Wstęp
Impresjonizm jako zjawisko w sztuce
Impresjonizm w malarstwie
Artyści impresjonistyczni
3.1 Claude Monet
3.2 Edgara Degasa
3.3 Alfreda Sisleya
3.4 Camille Pissarro
Wniosek
Bibliografia
Wstęp
Esej ten poświęcony jest impresjonizmowi w sztuce – malarstwie.
Impresjonizm to jedno z najjaśniejszych i najważniejszych zjawisk w sztuce europejskiej, które w dużej mierze zdeterminowało cały rozwój sztuki współczesnej. Obecnie dzieła impresjonistów, które nie zostały docenione w swoim czasie, są wysoko cenione, a ich walory artystyczne są niezaprzeczalne. Znaczenie wybranego tematu tłumaczy się potrzebą zrozumienia stylów artystycznych przez każdego współczesnego człowieka i poznania głównych kamieni milowych jego rozwoju.
Wybrałem ten temat, ponieważ impresjonizm był swego rodzaju rewolucją w sztuce, zmieniającą wyobrażenie o dziełach sztuki jako o rzeczach holistycznych, monumentalnych. Impresjonizm wysunął na pierwszy plan indywidualność twórcy, jego własną wizję świata, spychając na dalszy plan tematykę polityczno-religijną oraz prawa akademickie. Co ciekawe, w twórczości impresjonistów główną rolę odgrywały emocje i wrażenia, a nie fabuła i moralność.
Impresjonizm (fr. impresjonizm, z wrażenie- impresja) - ruch w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początków XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia. Zwykle termin „impresjonizm” odnosi się do nurtu w malarstwie, chociaż jego idee znalazły swoje ucieleśnienie także w literaturze i muzyce.
Termin „impresjonizm” powstał z lekkiej ręki krytyka magazynu „Le Charivari” Louisa Leroya, który swój felieton o Salonie Odrzutów zatytułował „Wystawa impresjonistów”, opierając się na tytule tego obrazu Claude'a Monet.
Augusta Renoira Brodzik dla dzieci, Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku
Początki
W okresie renesansu malarze szkoły weneckiej próbowali przekazać żywą rzeczywistość za pomocą jasnych kolorów i tonów pośrednich. Hiszpanie skorzystali z ich doświadczeń, których najdobitniejszym wyrazem byli tacy artyści jak El Greco, Velazquez i Goya, których twórczość wywarła później poważny wpływ na Maneta i Renoira.
Jednocześnie Rubens kolorował cienie na swoich płótnach, stosując przezroczyste odcienie pośrednie. Jak zauważył Delacroix, Rubens przedstawiał światło w subtelnych, wyrafinowanych tonach, a cienie w cieplejszych, bogatszych kolorach, oddających efekt światłocienia. Rubens nie używał czerni, która później stała się jedną z głównych zasad malarstwa impresjonistycznego.
Edouard Manet był pod wpływem holenderskiego artysty Fransa Halsa, który malował ostrymi pociągnięciami i uwielbiał kontrast jasnych kolorów i czerni.
Przejście malarstwa do impresjonizmu przygotowywali także malarze angielscy. Podczas wojny francusko-pruskiej (1870-1871) Claude Monet, Sisley i Pissarro wyjechali do Londynu, aby studiować wielkich malarzy pejzażystów Constable'a, Boningtona i Turnera. Co do tego ostatniego, to już w jego późniejszych pracach zauważalny jest zanik związku z rzeczywistym obrazem świata i wycofanie się w indywidualny przekaz wrażeń.
Duży wpływ wywarł Eugene Delacroix, który już rozróżnił barwę lokalną od barwy nabytej pod wpływem światła, pozwalają na to jego akwarele namalowane w Afryce Północnej w 1832 r. czy w Etretat w 1835 r., a zwłaszcza obraz „Morze w Dieppe” (1835) pozwalają możemy mówić o nim jako o poprzedniku impresjonistów.
Ostatnim elementem, który wpłynął na innowatorów, była sztuka japońska. Od 1854 roku dzięki wystawom odbywającym się w Paryżu młodzi artyści odkrywali mistrzów grafiki japońskiej, takich jak Utamaro, Hokusai i Hiroshige. Specyficzny, nieznany dotąd w europejskiej sztuce plastycznej układ obrazu na kartce papieru – kompozycja offsetowa lub kompozycja pochylona, schematyczne przedstawienie formy, zamiłowanie do artystycznej syntezy – zyskały przychylność impresjonistów i ich naśladowców.
Fabuła
Edgara Degasa, Niebiescy tancerze, 1897, Muzeum Puszkina im. Puszkin, Moskwa
Początki poszukiwań impresjonistów sięgają lat 60. XIX wieku, kiedy młodym artystom nie wystarczały już środki i cele akademizmu, w wyniku czego każdy z nich samodzielnie poszukiwał innych dróg rozwoju swojego stylu. W 1863 roku Edouard Manet wystawił obraz „Obiad na trawie” w Salonie Odrzuconych i aktywnie wypowiadał się na spotkaniach poetów i artystów w kawiarni Guerbois, w których uczestniczyli wszyscy przyszli założyciele nowego ruchu, dzięki czemu stał się głównym obrońcą sztuki współczesnej.
W 1864 roku Eugene Boudin zaprosił Moneta do Honfleur, gdzie spędził całą jesień, obserwując, jak jego nauczyciel maluje szkice pastelami i akwarelami, a przyjaciel Yonkind nakłada farbę na swoje prace wibrującymi pociągnięciami. To tutaj nauczyli go pracować w plenerze i malować w jasnych kolorach.
W 1871 roku, podczas wojny francusko-pruskiej, Monet i Pissarro wyjechali do Londynu, gdzie zapoznali się z twórczością poprzednika impresjonizmu, Williama Turnera.
Claude Monet. Wrażenie. Wschód słońca. 1872, Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu.
Pochodzenie imienia
Pierwsza ważna wystawa impresjonistów odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 roku w pracowni fotografa Nadara. Zaprezentowano tam 30 artystów, w sumie 165 prac. Płótno Moneta - „Wrażenie. Wschodzące słońce" ( Wrażenie, soleil levant), obecnie w Muzeum Marmottin w Paryżu, napisany w 1872 r., dał początek terminowi „impresjonizm”: mało znany dziennikarz Louis Leroy w swoim artykule w magazynie „Le Charivari” nazwał grupę „impresjonistami”, aby wyrazić jego pogardę. Artyści na przekór przyjęli ten epitet, który później zakorzenił się, utracił swoje pierwotne negatywne znaczenie i zaczął być aktywnie używany.
Nazwa „impresjonizm” jest zupełnie pozbawiona znaczenia, w przeciwieństwie do nazwy „Szkoła Barbizon”, gdzie przynajmniej znajduje się wskazanie geograficznego położenia grupy artystycznej. Jeszcze mniej jasne jest w przypadku niektórych artystów, którzy formalnie nie byli zaliczani do kręgu pierwszych impresjonistów, chociaż ich techniki i środki techniczne są całkowicie „impresjonistyczne” Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin itp.) Ponadto środki techniczne impresjoniści byli znani na długo przed wiekami XIX i byli (częściowo, w ograniczonym zakresie) wykorzystywani przez Tycjana i Velasqueza, nie zrywając z dominującymi ideami swojej epoki.
Był inny artykuł (napisany przez Emila Cardona) i inny tytuł – „Wystawa Rebeliantów”, który był absolutnie dezaprobujący i potępiający. To właśnie wiernie odtworzyło panującą od lat dezaprobatę mieszczańskiego społeczeństwa i krytykę wobec artystów (impresjonistów). Impresjonistów natychmiast oskarżono o niemoralność, buntownicze uczucia i brak szacunku. W tej chwili jest to zaskakujące, ponieważ nie jest jasne, co jest niemoralne w pejzażach Camille'a Pissarro, Alfreda Sisleya, codziennych scenach Edgara Degasa, martwych naturach Moneta i Renoira.
