Słowo „impresjonizm” pochodzi od francuskiego „impresja” – wrażenie. Jest to ruch malarski, który powstał we Francji w latach sześćdziesiątych XIX wieku. i w dużej mierze determinowały rozwój sztuki w XIX wieku. Centralnymi postaciami tego ruchu byli Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir i Sisley, a wkład każdego z nich w jego rozwój jest wyjątkowy. Impresjoniści przeciwstawiali się konwencjom klasycyzmu, romantyzmu i akademizmu, afirmowali piękno codziennej rzeczywistości, proste, demokratyczne motywy, osiągali żywą autentyczność obrazu, starali się uchwycić „wrażenie” tego, co oko widzi w danym momencie, bez skupiania się na na rysowaniu konkretnych szczegółów.
Wiosną 1874 roku grupa młodych malarzy, w skład której wchodzili Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Cezanne i Berthe Morisot, zaniedbała oficjalny Salon i zorganizowała własną wystawę. Taki akt sam w sobie był rewolucyjny i zrywał z wielowiekowymi fundamentami, jednak malarstwo tych artystów na pierwszy rzut oka wydawało się jeszcze bardziej wrogie tradycji. Reakcja odwiedzających i krytyków na tę innowację była daleka od przyjaznej. Zarzucali artystom, że malują tylko po to, by przyciągnąć uwagę publiczności, a nie jak uznani mistrzowie. Najbardziej pobłażliwi postrzegali swoją pracę jako kpinę, próbę ośmieszenia uczciwych ludzi. Minęły lata zaciętej walki, zanim uznani później klasycy malarstwa zdołali przekonać publiczność nie tylko o swojej szczerości, ale także o swoim talencie.
Próbując jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia z rzeczy, impresjoniści stworzyli nową metodę malowania. Jego istotą było oddanie zewnętrznego wrażenia światła, cienia, refleksów na powierzchni przedmiotów za pomocą oddzielnych pociągnięć czystej farby, które wizualnie rozpuszczały formę w otaczającym środowisku świetlno-powietrznym. W swoich ulubionych gatunkach (pejzaż, portret, kompozycja wielopostaciowa) starali się przekazać ulotne wrażenia z otaczającego ich świata (sceny na ulicy, w kawiarni, szkice z niedzielnych spacerów itp.). Impresjoniści przedstawiali życie pełne naturalnej poezji, w którym człowiek jest w jedności z otoczeniem, wiecznie się zmienia, uderzając bogactwem i blaskiem czystych, jasnych kolorów.
Po pierwszej wystawie w Paryżu artystów tych zaczęto nazywać impresjonistami, od francuskiego słowa „impresja” - „impresja”. To słowo pasowało do ich dzieł, ponieważ artyści przekazywali w nich bezpośrednie wrażenia z tego, co widzieli. Artyści przyjęli nowe podejście do przedstawiania świata. Motywem przewodnim było dla nich drżące światło, powietrze, w którym zdawały się zanurzać ludzie i przedmioty. Na ich obrazach można było poczuć wiatr, wilgotną ziemię nagrzaną słońcem. Starali się pokazać niesamowite bogactwo kolorów w naturze. Impresjonizm był ostatnim znaczącym ruchem artystycznym w XIX-wiecznej Francji.
Nie można powiedzieć, że droga artystów impresjonistów była łatwa. Początkowo nie zostali rozpoznani, ich malarstwo było zbyt odważne i niezwykłe, wyśmiewano ich. Nikt nie chciał kupować ich obrazów. Oni jednak uparcie poszli swoją drogą. Ani bieda, ani głód nie mogły zmusić ich do porzucenia swoich przekonań. Minęło wiele lat, wielu impresjonistów już nie żyło, gdy ich twórczość została w końcu rozpoznana.
Wszystkich tych bardzo różnych artystów łączyła wspólna walka z konserwatyzmem i akademizmem w sztuce. Impresjoniści zorganizowali osiem wystaw, ostatnia w 1886 roku. Na tym właściwie kończy się historia impresjonizmu jako nurtu w malarstwie, po którym każdy z artystów poszedł własną drogą.
