Styl Art Deco jest w naszych czasach niezwykle popularny i skierowany jest przede wszystkim do miłośników elitarności i luksusu, o wyrafinowanym i wyrafinowanym guście, do tych, którzy uwielbiają podziwiać i podziwiać ekskluzywne przedmioty. Styl ten jest niezwykle popularny wśród kreatywnego świata: aktorów, artystów i innych gwiazd.

DESIGN W STYLU ART DECO

Główną różnicą między tym stylem a innymi jest tendencja do stylu Empire i kubizmu. Zawiera także elementy sztuki archaicznej kultur starożytnych. Art Deco to połączenie wielu nurtów: motywów egipskich, archaiki greckiej i prymitywnej sztuki plemion afrykańskich – wszystko to harmonijnie połączyło się w jedną całość, tworząc awangardową prostotę i jednocześnie egzotyczną oryginalność. Art Deco jest kontynuacją stylu „Modern”, już w momencie narodzin nosił pierwotną nazwę „Streamlined Modern”. Nie ma tu absolutnie żadnych sztucznych materiałów, a także nowoczesnych motywów. Żadnych gładkich linii i kwiatowych wzorów - tylko ostrość, kanciastość, geometria czy abstrakcja, czyli tzw. Są też elementy „High-Tech”. Wcześniej obrazy, rzeźby, meble, a także budynki i budowle powstawały w stylu Art Deco. Oprócz tego wszystkiego, styl nie jest pozbawiony motywów etnicznych, tj. Art Deco jest eklektyczny.

Główne charakterystyczne cechy stylu:

1. zygzakowate kształty (może to być ozdoba lub układanie płytek w jodełkę);
2. Sunburst, co oznacza promienie słoneczne (można je znaleźć w dekoracji, kształcie i wystroju). Nawiasem mówiąc, nieodłączne paski wielu elementów w stylu Art Deco kojarzą się z promieniami (stosuje się wystrój w paski, ściany są obszyte paskami lub tył sofy jest podzielony na paski);
3. schodkowatość (na przykład stopniowa rozbieżność promieni słonecznych, jak wielostopniowe konstrukcje typowe dla architektury babilońskiej, sumeryjskiej i asyryjskiej);
4. trapezowy (obecność wielu elementów wyposażenia wnętrz o kształcie trapezowym, na przykład mebli, luster lub dekoracji drzwi);
5. zakrzywione linie (krzywizny o kształcie geometrycznym są bardziej powszechne, ale występuje również ostra zaokrąglona krzywizna);
6. klawisze fortepianu (odnoszące się do naprzemiennych jasnych i ciemnych pasków występujących wszędzie)
7. kontur lub rama (na przykład powierzchnia ozdobiona kontrastową linią kolorystyczną, inaczej ramą, która pozwala najdobitniej podkreślić geometrię tworzącą styl)

Styl Art Deco obejmuje użycie materiałów:

• drewno (w tym drewno inkrustowane);
• szkło;
• skóra naturalna (w tym skóra zebry);
• Stal nierdzewna;
• aluminium;
• błyszczące płytki ceramiczne lub kamienne;
• powierzchnie lakierowane.

Jeśli chodzi o kolorystykę, można powiedzieć, że Art Deco wykorzystuje głównie odcienie neutralne: czarny, biały, szary, srebrny, beżowy, brązowy, a także odcienie brązu i metalu. Dopuszczalne jest oszczędne i stonowane wprowadzanie innych barw, przede wszystkim zieleni, błękitu, złota, czerwieni czy bordowego.

SYPIALNIA ART DECO

Zdecydowana większość osób, które wybierają do swojej sypialni styl Art Deco, to ludzie kreatywni i prawdziwi koneserzy piękna. Art Deco w tłumaczeniu z francuskiego na rosyjski oznacza „sztukę dekoracyjną” i tutaj standardowe wyposażenie jest niezbędne. Aby stworzyć sypialnię w stylu Art Deco, trzeba włożyć duszę, nie bać się eksperymentów w dekoracji, aby znaleźć niewidzialną granicę między nowoczesnością a klasyką, między wyrafinowaną elegancją a monumentalnym luksusem.

Klasykę i nowoczesność w Art Deco łączą przede wszystkim naturalne materiały, geometryczne kształty i uniwersalność. Sypialnię w stylu Art Deco charakteryzuje miękkość kształtu, którą ułatwi łóżko z miękkim, ozdobnym zagłówkiem, który może mieć klasyczny kształt prostokąta lub nowoczesny owalny kształt. Zwykle zagłówek dekorowany jest kosztowną tapicerką lub całą powierzchnię zagłówka podkreślona jest tłoczoną tapetą i draperiami z tkaniny.

Meble powinny być wykonane z drewna lub metalu i mieć stożkowe krawędzie

Regały, szafki, szafki nocne i inne meble dobierane są zgodnie z tą zasadą: jeśli ściany są ciemne, meble powinny być jasne i odwrotnie. Posiadanie toaletki i otomany (lub fotela) o nietypowym kształcie w tym stylu jest koniecznością. Lustra sprawiają, że sypialnia jest przestronna i jasna, a także wizualnie powiększa pomieszczenie, ponieważ art deco oznacza dużo przestrzeni, światła i czystości. W związku z tym powinna znajdować się duża liczba luster: drzwi szafek, lustro słoneczne umieszczone w części nocnej, a także duże lustro przy toaletce.

Ściany sypialni same w sobie mogą być ozdobą wnętrza. Głównym elementem wystroju ścian w tym stylu są rysunki i ozdoby, a także wszelkiego rodzaju kolaże, naklejki wewnętrzne czy dekoracyjne obrazy. Wszystko jednak wymaga umiaru. Wzór może stanowić tło dla mebli lub centralny akcent wnętrza, jednak powinien mieć stonowaną, dyskretną tonację. Styl pozwala również na obecność zaokrąglonych kształtów: owali, fal, kół. Jeśli w ścianie znajduje się wnęka, za pomocą płyty gipsowo-kartonowej możesz nadać jej kształt elipsy i umieścić tam na przykład toaletkę lub telewizor. Ale w tym przypadku podobny formularz należy powtórzyć przy wykańczaniu sufitów, podestów podłogowych lub drzwi. Nawiasem mówiąc, jeśli chodzi o sufit, nie byłoby złym pomysłem umieszczenie na nim listwy sztukatorskiej, na przykład w postaci ramy żyrandola. Na ścianach można malować obrazy, choć w niewielkich ilościach, aby wnętrze nie zostało przesycone różnymi drobnymi przedmiotami.

