Popularny artysta Aaron Blaise wyjaśnia, jak rysować dynamiczne postacie w Photoshopie, korzystając z tradycyjnego myślenia.
W tym samouczku Aaron Blaise wyjaśni, w jaki sposób tworzy realistyczne postacie i jak wykorzystuje w tym procesie różne odniesienia.
1. Utwórz szkic
Wypełnij dokument kolorem szarym, co pozwoli dokładniej rozmieścić jasne i ciemne akcenty. Utwórz nową warstwę na szarym tle i nazwij ją Rough Sketch. Na tym etapie rysujemy swobodnie, nie skupiając się na szczegółach. Wskazujemy główne proporcje i cechy postaci.
2. Uszczegółowienie szkicu
Zmniejsz krycie szkicu do około 30% i utwórz nową warstwę o nazwie Ulepszony szkic. Teraz rysujemy szczegóły - na przykład zmarszczki, fałdy, nos.
Ten etap jest bardzo ważny, ponieważ powstały szkic posłuży jako próbka (szablon) do dalszego procesu rysowania.
3. Zastosuj kolory podstawowe
Kolor główny to ten, który początkowo posiada nasza postać, bez wpływu światła i cienia na nią. Utwórz nową warstwę pod warstwami projektowymi i nadaj jej nazwę Kolor podstawowy. Autorka na tym etapie używa dużego pędzla, który swoim wyglądem przypomina naturalny pędzel. Autorka zaczyna od zieleni, gdyż jest to kolor dominujący. Od niechcenia nadajemy postaci kolor zielony.
Następnie dodaj inne kolory dla urozmaicenia. Na tym etapie możesz także pracować szybko, przejrzyście i bez myślenia o szczegółach. Czas na eksperyment! Powstały rysunek będzie podstawą do dalszej koloryzacji.
4. Utwórz pierwszą warstwę z cieniami
Utwórz nową warstwę na wszystkich pozostałych i nazwij ją Cienie. Ustaw tryb mieszania na Pomnóż. Dzięki temu kolor bazowy będzie widoczny przez warstwę cienia. Zaczynamy szkicować cienie wybranym chłodnym kolorem półtonowym.
Na tym etapie możesz też wszystko zrobić szybko, ale bądź ostrożny.
5. Narysuj oświetlenie bezpośrednie
Następnie utwórz nową warstwę na wierzchu pozostałych i nazwij ją Oświetlenie bezpośrednie. Na tym etapie bardzo ważne jest, aby pamiętać o temperaturze kwiatów. Autor używa chłodnych, neutralnych kolorów do przedstawienia cieni, ale używa cieplejszych, czystszych kolorów w światłach.
Zaczynamy malować w jaśniejszych obszarach, gdzie światło pada na postać. Stosujemy ciepłe odcienie zieleni i żółci. Widzimy, że nasza postać już zaczyna nabierać kształtu!
6. Wskaż światło odbite
Utwórz nową warstwę poniżej warstwy Światło bezpośrednie i nazwij ją Światło odbite, a następnie wybierz kolor nieco cieplejszy i jaśniejszy niż otaczający ją kolor cienia.
Kluczowym czynnikiem jest tutaj ostrożność i subtelność: rysuj ostrożnie.
7. Wyznacz najważniejsze momenty
Utwórz nową warstwę i nadaj jej nazwę Highlights. Otwórz Próbnik kolorów, wybierz jasny kolor i znacznie zwiększ jego jasność. Następnie rysujemy bezpośrednio światła tam, gdzie są potrzebne. Autor dodaje także blasku na krawędziach i głębszych cieni.
8. Stwórz jesienne tło
Następnie utwórz nową warstwę pod wszystkimi innymi warstwami i nadaj jej nazwę Tło. Za pomocą naturalnego pędzla bardzo szybko zaczynamy malować tło „jesiennymi” kolorami, które korzystnie kontrastują z zielonym charakterem.
Malujemy tło ciemniejszymi odcieniami, aby postać lepiej się wyróżniała. Następnie kliknij Filtr – Rozmycie – Rozmycie gaussowskie (Filtr>Rozmycie>Rozmycie gaussowskie) i ustaw rozmycie na 25 pikseli.
9. Korzystaj z referencji fotograficznych
Tekstura skóry słonia pomoże stworzyć fajną skórę dla naszej postaci! Wybierz małą sekcję za pomocą narzędzia Lasso, przeciągnij ją na naszą ilustrację i zmniejsz poziom krycia do 30%. Następnie kliknij Obraz – Korekcja – Ekspozycja (Obraz> Dopasowania> Ekspozycja), zwiększ wartość Gamma i dostosuj wartość Ekspozycji, aby zwiększyć kontrast. Dostosowujemy więc te ustawienia wraz z poziomem krycia, aż tekstura będzie idealnie pasować do naszego rysunku.
