2 lutego 2012, godzina 22:40
Chciałem zebrać w jednym miejscu część „metafizycznych” pejzaży Giorgio de Chirico, malowanych w latach 10. i 20. ubiegłego wieku, oraz surrealistycznych pejzaży Salvadora Dali, powstałych piętnaście, dwadzieścia lat później. Ciekawie jest zobaczyć, jak idee de Chirico znalazły odzwierciedlenie w twórczości Dali. Co więcej, wszyscy w Rosji znają Dali, a stosunkowo niewielu zna de Chirico.
Włoski artysta Giorgio de Chirico (1888 – 1978) zasłynął dzięki twórczości w stylu tzw. „malarstwa metafizycznego”. Główną metodą metafizyki był kontrast między realistycznie dokładnie przedstawionym przedmiotem a dziwną atmosferą, w której został umieszczony, co dało efekt surrealistyczny. Założycielem tego nurtu był sam de Chirico, a później utworzyła się niewielka grupa podobnie myślących artystów. Na początku lat 20. XX wieku ruch metafizyczny w zasadzie zniknął ze sceny.
Od razu zastrzegam, że moje uwagi nie są bynajmniej pretekstem do analizy historii sztuki, a jedynie próbą wyrażenia moich wrażeń, niczym więcej.
Oto jedno z pierwszych znanych dzieł de Chirico:
Giorgia de Chirico. Tajemnica przybycia i popołudnia, 1912
Pejzaż jest wyraźnie geometryczny, niebo jest starannie pomalowane równymi poziomymi kresami, przesadne proste linie cieni i groteskowa szachownica podkreślają przestrzeganie praw perspektywy - wszystko to nadaje pejzażowi fascynującą bezżycie oraz alienuje i odgradza go od żywej rzeczywistości . Postacie dwojga zapatrzonych w siebie ludzi tworzą wymarzony efekt.
Giorgia de Chirico. Melancholia pięknego dnia, 1913
Przesadzona perspektywa, niebo pomalowane równymi pociągnięciami. Widzimy tutaj dwa elementy obecne w wielu krajobrazach de Chirico: kolumnadę i posąg. Zauważmy też, że elementy krajobrazu (budynek, osoba, posąg) rozmieszczone są na niemal idealnej płaszczyźnie geometrycznej. Przez to sprawia wrażenie, jakby pejzaż rozpadał się na osobne artefakty – powstaje skojarzenie nie z rzeczywistością, ale z wystawą rzeźb w sali wystawowej.
Giorgia de Chirico. Piazza d'Italia, 1914, I Piazza d’Italia (Jesienna Melancholia), 1914
I znowu - przesadzona perspektywa, płaskie niebo, kolumnady, posągi, idealna płaskość krajobrazu. Zwróćmy uwagę na jeszcze dwa elementy, które powtarzają się w obrazach de Chirico – rotundę i powiewające flagi (oba są obecne chociażby na powyższym obrazie z 1912 roku).
Aby jeszcze bardziej podkreślić płaską powierzchnię, de Chirico często umieszcza obiekty na czymś w rodzaju platformy z desek lub po prostu obrysowuje sam samolot:
Giorgia de Chirico. Muzy niespokojne, 1916, I Wielki metafizyk, 1917
Salvador Dali po raz pierwszy pojawił się w Paryżu w 1926 roku i najwyraźniej widział prace de Chirico mniej więcej w tym samym czasie. Wkrótce Dali zmienia swój styl artystyczny: przestaje ćwiczyć w duchu kubizmu i zaczyna malować pejzaże, kompozycyjnie przypominające obrazy de Chirico:
Salvador Dali. Fantasmagoria, 1929
Niekończąca się płaszczyzna, na której umieszczone są kolumny, posągi i dziwne przedmioty – to wszystko widzieliśmy w de Chirico.
Salvador Dali. Fontanna, 1930 rok
Salvador Dali. Paranoiczna kobieta-koń, 1930
Nawiasem mówiąc, na ostatnim zdjęciu widzimy bezpośrednie odniesienia do de Chirico: czerwoną wieżę w tle w lewym górnym rogu i podstawę gigantycznej czerwonej kolumny. Tak wygląda de Chirico:
Giorgia de Chirico. Czerwona Wieża, 1913, I Podbój filozofa, 1914
Łącząc ukochany przez de Chirico obraz czerwonej wieży/rury i chuligańskiej armaty z dwiema kulami armatnimi z obrazu „Podbój filozofa”, Dali rysuje następującą kompozycję:
Salvador Dali. Czerwona wieża antropomorficzna, 1930 r
Nie zapomniano także o typowej fladze de Chirico na szczycie… hmm-hmm… budynku. Ogólnie Dali uwielbiał żartować – jest to dobrze znane.
Podajmy inny przykład nakładania się de Chirico i Dali (tematem jest archeologia, obraz jest hybrydą postaci ludzkich i budynków):
De Chirico, Archeolodzy, 1927, I Dali, Archeologiczne echa prosa Anioł Pański, 1935
Kolejny przykład apelu artystycznych wizerunków de Chirico i Dali:
Giorgia de Chirico. Nagroda wróżki, 1913, I Tajemnica i melancholia ulicy, 1913
Salvador Dali. Echo morfologiczne, ok. 1936 r
Łuk po prawej stronie obrazu budzi skojarzenia z łukiem z „Nagrody wróżki”, a dziewczyna z obręczą zamieniona w dziewczynę ze skakanką – obraz obecny u Dali na kilku płótnach (za de Chirico, Dali nabył nawyku powtarzania swojego ulubionego obrazu na różnych obrazach). W „Morphological Echo” Dali zastosował jedną ze swoich ulubionych technik: ten sam przedmiot przedstawiony jest w różnych odsłonach (sylwetka dzwonu w łukowym przejściu niemal dokładnie powtarza sylwetkę dziewczyny ze skakanką). Tę samą technikę widzimy na jednym z najsłynniejszych obrazów Dalego:
Salvador Dali. Metamorfoza Narcyza, 1937
Zwróćmy uwagę na obszar z klatką szachową po prawej stronie obrazu – nawiązuje on bezpośrednio do obrazu de Chirico z 1912 roku, pokazanego na samym początku artykułu.