Minęły dziesięciolecia. A nowe pokolenie artystów dojdzie do prawdziwego upadku form i zubożenia treści. Wtedy zarówno krytyka, jak i opinia publiczna uznała potępionych impresjonistów za realistów, a nieco później za klasykę sztuki francuskiej.
Impresjonizm jako zjawisko w sztuce
Impresjonizm, jeden z najjaśniejszych i najciekawszych ruchów w sztuce francuskiej ostatniej ćwierci XIX wieku, narodził się w bardzo złożonym środowisku, charakteryzującym się różnorodnością i kontrastami, co dało impuls do powstania wielu współczesnych ruchów. Impresjonizm, mimo krótkiego trwania, wywarł znaczący wpływ na sztukę nie tylko Francji, ale także innych krajów: USA, Niemiec (M. Lieberman), Belgii, Włoch, Anglii. W Rosji wpływ impresjonizmu doświadczyli K. Balmont, Andriej Bieły, Strawiński, K. Korovin (najbliższy w swojej estetyce impresjonistom), wczesny V. Serow, a także I. Grabar. Impresjonizm był ostatnim dużym ruchem artystycznym w XIX-wiecznej Francji, wyznaczającym granicę między sztuką nowoczesną i współczesną.
Zdaniem M. Aplatowa „czysty impresjonizm prawdopodobnie nie istniał. Impresjonizm nie jest doktryną, nie mógł kanonizować form... Francuscy artyści impresjoniści mają tę czy inną jego cechę w różnym stopniu.” Zwykle termin „impresjonizm” odnosi się do nurtu w malarstwie, choć jego idee znalazły ucieleśnienie w innych formach sztuki, na przykład w muzyce.
Impresjonizm to przede wszystkim sztuka obserwacji rzeczywistości, przekazywania lub tworzenia wrażenia, która osiągnęła niespotykane dotąd wyrafinowanie, sztuka, w której fabuła nie jest istotna. To nowa, subiektywna rzeczywistość artystyczna. Impresjoniści wysunęli własne zasady postrzegania i przedstawiania otaczającego świata. Zatarli granicę pomiędzy obiektami głównymi, godnymi sztuki wysokiej, a obiektami wtórnymi.
Ważną zasadą impresjonizmu było unikanie typowości. Do sztuki wkroczyła bezpośredniość i swobodny wygląd, wydaje się, że obrazy impresjonistów namalował zwykły przechodzień spacerujący bulwarami i cieszący się życiem. To była rewolucja w wizji.
Estetyka impresjonizmu rozwinęła się po części jako próba zdecydowanego uwolnienia się od konwencji sztuki klasycystycznej, a także od uporczywej symboliki i głębi malarstwa późnoromantycznego, które sugerowało dopatrywanie się we wszystkim zaszyfrowanych znaczeń, które wymagały uważnej interpretacji. Impresjonizm nie tylko afirmuje piękno codziennej rzeczywistości, ale także nadaje artystyczne znaczenie postciągłej zmienności otaczającego świata, naturalności spontanicznych, nieprzewidywalnych, przypadkowych wrażeń. Impresjoniści starają się uchwycić jego kolorową atmosferę bez szczegółowości i interpretacji.
Jako ruch artystyczny impresjonizm, szczególnie w malarstwie, szybko wyczerpał swoje możliwości. Klasyczny francuski impresjonizm był zbyt wąski i niewielu pozostało wiernych jego zasadom przez całe życie. W procesie rozwoju metody impresjonistycznej podmiotowość percepcji obrazowej przezwyciężyła obiektywność i wzniosła się na coraz wyższy poziom formalny, otwierając drogę wszelkim ruchom postimpresjonizmu, w tym symbolice Gauguina i ekspresjonizmowi Van Gogha. Ale pomimo wąskich ram czasowych - zaledwie dwóch dekad, impresjonizm wyniósł sztukę na zasadniczo inny poziom, mając znaczący wpływ na wszystko: współczesne malarstwo, muzykę i literaturę, a także kino.
Impresjonizm wprowadził nowe tematy; dzieła dojrzałego stylu wyróżniają się jasną i spontaniczną żywotnością, odkryciem nowych artystycznych możliwości koloru, estetyzacją nowej techniki malarskiej i samą strukturą dzieła. To właśnie te cechy, które wyłoniły się w impresjonizmie, są dalej rozwijane w neoimpresjonizmie i postimpresjonizmie. Wpływ impresjonizmu jako podejścia do rzeczywistości czy systemu technik ekspresyjnych trafił do niemal wszystkich szkół artystycznych początku XX wieku, stał się punktem wyjścia dla rozwoju wielu kierunków, w tym abstrakcjonizmu. Niektóre zasady impresjonizmu – przenoszenie chwilowego ruchu, płynność formy – pojawiały się w różnym stopniu w rzeźbie lat 1910. XX w., u E. Degasa, ks. Rodin, M. Golubkina. Impresjonizm artystyczny ogromnie wzbogacił środki wyrazu w literaturze (P. Verlaine), muzyce (C. Debussy) i teatrze.
2. Impresjonizm w malarstwie
Wiosną 1874 roku grupa młodych malarzy, w skład której wchodzili Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cezanne i Berthe Morisot, zaniedbała oficjalny Salon i zorganizowała własną wystawę, stając się później centralnymi postaciami nowego ruchu. Miało to miejsce od 15 kwietnia do 15 maja 1874 roku w pracowni fotografa Nadara w Paryżu, przy Boulevard des Capucines. Zaprezentowano tam 30 artystów, w sumie 165 prac. Taki akt sam w sobie był rewolucyjny i zrywał z wielowiekowymi fundamentami, jednak malarstwo tych artystów na pierwszy rzut oka wydawało się jeszcze bardziej wrogie tradycji. Minęło wiele lat, zanim uznani później klasycy malarstwa zdołali przekonać publiczność nie tylko o swojej szczerości, ale także o swoim talencie. Wszystkich tych bardzo różnych artystów łączyła wspólna walka z konserwatyzmem i akademizmem w sztuce. Impresjoniści zorganizowali osiem wystaw, ostatnia w 1886 roku.
To właśnie na pierwszej wystawie w 1874 roku w Paryżu pojawił się obraz Claude'a Moneta przedstawiający wschód słońca. Uwagę wszystkich przyciągnął przede wszystkim nietypowy tytuł: „Impresja. Wschód słońca". Ale sam obraz był niezwykły, oddawał tę niemal nieuchwytną, zmienną grę kolorów i światła. To właśnie nazwa tego obrazu – „Impresja” – dzięki wyśmiewaniu jednego z dziennikarzy, położyła podwaliny pod cały ruch w malarstwie zwany impresjonizmem (od francuskiego słowa „impresja” – impresja).
Próbując jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia z rzeczy, impresjoniści stworzyli nową metodę malowania. Jego istotą było oddanie zewnętrznego wrażenia światła, cienia, refleksów na powierzchni przedmiotów za pomocą oddzielnych pociągnięć czystej farby, które wizualnie rozpuszczały formę w otaczającym środowisku świetlno-powietrznym.
Wiarygodność została poświęcona osobistej percepcji - impresjoniści mogli, w zależności od swojej wizji, pomalować niebo na zielono i trawę na niebiesko, owoce w ich martwych naturach były nie do poznania, postacie ludzkie były niejasne i szkicowe. Ważne było nie to, co zostało przedstawione, ale „jak”. Obiekt stał się powodem do rozwiązania problemów wizualnych.
Twórczą metodę impresjonizmu charakteryzuje zwięzłość i szkicowość. Przecież dopiero krótki szkic pozwolił na dokładne zarejestrowanie poszczególnych stanów natury. To, co wcześniej było dozwolone jedynie w szkicach, teraz stało się główną cechą ukończonych obrazów. Artyści impresjoniści ze wszystkich sił starali się przezwyciężyć statyczność malarstwa i uchwycić na zawsze piękno ulotnej chwili. Zaczęli stosować kompozycje asymetryczne, aby lepiej podkreślić interesujące ich postacie i przedmioty. W niektórych technikach impresjonistycznego konstruowania kompozycji i przestrzeni zauważalny jest wpływ zamiłowania do własnej epoki - nie jak dawniej starożytności, rycin japońskich (tacy mistrzowie jak Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro), a po części fotografii, jej zbliżeń i nowych punkty widzenia.
