Istnieje ogromna różnorodność gatunków i trendów muzycznych. Jeśli zaczniesz wymieniać gatunki muzyczne, lista będzie po prostu nieskończona, ponieważ z roku na rok pojawiają się dziesiątki nowych ruchów muzycznych na pograniczu różnych stylów. Wynika to z rozwoju technologii muzycznych, nowych osiągnięć w dziedzinie realizacji dźwięku, produkcji dźwięku, ale przede wszystkim – z potrzebą człowieka na niepowtarzalne brzmienie, z pragnieniem nowych emocji i wrażeń. Tak czy inaczej, istnieją cztery szerokie ruchy muzyczne, które w taki czy inny sposób dały początek wszystkim innym stylom. Nie ma też między nimi wyraźnych granic, a mimo to produkcja produktu muzycznego, treść utworów i struktura aranżacji zauważalnie się od siebie różnią. Jakie są więc różne gatunki muzyki wokalnej, przynajmniej te główne?
Muzyka pop
Muzyka pop to nie tylko ruch, ale cała kultura masowa. Piosenka jest jedyną formą akceptowalną w gatunku pop.
Kluczowymi punktami w tworzeniu popowej kompozycji są obecność najprostszej i zapadającej w pamięć melodii, konstrukcja na zasadzie zwrotka-refren, a rytm i ludzki głos są wysuwane na pierwszy plan w dźwięku. Celem, dla którego tworzona jest muzyka pop, jest wyłącznie rozrywka. Artysta popowy nie może obejść się bez baletu pokazowego, występów scenicznych i oczywiście drogich klipów wideo.
Muzyka pop jest produktem komercyjnym, dlatego stale zmienia brzmienie w zależności od stylu będącego u szczytu popularności. Na przykład, gdy w Stanach Zjednoczonych panował jazz, popularni stali się wykonawcy tacy jak Frank Sinatra. We Francji piosenka zawsze była honorowana, dlatego Mireille Mathieu i Patricia Kaas to wyjątkowe francuskie ikony popu. Kiedy nadeszła fala popularności muzyki rockowej, artyści popowi szeroko wykorzystywali w swoich kompozycjach gitarowe riffy (Michael Jackson), wtedy nastała era mieszania popu i disco (Madonna, Abba), popu i hip-hopu (Beastie Boys) itp.
Gwiazdy współczesnego świata (Madonna, Britney Spears, Beyonce, Lady Gaga) podchwyciły falę rytmu i bluesa i rozwijają ją w swojej twórczości.
Głaz
W muzyce rockowej prym wiedzie gitara elektryczna, a punktem kulminacyjnym utworu jest zwykle wyraziste solo gitarzysty. Sekcja rytmiczna jest ciężka, a schemat muzyczny często skomplikowany. Mile widziany nie tylko potężny wokal, ale także opanowanie techniki splitowania, krzyku, growlingu i wszelkiego rodzaju ryków.
Rock to sfera eksperymentów, wyrażania własnych myśli, a czasem rewolucyjnych sądów. Tematyka tekstów jest dość szeroka: struktura społeczna, polityczna i religijna społeczeństwa, problemy i doświadczenia osobiste. Trudno wyobrazić sobie artystę rockowego bez własnego zespołu, ponieważ występy odbywają się wyłącznie na żywo.
Najpopularniejsze gatunki muzyki rockowej - lista i przykłady:
- rock and roll (Elvis Presley, The Beatles);
- rock instrumentalny (Joe Satriani, Frank Zappa);
- hard rock (Led Zeppelin, Deep Purple);
- glam rock (Aerosmith, Queen);
- punk rock (Sex Pistols, Green Day);
- metal (Iron Maiden, Korn, Deftones);
- (Nirvana, Red Hot Chili Peppers, 3 Doors Down) itp.
Jazz
Opisując współczesne gatunki muzyczne, listę warto zacząć od jazzu, gdyż wywarł on ogromny wpływ na rozwój innych gatunków, w tym popu i rocka. Jazz to muzyka oparta na motywach afrykańskich, sprowadzonych do Stanów Zjednoczonych z Afryki Zachodniej przez czarnych niewolników. Na przestrzeni stu lat istnienia kierunek znacznie się zmienił, ale niezmienna pozostaje pasja do improwizacji, swobodnego rytmu i powszechnego stosowania.Do legend jazzu zaliczają się: Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Duke Ellington i in.
Elektroniczny
XXI wiek to era elektroniki, a kierunek elektroniczny w muzyce zajmuje dziś jedną z czołowych pozycji. Tutaj zakłady nie są obstawiane na instrumentach na żywo, ale na syntezatorach elektronicznych i emulatorach dźwięku komputerowego.
Oto najpopularniejsze i najbardziej poszukiwane gatunki muzyki elektronicznej, których lista daje ogólny pogląd:
- dom (David Guetta, Benny Benassi);
- techno (Adam Beyer, Juan Atkins);
- dubstep (Skrillex, Skream);
- trance (Paul van Dyk, Armin van Buuren) itp.
Muzycy nie są zainteresowani trzymaniem się granic stylu, dlatego relacje między wykonawcami a stylami są zawsze dość arbitralne. Gatunki muzyczne, których lista nie ogranicza się do wyżej wymienionych obszarów, w ostatnim czasie tracą swoje charakterystyczne cechy: wykonawcy mieszają gatunki muzyczne, w muzyce zawsze jest miejsce na niesamowite odkrycia i niepowtarzalne znaleziska, a słuchacza interesuje za każdym razem zapoznając się z najnowszymi nowinkami muzycznymi.
ruch emocji.
Dramaturgia muzyczna
Styl muzyczny
Forma muzyczna
4) jako porządek estetyczny w utworze muzycznym, który objawia się formowalnością lub bezforemnością.
5) jako jedna z gałęzi teorii muzyki.
Zatem rozważa się dwie kategorie form muzycznych:
a) w szerokim tego słowa znaczeniu – jako sposób ucieleśnienia treści;
b) ściśle – jako plan rozmieszczenia funkcjonalnie różnych sekcji i części dzieła muzycznego, które łączą się w całościową kompozycję. Inaczej się to nazywa forma kompozycji lub plan kompozycyjny.
Forma kompozycji ma dwie strony:
*) zewnętrzne, związane z treścią muzyczną, gatunkiem i tematem oraz formami istnienia muzyki, co jest szczególnie istotne w przypadku gatunków pierwotnych.
*) wewnętrzne, związane z ujawnieniem organizacji wewnętrznej, jej stron, elementów.
Funkcje kompozycji:
1) semantyczny, określony treścią utworu;
2) komunikatywny, nastawiony na zarządzanie percepcją słuchacza.
Metoda analizy i jej formy
Głównym problemem analizy jest związek pomiędzy formą i treścią. Zadania analityczne:
a) sformułować, jakie uczucia i emocje wyraża muzyka;
b) jakie środki zostały w tym celu użyte;
c) powiązać treść z epoką, w której zrodził się ten styl, gatunek i twórczość kompozytora. Powyższe punkty można potraktować jako odrębne aspekty analizy i podzielić na niezależne formy.
Formy analizy(według Yu. Chołopowa) :
1) Analiza jako estetyka praktyczna. Polega na śledzeniu wzorców muzycznych i dokonywaniu ocen. Uwzględnione w analizie postrzeganie i przeżycie estetyczne zjawisk muzycznych nadają pewnej części analiz charakter konkretnego studium estetycznego, estetyki praktycznej.
2) Analiza-opis. Gatunek ten ma wartość naukową tylko wtedy, gdy opisano nowe zjawisko. Opis to powtórzenie tekstu muzycznego w ogólnie znanych terminach.
3) Holistyczne Lub złożona analiza. Metoda V. Zuckermana. Polega na włączeniu do analizy szerokiego zakresu informacji związanych z esejem. Treść i forma są rozpatrywane w nierozerwalnej jedności. Zuckerman: „Analiza jest syntezą nauki i sztuki, ponieważ wymaga nie tylko wiedzy, ale także wrażliwości”.
4) Analiza ilościowa i pomiarowa. Jest to analiza w dosłownym tego słowa znaczeniu, czyli podział całości na elementy. Tutaj pojawia się problem, ponieważ główny obiekt pomiaru jest nieprecyzyjny.
