód” oraz dzieła naszych współczesnych E.P. Regunova, K.S. Zinowiewa, I.P. Dadonova i inni.
Rzemiosło artystyczne stanowi znaczącą część kultury narodowej Rosji. Prace prezentowane w muzeum świadczą o wielkim talencie rosyjskich mistrzów, subtelnym guście artystycznym i oryginalności ich talentu.
Kość jest materiałem bardzo atrakcyjnym dla rosyjskich rzemieślników, zróżnicowanym pod względem walorów dekoracyjnych i możliwości technicznych. Już w XVII wieku. Tradycje sztuki rzeźbienia w kościach zaczęły się rozwijać na obszarze osadniczym Chołmogory w prowincji Archangielsk. Rzemieślnicy z Chołmogorów, obok stępu (zwykłej kości zwierzęcej), używali kości morsa, rzadziej mamuta, z których wyrobów szczególnie ceniono. Najpopularniejszym wyrobem były grzebienie, pudełka, szkatułki i szkatułki, ozdobione najdoskonalszymi wzorami roślinnymi, wizerunkami zwierząt i ptaków, wykonanymi ażurowymi rzeźbami i rycinami. W drugiej połowie XIX - początkach XX wieku. Rzeźbienie w kościach praktykowano w klasztorze Trójcy-Sergiusza i Siergijewie Posadzie, o czym świadczy prezentowana na wystawie charakterystyczna ikona „Trójcy” z 1869 r., wykonana przez Iwana Iljina (mnicha Jonasza) oraz niewielka ikona z kości słoniowej przedstawiająca Sergiusza z Radoneża przez miejscowych mistrz I.Z. Chruszczowa.
Rozwinięte tu tradycje miniaturowej rzeźby w kościach i drewnie wpłynęły na powstanie w drugiej połowie lat czterdziestych XX wieku rzeźbiarstwa kostnego w mieście Chotkowo, niedaleko Siergijewa Posada. Oryginalność tego ośrodka przejawiała się w stosowaniu różnych technik obróbki kości, łączeniu kości z drewnem i powszechnym stosowaniu stępu. Cechy te zostały szczególnie wyraźnie ucieleśnione w pracach z lat pięćdziesiątych XX wieku, w szczególności w pudełku V.E. Loginov „Michurin”, którego wstawki kostne są mistrzowsko wykonane przy użyciu oryginalnej techniki wieloaspektowego reliefu. Ekspozycja muzealna jest także okazją do zapoznania się z dziełami tradycyjnego rzemiosła artystycznej obróbki kości, które rozwinęło się na wschodzie Rosji: Tiumeń (Tobolsk), Jakucja, Czukotka. Tożsamość każdego z nich opiera się na tradycjach etnicznych i artystycznych miejscowej ludności.
Przez lata swojego istnienia muzeum zgromadziło bogatą kolekcję rosyjskiego szkła i porcelany. Tego rodzaju sztuka użytkowa szybko rozwinęła się w Rosji w XVIII-XIX wieku. W salach muzeum można obejrzeć wyroby ówczesnych fabryk, zróżnicowane pod względem przeznaczenia, formy, techniki i stylu: cesarskie fabryki porcelany i szkła w Petersburgu, prywatne fabryki porcelany Gardnera, Popowa, Kuzniecowa, Korniłowa, szkło fabryki - Malcow, Bachmetew itp. Wśród eksponatów znajdują się najrzadsze przykłady rosyjskiego szkła i ceramiki, takie jak np. Grawerowane szklane kielichy z XVIII wieku. lub wyroby z majoliki wykonane w jednej z pierwszych fabryk ceramicznych w Rosji, otwartej w 1724 roku w Moskwie przez kupca A.K. Grebenszczekow. W muzeum znajduje się wspaniała kolekcja rzeźb porcelanowych, w tym różne rzeźby gatunkowe i cała seria „Narody Rosji”, która w XIX wieku. został kilkakrotnie wznowiony w fabrykach Gardnera i Kuzniecowa pod Moskwą.
Kolekcję szkła i porcelany z okresu sowieckiego i poradzieckiego reprezentują głównie dzieła z lat 60.-80. XX wieku, wykonane przez czołowych rzemieślników i artystów z największych fabryk w Rosji. W historii porcelany krajowej wiodącą pozycję zawsze zajmowała Leningradzka Fabryka Porcelany im. M.V. Łomonosowa (dawniej Imperial) i dwie fabryki pod Moskwą: fabryka porcelany Dmitrovsky (dawniej Gardner) i fabryka porcelany Dulevo nazwana na cześć gazety „Prawda” (dawniej Kuznetsovsky). Przedsiębiorstwa te reprezentują dwie oryginalne i prężne szkoły, posiadające własny styl, wysoką kulturę pracy z materiałami i bogate tradycje. Różnica między obiema szkołami porcelany polega na tym, że odziedziczyły one odmienne warstwy historyczne kultury rosyjskiej: moskiewska kierowała się tradycją ludową, leningradzka – wysoce profesjonalną sztuką XVIII–XIX w., która nastąpiła wraz z rozwojem ogólnoeuropejskim .
W zbiorach muzealnych znajdują się znakomite i uroczyste dzieła artystów z Petersburga (Leningradu), wyróżniające się subtelnym gustem artystycznym i klasycznym wyczuciem proporcji: A.V. Worobiewski, A.A. Jackiewicz, V.M. Gorodecki, N.P. Slavina, I.S. Olewskoj; Zgodne w formie i malarstwie z ludzkim rozumieniem piękna, jasne, podtrzymujące życie dzieła artystów regionu moskiewskiego: P.V. Leonowa. VC. Yasnetsova, N.N. Ropova i in.Na wystawie można zapoznać się także z kolekcją szkła i kryształu z drugiej połowy XX wieku. Formy zastawy stołowej, wazony i komplety dekoracyjne, kompozycje wolumetryczno-przestrzenne, tworzywa szklane zostały wykonane różnymi technikami i technologiami przez czołowych artystów najstarszych hut szkła w Rosji. Jest to zakład w mieście Gus-Chrustalny, obwód włodzimierski (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov); fabryka szkła „Czerwony Maj” w obwodzie wyszniewołockim obwodu twerskiego (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Fabryka Kryształów Diatkowo (M.V. Grabar, V.V. Soyver, V.Ya. Shevchenko).
Dumą kolekcji muzealnej jest dość znacząca kolekcja Leningradzkiej Fabryki Szkła Artystycznego, której działalność związana jest z twórczością takich mistrzów sztuki użytkowej jak L.O. Jurgen, A.A. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, BA Eremin, Yu.M. Byakow. Większość dzieł szkła i porcelany to egzemplarze unikatowe, powstałe na potrzeby najważniejszych wystaw międzynarodowych lub krajowych. Tym samym muzealny zbiór tradycyjnej rosyjskiej sztuki zdobniczej i użytkowej pod względem różnorodności, kompletności reprezentacji poszczególnych ośrodków oraz wysokiego poziomu artystycznego znajdujących się w nim dzieł można zaliczyć do najlepszych w kraju. Tworzące ją dzieła świadczą o wielkim talencie rosyjskich mistrzów, subtelnym guście artystycznym i oryginalności ich talentu.
Zmiany w życiu codziennym i ich wpływ na sztukę i rzemiosło. Cechy zdobnictwa i wystroju stylów artystycznych baroku, rokoka, klasycyzmu.
Wyroby srebra i złota: szkoła petersburska, moskiewscy rzemieślnicy i manufaktury, srebro niello z Wielkiego Ustiuga. Nowe rodzaje naczyń z metali szlachetnych i nieżelaznych: czajniki, dzbanki do kawy, bouillotte, samowary. Przybory domowe i kościelne. Regalia państwowe. Ordery i medale. Emalie. Artyści emalii A.G. Ovsov, G.S. Musikiysky.
Pojawienie się rosyjskiej porcelany. D.I.Winogradow. Cesarskie i prywatne fabryki porcelany. Majolika, fajans. Szkło artystyczne. Tkaniny dekoracyjne i gobeliny. Nowe w ubraniach. Meble gabinetowe i typograficzne. Intarsja. Drewniane rzeźby we wnętrzach cywilnych i kościelnych. Załogi. Dekoracyjna skała. Kamea.
Artystyczne rzemiosło ludowe. Rzeźbione i inkrustowane dno Gorodets. Rzeźba w kościach Kholmogory. Złoty haft prowincji Twerskiej. Koronka Galicz i Wołogdy. Ceramika Gżela.
Muzyka i teatr w XVIII wieku
Polifoniczny śpiew chóralny. Krawędzie. Muzyka instrumentalna i orkiestra. Sztuka operowa. Balet. Muzyka w życiu dworskim, miejskim i chłopskim. Powstanie narodowej szkoły kompozytorskiej. E.I.Fomin. I.E.Khandoshkin. DS Bortnyansky. M.S.Bieriezowski. A.O. Kozłowski.