Impresjoniści zaktualizowali także kolorystykę, porzucili ciemne, ziemiste farby i werniksy na rzecz nanoszenia na płótno czystych, widmowych barw, niemal bez uprzedniego mieszania ich na palecie. Konwencjonalna, „muzealna” czerń na ich płótnach ustępuje miejsca grze kolorowych cieni.
Dzięki wynalezieniu metalowych tub z farbą, gotowych i przenośnych, które zastąpiły stare, ręcznie robione farby z oleju i sproszkowanych pigmentów, artyści mogli wyjść ze swoich pracowni i pracować w plenerze. Pracowali bardzo szybko, bo ruch słońca zmieniał oświetlenie i koloryt krajobrazu. Czasami wyciskali farbę na płótno prosto z tuby i uzyskiwali czyste, błyszczące kolory z efektem pociągnięcia pędzla. Umieszczając pociągnięcia jednej farby obok drugiej, często pozostawiali szorstką powierzchnię obrazów. Aby zachować świeżość i różnorodność naturalnych kolorów na obrazie, impresjoniści stworzyli system malarski, który wyróżnia się rozkładem złożonych tonów na czyste kolory i przenikaniem się oddzielnych pociągnięć czystego koloru, jakby mieszając się w oku widza, z kolorowe cienie i postrzegane przez widza zgodnie z prawem kolorów dopełniających.
Dążąc do maksymalnej bezpośredniości w przekazywaniu otaczającego świata, impresjoniści po raz pierwszy w historii sztuki zaczęli malować przede wszystkim w plenerze i podnieśli znaczenie szkiców z życia, które niemal zastąpiły tradycyjny rodzaj malarstwa, starannie i powoli powstawał w studiu. Ze względu na sam sposób pracy w plenerze, odkryty przez nich krajobraz, w tym także miejski, zajmował bardzo ważne miejsce w sztuce impresjonistów. Motywem przewodnim było dla nich drżące światło, powietrze, w którym zdawały się zanurzać ludzie i przedmioty. Na ich obrazach można było poczuć wiatr, wilgotną ziemię nagrzaną słońcem. Starali się pokazać niesamowite bogactwo kolorów w naturze.
Impresjonizm wprowadził do sztuki nowe tematy - codzienne życie miasta, pejzaż uliczny i rozrywkę. Jej zakres tematyczny i fabularny był bardzo szeroki. W swoich pejzażach, portretach i kompozycjach wielopostaciowych artyści starają się zachować bezstronność, siłę i świeżość „pierwszego wrażenia”, nie wchodząc w indywidualne szczegóły, w których świat jest zjawiskiem podlegającym ciągłym zmianom.
Impresjonizm wyróżnia się jasną i natychmiastową żywotnością. Charakteryzuje się indywidualnością i walorami estetycznymi obrazów, ich celową przypadkowością i niekompletnością. Ogólnie rzecz biorąc, dzieła impresjonistów wyróżniają się pogodą ducha i pasją do zmysłowego piękna świata.
Impresjonizm Impresjonizm
(francuski impresjonizm, od impresja - impresja), ruch w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku. Rozwinął się w malarstwie francuskim pod koniec lat 60. XIX wieku i na początku lat 70. XX wieku. Nazwa „impresjonizm” powstała po wystawie z 1874 r., na której wystawiony został obraz C. Moneta „Impresja. Soleil levant” (1872, obecnie w Muzeum Marmottan w Paryżu). W okresie dojrzałości impresjonizmu (lata 70. – pierwsza połowa lat 80.) reprezentowała go grupa artystów (Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro, A. Sisley, B. Morisot i in. .), którzy zjednoczyli się w walce o odnowę sztuki i przezwyciężeniu oficjalnej akademii salonowej i zorganizowali w tym celu 8 wystaw w latach 1874-86. Jednym z twórców impresjonizmu był E. Manet, który nie należał do tej grupy, ale już w latach 60. - na początku 70. XX wieku. który przedstawił dzieła gatunkowe, w których na nowo przemyśleł technikę kompozytorską i malarską mistrzów XVI-XVIII wieku. w odniesieniu do współczesnego życia, a także scen wojny domowej z lat 1861-65 w USA, egzekucji komunardów paryskich, nadając im ostrą orientację polityczną.
Impresjonizm kontynuuje to, co zapoczątkowała sztuka realistyczna lat 40. i 60. XX wieku. wyzwolenie się z konwencji klasycyzmu, romantyzmu i akademizmu, afirmuje piękno codziennej rzeczywistości, proste, demokratyczne motywy i osiąga żywą autentyczność obrazu. Czyni autentyczne, nowoczesne życie estetycznym znaczącym w jego naturalności, w całym bogactwie i blasku kolorów, uchwycając widzialny świat w jego nieodłącznej, ciągłej zmienności, odtwarzając jedność człowieka i jego otoczenia. W wielu obrazach impresjonistów (zwłaszcza w pejzażach i martwych naturach, w licznych kompozycjach wielopostaciowych) podkreślany jest upływający moment nieprzerwanego biegu życia, jakby przypadkowo uchwycony przez oko, bezstronność, siła i świeżość pierwszego wrażenia zostają zachowane, co pozwala uchwycić wyjątkowość i charakterystyczność tego, co się widzi. Dzieła impresjonistów wyróżniają się pogodą ducha i entuzjazmem dla zmysłowego piękna świata, ale w wielu dziełach Maneta i Degasa pojawiają się gorzkie, sarkastyczne nuty.
Impresjoniści jako pierwsi stworzyli wieloaspektowy obraz codziennego życia współczesnego miasta, oddając oryginalność jego krajobrazu i wyglądu zamieszkujących je ludzi, ich życia, pracy i rozrywki. W krajobrazie opracowali oni (zwłaszcza Sisley i Pissarro) plenerowe poszukiwania J. Constable'a, szkoły Barbizon, C. Corota i innych oraz opracowali kompletny system plenerowy. W impresjonistycznych pejzażach prosty, codzienny motyw często ulega transformacji pod wpływem wszechobecnego poruszającego się światła słonecznego, nadając obrazowi charakter świąteczny. Praca nad obrazem bezpośrednio w plenerze pozwoliła na odtworzenie natury w całej jej tętniącej życiem rzeczywistości, subtelną analizę i uchwycenie jej stanów przejściowych, uchwycenie najdrobniejszych zmian kolorystycznych pojawiających się pod wpływem wibrującego i płynnego światła- środowisko powietrzne (organicznie jednoczące człowieka i naturę), które staje się impresjonizmem jako samodzielnym przedmiotem obrazu (głównie w twórczości Moneta). Aby zachować w obrazach świeżość i różnorodność barw natury, impresjoniści (z wyjątkiem Degasa) stworzyli system malarski, który wyróżnia się rozkładem złożonych tonów na czyste kolory i przenikaniem się wyraźnych oddzielnych pociągnięć czystych kolor, jakby mieszający się w oku widza, jasne i jasne kolory, bogactwo walorów i refleksów, kolorowe cienie. Formy wolumetryczne zdają się rozpuszczać w otaczającej je powłoce światła, dematerializują się, nabierają niestałych konturów: gra różnych pociągnięć pędzla, impasto i cieczy, nadaje warstwie farby drżenie i ulgę; tworząc w ten sposób swoiste wrażenie niekompletności, kształtowania się obrazu na oczach osoby kontemplującej płótno. W ten sposób następuje zbliżenie szkicu do obrazu, a często połączenie kilku. etapy pracy w jeden ciągły proces. Obraz staje się odrębną ramą, fragmentem poruszającego się świata. Wyjaśnia to z jednej strony równoważność wszystkich części obrazu, powstałych jednocześnie pod pędzlem artysty i w równym stopniu uczestniczących w figuratywnej konstrukcji dzieł, z drugiej zaś pozorną przypadkowość i brak równowagi, asymetrię kompozycji, odważne cięcia postaci, nieoczekiwane punkty widzenia i złożone kąty aktywujące konstrukcję przestrzenną.