W szerszej perspektywie analizy jako takiej nie da się w ogóle oddzielić od syntezy. Są to dwie strony jednego procesu myślenia i poznania. Analiza powinna być nie tylko całościowa, ale oparte na wartościach oznacza to, że musi wykryć obecność połączenia duchowe. Analiza muzyczna nie pozostawia muzyki, jeśli:
*) przedstawia techniczne środki muzyczne jako estetyczne
*) zachowuje formę dźwiękową muzyki, czyli operuje przykładami muzycznymi.
Analiza wartości odsłania figuratywną i emocjonalną stronę muzyki poprzez doświadczenie estetyczne. W metodzie analizy wartości „środki” interpretowane są przede wszystkim w ramach formy muzycznej. Stąd dominuje znaczenie pojęcia formy jako przedmiotu analizy.
Struktura mowy muzycznej
Formę muzyczną charakteryzuje hierarchia struktury (wzajemne podporządkowanie). Forma muzyczna składa się z szeregu sekcji, z których każda jest podzielona na podsekcje. Okres zawiera następujące podrozdziały:
1) zdanie – największą część okresu zakończonego kadencją;
2) fraza – część zdania oddzielona cezurą;
3) motyw - minimalny element konstrukcyjny formy związany z jednym mocnym udziałem.
Struktury kształtów metrycznych
Dla muzyki jako sztuki tymczasowej ważna jest proporcjonalność, proporcjonalność części. W formie muzycznej wyróżnia się następujące struktury metryczne, w zależności od liczby mocnych uderzeń:
1) prostopadłość - „części 4-zegarowe” (Sposobin). Kwadratowość jest typowa dla gatunków związanych z ruchem (tańce, marsze);
2) niekwadratowość – naruszenie zasady prostopadłości (3+3; 6+6 tomów). Charakterystyka rosyjskich pieśni ludowych.
Prosta dwuczęściowa forma
Formy proste to formy składające się z 2 lub 3 części, z których każda nie jest bardziej skomplikowana niż kropka. Różnica w stosunku do okresu polega na obecności części rozwojowej. Proste formy wyrosły z muzyki pieśniowej lub tanecznej. Obszar zastosowania: piosenki, miniatury instrumentalne, muzyka gatunkowa i codzienna.
Prosta, dwuczęściowa forma to forma składająca się z dwóch części lub okresów, gdzie pierwsza część stanowi prezentację myśli muzycznej, a druga jej rozwinięcie i uzupełnienie. Proste dwuczęściowe formy podzielone są na kontrastujące A+B i rozwijający się A+A1.
1) kontrastujący (bez powtórzeń). Struktura utworu jest refrenem prowadzącym, o charakterze gatunkowym (r.n.p. „Dubinushka”).
2) rozwinięcie (powtórka): aa1+va1, gdzie drugi odcinek składa się z dwóch konstrukcji: V – aktualizacja i rozwinięcie tematu, tzw. „środek”; a1 - powtórzenie drugiego zdania części pierwszej.
Prosta, trzyczęściowa forma.
Prosta forma trzyczęściowa to forma, w której pierwsza część stanowi przedstawienie myśli muzycznej, druga część stanowi jej rozwinięcie lub przedstawienie nowej myśli muzycznej, a trzecia część stanowi uzupełnienie za pomocą repryzy . W zależności od materiału tematycznego części środkowej istnieją 2 odmiany prostej 3-częściowej formy:
1) rozwojowe (jeden temat) AA1A. Sekcję środkową charakteryzuje niestabilność tonalnie-harmoniczna, unikanie toniki, odchylenia, struktury ułamkowe, sekwencje, polifonizacja tematu (Czajkowski, „Barkarola”).
2) kontrastujący (dwuciemny) AVA. Część środkowa to okres o charakterze nieekspozycyjnym, w którym nie ma pełni, w końcu narasta niestabilna harmonia (Czajkowski, romans „Wśród hałaśliwej kuli”).
Istnieją dwa rodzaje powtórek:
a) dokładne (dosłowne, statyczne, da capo);
b) zmodyfikowany - urozmaicony, rozszerzony lub skrócony (rzadko).
Odmiana prostej, trzyczęściowej formy - trzypięcioczęściowy utwór ABABA (Liszt, „Sny o miłości”).
Złożone kształty
Składają się z 2 lub 3 części, z których każda (przynajmniej jedna) ma prosty kształt. Ma wyraźny kontrast przeciwległych sfer figuratywnych.
Złożona dwuczęściowa forma
Obszar zastosowania - wokal kameralny, muzyka operowa, rzadziej - muzyka instrumentalna (Mozart, Fantazja d-moll). Występuje w dwóch odmianach:
1) nieuznane lub uznane AA1(Bach, HTC II, preludia nr 2,8,9,10,15,20; Skriabin, preludia op.11 nr 3,16,21);
2) kontrastujące AB. ( Bach, HTC I, preludia nr 3, 21. Integralność formy ułatwia nierówność części:
a) część 1 – wprowadzająca, część 2 – główna (Glinka, cavatina i rondo Antonidy z opery „Iwan Susanin”). Albo w Chórze Myśliwych (Weber, opera „Magiczny strzelec”): część 2 – refren.
Złożona, trzyczęściowa forma
Jest to renomowana forma, składająca się z 3 części, z których każda jest prostą formą. Formularz ten zawiera dwa kontrastujące obrazy, po których następuje naprawa pierwszego. Historia powstania: muzyka instrumentalna i wokalna XVII wieku – cykle taneczne, aria da capo. Obszar zastosowania: środkowe części cykli sonatowo-symfonicznych, indywidualne dzieła instrumentalne, romanse, arie, chóry. Odmiany:
1) JAK 2) AA1A(aria da capo) 3) ABCA(dla romantyków)
Cecha pierwszej części: brak kontrastu - jednobarwna forma 2- lub 3-częściowa.
Historycznie rzecz biorąc, istniały dwa typy części środkowej:
1) środkowa część z trio , gdzie prezentacja nowego materiału przeważa nad rozwojem. Konstrukcja ta jest stabilna, kompletna w formie i strukturze tonalno-harmonicznej, wyraźnie oddzielona cezurą od części zewnętrznych (Rachmaninow, Preludium g-moll).
2) część środkowa – epizod , gdzie rozwój przeważa nad prezentacją. Konstrukcja ta jest niestabilna tonalnie, harmonicznie i strukturalnie, z płynnym przejściem do repryzy (Czajkowski, „Luty”).
Dla romantyków różnica między triem a odcinkiem jest zamazana.
Typy powtórzeń:
1) dokładny (Mozart, Symfonia g-moll, część III)
2) zróżnicowane (Chopin, nokturn Des-dur)
3) dynamiczny, zawierający figuratywne przemyślenie materiału tematycznego części pierwszej i nowy kontrast figuratywny (Chopin, Nokturn c-moll).
Kod– opracowany dodatek po repryzie. Pełni ostatnią funkcję syntezującą. Główne cechy: punkt narządu tonicznego, zwroty plagalne.
Forma odmiany
Forma wariacyjna to forma polegająca na przedstawieniu tematu i jego powtórzeniu w zmodyfikowanej formie: AA1A2… Liczba części nie jest ograniczona. Znaczenie polega na ujawnieniu różnych stanów graficznych nieodłącznie związanych z tematem.
Pochodzenie – związane z tradycją ludową. Obszar zastosowania: utwory samodzielne, fragmenty cykli sonatowo-symfonicznych.
Należy rozróżnić wariację (jest to sposób rozwinięcia tematu) od wariacji, czyli formy wariacyjnej.
Historyczne typy odmian:
1) Wariacje w stylu vintage(XVI – XVII wiek). Odmiany Basso ostinato. 2 typy:
A) passacaglia– duża forma, Maestoso Stały temat w basie jest zmienny.
B) chaconne– kameralny, liryczny. Zwykle zawarte w dużej formie. Niezmieniona formuła harmoniczna jest zmienna.
Pod koniec XVII w. zatarły się różnice między passacaglią a chaconne (Bach, Chaconne d-moll; Handel, Passacaglia z suity g-moll nr 7).
2) Ścisłe różnice. Odmiany VKSh. Odmiany figuratywne, ozdobne.
Funkcje motywu:
1) rejestr środkowy, 2) tempo umiarkowane, 3) faktura akordów,
4) wyraźna funkcjonalność tematu, 5) pieśniowy i taneczny charakter tematu,
6) forma – prosta dwuczęściowa, rzadziej – trzyczęściowa, jeszcze rzadziej – kropka.
Zasada zmienności: odtworzenie tematu jako całości, wzbogacając go o szczegóły.