Jeśli chodzi o kolor, sypialnia może być wykonana w odcieniach bieli, ciepłego brązu, szarości, różu i czerwieni. Zalecane jest zastosowanie kontrastu. Dodatki i meble nie powinny łączyć się w jedną całość, powinny się wyróżniać. Wnętrza najlepiej prezentują się w zestawieniach czerni i bieli, czekoladowego beżu, szarości i czerni, szarości i błękitu oraz bieli i burgunda. Zazwyczaj w dekoracji wnętrz stosuje się trzy odcienie, z czego dwa reprezentują tło (na przykład czerń i biel), a jeden służy jako element luksusu (złoto, brąz lub srebro). Byłoby wspaniale, gdyby dekoracja, a także wystrój zawierały elementy luksusu, na przykład jedwabne tkaniny, jasne złocenia lub parkiet. Ogólnie rzecz biorąc, draperie z tkaniny służą jako główna dekoracja sypialni. Dają szczególny romantyzm i wygodę. Zasłony mogą być jedwabne lub satynowe, przed łóżkiem znajduje się gładka naturalna biała skóra lub dywanik nocny wykonany ze sztucznego futra z długim grubym włosiem. Łóżko przykryte jest luksusową narzutą z poduszkami pasującymi do miękkiej tapicerki otomany lub krzeseł.

Oświetlenie sypialni powinno być wielopoziomowe, minimum to: centralny żyrandol ze szkła kryształowego lub wielobarwnego, lampki przy toaletce oraz lampy podłogowe. Do oświetlenia nisz można dodatkowo zastosować oświetlenie LED.

SALON ART DECO

Nowoczesne salony w stylu Art Deco harmonijnie łączą geometryczne kształty z zaokrąglonymi elewacjami, a meble, wykonane najczęściej ze szlachetnego drewna, łączą się ze szklanymi wstawkami i metalowymi uchwytami. Styl zapewnia ogromne pole działania w zakresie realizacji różnorodnych pomysłów. Można zastosować dowolne wzory, czy to wzory afrykańskie, wzory kubistyczne, przedmioty lotnicze czy projekty o tematyce motoryzacyjnej, ponieważ... wnętrza w tym stylu składają się z mozaiki stylów i epok. Jako materiały dekoracyjne wykorzystuje się cenne drewno, skórę (w tym krokodyla, rekina i płaszczkę), kamienie półszlachetne, kość słoniową, bambus itp. Ekstrawaganckie materiały pomagają zatem wyrazić całą gamę uczuć, zwłaszcza że salon Art Deco jest prawdziwym centrum estetyki. Połączenie szkła i metalu znalazło swoje zastosowanie dość powszechnie, a drzwi, przegrody wewnętrzne, akcesoria kominkowe i balustrady schodowe zdobione są spawaną żelazem.

Jeśli chodzi o kolorystykę, dominują ciemne odcienie, dopuszczalna jest jednak paleta brązowo-beżowa, tworząc wyjątkową szlachetność wnętrza. Ale jeśli chodzi o różnorodne kwiaty, jest to niedopuszczalne. Najkorzystniejszy efekt uzyskuje się bawiąc się monotonnym nasyceniem w połączeniu z kontrastowym wzorem. Szczególnie mile widziane jest zastosowanie w salonie inkrustowanych powierzchni szklanych, polerowanego metalu i polerowanego drewna, ponieważ... wszystkie te atrybuty potęgują wrażenie luksusu i szlachetności.

Luksusowe powinny być także meble w salonie Art Deco, najlepiej, jeśli są wykonane ręcznie z egzotycznego drewna. Ale w każdym razie każdy przedmiot jest nadal dodatkowo dekorowany. Niezwykły jest także kształt mebli, np. siedzisko krzesła może być trapezowe, a tapicerka może ukazywać wzory egipskie lub orientalne, jednym słowem połączenie niepasujących do siebie rzeczy. Szczególnie wskazane jest zastosowanie szykownych stołów z intarsjowanymi blatami, a także dużych krzeseł i foteli, na przykład królewskiego tronu. Ale nie powinniśmy zapominać, że sam styl jest bardzo elegancki i lekki, dlatego istotne są kształty zygzaków, fal lub łabędzich szyj. Nawiasem mówiąc, styl ma inną nazwę - „artystyczny”. Najbardziej zwycięską kombinacją w przypadku mebli jest użycie ciemnoczerwonego lub bordowego drewna w połączeniu z białą skórą naturalną, marmurem lub szkłem.

Witryny z pięknymi cennymi przedmiotami idealnie wpasują się w wystrój wnętrza

Ściany salonu zazwyczaj stanowią przyjemne, dyskretne tło dla luksusowych, stylowych mebli i innych elementów wyposażenia wnętrz. Bardzo często są po prostu pomalowane na jeden kolor. Choć możliwe są także delikatne inkluzje w postaci zdobień w innych kolorach. Najważniejszą rzeczą do zapamiętania jest to, że kolorystyka ścian i podłogi musi być miękka, ale meble obok niej muszą być ciemne, a nawet prawie czarne.

Również we wnętrzu wszędzie mogą znajdować się rzeźby postaci kobiecych, np. w pozie tanecznej, która jest symbolem czystości i wdzięku. Chociaż główną ozdobą tego stylu są nadal tkaniny. Zasłony są wykonane z ciężkiego aksamitu lub satyny. Poduszki sofy i abażury powinny być dopasowane do zasłon. Misterne ekrany lub inne kute elementy metalowe również będą doskonałym dodatkiem do wnętrza. W dużych ilościach wykorzystywane są antyczne akcesoria, takie jak unikalne obrazy w duchu średniowiecza, a także różne wazony i zegary ścienne oraz oczywiście luksusowe dywany. Nawiasem mówiąc, jeśli chodzi o obrazy, obrazy w stylu Art Deco będą wyglądać doskonale, reprezentując pewną mieszankę nowoczesnej ekspresji ze starożytną elegancją z wizerunkami kobiecych sylwetek, fantazyjnych baśniowych zwierząt lub abstrakcyjnych plam.

KUCHNIA ART DECO

Jak wspomniano powyżej, styl Art Deco to połączenie tradycyjnego neoklasycyzmu i innowacyjnego modernizmu. Jak to wszystko objawia się we wnętrzu kuchni? Przede wszystkim jego oryginalność. Ponieważ ten styl jest drogi i dość jasny, projekt kuchni nie jest wyjątkiem, innymi słowy, nie pozostanie niezauważony. Po drugie, ekskluzywność w postaci niezwykłych antyków, na przykład przedmiotów sztuki. Jeśli chodzi o użyte materiały, stosuje się: drewno (to jest główne) zarówno polerowane, jak i intarsjowane lub lakierowane, metal (stal nierdzewna i aluminium), prawdziwą skórę, szkło, a także płytki błyszczące (ceramiczne, sztuczne lub kamień naturalny) ) i oczywiście tekstylia (zwykła satyna lub jedwab, a także tkanina w paski zebry).