Próby stworzenia dostępnego teatru publicznego za Piotra Wielkiego. Amatorskie występy na korcie. Teatry szkolne w religijnych i świeckich placówkach oświatowych. Profesjonalne zespoły aktorów zagranicznych.
Dramat rosyjskiego klasycyzmu: tragedie i komedie. Wpływ sentymentalizmu na repertuar teatralny. Pojawienie się dramatu i opery komicznej na scenie rosyjskiej. A.P. Sumarokov jest dramaturgiem i postacią teatralną. Założyciel rosyjskiego teatru zawodowego, aktor i reżyser F.G. Wołkow. Jego przyjaciel i naśladowca I.A. Dmitrevsky. Masowe przedstawienia teatralne.
Teatr Twierdza. Trupa hrabiego P.B. Szeremietiew. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova i inni artyści. Teatr Pałacowy w Ostankinie. Teatr Ludowy.
SKRÓTY NAZW GŁÓWNYCH ZBIORÓW MUZEALNYCH WYMIENIONYCH W WYKAZIE ZABYTKÓW KULTURY
BAN – Biblioteka Rosyjskiej Akademii Nauk (St. Petersburg)
VMDPNI - Ogólnorosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej (Moskwa)
Państwowe Muzeum Historyczne - Państwowe Muzeum Historyczne (Moskwa)
HMGS – Państwowe Muzeum Rzeźby Miejskiej (St. Petersburg)
GMMK - Muzea Państwowe Kremla Moskiewskiego (Moskwa)
GNIMA – Państwowe Muzeum Badań Naukowych Architektury (Moskwa)
GOP – Państwowa Izba Zbrojowa (Moskwa)
Państwowe Muzeum Rosyjskie - Państwowe Muzeum Rosyjskie (St. Petersburg)
Galeria Trietiakowska - Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Państwowy Ermitaż - Państwowe Muzeum Ermitażu (St. Petersburg)
ZIKHMZ - dawny rezerwat muzealny historii i sztuki Zagorski (obecnie Siergijew Posad) (Siergijew Posad, obwód moskiewski)
MIFA – Muzeum Historycznych Skarbów Ukrainy (Kijów)
MPIB - Muzeum Sztuki Stosowanej i Życia XVII wieku „Katedra Dwunastu Apostołów i Komnaty Patriarchalne na Kremlu Moskiewskim” (Moskwa)
GPS - Nowogród Stany Zjednoczone-Rezerwat Muzealny (Nowogród)
NGP - Nowogród Fasetowana Izba (Nowogród)
SHM – Muzeum Sztuki Samara (Samara)
ZABYTKI KULTURY ROSYJSKIEJ
ROZDZIAŁ I. HISTORIA KULTURY ROSYJSKIEJ W STAROŻYTNOŚCI I ŚREDNIOWIEKU
(DO KOŃCA XVII WIEKU)
LUDOWA ARCHITEKTURA DREWNIANA
BUDYNKI KULTOWE
1. Kościoły Kleckie: Kościół Łazarza z klasztoru Murom (14-16 w.) - Rezerwat Przyrody Kizhi; Kościół Złożenia Szaty ze wsi Borodavy (XV w.) - Muzeum-Rezerwat Kirillo-Belozerskiego; Kościół Przemienienia Pańskiego ze wsi Spas-Vezhi (XVII w.) - Muzeum-Rezerwat Kostroma; Cerkiew św. Mikołaja ze wsi Tucholia (XVII w.) - Nowogrodzkie Muzeum-Rezerwat „Witosławlicy”; Kaplica Michała Archanioła ze wsi Lelikozero (XVIII w.) - Muzeum-Rezerwat Kizhi; Kościół św. Mikołaja ze wsi Glotova (XVIII w.) - Muzeum-Rezerwat Suzdal.
2. Kościoły namiotowe: Cerkiew św. Mikołaja we wsi Lyavlya (XVI w.); Cerkiew św. Jerzego ze wsi Wierszyna (XVII w.) - Muzeum-Rezerwat Archangielska „Mały Koreły”; Kościół Zmartwychwstania Pańskiego ze wsi Patakino (XVIII w.) – Muzeum-Rezerwat Suzdal; Kościół Wniebowzięcia (XVIII wiek) w mieście Kondopoga.
Styl połowy stulecia wpływa także na sztukę i rzemiosło. Wyroby z porcelany, na przykład serwis „Własny” Elżbiety Pietrownej, i inne materiały charakteryzują się krzywoliniowymi formami, a także bogatą dekoracją formowaną, nawiązującą wzornictwem do muszli i elastycznych pędów roślin. Fantazyjne sylwetki przedmiotów organicznie łączą się z jasnymi kolorami, dużą ilością złoceń i połyskiem lustrzanych powierzchni, dopełniając świąteczny obraz wnętrza.
Malarstwo z pierwszej połowy XVIII wieku
Od czasów Piotra Wielkiego malarstwo przeszło ogromne zmiany. Kształtuje się sztuka malarstwa sztalugowego z jego cechami semantycznymi i kompozycyjnymi. Perspektywa odwrócona jest zastępowana przez bezpośrednie i powiązane z nią oddanie głębi przestrzeni. Najważniejszą cechą jest przedstawienie sylwetki zgodnie z zasadami poprawności anatomicznej. Pojawiają się nowe sposoby przenoszenia głośności. Najważniejszą cechą jest światłocień, który zastąpił konwencjonalnie symboliczną linię konturową. Sama technika malarstwa olejnego, z charakterystyczną dla niej specyficzną techniką i systemem relacji kolorystycznych, zdecydowanie, choć nie od razu, wchodzi do użytku artystycznego. Zwiększa się poczucie tekstury. Artystka zyskuje umiejętność oddania specyficznych właściwości miękkiego aksamitu, surowego gronostajowego futra, ciężkiego złotego brokatu i delikatnej koronki. W obrazie fabularnym można prześledzić nowe zasady łączenia postaci. Przedstawienie nagiego ciała to zadanie nowe i trudne. Sama struktura malarstwa staje się bardziej rozgałęziona. Od początków XVIII w. w sztuce świeckiej uprawiane są różnego rodzaju dzieła sztalugowe, malarstwo monumentalne w formie paneli i abażurów oraz pismo miniaturowe. Portret obejmuje wszystkie znane odmiany - frontowe, komorowe, zwykłe i kostiumowe, podwójne i sparowane. Artyści poruszają tematy alegoryczne i mitologiczne. Obecność tych cech, choć ujawniona początkowo w formie kompromisowej, pozwala mówić o powstaniu nowego typu malarstwa.
Pierwsze kroki w kierunku rozwoju portretu wiążą się z działalnością warsztatu malarskiego Izby Zbrojowni. Prace mistrzów rosyjskich i zagranicznych mają charakter parsuna. Ze wszystkich opcji typologicznych parsuna preferuje portret ceremonialny i występuje w tym charakterze w kilku odmianach. Wśród nich najbardziej archaiczna jest „teza-portret”. Łączy w sobie obrazy portretowe i liczne objaśniające napisy w konwencjonalnej przestrzeni ikon. Można też mówić o „portrecie apoteozy”. Są to obrazy portretowe symbolizujące wyczyny wojskowe Piotra I. Powszechne są także zwykłe pełnometrażowe portrety Piotra, Mienszykowa, Szeremietiewa i na koniach.
Przestrzeń traktowana jest wszędzie bardzo stereotypowo, a ogólny układ obiektów służy raczej jako symboliczne oznaczenie rzeczywistych relacji przestrzennych. Problem przestrzeni wewnętrznej i zewnętrznej rozwiązano równie umownie pod względem znaczenia i skali. Parsuna odbiega nieco od bogactwa barw charakterystycznego dla XVII-wiecznego malarstwa ikonowego. Jednak staranne wykonanie zdobnictwa szat i różnych detali nadaje płótnom podwyższony walor dekoracyjny.
Mistrz nie opanował jeszcze w pełni nowych zasad przekazywania objętości, łącząc zdecydowanie wypukłe pomalowane twarze i płaskie wzorzyste ubrania. Duży rozmiar płócien, ich imponujący duch, bogactwo wyposażenia i ekspozycja biżuterii mają zilustrować społeczne znaczenie tego, co jest przedstawiane. Obraz jest autonomiczny, skupiony na sobie i obojętny na innych. Malarstwo, które nie dojrzało jeszcze do oddania jednostki, na swój sposób stara się dostrzec cechy właściwe danej postaci. Jednakże to, co ogólne i to, co indywidualne, nie zostało jeszcze stopione w organiczną jedność, a specyficzne właściwości ledwo pojawiają się pod połączoną maską typizującą.