Temat się zmienia: wzór melodyczny, rytm, faktura, tempo itp.
Niezmienione pozostają: plan harmoniczny, forma , tonacja (można jednorazowo zastąpić tą samą nazwą lub równolegle).
Techniki rozwijania melodii: a) ozdoby, B) intonować, V) transformacja wariantowa. (Mozart, Sonata A-dur nr 11, część I).
3) Darmowe odmiany. Zadomowili się w twórczości kompozytorów romantycznych na początku XIX wieku. Odmiany gatunkowe. Każda wariacja jest jak niezależna zabawa oparta na temacie. Motyw jest tylko pretekstem do tworzenia kontrastowych obrazów. Zasada wariacji: element tematyczny jest przedmiotem samodzielnego rozwoju (Rachmaninow, „Rapsodia na temat Paganiniego”).
Podwójne odmiany.
Są to wariacje na dwa tematy. Tematy mogą się różnić indywidualnie lub jeden po drugim (Glinka, „Kamarinskaya”).
Odmiany Glinki(ostinato sopranowe).
Temat pozostaje ten sam, zmienia się akompaniament (Glinka, Chór Perski z opery „Rusłan i Ludmiła”).
Forma sonatowa
Forma sonatowa to forma, w której I część (ekspozycja) opiera się na kontraście tonalnym dwóch głównych tematów. Dział 2 (rozwój) intensywnie je rozwija. Część trzecia (repryza) łączy tematy w jedność tonalną.
Forma sonatowa jest najwyższą spośród instrumentalnych form homofonicznych, przejmując cechy wszystkich innych form. Dzięki swojej skomplikowanej strukturze forma sonatowa jest w stanie odzwierciedlić jasne kontrasty figuratywne, ucieleśnić złożoną treść w rozwoju i pokazać jakościową zmianę w obrazach.
Forma sonatowa ukształtowała się ostatecznie w twórczości kompozytorów Wyższej Szkoły Artystycznej. Stosowany jest w skrajnych partiach cykli sonatowo-symfonicznych, jako forma jednoczęściowych programowych dzieł orkiestrowych (uwertura, fantastyka, malarstwo, wiersz), jako forma uwertury operowej. Rzadko spotykany w muzyce wokalnej (aria Rusłana z opery „Rusłan i Ludmiła” Glinki).
Forma sonatowa zawiera trzy obowiązkowe części: ekspozycję, rozwinięcie i kodę. Oprócz nich mogą istnieć dodatkowe - wprowadzenie i kod.
Ekspozycja
To pokaz obrazów muzycznych, początek dramatu. Opiera się na kontraście tonalnym (tematycznym) części głównej i drugorzędnej. Należy rozróżnić pojęcia imprezy i tematu: impreza to fragment ekspozycji lub powtórki. Temat to materiał muzyczny charakteryzujący obraz.
Główna impreza– częściej o charakterze aktywnym, o silnej woli (ruch wzdłuż dźwięków akordowych, impulsywny rytm). Często zawiera wewnętrzny kontrast różnych elementów.
Partia boczna– często o charakterze lirycznym. Zwykle jest to melodyjny motyw taneczno-gatunkowy. Czasem część poboczna składa się z kilku tematów (Beethoven, Symfonia „Eroica”, część I). Często partia boczna zawiera pęknięcie (przesunięcie) - wprowadzenie elementów partii głównej, partii łączącej. Wprowadza to napięcie i antycypuje dramaturgię rozwoju.
Typowe relacje tonalne:
Gl.p. (w kier.) – pod. (w tonacji D)
Gl.p. (w moll) – ab.p. (równolegle)
Oprócz imprez głównych i pobocznych wystawa zawiera strona wiążąca , który tonalnie i tematycznie łączy część główną z wtórną, rozładowuje energię zgromadzoną w części głównej. Główną cechą części łączącej jest niestabilność tonalna. Część łącząca może mieć różną skalę: od rozwiniętych konstrukcji po krótkie ogniwo (Schubert, Symfonia „Niedokończona”, część I).
Gra końcowa– podsumowuje ekspozycję, ustala tonację partii bocznej. Często opiera się na materiale z tematów ekspozycji, rzadziej na nowym temacie.
Rozwój
To jest rozwój i kulminacja akcji muzycznej. Kontrast pomiędzy tematami wystawy pogłębia się lub wygładza. Częściej rozwój opiera się na temacie głównej partii, jako bardziej aktywnej i wewnętrznie skonfliktowanej. Podstawowe techniki opracowywania tematu:
1) fragmentacja tematu na elementy i ich rozwój tonalny, harmoniczny, fakturowy, rejestrowy, barwowy.
2) polifonizacja tematu.
Rozwój może składać się z kilku odcinków, każdy z własną kulminacją (tzw. falami). Ostatnia sekcja, oparta na akumulacji energii o niestabilnej funkcji, nazywa się prekursor Pojawienie się nowego tematu w opracowaniu, który nie został usłyszany na wystawie, nazywa się epizod(Szostakowicz, Symfonia „Leningradzka”, część I).
Potrącenie od dochodu
Na tym polega zakończenie akcji muzycznej, w której tematy zbiegają się na zasadzie jedności tonalnej. Repryza formy sonatowej to:
1) dokładny (Beethoven, III symfonia, 1 część)
2) dynamiczne – figuratywne przemyślenie tematów wystawy; początek repryzy zbiega się z kulminacją rozwoju (Szostakowicz, VII Symfonia, część I)
3) lustro (Chopin, ballada nr 1, g-moll)
4) niekompletne, brak części głównej, która pojawia się w kodzie (Chopin, II Sonata b-moll).
Kod
Jego funkcją jest podsumowanie rozwoju, wprowadzenie kontrastu w jedność i potwierdzenie głównej idei. Im silniejszy kontrast w ekspozycji, im bardziej dynamiczny rozwój w rozwoju, tym większa wartość kodu. Koda w formie sonatowej może być podobna do drugiego rozwinięcia. Zwykle kod budowany jest na materiale tematycznym wystawy, rzadziej na nowym temacie.
Sonata Rondo
Jest to forma pośrednia pomiędzy formą ronda a formą sonatową. Schemat : AVA C AB1A, Gdzie AVA– ekspozycja, Z- epizod , AB1A– powtórka. Odcinek środkowy (centralny) można zastąpić rozwinięciem poprzednich wątków. Według definicji V. Zuckermana „sonata rondo to rodzaj ronda składającego się z trzech (czasami czterech) odcinków, w którym odcinki skrajne są tematycznie i tonalnie w tej samej proporcji co boczne części ekspozycji i powtórki formy sonatowej . Odmiany:
1) jeśli odcinek centralny Z– rozwinięcie tematów ekspozycji, wówczas ten typ zbliża się do formy sonatowej,
2) jeżeli sekcja środkowa Z- odcinek, a potem - do ronda.
Znaki formy sonatowej:
*) kontrast tonalny tematów A I W na początku i ich jedność tonalną na końcu
*) epizod W- nie konstrukcja pośrednia, ale kontrast do rozdz. n. jako niezależna strona
Różnica w stosunku do formy sonatowej:
*) powtórzenie rozdz. na koniec ekspozycji i powtórka
Znaki ronda:
*) powtórzenie refrenu co najmniej trzykrotnie
*) motyw gatunkowo-taneczny
Różnica od Rondo:
*) powtórzenie nowego odcinka w nowej tonacji.
Obszar zastosowania: finały cykli sonatowo-symfonicznych, czasem jako utwory samodzielne. Wprowadzenie nie jest typowe dla sonaty ronda, ale jest możliwe. Beethoven, sonata nr 8, finał, część środkowa – odcinek. Mozart, sonata nr 17, finał, część środkowa – rozwinięcie).
Formy cykliczne
Forma cykliczna to forma składająca się z kilku skompletowanych, kontrastujących ze sobą części, połączonych wspólnym designem.
Istnieją dwa rodzaje form cyklicznych:
1) zestaw, w którym dominuje kontrast części,
2) cykl sonatowo-symfoniczny (wokalno-symfoniczny, wokalny, instrumentalny), w którym najważniejsza jest jedność cyklu.
Zestaw.