Ale oto tylko krajobraz w duchu de Chirico, który Dali zaczął malować w 1935 r. - ale nie ukończył:
* * *
Począwszy od 1920 roku Giorgio de Chirico stopniowo odchodził od pejzażu „metafizycznego” w czystej postaci, kompozycje jego obrazów stały się bardziej złożone, a styl stał się bardziej klasyczny:
Giorgia de Chirico. Plac Rzymski (Merkury i Metafizyka), 1920
Giorgia de Chirico. Odejście Argonautów, 1921
Giorgia de Chirico. Dziwni podróżnicy (pejzaż romański), 1922
Giorgia de Chirico. Wybrzeże Tesalii, 1926
W obrazach „Plac romański”, „Pejzaż romański” i „Brzeg Tesalii” widzimy nowe (w porównaniu z obrazami z lat 10.) powtarzające się elementy: posągi i ludzi na dachach.
Od końca lat 20. de Chirico malował głównie pejzaże w stylu neobarokowym. Jednak do późnego wieku lubił od czasu do czasu tworzyć kopie dzieł ze swojego wczesnego okresu.
De Chirico Giorgio De Chirico Giorgio
(De Chirico) (1888-1978), malarz włoski. Kierownik „szkoły metafizycznej” w malarstwie. W pejzażach miejskich oddał wrażenie niepokojącego zamrożenia świata, jego wyobcowania od człowieka („Niepokojące Muzy”, 1917).
DE CHIRICO GiorgioDE CHIRICO (De Chirico) Giorgio (10 lipca 1888, Volos, Grecja - 19 listopada 1978, Rzym), włoski malarz, rzeźbiarz, grafik, scenograf. Kierownik „szkoły metafizycznej” (cm. MALARSTWO METAFIZYCZNE)„w malarstwie.
Pierwszy okres włoski (1910 - lipiec 1911)
Urodził się w mieście Wolos, położonym w greckiej prowincji Tesalia, gdzie jego ojciec, z zawodu inżynier, został wysłany z Włoch, aby zbudował pierwsze linie kolejowe. Giorgio i jego młodszy brat Andrea (późniejszy znany pisarz i muzyk, znany pod pseudonimem Andre Savigno) dorastali w atmosferze inteligentnej włoskiej rodziny należącej do starożytnej rodziny. De Chirico ukończył greckie liceum w Volos, a następnie Politechnikę w Atenach, a lekcje w Volos pobierał u miejscowego malarza Mavrodisa. W 1905 roku, po śmierci ojca, wraz z matką i bratem przeniósł się do Niemiec, wybierając dla dalszej edukacji Monachium. De Chirico nazwał to miasto „Nowymi Atenami”. Zajęcia na Akademii Sztuk Pięknych i zapoznawanie się ze zbiorami muzealnymi wzbogaciły artystę. Jego uwagę szczególnie przykuły dzieła niemieckich symbolistów – Arnolda Böcklina (cm. BECKLINA Arnolda) i Maxa Klingera (cm. Klingera Maxa). Pod wpływem ich „ponadczasowej” mitologii i wspomnień o Grecji namalowano płótno „Bitwa centaurów i Lapitów” (1909, zbiory prywatne). Mając dobre wykształcenie humanistyczne, De Chirico znał filozofię i literaturę grecką, lubił filozofię niemiecką, tłumaczył Schopenhauera i Nietzschego na język włoski, dla niego to oni pierwsi wyjaśnili „naturę twórczego geniuszu”. W atmosferze pasji do kultury niemieckiej XIX wieku. i narodziła się „metafizyka” De Chirico.
Kategoria l „enigma” („tajemnica”), leżąca u podstaw metafizycznego malarstwa artysty, oznaczała (jak sam De Chirico pisał w książce „Wspomnienia mojego życia”, 1945) osobiste wspomnienie, „nieoczekiwane i ekscytujące doprecyzowanie szczegółów, które ekscytują wyobraźnia, która jest przechowywana w doznaniach, nostalgia za dzieciństwem.” W artykułach „Estetyka metafizyczna” (1918), „Malarstwo metafizyczne” (1919), eseju filozoficznym „Mechanizm myślenia” wyjaśniał program malarstwa metafizycznego, proces twórczy „metafizyka” – twórcy „nowej psychologii rzeczy” W swoim autoportrecie (1911, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej), kompozycyjnie przypominającym autoportret A. Beklina, młodego artysta napisał napis „Czego bym kochał, gdyby nie zagadka?” Słowa te stały się programowe dla jego późniejszej twórczości. W atmosferze włoskich i niemieckich tradycji kulturowych początku XX w., podzielając idee B. Croce’a na temat zbliżenia filozofii i sztuce, o intuicji jako środku zrozumienia istoty sztuki, zawsze cenił program estetyczny w twórczości współczesnych mistrzów, oddzielał taką sztukę od „technik technicznych”, które uważano na przykład za impresjonizm czy pointylizm.
W 1910 roku De Chirico przeprowadził się z matką i bratem do Florencji, gdzie powstały pierwsze obrazy metafizyczne: „Zagadka wyroczni” (1910, zbiory prywatne), „Zagadka jesiennego popołudnia” (1910, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej). Florencja stała się pierwszym „metafizycznym” miastem De Chirico, a jej place i pomniki stały się podstawą tych dzieł. Turyn, który De Chirico odwiedził w lipcu 1911 roku w drodze do Francji, stał się w jego obrazach równie poetyckim „miastem pamięci”. Nazwał je „Kwadratowym Miastem”, co zafascynowało go średniowiecznymi zamkami i pałacami, regularnymi placami i wspomnieniami F. Nietzschego, który w 1888 roku napisał tu „Tako rzecze Zaratustra”.