Jeśli chodzi o kolorystykę, idealnym połączeniem byłaby czerń i biel (jest to główna cecha Art Deco). Możliwe są jednak również inne kombinacje kolorów, na przykład biały z czekoladą, srebrny z czarnym itp. Nie zapominajmy jednak, że główną gamą są kolory metalu, ziemi, kamienia czy prawdziwej skóry. Do dekoracji jadalni warto zastosować paski, stosując tapety flizelinowe lub tekstylne o tej samej fakturze. A fartuch roboczy może być wykonany z płytek, na przykład geometrycznych na zasadzie czarno-białej mozaiki. Można dodać także inne kolory, ale w małych ilościach i w stonowanych tonach (zielony, niebieski, złoty i czerwony).

Kolejną tradycyjną cechą tego stylu jest schodkowa forma, która rozciąga się zarówno na wzorzystą dekorację ścian, jak i na meble z modułami rozmieszczonymi na różnych poziomach, zarówno pod względem wysokości, jak i głębokości. Jeśli pozwala na to przestrzeń pomieszczenia, dobrze byłoby wykonać wielostopniowy sufit napinany, jeśli pokryje się go błyszczącą czarną lub białą folią i zapewni dużo oświetlenia. Największy efekt można uzyskać, wykonując jeden „krok” w kształcie stiukowej bordiury, podkreślając w ten sposób geometryczny charakter tkwiący w tym stylu. Jedną z możliwości jest także udekorowanie jadalni fototapetą w formie wieloetapowych obrazów krajobrazów, domów czy abstrakcji – pod warunkiem, że rysunki zawierają wyraźne, regularne kształty geometryczne.

Bardzo istotnym elementem i ważnym akcentem Art Deco są promienie słoneczne (Sunburst). Paski promieniste powinny być obecne wszędzie: w tapicerce meblowej, dekoracji, tekstyliach. Zasłony w paski na podłodze, żyrandol w kształcie wachlarza lub imitacja skóry zebry w miękkim narożniku - wystarczy jeden lub dwa elementy „promieni słonecznych”. W przypadku mebli należy pamiętać, że warunkiem koniecznym jest unikanie zagracania przestrzeni, tj. meble powinny być funkcjonalne. Tapicerka powinna być wykonana z aksamitu, satyny, skóry i weluru. Idealnie byłoby, gdyby jadalnia zamieniła się w wykwintny stół, zgodnie z tradycjami najlepszych elitarnych restauracji. Ogólnie rzecz biorąc, jeśli mówimy o idealnej kuchni w stylu Art Deco, to powinny się w niej znaleźć meble wykonane z cennego drewna, wykonane na zamówienie lub opcjonalnie odrestaurowane antyki. Jeśli nie jest to możliwe, istnieje inna alternatywa dla drogiego drewna - dwukolorowy lakierowany zestaw, który może być czarno-biały, niebiesko-szary, czerwono-szary itp.), tj. baw się kontrastem kolorów i lakierowaniem, co też uwielbia Art Deco. Dodatkowo można zastosować meble wykończone stalą nierdzewną.

Wizualnie zwiększa przestrzeń pomieszczenia. Poza tym zwykłe lustro w kształcie trapezu będzie dobrze wyglądać, a nawet lepiej w kształcie słońca, zwłaszcza jeśli umieścisz reflektory dla uzyskania efektu gry świateł.

Wskazane jest wykonanie podłóg z lakierowanego parkietu, chociaż oczywiście taka powierzchnia nie jest całkowicie praktyczna w kuchni. Pod tym względem najlepszą alternatywą są płytki podłogowe (marmur lub imitacja dowolnego innego kamienia naturalnego). Możesz także użyć linoleum, które ma geometryczny wzór. Nie zapominajmy o nutach etnicznych, które powinny być obecne także np. w postaci obrazów z pejzażami czy czarno-białych fotografii umieszczonych w cienkich drewnianych lub metalowych ramach. Lub udekoruj wnętrze palmami lub egzotycznymi kwiatami. I jeszcze jeden niuans - lamp powinno być wystarczająco dużo, aby zapewnić dobre oświetlenie pomieszczenia.

A teraz najważniejsza rzecz, że tak powiem, atrakcja kuchni w stylu Art Deco - z pewnością musi się w niej znajdować coś, co od razu przyciągnie uwagę (ekskluzywny wazon, figurka z brązu, srebrne świeczniki lub np. obraz) . Trzeba dobrze przemyśleć i wybrać jeden z elementów, który może wywołać zaskoczenie i zachwyt, czy to lustro, czy żyrandol.

Art Deco nie umknęło wpływowi innego ważnego zjawiska w sztuce XX wieku – abstrakcjonizmu. Innowacje sztuki abstrakcyjnej kojarzone są głównie z zasługami Wassily'ego Kandinsky'ego, który w latach 1896-1914 mieszkał i tworzył w Monachium. Stopniowo usuwając temat ze swoich obrazów, artysta zadbał o to, aby nabrały one charakteru całkowitej abstrakcji.

To także dzieło Kazimierza Malewicza, twórcy suprematyzmu, który uprościł obraz do nałożenia jednego białego kwadratu na drugi. Konstruktywizm jako styl wywarł znaczący wpływ na sztukę zachodnią. Konstruktywizm opierał się na przekonaniu, że sztuka powinna służyć celom społecznym i że jest odzwierciedleniem osobistych, a nie społecznych doświadczeń. Artyści konstruktywistyczni tworzyli dzieła przypominające części maszyn złożone z geometrycznych kształtów i inspirowane grafiką Art Deco.

Rozwijające się wówczas innowacje nie mogły nie wpłynąć na sam styl Art Deco, który był efektem zmieszania się z nimi. W sensie artystycznym zauważalny wpływ na Art Deco miał także kubizm, zwłaszcza sposób rozczłonkowania obiektów i analizy ich geometrycznych komponentów. Kubistyczna wizja przedmiotów pojawia się w twórczości Pabla Picassa i Georgesa Braque’a około 1908-1909. Na Art Deco duży wpływ miało podejście kubistów do płaszczyzn i ich technika używania koloru.

Utalentowany malarz i rzeźbiarz, włoski artysta Amadeo Modeliani wywarł wpływ na rozwój Art Deco. Przedstawiał żywe, przeważnie kobiece formy, celowo rozciągając proporcje ciała i rysy twarzy, co było pierwowzorem eleganckiej stylizacji charakterystycznej dla Art Deco.

