„Autoportret z czarnym psem” , napisane Courbeta w 1842 roku uderza pewność siebie emanująca z postaci młodego artysty.
Courbet ubrany jest jak przyrodnik: ma zarówno wizję artystyczną, jak i wiedzę praktyczną (nie zapominajmy, że Courbet pochodzi z chłopskiej rodziny). Siedzący obok niego czarny pies z długimi falowanymi włosami nie tylko podkreśla loki samego Courbeta, ale nawiązując do powiewnej sylwetki jego peleryny, jest swego rodzaju ucieleśnieniem natury, która uległa artyście.
Estetyka manieryzmu w połączeniu z ogólną plastyczną strukturą obrazu, a także bardzo specyficznymi szczegółami, takimi jak nacisk położony na rękę, skłaniają do porównań z „Autoportretem w wypukłym lustrze” młodego Parmigianina, który przybył podbić Rzym w 1524 r.
Już pod tym wczesnym „Autoportretem z czarnym psem” można podpisać późniejszą wypowiedź Courbeta: „ryk oceanu jest potężny, ale nie zagłuszy ryku mojej chwały”. Zdecydowanie Courbet jest zdeterminowany: postawa, dumnie podniesiona głowa, ciemne ubranie przypominają tajemniczego księcia, który powrócił z wygnania, by objąć należący do niego tron. Miną trzy dekady, Courbet rzeczywiście trafi na wygnanie, a autoportrety przedstawiające przystojną brunetkę ustąpią miejsca alegorycznym martwym naturom z krwawiącym pstrągiem.
Podobny typ mody: Jaco Van den Hovena
Nazwa: Eugeniusza Delacroix
Wiek: 15 lat
Kolega z klasy Eugeniusza Delacroix wspominał później pojawienie się nastoletniego Delacroix: „ Chłopiec o oliwkowej karnacji, błyszczących oczach, żywej twarzy, zapadniętych policzkach, z drwiącym uśmiechem, który zawsze igrał na jego ustach. Był szczupły, miał pełną wdzięku sylwetkę, a jego gęste, falowane ciemne włosy świadczyły o jego południowym pochodzeniu." Cóż, ten opis jest w pełni zadowalający dla najwcześniejszego portretu wykonanego przez wuja artysty. Pełniejszy obraz rysów twarzy młodego Delacroix daje jednak akwarela namalowana kilka lat później. Autor jest nieznany, co jednak nie jest zaskakujące: jego styl wyraźnie nie wyróżniał się oryginalnością, choć właśnie dlatego ten portret nas szczególnie interesuje. Miejmy nadzieję na sumienność artysty, który w pogoni za ekspresją nie daje się ponieść malarstwu, aby zniekształcić rysy portretowanej osoby.
Duża głowa, główny obiekt wyśmiewania rówieśników, z bujnymi, dużymi lokami, szerokimi kośćmi policzkowymi i spiczastym podbródkiem z dołeczkiem - twarz młodego mężczyzny przedstawiona na portrecie idealnie pasowałaby do medalionu w kształcie serca.
Na rozchylonych ustach igra niewyraźny, bardzo niewyraźny uśmiech, „wyginając” jeden kącik do góry; brwi ledwo zmarszczone; wzrok jego dużych oczu, łagodny i zarazem dociekliwy, skierowany jest gdzieś w bok bardziej, niż potrzeba do stworzenia „szlachetnego kąta”, jakby coś przyciągnęło jego uwagę. Oto ilustracja do słów Juliana o dzieciństwie Delacroix: „ W trakcie gry lub lekcji mógł, zapominając o wszystkim, pogrążyć się w zadumie, a potem nagle marzenia na jawie zostały zastąpione wybuchami jakiejś burzliwej aktywności, a potem okazał się dużo żywszy i bardziej złośliwy niż jego towarzysze» .