Okres paryski (lipiec 1911-15)
Wraz z matką i bratem w lipcu 1911 roku De Chirico przybył do Paryża. Tutaj bracia de Chirico zyskali sławę i tutaj po raz pierwszy ujawnił się w pełni talent każdego z nich. W pracowni nad brzegiem Sekwany powstały najważniejsze dzieła okresu „metafizycznego”: „Gare Montparnasse” (1914, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej), „Pieśń o miłości” (1914, zbiory prywatne) , „Portret Guillaume’a Apollinaire’a” (1914, Paryż, Muzeum Sztuki Nowoczesnej), „Tajemnica i melancholia ulicy” (1914, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej), „Podbój Filozofa” (1914, Chicago , Instytut Sztuki). Guillaume’a Apollinaire’a (cm. APOLLINER (Guillaume) Jeden z pierwszych, który docenił talent De Chirico, któremu udało się uniknąć wpływu błyskotliwych mistrzów pracujących w tych latach w Paryżu, zorganizował swoją pierwszą wystawę w warsztacie na ulicy. Notre Dame de Champs w październiku 1913. A. Breton (cm. BRETON Andre) przedstawił De Chirico P. Guillaume’owi, którego kolekcja obejmowała obrazy Matisse’a, Picassa i Modiglianiego.
Zainteresowanie obu braci De Chirico sztuką teatralną zrodziło się w Paryżu. Apollinaire pisał o muzyce Andre Savigno, swoim balecie pantomimicznym „Śmierć Niobe” w wykonaniu Baletów Rosyjskich, w duchu futurystycznych eksperymentów. Jako pewne symbole Florencji, Mediolanu, Turynu, jako kamienne wizje przeszłości, na obrazach okresu paryskiego pojawiają się zabytki architektoniczne i rzeźbiarskie: „Pieśń o miłości” (1913, zbiory prywatne) i „Nostalgia za nieskończonością” (1913, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej). Są to symbole podróży pamięci w świat wiecznych wartości, świat tradycji, który sam artysta nazwał „oknami archeologicznymi”. Pełen wdzięku postać dziewczyny toczącej obręcz na płótnie „Nostalgia za nieskończonością” brzmi jak kontrast z „wieczną” - opuszczoną ulicą miasta w jego muzeum, renesansową ramą. Na płótnie „Pieśń o miłości” intensywna ekspresja zestawionych ze sobą obiektów – odlew posągu boga miłości Apolla i czerwonej gumowej rękawicy, zielona kula, róg pasażu pałacu, lokomotywa poruszająca się za cegłą mur - rodzi szczególną metafizyczną harmonię rzeczy - znaków, nosicieli określonej historii i tradycji przeszłości i nowego czasu.
Drugi okres włoski: Ferrara (1915-1919) Rzym (1919-1924)
Latem 1915 roku De Chirico przeniósł się do Ferrary w związku z przystąpieniem Włoch do I wojny światowej w maju tego roku. Bracia zostali wezwani na front. De Chirico nazwał to miasto „najbardziej metafizycznym”, „miastem marzeń” od czasu współpracy z C. Carrą, G. Morandim, F. De Pisisem, którzy stali się jego podobnie myślącymi ludźmi w ucieleśnieniu idei metafizycznych malarstwo, urodził się tutaj. Bohaterowie obrazów z lat 1915-18. („Trubadur”. 1917, zbiory prywatne; „Hektor i Andromacha”, ok. 1918, zbiory prywatne) stają się fantomowymi manekinami bez rysów twarzy. „Cytaty” z różnych epok korelują w twórczości okresu ferrary („Wielkie Wnętrze Metafizyczne”. 1917, zbiory prywatne; z cyklu „Wnętrza metafizyczne”, 1916-1919) z nowoczesnością, uzyskując ton nostalgiczny, odcień parodia, ponieważ „metafizycy” postrzegają świat jako „niekończące się muzeum osobliwości”. Tajemnicze, wielowymiarowe skojarzenia generują także obiekty z cyklu „Martwe natury ewangelickie” (1916-19), których sakralna symbolika wiąże się z chrześcijańskim rozumieniem cnoty i moralności. Dzieła okresu ferrary noszą piętno podwyższonego światopoglądu niż bardziej poetyckie dzieła napisane w Paryżu.
Pierwsza wspólna wystawa „metafizyków” odbyła się w maju 1918 roku w Galerii „Epoch” w Rzymie, dokąd De Chirico wkrótce przeniósł się z Ferrary, tu na początku lat dwudziestych XX wieku w czasopiśmie „Plastic Values”. utworzyli grupę malarzy i krytyków, w skład której oprócz braci De Chirico wchodzili C. Carra, A. Soffici, M. Broglio i in. W lutym 1919 r. w galerii odbyła się pierwsza osobista wystawa artysty we Włoszech słynnego fotografa A. J. Bragagliego. Okres rzymski zbiegł się z latami „czarnej dwudziestki” – czasem konsolidacji faszyzmu w powojennych Włoszech. W tym tragicznym dla Włoch okresie De Chirico pozostał wierny swojemu głównemu tematowi – historii, kulturze i historii kreatywności. Wybiera stanowisko „hermetyzmu”: izolacji od ideologicznych postulatów panujących w społeczeństwie. Oparcie dla swoich myśli znajduje w odwiecznych klasykach. Tak rodzi się „neoklasycyzm” De Chirico. Jego nowy program estetyczny nie miał nic wspólnego z „neoklasycyzmem” mistrzów grupy Novecento, ich pompatycznym i monumentalnym stylem, ale miał intonację poetycko-liryczną, poszukiwanie żywego związku klasyki z nowoczesnością. Poszukiwaniom nowej poetyki towarzyszyło poszukiwanie nowych środków wizualnych. W artykule „Powrót do rzemiosła” (1919), opublikowanym w „Valori Plastici”, pisał o konieczności powrotu do tradycji, do klasycznego stylu malarstwa dawnych mistrzów. Hasło „pictur classicus” powinno stać się motywem przewodnim jego twórczości i – jak wierzy – celem każdego prawdziwego artysty. W latach dwudziestych XX wieku De Chirico tworzy martwe natury („Święte ryby”, 1919, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej), maluje portrety („Kompozytor Alfredo Casella”, 1924, zbiory prywatne), artykuły o swoich ulubionych mistrzach - A. Beklinie (cm. BECKLINA Arnolda), Rafał (cm. RAFAEL SANTI), G. Courbet (cm. Gustave Courbet), Impresjoniści, kopiują obrazy dawnych mistrzów w muzeach Rzymu. Seria autoportretów z lat 20. XX wieku. brzmi jak dialog z Tycjanem, Rafaelem, Ingresem, A. del Sarto („Autoportret z matką”. 1919. USA, Fundacja E. Jamesa; „Autoportret z bratem”, 1924, zbiory prywatne).