Słynny paryski projektant Paul Poiret, który na wiele lat stał się trendsetterem, zrobił wiele, aby promować egzotyczny i kolorowy styl Art Deco, który rozpoczął się wraz z sezonami rosyjskimi. Modelki Paula Poireta utwierdzały idealny wizerunek bogatej i modnie ubranej nowoczesnej kobiety. P. Poiret zmienił modę w „rewolucyjny” sposób: zniszczył gorset, dzięki czemu sylwetki jego modelek stały się proste i bardziej naturalne. Było to pierwsze, jeszcze nieśmiałe w porównaniu z tym, co miało nastąpić po I wojnie światowej, ale już jej oczywiste wyzwolenie. Nosząc proste i luźne sukienki tuniki z jasnymi, ozdobnymi wzorami, zachowanie kobiety stało się bardziej bezpośrednie i naturalne, mniej urocze i pretensjonalne. W znanym hotelu Martin, otwartym w 1911 roku, gdzie pracowały zupełnie nieprzeszkolone młode dziewczyny, tworząc projekty tkanin, mebli i tapet. Dzięki tej niezwykłej metodzie powstały dzieła pełne świeżości i żywotności percepcji, a braki wiedzy technicznej rekompensowali świetnie wyszkoleni rzemieślnicy, którzy wykonane przez dziewczyny rysunki przenieśli na tkaninę, jedynie nieznacznie je poprawiając. Studio Martin wyprodukowało tapety, panele ścienne i tkaniny całkowicie pokryte ogromnymi jasnymi kwiatami. Tym samym kwiaty (zwłaszcza róże, dalie, stokrotki, cynie), bardzo dekoracyjne i nieskończenie dalekie od naturalnych (prawdziwych), stały się ulubionym motywem rodzącego się Art Deco.

W malarstwie, wśród obrazów okresu międzywojennego, bardzo trudno wyróżnić czysty styl Art Deco. Większość artystów posługiwała się technikami zapożyczonymi od kubistów. Malarstwo Art Deco nie należało do awangardowych nurtów artystycznych, nie miało też charakteru użytkowego, mającego spełniać podstawowe zasady zdobnictwa.

Za typowego przedstawiciela malarstwa Art Deco uważa się malarstwo urodzonej w Polsce Tamary Łempickiej, w której twórczości dominują modne portrety i erotyczne akty kobiece. Technikę pisarską De Lempickiej można określić, odwołując się do jej własnego stwierdzenia z epoki maszyn, że artystce „nie wolno zapominać o precyzji. Obraz musi być czysty i schludny.” (S. Sternow. Art Deco. Loty fantazji artystycznej. Belfax, 1997).

Ogólnie rzecz biorąc, rzeźbę Art Deco można podzielić na dwie duże grupy: dzieła produkcji masowej na rynek krajowy i dzieła „sztuki pięknej”. Wysokiej jakości rzeźba, stworzona przez awangardowych artystów i rzeźbiarzy tamtego okresu, szła w parze z niedrogimi produktami masowymi - marmur i brąz istniały obok plastikowych i ceramicznych pamiątek. W dziedzinie rzeźby styl Art Deco objawiał się wszędzie, od sztuki wysokiej po kicz.

Art Deco to ruch w sztuce eklektycznej, który powstał we Francji na początku lat 20. XX wieku. Dominował w projektowaniu mody, architekturze, sztuce użytkowej i projektowaniu wnętrz. W latach 30. i 40. art deco stało się popularne na całym świecie.

Fabuła

Kierunek pojawił się na początku XX wieku – w latach 1907 – 1915. W tym czasie odnotowano pierwsze dzieła charakteryzujące się charakterystycznymi cechami stylu. Niektórzy badacze zauważają, że dzieła tego czasu są pierwszymi próbami artystów tworzenia płócien w stylu eklektycznym.

Termin pojawił się po Międzynarodowej Wystawie w Paryżu w 1925 roku. Na wystawie zaprezentowano towary luksusowe. Celem wystawy jest ukazanie wiodącego miejsca Paryża w świecie mody i stylu. Do 1928 roku kierunek był własnością tylko Europy, na początku lat 30. pojawiła się amerykańska wersja art déco, która miała swoje własne cechy.

Historia stylu gotyckiego w malarstwie

Charakterystyka

Art Deco to sztuka odzwierciedlająca nowoczesną technologię, charakteryzującą się gładkimi liniami, tworzeniem obrazów z geometrycznych kształtów oraz wykorzystaniem jasnych, krzykliwych kolorów we wnętrzach i sztukach pięknych. Ruch powstał jako reakcja na oszczędności wprowadzone podczas I wojny światowej. Prace przepełnione były luksusem, jasnością, ekscesami, we wnętrzu zastosowano drogie materiały i inne rodzaje twórczości (srebro, kryształ, kość słoniowa, jadeit). Po Wielkim Kryzysie kierunek się rozwinął, jednak zaczął koncentrować się na produkcji tańszych produktów z nastawieniem na produkcję masową. Wykorzystywano chrom, plastik, metal i inne materiały przemysłowe dla klasy średniej. Art Deco od zawsze kojarzony był z przepychem i blaskiem, ale odznaczał się także funkcjonalnością i praktycznością.

Od końca lat 40. art deco zaczął być postrzegany jako zbyt kolorowy, pretensjonalny na czas wojny i oszczędności, przez co stopniowo wychodził z mody. Gwałtowny wzrost zainteresowania art déco nastąpił w latach 60. XX wieku – zbiega się to z ruchem pop-artu. Kolejnym etapem rozwoju były lata 80-te, kiedy wzrosło zainteresowanie projektowaniem graficznym. Trend stał się modny w projektowaniu i ubiorze.

Cechy hiperrealizmu jako stylu w malarstwie

Charakteryzuje się dużym zainteresowaniem estetyką lat 20. XX wieku, postrzeganą wyłącznie w powiązaniu z modą i trendami tego okresu. Osobliwością tego stylu jest to, że przedstawiciele nie byli zjednoczeni w jednej społeczności, grupie lub szkole malarskiej. Art Deco był ruchem eklektycznym, który łączył wiele wpływów kulturowych.

Pomysły

Artyści przejęli kluczowe idee i zasady pracy od modernistów i neoklasycystów.

• Neoklasyczne ideały piękna z ich charakterystyczną surowością były nieodłącznie związane z twórczością mistrzów nowego ruchu.
• Zastosowanie jasnych, intensywnych odcieni, zdaniem badaczy, wywodzi się z twórczości paryskich Fauvesów.
• Niektóre pomysły zapożyczone są ze sztuki Azteków i kultury egipskiej, klasycznej starożytności.
• W przeciwieństwie do malarstwa secesyjnego, Art Deco nie miał podstaw filozoficznych - był ruchem czysto dekoracyjnym.
• Etniczne kompozycje zdobnicze w obrazach artystów, we wnętrzu;
• „Pory roku” czyli Balet Rosyjski S. Diagilewa.