Jest to utwór cykliczny, składający się z szeregu różnorodnych spektakli. Historyczne typy apartamentów:
1) Starożytny Apartament (partita). XVI-XVIII wiek. Składa się z czterech tańców:
a) allemanda(taniec niemiecki) – tempo wolne, 4/4, polifoniczne;
b) dzwonek(taniec francuski) – tempo umiarkowane, 3/4, polifoniczne;
c) Sarabanda(taniec hiszpański) – tempo wolne, 3/4, faktura akordów;
d) koncert(taniec angielski) – tempo szybkie, rytm triolowy. Oprócz tańców głównych do suity czasami wprowadzano tańce dodatkowe - gawot, menuet, bure itp. Suitę otwierało preludium czyli toccata. (Bacha, suity angielskie, niemieckie, francuskie).
2) Apartament VKSH . Główne gatunki: kasacje, rozrywki, serenady (Mozart, „Mała nocna serenada”). Następuje odrzucenie przymusowego tańca i zbliżenie się do cyklu sonatowo-symfonicznego.
3) Nowy apartament (2 ćwierć XIX w.). Jego cechy: duże znaczenie programowania, łączenie części z określoną fabułą, zwiększanie kontrastu części (Schumann, „Karnawał”). Suita może składać się z głównych numerów muzycznych spektaklu, baletu lub opery (Grieg, Peer Gynt).
Cykl sonatowo-symfoniczny
Cykl sonatowo-symfoniczny obejmuje gatunki symfonii, sonaty, koncertu i kwartetu. Klasyczny cykl sonatowo-symfoniczny składa się z 4 części, w tym Allegro w formie sonatowej, części wolnej, menueta (później scherza) i finału. W gatunkach koncertowych i sonatowych menueta nie ma. Kompozytywna jedność części cyklu przejawia się w organizacji tempa całości, w powiązaniach tonalno-harmonicznych, tematycznych i figuratywnych.
Części cyklu sonatowo-symfonicznego są niejako fazami ujawniania się koncepcji utworu jako całości. Każda część cyklu ma swoje typowe gatunki i formy:
1 część(sonata Allegro) – forma sonatowa.
część 2(Andante, Adagio) – forma złożona 3-częściowa, forma sonatowa bez rozwinięcia, forma wariacyjna, czasem rondo.
Część 3(Menuet) to złożona, trzyczęściowa forma.
Część 4(Finale) – forma sonatowa lub rondo (rondo sonata).
Połączenia tonalne: części zewnętrzne zapisane są w tej samej tonacji lub w tej samej tonacji, druga część jest zapisana w tonacji S, w tej samej tonacji lub równolegle. Trzecia część jest w tonacji głównej.
Formy swobodne i mieszane
Są to niecykliczne formy muzyczne, które nie wpisują się w typowe schematy form muzyki klasycznej i romantycznej, bądź łączą w sobie cechy różnych form. Formy swobodne różnią się od form mieszanych tym, że w formach mieszanych forma sonatowa łączy się z innymi formami. W formularzach bezpłatnych formularze pakietowe są łączone z innymi formularzami. Formy swobodne kojarzą się z gatunkami rozrywkowej muzyki instrumentalnej (walce Straussa, składanki). Rondalność często staje się zasadą przewodnią. Każdy nowy obraz muzyczny ma formę kompletną. Formularze swobodne są typowe dla esejów posiadających program.
Swobodne formy epoki baroku - fantazje organowe i klawesynowe oraz gatunki pokrewne. Cechą charakterystyczną form swobodnych 2. połowy XVIII w. jest mieszanina cech homofonicznych i polifonicznych.
Wzrost znaczenia form swobodnych i mieszanych w XIX wieku (ballady, wiersze, rapsodie) zdeterminowany jest estetyką romantyzmu. Cechuje je wnikliwe przedstawienie kontrastujących wątków, wzrost intensywności rozwoju, transformacji i zbieżności obrazów oraz dynamizacja partii repryzowo-kodowej.
W XIX-XX w. formy swobodne opierały się na planie, który wpływał na formę (program). Indywidualna „kompozycja formy” stała się zasadą kompozycji w drugiej połowie XX wieku.
Formy polifoniczne
1) symulacja, polegająca na opracowaniu jednego tematu.
2) nieimitacja (kontrastowanie), polegająca na jednoczesnym łączeniu (kontraście) różnych tematów.
Polifonia powstała w XIV wieku jako rodzaj muzyki kościelnej przeznaczonej na chór a cappella. Główne gatunki polifoniczne: fuga, fuguette, ricercar, wynalazek itp.
Fuga
Fuga jest najwyższą formą imitacyjnej polifonii. Główne elementy kompozycyjne fugi: Temat, odpowiedź, kontrast, przerywnik (konstrukcja między tematami w oparciu o rozwój elementów tematów) i stretta (imitacja wprowadzenia tematu jednym głosem aż do jego zakończenia drugim głosem).
Fuga składa się zwykle z trzech części:
1 sekcja– ekspozycja. Jest to sekwencyjne wprowadzanie głosów z tematem w stosunku T-D. Pomiędzy II i III prezentacją tematu, a także po całej ekspozycji odtwarzane są przerywniki.
Sekcja 2– opracowanie opiera się na realizacji tematu w podrzędnych kluczach. Stosowane są przekształcenia motywów i przerywników.
Sekcja 3– powtórka. Rozpoczyna się powrotem tematu (w tonacji głównej), który odbywa się we wszystkich głosach.
Repryza w szerokim zakresie wykorzystuje stretta.
Fugę na jeden temat nazywa się prostą, na dwa tematy podwójną, na trzy tematy potrójną. Fugi podwójne i potrójne występują z ekspozycją oddzielną lub wspólną. Fuga może mieć budowę dwuczęściową: część 1 – ekspozycja, część 2 – wolna.
Fuguetta – mała fuga o mniej poważnym charakterze. Oparty na prostych rodzajach imitacji.
Cechy formacji w muzyce wokalnej i chóralnej
Synteza tekstu i muzyki powoduje, że poszczególne części formy wokalnej są mniej kompletne niż w formach instrumentalnych. Zatem początkowe okresy form wokalnych często kończą się połową kadencji. Często spotyka się niekwadratową strukturę okresów początkowych, która jest dowolna pod względem struktury wewnętrznej.
Kolejna cecha form wokalnych – ich mała przydatność do rozwoju tematycznego – wiąże się z dwoma przyczynami:
2) o jednolitej strukturze metrycznej i strukturalnej tekstu poetyckiego.
Jest to jeden z powodów rzadkiego stosowania formy sonatowej w muzyce wokalnej.
Jednolita struktura tekstu poetyckiego może prowadzić do tego, że w środku zachowana jest struktura konstrukcji ekspozycyjnych, ale ze zróżnicowaniem tonalno-harmonicznym, melodycznym, fakturalnym. Powstaje tak zwany „środek wariantu”.
Częściej niż w muzyce instrumentalnej wariantowe powtórki spotyka się także w muzyce wokalnej.
Formy wokalne charakteryzują się przenikaniem różnych zasad formacji, prowadząc do form syntetycznych.
Wśród specjalnych form muzyki wokalnej istnieją 3 główne typy, które historycznie okazały się bardzo stabilne:
1) forma dwuwiersza
2) zróżnicowana forma
3) poprzez formę wokalną.
Muzyka jest złożoną i trudną do zrozumienia formą sztuki, ponieważ w odróżnieniu od innych form sztuki nastawiona jest wyłącznie na percepcję słuchową. Istnieją różne punkty widzenia na pytanie, co stanowi treść muzyki:
1) „Muzyka jest czymś całkowicie wrodzonym, wewnętrznym, nie wymagającym żadnych doświadczeń czerpanych z życia” (I. Goethe).
2) G. Laroche: „Muzyka odzwierciedla ogólnego ducha epoki”.
3) E. Hanslick: „W muzyce nie ma treści” (czyli żadnej informacji). „Treść muzyczna to ruch form dźwiękowych”.
4) B. Asafiew: „Fuga jest królową logiki”.
5) Przede wszystkim muzyka odzwierciedla emocjonalny świat człowieka. Emocja sama w sobie nie ma znaczenia; świat emocji jest zawsze w ruchu. Zatem podstawą muzyki jest ruch emocji. Według L. Mazela w muzyce powinna panować jedność emocji i myśli, tj. emocje muszą być rozumiane, a myśl odczuwana.
Rozpoznajemy treści muzyczne za pomocą słuchu intonacyjnego, który jest swego rodzaju „narządem komunikacji”. Słuch intonacyjny identyfikuje 4 stany emocjonalne swojego muzycznego rozmówcy:
a) Zawołaj - ostro, stopniowo, bez wahania (ruch wznoszący);
b) Petycja - żałosna, niepewna (ruch w dół);
c) Gra – żywiołowa i łatwa, mistrzowska (ruch motoryczny);
d) Medytacja – spokojnie, z umiarem (powrót do tej samej prędkości).