Od lat dwudziestych XX wieku De Chirico stale brał udział w projektowaniu przedstawień operowych („Orfeusz” G. Monteverdiego, „Ifigenia” I. Pizzettiego, „Purytanie” V. Belliniego itp.), wprowadzając poetycką metaforę „malarstwo metafizyczne” w scenografię. Jednym z najbardziej integralnych cykli malarskich tego okresu był cykl „Wille rzymskie” (lata 20. XX w.), którego płótna wypełniają wizerunki dam i rycerzy, przywołujące na myśl literackie wizerunki T. Tassa (cm. TASSO Torquato) i L. Ariosto (cm. ARIOSTO Ludovico), obraz S. Martini, bajecznie tajemnicze pejzaże mistrzów z Ferrary. Obrazy „Odejście Argonautów” (ok. 1921, zbiory prywatne) oraz „Orestes i Elektra” (1922-1923, zbiory prywatne) brzmią jak wspomnienia starożytnej kultury i dzieciństwa, których sposób wykonania każe przywołać wspomnienia dzieła mistrzów renesansu.
Drugi okres paryski (1925-29)
W związku z zaplanowaną na marzec 1925 wystawą w Galerii Leona Rosenbluma De Chirico wyjechał do Paryża. Kontynuuje tworzenie płócien w stylu „neoklasycznym”, wzbogacając je o nowe wrażenia. Na płótnach cykli „Konie nad morzem”, „Gladiatorzy”, „Archeolodzy”, „Meble w dolinie” znajdują się sceny z historii Ulissesa, Achillesa, Hipolita - wyrażane są myśli o starożytnej kulturze starożytnej i nowoczesności, które splatają się w swego rodzaju ponadczasowy kolaż marzeń. Jego Amazonki, gladiatorzy, bohaterowie mitów, „odyseje rzeczy” z cyklu „Meble w dolinie”, konie na wybrzeżu morskim – w przenośni wyrażają myśli De Chirico, romantyka i marzyciela z powieści „Hebdomeros” (1929). , napisany po francusku) o tym, że „lepiej żyć w fantazji”.
Już podczas pierwszego pobytu w Paryżu De Chirico związał się z grupą surrealistów (cm. SURREALIZM), na którego czele stoi A. Breton (cm. BRETON Andre) biorąc udział w ich wystawach. Jego poglądy wywarły wpływ na surrealistów, jednak w 1928 roku związek zakończył się zerwaniem i żartobliwie „ekskomunikowano” go z surrealizmu.
W Paryżu De Chirico po raz pierwszy zwrócił się ku technice fresków, malując „Konie na brzegu morza” na fasadzie małego pawilonu z basenem w parku domu L. Rosenberga. W 1933 roku brał udział we Włoszech w tworzeniu cyklu dekoracji freskowych do pawilonu wystawowego na Triennale w Mediolanie na temat „Kultura włoska w jej najważniejszych przejawach”. Skrzydlaty biały Pegaz unosił się na fresku na tle Koloseum i Bazyliki Świętego Piotra, a poeci i artyści oddawali się inspiracji swoim rzemiosłem. Niestety obraz uległ zniszczeniu, gdyż jego liryczny język figuratywny nie odpowiadał ideowym wytycznym programu kulturalnego.
Powrót do Włoch (1930-1978)
Okres 1935-38 De Chirico spędza czas w Ameryce na zaproszenie kolekcjonera J. Barnesa, który zorganizował cykl jego wystaw. Płótno z ironicznym podpisem „I byłem w Nowym Jorku” przedstawiające starożytne miejsca na tle drapaczy chmur jest dowodem nowych wrażeń, odkrycia nowej kultury. Lata 1940-41 spędza w Mediolanie, tworząc dzieła, których tematyka inspirowana jest wydarzeniami wojennymi (litografie do „Apokalipsy”), pełne ironii i fantazji. W Mediolanie De Chirico najpierw zajął się rzeźbą, w której wyraził uczucia niespokojnych czasów („Pieta”, brąz). Od 1944 osiadł na stałe w Rzymie, gdzie ukończył książkę „Wspomnienia mojego życia” – refleksje na temat celu artysty. W swojej późniejszej twórczości pozostał wierny swoim poszukiwaniom z lat 1910-30. Lubił żartować, że jego prawa ręka jest „realistyczna”, a lewa „metafizyczna”, gdyż oba programy estetyczne były dla niego równie ważne i nigdy nie odczuwał wyczerpania swoich tematów. Krótkotrwała fascynacja sztuką barokową lat 40. i 50. XX wieku. („Portret w stroju XVII wieku”, 1959, zbiory prywatne) był „sakramentem pamięci”, okazją do zanurzenia się w nowej warstwie sztuki klasycznej. Jego późniejsze prace „metafizyczne” (cykl „Tajemnicze Łaźnie”, lata 50.-60. XX w.) były stylizacjami na dawny, już klasyczny temat, z którym ów „rycerz metafizyki” wkroczył do sztuki. W latach 50. i 70. dużo czasu poświęcał ilustrowaniu książek, współpracował z teatrami La Scala w Mediolanie i Rzymską Operą Narodową. Londyn Covent Garden, teatr w Atenach.
słownik encyklopedyczny. 2009 .