Surrealizm jako styl w malarstwie

Rozwój stylu w trudnych warunkach gospodarczych i politycznych, w okresie aktywnego rozwoju nauki i techniki, znalazł odzwierciedlenie w tematyce obrazów. Prace artystów pełnią funkcję dekoracyjną, cieszą oko i poprawiają nastrój. Malarze nie starają się wywierać wpływu psychologicznego ani przekazywać poprzez swoje obrazy swoich poglądów filozoficznych. Celem Art Deco jest łączenie najlepszych cech stylów, tworząc coś nowego i pięknego.

Główne cechy stylu

Minimalizm jako styl w malarstwie

Wykorzystując nowe materiały, które zostały użyte w połączeniu, Art Deco reprezentowało postęp naukowy, rozwój technologii. Luksusowy wygląd obrazów w stylu art deco doskonale wpasuje się we wnętrze bogatego mieszkania, statku wycieczkowego czy nowoczesnego kina. Styl przetrwał kilka kryzysów dzięki praktyczności, prostocie, jasności i indywidualności.

Artyści

Termin Art Deco rzadko odnosi się do malarstwa czy rzeźby, dominuje w architekturze i designie, jednak w okresie międzywojennym swoje prace, wykonane według wszelkich standardów tego stylu, prezentowało wielu artystów: Tamara Górska czy Tamara de Łempicka, malując „Muzyk” (1929), „Autoportret” w zielonym Bugatti” (1925), francuski artysta, twórca plakatów Adolphe Jean-Marie Muron, znany jako Cassandre, był jednym z najlepszych grafików, zdobył Grand Prix na konkursie na plakat w Paryżu.

Art Deco, Art Nouveau, Art Nouveau - cechy stylu, przykłady - obrazy, witraże, wnętrza

W tym artykule przyjrzymy się stylowi wnętrz art déco, Secesja, nowoczesny. Elementy stylu - malarstwo, architektura, elementy wyposażenia wnętrz - meble, zasłony, żyrandole, obrazy itp.

Budynek secesyjny w Wiedniu

Styl secesyjny [Art Nouveau, „ muślin„(według Louisa Comforta Tiffany’ego) w USA”, Secesja" I " fin de siècle" we Francji, " secesja" w Niemczech, " Styl secesyjny" w Austrii, " nowoczesny styl" w Anglii, " styl wolnościowy"we Włoszech, " modernizm" w Hiszpanii, " Nieuwe Kunst" w Holandii, " styl świerkowy" (Styl sapinowy) w Szwajcarii.) rozpowszechniło się w latach 1918-1939 we Francji, częściowo w innych krajach Europy i USA. W formach architektonicznych i obrazach dominują kręte linie, niezwykłe połączenie drogich i egzotycznych materiałów, wizerunki fantastycznych stworzeń, kształty fal, muszle, smoki i pawie, łabędzie szyje i ospałe kobiety. W formach podkreślona jest asymetria. Liście, kwiaty, pnie i łodygi, a także kontury ciała człowieka lub zwierzęcia z wrodzoną asymetrią, są przewodnikiem po działaniu i źródłem inspiracji. Styl opiera się na tezie, że forma w sztuce jest ważniejsza niż treść. Wszelkie bardzo prozaiczne treści można przedstawić w wysoce artystycznej formie. Źródłem tej „nowej formy” była natura i kobieta. Styl ten charakteryzuje się wyrafinowaniem, wyrafinowaniem, duchowością i zmiennością. Z tego wynikał pewien zestaw barw – wyblakłych, przytłumionych; przewaga gładkich, skomplikowanych linii. Zestaw symboli - fantazyjne kwiaty, rarytasy morskie, fale. Właściwości stylistyczne secesji porównuje się czasem do systemu plastycznego baroku, słusznie dostrzegając między nimi pewne podobieństwo w dążeniu artystów do posługiwania się formami natury organicznej jako środkami wyrazu. Art Nouveau również czerpał wiele ze sztuki Azji.

Kopie Michaela Parkesa, Gustava Klimta, Tamary Łempickiej, Alphonse'a Muchy, Vrubela, Bilibina czy Vasnetsova, a także dzieła współczesnych artystów piszących w tym stylu, a także grafiki amerykańskie, zawsze dobrze prezentują się w takich wnętrzach, a także w sztuce Wnętrza deco.pewny temat. Wielu artystów tego stylu (lub epoki) fascynowało się malarstwem orientalnym – na obrazach tego samego Gustava Klimta często widzimy postacie w chińskich lub japońskich strojach. Dlatego też w takich wnętrzach nie zabraknie malarstwa chińskiego czy japońskiego. Oto kilka prac, które naszym zdaniem nadają się do wnętrz w takim stylu.

Art Deco (art déco)- popularny nurt w międzynarodowej sztuce dekoracyjnej lat 1925-1939. Styl ten historycznie następuje bezpośrednio po secesji. Dotykał takich dziedzin sztuki jak architektura, architektura wnętrz, wzornictwo przemysłowe, branża modowa, malarstwo, grafika, kino. Ruch ten w pewnym stopniu łączył wiele różnych stylów i ruchów początku XX wieku, w tym neoklasycyzm, konstruktywizm, kubizm, modernizm, Bauhaus, secesję i futuryzm. Jednak w większym stopniu jest to nowoczesność z domieszką neoklasycyzmu. Cechami charakterystycznymi są surowe wzory, etniczne wzory geometryczne, luksusowe, szykowne, drogie, nowoczesne materiały (kość słoniowa, skóra krokodyla lub skóra rekina lub zebry, rzadkie drewno, srebro). W Niemczech i ZSRR Art Deco zmienia się z secesji w „nowe imperium”.

Szczyt popularności ruchu przypadł na „ryczące lata dwudzieste”, ale już w latach trzydziestych XX wieku był on dość silny w Stanach Zjednoczonych. W odróżnieniu od innych ruchów, których korzenie sięgają polityki czy filozofii, art deco miał wyłącznie znaczenie dekoracyjne. Swego czasu styl ten był postrzegany jako reakcja na Wystawę Powszechną w 1900 roku. Po słynnej wystawie kilku francuskich artystów utworzyło oficjalnie zarejestrowaną organizację La Société des Artistes Dcorateurs (Stowarzyszenie Architektów Dekoracyjnych). Wśród jej założycieli był Hector Guimard.

Paryż lat 30. XIX wieku pozostawał centrum stylu Art Deco. Ucieleśniał to w meblach Jacques-Emile Ruhlmann- najsłynniejszy z projektantów mebli tamtej epoki i być może ostatni z klasycznych paryżan ebeniste(Producenci szafek). Ponadto typowe dzieła Jean-Jacques’a Rateau, produkty firmy „Süe et Mare”, ekrany Eileen Gray, kute wyroby metalowe Edgara Brandta, metal i emalia Szwajcarów pochodzenia żydowskiego Jean Dunant, szkło wielkiego René Lalique i Maurice Marino oraz zegarki i biżuteria Cartier.