Linia Parsuna, istniejąca stosunkowo krótko, głównie w latach 80., a szczególnie w latach 90. XVII w., napotkała później bardzo silny napływ dzieł cudzoziemców i artystów emerytów, którzy praktycznie ją zastąpili. Jednocześnie nie należy sądzić, że okazało się to przypadkowym epizodem w ogólnym procesie rozwoju portretu rosyjskiego. Po wypchnięciu z głównych pozycji Parsuna nadal istniała. Ponadto jego cechy pojawiły się w twórczości wielu zaawansowanych artystów jako dowód niepełnego przejścia od pisma średniowiecznego do nowego sposobu. W tym charakterze można go znaleźć w pracach I. Nikitina, I. Wiszniakowa i A. Antropowa.
Ślady parsunizmu odnajdujemy także w drugiej połowie XVIII w., zwłaszcza w twórczości chłopów pańszczyźnianych czy artystów prowincjonalnych, którzy samodzielnie doszli do nowej sztuki, z reguły zaczynając od malarstwa ikon. Zauważmy, że parunizm jako zjawisko artystyczne istnieje nie tylko w szkole rosyjskiej, ale także na Ukrainie i w Polsce. Występuje także w Bułgarii, Jugosławii, a nawet w krajach Bliskiego Wschodu, czyli tam, gdzie malarstwo, w podobnej sytuacji historycznej, przeżywa zasadniczo podobne wprowadzenie do sztuki czasów nowożytnych i sztuki świeckiej.
Historia Rosji końca XVII - pierwszej ćwierci XVIII wieku jest nierozerwalnie związana z nazwiskiem jednej z największych postaci politycznych w Rosji - Piotra I. Znaczące innowacje wkroczyły w tym czasie nie tylko w dziedzinę kultury i sztuki, ale także przemysł - hutnictwo, przemysł stoczniowy itp. Na początku XVIII wieku pojawiły się pierwsze mechanizmy i maszyny do obróbki metali. Wiele zostało zrobione w tej dziedzinie przez rosyjskich mechaników Nartowa, Surnina, Sobakina i innych.
Jednocześnie kładzione są podwaliny pod państwowy system edukacji ogólnej i specjalnej. W 1725 r. powołano Akademię Nauk, w której otwarto wydział rzemiosła artystycznego.
A. Nartow. Tokarka. Era Piotra. XVIII wiek
W XVIII w. ukształtowały się nowe zasady architektury i urbanistyki.Okres ten charakteryzował się utrwaleniem charakterystycznych cech baroku zachodnioeuropejskiego (Holandia, Anglia) w kształtowaniu wyrobów.
W wyniku inicjatyw Piotra I produkty tradycyjnych rosyjskich form szybko znikają z królewskiego i arystokratycznego życia pałacu, choć nadal pozostają w domach mas ludności wiejskiej i miejskiej, a także w użytku kościelnym . Dopiero w pierwszej ćwierci XVIII w. ujawniła się znacząca różnica w rozwoju stylistycznym, która przez długi czas pozostawała charakterystyczna dla twórczości zawodowej i ludowego rzemiosła artystycznego. W tym ostatnim bezpośrednio i organicznie rozwijają się wielowiekowe tradycje sztuki użytkowej rosyjskiej, ukraińskiej, estońskiej itp.
Normy szlachetnego życia wymagają wykazania bogactwa, wyrafinowania i przepychu w życiu suwerennej osoby. Formy dawnego stylu życia, w tym Piotra Wielkiego (wciąż rzeczowego i surowego), zostały ostatecznie wyparte w połowie XVIII wieku. Dominującą pozycję w sztuce rosyjskiej zajmuje tzw. styl rokokowy, który logicznie dopełniał trendy późnego baroku. Uroczyste wnętrza tamtych czasów, na przykład niektóre pomieszczenia pałaców Peterhof i Carskie Sioło, są prawie w całości ozdobione wyszukanymi rzeźbami.
Ogólne cechy zdobnictwa rocaille (krzywizna linii, obfite i asymetryczne rozmieszczenie stylizowanych lub bliskich naturze kwiatów, liści, muszli, oczu itp.) Są w pełni odtworzone w ówczesnej rosyjskiej architekturze i meblach, ceramice, odzieży, powozach, broń ceremonialna itp. itp. Niemniej jednak rozwój rosyjskiej sztuki użytkowej podążał całkowicie niezależną ścieżką. Pomimo bezwarunkowego podobieństwa form naszych własnych wyrobów do zachodnioeuropejskich, nie trudno dostrzec różnice pomiędzy nimi. Tak więc, ale w porównaniu do francuskich, rosyjskie produkty meblowe mają znacznie swobodniejsze kształty i są bardziej miękkie w zarysie i rysunku. Mistrzowie nadal zachowali umiejętności rzeźbienia ludowego, większe i bardziej uogólnione niż na Zachodzie. Nie mniej charakterystyczna jest polichromia rosyjskich produktów oraz połączenie złocenia i malowania, które jest rzadko spotykane we Francji, ale jest akceptowane wszędzie w Rosji.
Od lat 60. XVIII wieku w architekturze rosyjskiej rozpoczęło się przejście do klasycyzmu z jego lakonicznymi i surowymi formami, zwróconymi w stronę starożytności i charakteryzującymi się wielką powściągliwością i wdziękiem. Ten sam proces zachodzi w sztuce użytkowej.
W układzie, wyposażeniu i wystroju miejskich rezydencji i pałaców (architekci Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov itp.) pojawia się wyraźna symetria i proporcjonalna przejrzystość. Ściany pomieszczeń (pomiędzy oknami lub naprzeciw nich) ukryte są za lustrami i panelami wykonanymi z jedwabnego adamaszku, ozdobnych tkanin bawełnianych i sukna.
.
Sofa - w stylu rokoko. Rosja (fragment). Połowa XVIII wieku
Krzesło w stylu klasycznym. Rosja. Druga połowa XVIII wieku.
Podłogi wykonane są z różnych gatunków drewna, czasem pokryte płótnem lub tkaniną; malowane są sufity (np. techniką grisaille, imitującą modelowanie reliefowe). Zamiast układanego parkietu stosuje się deski świerkowe „pod woskiem”. Ściany i sufity są często pokryte tkaniną lub pokryte tapetą. Jeśli w głównych pomieszczeniach zamontowane są imponujących rozmiarów marmurowe kominki, to w pomieszczeniach intymnych buduje się bardziej tradycyjne piece na stołach lub nogach, wyłożonych kaflami. Równie zauważalna jest różnica w lampach: w korytarzach znajdują się wykonane z biżuterii i drogie żyrandole, kandelabry, kinkiety, w izbach znacznie skromniejsze świeczniki i lampy. Jeszcze większy kontrast widać w kształtach mebli wizytowych i domowych. Wszystko to mówi nie tyle o chęci właścicieli pałaców i rezydencji do oszczędzania pieniędzy, ile o tym, że uważają otoczenie przedmiotowe za ważny czynnik w psychologicznie odpowiedniej atmosferze.
Większość mebli i szereg innych wyrobów końca XVIII i pierwszej połowy XIX w. nie była stale potrzebna; jeżeli nie było takiej potrzeby, usuwano je lub przenoszono do nieczynnie użytkowanych części lokalu. Meble do siedzenia muszą być przykryte. Pod tym względem meble przekształcalne z powierzchnią roboczą znacznie się rozwinęły - stoliki do herbaty i kart, składany stół do jadalni, stół do robótek ręcznych, system nierównych, wysokich stołów, które mieszczą się pod sobą itp. Wszystko to znacznie wzrosło komfort życia, subtelne zróżnicowanie jego wsparcia funkcjonalnego i różnorodność wyglądu pomieszczeń w różnych codziennych sytuacjach. Jednocześnie szczególnie podkreślono szereg codziennych procesów, które w ciepłej porze roku odbywały się na zewnątrz budynku – na tarasie i w parku. W efekcie upowszechniły się nowe rodzaje wyrobów – meble ogrodowe, markizy parasolowe, lampy parkowe itp. W XVIII w. przy poszczególnych majątkach organizowano warsztaty pańszczyźniane, produkujące dość duże partie mebli, porcelany, dywanów i innych wyrobów.
Pod koniec XVIII wieku w wyposażeniu dużych pałaców oddzielono faktyczny projekt produktów (meble, lampy, zegary, gobeliny i inne sprzęty i wyposażenie) jako szczególny obszar działalności twórczej od ich produkcji rzemieślniczej już wywierał zauważalny wpływ. Rolę projektantów pełnią głównie architekci i profesjonalni artyści. Do produkcji produktów na rynek masowy wykorzystuje się maszyny i mechaniczne metody obróbki materiałów, czyniąc inżyniera wiodącą postacią w produkcji. Prowadzi to do zniekształcenia i utraty wysokich walorów estetycznych właściwych produktom konsumenckim, do oddzielenia przemysłu od sztuki. Tendencja ta była naturalna w warunkach kapitalistycznego rozwoju społeczeństwa i jedna z głównych przez cały XIX wiek.