W niektórych technikach konstruowania kompozycji i przestrzeni w impresjonizmie zauważalny jest wpływ ryciny japońskiej i częściowo fotografii.
Impresjoniści zwrócili się także w stronę portretu i gatunku codziennego (Renoir, B. Morisot, częściowo Degas). Gatunek rodzimy i akty w impresjonizmie często przeplatały się z pejzażami (zwłaszcza u Renoira); postacie ludzkie oświetlone naturalnym światłem przedstawiane były najczęściej w pobliżu otwartego okna, w altanie itp. Impresjonizm charakteryzuje się mieszaniem gatunku codziennego z portretem oraz tendencją do zacierania wyraźnych granic pomiędzy gatunkami. Od początku lat 80-tych. niektórzy mistrzowie impresjonizmu we Francji starali się zmodyfikować jego zasady twórcze. Późny impresjonizm (połowa lat 80. - 90.) rozwinął się w okresie kształtowania się stylu secesyjnego i różnych kierunków postimpresjonizmu. Późny impresjonizm charakteryzuje się pojawieniem się poczucia wartości subiektywnego stylu artystycznego artysty i wzrostem tendencji dekoracyjnych. Gra odcieni i tonów dodatkowych w dziele impresjonizmu staje się coraz bardziej wyrafinowana i pojawia się tendencja do większego nasycenia barwnego płócien lub jedności tonalnej; krajobrazy są łączone w serie.
Styl malarski impresjonizmu wywarł ogromny wpływ na malarstwo francuskie. Pewne cechy impresjonizmu przejęło malarstwo salonowo-akademickie. Dla wielu artystów studiowanie metody impresjonizmu stało się początkowym etapem na drodze do wypracowania własnego systemu artystycznego (P. Cezanne, P. Gauguin, V. van Gogh, J. Seurat).
Twórczy zwrot w stronę impresjonizmu i studiowanie jego zasad był ważnym krokiem w rozwoju wielu krajowych europejskich szkół artystycznych. Pod wpływem francuskiego impresjonizmu twórczość M. Liebermana, L. Corintha w Niemczech, K. A. Korovina, V. A. Serowa, I. E. Grabara i wczesnego M. F. Larionowa w Rosji, M. Prendergasta i M. Cassatta rozwinęła się w USA, L. Wyczulkowskiego w Polsce, słoweńskich impresjonistów itp. Jednocześnie poza Francją przejęto i rozwinięto tylko niektóre aspekty impresjonizmu: odwołanie do tematów współczesnych, efekty pleneru, rozjaśnienie palety, szkicowa maniera malarska itp. Terminem „impresjonizm” określa się także rzeźbę z lat 1880–1910, która ma pewne cechy zbliżone do malarstwa impresjonistycznego – chęć przekazania natychmiastowego ruchu, płynności i miękkości form, celowej niekompletności plastycznej. Impresjonizm w rzeźbie najwyraźniej przejawił się w twórczości M. Rosso we Włoszech, O. Rodina i Degasa we Francji, P. P. Trubetskoya i A. S. Golubkina w Rosji itp. Pewne techniki impresjonizmu zachowały się w wielu realistycznych ruchach artystycznych XX wieku wiek. Impresjonizm w sztukach pięknych wpłynął na rozwój środków wyrazu w literaturze, muzyce i teatrze.
C. Pissarro. „Autokar pocztowy w Louveciennes”. Około 1870 r. Muzeum Impresjonizmu. Paryż.
(Źródło: „Encyklopedia sztuki popularnej”. Pod redakcją V.M. Polevoya; M.: Wydawnictwo „Encyklopedia radziecka”, 1986.)
impresjonizm(francuski impresjonizm, od impresja - impresja), kierunek w sztuce oszustwa. 1860 – wcześnie Lata 80. XIX wieku Najwyraźniej objawia się w malarstwie. Czołowi przedstawiciele: K. monet, O. Renoira, DO. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte i J. F. Basile. E. wystawiał przy nich swoje obrazy. Maneta i E. Odgazować, choć stylu ich dzieł nie można nazwać całkowicie impresjonistycznym. Nazwę „impresjoniści” nadano grupie młodych artystów po ich pierwszej wspólnej wystawie w Paryżu (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley i in.), co wywołało wściekłe oburzenie wśród publiczności i krytyki. Jeden z prezentowanych obrazów C. Moneta (1872) nosił tytuł „Impresja. Sunrise” („L’impression. Soleil levant”), a recenzent kpiąco nazwał artystów „impresjonistami” – „impresjonistami”. Malarze występowali pod tą nazwą na trzeciej wspólnej wystawie (1877). W tym samym czasie zaczęli wydawać magazyn impresjonistyczny, którego każdy numer poświęcony był twórczości jednego z członków grupy.
Impresjoniści starali się uchwycić otaczający ich świat w jego ciągłej zmienności i płynności oraz bezstronnie wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryciach optyki i teorii koloru (spektralny rozkład promienia słonecznego na siedem kolorów tęczy); w tym jest w zgodzie z duchem analizy naukowej charakterystycznym dla oszusta. 19 wiek Sami impresjoniści nie próbowali jednak definiować teoretycznych podstaw swojej sztuki, kładąc nacisk na spontaniczność i intuicyjność twórczości artysty. Zasady artystyczne impresjonistów nie były jednolite. Monet malował pejzaże wyłącznie w bezpośrednim kontakcie z naturą, w plenerze (na plenerze), a nawet zbudował warsztat na łodzi. Degas pracował w warsztacie, korzystając ze wspomnień lub wykorzystując fotografie. W odróżnieniu od przedstawicieli późniejszych ruchów radykalnych artyści nie wyszli poza renesansowy system iluzoryczno-przestrzenny oparty na wykorzystaniu bezpośrednich horyzont. Mocno trzymali się metody pracy z życia, którą wynieśli do głównej zasady kreatywności. Artyści starali się „namalować to, co widzisz” i „tak, jak widzisz”. Konsekwentne stosowanie tej metody pociągnęło za sobą przekształcenie wszystkich podstaw istniejącego systemu malarskiego: kolor, kompozycja, budownictwo przestrzenne. Czyste farby nakładano na płótno drobnymi, osobnymi pociągnięciami: wielobarwne „kropki” układały się obok siebie, tworząc barwny spektakl nie na palecie ani na płótnie, ale w oku widza. Impresjoniści osiągnęli niespotykaną dotąd dźwięczność koloru i niespotykane dotąd bogactwo odcieni. Pociągnięcie pędzla stało się samodzielnym środkiem wyrazu, wypełniając powierzchnię obrazu żywą, mieniącą się wibracją cząsteczek koloru. Płótno porównywano do mozaiki mieniącej się szlachetnymi kolorami. W poprzednich obrazach dominowały odcienie czerni, szarości i brązu; Na obrazach impresjonistów kolory świeciły jasno. Impresjoniści nie używali światłocień aby oddać objętość, porzucili ciemne cienie, cienie na ich obrazach również stały się kolorowe. Artyści szeroko stosowali dodatkowe odcienie (czerwony i zielony, żółty i fioletowy), których kontrast zwiększał intensywność brzmienia koloru. Na obrazach Moneta kolory rozjaśniały się i rozpuszczały w blasku promieni słonecznych, lokalne kolory nabrały wielu odcieni.
Impresjoniści przedstawiali otaczający nas świat w ciągłym ruchu, przejściu z jednego stanu do drugiego. Zaczęli malować serię obrazów, chcąc pokazać, jak ten sam motyw zmienia się w zależności od pory dnia, oświetlenia, warunków pogodowych itp. (cykle „Boulevard Montmartre” C. Pissarro, 1897; „Katedra w Rouen”, 1893 - 95 i „Parlament Londynu”, 1903-04, C. Monet). Artyści znaleźli sposoby na odzwierciedlenie w swoich obrazach ruchu chmur (A. Sisley. „Loing in Saint-Mamme”, 1882), grę blasku słońca (O. Renoir. „Swing”, 1876), podmuchy wiatru ( C. Monet „Taras w Sainte-Adresse”, 1866), strumienie deszczu (G. Caillebotte. „Hierarch. Efekt deszczu”, 1875), padający śnieg (C. Pissarro. „Pasaż operowy. Wpływ śniegu ", 1898), szybki bieg koni (E. Manet "Wyścigi w Longchamp", 1865).