Jeden z obrazów prezentowanych na pierwszej wystawie „Niezależnych”, jak woleli nazywać siebie sami artyści, należał do Claude'a Moneta i nosił tytuł „Impresja. Wschód słońca". W gazetowej recenzji wystawy, która ukazała się następnego dnia, krytyk L. Leroy na wszelkie możliwe sposoby naśmiewał się z braku „sztuczności formy” w obrazach, ironicznie pod każdym względem naginając słowo „wrażenie” (wrażenie), jako jeśli zastąpimy prawdziwą sztukę w twórczości młodych artystów. Wbrew oczekiwaniom nowe słowo, wypowiedziane z drwiną, przyjęło się i posłużyło za nazwę całego ruchu, doskonale bowiem wyrażało to, co łączyło wszystkich uczestników wystawy – subiektywne doświadczenie koloru, światła, przestrzeni. Starając się jak najdokładniej oddać swoje bezpośrednie wrażenia z rzeczy, artyści uwolnili się od tradycyjnych zasad i stworzyli nową metodę malowania.
Impresjoniści wysunęli własne zasady postrzegania i przedstawiania otaczającego świata. Zatarli granicę pomiędzy obiektami głównymi, godnymi sztuki wysokiej i przedmiotami wtórnymi, ustanawiając między nimi bezpośredni i odwrotny związek. W ten sposób metoda impresjonistyczna stała się maksymalnym wyrazem samej zasady malowniczości. Malarskie podejście do obrazu polega właśnie na identyfikowaniu powiązań przedmiotu z otaczającym go światem. Nowa metoda zmusiła widza do rozszyfrowania nie tyle zwrotów akcji, ile tajemnic samego obrazu.
Istota impresjonistycznej wizji natury i jej przedstawiania polega na osłabieniu aktywnego, analitycznego postrzegania trójwymiarowej przestrzeni i jej sprowadzeniu do pierwotnej dwuwymiarowości płótna, wyznaczonej przez płaską postawę wizualną, jak ujął to: A. Hildebranda, „spoglądanie z dystansu na naturę”, co prowadzi do odwrócenia ukazanego przedmiotu od jego materialnych walorów, wtopienia się w otoczenie, niemal całkowitego przekształcenia go w „pozorność”, pozór rozpływający się w świetle i powietrzu. To nie przypadek, że P. Cezanne nazwał później przywódcę francuskich impresjonistów, Claude’a Moneta, „tylko oczami”. To „oderwanie” percepcji wzrokowej doprowadziło także do wygaszenia „koloru pamięci”, czyli powiązania koloru z nawykowymi pojęciami i skojarzeniami przedmiotowymi, według których niebo jest zawsze niebieskie, a trawa zielona. Impresjoniści mogli, w zależności od swojej wizji, pomalować niebo na zielono, a trawę na niebiesko. „Obiektywna wiarygodność” została poświęcona prawom percepcji wzrokowej. Na przykład J. Seurat z entuzjazmem opowiadał wszystkim, jak odkrył, że pomarańczowy przybrzeżny piasek w cieniu jest jasnoniebieski. Zatem metoda malowania opierała się na zasadzie kontrastowego postrzegania kolorów dopełniających.
Dla impresjonisty przeważnie nie jest ważne to, co przedstawia, ale „jak”. Obiekt staje się jedynie pretekstem do rozwiązywania problemów czysto obrazowych, „wizualnych”. Dlatego impresjonizm początkowo miał inną, później zapomnianą nazwę - „chromantyzm” (od greckiego Chroma - kolor). Impresjoniści zaktualizowali swoją kolorystykę, porzucili ciemne, ziemiste barwy i nałożyli na płótno czyste, widmowe barwy, niemal bez uprzedniego mieszania ich na palecie. Naturalizm impresjonizmu polegał na tym, że najbardziej nieciekawe, zwyczajne, prozaiczne zamieniało się w piękne, gdy tylko artysta dostrzegł subtelne niuanse szarości i błękitu.