Podobny typ mody: Beniamin Eidem
Nazwa: Jean Auguste Dominique Ingres
Wiek: 20 lat
 |
| Jacques Louis David, „Portret Jeana Auguste’a Dominique’a Ingresa”, 1800. |
We wczesnym portrecie namalowanym przez Davida, Jean Auguste Dominique Ingres jest jeszcze dość młody, ale w przeciwieństwie do Delacroix, który jest równie młody na portrecie Gericaulta, nie można go nazwać chłopcem. Pomimo dziecięcej okrągłości twarzy i potarganych jak wróbel włosów, postawa przyszłego przywódcy francuskiego akademizmu emanuje spokojną pewnością siebie, w upartej fałdzie wydobywającej się z kącików ust można odczytać celowość, w zmarszczonych brwiach - porównaj je przy zdezorientowanych, uniesionych półkolach brwi Delacroix – można wyczuć wytrwałość. Ogólna kolorystyka – ciepła, bardzo „ziemska” – potęguje wrażenie osoby patrzącej rozsądnie, co nadaje twarzy młodzieńca.
To właśnie te cechy - wytrwałość, integralność charakteru, powaga - wyróżniały Ingresa, sądząc po wspomnieniach Etienne Delecluse, w warsztacie Davida. Wczesny rozwój charakteru ułatwiały także trudności finansowe, z jakimi borykał się Ingres w młodości: jego rodzice nie mieli dużych dochodów, a podczas studiów malarskich w Tuluzie grał w orkiestrze Teatru Capitol. Sytuacja zmieni się na lepsze wraz z przeprowadzką Ingresa do Paryża, gdzie młody artysta, zdobywszy sławę najlepszego ucznia Davida, zaczął zarabiać na portretach. Relacja legendarnego Jacques’a-Louisa Davida z jego nowym uczniem nie była łatwa. Alicję Davida ze swoim modelem widać także na omawianym portrecie z 1800 roku: wydaje się, że David nie próbuje wniknąć w postać Ingresa, a on z kolei nie spieszy się z otwarciem przed nim.
Podobny typ mody: Nilsa Butlera
IV
Nazwa: Pablo Picasso
Wiek: 19 lat
Jedną z ulubionych metafor XX wieku jest lustro, drzwi do innego świata, do którego podróż prawie na pewno będzie ryzykowna i nieprzyjemna. Na autoportrecie Picasso zdaje się studiować swoje odbicie, zdobywając się na odwagę, by spojrzeć na siebie takim, jakim jest naprawdę, nie broniąc się przed światem zewnętrznym ironią, nie obracając wszystkiego w żart, nie zmagając się z pochłaniającą melancholią . Stoi na rozdrożu: czy wkroczyć w zawrotne głębiny, czy pozostać po tej stronie zewnętrznej rzeczywistości – i wybiera to pierwsze. Nic dziwnego, wiedząc, że to Picasso odkrył później wizję kubistyczną, której najważniejszym elementem jest widok „od wewnątrz”.
Podobny typ mody: Bastiana Van Gaalena
Nazwa: Egona Schiele
Wiek: 17 lat
Wcześniej w kreatywny sposób Egona Schiele Nastąpiła w dosłownym tego słowa znaczeniu dramatyczna zmiana; jego prace, podobnie jak on sam, wydawały się takie gładkie, tak uczesane. Nie mogę nawet uwierzyć, że ten uczeń o różowych policzkach z kokardą i neurotyczny, rozczochrany diabeł z obrazami pełnymi desperackiego ekshibicjonizmu to jedna i ta sama osoba. Jednak chłopiec nie jest tak prosty, jak mogłoby się wydawać: nie jest stworzony z ciała i krwi, ale z jakiejś superciężkiej substancji obrazowej, która ma kolosalny ładunek ciemnej energii. Zwróć uwagę na oczy: tak duże, powinny wydawać się piękne, ale pozbawione bieli są pozbawione ludzkiego wyrazu. To są oczy bestii, oczy stworzenia, a nie osoby. Niebieskawe światło pada na twarz i kosmyk gęstych włosów, całkowicie pozbawiając kolorowe pole jakiejkolwiek nuty ciepła i komfortu. Zdrowy rumieniec zamienia się w gorączkowy blask, a przyjemny uśmiech w dwuznaczny uśmiech.
