Historia powstania i rozwoju malarstwa monumentalnego. Malarstwo monumentalne i witraże Rodzaje malarstwa monumentalnego

Sztukę monumentalną i dekoracyjną wyróżnia różnorodność materiałów i technik. Niektóre z nich, takie jak freski, mozaiki, witraże, enkaustyka, sgraffito, malarstwo witrażowe i tempera, sięgają czasów starożytnych i mają ugruntowane tradycje techniki.
Koncepcja plastyczna w pewnym stopniu zależy od właściwości materiału, nie należy jej narzucać z zewnątrz. Dlatego ważne jest, aby zrozumieć cechy materiału, przestudiować je tak, aby działało dla artysty, a nie przeciwko niemu. Tylko pod tym względem można rozumieć wyrażenie „umiejętność techniczna”, a nie podziw dla mechanicznej poprawności obróbki maszynowej. Przemysłowe metody budownictwa i standardowa architektura tworzą tło, na którym ręcznie robione prace artysty mogą rezonować ze szczególną siłą. Artyzm w pracy z materiałem sprawia, że ​​widz wczuwa się w twórczość mistrza, pozwala poczuć siłę jego oczu, rąk i intelektu.
Elastyczność i gust artysty przejawiają się nie w tym, że się do czegoś dostosowuje, ale w tym, że odkrywa dla materiału nowe życie. Każdy materiał (kamień, szkło, tkanina, drewno, metal) obiektywnie ma kilka cech: kolor, wagę, cechy strukturalne i teksturę powierzchni, przezroczystość i nieprzezroczystość i tak dalej. Pracując z materiałem, nie można wykorzystać tylko jednej z jego właściwości. To nie tylko zuboży go, ale także zniekształci go do tego stopnia, że ​​będzie można go pomylić z czymś innym. Przykładowo, jeśli w mozaice smaltowej uwzględnimy jedynie kolor smalty, to sprowadzimy to do malowania osobnym pociągnięciem. Trzeba poczuć i odkryć całe piękno materiału. Jednak samo wrażenie koloru materiału nie wystarczy, niezwykle ważne są także inne właściwości składające się na jego specyfikę. Dlatego w szkle artystycznym ceni się jego przezroczystość, załamanie światła i charakterystyczny dla niego charakter pęknięcia. Istnieje wyrażenie „wybór palety w materiale”. Czasem powierza się to innym osobom, które choć sumienne i zręczne, wciąż nie są w stanie w pełni zrozumieć intencji autora. W niektórych przypadkach jest to uzasadnione faktem, że objętość pracy jest tak duża, a terminy realizacji tak krótkie, że autor sam nie jest w stanie sobie poradzić z dziełem i zmuszony jest jedynie do poprawiania pracy wykonawców. Niestety jest to częste zjawisko wśród muralistów; czasami nawet szkic jest wykonywany zbiorowo. I jak ważne jest, aby samodzielnie ukończyć pracę od początku do końca za jednym razem!

Malarstwo monumentalne i dekoracyjne w różnych technikach.

Na świeżym powietrzu.

Alfresco to klasyczny sposób malowania ścian. Jest to malowanie na świeżym tynku wapiennym pigmentami odpornymi na działanie zasad, rozpuszczonymi w wodzie. Farbę zabezpiecza szklista skorupa węglanu wapnia, która tworzy się na powierzchni mokrego tynku. Po wyschnięciu farby rozjaśniają się, zbliżając się do koloru suchego pigmentu. Jeśli farby zostaną zmieszane z bielą limonkową, rozjaśnienie zostanie wzmocnione. Oto zewnętrzne różnice między freskami a innymi metodami malowania. Ale teraz niestety niewiele osób pisze metodą na świeżym powietrzu. To najodważniejszy sposób malowania ścian i sufitów, wymagający od artysty największego opanowania, dużej woli twórczej i umiejętności podsumowania wszystkich prac przygotowawczych w ciągu kilku godzin. W technice freskowej niemożliwe są przeróbki, poprawki i błądzenia.

Sgraffito.

Sgraffito (płaskorzeźba z kolorowego i białego tynku) to szczególnie rozpowszechniona metoda malarstwa ściennego; niezwykle proste i niedrogie materiały, daje wspaniały efekt dekoracyjny. Ale nie wszystkie możliwości tego materiału są wykorzystywane przez artystów.
Sgraffito ogólnie oznacza drapanie, zeskrobywanie wierzchniej warstwy kolorowego tynku do warstw leżących poniżej. Naturalnie te warstwy tynku muszą być w stanie świeżym, wilgotnym, aby można je było łatwo usunąć za pomocą metalowych stosów o różnych kształtach. Jeśli jednak weźmiemy pod uwagę, że sgraffito jest metodą malowania murali polegającą na odsłonięciu leżącej pod nią warstwy, wówczas może istnieć metoda nie tylko „mokrego”, ale także „suchego” sgraffito, jeśli rzeźbi się w gazobetonie, tufie, porowatym silikacycie, ceramiki porowatej, na gipsie (z kolorowym wypełnieniem lub zabarwionym w masie) itp. skały miękkie pokryte gesso lub pomalowane na inny kolor. Metodę cięcia na sucho można stosować w przypadkach, gdy konstrukcja nie pozwala na zastosowanie metody „na mokro”, czyli nakładanie warstw kolorowego tynku. Sgraffito nie należy mylić z inkrustacją kolorowych tynków, ponieważ technika ta jest całkowicie niezależna, a malowanie w niej odbywa się w jednej warstwie tynków o różnych kolorach.

Mozaika.

Mozaika to najstarsza metoda malarstwa monumentalnego. Jej pierwszym materiałem były prawdopodobnie porozrzucane kamienie wypolerowane przez morskie fale, minerały o przepięknych odcieniach. Chęć utrwalenia wzorzystych zestawień kamieni występujących w naturze wymusiła poszukiwanie tworzyw sztucznych, które spajałyby poszczególne kamienie; stały się one: wapnem, gliną, cementem. Wystarczy złożyć ze sobą kilka kamieni, aby od razu poczuć, że zaczynają oddziaływać na siebie wielkością, kształtem i kolorem. Bardzo często wyuczone na pamięć techniki układania mozaiki uniemożliwiają docenienie tego materiału w jego prawdziwym pięknie. Powszechne wyobrażenie o mozaice jako malowaniu metodą oddzielnych pociągnięć wyraża tylko jedną z jej cech - optyczną. Tymczasem mozaika, oparta tylko na jednej optycznej stronie percepcji, nieuchronnie sprawia wrażenie obrazu namalowanego farbami. Technika mozaikowa brzmi szczególnie fałszywie w malarstwie iluzorycznym i naturalistycznym. W takich przypadkach w malarstwie wykorzystuje się tylko kolorową powierzchnię kamienia, zapomina się o jego trójwymiarowości i grze pochyłych płaszczyzn, przerwach w szwach i wielkości kamienia, samej fakturze i reliefie mozaikowego muru , czyli możliwości, jakie daje ułożenie wielobarwnych kamieni, podczas gdy mozaika traci na znaczeniu. Przestrzenie i szwy pomiędzy kamieniami są nie mniej ważne niż sam kamień. Odnoszą się do kamienia w taki sam sposób, jak przestrzenie i obrazy w ornamencie. W przypadku mozaiki duże znaczenie ma także kolor podkładu, który czasami zmienia się w celu wzmocnienia efektu kolorystycznego. Smalt i kamienie, nawet tej samej wielkości, można rozmieścić w różny sposób, w zależności od celu, jaki chce osiągnąć artysta. Mozaika bez szwu jest niemożliwa, dlatego próby maskowania szwu lub ignorowania go są sprzeczne z naturą malarstwa mozaikowego. Układ fragmentów mozaiki, czyli jak mówią mozaikarze, „grawerunek” mozaiki, budowany jest w określonych rytmach i odpowiada wybranej przez artystę technice. Kawałki smaltu, kamienia, płytek ceramicznych utrzymują się w ziemi dzięki przyleganiu do niej. Im lepiej gleba otacza kawałek mozaiki, tym mocniej się ona trzyma. Kształt mozaiki powinien mieć podstawę wchodzącą w grunt, zbliżoną do kształtu ściętej piramidy, tak aby gleba wystawała poza krawędzie, a po stwardnieniu mocno zaklinowała się i trzymała kawałek smalta swoimi występami. Kamyczki, gładka kostka brukowa i płytki ceramiczne wytrzymują gorzej niż tłuczeń i smalta. Oczywiście na wytrzymałość muru mozaikowego wpływa nie tylko kształt i powierzchnia kamienia czy smalty, ale także skład gleby, jakość cementu, wapna czy kleju i sposób ich zastosowania. Należy także porozmawiać o jakości istniejącego smaltu i możliwościach jego produkcji. Smalt nie jest zwykłym kolorowym szkłem. Zawiera różne dodatki, które znacznie zmieniają jego właściwości fizyczne. W przeciwieństwie do kolorowego szkła, smalta jest mniej przezroczysta. Prawdziwy smalt podczas siekania nie rozbija się na wiele małych, ostrych kawałków o nieregularnym kształcie, lecz rozbija się w całej masie na mniej więcej równe kawałki. Kolor prawdziwego smaltu jest złożony i głęboki.

