Gustav Klimt: obrazy, biografia artysty. Styl secesyjny

Erotyka jest nierozerwalnie związana ze sztuką, zwłaszcza sztuką piękną, której środkiem wyrazu są widzialne, namacalne przedmioty - płótno, rzeźba, fotografia. Włoski psycholog, filozof i artysta Antonio Meneghetti powiedział: „Artysta tworząc, doświadcza momentów swojej seksualności, artysta przedstawiając ciało innej osoby, tak naprawdę ukazuje swój własny erotyzm”. Człowiek rzeźbił i malował nagie ciała już w epoce paleolitu, epoka starożytna pełna jest także rzeźb wychwalających nagość męską i kobiecą, a w sztuce współczesnej erotyka osiągnęła swój szczyt. Jednym z najlepszych przedstawicieli sztuki wysokiej, inspirowanym erotyzmem, jest austriacki artysta modernistyczny Gustav Klimt, którego płótna znajdują się na najbardziej autorytatywnych aukcjach naszych czasów.

Gustav Klimt był jednym z największych przedstawicieli austriackiej secesji, a także prezesem „ Secesja wiedeńska„, wybrany na to stanowisko w 1897 roku przez podobnie myślących ludzi. Ojciec Gustava Klimta, Ernest Klimt, był artystą – rytownikiem i jubilerem, a jego matka, Anna Klimt, wychowywała trzech synów i cztery córki. Przyszły artysta był drugim synem w tej dużej rodzinie. Jego dwaj bracia również zostali później artystami. W 1862 roku, kiedy urodził się Gustaw, Austria przeżywała trudne chwile. Na czele Prus stanął Otto von Bismarck i dyskutowano nad zadaniem zjednoczenia krajów niemieckich. Nie chcieli włączyć Austrii do tej niemieckiej „rodziny”. W kraju panowała bieda, sytuacja polityczna była niestabilna, a w 1866 roku do tego wszystkiego dołączyła się wojna prusko-austriacka. Rodzina Klimtażył w skrajnej biedzie. Pierwszym nauczycielem przyszłego artysty był jego ojciec. W 1876 roku 14-letni Gustav wstąpił do Szkoły Sztuk Pięknych i Rzemiosła przy Austriackim Muzeum Sztuki i Przemysłu, gdzie przez 7 lat specjalizował się w malarstwie architektonicznym. Nauczycielami Gustava byli znani austriaccy artyści Karl Grachovina, Ludwig Minnigerode, Michael Rieser, ale sam Gustav w tym czasie uważał za wzór malarza gatunku historycznego, zwolennika akademizmu, Hansa Makarta. Ciekawe, że Klimt, który otrzymał konserwatywne wykształcenie akademickie, w swojej twórczości posuwa się tak daleko, doskonaląc się w zupełnie innym stylu.

Ślady malarstwa akademickiego i architektonicznego na jego płótnach wyraża jedynie monumentalność i holistyczna kompozycja. Jednak w przeciwieństwie do innych młodych artystów o rewolucyjnych poglądach, w tamtych latach nie sprzeciwiał się staromodnemu akademizmowi. Aby zarobić na życie, Gustav i jego brat malują portrety ze zdjęć za skromną opłatą. Po krótkim czasie pojawiają się poważniejsi klienci. Bracia Klimt i ich przyjaciel Franz Match rozpoczęli malowanie dekoracyjnych obrazów na dziedzińcu Kunsthistorisches Museum w Wiedniu, a rok później rozpoczęli malowanie sufitów w jednym z pałaców w Wiedniu, a także w pawilonie kompleksu uzdrowiskowego w Carlsbadzie. Dzieła te pomogły Gustawowi stopniowo odnaleźć własny styl, a już w 1886 roku faktycznie oddzielił się od swoich towarzyszy, działając jako indywidualny artysta i dekorator, zyskując sławę i autorytet. Scenografia wiedeńskiego Burgtheater jest ostatnią wspólną pracą zespołu, chociaż Klimt współpracował później przy różnych okazjach z Franzem Matschem. Gustava Klimta ostatecznie odszedł od akademizmu, a pomysły stylistyczne jego przyjaciół nie były już kompatybilne. W 1888 roku Gustaw otrzymał nagrodę od cesarza Franciszka Józefa za zasługi dla sztuki. złoty Krzyż" W tym samym roku został członkiem honorowym uniwersytetów w Monachium i Wiedniu. W 1889 roku Klimt podróżuje po Europie w poszukiwaniu nowych środków wyrazu. Marzy o tworzeniu płócien i osiągnięciu sukcesu jako malarz. Jednak z powodu pewnych okoliczności nie udało mu się jeszcze zrealizować swojego marzenia. W 1892 roku umierają ojciec i brat Gustawa, a odpowiedzialność za rodzinę spada na jego barki. Trzeba było zadbać o jej potrzeby i aby mieć stałe dochody, zaczął przyjmować nowe zamówienia na malarstwo dekoracyjne.

Utrata bliskich odcisnęła piętno na wewnętrznym świecie artysty: pod wpływem silnych przeżyć jego styl stał się jeszcze bardziej oryginalny i dramatyczny. Wewnętrzny protest znalazł natychmiastowe odzwierciedlenie w jego twórczości i nieprzypadkowo w 1893 roku austriackie Ministerstwo Kultury odmówiło zatwierdzenia artysty, który odszedł od zasad akademizmu. Klimta jako profesor Akademii Sztuk Pięknych. Jedynym radosnym wydarzeniem na tym etapie życia było spotkanie przyszłej żony – austriackiej projektantki mody, córki dużego przedsiębiorcy Emily Flege, którą artysta przedstawiał na swoich płótnach. Choć Klimt nigdy nie był wierny w swoim życiu małżeńskim, a Emily wiedziała o jego licznych romansach, do końca życia artysty pozostali nierozłączni. Miłość, która ich połączyła, była znacznie silniejsza i stała niż okresowe impulsy erotyczne Klimta. W końcu Emily zdała sobie sprawę, że artysta potrzebuje tego wszystkiego, aby tworzyć i ulepszać. Tak czy inaczej, do 1897 r. Klimt, podobnie jak poprzednio, zajęty był malowaniem instytucji kulturalnych. Pracował nie tylko w Austrii, ale także w Belgii, na Węgrzech, w Holandii, Czechach i innych krajach Europy.

W 1897 roku rozpoczął się nowy etap w życiu twórczym Klimta, który naznaczył głośną rewolucją. Klimt zakłada związek kreatywny ” Secesja” i zostaje pierwszym przewodniczącym tej organizacji. W tłumaczeniu z języka niemieckiego Sezession oznacza „oddzielenie”. Grupa artystów pod przewodnictwem Klimta, pasjonujących się duchem i zasadami modernizmu, faktycznie oddzieliła się od wiedeńskiej Akademii Sztuk i konserwatywnych środowisk artystycznych. Wkrótce organizacja zaczęła wydawać własną publikację pod tytułem Ver Sacrum („ Święta wiosna„). W bardzo krótkim czasie skupiła wokół siebie artystów europejskich o nowoczesnych poglądach, odrzucających przestarzały akademizm. Ver Sacrum stał się także rzecznikiem austriackich pisarzy symbolistycznych. Dla artystów” Secesja„charakteryzował się wieloma podobieństwami stylistycznymi: wielokolorowymi mozaikami, pełną wdzięku skalą, wyraźnymi konturami. Do zwolenników tego stylu należeli Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Joseph Hoffmann, Karl Moser i inni.

Sam Klimt nie miał uczniów, jako naśladowcę jego stylu można wyróżnić utalentowanego austriackiego artystę ekspresjonistę Egona Schiele. Podczas gdy środowiska artystyczne nadal protestowały w związku z pojawieniem się „ Secesja”, Gustav Klimt, wolny od akademizmu, spędził z Emily letnie wakacje z dala od miasta, na łonie natury. Był szczęśliwy, bo zbliżał się moment spełnienia jego marzenia – tworzenia płócien i bycia niezależnym. I właśnie tego lata Klimt namalował swoje pierwsze pejzaże.

W odróżnieniu od zwolenników szkoły akademickiej rząd austriacki traktował nowych artystów przychylniej. Mając na uwadze fakt, że organizacja zrzeszała liczne grupy przyrodników, realistów i symbolistów, których głos miał wagę w kręgach publicznych, rząd na rzecz jej członków „ Secesja» przeznaczył w mieście dużą działkę, aby ci ostatni mogli zbudować galerię swoich prac. Symbol " Secesja„była Pallas Atena – bogini mądrości, sprawiedliwości i sztuki. Wkrótce organizacja zaczyna organizować wystawy. Klimt także bierze w nich udział swoimi dziełami. Na zlecenie Uniwersytetu Wiedeńskiego w 1894 roku ukończył obrazy, które miały ozdobić ściany tej placówki edukacyjnej, w 1900 roku.

W 1899 roku Klimt przygotował trzy panele dekoracyjne do Wielkiej Sali Uniwersytetu Wiedeńskiego: „”, „” i „”. Obrazy te spotykają się jednak z ostrą krytyką publiczności za dosadną treść, nazywając je „erotycznie obscenicznymi”, a płótno „pod naciskiem 87 profesorów zostaje usunięte z sal wystawowych galerii”. Secesja».

Nawiasem mówiąc, ten konkretny obraz został później nagrodzony złotym medalem na Wystawie Światowej w Paryżu. We wszystkich trzech obrazach Klimt przekształcił tradycyjne alegorie w nowe symbole, które w istocie zawierały jawny erotyzm... Klimta spotykają się z krytyką zarówno krytyków sztuki, jak i środowisk politycznych i religijnych. On, założyciel Secesja„wydawał się być poza własną organizacją i wszelkimi akceptowalnymi kryteriami i granicami. Naturalnie obrazy nigdy nie zajęły miejsca w murach uniwersytetu, a Klimt po prostu odmówił współpracy z klientami. W 1945 roku wszystkie trzy dzieła zostały zniszczone przez hitlerowców. W 1899 roku artysta stworzył kolejny skandaliczny obraz - „”.

Naga kobieta na obrazie trzyma w dłoniach zwierciadło prawdy, nad którym widnieje słynny cytat wielkiego niemieckiego poety Friedricha Schillera: „Jeśli nie możesz zadowolić wszystkich swoimi czynami i swoją sztuką, proszę niewielu. Bycie lubianym przez wielu jest złem.” Linie te odzwierciedlają całą istotę natury Klimta. W 1902 roku dla galerii Secesja Klimt stworzył fresk oparty na słynnej IX Symfonii kompozytora. Dzieło wystawiane jest tylko raz za życia artysty, w naszych czasach po raz drugi zostaje udostępnione publiczności – w 1986 roku.

Początek XX wieku uważany jest za złoty okres w twórczości Klimta. To właśnie w tych latach najpełniej objawiła się jego prawdziwa wielkość i narodziły się jego najlepsze obrazy. To ciekawe, ale nawet krytycy w tym okresie stali się bardziej przychylni twórczości artysty. Krytycy sztuki definiują „złoty okres” nie tylko w sensie przenośnym, ale także dosłownym: w tych latach Klimt używał złotego koloru w dużych ilościach. Najbardziej znane dzieła tego okresu to „”, „”, „”, „”, „”, „”, „ Złota Adela».

Artysta sprzedał płótno Rzymskiemu Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Austriackiej Galerii Narodowej.

Ideał kobiecości Klimta zmienia się wraz z jego twórczością. Wydaje się, że na początku twórczości artysty pociąga go raczej uogólniony obraz antyczny. W jego wczesnych pracach kobiety wyglądają jak posągi, stojąc w klasycznych pozach. Linia ołówka jest ciągła i napięta. Niemniej jednak ukryty erotyzm jest obecny już w jego wczesnych pracach; niezwykła zdolność artysty do przepuszczania wszystkiego przez własną zmysłowość będzie się nasilać w miarę odchodzenia od akademickiej maniery. Już w tym czasie rysunki wydają się przesiąknięte erotyzmem, linie w nich są bardziej nerwowe, przerywane, jakby podekscytowanie artysty natychmiast odbiło się na papierze.