Twórczą metodę impresjonizmu charakteryzuje zwięzłość i szkicowość. Przecież dopiero krótki szkic pozwolił na dokładne zarejestrowanie poszczególnych stanów natury. Impresjoniści jako pierwsi zerwali z tradycyjnymi zasadami przestrzennej konstrukcji obrazu, sięgającymi czasów renesansu i baroku. Zastosowali asymetryczne kompozycje, aby lepiej podkreślić interesujące ich postacie i przedmioty. Paradoks polegał jednak na tym, że impresjoniści porzuciwszy naturalizm sztuki akademickiej, burząc jej kanony i deklarując wartość estetyczną rejestrowania wszystkiego, co ulotne, przypadkowe, pozostali w niewoli myślenia naturalistycznego, a co więcej, pod wieloma względami był to krok wstecz. Można przywołać słowa O. Spenglera, że „Krajobraz Rembrandta leży gdzieś w bezkresnych przestrzeniach świata, natomiast pejzaż Claude’a Moneta leży w pobliżu stacji kolejowej”
Impresjonizm to kierunek w malarstwie, który narodził się we Francji w XIX-XX wieku i jest artystyczną próbą uchwycenia jakiegoś momentu życia w całej jego zmienności i mobilności. Obrazy impresjonistów są jak dobrze wyprana fotografia, ożywiająca w fantazji kontynuację widzianej historii. W tym artykule przyjrzymy się 10 najsłynniejszym impresjonistom na świecie. Na szczęście utalentowanych artystów jest znacznie więcej niż dziesięciu, dwudziestu, a nawet stu, więc skupmy się na tych nazwiskach, które zdecydowanie musisz znać.
Aby nie urazić ani artystów, ani ich wielbicieli, listę podano w rosyjskim porządku alfabetycznym.
1. Alfreda Sisleya
Ten francuski malarz angielskiego pochodzenia uważany jest za najsłynniejszego pejzażystę drugiej połowy XIX wieku. Jego kolekcja zawiera ponad 900 obrazów, z których najbardziej znane to „Wiejska aleja”, „Mróz w Louveciennes”, „Most w Argenteuil”, „Wczesny śnieg w Louveciennes”, „Trawniki na wiosnę” i wiele innych.
2. Van Gogha
Znany na całym świecie ze smutnej historii o swoim uchu (swoją drogą nie odciął sobie całego ucha, a jedynie płatek), Van Gon zyskał popularność dopiero po swojej śmierci. I w ciągu swojego życia udało mu się sprzedać jeden obraz na 4 miesiące przed śmiercią. Mówią, że był zarówno przedsiębiorcą, jak i księdzem, ale często z powodu depresji trafiał do szpitali psychiatrycznych, więc cały bunt jego istnienia zaowocował legendarnymi dziełami.
3. Kamil Pissarro
Pissarro urodził się na wyspie św. Tomasza, w rodzinie burżuazyjnych Żydów i był jednym z nielicznych impresjonistów, których rodzice wspierali jego pasję i wkrótce wysłali go na studia do Paryża. Przede wszystkim artysta lubił naturę, przedstawiał ją we wszystkich kolorach, a mówiąc ściślej, Pissarro miał szczególny talent do dobierania miękkości kolorów, zgodności, po czym na obrazach zdawało się pojawiać powietrze.
4. Claude Monet
Od dzieciństwa chłopiec zdecydował, że pomimo zakazów rodzinnych zostanie artystą. Po samodzielnej przeprowadzce do Paryża Claude Monet pogrążył się w szarej codzienności ciężkiego życia: dwa lata służby w siłach zbrojnych w Algierii, spory sądowe z wierzycielami z powodu biedy i choroby. Można jednak odnieść wrażenie, że trudności nie gnębiły, a wręcz przeciwnie, zainspirowały artystę do stworzenia tak żywych obrazów, jak „Impresja, wschód słońca”, „Domy parlamentu w Londynie”, „Most do Europy”, „Jesień w Argenteuil”, „Na brzegu” Trouville” i wiele innych.