Mozaika florencka.

Najdroższa jest metoda wykonywania mozaik florenckich, polegająca na doborze różnokolorowych płyt z marmuru i innych rodzajów kamienia. Płyty takie po przeszlifowaniu i wypolerowaniu ujawniają naturalne piękno materiału. Tymczasem powstało stosunkowo niewiele współczesnych dzieł, w których piękno tego materiału zostałoby w pełni ujawnione. Jej dekoracyjność często kłóci się z naturalistycznym rozwiązaniem „malarstwa”. W mozaikach polerowanych (florenckich) wykorzystuje się marmury o różnych złożach, kolorach i wzorach, granity, kwarcyty, porfiry i jaspisy. Minerały: jadeit, rodonit, lapis lazuli, szlachetny serpentyn, listvenit, marmury onyksowe, wapienie i tufy. Niezwykłe piękno kamienia naturalnego, ujawniające się podczas cięcia i obróbki skały, obliguje do znalezienia dla niego takiego zastosowania i środków wizualnych, które maksymalnie wydobędą naturalne piękno materiału. Trzeba szukać artystycznego wyrazu, w którym kamień zatrzyma oddech samej natury.

Malowanie farbami wodnymi.

Tempera to starożytna metoda malarstwa sztalugowego i monumentalnego. W malarstwie monumentalnym tempera ma przewagę nad olejem nie tylko ze względu na matową, nieodblaskową powierzchnię, co często jest bardzo istotne przy malowaniu ścian i sufitów, ale także ze względu na większą trwałość. Obrazy olejne w większości przypadków stawały się czarne i popękane, natomiast starożytne dzieła malarstwa temperowego okazywały się trwałe. Nawet ikony pokryte wysychającym olejem, poczerniałe od czasu, zachowały swoje kolory. Jak wiadomo, spoiwem w dowolnej temperze jest emulsja składająca się z kleju i oleju lub lakieru. Jajko to naturalna emulsja stosowana już w starożytności. Malowania na samym kleju nie można nazwać temperą, chociaż z wyglądu jest do niego bardzo podobne. Malowanie klejem przypomina techniki malowania temperą. Jednak malowanie temperą, w odróżnieniu od malowania na kleju, ze względu na obecność oleju w emulsji, po wyschnięciu nie jest zmywane wodą. Właściwości adhezyjne białka i oleju jajecznego, które przeważają w żółtku, po rozcieńczeniu wodą dają emulsję wiążącą proszki malarskie. Inne emulsje do tempery powstają poprzez sztuczne połączenie kleju i oleju lub lakieru. Malarz musi zawsze brać pod uwagę, że tempera po wyschnięciu staje się jaśniejsza. W malarstwie temperowym cenna jest intensywność koloru i mniejsza zmienność barwy pigmentu w porównaniu z malarstwem olejnym, ponieważ obecność dużej ilości oleju lub werniksu niszczy te cechy. Oczywiście ta metoda malowania istnieje tylko na stałych podłożach, a nie na płótnie. Jak wiadomo, ikony rosyjskie często malowano temperą na deskach lipowych, pokrywano rzadkim płótnem i pokrywano gesso. Do wykonywania gesso używano gipsu i miodu, spoiwem był klej skórno-jesiotrowy. Deski lipowe łączono ze sobą drewnianym piórem w kształcie klina, co w pewnym stopniu zabezpieczało przed wypaczeniem. Malowanie temperą, w przeciwieństwie do fresku, pozwala na użycie wszystkich dostępnych pigmentów, pod warunkiem, że są one trwałe. Farba temperowa daje ogromne możliwości kolorystyczne i pozwala na zastosowanie różnych technik malarskich: bodypaintingu i laserunków, technik akwareli z wykorzystaniem koloru gesso. Lepiej jest zastosować spoiwo o tym samym składzie w jednym obrazie, aby uniknąć przypadkowego nałożenia „mocniejszych” warstw na luźne, gdyż może to spowodować pęknięcia i łuszczenie się warstwy farby – spękanie.

Artykuł nie ma charakteru wyczerpującego i jest przeznaczony dla wąskiego kręgu osób zainteresowanych i pracujących w tej dziedzinie.

Malarstwo zwyczajowo dzieli się na sztalugowe i monumentalne. Malarstwo sztalugowe odnosi się do tych wykonywanych farbami olejnymi na płótnie, kartonie lub innym twardym materiale. Z reguły nie jest imponujących rozmiarów, wykonywany jest na sztalugach i może wędrować po wystawach, muzeach i wnętrzach właścicieli. Malarstwo monumentalne to inna sprawa. Jest sztywno przymocowany do powierzchni architektonicznej, często ma gigantyczne wymiary, a technologia wykonania ma swoją specyfikę. Istnieje wiele różnych technik malarstwa monumentalnego, ale my zamierzamy opowiedzieć tylko o trzech z nich. Jest to fresk, mozaika i witraż.

Więc…
Pod pojęciem fresku rozumie się malowanie na wilgotnym podłożu wapiennym farbami rozcieńczonymi wodą lub farbami zawierającymi spoiwo wapienne (pasta wapienna, woda wapienna). Hydrat tlenku wapnia, zawarty w paście wapiennej, a co za tym idzie w zaprawie wapiennej, jest głównym elementem tej techniki, która wchodząc w reakcję chemiczną z dwutlenkiem węgla zawartym w powietrzu, tworzy węglan wapnia - przezroczystą szklistą strukturę, która wnikając całą warstwę gruntu i farb, tworząc na ich powierzchni cienką, przezroczystą powłokę, utrwala (cementuje) zarówno cały grunt, jak i barwną warstwę fresku, którą dodatkowo chroni przed wpływami atmosferycznymi. Co czyni tę technikę niemal wieczną. Jego śmierć następuje wraz ze zniszczeniem architektury.