W żadnym innym obszarze swojej twórczości Klimt nie jest tak blisko siebie. Na tych rysunkach jest bez maski, bez publiczności, bez kolekcjonerów. Rysuje dla siebie, dla siebie. Rysunek jest wolny od konwencji, ograniczeń i podlega jedynie wymaganiom stawianym przez jego twórcę. Jest autentyczny. Z tym rysunkiem Klimta uwalnia się od siebie. Sztuka jest aktem transformacji. Jego rysunki są pamiętnikiem piękna, przywołują i przekazują lekką euforię, jakiej doświadczał w obecności kobiety lub kobiet, które go podniecały i stawały się dobrowolnymi i niezbędnymi partnerami w tym procesie twórczym.

W stworzonej dwufigurowej kompozycji „” (1908) zniszczona zostaje kolejna tradycyjna podstawa twórczości Gustava Klimta: kobieta staje się uległa, teraz dominuje nad nią mężczyzna. Poddaje się uwodzicielowi, oddaje się dla niego.

Tutaj wszystkie bariery zostaną zniszczone, a energia miłości nie będzie przeciekać przez Twoje palce. Przez lekką sukienkę otulającą jej smukłą sylwetkę emanują niezaspokojone pragnienia seksualne. To wystarczyło, aby wprowadzić w błąd cenzorów, którzy narzucili tabu transowi erotycznemu i kontaktowi cielesnemu. Klimt, który jak w lustrze pokazał purytańskiej burżuazji wiedeńskiej jej własną hipokryzję, został teraz nagrodzony jej zachwytem. Na obrazie artysta przedstawił siebie i swoją ukochaną Emilię Flege.

Jedyny przyjaciel na całe życie Gustava Klimta- Emilia Flege, była popularną projektantką.

Prowadziła pierwszy salon haute couture w Wiedniu” Siostry Flege" W swoich zbiorach wykorzystywała szkice Klimta. Spędzili razem lato nad jeziorem Attersee u podnóża Alp. Klimt nie miał nikogo bliższego, ale jego związek z Emilią, jak przekonują biografowie, był platoniczny. Na portrecie Klimta Emilia przypomina dziwaczny tropikalny motyl w migotaniu bzu, bzu i fioletu.

W późnym okresie twórczości, po ukończeniu „ złoty okres” i początek etapu ekspresjonizmu Klimt zwrócił się ku japońskiemu rytownictwu, alegorii i pejzażowi, co pozwoliło mu w pełni zademonstrować swój talent.

W pejzażach widać wpływy impresjonistów: nierówne kontury pociągnięć pędzla, światło, obrazy wycięte z góry i z boku, a płaskie wykończenie powierzchni świadczy o wpływach Wschodu charakterystycznych dla secesji. Przedstawienie natury jest mozaikowe, wiele dzieł przypomina gobeliny.

Nie ma w nich horyzontu, piony, poziomy i kolorowe plamy niszczą i rytmicznie wypełniają wolną przestrzeń. A jednak – nie ma w nich nawet śladu obecności ludzi. W jego obrazach przyroda jest samowystarczalna i obojętna na człowieka, przeraża i jednocześnie przyciąga Klimta. Podobnie jak kobiety.„na Wystawie Światowej w Rzymie otrzymał nagrodę i wysokie uznanie. Klimt przedstawia, jak w alegorii „ Panna„(1913), ciała ludzkie splecione ze sobą, unoszące się w przestrzeni świata i uosabiające losy ludzkości.

Obraz można interpretować jako główne przykazanie Pana – aby się nie zawieść, aby każdy stał na swoim terenie. Wszyscy ludzie są ogniwami jednego łańcucha, a dokładniej sieci. Na warstwie pomarańczowej ludzkość jawi się jako splecione ze sobą pomarańczowe pierścienie. A kiedy jeden z pierścieni pękł (jeden z nas upadł, nie mogąc się oprzeć), pojawiła się szczelina, przez którą na wszystkich posypał się brud. Motyw śmierci Klimta przedstawia w formie akcentów kolorystycznych - barwy czarnej, niebieskiej, fioletowej, symboli wplecionych w przepływ ludzi, obrazu starzejącego się lub brzydkiego ciała. Znaczący jest także moment przyciągania form obrazowych do ich zanurzenia w ciemności (czarnej przestrzeni), co wskazuje na ukazanie śmierci poprzez zanurzenie w zapomnienie, wycofanie się w niezamanifestowaną nieskończoność poprzez wyrzeczenie się świadomości. Śmierć jest rozumiana przez Klimta jako niezbędny element życia Wszechświata, który pozwala Skończonemu wtopić się w żywioł Nieskończonego. W obrazie dominuje poczucie losu, tajemnica ludzkiego życia, wiek życia, związek śmierci i miłości. Wszystko to ukazane jest poprzez stylizowany język, pełen alegorii i metafor.

Klimt przypisuje zupełnie inne znaczenie wszystkiemu, co sugerowała twórczość wczesnego dekoratywizmu. Luksus, krętość, ciągłość linii, stylizowane formy, różnorodność podstawowych kolorów - zamieniły się w jasną mozaikę obrazów pełną intensywnego melancholijnego uroku, powrót do poszukiwań utraconego raju.

W tym okresie Klimt dużo podróżował – odwiedził Włochy, Belgię, Anglię, Hiszpanię i inne kraje, odkrywając nowe nazwiska artystów – Tuluzy – Lautreca, Van Gogha, Gauguina, Muncha, Matisse’a… Z wielką radością pisze, że współczesne malarstwo jest pełen utalentowanych osobowości. Niestety Klimt nie pozostawił żadnych pamiętników i prawie nic nie mówił o swoich metodach i światopoglądzie. Zachowała się jego lakoniczna korespondencja z Emilką oraz esej „

(Kliknij, aby powiększyć)

Złota Adela

Fryz Beethovena (szczegół: wrogie siły)

Portret Sonyi Knips

Trzy wieki kobiety

Portret Margaret Stonborough-Wittgenstein

Portret Johanny Staude

Portret kobiety

Chatka

Pole kwiatowe

Beethoven Fryz, Wandgem

Pallas Atena

Pallas Atena

Węże Wodne I

Ruch wody

Węże wodne II

Teatr w Taorminie

Ogród ze słonecznikami we wsi

Złota Rybka

Judyta z głową Holofernesa

Życie i śmierć

Portret Adele Bloch-Bauer

Portret baronowej Elżbiety Bachoffen-Eckt

Portret Emilii Floge

Portret Eugenii Primaversi

Portret Fryderyki Marii

Portret Marii Munch

Złota Rybka

Adam i Ewa

Oczekiwanie

Drzewo życia

Słoneczniki w wiejskim ogrodzie

Pole maków

Gaj Brzozowy

Gaj Bukowy

Chłopski dom z brzozami

Kwitnące pole kukurydzy

Zamek Malcesine nad jeziorem Garda

Zamek Kammer na Attersee

Wielka topola, czyli zbliżająca się burza

Staw w parku zamku Kammer

Kościół w Kassonie

Droga w parku zamkowym Kammer

Dom Guardaboskich

Dom chłopski w Górnej Austrii

Chronologia życia Gustava Klimta

• 1862, 14 lipca w Baumgarten pod Wiedniem urodził się Gustav Klimt. Był drugim z siedmiorga dzieci rytownika Ernsta Klimta i jego żony Anny z domu Finster.
• 1876 ​​Gustav Klimt rozpoczyna naukę w Wyższej Szkole Sztuki i Przemysłu w Wiedniu, gdzie studiował do 1883 pod kierunkiem Ferdinanda Laufbergera i Juliusa Victora Bergera.
• 1877 młodszy brat Klimta, Ernst, również zostaje uczniem Szkoły Artystyczno-Przemysłowej. Współpracują, malują portrety ze zdjęć i sprzedają je za 6 guldenów.
• 1879, Gustav i Ernst Klimtowie wraz ze swoim przyjacielem Franzem Matchem wykonali prace dekoracyjne mające na celu udekorowanie dziedzińca Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
• 1880, Trzej młodzi mężczyźni otrzymują duże zamówienia: cztery alegoryczne obrazy na sufit Pałacu Sturani w Wiedniu; sufit pawilonu wód mineralnych w Carlsbadzie (Czechy).
• 1885, Dekoracja wnętrz, na podstawie rysunków Hansa Makarta, przedstawiająca Pałac Hermes, ulubioną wiejską rezydencję cesarzowej Elżbiety.
• 1886, Podczas pracy w Burgtheater styl Klimta rozwija się w nowym kierunku, wyraźnie odmiennym od stylu jego towarzyszy. Klimt odchodzi od akademizmu; każdy z trzech artystów działa niezależnie od siebie.
• 1888 Klimt otrzymuje z rąk cesarza Franciszka Józefa I Złoty Order Zasługi za zasługi dla sztuki.
• 1890, Malowanie schodów w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu. Klimt otrzymuje Nagrodę Cesarską (400 guldenów) za Salę Malarską Starego Burgtheater w Wiedniu.
• 1892, ojciec Klimta, a także sam artysta umiera na udar. Śmierć brata Klimta Ernsta.
• 1893, Ministerstwo Kultury odmawia zatwierdzenia nominacji Klimta na stanowisko profesora Akademii Sztuk Pięknych.
• 1894 Klimt i Matsch otrzymują zlecenie na wykonanie malowideł na ściany i sufit Wielkiej Sali Uniwersytetu Wiedeńskiego.
• 1895 Klimt otrzymuje pierwszą nagrodę w Antwerpii za dekorację teatru w Totis (Węgry).
• 1897, Oficjalne powstanie: Klimt jest założycielem secesji i wybranym na prezydenta. Lato spędza ze swoją towarzyszką Emilią Flöge w rejonie Kammer nad jeziorem Attersee: pierwsze krajobrazy.
• 1898, Kompozycja na pierwszą wystawę secesyjną; Secesja założyła czasopismo Ver Sacrum.
• 1900, Obraz „Filozofia”, odrzucony na wystawie Secesja przez 87 profesorów, otrzymuje złoty medal na Wystawie Powszechnej w Paryżu.
• 1901, Ciąg dalszy skandalu na wystawie Secesja: obraz Klimta „Medycyna” staje się przedmiotem dyskusji w Ministerstwie Oświaty.
• 1902, Spotkanie z Augustem Rodinem, który podziwiał Fryz Beethovena.
• 1903, Wycieczka do Wenecji, Rawenny i Florencji. Początek „złotego okresu”. Obrazy namalowane dla Wielkiej Sali Uniwersytetu Wiedeńskiego, mimo protestu Klimta, zostają przeniesione do Galerii Austriackiej. Retrospektywa twórczości Klimta w budynku wystawowym Secesji.
• 1904 Klimt rysuje szkice do mozaik ściennych Pałacu Stocleta w Brukseli, wykonanych w Szkole Sztuki i Rzemiosła w Wiedniu.
• 1905 Klimt kupuje od Ministerstwa obrazy napisane dla Uniwersytetu Wiedeńskiego. On i jego przyjaciele opuszczają Secesję.
• 1907, Klimt spotyka młodego Egona Schielego. Picasso maluje Les Demoiselles d'Avignon.
• 1908, na wystawie eksponowanych jest 16 obrazów. Narodowa Galeria Sztuki Nowoczesnej w Rzymie kupuje „Trzy wieki kobiety”, a Galeria Austriacka w Wiedniu „Pocałunek”.
• 1909, Rozpoczęcie prac nad Fryzem Stocleta. Wycieczka do Paryża, gdzie Klimt z wielkim zainteresowaniem odkrywa twórczość Toulouse-Lautreca i Fowizm. Na wystawie reprezentowani są Van Gogh, Munch, Toorop, Gauguin, Bonnard i Matisse.
• 1911 „Śmierć i życie” zdobywa pierwszą nagrodę na Wystawie Powszechnej w Rzymie. Klimt odwiedza Rzym, Florencję, Brukselę, Londyn i Madryt.
• 1912 Klimt zastępuje tło „Śmierci i życia” niebieskim (na wzór Matisse’a).
• 1914, Krytyka twórczości Klimta przez ekspresjonistów.
• 1915, śmierć matki Klimta. Paleta artysty staje się ciemniejsza, a jego pejzaże stają się bardziej monochromatyczne.
• 1916 Klimt wraz z Egonem Schielem, Kokoschką i Feistauerem bierze udział w wystawie Związku Artystów Austriackich zorganizowanej przez Secesję Berlińską. Śmierć cesarza Franciszka Józefa I, dwa lata przed upadkiem imperium i śmiercią samego Klimta.
• 1917, rozpoczynają się prace nad Panną młodą oraz Adamem i Ewą. Klimt został wybrany członkiem honorowym Akademii Sztuk Pięknych w Wiedniu i Monachium.
• 1918, 6 lutego, po udarze mózgu, Klimt umiera, pozostawiając wiele obrazów niedokończonych. Koniec Cesarstwa; założenie na terenie byłego imperium Republiki Austrii i sześciu innych republik. Śmierć Egona Schiele, Otto Wagnera, Ferdinanda Hodlera, Kolomana Mosera…