Badaczy żywo interesowało pytanie, dlaczego Gustave Courbet stworzył w latach czterdziestych XIX wieku ponad dwadzieścia autoportretów. Niektórzy wierzyli, że Courbet, który miał piękny wygląd, po prostu podziwiał jego twarz. Inni wierzyli: artysta uważał się za najbardziej przystępny model, ponieważ w tym czasie żył w wielkiej potrzebie i czasami musiał nawet rysować na papierze do pakowania.
Francuski malarz, grafik i rzeźbiarz Gustave Courbet urodził się w Combe-aux-Roux niedaleko Ornans w rodzinie zamożnego rolnika posiadającego rozległe ziemie. Ojciec marzył, że jego syn zostanie prawnikiem, ale kariera prawnicza nie zainteresowała Gustave'a, który wybrał zawód artysty. W Besançon uczęszczał do szkoły rysunku, gdzie jego nauczycielem był S. A. Flajoulot, uczeń J. L. Davida. Ze względu na jego niezwykłe zdolności towarzysze nadali Courbetowi przydomek „króla kolorów”.
W 1840 roku przyszły malarz przybył do Paryża, gdzie na prośbę ojca rozpoczął naukę w szkole prawniczej. W wolnym czasie Courbet odwiedzał Luwr i inne paryskie muzea i wykonywał tam kopie obrazów znanych mistrzów. Szczególnie podziwiał twórczość Rembrandta, D. Velazqueza, J. Ribery, T. Gericaulta, E. Delacroix. Młody człowiek odwiedził także warsztat Suisse, gdzie malował modele.
Courbet był biedny, bo niezadowolony z jego wyboru ojciec przysłał synowi niewielkie pieniądze. Gustave wynajmował tanie mieszkanie i często głodował, aby znaleźć pieniądze na farby, papier i płótna. Malował wytrwale, ale jego obrazy nie cieszyły się dużym zainteresowaniem.
Do najsłynniejszych dzieł Courbeta namalowanych w tym okresie należy słynny Autoportret z czarnym psem (1842–1845, Petit Palais, Paryż). To nie tylko portret, ale obraz-portret, na którym widz widzi pejzaż ze skałą, postać siedzącego na ziemi artysty, dużego czarnego psa, kij i szkicownik. W ten sposób Courbet opowiada wszystkim nie tylko o swoim zawodzie, ale także o swojej miłości do otaczającego go świata. Ukazany na płótnie mężczyzna patrzy na nas z poczuciem wyższości, jest pewny swoich możliwości, odważny i niezależny.
Pewną teatralność widać także w innych autoportretach mistrza, m.in. w obrazie „Ranny” (Luwr, Paryż). Jest też starannie wykonane tło krajobrazowe (polana, pień drzewa, przy którym siedzi artysta) oraz detale nadające kompozycji charakter narracyjny (miecz i czerwona plama na koszuli modelki).
Sam obraz jest dość romantyczny: oczy portretowanej osoby są zamknięte, smutek i ból zastygają na twarzy. Wszystkie te szczegóły wskazują, że postać cierpi z powodu rany zadanej mu w pojedynku. Ale to tylko powierzchowne spojrzenie na obraz, które w rzeczywistości jest w pewnym sensie mistyfikacją. Jeśli przyjrzysz się uważnie płótnu, zobaczysz, że bohatera pokonało jedynie zmęczenie. Na jego policzkach widać lekkie rumieńce, a w całej jego sylwetce wyczuwalna jest ukryta siła i energia. Optymizm kompozycji podkreśla charakter pociągnięcia pędzla – zamaszysty i dynamiczny.