10. Ustaw teksturę dla naszej postaci
Następnie przejdź do Edycja – Swobodna transformacja (Edycja>Swobodna transformacja), zmień rozmiar tekstury, a następnie wybierz Edycja – Transformacja – Wypaczenie (Edycja> Transformacja>Wypaczenie). Teraz możemy ukształtować teksturę tak, aby pasowała do kształtu naszej postaci.
11. Dodawanie rozjaśnień do tekstur
Na koniec tego etapu tekstura powinna wyglądać jak część postaci, czyli całkowicie się z nią stopić. Utwórz nową warstwę na wszystkich pozostałych i nazwij ją Światła na teksturach. Następnie wybieramy wdzięczny cienki pędzel i zaczynamy malować refleksy na teksturach, gdzie pada światło.
12. Narysuj plamy na skórze postaci
Utwórz warstwę poniżej warstwy „Jasne podświetlenia na teksturach” i nazwij ją „Plamki”. Ustaw tę warstwę na tryb mieszania Pomnóż.
Teraz, używając średnich odcieni zieleni i czerwieni, ostrożnie zaczynamy rysować plamy i paski na skórze postaci. Dzięki temu będzie bardziej interesująca, a także pomoże określić kształt ciała.
13. Narysuj elementy na pierwszym planie
Utwórz nową warstwę na wierzchu pozostałych i zacznij swobodnie rysować liście i gałęzie na pierwszym planie. A ponieważ wszystko to będzie rozmyte, nie ma potrzeby dokładnego rysowania wszystkich szczegółów. Autor jednak starannie tworzy te elementy, stosując wiele warstw.
Kiedy już wszystko narysowaliśmy, połącz wszystkie warstwy i przejdź do Filtr – Rozmycie – Rozmycie Gaussa. Ustaw rozmycie na 35 pikseli. Dzięki temu obraz będzie miał odpowiednią głębię.
14. Ostatnie szlify
Skopiuj wszystkie warstwy z postacią i połącz je w jedną warstwę. Następnie sprawiamy, że wszystkie oryginalne poszczególne warstwy stają się niewidoczne. Wybierz narzędzie Rozmycie i ustawienie Aerograf.Ustaw je na około 300 pikseli i 50%.
Teraz zaczynamy zamazywać te obszary na warstwach postaci, które chcemy nieostre. Odbywa się to w celu przyciągnięcia widza do głównej części rysunku - w tym przypadku twarzy postaci. To również nada rysunkowi pewien fotograficzny wygląd. Na koniec prostujemy obraz oraz dostosowujemy ekspozycję i nasycenie, aby rysunek wyglądał jasno i pięknie.
Pytanie:
« Proszę, powiedz mi, czy masz gdzieś bardzo przybliżony szkic, który pokazałby, od czego zaczynasz? W sensie, który pokazałby, jak tworzysz swoją postać w oparciu o koła i trójkąty?
Naprawdę chcę wypracować własny styl, ale nie mogę obejść się bez kilku wskazówek od osoby, która wie, jak rysować takie słodziaki».
Pytanie: « Moje pytanie brzmi: kiedy rysuję tę samą postać kilka razy, denerwuje mnie to, że za każdym razem wygląda inaczej.
Na miłość boską, powiedz mi, jak to robisz, że wszystkie postacie wyglądają tak samo w każdej części komiksu?»
Odpowiedź: Pytania te są ze sobą w pewnym stopniu powiązane, dlatego postaram się udzielić na nie ogólnej odpowiedzi.
1. Struktura rysunku.
Bardzo krótki opis tego, gdzie zaczynam (i kończę) rysować.
Istotą całego procesu jest rozpoczęcie od prostych kształtów i zakończenie szczegółowym rysunkiem. Na pierwszym rysunku wykonywany jest szkic w postaci podstawowych kształtów i linii odniesienia.
Pozwól mi wyjaśnić. Rysunek przedstawia parę idiotów biegnących przez pole kukurydzy.
Zaczynam od przybliżonego, prostego szkicu kształtów i linii odniesienia. Na tym etapie interesuje mnie jedynie zewnętrzne podobieństwo postaci i udane przeniesienie dynamiki w ich pozach.