5. Konstantin Korowin
Miło wiedzieć, że wśród Francuzów, rodziców impresjonizmu, z dumą możemy umieścić naszego rodaka, Konstantina Korovina. Namiętna miłość do natury pomogła mu intuicyjnie nadać statycznemu obrazowi niewyobrażalną żywotność, dzięki połączeniu odpowiednich kolorów, szerokości pociągnięć i doborowi tematu. Nie sposób przejść obojętnie obok jego obrazów „Molo w Gurzufie”, „Ryba, wino i owoce”, „Jesienny krajobraz”, „Księżycowa noc. Zima” oraz cykl jego prac poświęconych Paryżowi.
6. Paul Gauguin
Do 26 roku życia Paul Gauguin nawet nie myślał o malarstwie. Był przedsiębiorcą i miał dużą rodzinę. Kiedy jednak po raz pierwszy zobaczyłam obrazy Camille’a Pissarro, stwierdziłam, że na pewno zacznę malować. Z biegiem czasu styl artysty zmienił się, ale najsłynniejsze obrazy impresjonistyczne to „Ogród w śniegu”, „Na klifie”, „Na plaży w Dieppe”, „Akt”, „Palmy na Martynice” i inne.
7. Paul Cezanne
Cezanne, w przeciwieństwie do większości swoich kolegów, zasłynął już za życia. Udało mu się zorganizować własną wystawę i zarobić na niej znaczne dochody. O jego obrazach wiedzieli dużo – on jak nikt inny nauczył się łączyć grę światła i cienia, kładł duży nacisk na regularne i nieregularne kształty geometryczne, surowość tematu jego obrazów harmonizowała z romantyzmem.
8. Pierre Auguste Renoir
Do 20 roku życia Renoir pracował jako dekorator-fan dla swojego starszego brata, a dopiero potem przeniósł się do Paryża, gdzie poznał Moneta, Basila i Sisleya. Ta znajomość pomogła mu w przyszłości podążać ścieżką impresjonizmu i zyskać na niej sławę. Renoir znany jest jako autor portretów sentymentalnych, do jego najwybitniejszych dzieł należą „Na tarasie”, „Spacer”, „Portret aktorki Jeanne Samary”, „Loża”, „Alfred Sisley i jego żona”, „ Na huśtawce”, „Brodzik” i wiele innych.
9. Edgara Degasa
Jeśli nie słyszeliście nic o „Niebieskich tancerzach”, „Próbie baletowej”, „Szkole baletowej” i „Absyncie”, pospieszcie się i poznajcie twórczość Edgara Degasa. Dobór oryginalnych kolorów, niepowtarzalne motywy obrazów, wyczucie ruchu obrazu – to wszystko i wiele więcej uczyniło Degasa jednym z najbardziej znanych artystów na świecie.
10. Edouarda Maneta
Nie mylcie Maneta z Monetem - to dwie różne osoby, które pracowały w tym samym czasie i w tym samym kierunku artystycznym. Maneta zawsze pociągały sceny z życia codziennego, niezwykły wygląd i typy, jakby przypadkowo „uchwycone” chwile, uchwycone później przez wieki. Wśród słynnych obrazów Maneta: „Olimpia”, „Obiad na trawie”, „Bar w Folies Bergere”, „Flecista”, „Nana” i inne.
Jeśli będziesz miał choćby najmniejszą okazję zobaczyć na żywo obrazy tych mistrzów, na zawsze zakochasz się w impresjonizmie!
Impresjonizm (impresjonizm) to styl malarstwa, który pojawił się pod koniec XIX wieku we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat. Sama idea impresjonizmu kryje się w jego nazwie: wrażenie - wrażenie. Artyści znużeni tradycyjnymi akademickimi technikami malarskimi, które ich zdaniem nie oddawały całego piękna i żywotności świata, zaczęli posługiwać się zupełnie nowymi technikami i metodami obrazowania, które w najbardziej przystępnej formie miały wyrazić nie wygląd „fotograficzny”, ale wrażenie z tego, co zobaczył. W swoim malarstwie impresjonista, wykorzystując charakter swoich pociągnięć i paletę barw, stara się oddać atmosferę ciepła lub chłodu, silnego wiatru lub spokojnej ciszy, mglistego deszczowego poranka lub jasnego słonecznego popołudnia, a także swoje osobiste przeżycia. z tego co widział.