Impresjoniści opracowali nowe zasady kompozycji. Wcześniej przestrzeń obrazu porównywana była do sceny, teraz uchwycone sceny przypominają migawkę, fotograficzną ramę. Wynaleziony w XIX wieku. fotografia miała znaczący wpływ na kompozycję impresjonistycznych obrazów, zwłaszcza w twórczości E. Degasa, który sam był fotografem z zamiłowania i, jak sam stwierdził, starał się zaskakiwać przedstawiane przez siebie baletnice, widzieć je „jakby przez dziurkę od klucza”, gdy ich pozy i linie ciała są naturalne, wyraziste i autentyczne. Tworząc obrazy w plenerze, chęć uchwycenia szybko zmieniającego się oświetlenia, zmusiła artystów do przyspieszenia pracy, malując „alla prima” (za jednym razem), bez wstępnych szkiców. Fragmentacja, „przypadkowość” kompozycji i dynamiczny styl malarski stworzyły w malarstwie impresjonistów poczucie szczególnej świeżości.
Ulubionym gatunkiem impresjonistów był pejzaż; portret reprezentował także rodzaj „pejzażu twarzy” (O. Renoir. „Portret aktorki J. Samary”, 1877). Ponadto artyści znacznie poszerzyli zakres tematów malarskich, sięgając po tematy wcześniej uważane za niegodne uwagi: festiwale ludowe, wyścigi konne, pikniki bohemy artystycznej, kulisy życia teatrów itp. Ich obrazy nie mają jednak rozwiniętej fabuła lub szczegółowa narracja; życie ludzkie rozpuszcza się w przyrodzie lub w atmosferze miasta. Impresjoniści malowali nie wydarzenia, ale nastroje, odcienie uczuć. Artyści zasadniczo odrzucali tematykę historyczną i literacką, unikali przedstawiania dramatycznych, ciemnych stron życia (wojen, katastrof itp.). Dążyli do uwolnienia sztuki od wypełniania zadań społecznych, politycznych i moralnych, od obowiązku wartościowania przedstawianych zjawisk. Artyści wyśpiewywali piękno świata, potrafiąc z najbardziej codziennego motywu (remont pokoju, szara londyńska mgła, dym lokomotyw parowych itp.) uczynić czarujący spektakl (G. Caillebotte. „Parquet Boys”, 1875; C. Moneta „Gare Saint-Lazare”, 1877).
W 1886 r. odbyła się ostatnia wystawa impresjonistów (nie brali w niej udziału O. Renoir i C. Monet). W tym czasie pomiędzy członkami grupy doszło do znaczących nieporozumień. Możliwości metody impresjonistycznej się wyczerpały i każdy z artystów zaczął szukać własnej drogi w sztuce.
Impresjonizm jako holistyczna metoda twórcza była fenomenem przede wszystkim sztuki francuskiej, ale twórczość impresjonistów wywarła wpływ na całe malarstwo europejskie. Chęć odnowienia języka artystycznego, rozjaśnienia palety barw i wyeksponowania technik malarskich na dobre wpisała się już w arsenał artystów. W innych krajach bliscy impresjonizmu byli J. Whistler (Anglia i USA), M. Lieberman, L. Corinth (Niemcy) i H. Sorolla (Hiszpania). Wielu rosyjskich artystów doświadczyło wpływu impresjonizmu (V.A. Serow, K.A. Korowin, TJ. Grabara itd.).
Oprócz malarstwa impresjonizm ucieleśniał twórczość niektórych rzeźbiarzy (E. Degas i O. Rodina we Francji, M. Rosso we Włoszech, P.P. Trubeckoj w Rosji) w żywym, swobodnym modelowaniu płynnych, miękkich form, co tworzy złożoną grę światła na powierzchni materiału i poczucie niekompletności dzieła; pozy oddają moment ruchu i rozwoju. W muzyce twórczość C. Debussy'ego („Żagle”, „Mgły”, „Odbicia w wodzie” itp.) Są bliskie impresjonizmowi.
(Źródło: „Art. Modern ilustrowana encyklopedia.” Pod redakcją prof. Gorkina A.P.; M.: Rosman; 2007.)
Synonimy:
Zobacz, co „impresjonizm” znajduje się w innych słownikach:
IMPRESJONIZM. I. w literaturze i sztuce definiuje się jako kategorię bierności, kontemplacji i wrażliwości, mającą zastosowanie w takim czy innym stopniu do twórczości artystycznej przez cały czas lub okresowo, w tej czy innej formie... ... Encyklopedia literacka
impresjonizm- a, m. impresjonizm m. Doktryna malarzy impresjonistycznych. Bułhakow Kaptur. enz. Ruch w sztuce, którego celem jest przekazywanie bezpośrednich, subiektywnych wrażeń z rzeczywistości. Uch. 1934. Dlaczego na przykład wielki... ... Historyczny słownik galicyzmów języka rosyjskiego
- [fr. impresjonizm Słownik obcych słów języka rosyjskiego
Impresjonizm- IMPRESJONIZM. Koniec XIX wieku wiąże się z rozkwitem impresjonizmu we wszystkich dziedzinach sztuki, zwłaszcza w malarstwie i literaturze. Sam termin impresjonizm pochodzi od francuskiego słowa impresja, które oznacza wrażenie. Pod tym... ... Słownik terminów literackich
- (z francuskiego wrażenia impresyjnego), kierunek w sztuce ostatniej tercji XIX i początku XX wieku. Rozwinął się w malarstwie francuskim w latach sześćdziesiątych i wczesnych siedemdziesiątych XIX wieku. (E. Manet, C. Monet, E. Degas, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley). Impresjonizm twierdził... ... Nowoczesna encyklopedia
- (z francuskiego impresja) kierunek w sztuce ostatniej tercji XIX wieku. 20 wieków, których przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności, przekazać swoją ulotność... ... Wielki słownik encyklopedyczny
IMPRESJONIZM(francuski impresjonizm, od impresja - wrażenie) - ruch w sztuce końca lat 60. XIX wieku - początku lat 80. XIX wieku, którego głównym celem było przekazywanie ulotnych, zmiennych wrażeń. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryciach optyki i teorii koloru; wpisuje się w tym w ducha analizy naukowej charakterystycznego dla końca XIX wieku. Impresjonizm najwyraźniej objawił się w malarstwie, gdzie szczególną uwagę zwrócono na transmisję koloru i światła.
Impresjonizm pojawił się we Francji pod koniec lat sześćdziesiątych XIX wieku. Jej czołowymi przedstawicielami są Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley i Jean Frédéric Bazille. Swoje obrazy wystawiali u nich Edouard Manet i Edgar Degas, choć stylu ich dzieł nie można nazwać impresjonistycznym. Słowo „impresjonizm” pochodzi od tytułu obrazu Moneta Wrażenie. Wschodzące słońce(1872, Paryż, Muzeum Marmottan), prezentowane na wystawie w 1874. Tytuł sugerował, że artysta przekazuje jedynie przelotne wrażenia z krajobrazu. Obecnie termin „impresjonizm” rozumiany jest szerzej niż tylko subiektywna wizja artysty: jako wnikliwe studium natury, przede wszystkim pod kątem koloru i oświetlenia. Koncepcja ta jest w istocie przeciwieństwem tradycyjnego, sięgającego czasów renesansu, rozumienia głównego zadania malarstwa, jakim jest przekazywanie kształtu przedmiotów. Celem impresjonistów było ukazanie chwilowych, pozornie „przypadkowych” sytuacji i ruchów. Sprzyjała temu asymetria, fragmentacja kompozycji, zastosowanie skomplikowanych kątów i cięć figur. Obraz staje się odrębną ramą, fragmentem poruszającego się świata.
