Rok powstania: 1889.
Typ: Olej na płótnie.
Wymiary: 71*93 cm.
Lokalizacja: Muzeum Getty'ego, Kalifornia, USA.

Irysy

Obraz „Irysy” namalowany przez słynnego holenderskiego artystę Vincenta Van Gogha w 1889 roku. Obraz ten powstał na rok przed śmiercią wielkiego artysty. Kiedy malował ten obraz, przebywał w szpitalu psychiatrycznym, który znajdował się obok Saint-Rémy-de-Provence, wtedy nie miał już szans na wyzdrowienie. Był pod stałą kontrolą lekarzy kliniki, gdyż często miewał ataki agresji.

Opis

Obraz ten bardzo różni się od dzieł, które stworzył wcześniej. Być może przyczyną tej zmiany stylu była choroba psychiczna artysty. Nie jest to styl, do którego wszyscy są przyzwyczajeni w obrazach van Gogh. W tej pracy nie ma napięcia, przygnębienia i ponurych odcieni, które wywoływały smutek i złe myśli. Wręcz przeciwnie, obraz ten zawiera w sobie światło, lekkość i czystość. Stylowo obraz ten można zaliczyć do serii motywów japońskich, na podstawie których Van Gogh namalował kilka obrazów.

Kwitnące gałęzie migdałów

Obraz „Irysy” przedstawia niewielką część łąki, na której rosną wyłącznie kwiaty. Oprócz irysów są tu inne kwiaty, ale irysy nadal zajmują główną pozycję, dlatego obraz ma swoją nazwę. Obraz przedstawia rośliny z niezwykłej perspektywy, kwiaty wypełniają niemal całą przestrzeń obrazu. Obraz nie wygląda na animowany, jest zamrożony. Kompozycja obrazu sprawia, że ​​oko mimowolnie przesuwa się w lewy górny róg. Na tym obrazie panuje niezwykła symetria, ziemia połączona jest z kwiatami w lewym górnym rogu obrazu, a jasne irysy leżą na linii środkowej obrazu.

Technika

Technika malowania irysów nosi ślady malarstwa japońskiego. Cienkie linie świetlne, wypełniające poszczególne elementy obrazu jednym kolorem. Ale nie cały obraz jest wykonany w tym stylu, niektóre szczegóły nadal można przypisać impresjonizmowi. Ale połączenie tych dwóch stylów nie ma negatywnego wpływu na obraz, a wręcz przeciwnie, sprawia, że ​​obraz jest jeszcze piękniejszy i niezwykły.

Malarstwo „Irysy”, Van Gogh. aktualizacja: 25 października 2017 r. przez: Walentyna

Francuski krytyk sztuki Octave Mirbeau zapłacił kiedyś 300 franków za obraz przedstawiający niezwykły kwietnik z kwitnącymi irysami. W 1987 roku to samo płótno w Sotheby's wyceniono już na prawie 54 miliony dolarów. Alan Bond próbował kupić Irysy, ale nie miał pieniędzy na sfinalizowanie transakcji. Do gry wkroczyło Muzeum Getty'ego w Los Angeles, kupując obraz w 1990 roku. Instytucja kultury wiele zyskała, bo teraz każdy może podziwiać jeden z najbardziej tajemniczych obrazów holenderskiego artysty.

„Piorunochron na chorobę” (choroba afektywna dwubiegunowa), jak sam nazwał obraz Van Gogh, nie wpisuje się tak bardzo w jego styl artystyczny, że wciąż zadziwia widzów. Nie ma tu grubych i żrących, wręcz trujących odcieni - „Irysy” wypełnione są zwiewną miękkością pasteli. A nawet dziwne jest, że płótno zostało namalowane w 1889 roku, kiedy malarz przebywał na leczeniu w Saint-Rémy-de-Provence. Jest ona tak dziwna i tajemnicza, że ​​napisał ją na rok przed śmiercią. Samotność i wyjątkowa architektura francuskich wiosek natchnęła go spokojem, który stał się lekarstwem na jego chorobę. Irysy, jak wiadomo z francuskiego folkloru, oznaczają przebudzenie natury i zmartwychwstanie wszystkiego, co martwe, ponieważ Van Gogh zauważył, że kiedy malował, choroba ustąpiła. Obraz powstał z nieopisaną kunsztem wirtuoza grającego swój ostatni koncert.