- De Duve Christian Rene
- De Kooninga Willema
Zobacz, co „De Chirico Giorgio” znajduje się w innych słownikach:
Chirico, Giorgio de- Chirico, Giorgio de... Wikipedia
Chirico, Giorgio
Chirico Giorgio de- Giorgio de Chirico, 1936. Fot. Carl van Vechten Giorgio de Chirico (wł. Giorgio de Chirico, 10 lipca 1888, Volos, Grecja 20 listopada 1978, Rzym) Włoski artysta bliski surrealizmowi. Spis treści... Wikipedia
KIRIKO Giorgio- CHIRICO J., patrz De Chirico Giorgio (patrz DE CHIRICO Giorgio) ... słownik encyklopedyczny
KIRIKO Giorgio- (Chirico, Giorgio de) (1888 1978), włoski artysta i teoretyk sztuki, uważany jest za jednego z zwiastunów surrealizmu we współczesnym malarstwie. Giorgio de Chirico urodził się 10 lipca 1888 roku w greckim mieście Volos. Studiował w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych... ... Encyklopedia Colliera
De Chirico, Giorgio- Giorgio de Chirico, 1936. Fot. Carl van Vechten Giorgio de Chirico (wł. Giorgio de Chirico, 10 lipca 1888, Volos, Grecja 20 listopada 1978, Rzym) Włoski artysta bliski surrealizmowi. Spis treści... Wikipedia
DE CHIRICO Giorgio- DE CHIRICO (De Chirico) Giorgio (1888 1978) Malarz włoski. Kierownik szkoły metafizycznej w malarstwie. Miejskie pejzaże De Chirico wyrażają wrażenie niepokojącego zamarznięcia świata, jego wyobcowania od człowieka (Niepokojące muzy, 1917)… Wielki słownik encyklopedyczny
Kiriko- Chirico, Giorgio de Chirico, Giorgio de Giorgio de Chirico, 1936. Zdjęcie: Carl van Vechten ... Wikipedia
Giorgio Chirico- Giorgio de Chirico, 1936. Fot. Carl van Vechten Giorgio de Chirico (wł. Giorgio de Chirico, 10 lipca 1888, Volos, Grecja 20 listopada 1978, Rzym) Włoski artysta bliski surrealizmowi. Spis treści... Wikipedia
Za ojca założyciela surrealizmu słusznie uważa się Salvadora, naszego wielkiego Dali, a wielu, z przelotną wzmianką o tym ruchu artystycznym, natychmiast zapamięta kilka obrazów malowniczego Hiszpana. Jednak doświadczeni krytycy sztuki, jeśli są jednocześnie aroganccy, plują Ci w twarz nazwiskiem włoskiego artysty Giorgio de Chirico.
Na długo przed powstaniem obrazów oficjalnie nazywanych surre przekroczył już metafizyczną granicę realności tego, co przedstawiane. W latach, gdy Dali dopiero zapoznawał się ze sztuką współczesną, De Chirico napisał już serię swoich najsłynniejszych dzieł: „Nostalgia za nieskończonością” (1911), „Melancholia i tajemnica ulicy” (1914), „Nostalgia Poety” (1914), „Wnętrze metafizyczne” (1917). Wtedy, nie mając odpowiedników opisu, jego obrazy nazwano by „malarstwem metafizycznym”, ale teraz doskonale rozumiemy, że były to pierwsze zalążki surrealizmu - nierealnego, logicznego, absurdalnego i tajemniczego.
„Wiosna Turyńska”
Co nas urzeka w jego obrazach, co przykuło uwagę artystów XX wieku, którzy w jego pracach odnaleźli coś zaskakująco atrakcyjnego? Przecież Picasso podziwiał jego wczesne obrazy, a pod jego wpływem urodzili się tacy geniusze jak Magritte, Tanguy i Dali.
Awangarda w ogóle wymyka się racjonalnej analizie, opisowi i zrozumieniu. To przestrzeń na krawędzi – w tych obrazach pojawia się jedynie niewielka liczba elementów, które wyprowadzają całą kompozycję ze stanu statyki i spoczynku. De Chirico bardzo często bawi się cieniami i perspektywą, celowo ją w niektórych miejscach zaburzając, co dopiero gdzieś na poziomie podświadomości daje nam poczucie nierzeczywistości tego, co się dzieje. Na przykład na obrazie „Melancholia i tajemnica ulicy” sylwetka biegnącej dziewczyny jest celowo zniekształcona, przez co bardziej przypomina jakiś cofający się i rozmywający się cień. W tym przypadku nie jest jasne, co to jest - obiekt czy odbity od niego cień. Wtedy kierunek tego cienia nie jest wyraźny, ponieważ światło jest skierowane w przeciwnym kierunku. Pierwsze wizualne chwyty i zagadki, do których doszli później Magritte i Dali, zaczynały się od takich pozornie nieuchwytnych szczegółów na obrazach de Chirico.
„Melancholia i tajemnica ulicy”
„Gdybym umarł w wieku 31 lat jak Seurat lub 39 lat jak Apollinaire, dziś byłbym uważany za jednego z głównych malarzy stulecia. Wiesz, co powiedzieliby ci głupi krytycy?! Że największym artystą surrealistycznym nie jestem Dali, nie Magritte, nie Delvaux, ale ja, Chirico!”