Dramaturgia muzyczna
Jest to system środków wyrazu i technik ucieleśniania akcji dramatycznej w dziełach gatunku muzycznej sceny (opera, balet, operetka). Dramaturgia muzyczna opiera się na ogólnych prawach dramatu jako jednej z form sztuki: obecności wyraźnego konfliktu centralnego, objawiającego się w walce sił akcji i reakcji; pewna sekwencja etapów rozwoju koncepcji dramatycznej (ekspozycja, fabuła, rozwój, punkt kulminacyjny, rozwiązanie). Te ogólne wzorce znajdują swoiste odbicie w każdym z typów sztuki muzycznej i dramatycznej, zgodnie z naturą ich środków wyrazu, a rola muzyki wyznacza szereg cech ich kompozycji, odmiennych od konstrukcji dramatu literackiego.
W trakcie rozwoju historycznego wyłoniły się pewne formy, które służą ucieleśnieniu akcji scenicznej: w operze - recytatyw, aria, arioso, zespoły, chóry. Balet obejmuje tańce klasyczne i charakterystyczne oraz zespoły. Formy te nie pozostają niezmienne. Tym samym dramaturgię operową wzbogacają pewne techniki rozwoju symfonicznego (motywy przewodnie itp.). W utworach gatunków muzycznych i scenicznych widoczne są oznaki wariacji, podobieństwa do ronda i sonaty.
Pojęcie dramaturgii odnosi się także do dzieł muzyki instrumentalnej. Zatem dramaturgia jest jedną ze specyficznych form symfonizmu (ponieważ metoda symfonizmu jest niczym innym jak metodą dramatycznego rozwoju tematyzmu).
Gatunki muzyczne i zasady ich klasyfikacji
Rola gatunku jest istotna w ujawnianiu treści dzieła muzycznego. Gatunek ten z reguły odnosi się do społecznej roli muzyki, warunków bytu i warunków środków wykonawczych. Gatunki to historycznie ustalone typy, rodzaje i odmiany dzieł muzycznych, które łączy się i różnicuje według szeregu cech.
W muzykologii rosyjskiej problematykę gatunku zajmowali się V. Zuckerman i A. Sokhor. Zuckerman rozróżnia gatunki ze względu na charakter treści – liryczne, narracyjno-epopetyczne, motoryczne, obrazkowe. Sokhor różnicuje gatunki ze względu na warunki wykonania i istnienia - codzienne (codzienne), masowe - codzienne, koncertowe, teatralne. Jest to najogólniejsza klasyfikacja gatunków, w obrębie której można dokonać podziałów (Bobrovsky określa je mianem „gatunków wtórnych”).
Gatunki można również podzielić na proste i złożone. Proste - piosenka, taniec, marsz. Dzielą się także na mniejsze (pieśni – robotnicze, liryczne itp. Marsze – pogrzebowe, wojskowe itp.). Gatunki proste nazywane są inaczej gatunkami codziennymi, co podkreśla ich cel użytkowy. Złożone gatunki można usystematyzować według środków wykonawczych:
1) gatunki instrumentalne – muzyka symfoniczna, kameralna, solowa
2) gatunki wokalne – chóralna, zespołowa, solowa z akompaniamentem
3) mieszane gatunki instrumentalne i wokalne – kantaty, oratoria
4) gatunki teatralne – opery, balety, operetki itp.
Styl muzyczny
Styl muzyczny (od łacińskiego „rysik” – kij do pisania, czyli sposób prezentacji) to koncepcja estetyki i historii sztuki, która oddaje systematyczność środków wyrazu. W estetyce kategoria stylu pojawiła się pod koniec XVI wieku w związku ze zróżnicowaniem muzyki profesjonalnej, wcześniej przeważnie kultowej. W XVII wieku styl oznaczał cechy gatunku i szkół narodowych. Od XVII wieku dodano szersze znaczenie - styl epoki historycznej (styl polifoniczny i nowy styl - homofoniczno-harmoniczny). W XIX wieku pojęcie stylu nabrało wąskiego znaczenia - indywidualnego stylu pisania kompozytora. W XX wieku, ze względu na niekiedy ostre różnice pomiędzy poszczególnymi etapami twórczości jednego kompozytora, styl wyznacza dowolny okres twórczości autora lub odrębne dzieło.
Pojęcie stylu muzycznego ma znaczenie wartościujące, wskazując na jedność, organiczne powiązanie środków wyrazu dzieła, związek między tradycją a nowatorstwem w języku indywidualnego kompozytora.
Forma muzyczna
Pojęcie „formy” w muzyce ma kilka znaczeń:
1) jako kategoria estetyczna i filozoficzna, to znaczy muzyczne ucieleśnienie treści lub holistyczna organizacja środków muzycznej ekspresji (melodia, harmonia, rytm, barwa itp.) mająca na celu ucieleśnienie treści. Jest to forma w najszerszym tego słowa znaczeniu.
2) jako koncepcja muzyczna, to znaczy rodzaj kompozycji, schemat formy według Asafiewa, forma kompozycji (na przykład forma sonatowa, fuga itp.).
3) jako indywidualny, niepowtarzalny wygląd utworu muzycznego. Asafiew: „Istnieje tylko jeden schemat sonatowy, ale form jego przejawów jest tyle, ile samych form sonatowych”.
Celem artykułu jest zapoznanie czytelników z różnymi współczesnymi gatunkami muzycznymi oraz środkami muzycznymi, którymi posługują się kompozytorzy tworząc dzieła mieszczące się w określonym stylu. Umiejętność poruszania się po gatunkach i podgatunkach muzycznych jest jedną z pierwszych oznak profesjonalizmu, dlatego ten artykuł zainteresuje wszystkich, którzy już weszli na ścieżkę doskonalenia w dziedzinie muzyki.
Większość krytyków dzieli współczesne gatunki muzyczne na trzy główne kierunki: pop, rock i rap, które z kolei są zakorzenione we wcześniejszych stylach i dały początek wielu własnym odgałęzieniom.
Muzyka pop to współczesna muzyka popularna. To bardzo szerokie pojęcie, które obejmuje wiele gatunków takich jak disco, trance, house, techno, funk, nowa fala i inne. Zatrzymajmy się i przyjrzyjmy się cechom każdego z nich.
- Dyskoteka. Jeszcze niedawno był to najpopularniejszy gatunek muzyki dance-pop. Charakteryzuje się bogactwem efektów, wiodącą rolą sekcji rytmicznej perkusji i basu, a także wtórnym, podkładowym brzmieniem smyczków i instrumentów dętych.
- Trans. Należy do jednego z gatunków muzyki elektronicznej i charakteryzuje się dużym wpływem emocjonalnym na słuchacza. Efekt ten uzyskano poprzez zastosowanie smutnych, „kosmicznych” melodii.
- Dom. Tak nazywa się taniec, muzyka całkowicie elektroniczna. Głównym i jedynym instrumentem jest syntezator. Charakterystyczną cechą tego gatunku jest obecność zapętlonych fraz muzycznych i melodii solowych. Efekty są szeroko stosowane.
- Techno. Jednym zdaniem można powiedzieć tak: futurystyczna muzyka wielkiego miasta. Elementy techno obejmują fantastyczne melodie, mroczne, metaliczne brzmienie i „zimny” wokal pozbawiony emocji.
- Boj. Jeden z gatunków tańca, który charakteryzuje się wyraźnie określoną dominacją perkusistów nad wszystkimi pozostałymi instrumentami, niską melodią i „niechlujnym” rytmem.
- Nowa fala. Gatunek muzyki popularnej, który wyewoluował z punk rocka i wykorzystuje te same środki muzyczne.
Głaz jako gatunek niezależny, ma swoje korzenie w „czarnym” amerykańskim bluesie, który pojawił się w latach 20. i 30. XX wieku. Tradycyjny blues składa się z 12 taktów, czyli odcinków kompozycji składającej się z kilku nut, z których pierwsza ma akcent lub akcent. Do głównego zestawu narzędzi blues obejmuje kontrabas lub bas wyznaczający rytm, gitarę prowadzącą, perkusję, często instrumenty klawiszowe i instrumenty dęte. Mówiąc dokładniej, rock wyłonił się z gałęzi tego gatunku - gitarowego bluesa, który miał już znacznie mniej klawiszy i instrumentów dętych.