W okresie intensywnego rozwoju stosunków kapitalistycznych w Rosji w XIX w. wzrosły zdolności produkcyjne przemysłu. Już w połowie XIX wieku istniało pilne zapotrzebowanie na profesjonalną kadrę artystyczną, składającą się z twórców produktów i rzemieślników. W celu ich szkolenia otwarto wyspecjalizowane instytucje edukacyjne w Moskwie (hrabia Stroganow) i Petersburgu (baron Stieglitz). Już sama ich nazwa – „szkoły rysunku technicznego” – mówi o pojawieniu się nowego typu artysty. Od 1860 roku rozwija się specjalne szkolnictwo rzemieślnicze dla mistrzów-wykonawców. Ukazuje się wiele książek poświęconych technologii obróbki różnych materiałów: drewna, brązu, żelaza, złota itp. Wydawane są katalogi branżowe, zastępując wydawane wcześniej czasopismo Sklep Ekonomiczny. Od połowy XIX wieku ukształtowały się nauki związane z zagadnieniami higieny pracy i użytkowania artykułów gospodarstwa domowego. Jednak przez cały XIX wiek wszystkie masowe wyroby fabryczne pozostawały pod względem artystycznym całkowicie podporządkowane niepodzielnie dominującej idei piękna jako dekoracyjnego i zdobniczego wzornictwa produktów. Konsekwencją tego było wprowadzenie do kształtu większości wyrobów elementów stylistycznych klasycyzmu: skomplikowanych wykończeń profili, żłobkowanych kolumn, rozet, girland, ozdób opartych na motywach starożytnych itp. W wielu przypadkach elementy te wprowadzono w kształty nawet urządzeń przemysłowych - obrabiarek.
W rozwoju stylistycznym sztuki użytkowej i artykułów gospodarstwa domowego w XIX w., umownie chronologicznie, wyodrębnia się trzy główne okresy: kontynuacja nurtów klasycyzmu w zgodzie z tzw. stylem empire (pierwsza ćwierć w.); późny klasycyzm (ok. 1830-1860) i eklektyzm (po latach 60. XIX w.).
Pierwsza ćwierć XIX wieku charakteryzowała się powszechnym wzrostem ducha ideowego i zakresu konstrukcyjnego w architekturze rosyjskiej, co spowodowało znaczne ożywienie w sztuce użytkowej.
Fotel w stylu Empire. Pierwsza ćwierć XIX wieku.
Zwycięstwo w wojnie 1812 r. w pewnym stopniu przyspiesza i dopełnia proces kształtowania się rosyjskiej kultury narodowej, która nabiera znaczenia ogólnoeuropejskiego. Działalność najsłynniejszych architektów – Woronikina, Quarenghi, Kazakowa, ściśle związana z klasycyzmem poprzedniej epoki, nastąpiła dopiero w pierwszej dekadzie stulecia. Zastępuje ich plejada tak wspaniałych mistrzów jak Rossi, Stasow, Grigoriew, Bove, którzy wnieśli do sztuki rosyjskiej nowe idee i innego ducha stylistycznego.
Surowość i monumentalność to cechy charakterystyczne architektury i form różnych przedmiotów gospodarstwa domowego w stylu Empire. W tym ostatnim motywy dekoracyjne wyraźnie się zmieniają, a raczej ich typologia rozszerza się poprzez zastosowanie symboliki dekoracyjnej starożytnego Egiptu i Rzymu - gryfy, sfinksy, fasces, atrybuty wojskowe („trofea”), wieńce przeplatane girlandą itp. W porównaniu z przykładami wczesnego klasycyzmu w ogóle zwiększa się ilość dekoracji, ich „waga wizualna” w kompozycyjnym projektowaniu produktów. Monumentalizacja, czasem jakby szorstkość form, następuje na skutek większego uogólnienia i geometryzacji klasycznych motywów zdobniczych – obramowań, wieńców, lir, zbroi itp., które coraz bardziej odchodzą od swoich rzeczywistych pierwowzorów. Malowanie obiektów (sceny, pejzaże, bukiety) zanika niemal całkowicie. Ozdoba jest zwykle nierówna, konturowa i aplikacyjna. Większość produktów, zwłaszcza mebli, staje się duża, masywna, ale zróżnicowana pod względem ogólnej konfiguracji i sylwetki. Ciężkość stylu Empire w meblach niemal zanikła już w latach trzydziestych XIX wieku.
Od połowy XIX wieku rozpoczęły się nowe poszukiwania w dziedzinie architektury, twórczości użytkowej i przemysłowej.
Narodził się ogólnoeuropejski ruch artystyczny, nazwany „Biedermeier”, nazwany na cześć mieszczaństwa jednego z bohaterów niemieckiego pisarza L. Eichrodta (dzieło ukazało się w latach 70. XIX w.) z jego ideałem wygody i intymności.
Fabrycznie wykonane żelazko. Rosja. Druga połowa XI wieku.
W drugiej połowie XIX wieku praca fizyczna została w dalszym ciągu wyparta z produkcji użytkowych artykułów gospodarstwa domowego. Na przestrzeni wieków metody i techniki ich artystycznego rozwiązywania, zasady budowania form, które wykształciły się na przestrzeni wieków, wchodzą w konflikt z nowymi trendami gospodarczymi w zakresie masowej produkcji i opłacalności wytwarzania rzeczy na rynek. Reakcja na zmieniającą się sytuację jest dwojaka. Niektórzy mistrzowie – większość – idą na kompromisy. Uznając za nienaruszalne tradycyjne spojrzenie na wszystkie przedmioty codziennego użytku jako przedmioty sztuki dekoracyjnej i użytkowej, zaczynają dostosowywać motywy zdobnicze klasycyzmu do możliwości maszyn i technologii seryjnych. Pojawiają się „efektywne” rodzaje dekoracji i wykańczania produktów. Już w latach trzydziestych XIX wieku w Anglii Henry Kuhl wysunął pozornie reformistyczne hasło, aby ozdabiać produkty fabryczne elementami „ze świata form sztuk pięknych”. Wielu przemysłowców chętnie podejmuje to hasło, starając się maksymalnie wykorzystać przywiązanie mas konsumenckich do dekorowanych zewnętrznie, wzbogaconych ozdobnie form wyposażenia wnętrz.
Inni teoretycy i praktycy sztuki użytkowej (D. Ruskin, W. Morris) przeciwnie, proponują zorganizowanie bojkotu przemysłu. Ich credo to czystość tradycji średniowiecznego rzemiosła.
W krajach Europy Zachodniej i Rosji po raz pierwszy uwagę teoretyków i profesjonalnych artystów przyciągnęły rzemieślnicze artele i mistrzowie, w których twórczości nadal zachowały się głębokie tradycje ludowe. W Rosji jarmarki w Niżnym Nowogrodzie z lat 1870–1890 pokazują żywotność tych tradycji w nowych warunkach. Wielu profesjonalnych artystów - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich i inni - z entuzjazmem zwraca się do ludowych korzeni sztuki dekoracyjnej. W różnych regionach i prowincjach Rosji, w miastach takich jak Psków, Woroneż, Tambow, Moskwa, Kamieniec-Podolsk itp. Powstają przedsiębiorstwa rzemieślnicze, których podstawą jest praca fizyczna. Szczególne znaczenie dla odrodzenia twórczego, umierającego rzemiosła miała działalność warsztatów w Abramcowie pod Moskwą, w Tałaszkinie pod Smoleńskiem, przedsiębiorstwie P. Vaulina pod Petersburgiem i artelu ceramicznym Murava w Moskwie.
Samowar. XIX wiek
Rosja. Druga połowa
Pompa przemysłowa. XIX wiek
Wyroby wszystkich tych warsztatów stanowiły jednak na tyle znikomą część całkowitego spożycia, że nie mogły mieć zauważalnego wpływu na produkcję masową, choć dowodziły zasadności istnienia obok masowej produkcji maszynowej przedmiotów sztuki zdobniczej, zachowujących tradycje ludowe. Zostało to później potwierdzone inwazją techniki maszynowej na takie dziedziny sztuki dekoracyjnej i użytkowej jak biżuteria, tkanie dywanów i krawiectwo, co doprowadziło do gwałtownego spadku ich jakości artystycznej.