Termin „fresk” pochodzi od włoskiego wyrażenia „a fresko” – surowego, czyli piszącego na wilgotnej, jeszcze świeżej ziemi wapiennej. We Włoszech, skąd pochodzi termin „fresk”, fresk odnosi się do wszystkich obrazów wykonanych w architekturze, wykonanych z dowolnego materiału. W swojej ojczyźnie termin ten ugruntował się już pod koniec XIV w., choć sposób pisania na wilgotnej glebie wapiennej stosowany był już znacznie wcześniej i miał miejsce nie tylko na Półwyspie Apenińskim. Jak w każdej innej technice, w malarstwie monumentalnym praca mistrzów okazuje się bardzo trudna. A fresk wymaga szczególnie starannego przygotowania ściany, ponieważ „ziemia malarza” będzie dopiero trzecia z rzędu. Pierwsze dwa pokrywają ceglany lub kamienny mur ściany i wyrównują go. I bardzo ostrożnie! Tak, aby nie pozostały pęcherzyki powietrza, aby nierówności zostały wygładzone, dzięki czemu w drugiej warstwie, cieńszej niż pierwsza, powierzchnia jest idealna. Nic dziwnego, że niestrudzenie „wygładzają” specjalną deską. Następnie na dwa poprzednie nakłada się warstwę tynku do malowania. Cienki, o grubości niecałych centymetra, nakłada się go partiami i dokładnie tyle, ile artysta jest w stanie namalować w ciągu jednego dnia. W przeciwnym razie tynk wyschnie i będzie trzeba go zeskrobać. Na fresku wykonanym „w sposób surowy” często widoczne są łączenia i granice pomiędzy częściami, które artysta wykonał w pewnym okresie. A także narysuj kontury wzoru, wydrapanego w tynku, przeniesionego na ścianę z wcześniej utworzonej tektury.
Złożona sprawa fresku! Wymaga specjalnych umiejętności i odwagi, precyzji i przewidywania. . . Malować należy na czymś mokrym, zanim tynk wyschnie, a farby swobodnie spływają w ziemię. Trzeba pisać dokładnie, bo trudno to poprawić, gdyż błędy wychodzą na jaw już po kilku dniach od wyschnięcia (poprawione temperą). Należy malować, przewidując zmianę koloru, ponieważ w stanie surowym farba jest znacznie jaśniejsza. Jednym słowem „buon fresk” (wł.), „czysty fresk” (dobrze!) bez poprawek okazuje się zjawiskiem bardzo rzadkim i trudnym do osiągnięcia. Dlatego fresk maluje się nie tylko „metodą mokrą” („fresk” - wł.), ale także „metodą suchą” („a secco” - wł.). Piszą na wyschniętym tynku, mieszając wapno z farbą. Pełni jednocześnie funkcję bieli i sprawia, że ​​obraz bardziej przypomina gwasz, a farby wodne nadają freskowi „akwarelowy charakter”.
Termin „fresk” przybył do Rosji z Włoch nie wcześniej niż w XVIII wieku. Można to ocenić po tym, że nawet w XVI-XVII wieku nie znaleziono tego w dokumentach rosyjskich, a o dziełach tego rodzaju w kronikach, statutach i dekretach pisali: „pismo ścienne na wilgotnym zaprawie”. Pod pojęciem „pismo ścienne” rozumieno wszelkie obrazy na podłożach architektonicznych, wykonane dowolną techniką, czy to malowane na mokrym gesso, na spoiwie emulsyjnym czy kleju.

Malarstwo freskowe było szeroko rozpowszechnione w minionych epokach. Przyjmuje się, że był on znany w starożytnej Grecji i pisany nim w starożytnym Rzymie, Bizancjum i na Rusi w X-XII wieku. W średniowiecznej Europie namalowano wiele fresków.
W tej technice powstały dzieła znaczące i wybitne. Rozpoczynając dyskusję na temat fresku jako techniki malarstwa ściennego, od razu należy stwierdzić, że nie istniała jedna technika freskowa, czyli jednolity system pisma na wilgotnym podłożu wapiennym.Technika ta wywodząca się z głębi kultury starożytnej, rozprzestrzeniła się wówczas na cały region kultury europejskiej i naturalnie, że w czasie jej użytkowania przez różne ludy i przez znaczny okres czasu zmieniała się zgodnie z zadaniami artystycznymi, jakie stanęły przed mistrzami danej epoki i regionu, bazując na tradycje rzemiosła i właściwości lokalnych materiałów. Jedyną cechą charakterystyczną wszystkich jego modyfikacji jest spoiwo wapienne podkładów i farb. Cała reszta to kalejdoskop receptur podkładów, sposobów ich nakładania, asortymentu farb, systemów pisania itp.
Najczęściej stosowano farby temperowe (głównie farby z całych jaj), którymi wykańczano i malowano freski po wyschnięciu ich warstwy malarskiej, co często było podyktowane koniecznością poprawiania uszkodzonych fragmentów i dodawania detali.
„Stwierdzenie niektórych badaczy, że Michał Anioł, Rafael i wielu innych włoskich mistrzów XVI wieku pisało swoje dzieła wyłącznie techniką jednego czystego fresku, jest całkowicie błędne. Podobnie jak w wiekach wcześniejszych stosowano retusz na suchym tynku i malowanie odrębnymi farbami mineralnymi w formie tempery.” Jednak J.B. Armenini (XVI w.) pisze w swoim traktacie, że za jego czasów niektórzy artyści retuszowali freski nawet pastelowymi ołówkami i farbami olejnymi.Do tego należy dodać, że żaden z zabytków rosyjskiego malarstwa ściennego nie zawierał obrazów z X-XVIII w. robione tylko na fresku - wszystkie są w takim czy innym stopniu dodawane na sucho. Nigdzie i nigdy nie powstał fresk malowany w stylu akwareli, czyli systemu pisma przy użyciu bardzo płynnych kolorów i farb rozcieńczanych jedynie wodą. Współczesna nauka nie ma bezwarunkowych podstaw uważać fresk za najstarszą technikę malarstwa ściennego, gdyż prowadzone w naszych czasach badania naukowe gleb malarstwa starożytnego Egiptu przekonująco wskazują, że kultura starożytnego Egiptu nie znała wapna i że materiał ten przybył tam dopiero w epoki ptolemejskiej, czyli nie wcześniej niż IV wiek p.n.e mi.
Fresk, spośród innych technik malarstwa monumentalnego, najbliższy jest sztalugom już przez sam proces malowania farbami. I choć artysta nie pracuje z paletą w dłoni czy przy sztalugach, a przy ścianie (często ogromnej), obraz jest jednolity w swej manifestacji. Mokry kolorowy pędzel w dłoni artysty podlega jego woli, jego charakterowi. Widzimy w freskach siłę rzeźbienia barw, ślady pociągnięć pędzla, gęstość, przezroczystość barw i jednocześnie „dźwięk”.

We współczesnych szkołach licealiści uczą się bardzo ważnego i potrzebnego przedmiotu zwanego „Światową kulturą artystyczną”. Kurs MHC przybliża uczniom arcydzieła architektury i sztuk pięknych od starożytności po współczesność. W programie znalazła się także część poświęcona sztuce monumentalnej. Teraz poznamy go lepiej.

Czym jest sztuka monumentalna?

Jest to dział szczególny, wyróżniający się ładunkiem plastycznym czy semantycznym dzieła architektonicznego, a także wagą i doniosłością treści ideowych. Słowo „monumentalny” pochodzi od łacińskiego słowa moneo, które oznacza „przypominać”. I nic dziwnego, ponieważ ten rodzaj sztuki jest jednym z najstarszych na ziemi.