Wygląd głaz I rock and rolla, koncepcje często utożsamiane z muzykami takimi jak Elvis Presley i Beatles. Tego pierwszego można nazwać popularyzatorem tego gatunku, z kolei Beatlesi to ci, którzy rock zamienili w sztukę.
Muzycznie rock pozostał praktycznie tym samym bluesem, ale ich treść semantyczna jest inna: rock to muzyka protestu przeciwko społeczeństwu, rządowi lub czemuś innemu.
Rock ma wiele podgatunków, z których najważniejsze to soft rock, hard rock, pop rock, folk rock, punk rock, rock psychodeliczny, heavy metal i thrash.
- Hard Rock. Dosłownie tłumaczy się to jako „ciężki, twardy”. Ten styl nie bez powodu ma taką nazwę, ponieważ jego brzmienie odpowiada temu, jak się go nazywa. Ciężkość w hard rocku osiągana jest poprzez dominujące brzmienie głośnej i mocnej sekcji rytmicznej nad resztą instrumentów. W większości przypadków perkusja, bas czy gitara rytmiczna są „cięższe”. Efekty overdrive i zniekształcenia są często używane w hard rocku.
- Pop rock. Popularny rock. Styl ten jest dobrze wyważony, wykorzystujący wszelkiego rodzaju efekty i popularne aranżacje. Pop rock obejmuje każdą muzykę rockową przeznaczoną dla szerokiego grona słuchaczy.
- Folk rock. To muzyka rockowa z elementami muzyki ludowej.
- Punk rocka. Do tego gatunku należy muzyka szorstka, często nieprofesjonalna, ale wyrazista, którą charakteryzują proste, bezpretensjonalne, ale szokujące melodie.
- Rock psychodeliczny. Złożona, niekonwencjonalna muzyka, pełna różnorodnych efektów. Ta muzyka wywiera duży wpływ emocjonalny na słuchacza.
- Ciężkiego metalu nazywana jest surową muzyką metalową, która często jest nieharmonijna. Daleko jej do zwykłych standardów.
- Prać. To bardzo trudny gatunek, który charakteryzuje się złożonością i ciągłością melodii, a także improwizacją.
Kuks jak gatunek ten wyewoluował z muzyki tanecznej. Cechy charakterystyczne: nierówny rytm, złożone eksperymenty z perkusistami, obecność zapętlonych fragmentów muzycznych. Jedną z głównych cech rapu jest brak wokalu, który zastępuje się recytatywem. Rap czyta się jak poezję, a nie śpiewa. Głównymi instrumentami są perkusja i złożony bas, który często gra solo. Muzycy rapowi często wykorzystują efekt zarysowania - skrzypienie płyt winylowych.
Najprawdopodobniej rap wywodzi się z reggae- styl tańca wywodzący się z Jamajki. Te dwa style mają ze sobą wiele wspólnego: ten sam nierówny, poszarpany rytm, obecność zapętlonych fragmentów muzycznych i skomplikowany perkusista.
Styl w muzyce. Klasyfikacja gatunków muzycznych
Temat 1.3. Gatunki sztuki muzycznej
Cel: zapoznanie ze stylem w muzyce, klasyfikacja gatunków muzycznych.
1. STYL W MUZYCE
Słowo „styl” ma pochodzenie łacińskie i w tłumaczeniu oznacza sposób prezentacji, sposób mówienia. Styl w muzyce nazywa się sumą wszystkich zastosowanych w niej elementów i technik, jej „ostateczną” formą. Style są zwykle klasyfikowane według kompozytora i epoki.
Styl oznacza:
Trwała jedność figuratywnych zasad ruchów artystycznych różnych epok historycznych;
Cechy charakterystyczne zarówno odrębnego utworu, jak i gatunku jako całości;
Styl twórczy poszczególnych kompozytorów.
Styl w muzyce zakłada wspólność dzieł sztuki muzycznej z charakterystycznymi cechami dzieł innych rodzajów sztuki danego okresu historycznego: baroku, klasycyzmu, romantyzmu, impresjonizmu, ekspresjonizmu itp.
Barokowy(włoski barocco – fantazyjny, pretensjonalny, dziwny) – styl, który dominował w sztuce od końca XVI do pierwszej połowy XVIII wieku. Barok odzwierciedlał wewnętrzne sprzeczności epoki w związku z reakcją feudalno-katolicką i aktywnym powstaniem sił postępowych. Wiodącą pozycją gatunkową jest fuga, kantata, oratorium, opera, pojawienie się gatunków instrumentalnych sonata i koncert. Najwybitniejszymi przedstawicielami epoki baroku byli A. Vivaldi, J. S. Bach i G. F. Handel.
Klasycyzm(z łac. classicus – wzorowy) – styl w sztuce XVII – XVIII wieku. Ideałami klasycyzmu były idee filozofii racjonalizmu - wiara w racjonalność istnienia, istnienie uniwersalnego porządku i harmonię natury ludzkiej.
Najwyższym etapem klasycyzmu był wiedeńska szkoła klasyczna – ruch artystyczny w europejskiej kulturze muzycznej XVIII – początków XIX wieku, do którego należą J. Haydn, W.A. Mozart i L. van Beethoven. Każdy z nich był bystrą indywidualnością: styl Haydna to jasny światopogląd, wiodącą rolę odgrywają elementy gatunkowe i codzienne; Mozart ma początek liryczno-dramatyczny; Beethoven jest ucieleśnieniem heroicznego patosu walki.
Romantyzm(z Francuski Romantyzm) to ruch artystyczny przełomu XVIII i XIX wieku. Cechy kierunku w sztuce muzycznej to jasny indywidualny, osobisty początek, odzwierciedlenie życia emocjonalnego człowieka, duchowa wzniosłość, zainteresowanie sztuką ludową, zaprzeczenie bezduszności, reliefowe obrazy, fantastyczna wizja świata. Zasada liryczna determinowała pragnienie romantyków nieskończonego rozwoju muzycznego, a także zainteresowanie kompozytorów formami kameralnymi (wiersze, ballady, fantazje).
Wybitni przedstawiciele romantyzmu w muzyce: F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, R. Wagner, J. Brahms, F. Liszt, F. Chopin, N. Paganini i inni.
Impresjonizm(z Francuski wrażenie - wrażenie) powstało w Europie Zachodniej w ostatniej ćwierci XIX - początku XX wieku. Cechami charakterystycznymi są chęć ucieleśnienia ulotnych wrażeń, inspirowanych pejzaży, niuansów psychologicznych, tworzenia barwnych szkiców gatunkowych i portretów muzycznych.
Klasycznym wyrazem impresjonizmu w muzyce jest twórczość francuskich kompozytorów C. Debussy'ego i M. Ravela.
Realizm(od późn. łac. realis – materialny, realny) – twórcza metoda w sztuce, zakładająca prawdziwe i wieloaspektowe odzwierciedlenie rzeczywistości w powiązaniu z oczywistym stanowiskiem autora, typizowanie postaci i okoliczności, zainteresowanie problemem wartości jednostki w społeczeństwo.
W twórczości kompozytorów zachodnioeuropejskich drugiej połowy XIX wieku realizm znalazł swoje odzwierciedlenie w twórczości J. Bizeta, G. Verdiego, I. Brahmsa, F. Liszta i innych.
Założycielem realistycznej szkoły muzyki rosyjskiej był M. I. Glinka, którego tradycje rozwinęły się w twórczości A. S. Dargomyżskiego, A. P. Borodina, M. P. Musorgskiego, N. A. Rimski-Korsakow, P.I. Czajkowski, S.V. Rachmaninowa i inni.
W muzyce XX wieku realizm rozwinął się dalej w twórczości S.S. Prokofiewa, D.D. Szostakowicza, A.I. Chaczaturiana, G.V. Sviridova, R.K. Shchedrina i innych.
Ekspresjonizm(z łac. expressis – ekspresja) to ruch w sztuce europejskiej pierwszej ćwierci XX wieku, który opiera się na tragicznym światopoglądzie ludzkości w przededniu i podczas I wojny światowej oraz w latach powojennych. Ekspresjonizm jest protestem przeciwko absurdalności świata i upokorzeniu człowieka.
Przedstawicielami ruchu ekspresjonistycznego w muzyce są A. Schoenberg, A. Berg, B. Bartok i inni.