W postaci większości wyrobów wytwarzanych w drugiej połowie XIX wieku nie opracowano jeszcze praktycznie nic nowego. Jednak nowość sytuacji ogólnej już w tym czasie przyczynia się do ukształtowania się wewnętrznych przesłanek dla poszukiwań innowacyjnych - świadomości poszukiwań stylistycznych jako ważnej potrzeby twórczej, jako przejawu indywidualności artystycznej mistrza. Jeśli do tej pory trendy stylistyczne (gotyk, renesans, barok, klasycyzm itp.) rodziły się i rozprzestrzeniały z reguły w wyniku ogólnych, niemal „globalnych”, spontanicznie krystalizujących się trendów w estetycznym rozwoju świata, to od połowy XIX w. oryginalność stylistyczna uważana jest za bezpośrednie osiągnięcie twórcze indywidualnego artysty lub architekta. W związku z tym gwałtownie wzrasta zainteresowanie dziedzictwem sztuki wszystkich czasów i narodów. To bogate dziedzictwo staje się źródłem imitacji, bezpośrednich zapożyczeń lub zostaje poddane dziwacznej, twórczej obróbce.
Stół w stylu secesyjnym z krzesłem. Koniec XIX wieku
W rezultacie większość produktów przedstawia niezwykle pstrokaty obraz, w którym migoczą oczywiste lub subtelne wspomnienia starożytności, epoki romańskiej, gotyku, renesansu włoskiego lub francuskiego, sztuki Bizancjum i starożytnej Rosji, baroku itp., często eklektycznie wplatając się w projekt jednego produktu, wnętrza, budynku. Dlatego ten okres w historii architektury i sztuki użytkowej nazwano eklektycznym. Produkty (lampy, wiadra metalowe, koryta, naczynia, taborety itp.), które są stosunkowo tanie, ale wykonane bez artystycznego przeznaczenia, często w brzydkiej formie i kiepskiej jakości, wciąż zaczynają być wprowadzane do codziennego życia ludzi.
Poszukiwania nowego stylu prowadzone są z uwzględnieniem realnych potrzeb w warunkach produkcji maszynowej, z jednej strony zasadniczo nowego podejścia do kształtowania produktów, a z drugiej zachowania tradycji zdobniczych przeszłości, z drugiej Inny. Burżuazja, która pod koniec XIX wieku zajmowała silną pozycję w gospodarce rosyjskiej, dążyła do własnej ideologii artystycznej w architekturze i projektowaniu - kultu racjonalnego, względnego uwolnienia od archaizmów kultury szlacheckiej, zachęcającego w sztuce wszystko, co mogło konkurować ze stylami przeszłości. Tak pojawił się styl secesyjny pod koniec XIX wieku – „nowa sztuka” w Belgii, Wielkiej Brytanii i USA, „Jugendstil” w Niemczech, „styl secesyjny” w Austrii, „styl wolny” we Włoszech. Jego nazwa – „nowoczesny” (od francuskiego moderne) oznaczała „nowy, nowoczesny” – od łac. modo – „właśnie teraz, niedawno”. W czystej postaci, zanikającej i mieszającej się z innymi ruchami stylistycznymi, przetrwał stosunkowo krótko, bo do około 1920 roku, czyli około 20-25 lat, jak prawie wszystkie ruchy stylistyczne XVII-XX wieku.
Secesja jest zróżnicowana w różnych krajach i w twórczości poszczególnych mistrzów, co komplikuje zrozumienie rozwiązanych przez nich problemów. Charakterystyczne stało się jednak niemal całkowite wykorzenienie wszystkich dotychczas stosowanych motywów i technik zdobniczych oraz ich radykalna odnowa. Tradycyjne gzymsy, rozety, kapitele, flety, pasy „falujące” itp. zastępuje się stylizowanymi lokalnymi roślinami (lilie, irysy, goździki itp.), kobiecymi głowami z długimi kręconymi włosami itp. Często nie ma w ogóle dekoracji , a efekt artystyczny osiąga się dzięki wyrazistości sylwetki, podziałom formy, liniom, zwykle drobno rysowanym, jakby swobodnie płynącym, pulsującym. W formach wyrobów secesyjnych niemal zawsze można wyczuć jakąś kapryśną wolę artysty, napięcie mocno naciągniętego sznurka i przesadne proporcje. W skrajnych przejawach wszystko to jest gwałtownie zaostrzone, wyniesione do rangi zasady. Czasem lekceważenie konstruktywnej logiki formy, niemal pozorny entuzjazm dla spektakularnej strony zadania, zwłaszcza w projektowaniu wnętrz, które często są spektakularnie teatralne.
Pomimo wszystkich słabości - pretensjonalności, czasem donośności form, powstało nowe podejście do rozwiązania budynku, wnętrza, wyposażenia z logiką rozwiązania funkcjonalnego, konstrukcyjnego i technologicznego.
Świecznik w stylu secesyjnym. Początek XX wieku
Zestaw naczyń. Koniec XIX wieku
Toaletka z okresu secesji. Początek XX wieku
Secesja w zdecydowanej większości swoich przykładów nie porzuciła dekoracji wyrobów, a jedynie zastąpiła stare motywy i techniki zdobnicze nowymi. Już na początku XX wieku, w okresie triumfów nowego stylu, moda na dawne style powróciła ponownie, początkowo nieśmiało, potem szeroko, co miało znany związek z początkiem przygotowań do uroczystości rocznicy Wojny Ojczyźnianej 1812 r. Wystawa „Sztuka nowoczesna”, zorganizowana w Petersburgu w 1903 roku, wyraźnie pokazała narodziny „klasycyzującej nowoczesności”.
Skutki nowoczesności są złożone. To oczyszczenie sztuki użytkowej z eklektyzmu i „antymachinizmu” mistrzów rzemiosła, a także z nieudanych prób przywracania stylów z przeszłości. To pierwsze symptomy wchodzenia architektury i sztuki użytkowej na drogę funkcjonalizmu i konstruktywizmu, ścieżkę nowoczesnego designu. Jednocześnie, ujawniając wkrótce tendencję do nacjonalizacji stylu, secesja wywołała nową falę poszukiwań czysto dekoracyjnych. Wielu malarzy zwraca się w stronę sztuki użytkowej i architektury wnętrz (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin i in.), skłaniając się w stronę barwności rosyjskich baśni, „pierników” itp. W perspektywie późniejszego procesu historycznego, rozwiązania palących problemów masowej produkcji przemysłowej, eksperymenty takie nie mogły mieć poważnego znaczenia ideologicznego i artystycznego, choć dały impuls do rozwoju innej gałęzi sztuki użytkowej - rzemiosła artystycznego, a zwłaszcza sztuki teatralnej i dekoracyjnej.
Nowoczesność niejako oczyściła i przygotowała drogę do ustanowienia nowych zasad estetycznych i twórczych w sztuce tworzenia rzeczy codziennego użytku oraz przyspieszyła pojawienie się nowego zawodu artystycznego – projektowania artystycznego.
Kształtowanie się funkcjonalizmu i konstruktywizmu w specjalnych kierunkach w architekturze i wzornictwie artystycznym krajów zachodnich nastąpiło pod koniec lat 1910-tych w związku ze stabilizacją życia i sukcesem gospodarczym po I wojnie światowej. Jednak zasadnicze podwaliny nowej architektury nowożytnej zostały określone w okresie przedwojennym w twórczości takich architektów jak T. Garnier i O. Perret (Francja), H. Berlaga (Holandia), A. Loos (Austria), P. Behrens (Niemcy), F. Wright (USA), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rosja) itd. Każdy z nich przezwyciężył wpływy nowoczesności i walczył na swój sposób.
W 1918 r. w ramach Wydziału Sztuk Pięknych Ludowego Komisariatu Oświaty utworzono specjalne wydziały architektury i przemysłu artystycznego. Poważną uwagę przywiązuje się do kwestii szkolenia specjalistów. W 1920 r. W.I. Lenin podpisał dekret o utworzeniu Wyższych Państwowych Warsztatów Artystyczno-Technicznych (WKHUTEMAS). Absolwenci stworzyli nowe próbki tkanin, mebli, naczyń itp.
Kształcenie warsztatowe (w 1927 r. przekształcone w Ogólnounijny Instytut Artystyczno-Techniczny WKHUTEIN) odbywało się na wydziałach: architektury, ceramiki, tekstyliów itp. Na wydziale obróbki drewna i metalu pod kierunkiem A. Rodczenki D. . Lisitsky, V. Tatlin i inni mistrzowie poszukiwali nowych form i projektów różnych przedmiotów. Wszystkie działania VKHUTEMAS miały na celu rozwinięcie u uczniów umiejętności zintegrowanego podejścia do projektowania przedmiotowego środowiska życia codziennego i produkcji.