Ciekawy jest także autoportret „Człowiek ze skórzanym pasem” (1845–1846, Luwr, Paryż), świadczący o głębokim zainteresowaniu Courbeta mistrzami renesansu. Na tym obrazie jest też coś z Rembrandta i holenderskich portrecistów z XVII wieku, chociaż sam autor stwierdził, że jego modelem jest tu dzieło D. Velazqueza. Niewątpliwy pozostaje ogromny wpływ na Courbeta dawnych artystów, których dzieła kopiował w Luwrze. Badacze ustalili, że „Mężczyzna ze skórzanym paskiem” został namalowany na kopii „Portretu młodego mężczyzny w rękawiczce” Tycjana. Autoportrety Courbeta, przedstawione w porządku chronologicznym, pokazują nie tylko, jak zmieniał się wygląd artysty na przestrzeni lat, ale także jak zmieniał się jego stosunek do świata. W bardziej dojrzałych autoportretach nie ma wcześniejszej energii i optymizmu, a także zwiększonej emocjonalności.
G. Courbeta. „Autoportret z czarnym psem”, 1842–1845, Petit Palais, Paryż
Staje się przed nami dojrzały i mądry człowiek. Sam Courbet przyznał: „Stworzyłem w życiu wiele portretów, bo zmienił się mój sposób myślenia. Jednym słowem namalowałem swoje życie”.
Z biegiem czasu Courbet przestaje tak dokładnie malować tło i całą swoją uwagę przenosi na twarz modelki.
W latach czterdziestych XIX wieku artysta namalował wiele portretów swoich bliskich. Do najlepszych należy „Juliette Courbet” (1844, Petit Palais, Paryż). Artysta przedstawił swoją młodszą siostrę Juliette siedzącą na krześle z wiklinowym oparciem. Uderza wyraźna rozbieżność wyglądu modelki z tłem: młoda dziewczyna ubrana w skromną suknię ukazana jest na tle bujnej draperii, bardziej odpowiedniej dla ceremonialnego portretu z XVII wieku. Detal ten odzwierciedlał pragnienie mistrza wprowadzenia elementu teatralnego, zabawnego, mistyfikacji charakterystycznej dla jego wczesnych autoportretów.
Courbet wysyłał swoje portrety do Salonu, ale jury za każdym razem je odrzucało.
Wśród modeli mistrza byli nie tylko krewni, ale także przyjaciele, a także osoby bliskie mu duchowo. Poeci, pisarze i filozofowie pozowali artyście.
Jednym z najwcześniejszych obrazów przedstawiających przedstawicieli środowiska intelektualnego stolicy jest „Portret Charlesa Baudelaire’a” (1847–1848, Fabre Museum, Montpellier). Duchowe cechy modelu podkreślają otaczające go przedmioty: książki, stół z teczką, kałamarz. Trudno uchwycić wyraz poruszającej się twarzy poety. Pracując nad portretem, Courbet ubolewał: „Nie wiem, jak dokończyć portret Baudelaire’a, jego wyraz twarzy zmienia się z każdym dniem”. Złożoność natury Baudelaire'a zniechęcała artystę, który w swoich portretach zabiegał o klarowność obrazów. Artysta nigdy nie kładł ostatnich pociągnięć na płótnie i w ten sposób oddawał istotę charakteru swojego modela.
Zdecydowaniej i jednoznacznie scharakteryzował słynnego krytyka i historyka sztuki Courbet w „Portrecie Chanfleury” (1854, Luwr, Paryż). Na ciemnym tle wyróżnia się twarz mężczyzny, której istota jest całkowicie jasna i zrozumiała dla widza. Chanfleury jest demokratyczny, inteligentny i troskliwy. Te same myśli przywołuje wiele innych portretów Courbeta („Portret Bruyasa”, 1854, Fabre Museum, Montpellier; „Portret Valles”, 1861, Carnavalet Museum, Paryż). Dla Courbeta ludzie przedstawieni na płótnach to przede wszystkim ludzie o podobnych poglądach, bliscy jego przekonaniom.