Impresjonizm to świat uczuć, emocji i ulotnych wrażeń. Ceniony jest tu nie realizm zewnętrzny czy naturalność, ale realizm wyrażanych wrażeń, stan wewnętrzny obrazu, jego atmosfera i głębia. Początkowo styl ten był przedmiotem ostrej krytyki. Pierwsze obrazy impresjonistów wystawiono w paryskim „Salonie Nędzników”, gdzie prezentowane były prace artystów odrzuconych przez oficjalny paryski Salon Sztuki. Terminu „impresjonizm” po raz pierwszy użył krytyk Louis Leroy, który w magazynie „Le Charivari” napisał pogardliwą recenzję na temat wystawy artystów. Za podstawę tego terminu wziął obraz Claude’a Moneta „Impresja. Wschodzące słońce". Wszystkich artystów nazwał impresjonistami, co można z grubsza przetłumaczyć jako „impresjoniści”. Początkowo obrazy rzeczywiście były krytykowane, ale wkrótce na salon zaczęło przybywać coraz więcej miłośników nowego kierunku artystycznego, a sam gatunek z odrzuconego zmienił się w uznany.
Warto zaznaczyć, że artyści końca XIX wieku we Francji nie wymyślili nowego stylu znikąd. Za podstawę przyjęli techniki malarzy przeszłości, w tym artystów renesansu. Malarze tacy jak El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner i inni, na długo przed pojawieniem się impresjonizmu, próbowali oddać nastrój obrazu, żywotność natury, szczególną wyrazistość pogody za pomocą różnych tonów pośrednich , jasne lub przeciwnie, matowe pociągnięcia, które wyglądały jak rzeczy abstrakcyjne. W swoich obrazach stosowali tę technikę dość oszczędnie, dlatego niezwykła technika nie rzucała się w oczy widza. Impresjoniści postanowili przyjąć te metody obrazowania za podstawę swoich dzieł.
Kolejną specyficzną cechą twórczości impresjonistów jest pewna powierzchowna codzienność, która jednak kryje w sobie niesamowitą głębię. Nie starają się wyrażać żadnych głębokich wątków filozoficznych, problemów mitologicznych czy religijnych, wydarzeń historycznych czy ważnych. Obrazy artystów tego ruchu są z natury proste i codzienne - pejzaże, martwe natury, ludzie spacerujący ulicą lub zajmując się swoimi normalnymi sprawami i tak dalej. Właśnie w takich momentach, gdy nie ma nadmiernej treści tematycznej, która odwraca uwagę człowieka, na pierwszy plan wysuwają się uczucia i emocje z tego, co widzi. Również impresjoniści, przynajmniej na początku swojego istnienia, nie przedstawiali „ciężkich” tematów – biedy, wojen, tragedii, cierpienia i tak dalej. Obrazy impresjonistów to najczęściej dzieła najbardziej pozytywne i radosne, w których jest dużo światła, jaskrawych kolorów, wygładzone światłocienie, gładkie kontrasty. Impresjonizm to przyjemne wrażenie, radość życia, piękno każdej chwili, przyjemność, czystość, szczerość.
Najbardziej znanymi impresjonistami byli tak wielcy artyści jak Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro i wielu innych.
Nie wiesz gdzie kupić prawdziwą harfę szczękową? Największy wybór znajdziesz na stronie khomus.ru. Szeroka gama etnicznych instrumentów muzycznych w Moskwie.
Alfred Sisley - Trawniki na wiosnę
Camille Pissarro – Boulevard Montmartre. Popołudnie, słoneczne.
Kierunek I. rozwinął się we Francji w ostatnim czasie. trzeci XIX w - początek XX wiek i przeszedł przez 3 etapy:
Lata 60-70 XIX w. – początek I.
1874-80 – dojrzały I.