Całe to zdanie całkowicie determinuje nastrój naszej opowieści. Tak, był wielki, dokonał rewolucji w malarstwie, ale w tym wszystkim najważniejsze jest słowo „był”. Bez względu na to, jak to zabrzmi, de Chirico zmarł za późno. Szczyt jego twórczości przypada na drugą dekadę XX wieku, kiedy w 1911 roku przeniósł się z rodzinnego Wolos do Paryża. Tutaj naprawdę rodzi się prawdziwy de Chirico – bezkompromisowy, rewolucyjny, łamiący logikę w głowie każdemu, kto odważył się spojrzeć na jego obrazy.
„Dwie maski”
„Wielki metafizyk”
„Melancholia odejścia”
„Podbój filozofa”
Ale po I wojnie światowej coś w jego umyśle zaskoczyło, nastąpił przedłużający się kryzys i swego rodzaju totalna depresja. A jeśli Picasso rozwiązał swoje samobójcze nastroje uroczyście i w „niebieskim okresie”, to de Chirico się nie udało. Początkowo po prostu kopiował własne obrazy, rozpychając je jak bezdomne kiełbaski na półkach, których nikt nie chciał skosztować, podając każdy z nich jako autentyczny. I wtedy wydarzyło się coś zupełnie nieodwracalnego – całkowicie zawiódł i zaczął promować akademizm jako jedyną prawdziwą religię, jednocześnie obrzucając błotem sztukę współczesną, której był założycielem dosłownie kilkadziesiąt lat temu. Smutne, smutne i bardzo trudne, ale takie jest życie.
Pewnego razu, już w latach 60., Boris Messerer, wówczas dekorator teatralny w ZSRR, odwiedził Giorgio de Chirico w Rzymie. Tak bardzo chciał zobaczyć to coś bardzo „metafizycznego”, że po prostu zabiło go to, co zobaczył. Ze wspomnień Messerera ze spotkania:
„Po wejściu do mieszkania byliśmy zszokowani luksusem wyposażenia. Na ścianach wiszą ogromne obrazy w złotych ramach, przedstawiające konie i nagie kobiety na tych koniach, pędzące gdzieś. Wątki o treści barokowej, niemające nic wspólnego z malarstwem metafizycznym. Zupełnie inne Chirico - salon, luksusowy, ale zupełnie pozbawiony awangardowych pomysłów.”
Żona De Chirico była na tym spotkaniu tłumaczką, pytano ją, gdzie są „te” obrazy Giorgia, ale uparcie wskazywała palcem na akademicką nudę, twierdząc, że to prawdziwy artysta.
„Nagle Signor de Chirico gdzieś znika i nagle wyciąga pierwszy obraz – małą metafizyczną kompozycję, potem drugi, trzeci, czwarty i kładzie je tak po prostu na podłodze w korytarzu. Zrozumiał, o czym mówimy! Jesteśmy w szoku, takie zdjęcia chcieliśmy zobaczyć! Jego żona była bardzo niezadowolona z całej tej sytuacji. A potem okazało się, że przyjaźniła się z Furtsevą, naszą ówczesną ministrem kultury, i mówili tym samym językiem, językiem socrealizmu. Łączyła ich przyjaźń ideologiczna, a Madame nie chciała znać żadnej awangardy.
„Martwa natura ze srebrem”
Giorgio de Chirico dożył 90 lat i dożył sędziwego wieku, zajmując się życiem towarzyskim. realistyczna, sucha żona, ze swoimi banalnymi, klasycystycznymi obrazami w złotych pompatycznych ramach, udała się do innego świata. Czy żałował, że wyrzekł się swojego odkrycia, czy też był zadowolony z wymierzonego życia prostego naśladowcy, na szczęście nigdy się nie dowiemy. W końcu oba losy są smutne.
„Orfeusz – zmęczony trubadur”
© Giorgio de Chirico
Pół fizyczny
Mało kto na to patrzy autoportret Giorgio de Chirico 1945 
, gdzie przedstawił się nago, powie: „Jaka wspaniała forma fizyczna!” Raczej: „Co za forma metafizyczna!” De Chirico był zawsze starym człowiekiem lub przedwcześnie starzejącym się dzieckiem – i takim pozostał przez całe życie. I właśnie dlatego w swojej sztuce pod wieloma względami wyprzedził swoją epokę.
Na przykład malarstwo metafizyczne wynalazł w Mediolanie w 1909 roku wraz ze swoim bratem Andreą, który później przyjął pseudonim Alberto Savinio. Swoje obrazy nazywa „tajemnicami” – a prawdziwie opuszczone place, światło zachodzącego słońca i długie cienie przywodzą na myśl tajemniczą, mroźną atmosferę połowy sierpnia w rzymskiej dzielnicy Eure. Architektura w obrazach de Chirico jest zapowiedzią architektury okresu faszystowskiego: racjonalna, wykastrowana, zimna, jakby zaprojektowana z myślą o opuszczeniu lub migracji w równie metafizyczne i tajemnicze filmy Michelangelo Antonioniego. Jednak w odróżnieniu od filmów tego ostatniego, gdzie czas płynie, choć bardzo powoli, w obrazach de Chirico wydaje się on zatrzymać. Nie sposób przy nich zasnąć, a ich zimny klimat wywołuje u widza dziwne uczucie niepokoju.
„Popołudniowa melancholia”
© Giorgio de Chirico
Tak naprawdę metafizyka ma niewiele wspólnego z malarstwem. Został wymyślony przez filozofa Arystotelesa, aby spróbować wyjaśnić nam świat idei, a nie historię sztuki. De Chirico posłużył się tą koncepcją jedynie po to, aby zdecydować, czy obraz może opowiadać o czymś, czego nie widać, czyli o idei, która istnieje tylko w naszych głowach. „Zagadka jesiennego dnia” (1909), przedstawiająca Florencję wyglądającą jak Czarnobyl rok po wypadku, to w istocie coś więcej niż tylko obraz, ale raczej stan umysłu, wspomnienie, przeżycie, melancholię lub coś na wzór strona tytułowa zbioru poezji Leopardi.