W „Irysach” wyraźnie widać wpływ japońskiego ukiyo-e, eleganckich rycin przedstawiających zarysowane obiekty ukazane pod nietypowym kątem. Narysowano ich szczegóły, a niektóre części rycin wypełniono surrealistycznym, pozaziemskim blaskiem. Pole tęczówki jest pełne takiego spokoju, takiej lekkości i przejrzystości, że wydaje się, że to wcale nie jest Van Gogh. „Irysy” są proste i niepowtarzalne, zadziwiają spokojem i umiejętnością rozładowania wewnętrznego napięcia u każdego, kto choć raz widział reprodukcję. Obraz po prostu tchnie akwarelą, półprzezroczystością i sprawia, że ​​patrzy się na niego dłużej niż godzinę.

Perspektywa na płótnie jest jednak niezwykła nawet dla Van Gogha. Prosty pejzaż - kwiaty i krzak przypominają to, co mogło zobaczyć i dostrzec małe dziecko lub osoba przykucnięta na ziemi. Cała przestrzeń obrazu pokryta jest irysami, jedynie żółtozielona trawa daje lekką wskazówkę, że trawnik ma kontynuację. Czerwono-pomarańczowa gleba zdaje się powtarzać odcienie kwiatów w kwietniku. Wydaje się, że taka dysproporcja będzie trwać w nieskończoność, jednak pojedyncza biała tęczówka równoważy cały obraz, tworząc jego harmonię.

Co ciekawe, „Irysy” nie są statycznym, zamrożonym obrazem, ale płótnem o swoistym, van Goghowskim ruchu, skonstruowanym tak, że trzeba na nie patrzeć dokładnie po przekątnej – od lewej do góry. Asymetria i dysproporcja utworu jest wręcz ostentacyjna: podłoże w prawym dolnym rogu równoważą pomarańczowe i żółte kwiaty na maczudze. Przejrzystość poziomego obrazu utrzymują białe i bladoniebieskie tęczówki.

Warto zauważyć, że wpływ rycin japońskich nie jest w pełni odzwierciedlony w obrazie. Zawiera te same wdzięczne cienkie linie ukiyo-e, niesamowicie splecione z impresjonistycznymi przejściami i półtonami. Co więcej, taka mieszanka stylów u Van Gogha nie jest surowa, ale raczej harmonijna, co nadaje obrazowi wyjątkowości i atrakcyjnego uroku. Dzięki tej syntezie wyrafinowania Wschodu i wolnomyślicielstwa Europy artysta był w stanie oddać świeżość irysów i ich wyrazisty kolor.

Miesza odcienie w specyficzny sposób, jakby się nimi bawił. Miękki, okrągły kształt irysów nawiązuje do pomarańczowych kwiatów i gładkich konturów liści. Kolorystyka samych tęczówek przypomina kolorowe, uspokajające fale, płynnie przechodzące w siebie. Ich wyjątkowa energia tworzy kruchość, lekkość i zwiewność projektu.

„Irysy” nie mają tła, są tylko ciepłe, miękkie odcienie ziemi, przedstawione w rozmytych paskach i rozgrzewający blask kwietnika. Takie, które przenika z obrazu do świata zewnętrznego i nadaje mu widzialność i delikatność. Zastosowanie różnych odcieni zieleni, żółci i fioletu tworzy prawdziwy rytm kolorów, a regularność linii nadaje rysunkowi kompletności. Bogaty, a jednocześnie delikatny dobór kolorów jest tak niesamowity, że kwiaty wydają się nieważkie.

Obraz jest jednak jasny i dynamiczny, potrafi się zamrozić i ożyć sekundę później. Proste, ale jednocześnie luksusowe irysy, oprócz delikatności i zwiewności, charakteryzują się bogatą dojrzałością i doskonałą soczystością. To chyba jedyny obraz Van Gogha, w którym rozgrywane są kontrasty. Fioletowo-niebieskie irysy kontrastują z zielonym odcieniem liści i jasnymi kwiatami w kwietniku. Terakotowoczerwona gleba zdaje się przyciągać rośliny w jej stronę, a nuta jadeitowej łąki w tle sprawia, że ​​irysy również kierują się ku niej. Obraz „Irysy” wypełniony jest nie tylko impresjonistycznymi emocjami, ale także wrażeniami. Nie da się rzetelnie określić, jakie „doświadczenia” mają w tym momencie kwiaty, można jedynie uchwycić wrażenie samego tego przeżycia. Irysy jednocześnie skłaniają się ku potędze ziemi i chcą pędzić w górę na łąkę.