Historia monumentalnej twórczości

Korzenie tego typu architektury i malarstwa sięgają prymitywnego społeczeństwa. Starożytni ludzie dopiero uczyli się rysować i niezdarnie trzymali węgiel w palcach, ale ich dzieła monumentalnego malarstwa na ścianach jaskiń już zadziwiały wyobraźnię. Oczywiście narysowano je niezdarnie, nie było obfitości kolorów, ale było znaczenie. Polegał na wyobrażeniach starożytnych ludzi na temat sił natury, własnego życia i różnych umiejętności. Dlatego ściany jaskiń ozdobiono różnymi scenami z życia prymitywnego człowieka: wydobyciem mamuta, najpiękniejszą kobietą w jaskini, rytualnymi tańcami wokół ogniska i wieloma, wieloma innymi.

Prymitywne społeczeństwo ustąpiło miejsca starożytnemu światu i tam znalazła swoje miejsce także monumentalna twórczość. W starożytnym Egipcie sztuka ta była bardzo szanowana i kochana. Mówią nam o tym sfinksy i egipskie piramidy, które przetrwały do ​​dziś. W okresie renesansu nastąpił rozkwit architektury monumentalnej. Narodziły się takie arcydzieła jak obraz „Stworzenie Adama” i Kaplica Sykstyńska. Wszystkie te dzieła wykonał geniusz swoich czasów – Michelangelo Buonarroti.

Na przełomie XIX i XX wieku sztuka obrała nową drogę. W dziele tym znalazło odzwierciedlenie najpopularniejszy wówczas styl secesyjny, dlatego większość monumentalnych dzieł powstała w tym kierunku. Dotyczyło to szczególnie malarstwa i znalazło odzwierciedlenie w twórczości takich artystów jak M. Vrubel, M. Denis i innych. Ale nie zapomniano także o architekturze, pracowali w tym czasie rzeźbiarze, tacy jak E. Bourdelle i A. Maillol. Ich ręce stworzyły większość dzieł z gatunku, które podziwiamy i podziwiamy do dziś.

Ten rodzaj sztuki osiągnął największy rozwój i uznanie w ZSRR. Kraj Sowietów stawiał się przed sobą, a imponujące pomniki i cokoły najlepiej odzwierciedlały jego idee. Imponujące, wysokie, strzeliste posągi odzwierciedlają odwagę i hart ducha ówczesnych robotników.

Przykłady tego typu sztuki

Dotyczy to zarówno dzieł architektonicznych, jak i malarskich. Sztuka monumentalna obejmuje mozaiki, freski, pomniki i popiersia, różnorodne kompozycje rzeźbiarskie i dekoracyjne, witraże, a nawet… fontanny. Teraz możesz zobaczyć, ile dzieł sztuki się tu znajduje. Nic dziwnego, że na całym świecie powstały tysiące muzeów, w których eksponowane są panele, popiersia i rzeźby z różnych epok i pokoleń, aby każdy mógł je podziwiać.

Różnorodność prac

Obejmuje to dwa rodzaje twórczości: rzeźbę i dzieła sztuki. zwykle przedstawia różne panele, malowidła ścienne, płaskorzeźby itp. Służą jako dekoracja otoczenia i są koniecznie częścią każdego zespołu, będąc jego ważną częścią. W malarstwie monumentalnym stosuje się różne techniki: freski, witraże, mozaiki itp. Warto zaznaczyć, że malarstwo monumentalne umiejscowione jest na specjalnie dla niego stworzonej konstrukcji lub na nieruchomym podłożu architektonicznym.

Era ZSRR i ten rodzaj twórczości

Sztuka monumentalna była w ZSRR bardzo ceniona. Przyczynia się do rozwoju gustu artystycznego, wychowania moralności i uczuć patriotycznych wobec ojczyzny. Wzbogaca emocjonalnie, dając niezapomniane wspomnienia patrząc na nie, które na zawsze pozostają w duszach i sercach zarówno dzieci, jak i dorosłych. Radziecka sztuka monumentalna charakteryzuje się humanizmem i organizacją artystyczną. Dzieła malarstwa i architektury, wykonane w odpowiednim stylu, można było spotkać wszędzie: w pobliżu szkół i przedszkoli, fabryk i parków. Udało im się zbudować pomniki nawet w najbardziej nietypowych miejscach.

Ten rodzaj twórczości stał się powszechny po rewolucji październikowej, kiedy budowano nowy kraj z nowymi prawami, porządkami i socjalizmem. To właśnie wtedy dzieła sztuki monumentalnej zyskały szczególne uznanie wśród ludności. Wszystkich malarzy, rzeźbiarzy i architektów ogarnął impuls stworzenia arcydzieła sztuki monumentalnej, aby pokazać, że czas się zmienił, nadeszło nowe życie, nowy sposób życia, nowe odkrycia w nauce i nowy rodzaj sztuki.

Nieśmiertelna praca

Jednym z najbardziej pamiętnych dzieł tamtych czasów była wspaniała monumentalna rzeźba Wiery Mukhiny „Robotnica i kobieta kołchozu”, która uosabiała ciężką pracę i wyczyn narodu radzieckiego. Historia pomnika jest bardzo ciekawa i pouczająca. W 1936 roku zakończono budowę Pałacu Sowietów, na szczycie którego miał stanąć pomnik „Robotnica i Kobieta kołchozu”. Do stworzenia rzeźbiarskiej konstrukcji wybrano najlepszych rzemieślników, w tym Verę Mukhinę. Dostali dwa miesiące na pracę i powiedziano im, że pomnik powinien przedstawiać dwie postacie – robotnika i kołchoza. Czterech rzeźbiarzy zrealizowało ten sam pomysł w zupełnie inny sposób. Niektóre postacie stały spokojnie i pogodnie, inne wręcz przeciwnie, wściekle rzuciły się do przodu, jakby chciały kogoś wyprzedzić. I tylko Vera Ignatyevna Mukhina uchwyciła w swojej twórczości piękny moment ruchu rozpoczętego, ale nie zakończonego. To jej praca została zatwierdzona przez komisję. Obecnie trwa renowacja pomnika „Pracownica i Kobieta kołchozu”.

Malarstwo monumentalne: przykłady

Jak wspomniano powyżej, sztuka tego typu sięga czasów starożytnych. Już wtedy na ścianach jaskiń powstały wspaniałe rysunki przedstawiające proces polowań, starożytne rytuały itp.

Malarstwo monumentalne i dekoracyjne dzieli się na kilka typów:

• Fresk. Obraz ten powstaje na mokrym tynku przy użyciu kilku rodzajów farb, które otrzymuje się z pigmentu w postaci proszku. Po wyschnięciu tej farby powstaje film, który chroni dzieło przed wpływami zewnętrznymi.
• Mozaika. Projekt układa się na powierzchni za pomocą małych kawałków szkła lub wielobarwnych kamieni.
• Tempera. Prace tego typu wykonywane są farbami na bazie pigmentu roślinnego rozcieńczonego w jajku lub oleju. Podobnie jak fresk nakłada się go na mokry tynk.
• Witraż. Podobnie jak mozaika, jest ona również ułożona z kawałków wielobarwnego szkła. Różnica polega na tym, że elementy łączy się ze sobą poprzez lutowanie, a gotową pracę umieszcza się w otworze okiennym.

Najbardziej znanymi dziełami malarstwa monumentalnego są freski Greka Teofanesa, na przykład dwustronna ikona „Matki Bożej Don”, po drugiej stronie której przedstawiona jest „Wniebowzięcie Najświętszej Marii Panny”. Wśród dzieł sztuki znajdują się także „Madonna Sykstyńska” Raphaela Santiego, „Ostatnia Wieczerza” Leonarda da Vinci i inne obrazy.