Pejzaże i sceny z życia miejskiego – bodaj najbardziej charakterystyczne gatunki malarstwa impresjonistycznego – malowano „w plenerze”, czyli tzw. bezpośrednio z natury, a nie na podstawie szkiców i szkiców przygotowawczych. Impresjoniści uważnie przyglądali się naturze, zauważając kolory i odcienie zwykle niewidoczne, jak np. błękit w cieniach. Ich metoda artystyczna polegała na rozłożeniu złożonych tonów na składowe czyste kolory widma. Rezultatem były kolorowe cienie i czysty, lekki, żywy obraz. Impresjoniści nakładali farbę oddzielnymi pociągnięciami, czasami stosując kontrastujące odcienie w jednym obszarze obrazu, wielkość pociągnięć była różna. Czasem, np. dla przedstawienia czystego nieba, wygładzano je pędzlem, uzyskując bardziej równą powierzchnię (ale i w tym przypadku podkreślano swobodny, niedbały styl malowania). Główną cechą malarstwa impresjonistycznego jest efekt żywego migotania kolorów.
Camille Pissarro, Alfred Sisley i Claude Monet w swoich pracach preferowali pejzaże i sceny miejskie. Auguste Renoir malował ludzi w plenerze lub we wnętrzach. Jego twórczość doskonale ilustruje charakterystyczną dla impresjonizmu tendencję do zacierania granic pomiędzy gatunkami. Zdjęcia jak Bal w Moulin de la Galette(Paryż, Musée d'Orsay) lub Śniadanie wioślarzy(1881, Waszyngton, Phillips Gallery) to kolorowe wspomnienia radości życia, miejskiego i wiejskiego.
Podobne poszukiwania transmisji środowiska świetlno-powietrznego, rozkładu złożonych tonów na czyste kolory widma słonecznego miały miejsce nie tylko we Francji. Do impresjonistów zaliczają się James Whistler (Anglia i USA), Max Liebermann, Lovis Corinth (Niemcy), Joaquin Sorolla (Hiszpania), K.A. Korovin, I.E. Grabar (Rosja).
Impresjonizm w rzeźbie zakłada żywe, swobodne modelowanie płynnych, miękkich form, co tworzy złożoną grę światła na powierzchni materiału i poczucie niekompletności. Pozy dokładnie oddają moment ruchu i rozwoju; postacie wydają się być sfilmowane ukrytą kamerą, jak np. w niektórych pracach E. Degasa i O. Rodina (Francja), Medardo Rosso (Włochy), P. P. Trubetskoya (Rosja).
Na początku XX wieku. w malarstwie pojawiły się nowe tendencje, wyrażające się w odrzuceniu realizmu i zwróceniu się w stronę abstrakcji; spowodowały, że młodsi artyści odwrócili się od impresjonizmu. Impresjonizm pozostawił jednak po sobie bogatą spuściznę: przede wszystkim zainteresowanie problematyką koloru, a także przykład śmiałego zerwania z tradycją.
„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”
Henriego Kahnweilera
XIX wiek. Francja. W malarstwie wydarzyło się coś bezprecedensowego. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnimi tradycjami. Zamiast wyraźnego rysunku zastosowali szeroką, „niechlujną” kreskę.
I całkowicie porzucili zwykłe obrazy, przedstawiające wszystkich z rzędu. Oraz damy łatwej cnoty i panowie o wątpliwej reputacji.
Opinia publiczna nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Wyśmiewano ich i karcono. A co najważniejsze, nic od nich nie kupili.
Ale opór został przełamany. A niektórzy impresjoniści dożyli swego triumfu. To prawda, że byli już po 40. roku życia. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Inni na uznanie czekali dopiero u schyłku życia, jak Camille Pissarro. Niektórzy nie dożyli go, jak Alfred Sisley.
Jakiego rewolucjonizmu dokonał każdy z nich? Dlaczego opinia publiczna potrzebowała tak dużo czasu, aby je zaakceptować? Oto 7 najsłynniejszych francuskich impresjonistów znanych całemu światu.
1. Edouard Manet (1832-1883)
Edwarda Maneta. Autoportret z paletą. 1878 Zbiory prywatneManet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją.
Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. Był człowiekiem świeckim. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.
Ale na uznanie czekał bardzo długo. Publiczność chciała w najgorszym przypadku zobaczyć greckie boginie lub martwe natury, aby pięknie wyglądały w jadalni. Manet chciał namalować współczesne życie. Na przykład kurtyzany.
W rezultacie powstało „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie dam o łatwych cnotach. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.
Edwarda Maneta. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż Porównaj jego Lunchon the Grass z Romans in Decline Thomasa Couture. Malarstwo Couture wywołało sensację. Artysta natychmiast zyskał sławę.
„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgaryzmy. Absolutnie nie zalecano kobietom w ciąży patrzenia na nią.
Thomasa Couture. Rzymianie w swoim upadku. 1847 Musée d'Orsay w Paryżu. artchive.ru W malarstwie Couture widzimy wszystkie atrybuty akademizmu (tradycyjne malarstwo XVI-XIX w.). Kolumny i posągi. Ludzie o wyglądzie apollińskim. Tradycyjne stonowane kolory. Maniery póz i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innego człowieka.
Inny format ma „Śniadanie na trawie” Maneta. Przed nim nikt tak łatwo nie przedstawiał kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu mężczyzn tamtych czasów spędzało w ten sposób swój wolny czas. To było prawdziwe życie prawdziwych ludzi.
Kiedyś przedstawiłem szanowaną damę. Brzydki. Nie mógł jej schlebiać pędzlem. Pani była zawiedziona. Zostawiła go we łzach.
Edwarda Maneta. Angelina. 1860 Musée d'Orsay w Paryżu. Wikimedia.commons.org Kontynuował więc eksperymenty. Na przykład z kolorem. Nie starał się przedstawiać tzw. naturalnego koloru. Jeśli postrzegał szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, to przedstawiał ją jako jasnoniebieską.
To oczywiście rozzłościło publiczność. „Nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się błękitem wody Maneta” – żartowali.
Edwarda Maneta. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych w Tournai, Belgia. Wikipedia.org Ale fakt pozostaje faktem. Manet radykalnie zmienił cel malarstwa. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty, który maluje tak, jak mu się podoba. Zapominając o wzorach i tradycjach.
Innowacyjności długo nie wybaczano. Uznanie zyskał dopiero pod koniec życia. Ale on już tego nie potrzebował. Umierał boleśnie na nieuleczalną chorobę.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Zbiory prywatne Claude'a Moneta można nazwać podręcznikowym impresjonistą. Ponieważ był wierny temu kierunkowi przez całe swoje długie życie.
Malował nie przedmioty i ludzi, ale jednobarwną konstrukcję świateł i plam. Oddzielne pociągnięcia. Wstrząsy powietrza.
Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. metmuseum.org Monet malował nie tylko przyrodę. Odnosił sukcesy także w pejzażach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .
Na tym zdjęciu jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany poprzez rozmyty obraz.
Uwaga: odległe drzewa i postacie wydają się być we mgle.
Claude Monet. Boulevard des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX w.), Moskwa Przed nami zamrożony moment w tętniącym życiem Paryżu. Żadnej inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór pociągnięć pędzla. Taki brak fabuły i efekt „stop-klatki” to główne cechy impresjonizmu.
W połowie lat 80. artyści rozczarowali się impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale brak fabuły przygnębił wielu.
Tylko Monet nadal upierał się, przesadzając impresjonizm. To rozwinęło się w serię obrazów.
Dziesiątki razy przedstawiał ten sam krajobraz. O różnych porach dnia. W różnych porach roku. Aby pokazać, jak temperatura i światło mogą zmienić ten sam gatunek nie do poznania.
Tak powstały niezliczone stogi siana.
Obrazy Claude'a Moneta w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891. Po prawej: Stogi siana (efekt śniegu), 1891.
Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. I nie szary ani czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejny z ich wynalazków.
Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po 40. zapomniał już o biedzie. Mam dom i piękny ogród. I przez wiele lat pracował dla własnej przyjemności.
O najbardziej kultowym obrazie mistrza przeczytacie w artykule
3. August Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest.ru Impresjonizm to najbardziej pozytywne malarstwo. A najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.