Lata 90-te XIX wieku. - spóźniony I.
Nazwa kierunku pochodzi od tytułu obrazu C. Moneta „Impresja. Wschodzące słońce”, napisany w 1872 roku.
Pochodzenie: twórczość „małych” Holendrów (Vermeera), E. Delacroix, G. Courbeta, F. Milleta, C. Corota, artystów szkoły Barbizon – wszyscy starali się uchwycić najsubtelniejsze nastroje natury i atmosfery, wykonując małe szkice w naturze.
Grafika japońska, której wystawa odbyła się w Paryżu w 1867 roku, gdzie po raz pierwszy pokazano całą serię wizerunków tego samego przedmiotu o różnych porach roku, dnia itp. („100 widoków na górę Fuji”, stacja Tokaido itp.)
Zasady estetyczne I.:
Odrzucenie konwencji klasycyzmu; odrzucenie tematów historycznych, biblijnych i mitologicznych wymaganych dla klasycyzmu;
Praca na świeżym powietrzu (z wyjątkiem E. Degasa);
Przenoszenie natychmiastowego wrażenia, które obejmuje obserwację i badanie otaczającej rzeczywistości w różnych przejawach;
Artyści impresjonistyczni wyrażający się w malarstwie nie tylko to, co widzą(jak w realizmie) ale także to, jak widzą(zasada subiektywna);
Impresjoniści, jako artyści miasta, próbowali uchwycić je w całej jego różnorodności, dynamice, szybkości, różnorodności ubiorów, reklamy, ruchu (C. Monet „Boulevard des Capucines in Paris”;
Malarstwo impresjonistyczne charakteryzuje się motywami demokratycznymi, które podkreślały piękno życia codziennego; tematami są nowoczesne miasto z jego rozrywkami: kawiarniami, teatrami, restauracjami, cyrkami (E. Manet, O. Renoir, E. Degas). Warto zwrócić uwagę na poezję motywów obrazu;
Nowe formy malarstwa: kadrowanie, szkicowość, szkicowość, małe rozmiary prac dla podkreślenia ulotności wrażenia, naruszające integralność obiektów;
Tematyka obrazów impresjonistów nie była podstawowa i typowa, jak w ruchu realistycznym XIX wieku, ale przypadkowa (nie performans, próba - E. Degas: cykl baletowy);
- „mieszanie gatunków”: pejzaż, gatunek codzienny, portret i martwa natura (E. Manet – „Bar przy Folies Bergere”;
Natychmiastowy obraz tego samego obiektu o różnych porach roku, dnia (C. Monet - „Stogi siana”, „Topole”, seria zdjęć katedry w Rouen, lilie wodne itp.)
Stworzenie nowego systemu malarskiego zachowującego świeżość natychmiastowego wrażenia: rozkład skomplikowanych tonów na czyste kolory - oddzielne pociągnięcia czystego koloru, które w oku widza zmieszały się z jasną kolorystyką. Malarstwo impresjonistyczne to różnorodność pociągnięć przecinkami, które nadają warstwie farby drżenie i ulgę;
Szczególna rola wody w jej przedstawieniu: woda jako lustro, wibrujące środowisko kolorów (C. Monet „Skały w Belle-Ile”).
W latach 1874–1886 impresjoniści zorganizowali 8 wystaw, po 1886 roku impresjonizm zaczął się rozkładać jako ruch integralny na neoimpresjonizm i postimpresjonizm.
Przedstawiciele francuskiego impresjonizmu: Edouard Manet, Claude Monet – twórca I., Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro.
Charakteryzuje się rosyjskim impresjonizmem:
Bardziej przyspieszony rozwój impresjonizmu w jego „czystej formie”, ponieważ ten kierunek w malarstwie rosyjskim pojawia się pod koniec lat 80. XIX wieku;
Duże rozciągnięcie w czasie (I. pojawia się jako zabarwienie stylistyczne w twórczości najważniejszych artystów rosyjskich: W. Sierow, K. Korovin)
Większa kontemplacja i liryzm, „wersja wiejska” (w porównaniu z „miejskim” francuskim): I. Grabar - „Luty Lazur”, „Marcowy Śnieg”, „Wrześniowy Śnieg”;
Przedstawienie tematów czysto rosyjskich (V. Serov, I. Grabar);
Większe zainteresowanie ludźmi (V. Serov „Dziewczyna oświetlona słońcem” „Dziewczyna z brzoskwiniami”;
Mniejsza dynamizacja percepcji;
Romantyczna kolorystyka.