Architektura monumentalna: arcydzieła sztuki światowej

Dobrzy rzeźbiarze zawsze byli na wagę złota. Dlatego świat wzbogacił się o takie dzieła jak Łuk Triumfalny znajdujący się w Moskwie, pomnik Piotra 1 „Jeździec z brązu”, rzeźbę Dawida wykonaną przez Michała Anioła znajdującą się w Luwrze, posąg pięknej Wenus , którym odcięto ręce i wielu innych. Tego typu dzieła sztuki monumentalnej i dekoracyjnej fascynują i przyciągają wzrok milionów ludzi, chce się je podziwiać wciąż na nowo.

Istnieje kilka typów architektury tego typu:

• Pomnik. Zwykle jest to rzeźba przedstawiająca jedną lub więcej osób stojących nieruchomo lub zamrożonych w jakiejś pozie. Wykonane z kamienia, granitu, marmuru.
• Pomnik. Utrwala w kamieniu jakieś wydarzenie historyczne, na przykład Wojnę Ojczyźnianą, czy jakąś wielką osobowość.
• Stela. Ten typ architektury to płyta z kamienia, granitu lub marmuru, stojąca pionowo i posiadająca jakiś napis lub wzór.
• filar składający się z czterech krawędzi zwężających się ku górze.

Wniosek

Sztuka monumentalna to rzecz złożona i niejednoznaczna. U każdego budzi odmienne uczucia, u niektórych budzi dumę z mistrzów, że ludzkie ręce potrafiły stworzyć arcydzieło. Ktoś czuje się zdezorientowany: jak taką pracę może w ogóle wykonać zwykły człowiek, skoro jest w niej tyle drobnych szczegółów? Inni widzowie po prostu zatrzymają się i będą podziwiać zabytki malarstwa i architektury, zarówno starożytnej, jak i współczesnej. Ale przedmioty sztuki monumentalnej nie pozostawią nikogo obojętnym. Dzieje się tak dlatego, że wszyscy mistrzowie, którzy stworzyli coś w tym stylu, mają ogromny, niezwykły, prawdziwy talent, cierpliwość i bezgraniczną miłość do swojej pracy.

Sztuka > Malarstwo

I oraz wielkoformatowe obrazy związane z architekturą, ale o samodzielnej i istotnej społecznie treści figuratywnej: drobne panele, obrazy, mozaiki.

Płyta (francuskie panneau z łac. pannus – kawałek materiału) - po pierwsze, jest to dzieło malarskie o przeznaczeniu dekoracyjnym, wtopione w ścianę wnętrza architektonicznego.W odróżnieniu od malarstwa monumentalnego, panele niemal zawsze wykonywane są poza miejscem ich przeznaczenia, na płótnie i przy użyciu konwencjonalnych technik malarskich.

I drugie znaczenie panelu - część powierzchni ściany, podkreślona obramowaniem i wypełniona reliefem malarskim lub rzeźbiarskim.

obraz - termin z zakresu malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego, obejmujący wszelkie dzieła malarstwa związane z architekturą z wyjątkiem mozaik i paneli. Malarstwo to kompozycje tematyczne, tematyczne i czysto dekoracyjne, zdobnicze, wykonane farbami bezpośrednio na powierzchni ściany, sufitu, sklepienia, filaru, kolumny itp. na przyklejonym do niego gipsie lub płótnie.

Fresk znajduje się tutaj wraz z obrazem olejnym. Technika malarska we właściwym znaczeniu tego słowa stosowana jest na równi z techniką szablonową itp.

Czasami w niedokładnym znaczeniu terminem malarstwo obejmuje wszelkie dzieła malarstwa monumentalnego, w tym panele i mozaiki. Malarstwo w sztuce użytkowej - obrazy fabularne i ozdobne nanoszone na obiekty za pomocą pędzla lub zastępujących go narzędzi, np. aerografu.

Zwykle proces malowania jest ściśle powiązany z samym wytwarzaniem malowanych przedmiotów, jednak w niektórych przypadkach może stać się samodzielną gałęzią artystyczną. Taki przemysł jak powszechna sztuka malowania tkanin, zwana „batikiem”. Malowanie tacek, pudełek, lalek do gniazdowania, naczyń ceramicznych itp.

Fresk(otit. fresk - świeży, surowy) - najważniejszy techniczny rodzaj malarstwa monumentalnego, wykonywany farbami rozcieńczonymi czystą lub wapienną wodą na świeżym, wilgotnym tynku. Tutaj wapno stosuje się jako główne spoiwo.

Podstawowych spoiw jest kilka: olej roślinny, klej roślinny i zwierzęcy, jajko, wosk, wapno.

Fresk w szerokim znaczeniu obejmuje malowanie tą techniką i fresk (po włosku fresk), czyli w sposób surowy, „na surowo”- główny rodzaj techniczny malarstwa freskowego- charakteryzuje się rozjaśnieniem na świeżym tynku wapiennym. Farby utrwalają się tu w miarę wysychania tynku poprzez tworzącą się na nim warstwę związków węglanu wapnia.
Stąd charakterystyczna dla tej techniki potrzeba szybkiego wykonania dzieła, co przy dużych kompozycjach wymaga obowiązkowego wykonania w częściach. Wady tego projektu ujawniają się kilka dni po całkowitym wyschnięciu tynku, co znacznie zmienia farbę.

Malowanie fresków niemal zawsze musi być uzupełnione znakowaniami temperą w celu skorygowania detali, zatem technika pozbawiona poprawek jest czystym freskiem ( fresk Buona) , dlatego szczególnie trudne i rzadkie.

W przypadku malowania fresków typowe, choć nie zawsze konieczne, jest wykonywanie w częściach. Ślady tzw. szwów łączących stanowią granice pomiędzy tymi częściami. Prorysja - Jest to transfer z rysunku konturowego na karton lub gruby papier, wykonany w pełnym formacie. Następnie rysunek przenoszony jest z tektury na materiał, na którym zostanie wykonane malarstwo monumentalne.

Obraz musi jednak znajdować się w pomieszczeniu zamkniętym i nie powinien być narażony na działanie niekorzystnych warunków atmosferycznych czy nagłe zmiany temperatury.

Technika fresku sekunda(włoski a secco - metodą suchą, „na sucho”)- jedna z odmian polegająca na malowaniu na twardym, już wyschniętym tynku wapiennym.

Następnym sposobem na ukończenie fresku jest malowanie wapnem kazeinowym na świeżym tynku. To najdoskonalszy sposób. Polega na zastosowaniu jako spoiwa mieszaniny kazeiny i wapna. Pod względem trwałości obraz ten przewyższa zwykły fresk. Malowanie kazeinowo-wapienne można wykonywać na zwilżonym lub nawet suchym tynku. Z łatwością wytrzymuje mycie wodą i można go używać na zewnątrz.

Przeczytaj także Monumentalne malarstwo barokowe

Mozaika - specjalny rodzaj techniczny malarstwa monumentalnego, polegający na zastosowaniu wielobarwnych brył- smalt (włoski: smalto). Są to małe kawałki nieprzezroczystego kolorowego szkła, naturalne kolorowe kamienie, kolorowe emalie na wierzchu wypalanej gliny jako główny materiał artystyczny. Obraz składa się z kawałków takich materiałów, dobrze do siebie dopasowanych, osadzonych na cemencie lub specjalnym mastyksie i wypolerowanych.