De Chirico wolał świat fikcyjny od przedstawienia świata rzeczywistego. Robił dokładnie to samo w swoim życiu: gdy coś mu się w czymś nie podobało, po prostu udawał, że tego nie ma, albo wymyślił coś lepszego. Wolał na przykład datować malarstwo metafizyczne na rok 1910, a za miejsce jego narodzin wyznaczył Florencję, a nie Mediolan. De Chirico nie lubił Milana, który przypominał mu bezczelną dziewczynę. Ale uwielbiał Florencję i Turyn – dwóch panów w średnim wieku z nadwagą. Później odnalazł ucieleśnienie swojej ukochanej Florencji i Turynu, najpierw w rosyjskiej baletnicy Raisie Gurevich, z którą poślubił w 1924 roku, a następnie w Isabelli Isa, kolejnej rosyjskiej emigrantce, którą poznał w 1932 roku i nie rozstał się do końca jego życia. Iza była nie tylko jego żoną, ale także menadżerką i matką, na której artysta polegał jak małe dziecko. Wraz z nią przeprowadził się do Rzymu, do mieszkania przy Piazza di Spagna, gdzie mieszkał aż do śmierci.
„Popołudniowa melancholia”
© Giorgio de Chirico
Ale wcześniej de Chirico, jak każdy szanujący się artysta początku XX wieku, udał się do Paryża, aby spotkać się z Picassem i uzyskać jego zgodę, aby wejść do kręgu Apollinaire'a oraz surrealistów, poetów i artystów. W Paryżu jego prace stały się tak kultowe, że nawet artyści tacy jak Salvador Dali zaczęli je naśladować. Kiedy jednak zdecydował się zmienić styl, został natychmiast wyrzucony za zdradę sprawy surrealizmu przez przywódcę ruchu, poetę Andre Bretona. Który najwyraźniej był również bardzo niezadowolony ze zwiększonego zainteresowania paryskich intelektualistów niektórymi językami włoskimi.
„Wewnętrzna metafizyka z głową Merkurego”
© Giorgio de Chirico
Najlepsze dzieła De Chirico powstały w ciągu dziesięciu lat, od 1909 do 1919 roku. Wtedy naprawdę zaczyna się starzeć, deklarując się jako antymodernista, tym samym wbrew swojej woli stając się zwiastunem postmodernizmu. Nikt nie potrafił do końca wyjaśnić znaczenia tego niezrozumiałego określenia, które stało się bardzo modne w połowie lat 70. - tyle że pozwala ono stopniowo mieszać różne style, tworząc dzieła o niezbyt dobrym guście, kiczu.
Jak większość artystów, de Chirico został zrozumiany z opóźnieniem: jego pierwszą wystawę otwarto w Rzymie w Galerii Bragaglia dopiero w 1919 roku. Ale nawet jedyny znajdujący się na nim obraz został sprzedany, a Roberto Longhi, którego jedno słowo zadecydowało wówczas o losach artysty, zaatakował go krytyką. W rzeczywistości Longhi nie do końca się mylił. Z biegiem czasu obrazy de Chirico zaczęły tracić aurę tajemniczości i za bardzo przypominały ilustracje do Iliady, czasem przypominając skomplikowane stosy.
„Archeolodzy”
© Giorgio de Chirico
W 1935 wyjechał do Nowego Jorku, gdzie odniósł ogromny sukces i współpracę z Vogue i Harper's Bazaar. Wraz z wybuchem II wojny światowej powrócił do Europy i zaczął malować autoportrety w stroju XVII-wiecznego dżentelmena, wkraczając tym samym w swój „barokowy” okres i wykazując się tym albo niezwykłym poczuciem humoru, albo wczesnymi oznakami demencji . Następnie za namową żony artysta wpada w zły nawyk umieszczania na swoich obrazach fałszywych dat, co ostatecznie wprowadza w błąd wszystkich, łącznie z nim samym, i przestaje odróżniać podróbki od oryginałów. Nigdy się nie dowiemy, czy stał się starcem, czy oszustem, ale kiedy natknął się na własny obraz, który już mu się nie podobał, napisał na nim „Fałszywy” - aby uniknąć nieporozumień i tym samym
poważnie zakłócając rynek.
Czas jednak wciąż jest łaskawy i w latach 60. i 70., pomimo wprowadzenia na rynek dużej liczby podróbek z jego podpisem, nasz wielki artysta zaczyna zyskiwać uwagę, wyróżnienia i uznanie.
Jest wystawiany w prestiżowych muzeach. Znów zaczął malować w nowo modnym stylu metafizyki i tworzyć straszne rzeźby z brązu – obowiązkowy etap dla wszystkich znanych artystów swojego pokolenia. Straciwszy głębię tajemnicy i buntowniczego ducha młodości, de Chirico odkrywa spokój starości i prostą radość układania zagadek i szarad. Malarstwo ostatnich lat jest zatem raczej rebusem niż zagadką. Jego prace będą inspiracją dla wielu artystów kolejnych pokoleń, w tym artysty transawangardowego Sandro Chia. Nawet Fumito Ueda, twórca konsoli PlayStation 2, złożył hołd de Chirico swoimi bestsellerowymi grami Ico i Shadow of Colossus.
Samotny, grający siebie, jedyną postać z historii sztuki, Giorgio de Chirico zmarł 20 listopada 1978 roku w wieku dziewięćdziesięciu lat. Do tego czasu jego metafizyczne place nie będą już opuszczone: zapełnią się nimi studenci i mobilna policja. Zamiast lekkiego zachodniego wiatru, gęstniał ołowiany ciężar. W czasach rewolucyjnego zrywu nikt nie potrzebuje ponadczasowej przemyślaności architektury Giorgio de Chirico ani jego manekinów.
Opuszczone place wielkich miast, zniszczone południowym słońcem lub zmęczone po zachodzie słońca... Antyczne kolumny i łuki, dumnie i samotnie wznoszące się nad ziemią... Posągi w milczeniu patrzące na tę melancholię... Obrazy Giorgia de Chirico nasycone nie tylko farbą, ale także tajemnicą, niepokojem, ciszą.