Obraz ma szczególną żywotność, charakterystyczną dla każdego dzieła Van Gogha. Jest synonimem jasności, wręcz agresywności, nieco chwiejnego obrazu i niekontrolowanego życia. W „Irysach” nie ma szalonego potoku pomysłów i prób zagłuszenia głosów demonów – kryje się w nich subtelne, bezcenne piękno, które nie każdy jest w stanie docenić i odczuć.

I choć krytycy twierdzili, że obrazy tego artysty są oszałamiające w wyrazie, że kolor na jego obrazie stał się prawdziwym klejnotem, Van Goghowi skazane było na pośmiertne uznanie. W wieku 37 lat popełnił samobójstwo, a jego brat Theo stworzył muzeum, dzięki któremu Vincent stał się sławny. Niegdyś sztuka była pocieszeniem dla nękanego przez demony artysty, teraz stał się jednym z uznanych już geniuszy, którzy kochali życie i potrafili dostrzec w nim niezwykłe piękno.

Artykuł Oksany Kopenkiny, który dla Was wybrałem, drodzy członkowie witryny Art, opowiada o jednym z arcydzieł Van Gogha.

Pozwoliłem sobie dodać do artykułu trzy ilustracje (na końcu), a na samym początku – krótką informację biograficzną o artyście.

Vincent Van Gogh to znany artysta i kontrowersyjna postać w świecie sztuki XIX wieku. Dziś jego twórczość nadal budzi kontrowersje. Dwuznaczność obrazów i ich pełnia znaczeniowa zmuszają do głębszego spojrzenia zarówno na nie same, jak i na życie ich twórcy.

Dzieciństwo i rodzina

Urodził się w 1853 roku w Holandii, w małej wiosce Grote-Zundert. Jego ojciec był pastorem protestanckim, a matka pochodziła z rodziny introligatorskiej. Vincent Van Gogh miał 2 młodszych braci i 3 siostry. Wiadomo, że w domu często był karany za swój krnąbrny charakter i temperament. Mężczyźni w rodzinie artysty pracowali w kościele lub zajmowali się sprzedażą obrazów i książek.

Od dzieciństwa zanurzony był w 2 sprzecznych światach – świecie wiary i świecie sztuki.

Edukacja

W wieku 7 lat starszy Van Gogh zaczął uczęszczać do wiejskiej szkoły.

Już rok później przeszedł do edukacji domowej, a po kolejnych 3 latach wyjechał do internatu.

W 1866 roku Vincent został uczniem Willem II College. Choć odejście i rozłąka z bliskimi nie były dla niego łatwe, na studiach osiągnął pewne sukcesy. Tutaj pobierał lekcje rysunku. Po 2 latach Vincent Van Gogh przerwał naukę na poziomie podstawowym i wrócił do domu.

Następnie wielokrotnie podejmował próby zdobycia wykształcenia artystycznego, jednak żadna z nich nie zakończyła się sukcesem.

Odnalezienie siebie W latach 1869-1876, pracując jako sprzedawca obrazów w dużej firmie, mieszkał w Hadze, Paryżu i Londynie.

Przez te lata bardzo dokładnie zapoznał się z malarstwem, odwiedzał galerie, miał codzienny kontakt z dziełami sztuki i ich autorami, po raz pierwszy próbował swoich sił jako artysta.

Po zwolnieniu pracował w 2 szkołach angielskich jako nauczyciel i wikariusz.

Następnie wrócił do Holandii i sprzedawał książki.

Ale większość czasu spędzał na rysowaniu i tłumaczeniu fragmentów Biblii na języki obce.

Sześć miesięcy później, po osiedleniu się w Amsterdamie u wujka Jana Van Gogha, przygotowywał się do podjęcia studiów teologicznych na uniwersytecie.

Szybko jednak zmienił zdanie i udał się najpierw do protestanckiej szkoły misyjnej pod Brukselą, a następnie do górniczej wioski Paturage w Belgii.

Od połowy lat 80. XIX w. i do końca życia Vincent Van Gogh aktywnie malował, a nawet sprzedawał niektóre obrazy.

W 1888 roku spędził trochę czasu w szpitalu psychiatrycznym z rozpoznaniem padaczki płata skroniowego.