Najpierw pozbywam się niezrozumiałych gestów, nienaturalnych póz, absurdalnych proporcji i stopniowo „zaśmiecam” kompozycję, dopełniając rysunek.
Kiedy już jestem zadowolony z wstępnego rysunku, zaczynam rysować na nim, używając niektórych wczesnych linii jako wskazówek.
W tym momencie Twój rysunek prawdopodobnie zmieni się w coś okropnego. A wszystko dlatego, że jesteś brudnym, niechlujnym artystą.
Ale nie martw się. Tak powinno być.
Kiedy główny rysunek wstępny jest już gotowy, przystępuję do rysowania szczegółowego. Nie wymazuję jeszcze oryginalnego szkicu, ponieważ w szczegółowym rysunku pomogą kreski referencyjne przedstawiające kontury postaci i ich ruchy. Pomogą ci dowiedzieć się, gdzie narysować szwy na ubraniach, gdzie dodać fałdy, jak włosy i futro powinny leżeć na tej lub innej części postaci itp.
Na tym rysunku pozbyłem się już wszystkich linii odniesienia, miejscami je zamazałem, a miejscami uczyniłem je wyraźniejszymi. Na tym etapie wolę pracować ołówkiem, ale częstą praktyką jest też najpierw tuszowanie rysunku, a następnie wymazywanie całej pracy ołówkiem.
2. Monotonia charakteru.
Jak rysuję tę samą postać z różnych perspektyw.
Niezależnie od stanowiska głowy ustalone zasady pozostają niezmienione.
Te niebieskie linie na górnym zdjęciu, które sugerują kształt głowy i wskazują linie środkowe, wystarczą mi, aby wiedzieć, gdzie znajdują się inne kształty, jak te zakreślone na czerwono na obrazku poniżej.
I na koniec otrzymujemy postać, która wygląda tak samo z różnych punktów widzenia. A wszystko dlatego, że został stworzony na podstawie figur, według tej samej zasady.
Na koniec, zawsze pamiętaj, że chociaż te początkowe techniki mogą pomóc Ci szybko osiągnąć postęp, nic nie zastąpi praktyki. Nie poddawaj się, jeśli technika nie zadziała za pierwszym razem... lub za następnymi 98 razy. Rysuj dalej.
3. Jak narysować „słodkich facetów”.
Sama istota atrakcyjności postaci (która zwykle obejmuje pojęcie „uroczy”) to zupełnie odrębny temat - rozległy, a w dodatku ledwo podatny na fragmentaryzację. Nie sądzę, że będę w stanie o tym wystarczająco dużo tutaj mówić, jeśli w ogóle, ale przynajmniej dam ci kilka wskazówek do rozważenia, jeśli chcesz stworzyć fascynującą postać:
- Atrakcyjność. Nie jest tajemnicą, że pewne proporcje naturalnie mają atrakcyjność wizualną. Nie zapomnij o nich tworząc swoją postać. Często postacie okazują się urocze, jeśli są przedstawione zgodnie z proporcjami twarzy dziecka: wysokie czoło, pucołowate policzki, duże oczy i inne rysy twarzy położone blisko siebie.
(Disney z reguły przyjął tę praktykę. Zatem rysowanie klasycznych znanych postaci pomoże ci zrozumieć, jak uatrakcyjnić własne postacie i ogólnie zapoznać się ze strukturą rysunku. Spróbuj narysować myśliwego z kreskówek Looney Tunes i Tex Avory”, aby dowiedzieć się, jak tworzyć postacie, które będą sympatyczne i zabawne, a nie urocze i ckliwe).
- Czyszczenie.
Uważaj, aby twarz Twojej postaci nie wyglądała na ciemną lub brzydką z powodu zbyt wielu niepotrzebnych linii. Zrozum znaczenie oszczędzania linii. Uprość szkic tak bardzo, aby podkreślić jego najważniejsze, atrakcyjne cechy; takie, które oddają istotę postaci i pozwalają oddać jej nastrój. Ułatwia to nie tylko wielokrotne rysowanie postaci pod różnymi kątami, ale także ułatwia zrozumienie.
- Ekspresyjność. Kluczem do tego, aby postać wyglądała atrakcyjnie lub po prostu sympatycznie, jest osiągnięcie prostoty rysunku poprzez usunięcie niepotrzebnych linii, a także szczery i wyraźny wyraz twarzy, który w pełni oddaje myśli i uczucia postaci. Dwuznaczny, pusty lub nierozróżnialny wyraz twarzy nie ma tego samego uroku. Daj swojej postaci możliwość działania, reagowania i bycia naprawdę żywym.