Artysta powiedział: „Nie wolno nam zapominać, że obraz powinien być odzwierciedleniem wewnętrznego doznania, a wewnętrzne oznacza dziwne, dziwne oznacza nieznane lub nie do końca znane”..
Wielu uważa, że akcja na obrazach de Chirico rozgrywa się w wymiarze snów. Na tych płótnach wszystko jest jednocześnie wiarygodne i surrealistyczne, jak w „nocnych filmach podświadomości”. Dziwne zestawienia obiektów, dziwna atmosfera, fantastyczna rzeczywistość. W rzeczywistości to wszystko nie jest takie samo. Wszystko to są cechy kierunku w sztuce wymyślonego przez de Chirico – malarstwa metafizycznego.
Artysta założył ten ruch wraz ze swoim przyjacielem Carlo Carrą na początku XX wieku. Popularna Wikipedia podaje następujące wyjaśnienie malarstwa metafizycznego: „W malarstwie metafizycznym metafora i sen stają się podstawą myśli wykraczającej poza zwykłą logikę, a kontrast między realistycznie wiernie przedstawionym przedmiotem a dziwną atmosferą, w jakiej jest on umieszczony, potęguje surrealistyczny efekt”..
Niestety, już na początku lat 20. malarstwo metafizyczne przestało istnieć. Dwie ostatnie wystawy tego kierunku artystycznego odbyły się w Niemczech w latach 1921 i 1924. Jednak pomysł de Chirico nie umarł, a jedynie wyrósł na coś więcej - w wielki surrealizm. Ojciec tego ruchu, Henri Breton, twierdził, że dopiero dzieła de Chirico umożliwiły wyrażenie programu surrealistów poprzez malarstwo. Nazwał także artystę „twórcą współczesnej mitologii”.
Upał, cisza, niepokój... Duszna, ciężka atmosfera i wymarłe miasto. Dziewczynka z obręczą szybko biegnie przez opuszczony plac prosto w kierunku złowrogiego cienia wyglądającego zza rogu. W dal odchodzi biały budynek z charakterystycznymi dla artysty łukami, narysowany jakby linijką. Pusta furgonetka na pierwszym planie uśmiecha się złowieszczo otwartą pokrywą. Co ciekawe, wizerunek dziewczyny jest całkowicie nietypowy dla malarstwa de Chirico. Wielu historyków sztuki uważa, że dziecko na tym obrazie pojawiło się w związku z wystawą odbywającą się wówczas we Francji. Mówią, że de Chirico był pod wrażeniem dzieła „Niedzielne popołudnie na wyspie La Grande Jatte” i przeniósł małą dziewczynkę na swoje płótno - postacie są rzeczywiście bardzo podobne. Ciekawostką jest również to, że obiekty na obrazie „Tajemnica i melancholia ulicy” ukazane są w różnych projekcjach: furgonetka w geometrycznej, a domy w perspektywicznej. Mają różne współczynniki zniekształceń, co wzmacnia efekt obcości.
Wróćmy jednak do fabuły. Co się dzieje? Gdzie podziali się wszyscy dorośli? Dlaczego to dziecko spokojnie toczy obręcz w stronę niebezpieczeństwa? Co autor chciał powiedzieć tym zdjęciem? Odpowiedzi na te pytania musisz znaleźć sam. We własnej podświadomości.
Giorgio de Chirico wierzył, że prawdziwy świat to tylko cienka skorupa, pod którą kryje się mroczny i tajemniczy świat podświadomości. Chciał odsłonić tajemny sens rzeczy poprzez znane oku formy obiektywne i materialne. Zadaniem malarza, zdaniem artysty, jest bycie przewodnikiem i mediatorem pomiędzy widzem a jego ukrytymi przed świadomością symbolami.
Wielki kubista nazwał artystę „śpiewakiem stacji kolejowych”. Wynika to z faktu, że na jego obrazach zbyt często pojawiają się pociągi i stacje. Oto na przykład obraz „Piazza d’Italia: melancholia”. Widzimy opuszczony plac, posąg Ariadny, łuki. Wielu historyków sztuki uważa, że fabuła ta jest interpretacją mitu o Ariadnie i jej wątku. Nawiasem mówiąc, tę samą bohaterkę widzimy w innym dziele – „Ariadna, cichy posąg”. Znowu te same elementy mozaiki: łuki, cienie, posąg, wieża, spiczaste rogi i szkicowy obraz. Niektórzy mogą uznać to za naśladownictwo Picassa, z którym artysta się przyjaźnił. Jest też inny obraz – „Piazza d’Italia z pomnikiem konnym”. Pokazuje wszystko tak samo, tylko inaczej. Ogólnie rzecz biorąc, wiele prac artysty o tematyce metafizycznej jest do siebie bardzo podobnych. „Szczęście powrotu”, „Melancholia”, „Tajemnica dnia” i „Czerwona wieża”, a także opisane powyżej obrazy placu włoskiego odbijają się echem.
Jeśli chodzi o pociągi, ciekawe jest, że ojciec Giorgio de Chirico nadzorował budowę linii kolejowej Ateny-Saloniki. Być może wszystkie te lokomotywy są swego rodzaju powitaniem własnego dzieciństwa lub introspekcją psychicznej traumy. Nie bez powodu malarz czytał dzieła Nietzschego.
„Zacząłem malować obrazy, w których mógłbym wyrazić to potężne i mistyczne uczucie, które objawiło mi się podczas czytania Nietzschego: włoskie miasta w pogodny jesienny dzień, melancholia południa... Nie potrafię sobie wyobrazić sztuki inaczej. Myśl musi oderwać się od tego, co nazywamy logiką i znaczeniem, uwolnić się od wszelkich ludzkich przywiązań, aby zobaczyć przedmioty pod nowym kątem, uwydatnić ich nieznane wcześniej cechy.– stwierdził artysta.