Przy tworzeniu chronologii wykorzystano materiały z książki „Klimt” Gillesa Nereta (wydawnictwo Tachen / Art-spring, 2000)

Biografia Klimta

Gustav Klimt (14 lipca 1862 - 6 lutego 1918) był austriackim artystą symbolistą i jednym z najwybitniejszych członków secesji wiedeńskiej. Klimt słynie z obrazów, fresków, szkiców i innych dzieł sztuki. Głównym tematem Klimta było kobiece ciało, a jego twórczość cechuje jawny erotyzm. Oprócz dzieł figuratywnych, do których zaliczają się alegorie i portrety, malował pejzaże. Spośród artystów secesji wiedeńskiej największy wpływ na sztukę japońską i jej metody wywarł Klimt.

Na początku swojej kariery artystycznej był odnoszącym sukcesy malarzem dekoracji architektonicznych w sposób konwencjonalny. W miarę rozwoju bardziej osobistego stylu twórczość Klimta stała się przedmiotem kontrowersji, których kulminacją było to, że obraz, który namalował około 1900 roku na suficie wielkiej sali Uniwersytetu Wiedeńskiego, został skrytykowany jako pornograficzny. Później nie przyjmował już żadnych zamówień publicznych, ale odniósł sukces dzięki obrazom ze „złotego okresu”, z których wiele zawierało złoto płatkowe. Twórczość Klimta wywarła znaczący wpływ na młodego współczesnego mu Egona Schiele.

Życie i sztuka

Wczesne życie i edukacja

Gustav Klimt urodził się w Baumgarten pod Wiedniem w Austro-Węgrzech jako drugie z siedmiorga dzieci, trzech chłopców i czterech dziewcząt. Jego matka, Anna Klimt (z domu Finster), miała niespełnione ambicje zostania muzykiem. Jego ojciec, Ernst Klimt senior, pochodzący kiedyś z Czech, był złotnikiem. Od wczesnego dzieciństwa wszyscy trzej synowie, Gustav, Ernst i Georg, wykazywały talent artystyczny.

Uczęszczając do Wiedeńskiej Szkoły Sztuki i Rzemiosła (Kunstgewerbeschule), gdzie do 1883 roku studiował malarstwo architektoniczne, Klimt żył w biedzie. Darzył głębokim szacunkiem Hansa Makarta, najwybitniejszego malarza w historii Wiednia tamtych czasów. Klimt chętnie przyjął zasady nauczania konserwatywnego; jego wczesne prace można zaliczyć do akademickich. W 1877 roku do tej szkoły wstąpił także jego brat Ernst, który podobnie jak ojciec został rytownikiem. Obaj bracia i ich przyjaciel Franz Much rozpoczęli współpracę i do 1880 roku otrzymali liczne zamówienia jako grupa zwana „Kompanią Artystów”. Pomagali także swojemu nauczycielowi przy malowaniu fresków ściennych w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu. Klimt rozpoczął karierę zawodową od malowania fresków na ścianach i sufitach dużych budynków użyteczności publicznej przy Ringstrasse, wśród których znalazł się udany cykl „Godła i Alegorie”.

W 1888 roku Klimt otrzymał od cesarza Franciszka Józefa I Austrii Złoty Order za wkład w freski Burgtheater w Wiedniu. Został także członkiem honorowym uniwersytetów w Monachium i Wiedniu. W 1892 roku zmarł ojciec i brat Klimta, Ernst, a on musiał wziąć na siebie odpowiedzialność finansową za rodzinę.

Tragedia wpłynęła także na jego wizję artystyczną i wkrótce zaczął zmierzać w kierunku nowego osobistego stylu. Cechą charakterystyczną jego stylu końca XIX w. była Nuda Veritas (Naga Prawda) jako postać symboliczna w niektórych jego dziełach, m.in.: Starożytna Grecja i Egipt (1891), Pallas Atena (1898) i Nuda Veritas (1899). ). Historycy uważają, że Klimt poprzez nuda veritas potępił politykę Habsburgów i społeczeństwa austriackiego, które ignorowało wszelkie problemy polityczne i społeczne tamtych czasów. Na początku lat 90. XIX w. Klimt poznał Emilię Louise Flöge, która pomimo związków artysty z innymi kobietami została jego towarzyszką na całe życie. Uważa się, że na jego obrazie „Pocałunek” (1907–1908) są przedstawieni jako kochankowie. Narysował wiele ubrań, które zaprojektowała i wymodelowała.

W tym okresie Klimt został ojcem co najmniej czternaściorga dzieci.

Lata secesji wiedeńskiej

W 1897 Klimt został jednym z założycieli i szefem Wiener Sezession (Secesja Wiedeńska) oraz grupy periodycznej Ver Sacrum („Święta Wiosna”). Pozostał w secesji do 1908 roku. Celem grupy było: organizowanie wystaw niekonwencjonalnych młodych artystów, sprowadzenie do Wiednia prac najlepszych artystów zagranicznych oraz wydawanie własnego magazynu prezentującego twórczość członków. Grupa nie ogłosiła żadnego manifestu i nie opowiadała się za żadnym konkretnym stylem – przyrodnicy, realiści i symboliści istnieli razem. Rząd wspierał ich działalność i dzierżawił im grunty państwowe pod budowę hali wystawienniczej. Symbolem grupy była Pallas Atena, grecka bogini sprawiedliwości, mądrości i sztuki, którą Klimt namalował w swojej radykalnej wersji w 1898 roku.

W 1894 roku Klimt otrzymał zlecenie na wykonanie trzech obrazów do dekoracji sufitu w Sali Wielkiej Uniwersytetu Wiedeńskiego. Jego trzy obrazy, ukończone dopiero na przełomie XIX i XX wieku, Filozofia, Medycyna i Prawoznawstwo, były krytykowane za radykalne tematy i tematykę i nazwano je „pornograficznymi”. Klimt przekształcił tradycyjną alegorię i symbolikę w nowy język, który był bardziej jawnie seksualny i przez to dla niektórych bardziej zaskakujący. Protest społeczny nadeszły ze wszystkich stron – politycznych, estetycznych i religijnych. W rezultacie obrazy nie były eksponowane na suficie Wielkiej Sali. Zgodnie z oczekiwaniami było to ostatnie publiczne zamówienie przyjęte przez artystę.

Wszystkie trzy obrazy zostały zniszczone przez wycofujące się oddziały SS w maju 1945 roku.

Jego zdjęcie Nuda Veritas(1899) określił swoją próbę dalszego „wstrząsania” istniejącym porządkiem. Całkowicie naga kobieta o rudych włosach trzyma Zwierciadło Prawdy, a nad nią cytat z Friedricha Schillera w stylizowanym napisie: „Wasze czyny i wasza sztuka nie mogą podobać się wszystkim: róbcie to, co uważacie za słuszne, dla dobra nielicznych. Bycie lubianym przez zbyt wielu ludzi jest złe.”

W 1902 roku Klimt ukończył Fryz Beethovena na czternastą wystawę Secesji Wiedeńskiej, która została zorganizowana dla uczczenia kompozytora i wystawienia monumentalnej polichromowanej rzeźby autorstwa Maxa Klingera. Przeznaczony wyłącznie do celów wystawowych fryz został namalowany bezpośrednio na ścianach przy użyciu lekkich materiałów. Po wystawie obraz zakonserwowano, ale wystawiono go ponownie dopiero w 1986 roku. Twarz na portrecie Beethovena przypominała kompozytora i dyrygenta Wiedeńskiej Opery Państwowej Gustava Mahlera, z którym Klimt żywił pełne szacunku stosunki.

W tym okresie Klimt nie ograniczał się do zamówień publicznych. Od końca lat 90. XIX wieku spędzał coroczne wakacje z rodziną Flöge nad brzegiem jeziora Attersee i malował wiele jego pejzaży. Pejzaże te reprezentują jedyny gatunek poza malarstwem figuratywnym, który poważnie zainteresował Klimta. W uznaniu jego głębokości miejscowi nazwali go Waldschrat („Leśny Demon”).

Obrazy Klimta Attersee są wystarczającej ilości i jakości, co zasługuje na szczególną pochwałę. Formalnie pejzaże charakteryzują się tym samym wyrafinowaniem kompozycyjnym i wyrazistym rysunkiem, co partie figuralne. Głębia przestrzeni w pracach Attersee została tak inteligentnie zrównana w jednej płaszczyźnie, że przypuszcza się, że Klimt namalował je za pomocą teleskopu.

Złoty okres i krytyczny sukces

„Złoty okres” Klimta charakteryzował się pozytywnym odzewem krytycznym i sukcesem finansowym. Wiele jego obrazów z tego okresu zawiera płatki złota. Klimt posługiwał się złotem już wcześniej w Pallas Athene (1898) i Judith I (1901), ale dziełami najczęściej kojarzonymi z tym okresem są Portret Adele Bloch-Bauer I (1907) i Pocałunek (1907-1908).

Klimt niewiele podróżował, ale wycieczki do Wenecji i Rawenny, słynących z pięknych mozaik, najprawdopodobniej zainspirowały jego technikę złota i bizantyjskie obrazy. W 1904 roku współpracował z innymi artystami przy tworzeniu bogatego Palais Stoclet, domu bogatego belgijskiego przemysłowca, będącego jednym z największych zabytków epoki secesji. Wkłady Klimta w jadalnię, w tym „Intoksykacja” i „Oczekiwanie”, należały do ​​jego najlepszych dzieł dekoracyjnych i, jak stwierdził publicznie: „...prawdopodobnie ostatni etap mojego rozwoju zdobnictwa”.

W 1905 roku Klimt namalował portret Margaret Wittgenstein, siostry Ludwiga Wittgensteina, z okazji jej ślubu. Następnie, w latach 1907–1909, Klimt namalował pięć płócien przedstawiających kobiety z towarzystwa owinięte w futra.

Ponieważ Klimt pracował i odpoczywał w swoim domu, zwykle nosił sandały i długą szatę bez bielizny. Jego proste życie było nieco samotne, poświęcone sztuce, rodzinie i niczym innym poza secesją. Unikał bohemy i rzadko wiązał się z innymi artystami. Sława Klimta zwykle przyciągała klientów do jego drzwi, a on mógł sobie pozwolić na dość selektywność. Jego metoda malowania była czasami bardzo przemyślana i skrupulatna, wymagała od modeli siedzenia przez długi czas.