Symbolem Art Deco w sztuce dekoracyjnej i użytkowej była rzeźba wykonana z brązu i kości słoniowej. Zainspirowani po części Rosyjskimi porami roku Diagilewa, sztuką Egiptu i Wschodu, a także zdobyczami technologicznymi „epoki maszyn”, mistrzowie francuscy i niemieccy stworzyli w latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku niepowtarzalny styl małej rzeźby, który podniósł jej status rzeźby dekoracyjnej do poziomu „sztuki wysokiej”. Za klasycznych przedstawicieli Art Deco w rzeźbie uważa się Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Francja), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Niemcy), Bruno Zack, J. Lorenzl (Austria).

© "WM-MALARSTWO"

Secesja(francuska wymowa: , zangielizowana na /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) to międzynarodowy styl w sztuce, architekturze i sztuce dekoracyjnej, zwłaszcza dekoracyjnej, który był najpopularniejszy w latach 1890–1910. Styl, będący reakcją na XIX-wieczną sztukę akademicką, został zainspirowany naturalnymi formami i strukturami, zwłaszcza zakrzywionymi liniami roślin i kwiatów.

W języku angielskim używana jest francuska nazwa „Art Nouveau” (nowa sztuka). Styl ten jest pokrewny, ale nie identyczny, ze stylami, które pojawiły się w wielu krajach europejskich w tym samym czasie: w Austrii jest znany jako „styl secesyjny” od „secesji wiedeńskiej”; w Hiszpanii jako „modernizm”; w Katalonii jako "modernizm"; w Czechach jako „seks”; w Danii jako "skönvirke" Lub "secesja"; w Niemczech jako "secesja", „Art Nouveau” Lub „styl reformy”; na Węgrzech jako „secesja”; we Włoszech jako „Art Nouveau”, „Styl wolności” Lub „w stylu floreale”; w Norwegii jako "secesja"; w Polsce jako "seksowny"; na Słowacji jako „Secesja”; w Rosji jako "nowoczesny"; a w Szwecji jak „sądzić”.

Secesja to ogólny styl artystyczny. Obejmuje szeroką gamę sztuk pięknych i zdobniczych, w tym architekturę, malarstwo, rysunek, architekturę wnętrz, biżuterię, meble, tekstylia, ceramikę, szkło i metaloplastykę.

W 1910 roku secesja wyszła już z mody. Najpierw został zastąpiony przez Art Deco, a następnie przez modernizm jako dominujący styl architektoniczny i dekoracyjny w Europie.

Pochodzenie

Nowy ruch artystyczny ma swoje korzenie w Wielkiej Brytanii, w kwiatowych projektach Williama Morrisa oraz w ruchu Arts and Crafts założonym przez uczniów Morrisa. Wczesne przykłady tego stylu obejmują Czerwony Dom Morrisa (1859) i Peacock Room Jamesa Abbotta McNeila Whistlera. Na nowy ruch duży wpływ mieli także artyści prerafaelitów, w tym: Dantego Gabriela Rossettiego I Edwarda Burne-Jonesa, i jest to szczególnie prawdziwe w przypadku brytyjskich grafików lat osiemdziesiątych XIX wieku, w tym Selwyn Images, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert, a przede wszystkim Aubrey Beardsley.

We Francji styl łączył kilka różnych trendów. W architekturze pozostawał pod wpływem teoretyka i historyka architektury Eugene Violette-le-Duc, zaprzysięgłego wroga historycznego stylu architektonicznego Beaux Arts. W swojej książce „Przedsiębiorcy sur l”architektura” 1872 pisał: „Wykorzystajcie środki i wiedzę, jakie dały nam nasze czasy, bez tradycji pośrednich, które dziś nie są aktualne, i w ten sposób będziemy mogli odkryć nową architekturę. Każda funkcja ma swój własny materiał; Każdy materiał ma swój własny kształt i zdobienie.” Książka ta wywarła wpływ na całe pokolenie architektów, w tym Louisa Sullivana, Victora Hortę, Hectora Guimarda i Antoniego Gaudiego.

malarze francuscy Maurycego Denisa , Pierre’a Bonnarda I Edwarda Vuillarda odegrał ważną rolę w łączeniu sztuk pięknych malarstwa z dekoracją. „Uważam, że malarstwo powinno przede wszystkim dekorować” – pisał Denis w 1891 roku. „Wybór fabuły czy scen to nic. To poprzez relację tonów, malowane powierzchnie i harmonię linii mogę dotrzeć do duszy i obudzić emocje.” Wszyscy ci artyści tworzyli zarówno tradycyjne, jak i dekoracyjne obrazy na ekranach, szkle i innych materiałach.

Istotny wpływ na nowy styl wywarł także Japonizm: fala zainteresowania drzeworytami japońskimi, zwłaszcza dziełami Hiroshige, Hokusai i Utagawy Kunisady, które importowano do Europy od lat 70. XIX wieku. Przedsiębiorczy Siegfried Bing założył miesięcznik Le Japon Artistique w 1888 roku i opublikował trzydzieści sześć numerów przed zamknięciem w 1891 roku. Wywarł wpływ zarówno na kolekcjonerów, jak i artystów, w tym na Gustava Klimta. Stylizowane cechy grafiki japońskiej pojawiły się w grafice secesyjnej, porcelanie, biżuterii i meblach.

Nowe technologie w poligrafii i wydawnictwie pozwoliły Art Nouveau szybko dotrzeć do odbiorców na całym świecie. Ważną rolę w popularyzacji nowego stylu odegrały czasopisma artystyczne, ilustrowane fotografiami i kolorowymi litografiami. Studio w Anglii, Arts et idèes i Art et décoration we Francji, Jugend w Niemczech pozwoliły, aby styl szybko rozprzestrzenił się we wszystkich zakątkach Europy. Aubrey Beardsley w Anglii i Eugene Grasset, Henriego de Toulouse-Lautreca I Feliks Vallotton zdobyli międzynarodowe uznanie jako ilustratorzy.

Dzięki plakatom Jules Cheret dla tancerza Loie Fullera w 1893 i Alfons Mucha dla aktorki Sarah Bernhardt w 1895 roku plakat stał się nie tylko reklamą, ale formą sztuki. Toulouse-Lautreca i inni artyści osiągnęli międzynarodowy status gwiazd.