Kopiowanie tego tłumaczenia jest dozwolone wyłącznie z łączem do tej strony.
- Rainbowspacemilk lubi to
Postać- fikcyjna animowana osoba o określonym charakterze i unikalnych danych zewnętrznych. W sztukach wizualnych postacie dzieli się na dwie główne kategorie: animowane i statyczne. Zasadniczą różnicą pomiędzy postacią animowaną a statyczną jest specjalna konstrukcja postaci, dzięki której praca animatorów z bohaterem będzie znacznie łatwiejsza.
ROZWÓJ CHARAKTERU
Znalezienie wizerunku postaci to najważniejszy i najciekawszy etap. Wybierając obraz, należy wziąć pod uwagę nie tylko cechy osobiste bohatera, ale także jego harmonijne połączenie z otaczającym go światem. Poza tym postać musi być wyrazista, nie oklepana i mieć pewną dozę uroku.
Najpierw trzeba przestudiować materiały wprowadzające (TOR, scenariusz, opis literacki i reżyserski bohaterów), porozumieć się z reżyserem, który postara się jak najdokładniej przekazać artyście swoje przemyślenia. Zapoznaj się z cechami stylistycznymi projektu, o których opowie scenograf lub reżyser, jeśli na etapie tworzenia postaci nie ma jeszcze scenografa w projekcie. Bazując na wynikach zapoznania się z projektem warto wykonać serię szkiców, zapisując sobie kilka najważniejszych punktów, które przydadzą się w dalszej pracy z postacią.
Przede wszystkim musisz przedstawić najbardziej uderzające epizody z przeczytanego scenariusza i spróbować naszkicować proste koncepcje najbardziej efektownych scen z udziałem głównego bohatera. Odbywa się to, aby wyczuć główne cechy przyszłej postaci - jego wagę, postawę, budowę ciała.
Kiedy już uda Ci się uchwycić odpowiadający Twoim zdaniem obraz, mający rozmyte, ale mniej lub bardziej wyraźne kontury, możesz przystąpić do doprecyzowywania stylu - szukania kształtu fryzury, ubrania, przedmiotów osobistych bez wchodzenia w szczegóły. Na tym etapie nie powinieneś trzymać się udanego obrazu. Zadaniem artysty jest narysowanie wielu różnych, niepowiązanych ze sobą opcji, spośród których zostanie następnie wybrany ten, który odniesie największy sukces.
Nie zapominajmy również, że postać powinna być łatwa do „odczytania” dla widza. Aby sprawdzić „czytelność” znaku, po prostu pomaluj go na czarno, po czym sylwetka postaci powinna być rozpoznawalna i wyglądać całkiem efektownie.
Kolejnym etapem jest „wbieganie” postaci.
Wybrana, ale wciąż prymitywna opcja rozgrywa się w akcji. Aby to zrobić, musisz narysować postać w charakterystycznych pozach. W miarę postępu prac niepotrzebne części są eliminowane i zastępowane nowymi, bardziej odpowiednimi dla bohatera i wygodniejszymi w użyciu.
Ostatni etap kreowania wizerunku postaci rozpoczyna się z reguły po zatwierdzeniu i dostosowaniu najodpowiedniejszej opcji wybranej przez reżysera (klienta). Teraz zadaniem artysty jest praca nad szczegółami i uzupełnienie obrazu.
Ostatnim akcentem jest malowanie postaci.
Ostatecznej wersji znaku w kolorze towarzyszą komentarze wskazujące wartości kolorów zastosowane dla każdego pojedynczego elementu obrazu w RGB lub CMYK (w zależności od oprogramowania użytego w projekcie). Zastosowanie nietradycyjnego stylu przy stosowaniu światła i cienia do postaci oznacza dodatkowy rozwój schematu światło-cień.
CHARAKTERYSTYCZNA POZA POSTACI
Charakterystyczne pozy postaci uzupełniają opis literackiego wizerunku bohatera. Pomagają wizualnie pokazać charakter bohatera, jego zwyczaje i zachowanie. Kluczowym zadaniem artysty jest jak najwierniejsze oddanie zamysłu reżysera, wyposażenie bohatera w charakterystyczne dla niego cechy (zgodnie ze scenariuszem).
Charakterystyczne pozy postaci to „Naturalne” (zrelaksowane), „Nawykowe” (odruchowe) i „Inscenizowane” (emocjonalne):
- "Naturalne pozy" - są to spokojne stany postaci w pozycji stojącej z podparciem na jednej nodze. Rzadziej podtrzymują obie nogi, z równomiernie rozłożonym środkiem ciężkości.