Metodą bezpośredniego układania mozaiki wykonuje się od strony frontowej w jej przewidzianym miejscu (ścianie, sklepieniu lub osobnej płycie, która następnie jest osadzana w ścianie).
Przy odwróceniu kolorowe elementy są widoczne dla artysty jedynie od tyłu: przyklejane są stroną do dołu na tymczasową cienką podszewkę, którą usuwa się po przeniesieniu mozaiki na ścianę.

Pierwsza z tych metod jest skomplikowana i czasochłonna, ale doskonalsza z artystycznego punktu widzenia. Mozaika ułożona jest wykonana z wcześniej przygotowanych małych kawałków, które odpowiadają konturom wzoru tylko w masie.

W mozaikach plastikowych lub kawałkowych elementy mozaiki są znacznie większe i wycinane zgodnie z konturami obrazka.

Tak zwana mozaika florencka składa się z płytek z kolorowych kamieni. W Moskwie mozaikowy panel można zobaczyć na stacjach metra: Koło Kijowskie, Nowokuźniecka, Czechowska, Park Zwycięstwa, Frunzenskaja (Pałac Młodzieży) itp.

Witraż (francuski vitrage, z vitre- szyba) - dzieło sztuki zdobniczej o charakterze delikatnym lub zdobniczym, wykonane z wielobarwnie malowanego szkła, przeznaczone do oświetlenia przelotowego i przeznaczone do wypełnienia otworu okiennego w dowolnej konstrukcji architektonicznej.

Witraże można wykonać w specjalnym pudełku z oświetleniem, na przykład na kolumnach stacji Nowosłobodskaja moskiewskiego metra.

Witraże są szeroko rozpowszechnione w gotyckich katedrach XIII-XV wieku. Styl gotycki w sztuce zachodnioeuropejskiej znalazł jasne i charakterystyczne ucieleśnienie we Francji i Niemczech. We Włoszech rozwinął się jedynie w niewielkim stopniu ze względu na bardziej stabilne starożytne tradycje.

Gotyckie katedry symbolizowały chęć wzniesienia się w górę, do nieba, a cała ich dekoracyjna dekoracja - posągi, płaskorzeźby, witraże,- przyczynił się do tego. Witraże składały się z małych szkieł o różnych kształtach, mocowanych za pomocą ołowianych ramek. Obrazy malowane były najpierw farbą kryjącą w kolorze brązowym (przeznaczoną do konturów i innych elementów liniowych) oraz półprzezroczystą szarością. Od XIV wieku Dodatkowo zastosowano technikę skrobania na specjalnie malowanym wielobarwnym szkle.

W XX wieku rozpowszechniła się produkcja witraży ze szkła bezbarwnego, piaskowanego, trawionego, grawerowanego

Obrazy na obrazie są bardzo wizualne i przekonujące. Potrafi przekazywać objętości i przestrzenie, naturę, ucieleśniać uniwersalne idee, wydarzenia z przeszłości historycznej i loty fantazji, odsłaniając złożony świat ludzkich uczuć i charakteru. Malowanie może być jednowarstwowe (wykonywane natychmiast) lub wielowarstwowe, m.in podobrazie I pesymizacja warstwy farby przezroczystej i półprzezroczystej nakładane na wyschniętą warstwę farby.
Pozwala to uzyskać najdrobniejsze niuanse i odcienie kolorów.
Konstrukcja objętości i przestrzeni w malarstwie jest związana z perspektywa liniowa i powietrzna, właściwości przestrzenne barwy ciepłej i zimnej, światłocieniowe modelowanie kształtu, przeniesienie ogólnego tła kolorystycznego płótna. Aby stworzyć obraz, oprócz koloru, potrzebujesz dobry rysunek i wyrazista kompozycja. Artysta z reguły pracę na płótnie rozpoczyna od poszukiwania najskuteczniejszego rozwiązania w szkicach. Następnie w licznych studiach obrazkowych z życia opracowuje niezbędne elementy kompozycji.

MALOWANIE SZTALALOWE .
Obrazy sztalugowe to obrazy posiadające samodzielne znaczenie (malowane na maszynie). Malarstwo sztalugowe ma wiele gatunków.

Gatunek muzyczny (francuski „sposób”, „wygląd”, „smak”, „zwyczaj”, „rodzaj”) - historycznie powstający i rozwijający się rodzaj dzieła sztuki.
Gatunek można wskazać w tytule obrazu (uwaga: „Kupiec rybny”).

Gatunki malarstwa sztalugowego:

Zgodnie z tym, co pokazano na zdjęciu:
1.Portret
2.Sceneria
3.Martwa natura
4.Gospodarstwo domowe (gatunek)
5.Historyczny
6.Bitwa
7.Animalistyczny
8.Biblijny
9.Mitologiczny
10.Bajka

1.Portret - obraz osoby lub grupy osób, która istnieje lub istniała w rzeczywistości.
Rodzaje portretu : portret półdługi, do ramion, pełny, portret pełnometrażowy, portret na tle krajobrazu, portret we wnętrzu (pokoju), portret z dodatkami, autoportret, portret podwójny, portret grupowy, portret w parach, kostium portret, portret miniaturowy.

Ze względu na charakter obrazu wszystkie portrety można podzielić na 3 grupy:
A ) portrety ceremonialne z reguły przedstawiają pełnometrażowy wizerunek osoby (na koniu, stojącej lub siedzącej), zwykle na tle krajobrazu lub architektury;
B) portrety w połowie ubrane (może nie do końca pełnometrażowy, brak jest tła architektonicznego);
V ) komora (intymne) portrety, w których wykorzystuje się obraz sięgający ramion, klatki piersiowej i pasa, często na neutralnym tle.

Rosyjscy portreciści: Rokotow, Lewicki, Borovikovsky, Bryullov, Kiprensky, Tropinin, Perov, Kramskoy, Repin, Serov, Nesterov

2.Sceneria (francuskie „miejsce”, „kraj”, „ojczyzna”) - przedstawia przyrodę, wygląd obszaru, krajobraz.
Rodzaje krajobrazu : wiejskie, miejskie, morskie (marina), architektoniczne miejskie (weduta), przemysłowe.
Krajobraz może mieć charakter liryczny, heroiczny, epicki, historyczny, fantastyczny.

Rosyjscy artyści krajobrazu: Szczedrin, Aiwazowski, Wasiliew, Lewitan, Szyszkin, Polenow, Savrasow, Kuindzhi, Grobar i inni.

3.Martwa natura (francuski „martwa natura”) - przedstawia osobliwe portrety rzeczy, ich spokojne życie. Artyści przedstawiają rzeczy najzwyklejsze, ukazując ich piękno i poezję.

Artyści: Serebryakova, Falk

4.Gatunek codzienny (malarstwo rodzajowe) - przedstawia codzienne życie człowieka i wprowadza nas w życie ludzi z dawnych czasów.

Artyści: Venetsianov, Fedotov, Perov, Repin i inni.

5.Gatunek historyczny - przedstawia ważne wydarzenia historyczne, wydarzenia z przeszłości, czasy epickie. Gatunek ten często przeplata się z innymi gatunkami: życiem codziennym, bitwą, portretem, pejzażem.

Artyści: Losenko, Ugryumov, Ivanov, Bryullov, Repin, Surikov, Ge i inni.
Surikowa, wybitnego mistrza malarstwa historycznego: „Poranek egzekucji Streltsy”, „Boyaryna Morozova”, „Mienszykow w Berezowie”, „Przeprawa Suworowa przez Alpy”, „Podbój Syberii przez Ermaka”.