Forma i charakter

Chociaż secesja w miarę zwiększania się zasięgu geograficznego nabyła silnie lokalne trendy, pewne ogólne cechy wskazują na jej formę. Opublikowany w magazynie Pan opis gobelinu ściennego „Cyklamen” (1894) autorstwa Hermanna Obrista, opisującego go jako „nieoczekiwane mocne krzywizny utworzone przez uderzenie bata”, który zasłynął na początku rozprzestrzeniania się secesji. Później nie tylko samo dzieło stało się lepiej znane jako „Bicz”, ale samo określenie „bicz” jest często stosowane w odniesieniu do charakterystycznych krzywizn używanych przez artystów secesyjnych. Takie dekoracyjne motywy „whiplash”, utworzone przez dynamiczne, faliste i płynne linie w synkopowanym rytmie i asymetrycznej formie, można znaleźć w całej architekturze, malarstwie, rzeźbie i innych formach designu secesyjnego.

Początki secesji sięgają zmagań artysty Williama Morrisa z nieporęcznymi kompozycjami oraz XIX-wiecznymi nurtami odrodzenia i jego teoriami, które pomogły stworzyć ruch Arts and Crafts. Jednak okładka Arthura MacCurdo do The City Churches of Wren (1883) z rytmicznymi kwiatowymi wzorami jest często uważana za pierwszą realizację secesji. Mniej więcej w tym samym czasie szczególnie płaska perspektywa i jasne kolory japońskich drzeworytów Katsushiki Hokusai, wywarło silny wpływ na formułę stylu secesyjnego. Popularny w Europie w latach 80. i 90. XIX w. japonizm wywarł znaczący wpływ na wielu artystów swoimi organicznymi formami i odwoływaniem się do świata przyrody. Sztuka i wzornictwo inspirowane Japonią były nie tylko adoptowane przez takich artystów jak Emile Galle i James Abbott McNeil Whistler, ale także biznesmeni Siegfried Bean i Arthur Lasenby Liberty w swoich sklepach odpowiednio w Paryżu i Londynie.

W architekturze hiperbole i parabole są szeroko rozpowszechnione w oknach, łukach i drzwiach, a fragmenty dekoracyjne przekształcane są w formy roślinne. Podobnie jak większość stylów projektowania, secesja dążyła do zharmonizowania swoich form. Tekst nad wejściem do paryskiego metra wykorzystuje cechy reszty metalowej konstrukcji.

Architektura i wystrój wnętrz w stylu secesyjnym unikają eklektycznego stylu odrodzenia XIX wieku. Chociaż projektanci secesji wybrali i „zmodernizowali” niektóre z bardziej abstrakcyjnych elementów stylu rokoko, takie jak tekstury płomieni i muszli, opowiadali się także za wykorzystaniem wysoce stylizowanych form organicznych jako źródła inspiracji, rozszerzając „naturalną” różnorodność na wykorzystanie wodorostów, traw i owadów Innym wpływem były miękkie formy XVII-wiecznego knorpelwerka, najlepiej reprezentowane w holenderskim srebrze.

Związek ze współczesnymi stylami i ruchami

Jako styl artystyczny secesja ma podobieństwa do prerafaelitów i symbolizmu oraz artystów takich jak Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustava Klimta i Jana Toorop, można przypisać więcej niż jednemu z tych stylów. Jednak w przeciwieństwie do malarstwa symbolicznego styl secesyjny ma charakterystyczny wygląd; i w przeciwieństwie do zorientowanego na rzemieślników ruchu Arts and Crafts, artyści secesji chętnie przyjęli nowe materiały, przetworzone powierzchnie i abstrakcję ze względu na czysty design.

Secesja nie porzucił używania maszyn, jak zrobił to ruch Arts and Crafts. W przypadku rzeźby głównymi materiałami używanymi było szkło i kute żelazo, co doprowadziło do powstania cech rzeźbiarskich nawet w architekturze. Ceramika brała także udział w tworzeniu serii rzeźb takich artystów jak Auguste Rodin.

W architekturze secesyjnej wykorzystano wiele innowacji technologicznych końca XIX wieku, zwłaszcza odsłonięte żelazo i duże, niestandardowe elementy szklane. Jednak wraz z wybuchem I wojny światowej stylizowany charakter projektów secesyjnych, których produkcja była kosztowna, wyszedł z użycia na rzecz bardziej usprawnionego, prostego modernizmu, który był tańszy i lepiej pasował do prostej estetyki przemysłowej, jaką art. Deco stało się.

Trendy stylistyczne Secesja infiltrował także styl lokalny. Na przykład w Danii trend był jednym z aspektów skönvirke („pracy estetycznej”), który sam w sobie jest bliżej powiązany ze stylem Arts and Crafts. Dodatkowo artyści przejęli wiele motywów kwiatowych i organicznych z okresu secesji do stylu Młodej Polski w Polsce. Młoda Polska obejmowała jednak także inne style artystyczne i obejmowała szerszy nurt w sztuce, literaturze i stylu życia.

Publikacje w dziale Muzea

Art Deco dla opornych

Gdzie i jak powstał styl Art Deco, kto go założył, czy to było w młodym Związku Radzieckim – rozumiemy zawiłości tego stylu razem z Sofią Bagdasarową.

Co to jest Art Deco?

Karta z albumu Feuillets d'Art.1919

Karta z albumu Les Chooses de Paul Poiret vues par Georges Lepape. 1911

Fragment albumu Modes et Manières d"Aujourd"hui. 1914

Art Deco, co po francusku oznacza „sztukę dekoracyjną”, to nazwa stylu artystycznego, który panował w Europie i Ameryce po secesji, w okresie międzywojennym. Ponadto królowała głównie we wzornictwie przemysłowym – modzie, biżuterii, plakatach, elewacjach, wnętrzach, meblach. Stało się to w czasie, gdy „wielka sztuka” tamtej epoki eksperymentowała z ekspresjonizmem, abstrakcjonizmem, konstruktywizmem i innymi -izmami, które oczywiście są genialne, ale nie każdy będzie mógł je stale oglądać w swoim mieszkaniu. A przedmioty w stylu Art Deco są przeznaczone specjalnie do życia codziennego - bardzo bogate, luksusowe i efektowne, ale wciąż codzienne.

Jak rozpoznać przedmiot w stylu Art Deco?

Papierośnice, puderniczki. Lata 30. XX wieku. Instytut Mody w Kioto

Okładka magazynu Vogue z „optyczną” sukienką autorstwa S. Delaunaya. 1925. Służba prasowa Muzeów Kremla

Torebki. OK. 1910. Instytut Mody w Kioto

Ta rzecz na pewno będzie piękna - stylowa, elegancka. Wykonany jest z materiału o drogiej fakturze, ale nie krzykliwie luksusowego, ale po prostu wartościowego. Kolory będą złożone, będzie dużo czerni. Często autor wyraźnie posługiwał się linijką - ale jednocześnie udało mu się bardzo elegancko zaokrąglić wszystkie rogi. Wzory geometryczne są zbudowane według odpowiednich proporcji i mają zdolność hipnotyzowania. Często pojawiają się również inkluzje czegoś starożytnego Egiptu lub Japonii, ale w jakimś dziwnym stylu: Art Deco uwielbiał reinterpretować egzotyczne kultury. (Nawiasem mówiąc, ceniono też „rosyjską egzotykę”). Podobał mi się styl i postęp techniczny - dlatego są tu pędzące z dużą prędkością stylizowane pociągi oraz śmigła samolotów i statków.