- "Zwyczajowe pozy" - charakterystyczne dla bohatera pozycje ciała, przyjmowane odruchowo zgodnie z nastrojem bohatera, np.: zamyślenie, podekscytowanie, zmęczenie.
- "Pozy" - celowo przesadne pozy przyjmowane przez bohatera w obecności osoby trzeciej, np.: flirt, zachwyt, zaskoczenie, wstyd.
Niezależnie od rodzaju poza powinna być dość jasna i wyrazista. Pożądany efekt osiąga się poprzez postawę*, ułożenie rąk i nóg, pozycję głowy, mimikę i gesty.
Śmieszny fakt:
Tworząc postacie, wielu artystów mimowolnie nadaje swoim bohaterom krzywą, z medycznego punktu widzenia, postawę. Jeśli weźmiemy pod uwagę różne typy pozycji według F. Staffela, wówczas skrzywienie kręgosłupa jest nieodłącznie związane z prawie wszystkimi typami:
- "Plano-wklęsły„Plecy są charakterystyczne dla kobiet. To wygięcie pleców dobrze podkreśla kobiece kształty w talii i biodrach;
- "Płaski tył„typowe dla wojska, gdy konieczne jest przesadne pokazanie postawy;
- "Zaokrąglone plecy”z reguły należy do chudego, niepewnego siebie młodego mężczyzny lub wysokiego, szczupłego starca;
- Potwory z potężnym tułowiem mają „wklęsły okrągły grzbiet”.
Kliknij na zdjęcie, aby obejrzeć je w pełnym rozmiarze i 100% jakości.
Pozycja głowy w połączeniu z mimiką i gestami bardziej wyraziście oddaje nastrój bohatera. Głowa ma pięć głównych pozycji: prosto, w dół, w górę, w górę, na boki i na bok.
Pozycja głowy bohatera jest bezpośrednio powiązana z jego nastrojem. Na przykład: podniesiona głowa podkreśli pewność siebie, arogancję lub marzycielstwo; pominięte - wściekłość i agresja, zmęczenie lub smutek; lekko opuszczony i przechylony na bok – zawstydzenie i flirt, a w pozycji wyprostowanej – zaskoczenie, strach lub irytacja. Mimo pewnego schematu istnieją techniki, które naruszają te zasady, ale można to już uznać za wyjątek od reguły.
W przeciwieństwie do doświadczonych artystów, którzy polegają na swoim doświadczeniu i intuicji, początkującym artystom dobrze byłoby zapoznać się ze specjalistyczną literaturą z zakresu psychologii mimiki i gestów, zwłaszcza że temat ten jest dość interesujący i pomaga artyście samodzielnie zidentyfikować pewne wzorce w ludzkich zachowaniach .
BUDOWANIE CHARAKTERU
Tworząc animowaną postać, artysta musi nie tylko wyobrazić sobie, jak postać będzie się poruszać, ale także jasno wyjaśnić to animatorowi, który później będzie z nią pracować. Aby to zrobić, postać jest rozkładana na tak zwane „półfabrykaty”, po czym rysowanie diagramu postaci.
Jak wiemy, każdy złożony obiekt składa się z prostych kształtów (koła, owale, trójkąty, prostokąty). Zadaniem artysty jest szczegółowe przeanalizowanie swojej postaci w prostych formach, pokazanie, jak łączą się one osiowo i doprecyzowanie proporcji. Schemat budowania postaci powinien być prosty, logiczny, wygodny i zrozumiały. Im lepiej przemyślany jest schemat konstrukcji, tym łatwiejsza będzie dalsza praca z postacią. Warto zaznaczyć, że technika tworzenia postaci jest indywidualna dla każdego artysty – niektórzy od razu budują postać podczas jej tworzenia, inni rysują postać bez budowania, skupiając się na swoim doświadczeniu i intuicji. Niemniej jednak, niezależnie od techniki tworzenia postaci, nadal będziesz musiał ją rozebrać na „blanki”, chyba że mówimy oczywiście o specjalnym stylu animacji, gdzie ważny jest tylko obraz, a konstrukcja postaci nie odgrywać dużą rolę.
Tak może wyglądać ta postać
Często zdarza się, że istnieje potrzeba adaptacji (dostosowania) statycznej postaci z ilustracji do projektu animacji. Aby to zrobić, wystarczy przebudować postać, rozbijając ją na „puste miejsca”, upraszczając jednocześnie drobne szczegóły.