Klimt niewiele napisał o swojej wizji i metodach. Pisał głównie pocztówki dla Flöge, nie prowadził pamiętnika. W rzadkich tekstach zatytułowanych „Komentarz do nieistniejącego autoportretu” napisał: „Nigdy nie namalowałem autoportretu. Mniej interesuje mnie sobą jako obiektem malarstwa niż innymi ludźmi, zwłaszcza kobietami... Nie ma we mnie nic szczególnego. Jestem artystą, który maluje codziennie od rana do wieczora... Jeśli ktoś chce się czegoś o mnie dowiedzieć... powinien przyjrzeć się bliżej moim obrazom.

W 1901 roku Hermann Bahr w swoim „Przemówieniu o Klimcie” napisał: „Tak jak tylko kochanek może powiedzieć człowiekowi sens życia i ujawnić jego wewnętrzne znaczenie, tak samo mam odczucia wobec tych obrazów”.

Ostatnie lata życia i pośmiertny sukces

W 1911 roku jego obraz „Śmierć i życie” otrzymał pierwszą nagrodę na Wystawie Światowej w Rzymie. W 1915 roku zmarła jego matka Anna. Klimt zmarł trzy lata później w Wiedniu, 6 lutego 1918 roku, na skutek udaru i zapalenia płuc wywołanego tegoroczną epidemią grypy. Został pochowany na cmentarzu Hitzingera w Wiedniu. Wiele jego obrazów pozostało niedokończonych.

Obrazy Klimta przyniosły ze sobą jedne z najwyższych cen odnotowanych za poszczególne dzieła sztuki. W listopadzie 2003 roku Landhaus am Attersee Klimta został sprzedany za 29 128 000 dolarów, ale cena ta wkrótce została przyćmiona ceną zapłaconą za inny z jego obrazów.

W 2006 roku portret Adele Bloch-Bauer I(1907) został zakupiony przez Ronalda Laudera dla nowojorskiej New Gallery za 135 milionów dolarów, przewyższając cenę obrazu Picassa z 1905 Boy with a Trumpet (sprzedanego 5 maja 2004 za 104 miliony dolarów), która została uznana za najwyższą cenę w historii – lub zapłaconą malowanie.

7 sierpnia 2006 roku dom aukcyjny Christie's ogłosił, że wyprzedaje pozostałe cztery dzieła Klimta, które Maria Altman i jej współspadkobiercy zwrócili po długiej batalii prawnej z Austrią. „Portret Adele Bloch-Bauer II” został sprzedany na aukcji w listopadzie 2006 roku za 88 milionów dolarów, co stanowi trzecią najwyższą cenę za dzieło sztuki na aukcji w tamtym czasie. Obraz „Jabłoń I”(ok. 1912) sprzedany za 33 miliony dolarów, „Gaj Bukowy”(1903) sprzedano za 40,3 mln dolarów, a obraz „Domy w Unterach nad jeziorem Utter” (1916) za 31 mln dolarów. W sumie pięć zwróconych obrazów przyniosło ponad 327 mln dolarów. W listopadzie 2011 r. niepozorny obraz Attersee przyniósł na aukcji Sotheby's 40,4 miliona dolarów.

W 2012 roku w Wiedniu (Austria) odbyło się wiele wystaw specjalnych z okazji 150. rocznicy urodzin Klimta. Google również uczciło tę rocznicę za pomocą doodla Google.

Biografia Gustava Klimta

Urodził się 14 lipca 1862 roku na przedmieściach Wiednia Baumgarten w rodzinie artysty-rytownika i jubilera E. Klimta. Studiował u ojca, a w latach 1875-1883 w szkole rzemieślniczej przy Austriackim Muzeum Sztuki i Przemysłu w Wiedniu. Początkowo pozostawał pod silnym wpływem sztuki G. Makarta z jego pompatycznym neobarokowym historyzmem. Po ukończeniu studiów współpracował z bratem Ernstem i artystą F. Matchem, dekorując malowidłami dekoracyjnymi teatry prowincji austro-węgierskiej (w Reichenbergu, Fiume i Carlsbadzie - Karlowych Warach). Od 1885 roku projektowali także budynki wiedeńskie (wśród tych dzieł wyróżnia się malowniczy wystrój Burgtheater i Kunsthistorisches Museum - żywe przykłady wspaniałego „stylu Ringstrasse”, jak zwykle nazywa się wiedeński historyzm przełomu wieków). Wraz ze śmiercią brata Ernsta (1892) zespół się rozpadł. Coraz bardziej wciągnięty w elementy nowoczesności, a co za tym idzie w opozycję do tradycji akademickiej, Klimt stał się w 1897 roku jednym z założycieli wiedeńskiej secesji (niem. Sezession – „odejście”, „separacja”), niezależnej od Akademii Arts i jej pierwszym prezesem. Powstałe z jego inicjatywy Warsztaty Wiedeńskie (1903) odegrały ważną rolę w odnowie stylistycznej austriackiego wzornictwa. Dla secesyjnego budynku wystawowego (architekci J. Hoffmann i J. Olbrich, 1897) Klimt stworzył Fryz Beethovena (1901–1902), ucieleśniający tematykę IX Symfonii. Kolejnym kamieniem milowym dzieła dekoracyjnego jest cykl alegorycznych paneli, tzw. „Obrazy wydziałowe” dla Uniwersytetu Wiedeńskiego (1900–1903; w różnych zbiorach zachowały się jedynie fragmenty cyklu), wywołały skandal i zostały odrzucone przez klientów: damy Klimta, symbolizujące filozofię i inne dyscypliny, wydawały się zbyt urocze i niepasujące do siebie z duchem ścisłej nauki. Jako malarz sztalugowy Klimt przeszedł do historii przede wszystkim dzięki niezwykle wyrazistym portretom kobiet ( E. Flöge, 1902, Muzeum Historyczne, Wiedeń; A. Blocha-Bauera, 1907, Galeria XIX i XX wieku, Wiedeń) oraz obrazy symboliczne, bogate w dramatyczną, „fatalną” erotyzm ( Judyta I, 1901, Galeria Austriacka w Belwederze, Wiedeń; Pocałunek, 1907–1908, tamże; Salome, 1909, Międzynarodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Wenecja; Danae, 1910, Galeria Welz, Salzburg). Ten „dionizyjski” dramat wzbogacał najpierw złotymi tłami, potem dużymi wzorami kolorystycznymi, z których migoczącego elementu – jakby z elementu podłogi – zdawały się rodzić topniejące postacie. Był także mistrzem ozdobnych i kolorowych pejzaży ( Park, 1910, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku). Jego ostatnim większym monumentalnym dziełem był projekt Pałacu Stocleta w Brukseli (1911). Po opuszczeniu Secesji w 1906 roku założył nowy Związek Artystów Austriackich, wspierając na swoich wystawach artystów nowatorskich, zwłaszcza O. Kokoschkę i E. Schielego. Dopiero w 1917 roku zyskał pełne oficjalne uznanie, zostając profesorem honorowym akademii w Wiedniu i Monachium. Klimt zmarł w Wiedniu 6 lutego 1918 r.

Jednym z najbardziej znanych malarzy przeszłości jest Gustav Klimt, którego obrazy są dziś bardzo poszukiwane. Niestety jego dzieł nie jest zbyt wiele, a wszystkie od dawna znalazły swoje miejsce w najlepszych kolekcjach świata. Kiedy jednak zdarza się cud i jego obrazy trafiają na aukcję, ich wartość jest bajeczna.

początek czasu

Niedaleko stolicy Austrii, w miasteczku Baumgarten, urodził się człowiek, którego nazwisko jest dziś znane każdemu intelektualiście. Drugim dzieckiem był Gustav, który urodził się 14 lipca 1862 roku. Jego ojciec był rytownikiem i jubilerem, dlatego wszystkim swoim licznym dzieciom dał pierwsze lekcje rzemiosła. Rodzina żyła słabo, ale w wieku czternastu lat młody talent wstąpił do szkoły artystycznej i rzemieślniczej. Tam Gustav Klimt, którego obrazy zadziwiają wszystkich bez wyjątku, studiował u takich luminarzy jak Ferdinand Laufberger i Julius Victor Berger. Kilka lat później do tej samej instytucji wstąpił także młodszy brat artysty, Ernst. Razem malowali ze fotografii portrety szlachty i sprzedawali je za sześć guldenów. Był to ich pierwszy niezależny dochód.

Pierwsze kroki w sztuce

W 1879 roku artysta Gustav Klimt, jego brat i Franz von Mach zaprojektowali dziedziniec wiedeńskiego Kunsthistorisches Museum, po czym otrzymali pierwsze poważne zlecenie. Z pałacu Stureny’ego („Cztery Alegorie”) i łaźni w Carlsbadzie wyłania się szczególny styl, który odróżni obrazy Gustava Klimta od dzieł innych malarzy. Dlatego trio artystów przestaje współpracować i każdy z nich wyrusza w własną podróż przez życie.

Znalezienie własnego stylu

Artysta Klimt niemal natychmiast zyskał uznanie wymagającej publiczności. Z rąk cesarza Franciszka Józefa po zakończeniu pracy w Burgtheater otrzymuje Złoty Krzyż za zasługi dla sztuki. Wysyłasz zatem mistrza w podróż do Starego Świata, podczas której odwiedza Monachium i Wenecję. Wyjazd ten dostarczył mu wielu wrażeń i inspiracji do dalszej pracy.

Po ukończeniu malowania głównej klatki schodowej stołecznego Muzeum Historii Sztuki Gustav odchodzi od akademickiego stylu malarstwa. Jego szczególny styl wykonawczy uzyskał już gotową formę. W kolejnych latach członkiem Unii Sztuk Pięknych został artysta Gustav Klimt, którego obrazy marzy każdy kolekcjoner. Ale w 1892 r. Czekają go ciężkie straty: najpierw umiera ojciec, a potem brat Ernst. W 1894 roku Klimt wraz ze swoim wieloletnim partnerem Franzem Matschem ozdobił Uniwersytet Wiedeński, wcześniej Gustav pracował przy salach węgierskiego zamku Esterházy.

Uznanie w ciągu życia

Prace nad wnętrzami pomieszczeń, w szczególności wykonanie alegorycznych obrazów trzech wydziałów: „Filozofii”, „Prawa” i „Medycyny”, popchnęły artystę do malowania płócien. Założył w Wiedniu Secesję i został jej prezesem, malował swoje pierwsze pejzaże, zainteresował się ekspresjonizmem. Malarstwo Gustava Klimta z tego okresu wyróżnia zamiłowanie do mozaik i ozdobnych przedstawień form. Jest to charakterystyczna cecha dzieł mistrza w przyszłości.

Gustav Klimt, którego obrazy zostały nagrodzone złotym medalem na Wystawie Światowej w Paryżu (malarstwo „Filozofia”), tworzy freski Beethovena. To jego dzieło, ukończone w 1902 roku, było przedmiotem ożywionej dyskusji wśród publiczności, a Rodin je podziwiał. Mistrz wyrusza w podróż do Włoch, staje się poszukiwany, a ludzie go słuchają. W 1908 roku artysta zorganizował własną wystawę, na której zaprezentował szesnaście obrazów. Dwie z nich zostały natychmiast przejęte przez renomowane instytucje – Galerię Sztuki Nowoczesnej w Rzymie i Austriacką Galerię Państwową.

W Paryżu, który Klimt odwiedził w 1909 roku, zapoznał się z twórczością Toulouse Lautreca, Van Gogha, Gauguina, Matisse'a, Muncha, Bonnarta. Rok później wziął udział w dziewiątym obrazie „Śmierć i życie”, który został wysoko oceniony na Wystawie Światowej w Rzymie w 1911 roku. Następnie artysta ponownie wyrusza w podróż po Europie.