G. Courbeta. „Juliette Courbet”, 1844, Petit Palais, Paryż
Nieco inny jest „Portret Pierre-Josepha Proudhona” (1865, Petit Palais, Paryż).
Courbet wkomponował w pejzaż postać słynnego filozofa, a w kompozycję umieścił wizerunki dwójki dzieci. Artysta darzył wielkim szacunkiem osobowość Proudhona i zapewne dlatego nazwał ten portret historycznym, choć tak nie było. Courbet rozpoczął portretowanie po śmierci Proudhona, wykorzystując fotografię i dożywotni wizerunek filozofa autorstwa innego mistrza. Być może w rezultacie wizerunek Proudhona, mimo oczywistego podobieństwa zewnętrznego, okazał się nieprzekonujący i pozbawiony życia.
Portrety męskie nie mają tej szczerości i emocjonalności, jaką charakteryzują portrety kobiet („Hiszpanka”, 1855, zbiory prywatne, Filadelfia; „Portret Madame Brier”, 1858, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork).
Jednocześnie niektóre wizerunki kobiet wskazują na próby mistrza wyrażenia w tych obrazach swojego rozumienia piękna. Courbet podziwia zmysłowe piękno swoich modeli, ich fizyczną doskonałość. To „Portret Jo” („Piękna Irlandka”, 1865, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork; wersja – w Muzeum Narodowym w Sztokholmie). Obraz przedstawia Joannę, kochankę malarza Jamesa Whistlera. Podziwiająca artystka oddaje luksusowe rude włosy dziewczyny patrzącej w małe lusterko, jej delikatną twarz. Obraz ten jest bliski duchowi słynnemu „Wenus patrzącej w lustrze” Tycjana. Do najsłynniejszych arcydzieł Courbeta należy obraz „Pogrzeb w Ornans” (1850, Luwr, Paryż), który łączył elementy dwóch gatunków - portretu i życia codziennego. Płótno przedstawia prowincjonalny pogrzeb, ale akcji prawie nie czuć, dlatego widz może dokładnie przyjrzeć się wszystkim postaciom kompozycji: krewnym zmarłego, służbie, urzędnikom, burmistrzowi miasta, notariuszowi, księdzu , grabarza i innych osób, które przybyły na cmentarz. Co ciekawe, prawie każdy przedstawiony miał swój własny prawdziwy prototyp. Mieszkańcy Ornans tłoczyli się wokół pracowni Courbeta, marząc, że artysta uwieczni ich na obrazie.
G. Courbeta. „Autoportret z fajką”, 1846–1847, Muzeum Fabre, Montpellier
W każdej ze swoich postaci malarz stara się ukazać indywidualne cechy charakteru. Widz widzi różnych ludzi: przebiegłych, inteligentnych, o silnej woli, obłudnych. A jednocześnie wszystkie mają w sobie coś podobnego, typowego. Na twarzach przyziemnych i praktycznych Ornańczyków nie widać duchowości. Prezentując każdy model z osobna, Courbet stworzył ogólny portret francuskiej prowincji z jej bezwładnością i zacofaniem myślenia. Zamysł autora podkreśla powściągliwa kolorystyka, skłaniająca się ku odcieniom czerni i bieli oraz gęsta faktura obrazu.
Kolejnym znaczącym dziełem Courbeta z gatunku portretu jest „Atelier” (1855, Luwr, Paryż), które stało się artystycznym ucieleśnieniem twórczego credo malarza. W centrum obrazu widzimy samego Courbeta, wokół niego są jego podobnie myślący ludzie, których portrety zamieniają się w alegorie. Zatem Baudelaire uosabia poezję, Chanfleury - prozę, Proudhon - filozofię itp.