Powszechnie znany jest incydent z odcięciem płatka ucha, przez który trafił do szpitala – Van Gogh po kłótni z Gauguinem odciął mu płatek ucha od lewego ucha i zaniósł do znanej mu prostytutki.

Artysta zmarł w 1890 roku od rany postrzałowej.

Według niektórych wersji, strzał oddał sam.

A teraz sam artykuł Oksany Kopenkiny.

„Irysy” Van Gogha. O kwiatowym arcydziele artysty

Vincent van Gogh. Irysy. 1889 Muzeum Getty'ego w Los Angeles

Van Gogh stworzył „Irysy” w trudnym momencie swojego życia. Podczas pobytu w szpitalu psychiatrycznym w Saint-Rémy (południowo-wschodnia Francja).

Kilka miesięcy wcześniej odciął brzytwą płatek ucha, przeżywając poważne załamanie nerwowe. Od tego czasu miał ataki raz w miesiącu. Popadł w zapomnienie na kilka godzin.

„Irysy” stworzone przez szaleńca?

Nikt nie wie, jaka choroba dotknęła artystę. Mógł cierpieć na epilepsję (podobnie jak jego wujek i siostra). Ale to oznacza, że ​​pomiędzy napadami był całkowicie zdrowy na umyśle.

A może to były ataki paniki. Ale kiedy mijają, osoba jest również całkiem odpowiednia.

W każdym razie wystarczy spojrzeć na jego „Irysy”, aby przekonać się, że pisał to człowiek o zdrowych zmysłach.

Co więcej, osobą, która każdym włóknem swojej duszy chciała wyzdrowieć i kontynuować pracę.

Vincent van Gogh. Autoportret z odciętym uchem i fajką. Styczeń 1889 Muzeum Kunsthaus w Zurychu,

Prywatna kolekcja Niarchosa.

W końcu Van Gogh miał sen. Chciał zmienić malarstwo i udowodnić innym, że jego metoda pracy ma prawo do życia.

W końcu chciał sprzedać swoje dzieła, aby zyskać niezależność finansową i spłacić brata Theo (wypłacał mu miesięczne kieszonkowe).

Kiedy Van Gogh stworzył Irysy, wszystkie te nadzieje wciąż w nim kipiały. Był pewien, że malarstwo pomoże mu pokonać chorobę.

Dlatego obraz jest tak jasny i pozytywny.

Odzwierciedla ducha artysty ku temu, co najlepsze.

Co jest specjalnego w irysach Van Gogha?

Na zdjęciu widzimy dywan kwiatowy. Nie ma horyzontu i nieba.

Van Gogh zadbał o to, aby uwaga widza była skupiona wyłącznie na kolorach. To bardzo niezwykła perspektywa, jakiej w malarstwie zachodnim prawie nigdy wcześniej nie widziano.

Ale to nie Van Gogh wpadł na pomysł takiego pisania. Perspektywę tę często można spotkać wśród japońskich mistrzów.

Kiedy artysta przybliża widza do przedmiotu. A tło jest neutralne.

Tak działał słynny Katsushika Hakusai.

Katsushika Hakusai. Irysy i konik polny. Lata dwudzieste XIX wieku Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Ale po Van Goghu ta technika jest bardziej powszechna.

Claude Monet namaluje więcej niż jeden podobny obraz. Łącznie z irysami.

Claude Monet. Irysy i lilie wodne. 1914-1917 Prywatna kolekcja

Tę samą myśl podejmą przedstawiciele modernizmu. Wśród których najbardziej uderzający był Gustav Klimt.

Gustava Klimta. Kwitnący ogród. 1907 Ro Fundacja na rzecz Trzeciego Świata, Zurych

Ale „Irysy” Van Gogha są interesujące nie tylko ze względu na perspektywę.

Jeśli porównasz je z twórczością Moneta, różnica w przedstawieniu kolorów natychmiast rzuca się w oczy.

Kwiaty Moneta są malowane niewyraźnie, w impresjonistyczny sposób. Jedynie bogata, niemal świetlista barwa sprawia, że ​​wyróżniają się w przestrzeni.

Kwiaty Van Gogha są bardziej realistyczne i wiarygodne.

Vincent van Gogh. Irysy (fragment). 1889

Claude Monet. Irysy i lilie wodne (fragment)

Jednocześnie ziemia jest napisana zupełnie inną techniką. Oddzielne, wielokolorowe pociągnięcia.