Ostatnie lata życia wielkiego malarza

Mimo sympatii publiczności twórczość Gustava Klimta spotkała się z krytyką ekspresjonistów. Po śmierci matki w 1915 roku artysta coraz częściej sięgał po ciemne kolory w swojej palecie. Nadal bierze udział w najbardziej prestiżowych wystawach świata, zostaje członkiem honorowym Akademii Sztuk w Monachium i Wiedniu, maluje obrazy arcydzieła. Artysta zmarł na zawał serca 6 lutego 1918 roku, pozostawiając po sobie dużą liczbę niedokończonych dzieł. Po nim odeszli także inni wielcy malarze tamtych czasów.

„Pocałunek” Gustava Klimta to najsłynniejszy obraz artysty

Dzieło to jest słusznie uważane za jedno z najlepszych w dziedzictwie mistrza. Powstał w 1907 roku i zaraz po jego prezentacji został zakupiony przez rząd Austro-Węgier. Emocjonalny, olśniewająco żywy „Pocałunek” Gustava Klimta uznawany jest za najbardziej wyrazisty obraz w historii malarstwa XX wieku. Co w tym specjalnego?

Na płótnie pojawiają się różne rodzaje wzorów: rozproszone pstrokate kwiaty, rozłożyste loki, motyw szachowy składający się z czarnych, białych i zielonych prostokątów, wstążkowe arabeski, wijące się spirale. Abstrakcja złożona z fragmentów naturalistycznie zinterpretowanych postaci i fantazyjnych zdobień wygląda po prostu luksusowo na złotym tle. Para przedstawiona pośrodku objęła się i złączyła w namiętnym pocałunku. Mozaikowe ubrania kochanków tylko potęgują efekt intensywnych namiętności, stworzonych przez mistrza za pomocą ozdobnych detali i ich głębokiego kontrastu z elementami naturalistycznymi. Twarz, ręce i nogi dziewczyny są pomalowane bardzo realistycznie. Ale części ciała są otoczone, a w niektórych miejscach całkowicie zakryte płaszczyznami z abstrakcyjnym motywem, pasującym do kolorów podłoża i faktury tkaniny.

Obraz ma ulubiony format artysty – kwadrat. Gustav ignoruje horyzont i głębię przestrzeni, spycha na dalszy plan rzeczywistość i aktualny czas. Tym samym pocałunek zakochanego chłopca i dziewczyny nabiera skali uniwersalnej.

Symbolika „Pocałunku”

Gustav Klimt, którego obrazy zawsze mają znaczenie, także w „Pocałunku” posłużył się symboliką. Tak więc na pierwszy rzut oka prostokąty przedstawione na męskim ubraniu mają jedynie znaczenie dekoracyjne. Ale są to symbole falliczne, które reprezentują męskość. Łączą się z zasadą kobiecą, zaszyfrowaną w motywie kobiecej szaty. Są to spirale, koła i owale, które można uznać za artystyczne znaki żeńskich narządów płciowych. Związek ten jest harmonijny i energiczny, rodzi życie i je kontynuuje.

Płótno „Pocałunek” jest zupełnie niezwykłe i szokujące. Jak wszystkie poprzednie dzieła, miała ona swoich fanów i zaciekłych przeciwników. Mimo to wyznacza najwyższy punkt tzw. złotego okresu twórczości artysty. Obraz stał się symbolem secesji wiedeńskiej, urzekając złotym blaskiem, stonowaną erotyzmem (w końcu otwarte były tylko ręce, stopy i twarze bohaterów) oraz oczywistą czystością.

Cherchez la femme, czyli Poszukaj kobiety

Ulubionym motywem Gustava Klimta były kobiety i ich ciała. Uwielbiał malować sceny z mitologii, postaci biblijne, boginie olimpijskie, nimfy i zwykłe dziewczyny, które stały się nieziemskie. Otoczone złotym światłem (wiele dzieł geniusza miało właśnie takie szykowne tło) wydawały się ideałem piękna, pięknego i uwodzicielskiego jednocześnie. Jako prawdziwy artysta ubóstwiał płeć piękną, jej boski podziw, zmysłowość, mistycyzm i kobiecość.

Malował na swoich płótnach nagie kobiety, a dopiero potem ubierał ich ciała w bajeczne, drogocenne stroje. Tajemniczy blask drogocennych kamieni, rozwiane włosy, blask jedwabistej skóry i najcieńsza pajęczyna sukni stworzyły pokusę, okrywając półnagie ciało.

Fatalne, genialne panie

Artysta przełomu wieków wchłonął wszystkie kontrowersyjne opinie tamtej epoki. Szukał kobiety idealnej, współczesnej i przedstawiał ją w swoich obrazach. Malował nie tylko prawdziwych ludzi, takich jak Sonya Knips, której portret wyraża jednocześnie lekkość, niewinność, niepokój i zamyślenie. Każda dama przedstawiona przez Gustava jest fatalna. Na obrazie „Miłość” twarz bohaterki zastygła w słodkiej ekstazie, ale w tle zbierają się cienie. W końcu na młodego mężczyznę i dziewczynę czeka starość i śmierć. Uderzającym przykładem takich piękności są następujące obrazy: „Syrenka”, „Złota rybka”, obie wersje „Judith”, „Węże wodne”. Przepełnione głęboką filozofią jest także dzieło „Trzy wieki kobiety”, które przedstawia małą dziewczynkę, kobietę w kwiecie wieku i urody oraz starą kobietę.

Co ciekawe, mistrz nie był żonaty, choć miał liczne romanse. Prawdopodobnie nigdy nie znalazł swojego ideału...

Artykuł ten poświęcony jest dzisiejszemu wydarzeniu. 14 lipca 2012 roku Gustav Klimt skończyłby 150 lat.. Gustav Klimt to austriacki artysta urodzony 14 lipca 1862 roku. Wielu nazywa go twórcą austriackiego modernizmu. Artysta malował głównie kobiety, nagie kobiety. Jego obrazy często zawierały jawny erotyzm.

Ojciec Klimta był także artystą i złotnikiem. Moja mama przez całe życie marzyła o zostaniu muzykiem, ale nigdy jej to nie wychodziło. W rodzinie Klimtów było 8 dzieci, Gustav urodził się jako drugi.

Dziecko spędziło dzieciństwo w biedzie, mimo dobrego zawodu ojca. W kraju nie było stałej pracy, więc musiałem borykać się z trudnościami finansowymi. Gustaw uczył się rysować od ojca, ale już w 1876 roku wstąpił do szkoły artystyczno-rzemieślniczej, do której w 1877 roku wstąpił także jego brat. Wszyscy trzej synowie Ernesta Klimta zostali w przyszłości artystami.

Bracia pracowali razem przez długi czas, dekorując freskami teatry, różne budynki i muzea. W 1888 roku Gustav otrzymał zasłużoną nagrodę - „ złoty Krzyż„od samego cesarza Franciszka Józefa. Wszystko szło dobrze i wszystko układało się pomyślnie, jednak w 1892 roku zmarł ojciec i brat Gustava Klimta, w związku z czym cała odpowiedzialność za utrzymanie rodziny spadła na barki artysty.

Gustava Klimta Dużo pisałem, zwłaszcza gdy on i jego rodzina wybierali się nad jezioro Attersee, a zdarzało się to dość często. To tutaj ukończył swoje piękne pejzaże. To jedyny gatunek, który zainteresował artystę, w którym nie pojawili się ludzie. Mimo to wielu naukowców odnajduje postacie ludzkie w krajobrazach Klimta i jest w tym trochę prawdy.

W 1894 roku Klimt otrzymał jedno z dużych zamówień. Trzeba było namalować 3 obrazy, które ozdobią sufit Uniwersytetu Wiedeńskiego. W ten sposób w roku 1900 narodziły się „Filozofia”, „Medycyna” i „Orzecznictwo”. Jednak społeczeństwo nie zaakceptowało tych obrazów, uznając je za zbyt wyraźne, dlatego nie były wystawiane na uniwersytecie. Było to ostatnie publiczne zlecenie Klimta.

Od początku XX wieku tzw. Złoty okres„Twórczość artysty. To właśnie w tym czasie powstały takie obrazy jak „Pałac Ateny”, „Judyta” i inne. W tym czasie społeczeństwo odpowiednio postrzegało twórczość Klimta, ale nie jest to jedyny powód, dla którego okres ten nazwano złotym. W obrazach artysty bardzo często dominowała barwa złota i złoceń, która bardzo przypadła do gustu miłośnikom jego twórczości.

Gustava Klimta prowadził normalne życie, dużo pracował i siedział w domu. Był sławnym artystą, więc zamówienia przychodziły do ​​niego regularnie, a on przyjmował tylko ciekawe. Kobiety pozowały mu z wielką przyjemnością, niektóre z nich były prostytutkami. Klimt powiedział, że nie interesuje go malowanie autoportretów; o wiele bardziej ekscytujące było malowanie innych osobowości, zwłaszcza kobiet. Gustav twierdził, że jego obrazy mogą wiele o nim powiedzieć, wystarczy tylko uważnie się im przyjrzeć.

6 lutego 1918 biografia Gustava Klimta kończy się. Zmarł na zapalenie płuc, po wcześniejszym udarze mózgu. Został pochowany w Wiedniu. Dziś przypada 150. rocznica urodzin tego wspaniałego artysty i ta data nie powinna pozostać niezauważona. Cóż, zgodnie z obietnicą, na końcu tego artykułu możesz obejrzeć film poświęcony malarstwu Gustava Klimta.

Biografia
Gustav Klimt (1862-1918) - artysta, twórca modernizmu w malarstwie austriackim. Jeden z najbardziej wyrafinowanych artystów epoki secesji. Na początku XX wieku jego jawnie erotyczne obrazy szokowały wyrafinowaną wiedeńską publiczność. Niektórzy uważali Klimta za geniusza, inni za „wypaczonego dekadenta”.

Urodził się 14 lipca 1862 roku na przedmieściach Wiednia, Baumgarten, w rodzinie rytownika i jubilera Ernesta Klimta. Uczył się u ojca, a w latach 1875-1883 w szkole rzemieślniczej przy Austriackim Muzeum Sztuki i Przemysłu w Wiedniu, do którego w 1877 wstąpił także jego młodszy brat Ernest.

1879-1885 - Gustav wraz z bratem i młodym artystą Franzem Matchem pracuje, dekorując teatry prowincji austro-węgierskiej (w Reichenbergu, Fiume i Carlsbadzie - Karlowych Warach) oraz sufity pałaców wiedeńskich malowidłami dekoracyjnymi, a już w 1880 - otrzymuje pierwsze poważne zamówienie - „Cztery alegorie”.

1885-1886 - zdobią wiedeńskie budynki Burgtheater i Kunsthistorisches Museum.
W tym okresie wspólnej pracy styl Klimta zaczyna odbiegać od stylu jego brata i Matcha i odchodzi od akademickiego stylu malarstwa.

Po zakończeniu pracy w Burgtheater cesarz Franciszek Józef przyznał Klimtowi Złoty Krzyż za zasługi dla sztuki.

1886 - Klimt tworzy panele ścienne do auli Uniwersytetu Wiedeńskiego z alegorycznym przedstawieniem trzech wydziałów prawa, filozofii i medycyny. Płótna zostaną odrzucone ze względu na „prowokacyjny erotyzm”: damy Klimta, symbolizujące filozofię i inne dyscypliny, wydawały się klientowi zbyt urocze i niezgodne z duchem ścisłej nauki.

1891 - Klimt zostaje członkiem Związku Sztuk Pięknych.

1894 - Klimt wraz z Franzem Matschem otrzymuje zamówienie na dekorację „Aula Magna” na Uniwersytecie Wiedeńskim.

Coraz bardziej wciągnięty w elementy nowoczesności, a co za tym idzie w opozycję do tradycji akademickiej, Klimt stał się w 1897 roku jednym z założycieli wiedeńskiej „Secesji”, niezależnej od Akademii Sztuk (niem. Sezession – „odejście”, „ separacja"). Na zawsze zrywa z oficjalnymi kręgami twórczymi i od razu staje na czele nowej społeczności innowacyjnych malarzy. W tym samym roku latem w miejscowości Kammer nad Attersee namalował swoje pierwsze pejzaże.