6.Gatunek bitewny - przedstawia kampanie wojskowe, bitwy, wyczyny zbrojne, operacje wojskowe.

7.Gatunek zwierzęcy - przedstawia świat zwierząt.

MALARSTWO MONUMENTALNE.

Od zawsze związany z architekturą. Ozdabia ściany i sufity, podłogi, otwory okienne.

Rodzaje malarstwa monumentalnego(różni się w zależności od zastosowanej techniki):

1.Fresk (wł. „na mokro”) – pisany na mokrym tynku wapiennym farbami (suchy pigment, barwnik w proszku) rozcieńczonymi wodą. Po wyschnięciu wapno uwalnia cienką warstwę wapnia, która utrwala farbę pod spodem, sprawiając, że obraz jest nieusuwalny i bardzo trwały.

2.Tempera - farby rozcieńczane na jajku, kleju kazeinowym lub spoiwie syntetycznym. Jest to niezależny i powszechny rodzaj malarstwa ściennego. Czasami temperą maluje się na już wyschniętym fresku. Tempera szybko schnie i po wyschnięciu zmienia kolor.

3.Mozaika (łac. „poświęcony muzom”) - malarstwo ułożone z małych kawałków kolorowych kamieni lub smalty (specjalnie zespawane nieprzezroczyste kolorowe szkło)

4. Witraż (francuskie „glazura”, z łac. „szkło”) – malowanie wykonane z kawałków przezroczystego kolorowego szkła połączonych ze sobą taśmami ołowianymi (lutowanie ołowiem)

5.Płyta (francuska „deska”, „tarcza”)
- a) część ściany lub sufitu (plafon), podkreślona sztukaterią lub ozdobą wstęgową i wypełniona malarstwem;
b) wykonane farbami na płótnie i następnie przymocowane do ściany. W przypadku ścian zewnętrznych panele mogą być wykonane z płytek ceramicznych.

ARCHITEKTURA

Architektura - sztuka tworzenia budynków i ich zespołów tworzących środowisko do życia człowieka. Różni się od innych rodzajów sztuki tym, że realizuje nie tylko zadania ideologiczne i artystyczne, ale także praktyczne.

Rodzaje architektury:
publiczny (pałac);
budynki użyteczności publicznej;
urbanistyka;
przywrócenie;
ogrodnictwo (krajobraz);
przemysłowy.

Ekspresyjne środki architektury:
kompozycja budynku;
skala;
rytm;
światłocień;
kolor;
otaczająca przyroda i budynki;
malarstwo i rzeźba.

1. Kompozycja budowlana - rozmieszczenie jego głównych części i elementów w określonej kolejności . Kompozycja budynku jest bardzo ważna, ponieważ decyduje o wrażeniu, jakie budynek wywołuje.. Tworząc kompozycję architektoniczną architekt stosuje różne techniki: naprzemienność i łączenie różnych przestrzeni (otwartych i zamkniętych, oświetlonych i zaciemnionych, połączonych i izolowanych itp.); różne objętości (wysokie i niskie, proste i zakrzywione, ciężkie i lekkie, proste i złożone); elementy powierzchni otaczających (płaskie i tłoczone, pełne i ażurowe, gładkie i kolorowe). Wybór kompozycji zależy od przeznaczenia budynku.

Rodzaje kompozycji:
- Symetryczny . Taki sam układ elementów budynku względem osi symetrii, która wyznacza środek kompozycji. Budowle tego typu były charakterystyczne dla architektury epoki klasycyzmu.
- Asymetryczny . Zasadnicza część budynku jest odsunięta od centrum. Zastosowano różne bryły kontrastujące kształtem, materiałem i kolorem, co prowadzi do dynamicznego obrazu architektonicznego . Typowe dla współczesnego budownictwa.
Odbiór symetrii i asymetrii w kompozycji poszczególnych elementów, rozmieszczeniu słupów, okien, schodów, drzwi itp.

2. Rytm .Duże znaczenie organizacyjne w kompozycji architektonicznej ma rytm, czyli wyraźny rozkład brył i detali budowli, które powtarzają się w określonych odstępach (amfilady pomieszczeń i sieni, kolejne zmiany kubatur pomieszczeń, grupowanie kolumn, okien , rzeźby)

Rodzaje rytmu:
-Rytm pionowy . Naprzemienność poszczególnych elementów w kierunku pionowym. Nadaje budynkowi wrażenie lekkości i kierunku ku górze.
- Rytm poziomy . Naprzemienne elementy w kierunku poziomym sprawiają, że budynek jest przysadzisty i stabilny.
Gromadząc i kondensując poszczególne detale w jednym miejscu i wyładowując je w innym, architekt może podkreślić centrum kompozycji i nadać budynkowi charakter dynamiczny lub statyczny.

3. Skala . Proporcjonalne relacje pomiędzy budynkiem i jego częściami. Określa wielkość poszczególnych części i detali budynku w stosunku do wielkości całego budynku jako całości, do człowieka, otaczającej przestrzeni i innych budynków. Skala budynku nie zależy od wielkości budynku, ale od ogólnego wrażenia, jakie wywiera na człowieku.

4. Światłocień . Właściwość ujawniająca rozkład jasnych i ciemnych obszarów na powierzchni formy. Wzmacnia i ułatwia wizualną percepcję formy architektonicznej, nadając jej bardziej malowniczy wygląd. Sztuczne oświetlenie brył budynków stosuje się na ulicach, autostradach i na poziomie podświetlenia. Odbite światło we wnętrzu stwarza iluzję lekkości form.

Osobliwością architektury jako sztuki jest tworzenie jedności kompozycji architektonicznej z różnych form architektonicznych. Najprostszym sposobem na stworzenie jedności jest nadanie bryle budynku prostego kształtu geometrycznego. W złożonym zespole budynków jedność osiąga się poprzez podporządkowanie: główna bryła (centrum kompozycyjne) jest podporządkowana wtórnym częściom budynku. Tektonika jest także narzędziem kompozycyjnym.

Tektonika-artystycznie ukazana struktura konstrukcyjna budynku.

5. Kolor . Często stosowany w obiektach architektonicznych, szczególnie w przestrzeniach wewnętrznych (zwłaszcza w budynkach klasycystycznych i barokowych). Nowoczesne wnętrza charakteryzują się jasnymi, jasnymi kolorami.

6. Malarstwo i rzeźba Do artystycznych środków tworzenia kompozycyjnej jedności budynku zalicza się sztukę monumentalną i użytkową, w szczególności rzeźbę i malarstwo, których połączenie z architekturą nazywa się „syntezą sztuk”.

7. Otaczająca przyroda i budynki .Architektura skłania się ku zespołowi. Dla jego konstrukcji ważne jest, aby wpasować się w krajobraz naturalny (naturalny) lub miejski (miejski). Formy architektury są określane: naturalnie (w zależności od warunków geograficznych i klimatycznych, charakteru krajobrazu, intensywności nasłonecznienia); społecznie (w zależności od charakteru ustroju społecznego, ideałów estetycznych, potrzeb utylitarnych i artystycznych społeczeństwa).

Architektura jest ściśle związana z rozwojem sił wytwórczych i technologii. Żadna sztuka nie wymaga takiej koncentracji zbiorowych wysiłków i zasobów materialnych, na przykład: Katedrę św. Izaaka budowało 500 tysięcy ludzi w ciągu 40 lat.

Trójca architektury: użyteczność, siła, piękno. Inaczej mówiąc, są to najważniejsze elementy całości architektonicznej: funkcja, projekt, forma (Witruwiusz, I w. n.e., starożytny rzymski teoretyk architektury). Budownictwo stało się architekturą, gdy praktyczne budynki nabrały estetycznego wyglądu.