W latach dwudziestych XX wieku wyłonił się ruch „sztuki przemysłowej”, rozwijający zasady funkcjonalizmu i konstruktywizmu, który dążył do ugruntowania w świadomości artystów estetycznego ideału racjonalnie zorganizowanej produkcji materialnej. Wszelkie dotychczasowe formy sztuki uznano za burżuazyjne „produkcyjności” i nie do przyjęcia dla proletariatu. Stąd odrzucenie przez nich nie tylko „praktycznie bezużytecznej” sztuki pięknej, ale także wszelkiej twórczości czysto dekoracyjnej, np. biżuterii.W latach 20. warunki techniczne i ekonomiczne w naszym kraju nie dojrzały jeszcze do realizacji ich pomysłów.
WCHUTEMAS i „pracownicy produkcyjni” lat dwudziestych XX wieku byli ideologicznie i estetycznie blisko związani z Bauhausem i w wielu ważnych momentach reprezentowali z nim w zasadzie jeden nurt w ówczesnym projektowaniu artystycznym. W ramach tego nowego ruchu ukształtowała się estetyka nowoczesnego designu, przezwyciężając sprzeczności występujące w sztuce użytkowej poprzedniego okresu. Praktyczna działalność artystyczna twórców designu polegała także na rozwoju arsenału środków artystycznych i ekspresyjnych sztuki tworzenia rzeczy. W ich pracach (meble, lampy, naczynia, tkaniny itp.) największą uwagę zwracano na takie właściwości materiałów i formy, jak faktura, kolor, wyrazistość plastyczna, struktura rytmiczna, sylwetka itp., które nabrały decydującego znaczenia w twórczości produkty kompozycyjne, bez sprzeczności z wymogami logiki konstrukcyjnej i wykonalności formy. Kolejnym kierunkiem, który z powodzeniem rozwinął się w naszym kraju w latach 20., było projektowanie inżynieryjne. W 1925 roku w Moskwie, według projektu wybitnego inżyniera W. Szuchowa, wzniesiono słynną wieżę radiową, której ażurowa sylwetka na długo stała się symbolem radzieckiego radia. Rok wcześniej J. Gakkel stworzył, w oparciu o najnowsze zdobycze techniki, pierwszą radziecką lokomotywę spalinową, której kształt do dziś wygląda całkiem nowocześnie. W latach dwudziestych XX wieku zdano sobie sprawę z potrzeby badań naukowych nad wzorcami działania człowieka w sztucznie stworzonym środowisku. Organizuje się Centralny Instytut Pracy, w jego murach prowadzone są badania nad zagadnieniami naukowej organizacji pracy i kultury produkcji. Uwagę naukowców i projektantów przyciągają zagadnienia biomechaniki, organoleptyki itp. Do godnych uwagi dzieł z tamtych lat należy projekt stanowiska pracy motorniczego (N. Bernstein).
Tak, Gakkel. Lokomotywa. Wczesne lata 30. XX wieku
Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.
Wysłany dnia http://www.allbest.ru//
Wysłany dnia http://www.allbest.ru//
„Sztuka dekoracyjna i użytkowa XVIII wieku”.
Wstęp
W drugiej połowie XVIII wieku rosyjska sztuka użytkowa osiągnęła znaczny rozwój. Sprzyjał temu rozwój gospodarki, handlu, nauki i techniki oraz w dużej mierze ścisłe powiązania z architekturą i sztukami pięknymi. Wzrastała liczba dużych i małych fabryk, fabryk, warsztatów produkujących tkaniny, szkło, porcelanę i meble. Właściciele ziemscy zakładali w swoich majątkach różne warsztaty oparte na pracy pańszczyźnianej.
Jednym z najjaśniejszych zjawisk kultury rosyjskiej jest rosyjska sztuka ludowa, której historia sięga tylu stuleci, ile ludzie żyją na ziemi.
Rosyjska sztuka dekoracyjna i użytkowa oraz rzemiosło ludowe to oryginalne zjawiska, które nie mają odpowiednika w kulturze światowej. Od niepamiętnych czasów ziemia rosyjska słynie z rzemieślników, ludzi potrafiących tworzyć i tworzyć prawdziwe piękno własnymi rękami. Poprzez sztukę rzemiosła ludowego odnajduje się związek przeszłości z teraźniejszością.
Rzemiosło ludowe jest właśnie tym, co czyni naszą kulturę bogatą i niepowtarzalną. Turyści zagraniczni zabierają ze sobą malowane przedmioty, zabawki i wyroby tekstylne na pamiątkę naszego kraju. Prawie każdy zakątek Rosji ma swój własny rodzaj rękodzieła.
Główne rodzaje rękodzieła
ZABAWKA DYMKOWO
Zabawka Dymkowo (zabawka Wiatka, zabawka Kirowa), rosyjskie rzemiosło ludowe; od dawna istnieje w osadzie Dymkowo (obecnie na terenie miasta Kirów). Zabawka Dymkowo jest wyrzeźbiona z gliny, wypalona i pomalowana temperą na ziemi, a w zestawie znajduje się złoty płatek. Przedstawia zwierzęta, jeźdźców, damy w krynolinach, sceny baśniowe i codzienne. O artystycznej oryginalności zabawki Dymkowo decyduje jej masywna, lakoniczna plastyczność, podkreślona harmonijnym malowaniem dekoracyjnym w postaci dużego wzoru geometrycznego (koła, klatki w różnych kolorach itp.).
Zabawka Dymkowo to najsłynniejsze rękodzieło gliniane w Rosji. Wyróżnia się niezwykle prostą i przejrzystą formą plastyczną, uogólnioną sylwetką oraz jasnym malowidłem ozdobnym na białym tle.
Tradycyjnie przemysł zabawkowy w Dymkowie nie prowadzi masowej produkcji.
Khokhloma to starożytne rosyjskie rzemiosło ludowe, które powstało w XVII wieku w regionie Wołgi (wieś Semino, obwód Niżny Nowogród). To chyba najbardziej znany rodzaj rosyjskiego malarstwa ludowego. Jest to dekoracyjne malowanie na drewnianych naczyniach i meblach, wykonane w tonacji czerwono-czarnej (rzadziej zielonej) oraz złota na złotym tle. Zaskakujące jest to, że po zakończeniu malowania na drewno nakładany jest nie złoty, ale srebrny proszek cynowy. Następnie produkt powleka się specjalną masą i poddaje obróbce trzy lub cztery razy w piekarniku. Wtedy pojawia się ten zachwycający miodowo-złoty kolor, dzięki któremu naczynia z jasnego drewna wydają się masywne.
ZABAWKA BOGORODSKA
Różnobarwne drewniane kury na stojaku, figurki kowala, człowieka i niedźwiedzia - pociągnij za drążek, a młotkami zapukają w małe kowadło... Zabawne zabawki, znane na Rusi od niepamiętnych czasów, stały się głównym rzemiosłem ludowym dla mieszkańców wsi Bogorodskoje pod Moskwą.
„Zabawka Bogorodskaja” swoje narodziny zawdzięcza wsi Bogorodskoje, obecnie położonej w obwodzie siergijew-posad w obwodzie moskiewskim. W XV wieku wieś była własnością słynnego moskiewskiego bojara M.B. Pleszczejewa, po którego śmierci wieś wraz z chłopami odziedziczył jego najstarszy syn Andriej, a następnie wnuk Fedor.
Od 1595 r. wieś Bogorodskoje stała się własnością klasztoru Trójcy-Sergiusza, a chłopi stali się poddanymi klasztornymi. To chłopi położyli podwaliny pod rzeźbienie w drewnie w XVI-XVII wieku, co wychwalało Bogorodskoje, obecną „stolicę królestwa zabawek” na całym świecie.
MATRYOSZKA
Matrioszka to najbardziej znana i ukochana rosyjska pamiątka, zjawisko światowe. Pierwsza rosyjska lalka lęgowa pojawiła się pod koniec XIX wieku, jednak zyskała bezprecedensowe uznanie jako jeden z kompleksowych obrazów Rosji, symbol rosyjskiej sztuki ludowej. Poprzedniczką i prototypem rosyjskiej lalki lęgowej była figurka dobrodusznego łysego starca, buddyjskiego mędrca Fukurumy, która zawierała jeszcze kilka postaci zagnieżdżonych jedna w drugiej. Figurka została przywieziona z wyspy Honsiu. Nawiasem mówiąc, Japończycy twierdzą, że nieznany rosyjski mnich jako pierwszy wyrzeźbił taką zabawkę na wyspie Honsiu.
Rosyjska drewniana, odłączana lalka nazywała się matrioszką. W przedrewolucyjnej prowincji imię Matryona, Matresza było uważane za jedno z najpowszechniejszych imion rosyjskich, oparte na łacińskim słowie „mater”, czyli matka. Imię to kojarzono z matką dużej rodziny, która cieszyła się dobrym zdrowiem i potężną sylwetką. Później stało się słowem powszechnie używanym i zaczęło oznaczać obracający się, odłączany, kolorowo malowany produkt drewniany. Ale do dziś lalka lęgowa pozostaje symbolem macierzyństwa i płodności, ponieważ lalka z dużą rodziną lalek doskonale wyraża figuratywną podstawę tego starożytnego symbolu ludzkiej kultury.