1898 - powstaje gazeta Sacrum, publiczny organ Secesji i odbywają się pierwsze wystawy jej członków. W ciągu tych lat Klimt rozwinął się jako ekspresjonista, a jego dzieła wyróżniają się ozdobnym przedstawieniem form wypełnionych mozaikami.

1901-1902 - dla budynku wystawowego Secesji Klimt tworzy „Fryz Beethovena”, ucieleśniający tematykę IX Symfonii.

1903 - Klimt podróżuje po Włoszech (Rawenna, Wenecja, Florencja). Oglądane tu luksusowe mozaiki bizantyjskie porażają wyobraźnię mistrza. Od tego czasu jego cechą charakterystyczną stała się umiejętność przekazania realnych obiektów poprzez zastosowanie ozdobnych wzorów. Rozpoczyna się jego „złoty okres”. Z jego inicjatywy powstały „Warsztaty Wiedeńskie”, które odegrały ważną rolę w stylistycznej odnowie austriackiego wzornictwa. W tym samym roku w Secesji odbywa się retrospektywa twórczości Gustava Klimta.

1904 - Klimt pisze szkice do mozaik ściennych Pałacu Stocleta w Brukseli, które powstały w wiedeńskiej pracowni artysty.

1905 - Z Galerii Austriackiej zakupiono płyty „Aula Magna” powstałe na Uniwersytecie Wiedeńskim.

Po opuszczeniu Secesji w 1906 roku założył nowy Związek Artystów Austriackich, wspierając na jego wystawach mało znanych jeszcze O. Kokoschkę i E. Schiele.
1909-1911 - prace nad freskami w Pałacu Stoclet.

1917 – rozpoczyna pracę nad „Oblubienicą” oraz „Adamem i Ewą”. Dopiero w tym czasie zyskał pełne oficjalne uznanie, zostając profesorem honorowym akademii w Wiedniu i Monachium.
6 lutego 1918 Klimt umiera na udar w Wiedniu, pozostawiając ogromną liczbę niedokończonych dzieł.

Klimt przeszedł do historii przede wszystkim dzięki niezwykle ekspresyjnym portretom kobiecym (E. Flöge, 1902, A. Bloch-Bauer, 1907) oraz obrazom symbolicznym, bogatym w dramatyczną, „fatalną” erotyzm („Judyta 1”, 1901; Pocałunek”, 1907-1908, „Salome”, 1901; „Danae”, 1907). Ten „dionizyjski” dramat wzbogacił złotymi tłami, potem dużymi wzorami kolorystycznymi, z których migoczących elementów, jakby z podłogi, rodziły się topniejące postacie.

Gustava Klimta. Symbolika secesji i femme fatales

Pallas Atena. 1898

Tutaj Klimt po raz pierwszy użył złota. Zmysłowa zdobnictwo podkreśla ważny komponent erotyczny jego wyobrażeń o świecie

„Chcemy wypowiedzieć wojnę sterylnej rutynie, nieruchomemu bizantynizmowi, wszelkiemu rodzajowi złego smaku... Nasza „Secesja” nie jest walką współczesnych artystów ze starymi mistrzami, ale walką o sukces artystów, a nie sklepikarzy, którzy nawołują sami są artystami, ale jednocześnie ich komercyjne zainteresowania kolidują z rozkwitem sztuki”. Ta deklaracja Hermanna Bahra, dramatopisarza i krytyka teatralnego, duchowego ojca secesjonistów, może służyć za motto powstania w 1897 roku Secesji Wiedeńskiej, której Klimt był jednym z założycieli, prezydentem (do 1905) i duchowym przywódcą .

Artyści młodszego pokolenia nie chcieli już akceptować kurateli, jaką narzucił im akademizm; domagali się, aby ich prace były wystawiane w odpowiednim miejscu, wolnym od „sił rynkowych”. Chcieli zakończyć izolację kulturową Wiednia, zaprosić do miasta artystów z zagranicy i rozsławić twórczość członków secesji w innych krajach. Program secesjonistyczny miał znaczenie nie tylko w kontekście „estetycznym”, ale także jako walka o „prawo do twórczości”, o sztukę jako taką; na niej toczyła się walka „wielkiej sztuki” z „mniejszymi gatunkami”, „sztuki dla bogatych” i „sztuki dla biednych”, krótko mówiąc, „Wenus” i „Nini”.

Ważną rolę w rozwoju i upowszechnieniu stylu secesyjnego jako siły przeciwstawiającej się oficjalnemu akademizmowi i burżuazyjnemu konserwatyzmowi odegrała „secesja wiedeńska”. Ten bunt młodzieży w poszukiwaniu wyzwolenia z ograniczeń nałożonych na sztukę przez konserwatyzm społeczny, polityczny i estetyczny może rozwinąć się z niespotykanym sukcesem i zakończyć się utopijnym projektem: ideą przekształcenia społeczeństwa poprzez sztukę.

Stowarzyszenie artystyczne „Wiedeńska Secesja” rozpoczęło wydawanie własnego magazynu „Ver Sacrum” („Święta Wiosna”), z którym Klimt regularnie współpracował przez dwa lata. Po sukcesie ruchu i udanych wystawach w innych krajach projekt budowy własnego budynku wystawienniczego Secesji stał się rzeczywistością. Klimt przedstawił swoje rysunki do projektu w stylu grecko-rzymskim, jednak preferowano (i ostatecznie zrealizowano) projekt „pałacu sztuki” opracowany przez Josepha Marię Olbricha. Jego koncepcja zakładała mieszankę geometrycznych kształtów – od sześcianu po kulę. Na frontonie umieszczono słynne powiedzenie krytyka sztuki Ludwiga Hevesy’ego: „Czas jest twoją sztuką. Sztuka to Twoja wolność.”

Z niecierpliwością oczekiwano otwarcia budynku wystawowego Wiedeńskiej Secesji w marcu 1898 roku. Tutaj Klimt przedstawił kompozycję „Tezeusz i Minotaur”, wypełnioną bogatym znaczeniem symbolicznym. Liść figowy celowo pominięto, a artysta zmuszony był załagodzić skromność cenzorów, przedstawiając drzewo. Prawie całkowicie nagi Tezeusz symbolizował walkę o coś nowego w sztuce; jest po oświeconej stronie, podczas gdy Minotaur, przebity mieczem Tezeusza i nieśmiało wycofujący się w cień, reprezentuje złamaną moc. Atena wyłaniająca się z głowy Zeusa czuwa nad tą sceną jako ucieleśnienie ducha zrodzonego z umysłu, symbolizującego boską mądrość.

Schubert przy fortepianie. 1899

W Wiedniu podziwiano „pokojowe” dzieła Klimta, który zadowolił publiczność portretem ulubionego kompozytora sentymentalnej burżuazji.

Nie ma sztuki bez mecenatu, a patronami secesji były przede wszystkim rodziny żydowskie mieszczaństwa wiedeńskiego: magnat stalowy Karl Wittgenstein, magnat tekstylny Fritz Werndorfer, a także rodziny Kniepsów i Ledererów, które właśnie wspierały Sztuka współczesna. Wszyscy należeli do zamawiających obrazy u Klimta, który specjalizował się w portretach ich żon.

Portret Sonyi Knips. 1898

Portret młodej damy z towarzystwa wyraża obojętność i powściągliwość charakterystyczną od tego czasu dla wszystkich femme fatale.

Portret Sonyi Knips był pierwszym w tej „galerii żon”. Rodzina Kniepsów zajmowała się przemysłem metalurgicznym i bankowością. Ich dom zaprojektował Josef Hofmann, a Klimt namalował szereg obrazów, w tym w 1898 roku portret Soni na środku salonu. Portret łączy w sobie kilka stylów. Powszechnie wiadomo, że Klimt podziwiał hiperbolę Makarta, a poza Soni Knieps wskazuje na wpływ twórcy portretu słynnej aktorki z Burgtheater Charlotte Voltaire na wizerunek Messaliny, który objawia się np. figury i w podkreśleniu sylwetki. Z drugiej strony interpretacja sukni, która wcale nie jest typowa dla Klimta, przypomina świetlną klatkę Whistlera. Dumny, powściągliwy wyraz twarzy, jaki Klimt nadał tej damie z towarzystwa, jest typowy dla artysty; Odtąd pojawia się wielokrotnie wśród jego femme fatales.

Nuda Veritas (Naga Prawda). 1899

Ta prawdziwa kobieta, wysoka na dwa metry, wyrazista i prowokująca w swojej nagości, dezorientowała i drażniła wiedeńską publiczność. Tylko jej włosy łonowe wystarczyły, aby wypowiedzieć wojnę klasycznemu ideałowi piękna.

Jedną z najpopularniejszych idei fin de siècle (końca wieku) była dominacja kobiet nad mężczyznami. Temat „walki płci” przenikał salony; W dyskusji wzięli udział także artyści i intelektualiści. Pallas Atena, namalowany przez Klimta w 1898 roku, był pierwszym obrazem w jego galerii „superkobiet”: swoją zbroją i bronią Atena jest pewna zwycięstwa, podporządkowuje sobie mężczyznę, a może i całą płeć męską. Niektóre elementy pojawiające się na tym obrazie będą miały fundamentalne znaczenie w dalszej twórczości Klimta: np. użycie złota i przekształcenie ciała w ozdobę, a ozdobę w ciało. Klimt nadal pracował z formą zewnętrzną, w przeciwieństwie do młodszego pokolenia ekspresjonistów, którzy szukali natychmiastowej penetracji duszy. Język wizualny Klimta zaczerpnął zarówno symbole męskie, jak i żeńskie ze świata freudowskich snów. Zmysłowy, erotyzowany ornament oddaje jedną z stron Klimtowskiego wyobrażenia o świecie.

Erotyzm twórczości Klimta nieustannie budził kontrowersje, jak w przypadku trzech projektów paneli dekoracyjnych do Wielkiej Sali Uniwersytetu, które uznano za skandaliczne. W 1899 roku Klimt przedstawił ostateczną wersję Filozofii, pierwszy z tych trzech obrazów. W tym czasie oryginalna wersja była już pokazywana na Wystawie Światowej w Paryżu. Choć została dobrze przyjęta przez wielu krytyków, a nawet zdobyła nagrodę na wystawie, wykształcona publiczność w Wiedniu zrobiła z niej obiekt takiego skandalu, jakby całą kulturę wiedeńską wdeptano w błoto. Jednak najwyraźniej Klimt napisał to tylko w najlepszych intencjach.

Filozofia. 1899-1907

Mężczyźni i kobiety pływają jak w transie, nie kontrolując obranego kierunku. Zaprzeczało to wyobrażeniom o nauce i wiedzy, jakie panowały wśród ówczesnych naukowców, którzy poczuli się śmiertelnie obrażeni. Praca powstała na zlecenie Uniwersytetu Wiedeńskiego.

„Chociaż nie możesz zadowolić wszystkich swoimi działaniami i sztuką, nie chcesz zadowolić wielu. Niedobrze jest zadowolić tłum.” Sądząc po oburzeniu, jakie wywołała Medycyna Klimta, wydaje się, że przyjął on zasadę Schillera jako swoją.

Postrzegał „Filozofię” jako syntezę swoich wyobrażeń o świecie, a jednocześnie jako poszukiwanie własnego stylu. W katalogu wyjaśnił: „Po lewej stronie znajduje się grupa postaci: Początek życia, Dojrzałość i Więdnięcie. Po prawej stronie znajduje się kula przedstawiająca tajemnicę. Poniżej pojawia się oświetlona postać: Wiedza.