W rezultacie mamy wrażenie, że gleba jest luźna.

Tylko jakich odcieni tutaj nie ma. Pudrowy, różowy, czerwony, żółty, brązowy.

A miejscami nawet niebieski. Technika ta przypomina nieco pointylizm.

Van Gogh. Irysy (szczegóły). 1889 Muzeum Getty'ego w Los Angeles

Dzieje się tak wtedy, gdy artysta maluje oddzielnymi kropkami lub kreskami w różnych kolorach. Z oczekiwaniem, że na odległość niezmieszane farby połączą się w jedną masę kolorystyczną.

Jednym z najsłynniejszych pointylistów był Paul Signac. Właśnie to wprowadziło Van Gogha w technikę separacji kolorów.

Paweł Signac. Czerwona boja. 1895 Musée d'Orsay w Paryżu

To jest całkiem interesujące. Przed Van Goghem nikt nie łączył dwóch tak różnych technik na jednym płótnie. Realizm i pointylizm.

Ale zdawał się je łagodzić. Dlatego nic nie odpycha. Jakby to był jedyny sposób na pomalowanie tych irysów i ziemi.

To po raz kolejny pokazuje, jak bardzo Van Gogh chciał uczyć się od innych. Ale jednocześnie przetwarzał wszystko na swój sposób. Świadomie szukał nowej drogi.

Zgadzam się, szalony człowiek raczej nie będzie zdolny do czegoś takiego.

Czy w Irises jest zaszyfrowana wiadomość?

Na pewno zauważyłeś, że wśród niebieskich kwiatów rośnie samotna biała irys. Co Van Gogh miał przez to na myśli? Kusi nas, by szukać w tym ukrytego znaczenia.

Być może artysta symbolizuje w ten sposób swoją samotność?

Przecież nikt w niego nie wierzył. Z wyjątkiem jego brata Theo i siebie.

Ledwie. Van Gogh nie lubił symboliki. Próbowałem narysować tylko prawdziwy świat.

Ważniejsza była dla niego ekspresja.

Oznacza to umiejętność wyrażania istoty rzeczy poprzez kolor i kształt. Sposób, w jaki ją widział i rozumiał.

Dlatego tak łatwo odchodził od realizmu na rzecz tej esencji. Żywe kolory („Słoneczniki”)

Przerośnięte rysy twarzy („Zjadacze ziemniaków”)

Ale nie chciał dodawać niczego konkretnego, aby zaszyfrować określoną wiadomość.

Dlatego prawie zawsze pisał z życia, a nie z pamięci.

Jedynym wyjątkiem jest „Noc gwiazd”.

A to tylko dlatego, że Van Gogh nie mógł w nocy opuścić szpitala. I mimowolnie musiał użyć swojej wyobraźni.

Nie bez powodu oprócz irysów na zdjęciu są także nagietki.

Historia „Irysów” od śmierci Van Gogha do czasów współczesnych

Jesteśmy bardzo szczęśliwi, że Irysy do nas dotarły.

Faktem jest, że Van Gogh podarował jego mieszkańcom wiele dzieł powstałych w Saint-Rémy.

Główny lekarz, jego syn, a nawet niektórzy pacjenci.

Los wielu z tych obrazów jest bardzo smutny. Przecież wszyscy myśleli, że to tylko zdjęcia chorej osoby.

I zostali odpowiednio potraktowani.

Dlatego syn lekarza wykorzystał obrazy Van Gogha jako cele, bezlitośnie do nich strzelając.

A lokalny fotograf, który interesuje się malarstwem, zeskrobał farbę z kilkunastu obrazów Van Gogha.

Po śmierci artysty „Irysy” trafiły do ​​jego matki. I znowu to cud, że przeżyli.

Faktem jest, że matka Van Gogha nie rozumiała twórczości syna.

Kiedy po śmierci męża przeprowadziła się do innego miasta, zostawiła na strychu kilkadziesiąt jego wczesnych dzieł.

Po prostu ich nie potrzebowała. Ich los jest nadal nieznany.

Po jej śmierci w 1907 r. obraz odkupił kolekcjoner za 300 franków.

I już w 1990 roku trafił do Getty Museum (Los Angeles).

Za... 54 miliony dolarów.

O innych dziełach mistrza przeczytasz w artykule „5 arcydzieł Van Gogha”.