Przykład statycznej postaci przystosowanej (dostosowanej) do animacji.
Kliknij na zdjęcie, aby obejrzeć je w pełnym rozmiarze i 100% jakości.
Praca ze zwierzętami przebiega według tego samego schematu, co z ludźmi.
EMOCJE CHARAKTERÓW
Każda postać powinna być w stanie wyrazić swoje emocje w związku z bieżącymi wydarzeniami. Im jaśniejszy i bardziej zróżnicowany wyraz twarzy postaci, tym ciekawiej można odegrać jego reakcję na określone wydarzenie. Styl postaci wyznacza ramy, w ramach których tworzą się emocje w przesadnej formie, których stopień zależy od „kreskówkowości” postaci.
W zależności od złożoności projektu mapa emocji może się znacznie różnić. Konkretne emocje i ich ilość wymaganą w konkretnym projekcie zazwyczaj określają specyfikacje techniczne.
WYJAŚNIENIE SZCZEGÓŁÓW
Dodatki, elementy ubioru i fryzura postaci odgrywają ważną rolę w tworzeniu niepowtarzalnego, zapadającego w pamięć wizerunku. W procesie opracowywania detali ważne jest nie tylko wizualne urzeczywistnienie idei rozmieszczenia dodatkowych elementów na wizerunku postaci, ale także wyjaśnienie, jak te detale „działają”. Artysta musi zrozumieć funkcjonalny cel wymyślonych przez siebie elementów, ich praktyczne zastosowanie, interakcję z postacią, sposób, w jaki będą się poruszać w animacji, aby przekazać to wizualnie w zestawie dokumentów dotyczących rozwoju postaci.
Tworzone są dodatkowe arkusze w celu wyjaśnienia szczegółów.
TABELA PORÓWNAWCZA
Tablica porównawcza postaci (linijka) - arkusz w linie, na którym ułożono wszystkich bohaterów filmu animowanego w taki sposób, aby za pomocą linii porównawczych lub siatki skali można było wyraźnie określić proporcjonalne stosunki między postaciami (przede wszystkim ich wzrost). zademonstrowano.
Postacie epizodyczne z reguły nie są uwzględniane w tabeli porównawczej. Tworzony jest dla nich osobny arkusz, powiązany z „linijką” za pomocą siatki skali. Lub dokonuje się porównania z bohaterem ze stołu (z którym wchodzi w interakcję postać epizodyczna).
Przyjemność tworzenia postaci z kreskówek jest niezmierzona. Tworzenie i rozwijanie postaci to coś więcej niż tylko rysowanie jej sylwetki: każda postać ma swój własny kształt, cechy i cechy osobowości. Świetnie się sprawdzi, jeśli znasz już podstawy proporcji głowy i przedstawiania emocji. Ale ta wiedza jest bezużyteczna, jeśli nie wiesz, jak narysować tułów postaci. Artysta musi wziąć pod uwagę wszystkie te szczegóły, aby stworzyć postać, która będzie wyglądać wiarygodnie w oczach widzów.
W animacji istnieje kilka różnych stylów postaci, takich jak „głupek” i „łobuz”. Chcesz wiedzieć o nich więcej? Tego właśnie nauczę Cię na tej lekcji.
1. Jak zacząć
Nawiasem mówiąc, kroki, które dzisiaj podejmiemy, są bardzo proste. Najpierw narysuj podstawowy kształt figury, a następnie dodaj cechy i inne części ciała. Jest to zabieg, którego należy przestrzegać niezależnie od tego, czy rysujemy osobę, zwierzę, czy nawet przedmiot, który zdecydujemy się animować (np. zrobić uśmiechnięty kubek).
Każdy wykonany przez Ciebie rysunek będzie zależał od Twojej pracy na etapie szkicowania. Na tym etapie powinieneś poprawiać swój szkic, aż będziesz zadowolony z efektu końcowego.
Kiedy już ustalisz proporcje, następnym krokiem będzie rozwinięcie ekspresji w ruchach ciała, rękach i nogach. Tylko jedna pozycja ręki może opowiedzieć całą historię.
Ręce to rozległy i złożony temat (nawet w animacji), który zasługuje na osobną lekcję. Krótko mówiąc, w procesie tworzenia postaci nie ma tajemnic. 95% artystów tworzy postacie i robią to przechodząc przez określone etapy, bo to znacznie ułatwia proces!