Jednakże czcigodni profesorowie wiedeńscy zbuntowali się przeciwko temu, co uważali za atak na tradycję. Zaproponowali artyście namalowanie obrazu, który wyrażałby triumf światła nad ciemnością. Zamiast tego Klimt przedstawił im obraz „zwycięstwa ciemności nad wszystkim”. Zainspirowany twórczością Schopenhauera i Nietzschego i próbując znaleźć własny sposób na rozwiązanie metafizycznej zagadki ludzkiej egzystencji, artysta zmienił swój pomysł, aby wyrazić zamęt współczesnego człowieka. Nie wahał się łamać tabu dotyczące takich tematów, jak choroba, upadek fizyczny, bieda – w całej ich brzydocie; Wcześniej rzeczywistość sublimowano, ukazując jej najkorzystniejsze strony.

Przepływ. 1898

Wodne kobiety Klimta o zmysłowym wyrazie poddają się objęciom fal, ich naturalnego żywiołu.

Życie i jego erotyczna idea zawsze skupiały się wokół walki Erosa z Thanatosem i te idee całkowicie pochłonęły Klimta. Alegoria medycyny, druga z serii kompozycji dla Uniwersytetu, ponownie wywołała skandal. Ciała rozdarte przez los niesione są dalej przez strumień życia, w którym pojednane wszystkie jego etapy, od narodzin aż do śmierci, doświadczają rozkoszy lub bólu. Taka wizja graniczy z bagatelizowaniem roli medycyny; podkreśla jej bezsilność w porównaniu z nieuniknionymi siłami Skały. Czyż Higieja, bogini zdrowia, stojąca tyłem do rodzaju ludzkiego z kapłańską obojętnością, nie jest raczej tajemniczą lub czarującą femme fatale niż symbolem naukowego oświecenia? Czyż urzekające kobiece ciało zmieszane ze szkieletami nie jest bezpośrednią ilustracją Nietzschejskiej przypowieści o „wiecznym powrocie”, gdzie śmierć jawi się jako najwyższy punkt życia? W Filozofii i medycynie Klimt wyraża schopenhauerowski punkt widzenia, że ​​„świat jako pragnienie, jako ślepa siła w wiecznym cyklu rodzi się, kocha i umiera”.

Medycyna. 1900-1907

Klimta potępiono za ukazanie bezradności medycyny i potęgi choroby. Publiczność była głęboko oburzona i zszokowana, a artystę oskarżono o „pornografię” i „nadmierną perwersję”.

Z równą wrogością przyjęto trzecie dzieło dla Uniwersytetu, „Orzecznictwo”; widzowie byli zszokowani brzydotą i nagością, którą według nich widzieli. Dopiero Franz von Wickhoff, profesor historii sztuki na Uniwersytecie Wiedeńskim, stanął w obronie Klimta w legendarnym wykładzie zatytułowanym „Co jest brzydkie?” Jednak skandal wywołany przez Klimta był omawiany nawet w parlamencie. Artystce zarzucono „pornografię” i „nadmierną perwersję”.

Jurysprudencja. 1903-1907

Zamiast, zgodnie z oczekiwaniami, ukazywać zwycięstwo światła nad ciemnością, Klimt odzwierciedlił ludzkie poczucie niepewności w otaczającym nas świecie.

Wydaje się, że Klimt interpretuje seksualność w kategoriach inspirowanych badaniami Freuda nad psychologią nieświadomości. Ryzykowne próby artysty - och, szkoda! - miały na celu ukazanie seksualności jako siły wyzwalającej, kontrastującej z wiedzą naukową i jej ograniczonym determinizmem. Od Klimta oczekiwano gloryfikacji nauki, zamiast tego dał się ponieść cytatowi z Eneidy Wergiliusza, który Freud sparafrazował w swojej Interpretacji snów: „Jeśli nie będę mógł kontrolować bogów, przywołam piekło”.

Klimt nie dał się zastraszyć ostrą krytyką i nadal podążał własną ścieżką. Jedyną jego odpowiedzią na bojową opozycję był obraz, który początkowo nosił tytuł Moi krytycy, a po wystawie Złota rybka. Publiczna złość osiągnęła punkt kulminacyjny: piękna, niegrzeczna nimfa na pierwszym planie odsłoniła tyłek, aby wszyscy mogli ją zobaczyć! Figury morskie wciągają widza w świat seksualnych fantazji i skojarzeń, porównywalny ze światem symboli Freuda. Ten świat był już dostrzeżony w Prądzie i Nimfach (Silverfish), a kilka lat później został ujawniony ponownie w Wodnych wężach I i Wodnych wężach II. Art Nouveau uwielbiał przedstawiać podwodne królestwo, gdzie na mięczakach Wenus rosną ciemne i jasne algi lub delikatne ciało tropikalnego koralowca mieniące się pośrodku muszli małży. Znaczenie symboli prowadzi nas z powrotem do ich niewątpliwego pierwowzoru – kobiety. W tych podwodnych snach glony zamieniają się w włosy rosnące na głowie i w okolicy łonowej. Podążają za falującym ruchem, tak charakterystycznym dla Modern. Z leniwym oporem poddają się objęciu żywiołu morza, tak jak Danae otwiera się na Zeusa, przenikającego ją w postaci złotego deszczu.

Nimfy (srebrne ryby). OK. 1899

Te obrazy morza torują drogę przez labirynt aluzji seksualnych rozpoznawalnych w świecie symboli Freuda.

Judyta I. 1901

Skojarzenie z seksualnością i śmiertelnością, Erosem i Thanatosem, pociągało wówczas nie tylko Klimta i Freuda, ale całą Europę; Z nabożną publicznością wysłuchała wykonania krwawej męki Klitajmestry w operze Ryszarda Straussa.

Portrety pań z towarzystwa zapewniły Klimtowi niezależność finansową. Nie miał więc obowiązku zaspokajania gustów publiczności ani oglądania zdeptanych w ziemi swoich przemyślanych i znakomicie wykonanych dzieł. Wierzył, że jego obrazy można odkupić za tę samą kwotę, za jaką zostały zakupione. Wyjaśnił wiedeńskiej dziennikarce Berthie Zuckerkandl: „Główne powody, dla których zdecydowałem się poprosić o zwrot obrazów… nie wynikały z irytacji wywołanej różnymi atakami… mogły powstać we mnie. Wszelkie ataki krytyki prawie mnie wtedy nie dotykały, a poza tym nie sposób było odebrać szczęścia, jakiego doświadczyłam pracując nad tymi pracami. Generalnie jestem bardzo niewrażliwy na ataki. Ale staję się znacznie bardziej wrażliwa, jeśli rozumiem, że ktoś, kto zlecił mi pracę, jest z niej niezadowolony. Podobnie jak w przypadku zakrywania obrazów.”5. Ostatecznie rząd zgodził się, aby przemysłowiec August Lederer kupił filozofię za ułamek pierwotnej ceny. W 1907 roku Koloman Moser uzyskał wykształcenie w dziedzinie medycyny i prawa. Próbując ocalić obrazy w czasie II wojny światowej, przeniesiono je do zamku Immendorf w południowej Austrii; 5 maja 1945 roku zamek wraz ze wszystkim, co się w nim znajdowało, spłonął podczas odwrotu oddziałów SS. Dziś pewne wyobrażenie o pracy, która niegdyś wywołała takie oburzenie społeczne, można uzyskać z czarno-białych dokumentów. -białe fotografie i dobra kolorowa kopia Bogini Higiei, centralnej postaci medycyny. Jest też „kolorowy” komentarz Ludwiga Hevesy’ego: „Spójrzcie na dwa boczne obrazy, Filozofia i Medycyna: magiczna symfonia w zieleni, inspirująca uwertura w czerwieni, czysto dekoracyjna gra kolorów na obu. W Orzecznictwie dominuje czerń i złoto, kolory nierealne; a jednocześnie linia nabiera znaczenia, a forma staje się monumentalna.”

Dzieło Klimta zrodziło się w walce Erosa z Tanatosem, zaprzeczającej podstawowym prawom społeczeństwa burżuazyjnego. W filozofii ukazywał triumf ciemności nad światłem, wbrew ogólnie przyjętym poglądom. W medycynie obnażył jej niemożność wyleczenia choroby. Wreszcie w „Orzecznictwie” pisał o skazańcu w mocy trzech Furii: Prawdy, Sprawiedliwości i Prawa. Pojawiają się jako Erynie, otoczone wężami; Za karę ośmiornica ściska skazańca w śmiertelnym uścisku. Swoimi obrazami archetypów seksualnych Klimt chciał zszokować prymitywne społeczeństwo i „obalić filary” moralności.

Z tej specjalnie stworzonej grupy nie zachowało się nic poza pewnymi materiałami dowodowymi: fotografiami i kopiami fragmentów zaginionych arcydzieł. A także gorzka świadomość bezsilności artysty, wyśmiewanego przez cenzurę. Klimt nigdy nie był profesorem Akademii; ale przed tymi, którzy z niego drwili, trzymał zwierciadło „nagiej prawdy” – Nuda Veritas.

Judyta II (Salome). 1909

Judyta czy Salome? Klimt wyraźnie chętniej malował „śmiertelny orgazm” femme fatale niż portret cnotliwej żydowskiej wdowy.

„Czas jest twoją sztuką. Sztuka to twoja wolność” – napisał Hevesy na frontonie budynku wystawowego Wiedeńskiej Secesji. Klimt chciał być całkowicie wolny, chciał myśleć i pisać niezależnie od oficjalnych poleceń, i w tym otrzymał wsparcie od kilku wiernych mecenasów. Przed skandalem na Uniwersytecie Wiedeńskim poznał Nikolausa Dumbę, syna greckiego przedsiębiorcy z Macedonii, powiązanego ze Wschodem, odnoszącego sukcesy w bankowości i przemyśle tekstylnym. Dekorację wnętrz biura Dumby wykonał Hans Makart; Po śmierci Makarta Klimt stał się jego ulubionym artystą. To jemu Dum-ba ufał, wyposażając meble i dekorując salę muzyczną w swoim pałacu. Klimt namalował nad portalem dwa obrazy: pierwszy przedstawiał Schuberta przy fortepianie, drugi Muzyka II przedstawiał grecką kapłankę z citharą Apolla. Pierwszy naznaczony jest nostalgią za utraconym rajem, którą odnajdujemy w beztroskim gronie cieszącym się domową muzyką. Druga, napisana w zupełnie innym stylu, nawiązuje do dionizyjskiego świata symboli muzycznych. „W tych dwóch obrazach” – pisał Karl E. Schorske – „mieszczański spokój i dionizyjskie podniecenie zderzają się ze sobą w tym samym pomieszczeniu. Obraz ze Schubertem ukazuje kompozytora w domu, w otoczeniu muzyki, która jest najwyższym estetycznym punktem bezpieczeństwa i prawidłowego trybu życia. Scenę oświetla ciepłe światło kandelabrów, które łagodzi kontury postaci, tak że rozpływają się one w świątecznej harmonii... Klimt, posługując się impresjonistycznymi technikami, osadza swoją historyczną rekonstrukcję w atmosferze nostalgicznej pamięci. Przedstawia nam słodki sen, jasny, ale bezcielesny – sen o niewinnej, przyjemnej sztuce w służbie beztroskiego społeczeństwa”.

Portret Gety Felshvani. 1902

To był Klimt, którego pokochał Wiedeń, Klimt, który urzekł nawet najbardziej konserwatywną publiczność, nagradzając ją nie tylko oklaskami. Dał publiczności więcej, niż się spodziewała – kompozytora Schuberta, święty obiekt jego sentymentalnej czci. Klimt zachował ten atrakcyjny styl dla mecenasów z wiedeńskich wyższych sfer. Było to oczywiście widoczne w „Portrecie Sonii Knieps” oraz w delikatności kolejnych portretów jego „żon”: Herty Felyivani, Sereny Lederer i Emilii Flöge. Jednak kobiety na tych portretach mają zawsze ten sam pogodny, marzycielski wyraz twarzy: patrzą na świat i na mężczyznę z melancholią i dystansem. Klimtowski „strach przed wolną przestrzenią” pojawił się tu jednocześnie z majestatycznymi pozami bohaterek. Jego eklektyzm pozwolił mu tworzyć w stylu Diego Velazqueza lub Fernanda Knopfa. Od jednego przejął sposób malowania konturów podbródków i obszernych fryzur; z drugiej - główne cechy femme fatale. W pozornej bierności jego modeli zawsze jest coś przytłaczającego.