"Od jakiego potwora... skąd mógł pochodzić ten drań? Pod jakim kapturem, na jakiej kupie łajna, oblanej mieszanką wina, piwa, trującej śliny i śmierdzącego śluzu, wyrosła ta pustogłosowa i owłosiona dynia, ta udająca łono być człowiekiem i artystą, ucieleśnieniem idiotyzmu i bezsilności” – napisał ze złością Syn Aleksandra Dumasa o obrazie Gustave’a Courbeta „Śpiące”(1866). Zastanawiam się, co powiedziałby wielki pisarz, gdyby zobaczył obraz „Pochodzenie świata”, który został pokazany publiczności dopiero pod koniec XX wieku – półtora wieku po jego powstaniu? Skandaliczny obraz przez długi czas znajdował się w kolekcji prywatnej, obecnie można go oglądać w Muzeum Orsay. Nadal przydzielony jest do niej ochroniarz, którego zadaniem jest zapobieganie gwałtownej reakcji publiczności.
Gustave’a Courbeta uważany jest za twórcę nowego stylu artystycznego – realizmu. Richard Muter napisał: „Był znienawidzony, ponieważ doskonale opanował swoje rzemiosło i pisał tak naturalnie, jak inni jedzą, piją i rozmawiają”. Rzeczywiście, twórczość artysty wywołała głośne skandale przez całe jego życie.
Courbet urodził się 10 czerwca 1819 roku w Ornans, niedaleko granicy szwajcarskiej. Jego ojciec był właścicielem winnic w pobliżu Ornans. W 1831 roku młody człowiek rozpoczął naukę w seminarium duchownym w Ornans, a w 1837 roku za namową ojca wstąpił na studia prawnicze w Besançon. W tym czasie uczęszczał także na zajęcia w Akademii, gdzie jego nauczycielem był Charles-Antoine Flajoulot, uczeń największego francuskiego artysty klasycystycznego, Jacques-Louis David. W 1839 roku Courbet udał się do Paryża, gdzie zapoznał się ze zbiorami sztuki Luwru. Szczególne wrażenie wywarli na nim mali artyści holenderscy i hiszpańscy, zwłaszcza Velazquez. Młody człowiek wolał zajęcia w warsztatach artystycznych od orzecznictwa. W 1844 roku jego obraz „Autoportret z psem” był wystawiany na Salonie Paryskim (reszta zaproponowanych przez niego obrazów została odrzucona przez jury). W tych samych latach namalował dużą liczbę autoportretów, kilkakrotnie odwiedzał Ornana, podróżował po Belgii i Holandii, gdzie nawiązał kontakty ze sprzedawcami obrazów. Jednym z nabywców jego dzieł był holenderski artysta i kolekcjoner, jeden z założycieli haskiej szkoły malarstwa, Hendrik Willem Mesdag. W Paryżu poznał i Honore Daumier.
Pod koniec lat czterdziestych XIX wieku oficjalnym kierunkiem malarstwa francuskiego był nadal akademizm, a prace artystów realistów były okresowo odrzucane przez organizatorów wystaw. W 1847 roku jury odrzuciło wszystkie trzy jego prace. W salonie nie przyjmowano także obrazów tak znanych mistrzów jak Eugeniusza Delacroix i Teodora Rousseau. W 1871 roku Courbet wstąpił do Komuny Paryskiej, zarządzał jej muzeami publicznymi i dowodził obaleniem Kolumny Vendôme (znanego symbolu bonapartyzmu). Po upadku Komuny odsiedział sześć miesięcy więzienia i został skazany na współudział w kosztach odbudowy zniszczonej przez siebie kolumny. Zmusiło to artystę do wycofania się do Szwajcarii, gdzie 31 grudnia 1877 roku zmarł w biedzie.