2. Proporcje
Proporcje są jednym z najważniejszych czynników, które należy wziąć pod uwagę podczas tworzenia postaci. Artysta musi pamiętać o względnych proporcjach części ciała, bo na tej podstawie określamy cechy strukturalne naszych postaci. Na przykład tyran ma wojowniczy charakter, więc będzie miał małą głowę, ale jego klatka piersiowa będzie imponująca! Jego ręce i nogi są mocne i wyraźnie zarysowane, podobnie jak duże kości policzkowe. Natomiast skromny charakter opiera się na proporcjach dziecka, z większą głową w stosunku do ciała. A wszystko to w okrągłych kształtach! Inne części, takie jak czoło i duże oczy, są odpowiedzialne za określenie kruchości osobowości. I tak dalej...
Studia animacji w większości używają zaokrąglonych kształtów, aby ocenić wzrost postaci. Na przykład: Głowa dziecka jest zwykle większa niż inne części. Ale dorosła postać ma inne proporcje, które zależą od płci i formy fizycznej bohatera.
Psychodeliczna kreskówka? To wygląda jak.
Projektując (lub animując) ciało postaci, zaleca się szkicowanie na osobnych kartkach papieru. Dzięki temu możesz mieć przed oczami próbkę jego proporcji podczas szkicowania innych pozycji i działań.
Przykład rotacji
Bardzo ważne jest, aby rysować postać w różnych pozach, sytuacjach i ubraną w różne ubrania, aż znajdziesz dla niej idealne proporcje.
Przykłady rysunków szczeniaka.
3. Ciało to gruszka!
Powszechną praktyką wśród projektantów jest wykorzystywanie kształtu gruszki – lub podobnych obiektów – do konstruowania kształtu ciała, ze względu na powszechne skojarzenia. Tak naprawdę jest to powszechna technika w studiach animacji, ponieważ nad tą samą postacią może pracować kilku różnych artystów, a mimo to trzeba zachować odpowiednie proporcje.
Powyższy przykład pokazuje skuteczność tej techniki. Korzystając z jednego szablonu, możesz narysować kilka różnych postaci! Powodem, dla którego stosuje się rysowanie oparte na wzorach, jest to, że tworzy ono natychmiastowe skojarzenie w danej osobie. Szczególnie w przypadku dzieci, kiedy wszystko należy upraszczać, aby było łatwiej zrozumieć. Rysowanie ciała w kształcie gruszki pozwala zachować dynamiczny wygląd i czyni naszego bohatera ciekawszym!
4. Dodawanie szkieletu
Teraz, gdy wiemy, jak zdefiniować kształt, musimy zdefiniować strukturę szkieletu. Jeśli rysujesz dowolną postać w stylu kreskówki, musisz zrozumieć podstawowe różnice w budowie mięśni i szkieletu dla różnych kategorii, takich jak koty, ptaki i ludzie. Wiedza ta jest istotna i wiodąca przy ustalaniu położenia stawów bohatera, takich jak łokcie i kolana.
Zwróć uwagę na główne elementy: zaokrąglone kształty - korpus w kształcie gruszki - położenie stawów.
Jeśli chodzi o animację, należy pamiętać, że w każdej tworzonej przez nas scenie musimy opowiedzieć historię. Nie ma to większego znaczenia, czy mówimy o zdjęciach, czy o realistycznym obrazie. Z tego powodu, że ludzie zadziwiająco potrafią ukrywać swoje prawdziwe motywy.
W animacji wszystko jest inne. Stan fizyczny i postawa Twojej postaci powinny być łatwe do odczytania, bez żadnych dialogów i scenerii. Z tego powodu jest to tak fascynujący i czarujący styl artystyczny!
Naucz się opowiadać historię w swoich szkicach, a odniesiesz sukces jako rysownik.
Podsumowując:
- Oszacuj proporcje swojej postaci za pomocą okrągłych kształtów;
- Podsumuj ciało, korzystając ze słynnej reguły gruszki;
- Postępuj zgodnie ze wskazówkami, które pokazują podstawową pozycję stworzeń;
- Zakończ budowanie swojej postaci, dodając ostatnie elementy do podstawowej konstrukcji, którą zbudowałeś.
5. Zakręt gruszkowy
Czy zasada gruszki dotyczy wszystkich postaci, które tworzymy? Nie zawsze. Jeśli odwrócimy ten kształt, dodamy naszemu bohaterowi poczucia siły i mocy! Spójrz na poniższe przykłady:
Kruchy mały człowiek: ciało w kształcie gruszki. Siłacz: ciało - odwrócona gruszka. Łatwe, prawda?