Pierwsza rosyjska lalka lęgowa, wyrzeźbiona przez Wasilija Zvezdochkina i namalowana przez Siergieja Malyutina, miała osiem miejsc: za dziewczynką z czarnym kogutem szedł chłopiec, potem znowu dziewczynka i tak dalej. Wszystkie postacie różniły się od siebie, a ostatnia, ósma, przedstawiała owinięte dziecko.
PUCHOWY SZALIK ORENBURG
Podwaliny sztuki użytkowej, dzięki której Orenburg stał się znany na całym świecie, położyły kozaki pod koniec XVII wieku, kiedy rosyjscy pionierzy, osiedlając się na Uralu, nawiązali stosunki handlowe z miejscową ludnością.
Surowy klimat tych miejsc wymagał ciepłego, ale lekkiego ubrania. Kozaki z łatwością przejęły rękodzieło z koziego puchu od Kazachów i Kałmuków. Tylko styl dziania ludzi stepowych był ciągły, a kobiety Yaik zaczęły używać rosyjskich ozdób koronkowych.
SZALIK PAVLOPOSAD
Jasne i lekkie, kobiece szale Pavloposad są zawsze modne i aktualne. A dziś oryginalne projekty uzupełniane są różnymi elementami, takimi jak frędzle, tworzone w różnych kolorach i pozostają doskonałym dodatkiem do niemal każdej stylizacji.
Chusty wełniane i półwełniane z nadrukiem Pawłowskiego Posada, ozdobione tradycyjnymi kolorowymi, drukowanymi wzorami, powstały w miejscowości Pawłowski Posad pod Moskwą w latach 60. i 80. XIX wieku. Obszar Pawłowskiego Posadu (terytorium dawnej dzielnicy Bogorodskiej) jest jednym z najstarszych rosyjskich ośrodków tekstylnych. W XVIII – pierwszej połowie XIX w. Szale i sarafany bogorodskie wyróżniały się szczególnym pięknem ozdoby utkanej ze złotej nici. Później tkanie jedwabiu stało się tu powszechne, a od lat 60. XIX wieku. Rozpoczęto produkcję szali wełnianych i półwełnianych, ozdobionych kolorowymi, drukowanymi wzorami. Stopniowo produkcja rozszerzała się i nabrała wyraźnego charakteru narodowego.
ROSTÓW FINIFT
Emalia rostowska to wyjątkowe tradycyjne rzemiosło sztuki ludowej, które powstało w drugiej połowie XVIII wieku. jako rzemiosło malarskie ikon. W tej serii jest spokrewniony z Palekh, Mstera, Kholui, tylko materiał jest dość rzadki - malowanie emalią. „Emalia” pochodzi od greckiego rzeczownika tsEggpt (fengos), co oznacza „błyszczeć”. Specjalne farby (wynalezione w 1632 roku przez francuskiego jubilera Jeana Toutina) na bazie szkła z dodatkiem tlenków metali nakłada się na podłoże metalowe (stal, miedź, srebro, blacha złota) i utrwala poprzez wypalenie w piecu. Emalia rostowska jest jednym z dziesięciu najlepszych rzemiosł ludowych w Rosji.
Gżel to nazwa malowniczego regionu pod Moskwą, oddalonego od Moskwy o 60 kilometrów. Słowo „Gzhel” jest dziś niezwykle popularne. Harmonia, baśnie i prawdziwe historie kojarzą się z pięknem. Porcelana z eleganckim niebieskim malowaniem i wielobarwną majoliką jest obecnie znana nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Produkty Gzhel przyciągają każdego, kto kocha piękno, bogate w wyobraźnię i harmonię oraz wysoki profesjonalizm ich twórców. Gżel jest kolebką i głównym ośrodkiem rosyjskiej ceramiki. Tutaj ukształtowały się jego najlepsze cechy i ujawniły się najwyższe osiągnięcia sztuki ludowej.
Ile lat ma to rosyjskie rzemiosło ludowe? Badania archeologiczne na terenie Gżela potwierdzają istnienie tu ceramiki od początku XIV wieku. I nic dziwnego, ziemia Gzhel od dawna jest bogata w lasy, rzeki, wysokiej jakości gliny… „których nigdy nie widziałem z piękniejszą bielą”. Od tego czasu, w swojej ponad sześciowiecznej historii, Gzhel przeżył różne okresy.
Koniec XIX i początek XX wieku to okres głębokiego kryzysu. Wydawało się, że sztuka Gzhel zginęła na zawsze.
Okres powojenny wiąże się z początkiem odrodzenia rzemiosła i poszukiwaniami własnego języka figuratywnego. Wymagało to lat żmudnej i niestrudzonej pracy, szkolenia nowych mistrzów. W rezultacie przełożyło się to na sukces. Zastosowano zabawkę Dymkovsky Matrioszka Gzhel
W 1972 roku na bazie sześciu małych zakładów produkcyjnych zlokalizowanych w kilku wsiach utworzono stowarzyszenie Gżel. Zespoły kreatywne opracowały nowe projekty. Powstały zupełnie nowe formy produktów. Malarstwo stało się bogatsze i odpowiada artystycznym wymaganiom współczesności.
TAGILOWA TACKA
Malarstwo lakierem uralskim na metalu powstało w XVIII wieku. w fabrykach Niżny Tagil. Taca Tagil jest starsza niż taca Zhostovo. To Niżny Tagil uważany jest za kolebkę rosyjskiego malarstwa metalowego. Fabryka Ural Demidovs, będąca głównym odbiorcą wyrobów malowanych, wspierała przemysł lakierniczy na wszelkie możliwe sposoby. Malarstwa metalicznego Tagil nie da się pomylić z żadnym innym: charakteryzuje się bogactwem barw, czystością i wdziękiem w obróbce barw, kompletnością kompozycji i wyrafinowanym wzorem zdobnictwa.
Malarstwo Zhostovo to rzemiosło ludowe polegające na artystycznym malowaniu metalowych tac, które istnieje we wsi Zhostovo, rejon Mytishchi, obwód moskiewski. Rzemiosło malowanych tac metalowych powstało w połowie XVIII wieku. na Uralu, gdzie znajdowały się zakłady metalurgiczne Demidov. Dopiero w pierwszej połowie XIX w. Tace zaczęto robić we wsiach prowincji moskiewskiej - Zhostovo, Troicki, Nowoseltsev. Rychło wiodące stało się rybołówstwo regionu moskiewskiego.
Tace Zhostovo to obrazy, głównie z motywami kwiatowymi, których twórcami byli zwykli rosyjscy chłopi. Wnieśli do malarstwa lakowego jasną radość kolorów, prostotę i klarowność obrazów, dokładność cech i klarowność rysunku.
Malowanie wykonywane jest techniką swobodnego pociągnięcia pędzla, bez wstępnego rysunku. Najczęściej stosuje się czarne tło. Objętość kwiatów i liści wydaje się wyrastać z głębi tła. Odbywa się to poprzez stopniowe przechodzenie od ciemnych tonów do jaśniejszych. Kwiaty zdają się ożywać na obrazie.
Nowoczesna technologia wytwarzania tac niewiele różni się od tej stosowanej wcześniej przez rzemieślników ze wsi Zhostovo. Cienki arkusz żelaza jest prasowany w pożądany kształt, krawędzie tacy są walcowane w celu nadania sztywności, a powierzchnia jest wyrównywana. Przednia powierzchnia tacy jest zagruntowana i szpachlowana, a następnie przeszlifowana i pokryta czarnym (rzadziej innym kolorem) lakierem. Tace suszy się w piecach w temperaturze do 90 stopni C. Powłokę wykonuje się trzykrotnie, po czym kolorowa powierzchnia blachy nabiera połysku.
FEDOSKINO
Miniatura Fedoskino, rodzaj tradycyjnego rosyjskiego malarstwa miniaturowego lakierowanego farbami olejnymi na papierze-mâché, który rozwinął się pod koniec XVIII wieku. we wsi Fedoskino pod Moskwą.
Produkcja wyrobów z papieru-mache powstała w 1798 r., kiedy kupiec P.I. Korobow zorganizował produkcję przyłbicy we wsi Daniłków, którą kupił (obecnie część Fedoskina). Kilka lat później Korobov odwiedził fabrykę Johanna Stobwassera w Brauschweig, przyjął tam technologię wyrobów z papieru-mache i zaczął w swojej fabryce produkować popularne wówczas tabakierki, zdobione grawerunkami przyklejanymi do wieczka, czasem malowanymi i lakierowanymi. W drugiej ćwierci XIX w. Tabakierki, pudełka na koraliki, pudełka i inne wyroby zaczęto ozdabiać malowniczymi miniaturami wykonanymi farbami olejnymi w klasyczny sposób malarski.