W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nawet nie użył czarnej farby. Tylko radość bycia. Nawet najbardziej banalne rzeczy w Renoirze wyglądają pięknie.
W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej ważne. Na obrazach jego przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.
Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie wioślarzy. 1880-1881 Kolekcja Phillipsa, Waszyngton, USA. Wikimedia.commons.org W Renoirze nie znajdziesz żadnej głębi. Bardzo się cieszył, że dołączył do impresjonistów, którzy całkowicie porzucili tematy.
Jak sam powiedział, nareszcie ma okazję malować kwiaty i nazywać je po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj żadnych historii na ich temat.
Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolką w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis w Madrycie. arteuam.com Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im głupsza i bardziej naiwna była ta piosenka, tym lepiej dla niego. A męskie rozmowy go męczyły. Nic dziwnego, że Renoir słynie z aktów.
Modelka na obrazie „Akt w słońcu” pojawia się na kolorowym, abstrakcyjnym tle. Bo dla Renoira nic nie jest drugorzędne. Oko modelki lub fragment tła są równoważne.
Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org Renoir żył długo. Nigdy nie odkładam pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce były całkowicie spętane przez reumatyzm, przywiązywał szczotkę do dłoni sznurem. I narysował.
Podobnie jak Monet czekał na uznanie po 40 latach. A moje obrazy widziałem w Luwrze, obok dzieł znanych mistrzów.
Przeczytaj o jednym z najbardziej urokliwych portretów Renoira w artykule
4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana w Lizbonie, Portugalia. Cultured.com Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować w plenerze (na świeżym powietrzu). Nie znajdziesz u niego celowo rozjaśnionej palety.
Wręcz przeciwnie, lubił jasną linię. Ma mnóstwo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.
Ale wciąż jest zawsze stawiany w rzędzie z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.
Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu obiektów. Postacie zaskoczone. To główne cechy jego obrazów.
Zatrzymywał momenty życia, nie pozwalając bohaterom opamiętać się. Wystarczy spojrzeć na jego „Orkiestrę Operową”.
Edgara Degasa. Orkiestra operowa. 1870 Musée d'Orsay w Paryżu. commons.wikimedia.org Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk jest do nas tyłem. A w tle baletnice na scenie nie zmieściły się w „kadru”. Ich głowy są bezlitośnie „odcinane” krawędzią obrazu.
Dlatego jego ulubieni tancerze nie zawsze są przedstawiani w pięknych pozach. Czasami po prostu rozciągają się.
Ale taka improwizacja jest wyimaginowana. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał kompozycję. To jest po prostu efekt stop-klatki, a nie prawdziwy stop-klatki.
Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne, Wermut, USA Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Jednak choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy nie był żonaty. Nikt nigdy nie widział go z kobietą.
Brak realnych tematów w jego życiu osobistym dodawał jego obrazom subtelnego i intensywnego erotyzmu.
Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org Należy pamiętać, że na obrazie „Gwiazda baletu” przedstawiona jest tylko sama baletnica. Jej koledzy zza kulis są ledwo widoczni. Tylko kilka nóg.
Nie oznacza to, że Degas nie ukończył obrazu. To jest przyjęcie. Koncentruj się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, stanie się nieczytelna.
O innych obrazach mistrza przeczytasz w artykule
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Edwarda Maneta. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu. Berthe Morisot rzadko jest umieszczana w pierwszym szeregu wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że to niezasłużone. To w jej twórczości znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli podoba Ci się ten styl, pokochasz jej twórczość całym sercem.
Morisot pracowała szybko i energicznie, przenosząc swoje wrażenia na płótno. Wygląda na to, że postacie zaraz rozpłyną się w przestrzeni.
Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabraya w Montpellier we Francji. Podobnie jak Degas często pozostawiała pewne szczegóły niedokończone. A nawet części ciała modelki. Dłoni dziewczyny na obrazie „Lato” nie możemy rozróżnić.
Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „nieostrożnym” malarstwem. Nadal była kobietą. W tamtych czasach kobieta miała marzyć o małżeństwie. Po czym zapomniano o jakimkolwiek hobby.
Dlatego Bertha przez długi czas odmawiała zawarcia małżeństwa. Dopóki nie znalazła mężczyzny, który szanował jej zawód. Eugene Manet był bratem artysty Edouarda Maneta. Posłusznie niósł za żoną sztalugi i malował.
Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu. Ale to było jeszcze w XIX wieku. Nie, nie nosiłem spodni Morisot. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchu.
Nie mogła sama iść do parku do pracy, bez towarzystwa bliskiej jej osoby. Nie mogłam siedzieć sama w kawiarni. Dlatego jej obrazy przedstawiają osoby z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, bliscy, nianie.
Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Walijskie Muzeum Narodowe w Cardiff. Morisot nie czekał na uznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc, nie sprzedając przez całe życie prawie żadnej swojej pracy. W akcie zgonu w rubryce „zawód” widniała myślnik. Nie do pomyślenia było, aby kobietę nazywano artystką. Nawet jeśli rzeczywiście nią była.
O obrazach mistrza przeczytacie w artykule
6. Kamil Pissarro (1830 – 1903)
Kamila Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu. Wikipedia.org Kamila Pissarro. Bezkonfliktowy, rozsądny. Wielu postrzegało go jako nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie wypowiadali się źle o Pissarro.
Był wiernym zwolennikiem impresjonizmu. Będąc w wielkiej potrzebie, mając żonę i pięcioro dzieci, nadal ciężko pracował w swoim ulubionym stylu. I nigdy nie przerzucił się na malowanie salonów, aby zyskać większą popularność. Nie wiadomo, skąd wziął siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.
Aby wcale nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze, które chętnie kupowano. Ale prawdziwe uznanie przyszło mu po 60 latach! Wreszcie mógł zapomnieć o swoich potrzebach.
Kamila Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay w Paryżu Powietrze na obrazach Pissarro jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.
Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk przyrody, które pojawiają się na chwilę i znikają. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.
Kamila Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu Jego najbardziej znanymi dziełami są widoki Paryża. Z szerokimi bulwarami i tętniącym życiem, pstrokatym tłumem. W nocy, w ciągu dnia, przy różnej pogodzie. W pewnym sensie nawiązują do serii obrazów Claude'a Moneta.
Zaledwie rok temu określenie „rosyjski impresjonizm” brzmiało w uszach przeciętnego obywatela naszego rozległego kraju. Każdy wykształcony człowiek zna lekki, jasny i szybki francuski impresjonizm, potrafi odróżnić Moneta od Maneta i rozpoznać słoneczniki Van Gogha ze wszystkich martwych natur. Ktoś słyszał coś o amerykańskiej gałęzi rozwoju tego kierunku malarstwa - bardziej miejskich pejzaży Hassama i portretów Chase'a w porównaniu do francuskich. Ale badacze wciąż spierają się o istnienie rosyjskiego impresjonizmu.
Konstanty Korowin
Historia rosyjskiego impresjonizmu rozpoczęła się od obrazu „Portret chórzystki” Konstantina Korovina, a także od niezrozumienia i potępienia opinii publicznej. Widząc to dzieło po raz pierwszy, I. E. Repin nie od razu uwierzył, że dzieło to wykonał rosyjski malarz: „Hiszpan! Widzę. Pisze odważnie i soczyście. Wspaniały. Ale to tylko malowanie dla samego malowania. Hiszpan jednak z temperamentem...” Sam Konstantin Aleksiejewicz zaczął malować swoje płótna w sposób impresjonistyczny już w latach studenckich, nie znając malarstwa Cezanne'a, Moneta i Renoira na długo przed wyjazdem do Francji. Dopiero dzięki doświadczonemu oku Polenowa Korowin dowiedział się, że posługuje się ówczesną francuską techniką, do której doszedł intuicyjnie. Jednocześnie rosyjskiego artystę zdradzają tematy, których używa w swoich obrazach - uznane arcydzieło „Północna sielanka”, namalowane w 1892 roku i przechowywane w Galerii Trietiakowskiej, ukazuje nam miłość Korovina do rosyjskich tradycji i folkloru. Tę miłość zaszczepił artyście „krąg Mamontowa” - społeczność twórczej inteligencji, w skład której wchodzili Repin, Polenow, Wasniecow, Vrubel i wielu innych przyjaciół słynnego filantropa Savvy Mamontowa. W Abramcewie, gdzie znajdowała się posiadłość Mamontowa i gdzie gromadzili się członkowie środowiska artystycznego, Korovin miał szczęście spotkać się i współpracować z Walentinem Serowem. Dzięki tej znajomości twórczość uznanego już artysty Serowa nabrała cech lekkiego, jasnego i szybkiego impresjonizmu, co widzimy w jednym z jego wczesnych dzieł - „Otwarte okno. Liliowy".