„Wieczór Moskwa” zaprasza do przypomnienia najsłynniejszych obrazów Gustave’a Courbeta.
1. „Autoportret z czarnym psem” (1842)
Pierwszy obraz Courbeta, który odniósł prawdziwy sukces, powstał w Paryżu. Artysta przedstawił siebie siedzącego na ziemi przy wejściu do groty Plaisir-Fontaine (niedaleko Ornans). Po jego lewej stronie leży laska i szkicownik, po prawej stronie, na tle zalanego słońcem krajobrazu, ciemna sylwetka wyróżnia się czarnym spanielem ze złożonymi uszami. Na niebie i w tle widać kilka próbnych pociągnięć wykonanych szpachelką, narzędziem, którego Courbet później używał z wielkimi umiejętnościami. W maju 1842 roku Courbet napisał do rodziców: „Mam ślicznego psa, rasowego spaniela angielskiego – podarował mi go jeden z moich znajomych, wszyscy go podziwiają, a w domu Udo witają go znacznie bardziej niż mnie”. Dwa lata później ten autoportret otworzy przed Courbeta drzwi Salonu – zaszczyt, o który usilnie zabiegają wszyscy początkujący. Obraz znajduje się obecnie w Musée du Petit Palace w Paryżu.
2. „Popołudnie w Ornans” (1849)
Kliknij na obrazek, aby przejść do trybu przeglądania
Obraz powstał i częściowo namalowany przed 1849 rokiem, podczas jednej z wizyt artysty w rodzinnym mieście. W Paryżu już to ukończono. Filolog i powieściopisarz Franciszka Wei tak pisał o swoim spotkaniu z Courbeta: „Przywitał nas wysoki młody człowiek o wspaniałych oczach, ale chudy, blady, żółty, kościsty... W milczeniu skinął mi głową i ponownie usiadł na stołku przed sztalugami, gdzie stanął obraz „Popołudnie w Ornans”.<...>Dlaczego jeszcze nie zyskałeś sławy dzięki tak rzadkiemu, wspaniałemu talentowi? - zawołałem. „Nikt nigdy nie pisał tak jak ty!” „Zgadza się! – artysta odpowiedział chłopskim akcentem mieszkańca Franche-Comté. „Piszę jak bóg!”
3. „Kruszarka kamienia” (1849)
Kliknij na obrazek, aby przejść do trybu przeglądania
W liście do Francisa Veya Courbet opisuje ten obraz i opowiada o okolicznościach, które zrodziły jej pomysł: „Jechałam naszym wozem do zamku Saint-Denis, niedaleko Sein-Vare, niedaleko Mezières, i zatrzymałam się spojrzeć na dwie osoby - przedstawiały kompletną personifikację biedy. Od razu pomyślałem, że to temat na nowy obraz, następnego ranka zaprosiłem ich oboje do mojej pracowni i od tego czasu pracuję nad obrazem... po jednej stronie płótna siedemdziesięcioletni mężczyzna, pochylony nad swoją pracą, młotek wzniesiony w górę, skóra opalona, głowę osłoniętą słomkowym kapeluszem, wszystkie spodnie z grubego materiału w łatach wystają szpilki z niegdyś niebieskich podartych skarpetek i chodaków, które pękły u dołu. Po drugiej stronie stoi młody chłopak z zakurzoną głową i ciemną twarzą. Przez zatłuszczoną, podartą koszulę widoczne są gołe boki i ramiona, skóra szelki podtrzymujące coś, co kiedyś było spodniami, brudne skórzane buty z dziurami ze wszystkich stron, starzec na kolanach, facet ciągnący kosz gruzu. Niestety! Tak wielu ludzi zaczyna i kończy swoje życie.” W powieści „Bieze z Serina”, napisany wkrótce potem, Francis Wey niemal dosłownie użył sformułowań z listu Courbeta, aby opisać dwie kruszarki do kamieni stojące na poboczu drogi. Słynny francuski polityk, filozof i socjolog Pierre’a Josepha Proudhona w 1864 roku nazwał Courbeta pierwszym artystą prawdziwie społecznym, a „Kruszarkę kamienia” pierwszym obrazem społecznym.