Irysy Vincenta Van Gogha to jeden z najbardziej znanych i zapadających w pamięć tematów wielkiego holenderskiego malarza. Napisana na rok przed śmiercią artysty Iri...

Obraz „Irysy” Van Gogha: opis miejsca, w którym znajduje się oryginał

Z Masterweba

„Irysy” Vincenta van Gogha to jeden z najbardziej znanych i zapadających w pamięć tematów wielkiego holenderskiego malarza. Namalowane na rok przed śmiercią artysty „Irysy” stały się ujściem w jego twórczości, uderzając żywiołowością, delikatnym oddaniem barw i ogólnym spokojem fabuły.

Historia stworzenia

Sam artysta określił ten obraz mianem „piorunochronu na jego chorobę”, gdyż został namalowany podczas leczenia w szpitalu w klasztorze Saint-Rémy de Provence. „Irysy” Van Gogha naprawdę wywarły pozytywny wpływ na ogólną osobowość artysty stan psychiczny. Vincent cierpiał na chorobę afektywną dwubiegunową, ale wydawało się, że leczenie w Saint-Rémy rzeczywiście mu pomogło. W listach do brata artysta pisał, że inspirowały go wiejskie krajobrazy, młode, wesołe wiejskie kobiety oraz kwiaty, bujne rabaty kwiatowe rozsiane po całym szpitalu. Poniżej przedstawiono współczesne zdjęcie szpitala Saint-Rémy de Provence.

Przedstawiamy Państwu również Saint-Rémy de Provence na obrazie Van Gogha. Dzieło to stało się dość znane.

Malując Irysy artysta czuł, że w pracy może powstrzymać ataki choroby. Ta świadomość zapewne nadawała obrazowi tak nieodparte uczucie pragnienia życia i pragnienia piękna. Niestety, ten obraz nie był punktem wyjścia, ale ostatnim - po nim wątki stały się bardziej intensywne i wyraziste, aż osiągnęły najwyższą intensywność w obrazie „Pole pszenicy z wronami”, który stał się ostatnim w życiu artysty . Wydawało się, że Van Gogh stworzył „Irysy” w ostatnim przypływie harmonii kochającej życie, malując je rok przed śmiercią.

Świat widział także takie dzieło jak „Pole pszenicy z wronami” (1890). Możesz to zobaczyć poniżej.

„Irysy” Van Gogha – opis obrazu

Płótno to zawiera wszystkie cechy charakterystyczne dla stylu malarza: szybkie, zakrzywione pociągnięcia, nadające obrazowi iluzję ruchu i życia. Wszystkie jego krajobrazy sprawiają wrażenie lekkiej bryzy kołyszącej drzewami, trawą i kwiatami. Podobnie jest w „Irysach” – zdają się poruszać, kołysane przez podmuchy wiatru. Obecna jest także ulubiona mieszanka gatunków japońskiego grawerowania i impresjonizmu Van Gogha. Jest jednak coś, co wciąż odróżnia ten obraz od innych: po pierwsze, jest to perspektywa – artysta zdaje się leżeć na ziemi i patrzeć na kwiaty bezpośrednio przed sobą, nawet lekko od dołu do góry.

Horyzont nie jest widoczny, a środek obrazu wizualnie przesuwa się w prawo - tutaj bukiet irysów jest najwyraźniej i wyraziście przedstawiony, podczas gdy po lewej stronie iw głębi kwiaty są nieco rozmyte i odległe. Gromada irysów po prawej stronie jest równoważona plamą gołej, pomarańczowej ziemi po lewej stronie. Jasne, wesołe irysy pokrywające horyzont pozwalają widzowi dosłownie zanurzyć się w kwiatowym ogrodzie. Bogate plamy fioletowo-niebieskich kwiatów znakomicie łączą się z długimi, wdzięcznymi, jasnozielonymi liśćmi (wyraźne nawiązanie do japońskiego stylu dekoracyjnego).

Japońskie grafiki przedstawiające irysy oddają całe piękno tych kwiatów.

Gdzie jest oryginał?

Od 1990 roku Getty Museum prezentuje płótno „Irysy”, które Van Gogh szczerze kochał. Jest to jeden z nielicznych obrazów artysty wystawionych za jego życia. Dzięki staraniom brata artysty, Theo Van Gogha, obraz został zaprezentowany we wrześniu 1889 roku na Salonie Artystów Niezależnych w Paryżu. Rok po śmierci artysty, w 1891 roku, „Irysy” nabył Octave Mirbeau, francuski pisarz i koneser sztuki. Jego zdjęcie prezentujemy poniżej.