Prezentacja " Impresjonizm w malarstwie» przybliży twórczość wybitnych francuskich artystów: Claude'a Moneta, Camille'a Pissarro, Edgara Degasa, Alfreda Sisleya i Auguste'a Renoira oraz opowie o rewolucji, jaką dokonali w sztuce.
Impresjonizm w malarstwie
O pochodzeniu terminu „ impresjonizm „Powiem tylko dla porządku, jestem pewien, że mój dociekliwy czytelnik wiedział o tym od lat szkolnych. Termin ten po raz pierwszy pojawił się w krytycznym artykule w gazecie „ Charivari”, poświęconą wystawie artystów, którzy zdecydowali się pokazać prace, które nie zostały przyjęte na Salon, gdzie mile widziana była wówczas sztuka akademicka. Nasi kochający wolność bohaterowie, nie chcąc podporządkowywać się żadnym zasadom, uzyskali zgodę cesarza Napoleona III na zorganizowanie swojej wystawy. Pierwszą taką akcję w 1863 roku nazwano „ Salon Odrzuconych" Dziesięć lat później artyści wystawiają ponownie. Na tej wystawie, wśród innych dzieł, które zszokowały publiczność, znalazł się także obraz, który jest obecnie znany na całym świecie Claude Monet „Wrażenie. wschód słońca„, od którego wzięła się nazwa wspaniałego ruchu w sztuce.
Artystów impresjonistów było i jest wielu. Moja prezentacja poświęcona jest wyłącznie twórczości pięciu najwybitniejszych. Każda kreatywna osoba doskonale zdaje sobie sprawę, jak trudno jest pozostać wiernym swoim ideałom w autorytarnym społeczeństwie. Nasi bohaterowie często znajdowali się w beznadziejnej sytuacji, bez środków na wyżywienie rodziny (na przykład Camille Pissarro miał siedmioro dzieci!).
Sztuka i nauka
Odkrycia impresjonistów w dziedzinie sztuki były nierozerwalnie związane z odkryciami naukowymi i twórczymi spostrzeżeniami ich poprzedników. Główną zasadą malarzy impresjonistów były warunki pracy na świeżym powietrzu. Pomysł ten nie był nowy. Swoje wspaniałe, żywe pejzaże malowali na świeżym powietrzu, ale ani Barbizończycy, ani impresjoniści nie mogliby pracować w powietrzu, gdyby w 1841 roku amerykański portrecista John Rand nie wynalazł puszki, rurka termokurczliwa do farb olejnych. Wynalazek fotografii nie mógł także nie wpłynąć na losy malarstwa. Nawiasem mówiąc, jeden z pierwszych profesjonalnych fotografów, Ralph Nadar, był przyjacielem impresjonistów i to oni organizowali w jego pracowni swoje pierwsze wystawy.
„Sucha teoria, przyjacielu…”
W przeciwieństwie do malarstwa, w pejzażach impresjonistów nie odnajdziemy głębi i uduchowienia. Zadaniem bohaterów mojej prezentacji było uchwycenie na płótnie chwilowego stanu powietrza. Głównym bohaterem impresjonistów nie była natura, ale światło i powietrze, zmieniając się w każdej chwili. Claude Monet, Camille Pissarro i Alfred Sisley próbowali uchwycić te zmiany. To właśnie pragnienie zawdzięczamy istnieniu słynnych cykli Claude'a Moneta: „Stogi siana”, „Katedra w Rouen”, „Gare Saint-Lazare”, „Topole”, Budynki parlamentu londyńskiego”, „Nymphaeas” i inne. Na stronie Gallerix.ru możesz zobaczyć te zdjęcia w dobrej jakości.