Rzemieślnicy pracowali w fabryce na zlecenie, wielu z nich pochodziło z warsztatów ikonograficznych Siergijewa Posada i Moskwy, część posiadała wykształcenie artystyczne w szkole Stroganowa. Znane są nazwiska niektórych z nich - S. I. Borodkin, A. A. Shavrin, A. V. Tikhomirov, D. A. Krylov i inni.
Ulubionymi motywami malarskimi miniaturystów Fedoskino stały się popularne wówczas tematy: „trojki”, „podwieczorki”, sceny z życia chłopskiego rosyjskiego i małoruskiego. Najbardziej cenione były trumny zdobione skomplikowanymi, wielopostaciowymi kompozycjami – kopiami obrazów artystów rosyjskich i zachodnioeuropejskich.
Miniatura Fedoskino malowana jest farbami olejnymi w trzech lub czterech warstwach - cieniowanie (ogólny szkic kompozycji), kopiowanie lub ponowne malowanie (praca bardziej szczegółowa), szkliwienie (modelowanie obrazu farbami przezroczystymi) i podkreślanie (wykończenie praca z jasnymi farbami, które podkreślają refleksy na przedmiotach) są wykonywane kolejno.
Miniatura Palecha nie ma odpowiednika na całym świecie. Robi się to na papierze-mache i dopiero potem przenosi na powierzchnię pudełek o różnych kształtach i rozmiarach.
Unikalna i subtelna sztuka miniatur lakowych w Palechu opiera się na zasadach starożytnego malarstwa rosyjskiego i sztuki ludowej. Obecnie miniatury Palekh stanowią integralną część rosyjskiej sztuki dekoracyjnej i użytkowej jako całości. Wraz z rozwojem starożytnych tradycji niesie w sobie poetycką wizję świata, charakterystyczną dla rosyjskich opowieści ludowych i pieśni.
Narodziny tej sztuki w Palechu nie są przypadkowe. Był to naturalny wynik rozwoju wielowiekowych tradycji w nowych warunkach historycznych, dziedziczenia umiejętności wielu pokoleń malarzy ikon. Stare doświadczenie Palekh jest bogate i różnorodne. Tradycje starożytnej sztuki rosyjskiej są od dawna badane i zachowywane w Palechu.
Niezależny styl malowania ikon Palech powstał dopiero w połowie XVIII wieku. Przyswoił i rozwinął podstawowe zasady i elementy szkoły nowogrodzkiej i stroganowskiej oraz malarstwo regionu Wołgi drugiej połowy XVII wieku. W XVII-XIX wieku mistrzowie Palecha wielokrotnie realizowali zamówienia na ikony w stylu nowogrodzkim lub w charakterze moskiewskiego błota.
Wniosek
Umiejętność rozpoznawania walorów estetycznych materiału zawsze wyróżniała rosyjskich rzemieślników, co przejawiało się we wszystkich sferach życia, od życia codziennego po architekturę, gdzie umiejętności wyrażały się w sztuce cięcia kamienia.
Rozkwit sztuki jubilerskiej w Rosji rozpoczął się w połowie XVIII wieku i trwał przez całe stulecie.
W tym okresie złotnicy odnieśli wielki sukces. Zgodnie z nowymi gustami, kształty srebrnych serwisów są proste i przejrzyste. Zdobią je flety i antyczne ozdoby. Na srebrnych szklankach i tabakierkach rzemieślnicy z Wielkiego Ustiuga odtwarzają ryciny przedstawiające starożytne sceny i zwycięstwa wojsk rosyjskich.
Wybitnym zjawiskiem w sztuce użytkowej XVIII wieku są stalowe wyroby artystyczne mistrzów Tuły: meble, pudełka, świeczniki, guziki, sprzączki, tabakierki.
Rozkwit rosyjskiej sztuki użytkowej w XVIII wieku wiązał się z twórczością architektów Kazakowa, Starowa, Quarenghi, Camerona, Woronichina i szeregu wyszkolonych artystów ludowych. Ale jego prawdziwą chwałę tworzyli głównie nieznani rzemieślnicy pańszczyźniani – meblarze, rzeźbiarze, tkacze, kamieniarze, jubilerzy, szklarze, ceramiki…
Literatura
Historia sztuki rosyjskiej. Odpowiedzialni redaktorzy I.A. Bartenev, R.I. Własowa - M., 1987
Historia sztuki rosyjskiej. wyd. TJ. Grabara. T. 1-12 (działy sztuki zdobniczej i użytkowej). M.: 1953-1961
Rosyjska sztuka dekoracyjna i użytkowa. wyd. sztuczna inteligencja Leonowa. T. 1-3. M.: 1962-1965
Rybakov B.A. Rosyjska sztuka użytkowa X-XIII wieku. Ł.: 1971
Wasilenko V.M. Rosyjska sztuka użytkowa. Geneza i formacja. I wiek PNE. - XIII wiek OGŁOSZENIE M.: 1977
Opublikowano na Allbest.ru
...Podobne dokumenty
Tradycje wytwarzania wyrobów artystycznych. Wyroby artystyczne wykonane z kory brzozowej. Bogorodskaja rzeźbiona zabawka. Abramtsevo-Kudrinskaya, czyli rzeźba w drewnie Chotkowskiej. Malowanie lakierem Palekh i Fedoskino. Prawdziwa rosyjska piękność - Matrioszka.
streszczenie, dodano 24.06.2009
Sztuka etnograficzna, dekoracyjna i użytkowa ludu Ałtaju końca XIX – początku XX wieku. Produkcja biżuterii i obróbka metali. Obróbka materiałów filcowych i miękkich. Sztuka dekoracyjna i użytkowa Kazachów. Charakterystyka rzemiosła ludowego.
praca na kursie, dodano 07.06.2014
Architektura XVIII wieku. Rzeźba z XVIII wieku. Malarstwo z pierwszej połowy XVIII wieku. Malarstwo drugiej połowy XVIII wieku. Rycina z pierwszej połowy XVIII wieku. Rycina z drugiej połowy XVIII wieku. Sztuka użytkowa pierwszej połowy XVIII wieku.
praca na kursie, dodano 26.10.2002
Okres zderzenia wzajemnie wykluczających się aspiracji artystycznych w XVII-XVIII w. Manifestacja cech sztuki świeckiej w rosyjskim malarstwie ikonowym. Otwarcie pracowni malowania ikon w Izbie Zbrojowni na Kremlu. Malarstwo freskowe, gatunek historyczny.
prezentacja, dodano 25.12.2013
Sztuka dekoracyjna i użytkowa. Sekret orientalnej porcelany. Wygląd fajansu i majoliki. Ceramika w Rosji. Ludowe artystyczne rzemiosło ceramiczne. Gżel, zabawka Dymkowo. Produkcja zabawek na początku XIX wieku. Kierunki ceramiki rosyjskiej.
prezentacja, dodano 18.12.2014
Ceramika i zabawki Skopin, historia rozwoju. Sezonowe wyrób naczyń ceramicznych na lokalnej czerwonej glinie we wsiach obwodu kargopolskiego. Zabawki Dymkowo, Wiatka i Kirow, ich najczęstsze wątki. Sztuka rzemieślników Filimonowa.
streszczenie, dodano 15.06.2012
Kierunki rozwoju malarstwa rosyjskiego, mistrzostwo artystów w perspektywie linearnej. Rozprzestrzenianie się technik malarstwa olejnego, pojawienie się nowych gatunków. Szczególne miejsce portretu, rozwój kierunku realistycznego w malarstwie rosyjskim XVIII wieku.
prezentacja, dodano 30.11.2011
Sztuka i rzemiosło ludowe. Sztuka i rzemiosło ludowe. Wyrób ceramiki. Zabawka Czernyszyna. Jak starożytna zabawka ożyła. Wystawa zabawek ludowych. Jak rodzi się piękno. Twórczość Evdokii Ilyinichny Lukyanovej.
test, dodano 21.08.2008
Analiza twórczości malarzy rosyjskich końca XVIII wieku: Rokotowa, Lewickiego, Borovikowskiego. Najwybitniejsi przedstawiciele malarstwa rosyjskiego XIX wieku: Kiprensky, Tropinin, Venetsianov, Bryullov, Fedotov, Iwanow. Zmiany technologiczne i rozwój gatunku portretu.
praca na kursie, dodano 21.09.2012
Czas wzrostu samoświadomości publicznej i myśli społecznej, rozkwitu sztuki. Obrazy rosyjskich artystów - Rokotowa, Lewickiego, Borovikovsky'ego, Losenko, Shibanov. Przewaga kierunku realistycznego, historycznego, pejzażowego, malarstwa codziennego.