Kupił go nie sam, ale razem z innym słynnym obrazem Van Gogha – „Słoneczniki”. Za dwa obrazy zapłacił 600 franków.

W 1987 roku oryginalny obraz Van Gogha „Irysy” został sprzedany na aukcji za rekordową wówczas kwotę 53,9 miliona dolarów. Kupującym był biznesmen i szef mafii Alan Bond, ale nagle zabrakło mu pieniędzy, aby sfinalizować transakcję. Obraz został wycofany z aukcji i dopiero w 1990 roku „Irysy” Van Gogha trafiły do ​​Getty Museum w Los Angeles.

Muzeum to zostało założone przez potentata naftowego Jeana Paula Getty'ego i do dziś jest największym muzeum sztuki na całym zachodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych. Oryginalne „Irysy” Van Gogha to jedyny obraz tego artysty prezentowany w muzeum.

Inne irysy

„Irysy” z 1889 roku to nie jedyny obraz artysty przedstawiający te piękne wiosenne kwiaty. Rok wcześniej napisał „Pole irysów pod Arles”. Obraz ten przedstawia klasyczny pejzaż w stylu Van Gogha: jasne niebo, pole, kwiaty, drzewa i szczyty budynków w oddali. Na obrazie dominują ulubione kolory malarza: żółć i błękit. Wydaje się, że irysy są fragmentem tego obrazu, jednak tutaj kwiaty są namalowane bardziej niechlujnie, są po prostu częścią większego pejzażu.

Pozostałe dwa obrazy powstały później, w roku śmierci artysty. Obydwa przedstawiają bukiety irysów zebrane w wazonach. Pierwszy z nich nosi nazwę „Bukiet Irysów”. Ogromny bukiet kwiatów na jasnożółtym tle zebrano w rustykalnym glinianym garnku. Irysów jest tak dużo, że kilka łodyg wypadło z doniczki na stół. Obraz ten nadal robi przyjemne wrażenie ze względu na jasność koloru i wcześniejsze połączenie japonizmu i impresjonizmu. Jednak kwiaty cięte nie dają tak życiodajnego efektu, jak te rosnące bujnie w kwietniku. Być może irysami spadającymi z wazonu artysta chciał podkreślić swój smutny nastrój - czuje się „wyrzucony” ze społeczeństwa, zbędny, obcy.

Kolejny obraz, choć powtarza nazwę „Irysy”, daje zupełnie odwrotny efekt niż pierwszy i poprzednie. Tym razem kwiatów nie jest zbyt wiele, dobrze przylegają i nie wypadają; bukiet umieszcza się w białym dzbanku na wodę. Wyraźnie zarysowany zielony obrus i biała ściana, która zajmuje większość tła, wywołują przygnębiające wrażenie - kojarzą się z lokalem szpitalnym, niemieszkalnym. Same kwiaty też nie są tak jasne i lekko pomarszczone - wydają się już więdnąć, dają poczucie śmierci. Wyraźne czarne kontury łodyg i płatków są wyraziście dekoracyjne, ponownie nawiązując do sztuki japońskiej. Przeciwnie, brak jasnych kolorów oddala obraz od impresjonizmu. Być może artysta chciał podkreślić, że nawet ulubione kwiaty przestały go inspirować – teraz są jedynie częścią martwego obrazu.

Cechy artystyczne twórczości Van Gogha

Do dziś Vincent Van Gogh pozostaje artystą kontrowersyjnym. Niektórzy go nienawidzą, inni go uwielbiają. Ale nie można nie przyznać, że świeżość jego obrazów, oryginalność kolorów i tematów czyni go jednym z najbardziej wpływowych i istotnych we współczesnym świecie. „Irysy” to jeden z najbardziej uderzających obrazów wielkiego holenderskiego malarza. Jest tak wyrazisty niepowtarzalności i oryginalności artysty, że nawet widzowie dalecy od impresjonizmu i nie rozpoznający geniuszu „Gwiaździstej nocy” czy kolorowych portretów i autoportretów z pewnością będą nim zafascynowani. Wydawało się, że łączy w sobie wszystkie twórcze odkrycia dokonane przez Van Gogha podczas jego kariery twórczej.