Idee impresjonistyczne
Żaden kolor nie istnieje sam w sobie. Forma i kolor to pojęcia nierozłączne. Światło przywołuje formy. Światło znika, kształty i kolory znikają.
Każdy kolor składa się z elementów światła słonecznego, czyli z 7 tonów widma.
To, co wcześniej nazywano tonem lokalnym, jest błędem: liść nie jest zielony, a pień drzewa nie jest brązowy.
Powietrze jest jedynym prawdziwym podmiotem obrazu, tylko przez nie widzimy wszystko, co jest na nim przedstawione.
Malarz musi malować tylko siedmioma kolorami widma, a wszystkie inne wyrzucić z palety. To właśnie odważnie zrobił Claude Monet, dodając tylko biel i czerń. Następnie zamiast tworzyć mieszaniny na palecie, musi wprowadzić na płótno jedynie kreski siedmiu czystych kolorów, układając je jeden obok drugiego, pozwalając, aby poszczególne kolory wchodziły w mieszaniny już w oku widza, pełniąc zatem jak samo światło. Jest to teoria rozkładu tonalnego, która stanowi główną podstawę techniki impresjonistycznej.
Światło staje się jedynym podmiotem obrazu, zainteresowanie przedmiotami, na których gra, staje się drugorzędne.
Wołyński. Zielone drzewo życia
„Impresjoniści zmienili postrzeganie malarstwa i natury. Jest mało prawdopodobne, aby po nich pojawił się miłośnik sztuki lub artysta, który odważy się twierdzić, że niebo jest po prostu niebieskie, śnieg jest biały, a trawa zielona. Nie zauważając tego, patrzymy teraz na świat przez pryzmat malarstwa impresjonistycznego. Otworzyły możliwość dostrzeżenia nie tylko konkretnego przedmiotu, ale „tego, co żyje pomiędzy artystą a podmiotem obrazu”. Mieli oczywiście świetnych poprzedników, ale okno na świat słońca i powietrza tak szeroko otworzyli impresjoniści.”
Fomina N.N.
Na stronie Arthive można znaleźć ciekawe materiały poświęcone impresjonistom: „ Podróż po Francji z impresjonistami”. Miłośnicy sztuki impresjonistycznej będą zachwyceni.
Jeśli zdecydujesz się obejrzeć moją prezentację, nie wahaj się pobrać jej na swój komputer (okazała się bardzo ciężka, jednak chciałem, żeby była piękna, ale format png jest ciężki). W przeciwnym razie wiele efektów animacji nie będzie działać.
Bibliografia:
- Sztuka. Encyklopedia małych dzieci. – M.: Rosyjskie Partnerstwo Encyklopedyczne, 2001.
- Encyklopedia dla dzieci. T.7. Sztuka. – M.: Avanta+, 2000.
- Encyklopedia. Sceneria. – M.: „OLMA-PRESS Edukacja”, 2002.
- Wielcy artyści. Tom 72. Camille Jacob Pissarro. – M.: Wydawnictwo „Direct-Media”, 2011.
- Beckett V. Historia malarstwa. – M.: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003.
- Wielcy artyści. Tom 25. Edgar Hilaire Germe Degas. – M.: Wydawnictwo „Direct-Media”, 2010.
- Wielcy artyści. Tom 59. Alfred Sisley. – M.: Wydawnictwo „Direct-Media”, 2010.
- Wielcy artyści. Tom 4. Claude Monet. – M.: Wydawnictwo „Direct-Media”, 2009.
- Emokhonowa L.G. Światowa kultura artystyczna: Podręcznik. Podręcznik dla studentów. średnio pe. podręcznik zakłady. – M.: Ośrodek Wydawniczy „Akademia”, 1998.
- Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Sztuka Świata. XIX wiek. Sztuki piękne, muzyka, teatr. ‒ Petersburg: Piotr, 2007.
- Rajmund Konya. Pissarro. – M.: Słowo, 1995
- Samin D.K. Stu wielkich artystów. – M.: Veche, 2004.
Powodzenia!