Czy potrafisz znaleźć różnice pomiędzy „gruszkami” na tym obrazku?
Inną interesującą analogią, na której można oprzeć postacie, są obiekty przypominające pewne formy fizyczne, jak w poniższym przykładzie:
W zasadzie stosujemy również regułę gruszki. Po prostu używamy różnych form opartych na tej samej technice. Ty, jako artysta, możesz zastosować metodę, która będzie dla Ciebie najlepsza!
6. Twardy charakter
„Postać cycka” to taka, która chodzi na dwóch nogach (nawet na zwierzętach) i wygląda głupio, niezdarnie i ogólnie leniwie.
Postać ta jest często przedstawiana jako tchórz. Zwykle starają się trzymać z dala od kłopotów niż wszyscy inni. Można go również przedstawić jako kujona lub sfrustrowanego faceta.
Istnieje szablon, którym można się kierować podczas tworzenia tego typu postaci, ale nie jest to reguła definiująca i może się różnić w zależności od charakteru bohatera.
- Głowy są cieńsze;
- Duże nosy (lub kagańce, jeśli są zwierzętami);
- Duże zęby;
- Wąskie ramiona;
- Praktycznie brak podbródka;
- Zasada gruszki (nigdy do góry nogami, zawsze do góry!).
W zasadzie są to podstawowe elementy potrzebne do stworzenia manekina. Baw się nim, aż opanujesz technikę na tyle, aby zastosować ją do dowolnej postaci.
Co? Lew na dwóch nogach? Czekaj... czy to lwi osła?
Nie wszystkie zwierzęta, które chodzą jak ludzie, to „cycki”. Wiele z nich ma sarkastyczny lub ironiczny ton. Jako przykład takich postaci możemy przypomnieć Dzięcioła Woody'ego i Królika Bugsa.
7. Zastosujmy naszą wiedzę: tworzenie bohaterskiej postaci
Teraz narysujemy razem postać w oparciu o to, czego się nauczyliśmy. Zacznijmy!
Krok 1
Zacznę od rysunku jako bardzo przybliżonego szkicu. Nie bój się szkicować, dopóki nie znajdziesz idealnych proporcji. To jest jak gra!
Zaczęliśmy od narysowania głowy i ciała za pomocą okrągłych kształtów:
Zauważ, że bez większego wysiłku ustaliliśmy proporcje naszego charakteru.
Zauważ, że użyliśmy tutaj reguły odwróconej gruszki, ponieważ... nasz bohater jest silny!
Krok 2
Dodajmy teraz linie pokazujące położenie stawów szkieletu. Zwróć uwagę, że nadajemy naszemu bohaterowi typową pozę, w której ciężar ciała przeniesiony jest na jedną nogę.
Bardzo ważne jest, aby okolice miednicy zaznaczyć w kształcie misy, gdyż dzięki temu łatwiej będzie dostrzec ruch. Ten ruch w biodrach doda dynamiki pozie.
Krok 3
Świetnie! Dodajmy teraz rysy twarzy i mięśnie naszego bohatera.
Naciekła mi ślinka... A to tylko szkic!
Aby zbudować mięśnie, musisz mieć podstawową wiedzę z anatomii. W przeciwnym razie trudno będzie Ci odpowiednio dodać objętości w miejscach, gdzie jest ona potrzebna.
Krok 4
Po ustaleniu ogólnej struktury możemy dodać odzież.
Świetnie! Nasz bohater jest skończony! Dodając kostium i kilka świetnych akcesoriów, osiągnęliśmy świetny wynik. Czy możesz opowiedzieć historię za pomocą tego zdjęcia?
Świetna robota, udało Ci się!
Cóż, to wszystko! Omówiliśmy proces rysowania ciała postaci w stylu kreskówkowym. Ponadto nauczyliśmy się wykorzystywać okrągłe i owalne kształty do kształtowania ciała postaci. Dowiedzieliśmy się także, jakie są różnice między typem bohaterskim/silnym/tyranem a typem bezradnym/kruchym oraz jak zastosować technikę worka treningowego, aby osiągnąć te rezultaty. I w końcu odkryliśmy, jak zastosować technikę piersi u ludzi i zwierząt. A na dodatek stworzyliśmy od podstaw bohaterską postać!
Czy jesteś już przekonany, że możesz narysować postać z kreskówki od stóp do głów? Nie mogę się doczekać spotkania z nim! Podziel się swoimi rysunkami poniżej, a jeśli nadal masz jakieś pytania, chętnie odpowiem na nie w komentarzach.