Styl w modzie

Suknia wieczorowa. Projektantka mody Madeleine Vionnet. 1927. Służba prasowa Muzeów Kremla

Suknia wieczorowa. Dom mody Lanvin. Około 1925 r. Służba prasowa Muzeów Kremla

Sukienka. Francja. Zima 1922. Dom mody „Siostry Callo”

Art Deco jest najbardziej widoczne w modzie damskiej. W dobie panowania tego stylu kobiety zaczęły obcinać włosy na krótko, w końcu uwolniły się od sztywnych gorsetów i krynolin, talia albo zsuwała się na biodra, albo podjeżdżała tuż pod klatkę piersiową, a spódnicę skracano do wysokości sięgającej zdaniem tych, którzy pamiętali o moralności wiktoriańskiej, było całkowicie nieprzyzwoite.

Twórcy stylu – wielcy projektanci mody Paul Poiret, Mariano Fortuny – cytowali kimona, arabskie turbany i spodnie, antyczne tuniki i stoły, średniowieczne płaszcze. Pojawiły się ubrania jednoczęściowe, draperie, ciężkie tkaniny, wszędzie był szyk i blask. W takich luźnych strojach, haftowanych opalizującymi perłami, trąbkami, kryształkami i koralikami, wspaniale było tańczyć nowe, skoczne tańce - foxtrot, charleston, tango. Ogólnie rzecz biorąc, pamiętajmy epokę Wielkiego Gatsby'ego.

Styl w biżuterii

Broszka Van Cleefa i Arpelsa. 1930

Naszyjnik z kołnierzem Van Cleef i Arpels. 1929

Broszka w stylu egipskim Van Cleef i Arpels. 1924

Firmy Cartier i Van Cleef & Arpels, a także inne domy jubilerskie, świadomie w swoich dziełach posługiwały się zasadami Art Deco. Po płynnych formach i poetyckich kwiatach epoki secesji (znanej również jako Art Nouveau) ich biżuteria wydawała się krzykliwa i szokująca.

Lekka platyna do opraw pozwoliła biżuterii porzucić „ciężką zbroję” złota. Czyste geometryczne kształty, abstrakcyjne wzory, innowacyjne połączenia zieleni i błękitu, kontrastujący dobór kamieni, takich jak czarny onyks i czerwony rubin, zastosowanie kamieni rzeźbionych zamiast fasetowanych, a także inkluzje autentycznych starożytnych artefaktów (egipskie skarabeusze itp. ) - to cechy rozpoznawalne. Czarny onyks stał się na ogół ulubionym kamieniem tego okresu, zwłaszcza w połączeniu z diamentami. Towarzyszyły im jasne akordy koralowców, lapis lazuli, jadeitów i emalii.

Czy w Rosji istniało Art Deco?

Wieżowiec na nasypie Kotelnicheskaya. Państwowe Muzeum Badań Architektury nazwane na cześć A.V. Szczuszew: strona internetowa/instytuty/7985

Stacja metra „Majakowskaja”

Pawilon ZSRR na Międzynarodowej Wystawie w Paryżu. 1937. Państwowe Muzeum Badań Architektury im. A.V. Szczuszew: strona internetowa/instytuty/7985

Genialny styl Art Deco jest oczywiście głęboko „burżuazyjny”. To symbol straconego pokolenia, mody bohaterów Fitzgeralda, Hemingwaya (a także Wodehouse'a i przedwojennych książek Agathy Christie). Młode państwo radzieckie w tamtych czasach nie miało czasu na tę zewnętrzną świetność. Jednak oni mieli „ryczące lata dwudzieste”, a my mieliśmy NEP. Przypomnijcie sobie Ogrzycę Ellochkę: „...błyszcząca fotografia przedstawiała córkę amerykańskiego miliardera Vanderbilta w wieczorowej sukni. Były futra i pióra, jedwab i perły, niezwykła lekkość kroju i zapierająca dech w piersiach fryzura.” Radzieccy Nepmen oczywiście naśladowali w swoich zwyczajach swojego wolnego zachodniego sąsiada, choć nie zostało to oficjalnie zatwierdzone.

Z kolei piętno Art Deco widoczne jest w jednej z najbardziej formalnych sztuk – architekturze. Wpływ stylu importowanego łatwo odnaleźć w stalinowskim klasycyzmie: fotografie fragmentów moskiewskich wieżowców pod pewnymi kątami trudno odróżnić od widoków przedwojennych drapaczy chmur na Manhattanie. Miłość Art Deco do geometrii, wykorzystanie abstrakcji - wszystko to zostało łatwo wchłonięte przez rosyjskich mistrzów w ojczyźnie suprematyzmu. Należało też gloryfikować osiągnięcia techniczne ludzkości. Są też bardziej zabawne znaki – pamiętasz, jak rozmawialiśmy o odwołaniu się Art Deco do motywów egipskich? To dzięki niemu Tamara Łempicka stanęła na nogi. Autoportret w zielonym Bugatti. 1929. Zbiory prywatne

Ale wkład rosyjskich emigrantów w rozwój Art Deco był znacznie większy. Od lat magazyny modowe Vogue i Harper's Bazaar ukazują się pod okładkami rysowanymi przez Erte, którego prawdziwe nazwisko brzmi Roman Petrovich Tyrtov, a jego „Symfonia w czerni” jest jednym z kluczowych dzieł tego stylu.

Artystka abstrakcjonistyczna Sonia Delaunay, pracująca w branży modowej, wzbogaciła Art Deco kolorem i energią, które widzieliśmy w innych „Amazonkach awangardy”. Główną portrecistką Art Deco, jedną z nielicznych artystek, którym udało się zastosować tę stylistykę w malarstwie sztalugowym, jest Tamara Łempicka, pochodząca z rosyjskiego Królestwa Polskiego, przed rewolucją mieszkająca w Petersburgu. (Ale główny rzeźbiarz tamtej epoki, Dmitry Chiparus, pomimo tak znanego nam nazwiska, jest Rumunem.) Wreszcie Leon Bakst, znalazłszy się na wygnaniu, oprócz teatru, zdołał pracować w branży modowej - wyraźnie w stylu Art Deco.

Historycy sztuki na ogół piszą, że styl Art Deco został pierwotnie zainspirowany rosyjskimi porami roku, które wstrząsnęły paryskim światem sztuki w XX wieku. A zatem – dzięki Diagilewowi i Art Deco!