Portret Sereny Lederer. 1899

Klimt wiedział, jak zadowolić zamożnych żydowskich obywateli Wiednia, którzy wspierali secesję. Malował portrety ich żon, dodając im nieograniczonego uroku i pewnej nuty arogancji.

Portret Emilii Flöge. 1902

Emilia Flöge była wielką miłością Klimta i jego towarzyszką do końca jego dni. Ona prowadziła dom mody, a on wymyślał dla niej szkice tkanin i sukienek. Jego wzory wyglądają, jakby zostały wycięte z wzorów z jego obrazów.

Niemniej jednak Klimt nie tylko podążał za wymaganiami klienta, wydawało się, że pozbył się wszelkich ograniczeń i malował tak, jak chciał. Na obrazach wyłonił się zupełnie inny typ kobiety, niebezpiecznej i kierowanej instynktem, jak w Pallas Atena i Nuda Veritas (Naga prawda). Postać ta, pojawiająca się po raz pierwszy na rysunku dla magazynu Ver Sacrum, zyskała miano „demona secesji”. Druga wersja obrazu – obraz olejny (wysokość 2,6 m) – wyraża przełom w nowym, „naturalistycznym” stylu Klimta. Publiczność była zszokowana i zawstydzona prowokacyjnie nagą rudowłosą kobietą: nie była to Wenus, ale naturalnej wielkości przedstawienie kokoty Nini, istoty z krwi i kości, odcinającej się od tradycyjnej idealizacji nagiej kobiety w sztuka. Cytat Schillera pełni funkcję komentarza, który wzmaga prowokację i zapewnia późniejsze odrzucenie publiczności: „Chociaż nie możesz zadowolić wszystkich swoimi działaniami i swoją sztuką, chcesz zadowolić kilku. Niedobrze jest zadowolić tłum.” W tej pierwszej wersji, opublikowanej w „Ver Sacrum”, znalazł się także cytat z L. Schaeffera: „Prawdziwą sztukę tworzą nieliczni i przez nielicznych doceniają”.

Judith I i osiem lat później Judith II to kolejne wcielenia archetypu femme fatale Klimta. Jego Judith nie jest bohaterką biblijną, ale wiedeńską, współczesną mu, o czym świadczy jej modny, być może drogi, naszyjnik. Jak wynika z publikacji Berthy Zuckerkandl, Klimt stworzył typ wampirzycy na długo przed pojawieniem się na srebrnym ekranie Grety Garbo i Marleny Dietrich, które go uosabiały. Dumna i wolna, ale jednocześnie tajemnicza i urzekająca, femme fatale ceni siebie wyżej niż męski widz.

Las bukowy. OK. 1902

Klimt wniósł do swoich pejzaży tę samą zmysłowość, którą można znaleźć w jego portretach. Tutaj zwraca się do wyrafinowanego efektu gobelinu.Drzewa Van Gogha brzmią jak fanfary we współczesnym malarstwie, a drzewa Klimta przywołują zmysłowe drżenie kobiet.

Obrazów nie można oglądać w oderwaniu od luksusowych ram. Pierwszą wersję oprawy wykonał przez przypadek brat artysty, jubiler Georg Klimt. Ozdoba obrazu została również przeniesiona na ramę w bardzo popularny wówczas sposób, zaproponowany przez prerafaelitów. Obrazy powstały pod wpływem sztuki bizantyjskiej, którą Klimt studiował podczas podróży do Rawenny. Cechą charakterystyczną tych obrazów jest zamierzony kontrast pomiędzy wolumetryczną plastycznością drobno wyrenderowanej i delikatnie zabarwionej twarzy a dwuwymiarową powierzchnią ornamentu. Ich uroku dodaje „efekt fotomontażu”.

Bez wątpienia Klimt odnalazł w Judycie ogólny symbol sprawiedliwości, jaką kobieta wyrządza mężczyźnie, który odpokutowuje swoją winę śmiercią. Aby ocalić swój lud, Judith uwiodła wrogiego dowódcę Holofernesa i odcięła mu głowę. Bohaterka Starego Testamentu, wspaniały przykład odwagi i determinacji, służąca za ideał, staje się „kastrującą” kobietą Klimta… W tej biblijnej postaci Eros i Śmierć łączą się w znajomym związku, który fin de siècle (koniec wieku) wydało mi się tak intrygujące. Innym przykładem „kastrującej” kobiety, bezwstydnie ucieleśniającej najbardziej okrutne fantazje, była bohaterka opery „Elektra” Ryszarda Straussa, krwiożercza Klitajmestra.

Judith Klimta musiała zirytować tę część wiedeńskiego społeczeństwa (w przeciwnym razie gotową zaakceptować łamanie przez niego tabu) zwaną żydowską burżuazją. Klimt złamał zakazy religijne, a widzowie nie mogli uwierzyć własnym oczom. Komentatorzy uważali, że Klimt musiał się mylić, twierdząc, że ta szalona, ​​niemal orgazmiczna kobieta, z półprzymkniętymi oczami i lekko rozchylonymi ustami, była pobożną żydowską wdową i odważną bohaterką. Bez najmniejszej przyjemności biblijna Judyta wypełniła straszliwą misję powierzoną jej przez niebo i odcięła głowę Holofernesowi, przywódcy armii asyryjskiej. Ludzie byli pewni, że Klimt musiał mieć na myśli Salome, kwintesencję femme fatale fin-de-siècle, która urzekła już tak wielu artystów i myślicieli, od Gustave'a Moreau po Oscara Wilde'a, Aubreya Beardsleya, Franza von Stucka i Maxa Klingera. A obraz „Judith” z najlepszymi intencjami był stale nazywany „Salome” w katalogach i czasopismach. Nie wiadomo, czy Klimt przypisał cechy Salome swojej Judith; ale niezależnie od jego intencji, efektem jest najbardziej wymowne przedstawienie Erosa i fantazji współczesnej artystki femme fatale.

Złota Rybka. 1901 - 1902

Obraz ten jest odpowiedzią Klimta na ostrą krytykę jego malarstwa wydziałowego. Obraz zatytułowany „Mim dla krytyków” ukazuje na pierwszym planie niezwykle figlarną najadę, która otwarcie eksponuje swój piękny tyłek.

Ale Klimt był nie tylko koneserem femme fatale. Choć jego prace dla Wielkiej Sali Uniwersytetu wciąż wywoływały powszechny oddźwięk, zaczął niczym Kandyd „uprawiać swój ogród”. Klimt zwrócił się ku malarstwu pejzażowemu, opierając się na pejzażach impresjonistów i postimpresjonistów. Istnieje wiele dowodów sugerujących, że niektóre wczesne krajobrazy Klimta, takie jak Bagno (1900) czy Wysokie topole II (1903), powstały na podstawie twórczości Moneta. Jednak jako pejzażysta Klimt oferuje stabilną syntezę impresjonizmu i symboliki. Zarysy pociągnięć są zniszczone (przypomina to impresjonistów), ale schematyczna interpretacja powierzchni często wskazuje na wpływy Wschodu, typowe dla secesji. W przeciwieństwie do impresjonistów Klimta nie interesuje przedstawianie wody ani gra światłocienia. Podobnie jak w portretach, tak i w pejzażach zdaje się tworzyć mozaiki, łącząc naturalizm ze schematyzmem. Staje się to oczywiste, jeśli porównamy obrazy takie jak Po deszczu, Nimfy czy Portret Emilii Flöge z bukowym lasem. W pejzażach, podobnie jak w portretach i alegoriach, postacie i formy pojawiają się jakby na tle płaskiej dekoracji.

Sceny leśne takie jak Las Bukowy są jak gobeliny, w które Klimt wprowadza poczucie rytmu, tworząc powtarzający się wzór, grupując linie pionowe i poziome. Van Gogh desperacko walczył o zwycięstwo współczesnego malarstwa, Klimt był cichszym żniwiarzem, a zmysłowy blask jego pejzaży wzmocniony był znaczeniem zdobniczym i symbolicznym. Różne fragmenty mozaiki wypełniające horyzont i niszczące wolną przestrzeń pomogły mu pozbyć się „strachu przed wolną przestrzenią”.

Fakt, że w jego krajobrazach nie ma nawet śladu obecności człowieka, pomaga nam zrozumieć, że Klimt naprawdę postrzegał krajobrazy jako żywe istoty. Stosunek artysty do pejzaży jest równie wyjątkowy, jak jego stosunek do kobiet – głównych bohaterek jego twórczości. Czy suknia, którą Emilia Flöge ma na sobie na pierwszym portrecie (1902), nie wygląda, jakby tkanina została wycięta z leśnego krajobrazu, by jak druga skóra przylegać do kobiecego ciała? Klimt wybrał tę sukienkę, aby podkreślić wszystkie atuty smukłej sylwetki; Trochę dziwne, że wywołało to nowy skandal w Wiedniu. Nawet matka artystki wyraziła swoje niezadowolenie z nowomodnej sukni, która wraz z nieakceptowanymi wówczas falbankami i falbankami wykraczała jej zdaniem daleko poza granice przyzwoitości.

Na portretach Klimta sukienki odgrywają nie mniejszą rolę niż same modelki. Umiejętnie eksponują indywidualność kobiety, podkreślając percepcję twarzy, szyi i dłoni. Klasycznym przykładem jest Ingres, którego portrety również są pełne zmysłowego piękna. U obu artystów odzież pełniła tę samą niezbędną funkcję co ciało. Stwierdzenie Gaetana Picota na temat Ingresa można w równym stopniu odnieść do Klimta: „W twórczości Ingresa nie ma nic bardziej zręcznego, bardziej wyrafinowanego niż harmonia szyi i naszyjnika, aksamitu i ciała, peleryny i fryzury; lub granice styku klatki piersiowej z sukienką z głębokim dekoltem, dłonią i długą rękawiczką. Jeśli na tych portretach kobiety są ubrane w jakiś specjalny strój, to dlatego, że emanuje z nich światło pożądania; przychodzą do nas w zakrytej nagości…”

Gillesa Nereta. Tachen / Wiosna artystyczna, 2000

Inne prace

01 - Złota Adela. 1907

02 - Fryz Beethovena (szczegół: wrogie siły). 1902

03 - Idylla. 1884

04 - Bajka. 1898

05 - Pocałunek. 1907-1908

06 - Danae. 1907-1908

07 - Fryz Beethovena, Wandgem. 1902

08 - Trzy wieki kobiet. 1905

09 - Węże wodne 1. 1904-1907

10 - Dziewczyny. 1916-1917

11 - Węże wodne 2. 1904-1907

12 - Dziewice. 1913

13 - Życie i śmierć. 1908-1911

31 - Kwitnące pole kukurydzy. 1909

32 - Zamek Malcesine nad jeziorem Garda. 1913

33 - Zamek Kammer na Attersee. 1910

34 - Park. 1910

35 - Wielka topola lub zbliżająca się burza. 1903

36 - Staw w parku zamku Kammer. 1899

37 - Kościół w Kasson. 1913

38 - Droga w parku zamku Kammer. 1912

39 - Dom Guardaboskich. 1912

40 - Dom chłopski w Górnej Austrii. 1912

41 - Jabłoń. 1916

42 - Ogród kwiatowy. 1905-1906

43 - Zamek Kammer nad jeziorem Attersee. 1912

44 - Tancerz. 1906

45 - Pocałunek. 1907-1908

46 - Miłość. 1895