2. KLASYFIKACJA GATUNKÓW MUZYCZNYCH
Gatunek muzyczny (od łac. rodzaj - rodzaj, gatunek) jest jednym z najważniejszych środków artystycznej generalizacji. Gatunki muzyczne, będące pojęciem wielowartościowym, charakteryzują historycznie ustalone typy i typy dzieł muzycznych w powiązaniu z ich pochodzeniem, przeznaczeniem, metodą, warunkami wykonania i odbioru, a także cechami treści i formy.
Przez pochodzenie i cel życia Gatunki dzielą się na gatunki codziennego użytku i gatunki, które nie pełnią określonych funkcji życiowych. Do gatunków codziennych (pierwotnych), w zależności od funkcji, jakie pełni muzyka w różnych sytuacjach codziennych, zawodowych i rytualnych, zalicza się m.in. piosenka, taniec, marsz . Gatunki drugorzędne ( opera, symfonia, balet itp.), w przeciwieństwie do pierwotnych, są zdeterminowane autonomią twórczości. Jednocześnie wtórne gatunki muzyczne są genetycznie powiązane z pierwotnymi, podobnie jak modele skojarzeniowe treści.
Przez sposób i warunki życia Gatunki muzyczne dzielą się na izba I koncert . Gatunki kameralne (kwartety, tria, sonaty, romanse, sztuki teatralne) ze względu na praktykę odtwarzania muzyki w środowisku domowym; gatunki koncertowe (koncerty na instrumenty solowe z orkiestrą) z ich wirtuozerią – przeznaczone do wykonań koncertowych.
Przez skład wykonawców i sposób wykonania Gatunki muzyczne dzielą się na wokal I instrumentalny . Gatunki wokalne z kolei umownie dzieli się na solowe ( piosenka, romans, aria), zespół i chór. W zależności od uczestników wykonania wyróżnia się gatunki czysto wokalne i wokalno-instrumentalne. Wokalno-instrumentalny dzieli się na kameralny (utwór wokalny z towarzyszeniem jednego lub większej liczby instrumentów) i orkiestrowy. Orkiestrowe obejmują oratoria, msze, requiem.
Gatunki instrumentalne obejmują solo (ballada, wiersz, miniatura liryczna), ensemble (kwartet, sonata na instrument solowy z akompaniamentem) i orkiestrową (symfonie, koncerty, uwertury).
Piosenka(z łac. cantus) to najpowszechniejszy gatunek wokalnej muzyki ludowej i profesjonalnej, opierający się na relacji muzyki z obrazami poetyckimi. Z reguły piosenka ma formę wiersza. Istnieje wiele klasyfikacji utworów z gatunku pieśni - według treści (kołysanki, liryczne, taneczne, historyczne itp.), pochodzenia i sfery istnienia (miejskie, chłopskie), kompozycji (jednogłosowe i polifoniczne), form wykonawstwa (solowego i chóralnego, z towarzyszeniem i bez niego).
Taniec(z Niemiecki Tanz) to rodzaj sztuki, którego głównym środkiem kreowania obrazu artystycznego jest ruch.
Historia tańca sięga tysięcy lat. W początkowej fazie swego powstawania taniec istniał w formie synkretycznej – jako jedność śpiewu, tańca i akompaniamentu dźwiękowego. W starożytnych Indiach taniec rozumiany był jako odsłanianie istoty rzeczy. W starożytnej Grecji taniec był czczony jako środek uszlachetniający człowieka. W krajach średniowiecznej Europy i Rusi taniec nie był uznawany za moralność chrześcijańską, choć nadal istniał wśród ludu.
Gawot(z Francuski gawot) – taniec umiarkowany pochodzenia francuskiego; taniec gawotów, mieszkańców regionu Francji.
Menuet(z Francuski menu pas – mały krok) to taniec pochodzenia francuskiego.
Mazurek(dokładniej – Mazur od imion mieszkańców Mazowsza – Mazur) – szybki taniec na trzy takty z charakterystycznym przesunięciem akcentu na drugi, czasem trzeci takt.
Polonez(z Francuski polonez – „taniec chodzący”, taniec-rzecz) to taniec polski o charakterze obrzędowym, początkowo wiejski taniec ludowy, później otwierający bale dworskie.
Krakowiaka- dwustronny taniec polski wywodzący się z województwa krakowskiego.
Walc(z Niemiecki Walzen – wirowanie w tańcu) – taniec płynny, polegający na płynnym krążeniu połączonym z ruchem do przodu; powstały na bazie tańców austriackich, czeskich i niemieckich.
Polka(z Czech polka - pół kroku, pół) to żywy i prosty taniec czeski.
Hallinga(od nazwy doliny w południowo-zachodniej Norwegii) to norweski, umiarkowany taniec męski.
Kamarynska- Rosyjska piosenka i taniec ludowy (głównie męski), taniec powidokowy, głównie o charakterze komicznym. Metrum muzyczne to 2/4, czasem 3/4.
Trepak- Rosyjski taniec ludowy, szybki, żwawy, klarowny rytmicznie, z efektownym tupaniem. Główne postacie improwizowane są przez tancerzy, wykazujących się zręcznością i pomysłowością; rozmiar 2/4.
Gopak(od ukraińskiego gop - okrzyk wydawany podczas tańca; stąd czasowniki gopati - tupanie, gopkati - skakanie) - ukraiński taniec ludowy, szybki, porywczy; mężczyźni improwizują skomplikowane figury, w tym skoki wzwyż, rywalizując w zwinności; rozmiar 2/4.
Bulba(białorusko – ziemniak) – współczesna białoruska piosenka tańca ludowego. Śpiewane i tańczone przez dziewczęta w stylu polki ludowej. Tempo jest żywe, dziarskie, dwutaktowe.
Czapka(z białoruskiego kryża, polskiego krzyża), pieśni i tańca ludowego na Białorusi i w Polsce. Metrum muzyczne to 2/4 i 4/4.
Lezginka- taniec ludowy Lezginów mieszkających w Dagestanie. Obecnie jest powszechny wśród prawie wszystkich ludów Kaukazu (Gruzini, Kabardyjczycy, Osetyjczycy, Inguszowie, Czeczeni itp.).
W XX wieku stały się popularne rumba(taniec afroamerykański w rytmie dwóch taktów, z ostro synkopowanym rytmem i akcentami na słabych uderzeniach taktu), fokstrot(z język angielski lis – lis i kłus – krok szybki, taniec salonowy w tempie umiarkowanie szybkim, w rytmie marszowym), Czarleston(taniec towarzyski wywodzący się z Charleston, rodzaj fokstrota), sambę(aktywny taniec brazylijski pochodzenia miejskiego) itp.
Marsz(z Francuski marche – procesja, ruch do przodu) to gatunek muzyczny, którego charakterystycznymi cechami są ścisłe, miarowe tempo, wyraźny rytm. Odmiany marca: wojskowy, sportowy, żałobny. Marsz poza swym praktycznym znaczeniem jest gatunkiem muzyki scenicznej (Marsz Czernomora z opery „Rusłan i Ludmiła” M.I. Glinki, Marsz z baletu „Dziadek do orzechów” P.I. Czajkowskiego) i muzyki koncertowej („Marsz Drewniani żołnierze” z „Albumu dla dzieci” P.I. Czajkowskiego).
Muzyka jest integralną częścią życia większości ludzi. Dzieł muzycznych słucha się we wszystkich zakątkach naszej planety, nawet w tych najbardziej odległych. Pomimo ogromnej popularności i znaczenia tego kierunku artystycznego, wiele osób nie zastanawia się, jakie rodzaje sztuki istnieją. style i gatunki muzyczne. W artykule przyjrzymy się TOP 10 trendom muzycznym, które do dziś nie straciły na popularności.
Ze względu na różnorodność gatunków wielu z Was zastanawia się: jakie są rodzaje muzyki? Staraliśmy się odpowiedzieć na Twoje pytanie i uporządkować główne style muzyczne w oddzielną listę, która zdaniem ekspertów, mimo wielu lat, zawsze będzie popularna.
1 Muzyka popowa
Ten styl jest nowoczesny kierunek muzyki. Gatunek ten charakteryzuje się prostotą, ciekawymi partiami instrumentalnymi i wyczuciem rytmu, przy czym wokal nie jest głównym tematem. Główną i prawie jedyną formą kompozycji muzycznej jest piosenka. „Pop” obejmuje charakterystyczne cechy europopu, muzyki latynoskiej, synthpopu, muzyki tanecznej itp.