4. „Witam, panie Courbet!” (1854)
Kliknij na obrazek, aby przejść do trybu przeglądania
W maju 1954 roku Courbet udał się do Montpellier na zaproszenie słynnego filantropa i kolekcjonera Alfredo Bruya. Na obrazie artysta przedstawił siebie z laską i plecakiem na plecach w chwili, gdy na drodze spotkali go Bruye, służący i pies. Obraz namalowany z niezwykłym realizmem wywołał sensację na Wystawie Światowej w Paryżu w 1855 roku. Courbet został ogłoszony orędownikiem nowej sztuki antyintelektualnej, wolnej od konwencji malarstwa akademickiego. Courbet malował obrazy oparte na prawdziwych tematach, co szczególnie wywarło poważny wpływ na twórczość impresjonistów. Mówią, że gdy poproszono go o dokończenie postaci aniołów na obrazie przeznaczonym dla kościoła, odpowiedział: „Nigdy nie widziałem anioła. Pokaż mi anioła, a ja go namaluję”.
5. „Śpiący” (1866)
Kliknij na obrazek, aby przejść do trybu przeglądania
Na zdjęciu, które dosłownie wysadziło w powietrze burżuazyjną Europę, dwie nagie kobiety leżą w objęciach na łóżku przykrytym białym prześcieradłem, przez co przedstawiona widzowi scena jawi się jako scena lesbijskiej miłości. Podarty naszyjnik z pereł i nieuporządkowana pościel tylko potęgują to uczucie. Płótno oburzyło opinię publiczną do tego stopnia, że prasa dosłownie eksplodowała oburzonym krzykiem. Wartość artystyczna obrazu ujawniła się dopiero po latach, gdy skandal już ucichł.
1697-1764Autoportret z psem Trumpem
1745. Olej na płótnie, 90x65. Galeria Tate w Londynie.
William Hogarth to wybitny angielski malarz, rytownik okresu rokoko, teoretyk sztuki, autor słynnej „Analizy piękna”. Już w dzieciństwie wykazywał zainteresowanie rysunkiem i fenomenalną pamięć, która pozwalała mu zapamiętać wiele niepowiązanych ze sobą szczegółów. W wieku 16 lat Hogarth rozpoczął naukę u srebrnego rzeźbiarza E. Gamble'a i opanował nie tylko sztukę dekoracyjnego rzeźbienia, ale także grawerowania na miedzi. W 1720 roku Hogarth rozpoczął swoją podróż w sztuce. Pierwsze eksperymenty artysty związane były z rytownictwem i grafiką, a jego pierwszym większym dziełem były ilustracje do „Hudibrasa” S. Butlera (wyd. 1726). Pod koniec lat dwudziestych XVIII wieku Hogarth zasłynął jako mistrz małych portretów grupowych. Zajmował się także innymi gatunkami i z powodzeniem dał się poznać jako twórca dzieł satyrycznych. Autoportret z ukochanym psem Trumpem to jedno z najsłynniejszych dzieł Hogartha. Wykorzystano tu efekt „fałszywości”: portret zdaje się być osadzony na tomach Szekspira, Swifta, Miltona. Artysta złożył w ten sposób hołd literaturze, która może konkurować z malarstwem. Portret otoczony draperiami przypomina lustro, w którym odbija się wygląd artysty. Inne znane dzieła: „Dziewczyna z krewetkami”. Początek lat sześćdziesiątych XVIII wieku. Galeria Narodowa, Londyn; „Pani Salter”. 1744. Galeria Tate, Londyn; „Dzieci rodziny Grahamów” 1742. Galeria Tate, Londyn.