Architektura powstała w czasach starożytnych. W starożytnym Egipcie w imię celów duchowych i religijnych budowano wspaniałe budowle(grobowce, świątynie, piramidy). W starożytnej Grecji architektura nabiera demokratycznego wyglądu, a budynki sakralne (świątynie) już potwierdzają piękno i godność greckiego obywatela. Powstają nowe typy budynków użyteczności publicznej: teatry, stadiony, szkoły. A architekci podążają za nimi humanistycznej zasady piękna sformułowanej przez Arystotelesa: „Piękne nie powinno być ani za duże, ani za małe ". W starożytnym Rzymie architekci szeroko stosowali łukowe, sklepione konstrukcje wykonane z betonu. Nowe typy budynków, forów, łuków triumfalnych i kolumn odzwierciedlają idee państwowości i siły militarnej. W średniowieczu architektura stała się wiodącą i najpopularniejszą formą sztuki.. W katedrach gotyckich skierowanych ku niebu wyrażał się religijny impuls ku Bogu i namiętne, ziemskie marzenie ludu o szczęściu . Architektura renesansowa na nowo rozwija zasady i formy antycznej klasyki, wprowadzając nową formę architektoniczną – podłogę.Klasycyzm kanonizuje techniki kompozytorskie starożytności.

Jedność kompozycji architektonicznej implikuje jedność stylu, który tworzy zespół cech charakterystycznych dla sztuki danego czasu. Na styl każdej epoki wpływały różne czynniki: poglądy ideologiczne i estetyczne, materiały i techniki budowlane, poziom rozwoju produkcji, potrzeby życia codziennego, formy artystyczne.

Styl - suma elementów ujawniających cechy charakterystyczne danej epoki.
Styl - historycznie ustalony zestaw środków i technik artystycznych charakteryzujących cechy sztuki określonego czasu.
Styl jest obecny we wszystkich rodzajach sztuki, ale kształtuje się głównie w architekturze. Styl architektoniczny kształtuje się przez dziesięciolecia, a nawet stulecia, na przykład w starożytnym Egipcie styl zachował się przez 3 lata i dlatego otrzymał nazwę kanoniczny (kanon (norma, reguła) - zbiór zasad opracowanych w procesie praktyka artystyczna i ugruntowana w tradycji).

Podstawowe zasady stylu egipskiego, charakterystyczne dla całej sztuki starożytnego Egiptu:
- jedność obrazów i napisów hieroglificznych;
- pionowy obraz obiektów i ludzi (mniej znaczące przedstawiono na płaszczyźnie powyżej);
- przedstawienie skomplikowanych scen linia po linii za pomocą poziomych pasów;
- różne skale postaci, których wielkość zależy nie od ich położenia w przestrzeni, ale od znaczenia każdej z nich;
- przedstawienie postaci ludzkiej jakby z różnych punktów widzenia (profil przedni) - zasada rozłożenia postaci na płaszczyźnie (w przypadku przedstawienia głowy i nóg z profilu, a tułowia i oczu z przodu).

KALENDARZ I TEMATYCZNE PLANOWANIE LEKCJI.

Kalendarz i planowanie tematyczne uzależnione jest od wieku uczniów. Idealną opcją są lekcje w klasach 5 (6)–11, do tego przeznaczony jest państwowy program Yu. A. Solodovnikova i L. N. Predchetenskiej. Należy wziąć pod uwagę, że specyfika pracy na szczeblu średnim i wyższym jest odmienna . Uczniowie szkół średnich potrafią już dostrzec uogólnione pojęcia zawarte na przykład w pojęciu stylu, gdzie dominuje zjawisko zasady „od ogółu do szczegółu”. Gimnazjaliści, szczególnie w klasach 5-6, nie zawsze są gotowi na zrozumienie stylu, to znaczy nie mają jeszcze umiejętności dostrzegania ogólnego wzorca w wielu konkretnych zjawiskach. Umiejętność ta rozwija się stopniowo, dlatego na poziomie średnim większe wyniki można uzyskać z lekcji „zanurzenia” w dowolnym dziele, wydarzeniu, zjawisku, życiu i ścieżce twórczej autora, na przykład „Mity starożytnej Grecji”, „ Narodziny opery”, „Handel florencki”. Zajęcia te mogą mieć formę inscenizacji, gier biznesowych, quizów, debat itp. Jednocześnie studenci otrzymują informacje dotyczące konkretnych postaci, cech środków wyrazu danej sztuki. Zdolność dostrzeżenia ogólnych wzorców kryjących się za tymi „prywatnymi” chwilami powstaje na poziomie podświadomości. Ale konkretne obrazy i sytuacje zapadają w pamięć dobrze, żywo i na długo.
Później studenci, którzy nabyli doświadczenie w komunikowaniu się z poszczególnymi dziełami sztuki i zjawiskami kulturowymi, zyskują umiejętność realizowania, formułowania i wyrażania uogólnionych sądów. Ten moment przychodzi, gdy uczeń zbliża się do 9., rzadziej 8. klasy. Uczniowie klas 8 i 9 mają różne spostrzeżenia. 8. klasa to etap wieku przejściowego, który objawia się na różne sposoby. W jednym przypadku ósmoklasiści są już gotowi na bardziej złożony poziom percepcji, w drugim – nie. O takiej sytuacji decyduje nauczyciel w każdym konkretnym przypadku.
Jeśli w szkole uczy się MHC od klas 5 do 11, wówczas najskuteczniejsze może być podejście składające się z dwóch etapów. Lekcje w klasach 5-7(8) to fascynujące „zanurzenie” w świat konkretnych zjawisk kultury, sztuki itp., z wykorzystaniem aktywnych, praktycznych form pracy. Mogą to być inscenizacje, gry, debaty, korzystanie z programów komputerowych, badania z wykorzystaniem Internetu, praca nad projektami, quizy itp. Jednocześnie zachowana jest zasada historyzmu – w planowaniu tematycznym nauczyciel uwzględnia najważniejsze dzieła i zjawiska kulturowe, które odzwierciedlają różne etapy jego rozwoju. Bardzo dobrze będzie, jeśli połączy się to z zajęciami z historii, które uczniowie realizują równolegle. Możliwe połączenie z lekcjami plastyki, literatury, muzyki itp.
Koncepcja wybrana przez nauczyciela jako podstawa może wyznaczać różne materiały i zajęcia. Solodovnikov sugeruje oparcie się na mitologii jako możliwej zasadzie uporządkowania tematu. Możliwe są jednak także inne zasady.
Po osiągnięciu drugiego etapu, mając wiedzę o konkretnym zjawisku kulturowym, uczniowie klas 9-11 mogą jeszcze raz przejść tę drogę, ale z punktu widzenia stylów, cech obrazu artystycznego w danej epoce. Indywidualne pomysły uzyskane wcześniej łączą się w jeden system zależności, a przyczyny i konsekwencje stają się jasne.

Opracowując program dla klas 6-8, nauczyciel może przyjąć za podstawę treść zajęć fakultatywnych MHC Danilova, gdzie z obszernego i różnorodnego materiału nauczyciel może wybrać to, co jest mu najbliższe i spełnia warunki jego praca.
Możliwe jest także zaplanowanie lekcji MHC na poziomie szkoły średniej, gdy w każdej klasie obowiązuje zasada koncentryczna, tj. na każdych zajęciach uczniowie kolejno poruszają tematykę związaną ze sztuką starożytnego świata, średniowiecza, Wschodu, Rosji, renesansu itp.