Eksperci muzyczni podkreślają następujące cechy muzyki pop:
- konserwatywny schemat budowy piosenek „zwrotki + refreny”;
- prostota i łatwość percepcji melodii;
- głównym instrumentem jest głos ludzki, akompaniament odgrywa rolę drugorzędną;
- Ważną rolę odgrywa struktura rytmiczna: większość utworów jest przeznaczona do tańca, dlatego wyróżnia się wyraźnym, niezmiennym rytmem;
- długość utworów wynosi średnio od 3 do 5 minut, co w pełni odpowiada formatowi współczesnych stacji radiowych;
- teksty piosenek są zazwyczaj poświęcone osobistym emocjom i doświadczeniom (miłości, smutkowi, radości itp.);
- Ogromne znaczenie ma wizualna prezentacja prac.
2 Głaz
Jak sama nazwa wskazuje (rock – „pompować”), to gatunek muzyki charakteryzuje się rytmicznymi wrażeniami związanymi z określonym ruchem. Niektóre cechy kompozycji rockowych (elektryczne instrumenty muzyczne, samowystarczalność twórcza itp.) mają charakter drugorzędny, dlatego wiele style muzyczne błędnie przypisywany rockowi. Z tym kierunkiem muzycznym związane są różne subkultury: punki, hipisi, metalowcy, emo, goci itp.
Rock dzieli się na kilka kierunków czy stylów, począwszy od „lekkich” dzieł dance rock and rolla, pop rocka i britpopu, po brutalny i agresywny death metal i grindcore. Gatunek ten charakteryzuje się „ekspresją muzyczną”, w szczególności zwiększoną dynamiką (głośnością) wykonania (niektóre kompozycje wykonywane są przy 120-155 dB).
Zespoły rockowe zazwyczaj składają się z wokalisty, gitarzysty (grającego na gitarze elektrycznej), basisty i perkusisty (czasami klawiszowca). Sekcja rytmiczna składa się z gitary basowej, perkusji i gitary rytmicznej (nie zawsze).
3 Hip hop
Ten kierunek muzyczny składa się z kilku gatunków: od „lekkich” (pop-rap) po agresywne (hardcore, horrorcore). Teksty piosenek mogą mieć także różną treść – od lekkich i swobodnych (wspomnienia z dzieciństwa, młodości itp.) po złożone problemy społeczne.
Hip-hop opiera się na takich stylach jak funk, jazz, reggae, soul oraz rytm i blues. Dość często hip-hop jest mylony z rapem, co jest zasadniczo błędne. RAP to recytatywne wykonanie utworów muzycznych, podczas gdy hip-hop może w ogóle nie mieć recytatywu. W ZSRR to styl muzyczny pojawił się w latach 80-tych.
Istnieją następujące podgatunki hip-hopu:
- stara szkoła: stosunkowo uproszczony recytatyw, linie o jednakowej długości, stały kierunek rytmu i uderzeń;
- nowa szkoła: stosunkowo krótkie utwory, motywy bardziej uduchowione (w kierunku muzyki pop);
- gangsta rap: piosenki o ciężkim życiu, chuligaństwie, przestępczości itp.;
- hip-hop polityczny: teksty nawołują do działań antyspołecznych, jednoczących społeczeństwo w celu rozwiązania różnych zagrożeń wewnętrznych i zewnętrznych;
- alternatywny hip-hop: kierunek ten opiera się na stylach funk, jazz, pop rock, soul, a kompozycje stanowią połączenie muzyki z recytatywem;
- g-funk: ten styl łączy melodie g-funkowe i głębokie funkowe basy (syntezatorowe wypełnienie, subtelne brzmienie fletu i recytatyw), rozcieńczone męskim lub żeńskim chórkiem;
- horrorcore: ten kierunek wyróżnia się największą „sztywnością” i brutalnością utworów;
- południowy hip-hop: ten styl ma południowe motywy z krajów Afryki i Ameryki Łacińskiej;
- Grime: charakteryzuje się mroczną atmosferą utworu, dudniącym basem i szybkim, agresywnym rapem.
4 KUKS
RAP to rytmiczny recytatyw, który zwykle czyta się do rytmu. Wykonawcami takich kompozycji są raperzy lub MC. RAP jest jednym z głównych elementów hip-hopu. Ale ten styl jest również używany w innych gatunkach (drum and bass, muzyka pop, rock, rapcore, nu metal itp.).
Pochodzenie słowa „REP” opiera się na angielskim „rap” (uderzenia, uderzenia) i „rap” (mówić).
Muzyka RAP jest dość różnorodna. Kompozycje mogą być proste, ale jednocześnie ciekawe i melodyjne. Opierają się na rytmie - rytmie piosenek. Często w każdym takcie jest pewien nacisk na klaskanie (klaśnięcie), werbel (wyraźne i krótkie uderzenie perkusji), perkusję (gwizdki, łańcuchy itp.) lub bęben basowy.
Klawiatury, instrumenty dęte i dźwięki komputerowe są zwykle używane jako instrumenty muzyczne.
5 R&B
R&B (rhythm and blues) odnosi się do pieśni i tańca gatunek muzyki. Styl ten opiera się na trendach bluesowych i jazzowych pierwszej połowy XX wieku. Cechą charakterystyczną gatunku są motywy taneczne, które zachęcają słuchaczy do niekontrolowanego tańca.
W stylu R&B dominują wesołe melodie, które nie niosą ze sobą żadnych szczególnych wątków filozoficznych czy myślowych.
Wielu znawców muzyki rytm i blues kojarzy się z czarnymi ludźmi, gdyż opiera się on na wszystkich „czarnych” gatunkach, z wyjątkiem motywów klasycznych i religijnych.
6
Ten ruch muzyczny powstał pod koniec XIX wieku w USA. Ten styl muzyczny łączy w sobie kultury afrykańskie i europejskie.
Cechami charakterystycznymi tego kierunku są improwizacja, wyrafinowany rytm (synkopowane figury) oraz unikalne techniki faktur rytmicznych.
Jazz to także muzyka taneczna. Kompozycje są radosne, dodają żywotności i dobrego nastroju. Ale w przeciwieństwie do R&B, melodie jazzowe są spokojniejsze.
7 Muzyka instrumentalna
Kompozycje tego style muzyczne wykonywane są przy pomocy instrumentów muzycznych, a głos ludzki nie bierze w tym żadnego udziału. IM może występować solo, w zespole i z orkiestrą.
Muzyka instrumentalna to jeden z najlepszych stylów tła. Melodie oparte na żywych instrumentach i współczesnych przebojach idealnie sprawdzają się w cichych stacjach radiowych, a ich słuchanie wnosi harmonię podczas pracy i relaksu.
8 muzyka ludowa
Dość popularnym stylem jest także muzyka ludowa, która należy do folkloru muzycznego. Kompozycje reprezentują muzyczne i poetyckie idee twórcze ludzi, przekazywane z pokolenia na pokolenie. Tradycyjne melodie są zwykle tworzone przez ludność wiejską. Ten kierunek muzyczny znaczący kontrast w stosunku do śpiewu popularnego i akademickiego.
Teksty opierają się na różnych motywach, począwszy od ciepłych relacji miłosnych po straszne i straszne wydarzenia militarne.
9 Elektro
Muzyka elektroniczna to dość szeroki gatunek, którego melodie tworzone są przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych i technologii komputerowej. Styl ten ma różne kierunki, począwszy od eksperymentalnych piosenek akademickich po popularne elektroniczne utwory taneczne.
Muzyka elektroniczna łączy w sobie dźwięki generowane przez technologie elektroniczne i elektromechaniczne instrumenty muzyczne (telharmonium, organy Hammonda, gitara elektryczna, Theremin i syntezator).
10 Muzyka transowa
Trance to rodzaj muzyki elektronicznej charakteryzujący się sztucznym brzmieniem, naciskiem na partie harmoniczne i barwy oraz stosunkowo szybkim tempem (120 do 150 uderzeń na minutę). Trance jest zwykle używany podczas różnych wydarzeń tanecznych.
Jeśli zaczniemy kontynuować tę listę, będzie ona nieskończona, ponieważ z roku na rok pojawiają się setki różnych stylów i podstylów. Chcieliśmy również zaznaczyć, że na naszej liście nie znalazły się takie style muzyczne jak:
- dyskoteka
- techno
- kraj
- salonik
- trans
Będzie nam miło, jeśli zostawisz komentarz i dodasz do prezentowanej listy!