Portret chórzystki, 1883
Północna idylla, 1886
Czeremcha, 1912
Gurzuf 2, 1915
Molo w Gurzuf, 1914
Paryż, 1933
Walenty Sierow
Malarstwo Sierowa jest przesiąknięte cechą właściwą tylko rosyjskiemu impresjonizmowi - jego obrazy odzwierciedlają nie tylko wrażenie tego, co widział artysta, ale także stan jego duszy w tej chwili. Na przykład na obrazie „Plac św. Marka w Wenecji”, namalowanym we Włoszech, dokąd Sierow udał się w 1887 roku z powodu poważnej choroby, dominują zimne odcienie szarości, co daje nam wyobrażenie o kondycji artysty. Ale pomimo dość ponurej palety obraz jest standardowym dziełem impresjonistycznym, ponieważ Sierowowi udało się uchwycić prawdziwy świat w jego mobilności i zmienności oraz przekazać swoje ulotne wrażenia. W liście do narzeczonej z Wenecji Sierow napisał: „W obecnym stuleciu piszą wszystko, co trudne, a nic radosnego. Chcę, chcę, rzeczy satysfakcjonujących i będę pisać tylko rzeczy satysfakcjonujące.
Otwórz okno. Liliowy, 1886
Plac Świętego Marka w Wenecji, 1887
Dziewczyna z brzoskwiniami (Portret V. S. Mamontowej)
Koronacja. Bierzmowanie Mikołaja II w katedrze Wniebowzięcia, 1896
Dziewczyna oświetlona przez słońce, 1888
Kąpiel konia, 1905
Aleksander Gierasimow
Jednym z uczniów Korowina i Sierowa, który przyjął ich ekspresyjne malowanie pędzlem, jasną paletę i szkicowy styl malarstwa, był Aleksander Michajłowicz Gerasimow. Twórczość artysty rozkwitła w czasie rewolucji, co nie mogło nie znaleźć odzwierciedlenia w tematach jego obrazów. Pomimo tego, że Gierasimow oddał swój pędzel na służbę partii i zasłynął dzięki wybitnym portretom Lenina i Stalina, nadal pracował nad bliskimi mu impresjonistycznymi pejzażami. Praca Aleksandra Michajłowicza „Po deszczu” ukazuje nam artystę jako mistrza przekazywania powietrza i światła na obrazie, co Gierasimow zawdzięcza wpływowi swoich wybitnych mentorów.
Artyści w daczy Stalina, 1951
Stalin i Woroszyłow na Kremlu, lata 50. XX wieku
Po deszczu. Mokry taras, 1935
Martwa natura. Bukiet polny, 1952
Igor Grabar
Mówiąc o późnym impresjonizmie rosyjskim, nie sposób nie zwrócić uwagi na twórczość wielkiego artysty Igora Emmanuilovicha Grabara, który dzięki licznym podróżom po Europie przejął wiele technik malarzy francuskich drugiej połowy XIX wieku. Korzystając z technik klasycznych impresjonistów, Grabar w swoich obrazach przedstawia absolutnie rosyjskie motywy pejzażowe i sceny codzienne. Podczas gdy Monet maluje kwitnące ogrody Giverny, a Degas piękne baletnice, Grabar w tych samych pastelowych kolorach przedstawia surową rosyjską zimę i życie na wsi. Przede wszystkim Grabar uwielbiał przedstawiać szron na swoich płótnach i poświęcił mu cały zbiór prac, składający się z ponad stu małych, wielobarwnych szkiców tworzonych o różnych porach dnia i przy różnej pogodzie. Trudność w pracy nad takimi rysunkami polegała na tym, że farba zamarzała na mrozie, więc musieliśmy pracować szybko. Ale to właśnie pozwoliło artyście odtworzyć „ten moment” i przekazać swoje wrażenia z niego, co jest główną ideą klasycznego impresjonizmu. Styl malarski Igora Emmanuilovicha nazywany jest często naukowym impresjonizmem, ponieważ przywiązywał on dużą wagę do światła i powietrza na płótnach oraz stworzył wiele badań nad transmisją kolorów. Jemu też zawdzięczamy chronologiczny układ obrazów Galerii Trietiakowskiej, której był dyrektorem w latach 1920-1925.
Aleja Brzozowa, 1940 rok
Pejzaż zimowy, 1954
Mróz, 1905
Gruszki na niebieskim obrusie, 1915
Narożnik osiedla (Promień słońca), 1901 r
Jurij Pimenow
Zupełnie nieklasyczny, ale jednak impresjonizm rozwinął się w czasach sowieckich, którego wybitnym przedstawicielem jest Jurij Iwanowicz Pimenow, który po pracy w stylu ekspresjonizmu zaczął przedstawiać „ulotne wrażenie w kolorach łóżka”. Jednym z najsłynniejszych dzieł Pimenowa jest obraz „Nowa Moskwa” z lat 30. XX wieku – jasny, ciepły, jakby namalowany zwiewnymi pociągnięciami pędzla Renoira. Ale jednocześnie fabuła tego dzieła jest całkowicie niezgodna z jedną z głównych idei impresjonizmu - odmową wykorzystywania tematów społecznych i politycznych. „Nowa Moskwa” Pimenowa doskonale odzwierciedla zmiany społeczne w życiu miasta, które zawsze inspirowały artystę. „Pimenow kocha Moskwę, jej nowość, jej mieszkańców. Malarz hojnie daje widzowi to uczucie” – pisze w 1973 roku artysta i badacz Igor Dołgopołow. I rzeczywiście, patrząc na obrazy Jurija Iwanowicza, jesteśmy przesiąknięci miłością do sowieckiego życia, nowych dzielnic, lirycznych parapetów i urbanistyki, uchwyconej w technice impresjonizmu.
Twórczość Pimenowa po raz kolejny udowadnia, że wszystko „rosyjskie” przywiezione z innych krajów ma swoją szczególną i niepowtarzalną ścieżkę rozwoju. Podobnie francuski impresjonizm w Imperium Rosyjskim i Związku Radzieckim wchłonął cechy rosyjskiego światopoglądu, charakteru narodowego i sposobu życia. Impresjonizm jako sposób przekazywania jedynie postrzegania rzeczywistości w czystej postaci pozostał obcy sztuce rosyjskiej, ponieważ każdy obraz rosyjskich artystów jest pełen znaczenia, świadomości, stanu zmiennej rosyjskiej duszy, a nie tylko ulotnego wrażenia. Dlatego w najbliższy weekend, kiedy Muzeum Rosyjskiego Impresjonizmu ponownie zaprezentuje wystawę główną Moskalom i gościom stolicy, każdy znajdzie coś dla siebie wśród zmysłowych portretów Sierowa, urbanistyki Pimenowa i nietypowych dla Kustodiewa krajobrazów.
Nowa Moskwa
Parapetówka liryczna, 1965
Garderoba Teatru Bolszoj, 1972
Wczesny poranek w Moskwie, 1961 rok
Paryż. Rue Saint-Dominique. 1958
Stewardessa, 1964
Być może dla większości nazwiska Korovin, Serow, Gierasimow i Pimenow nadal nie są kojarzone z konkretnym stylem sztuki, ale Muzeum Rosyjskiego Impresjonizmu, otwarte w maju 2016 roku w Moskwie, mimo wszystko zgromadziło prace tych artystów pod jednym dachem.