„Irysy” Van Gogha we współczesnym świecie

Obecnie niewiele osób kupuje reprodukcje słynnych obrazów do dekoracji wnętrz - zakurzone obrazy w masywnych ramach nadają się do muzeów, ale nie do nowoczesnych mieszkań. Jednak twórczość Van Gogha towarzyszy współczesnemu człowiekowi w inny sposób, ponieważ jego znaczenie jest obecnie bardziej popularne niż kiedykolwiek. Na przykład obraz Van Gogha „Irysy” został wykorzystany jako grafika w kolekcji Yves Saint Laurent w 1989 roku.

Istotne są również inne rozwiązania projektowe wykorzystujące fabułę „Irysy” - mogą stać się reprodukcją na całej ścianie lub zostać złożone w mozaikę witraży (na przykład w wannie lub w kuchni). Można je również wykorzystać jako nadruki na koszulkach, etui na telefony, kolczykach, torbach i nie tylko. Wiele osób zna „Irysy” Van Gogha. Oryginał w muzeum czy reprodukcja na koszulce – nie ma to znaczenia, najważniejsze jest dotknięcie duszy wielkiego artysty.

Ulica Kijowa, 16 0016 Armenia, Erywań +374 11 233 255

Van Gogh - Irysy (Les Iris).

Rok powstania: 1889

Płótno, olej.

Rozmiar oryginału: 71 × 93 cm

Muzeum Getty'ego w Los Angeles

„Irysy” (francuski Les Iris) to obraz holenderskiego malarza Vincenta van Gogha. „Irysy” artysta namalował w 1889 roku, gdy przebywał on w szpitalu św. Pawła w Mauzoleum niedaleko Saint-Rémy-de-Provence, na rok przed śmiercią.

W filmie brakuje wysokiego napięcia, jakie pojawia się w jego kolejnych dziełach. Nazwał obraz „piorunochronem na moją chorobę”, ponieważ czuł, że może powstrzymać chorobę, kontynuując malowanie. Obraz ukazuje wpływ japońskiej grafiki ukiyo-e, podobnie jak w innych pracach Van Gogha i niektórych jemu współczesnych. Podobieństwo to objawia się podkreśleniem konturów obiektów, nietypowymi kątami, obecnością obszarów szczegółowych i obszarów wypełnionych jednolitym kolorem, który nie odpowiada rzeczywistości.

Opis obrazu Vincenta van Gogha „Irysy”

Obraz Van Gogha „Irysy” należy do późnego okresu jego twórczości. Został napisany podczas leczenia w szpitalu psychiatrycznym w Saint-Rémy. Rozum już opuszczał genialnego artystę, ale w nielicznych momentach oświecenia tworzył nowe pejzaże i martwe natury, które weszły do ​​skarbnicy malarstwa światowego.

Obraz „Irysy” różni się od większości dzieł Van Gogha brakiem niepokoju i niepokoju. Wręcz przeciwnie, płótno wypełnione jest spokojem i spokojem. Nie ma tu nasyconych odcieni, powstaje wrażenie przezroczystości i akwareli obrazu. Krytycy często zauważają podobieństwo „Irysów” w sposobie wykonania do rycin japońskich artystów.

Obraz przedstawia część ogrodu - kwietnik z irysami i kwitnący krzew w tle. Uderza niezwykła perspektywa: kwiaty wydają się być widziane oczami dziecka lub osoby siedzącej na ziemi. Irysy zajmują prawie całą przestrzeń, jedynie żółto-zielona trawa w górnym rogu wskazuje na kontynuację trawnika. Pomarańczowo-czerwone odcienie ziemi nawiązują do kwiatów w lewym górnym rogu. Pojedyncza biała tęczówka po lewej stronie i jasnoniebieska tęczówka po prawej równoważą wrażenia, tworząc symetrię.

Główną ideą, jaką artysta chciał przekazać, była świeżość, barwność i wyrazistość barw. Tęczówki są szczegółowo pomalowane, kontury liści podkreślone na czarno, drobne detale są szczegółowo narysowane - wszystko to przypomina japońskie grafiki.

Van Gogh przez całe życie starał się, aby jego obrazy nie tylko oddawały to, co widzi wokół siebie, ale także to, co czuje, jego postrzeganie świata, który przedstawia. „Irysy” przepełnione są chęcią zobaczenia piękna natury nie z góry, ale poprzez jej obserwację, zbliżenie się, zanurzenie w środku, otaczanie się jej wieloma kolorami i zapachami.