Próbowałem napisać recenzję, biorąc pod uwagę wcześniejsze niedociągnięcia. Z „zębami” zupełnie nie wyszło, bo bardzo mi się podobało i nie widziałem żadnych globalnych rzeczy, do których mógłbym się przyczepić. Okazało się, że dłużej. Jeśli już, na końcu będzie ciekawe zdjęcie))))

Fabuła „Dead Souls” jest z jednej strony prosta. Człowiek chce się wzbogacić za wszelką cenę. Temat ten pozostaje aktualny nawet teraz. Z drugiej strony wiersz zawiera wiele pułapek. Gogol przedstawia nam bohaterów o ustalonych zasadach, wyjaśniając, dlaczego tacy się stali. Los każdego potoczył się inaczej, każdy miał swoje próby. I każdy stał się taki, jaki był w stanie przetrwać próby. Dzieła takiego jak „Dead Souls” nie da się całkowicie wystawić. Redukcja tekstu autorskiego jest nieunikniona. Można go jednak skrócić, zmienić i ożywić w oparciu o talent zespołu produkcyjnego.
„Dead Souls” był wielokrotnie wystawiany na scenach rosyjskich teatrów. A w każdym przedstawieniu nacisk kładziono na jeden temat, który podkreślał reżyser. Teatr im Majakowski nie był wyjątkiem. Reżyser uczynił bohaterów ludzkimi, pomimo ich podłości. Główne marzenie Cziczikowa – o rodzinie i dzieciach – towarzyszyło mu przez cały spektakl. W sztuce nie można wprowadzać efektów montażowych ani specjalnych, które wskazywałyby, że są to myśli lub sny bohatera. Ale tutaj było widać nawet bez efektów specjalnych. Normalne, przyziemne marzenie człowieka o rodzinie. Ale przeszła przez występ jak powietrze.
W Teatrze. Majakowski ma swoją szczególną atmosferę. Pierwszą rzeczą, która rzuca się w oczy, jest dekoracja sali, która jest wykonana w kolorze czerwonym. Sala Czerwona jest nieco przytłaczająca, czysto wizualnie. Ogólnie rzecz biorąc, kolor czerwony działa drażniąco. Ale to hołd złożony przeszłości teatru, echo historii, która była Teatrem Rewolucji. Ten sam pełen szacunku stosunek do przeszłości przeniósł się także do spektaklu Siergieja Artsibaszewa.
Aby jednak w pełni doświadczyć przedstawienia, trzeba przeczytać wiersz Gogola.

Spektakl jest w dwóch aktach. Jeden akt to jeden tom. I choć pierwszy tom został skrócony, a w drugim dodano własny, wszystko było z umiarem, bez uszczerbku dla wykonania i dzieła. Linia reżyserska jest zbudowana bardzo kompetentnie. Sergei Artsibashev sprawił, że występ był łatwy do zrozumienia. Dość trudne zadanie dla Dead Souls. Scenografia i kostiumy mają ogromne znaczenie.
W pierwszym akcie wszyscy aktorzy ubrani są w kolorowe kostiumy odpowiadające opisywanemu okresowi czasu. Ich dusze wciąż są „żywe”. Oznacza to, że nadal widzą kolory, widzą radość, nie są jeszcze puste, nie stwardniałe. A za nimi sceneria to cały czarny obracający się okrąg, który zamienia się w domy, w których przyjmuje się Cziczikowa. Koncepcja spektaklu jest skonstruowana w taki sposób, że Chichikov jedzie powozem i zatrzymuje się, aby wszystkich odwiedzić. Naturalnie w spektaklu nie zobaczycie wszystkich filozoficznych myśli i podtekstów Gogola. Oto tylko niewielka część. Ale do tego trzeba przeczytać książkę.
Całe koło wyraża zarówno pełnię życia, jaką żyją bohaterowie, jak i ukończony pierwszy tom. Czarna sceneria jest odbiciem mroku poematu Gogola. Nikołaj Wasiljewicz pisał o tragedii człowieka. I próba przekazania mistycyzmu towarzyszącego Gogolowi.
Nie zabrakło także ponurej scenerii „na żywo” w „Electra’s Fate” w RAMT, która zrobiła ogromne wrażenie i wyróżniła występ. Tworzyły także napięcie i poczucie zaangażowania widza w spektakl. Tylko w teatrze. Majakowski też mieli ręce. Dosłownie. To prawda, że ​​ściany mogą człowieka zatrzymać lub pozwolić mu odejść. Ściany mają nie tylko „uszy”, ale także „ręce”.
W drugim akcie wszyscy aktorzy ubrani są w czarno-białe garnitury, a za nimi znajduje się półkole. To spalony drugi tom i śmierć duszy człowieka. Bardzo interesujące znalezisko, które ukazuje, a raczej wyraźniej podkreśla, „martwą” duszę w mise-en-scène, gdy Chichikov przybywa do generała Betrischeva. W gabinecie generała wisi jego kolorowy portret, a poniżej, pod portretem, wisi czerwona marynarka z rozkazami. Dawno, dawno temu, w młodości Betrischev miał „żywą” duszę, walczył z Francuzami i dążył do czegoś nowego. A teraz jest człowiekiem zmęczonym życiem, niewiele go interesuje. Punkt został postawiony.
Oprawa muzyczna Władimira Daszkiewicza dodała spektaklowi jeszcze więcej mroku i napięcia. Jakież to były wspaniałe pieśni o Rusi. Cała muzyka jest na temat, na swoim miejscu, z odpowiednimi akcentami. I bardzo niezapomniany. Co jest rzadkością w przypadku muzyki do spektaklu. Często przechodzi obok.
Chichikov (Sergei Udovik) był osobą niepewną siebie. Mumley, prowadzony przez osobę. Nie było w nim widocznej chęci zarabiania pieniędzy, aby dla nich dopuścić się takiego oszustwa. Pasował do sztuki, ale rola nie odniosła sukcesu. Chichikov to człowiek, który zna swoją wartość i jest pewny swoich działań. Zbliża się do swojego celu. Udovik zagubił się wśród scenerii, kostiumów i innych aktorów. Chichikov nie był głównym bohaterem, ale jak pryzmat, przez który przechodzą główni bohaterowie (Sobakiewicz, Plyushkin, Korobochka).
Nie do pomyślenia było wyobrażenie sobie przystojnego mężczyzny Igora Kostolewskiego w roli Plyuszkina. Makijaż i gra aktorska zrobiły swoje. Kostolewskiego był nie do poznania. Wyglądał jak Baba Jaga. Nawet patrząc przez lornetkę nie można uwierzyć, że to ten sam Kostolewski. Taka transformacja. Plyuszkin rzeczywiście był na scenie. I nikt więcej. Gdyby Kostolewski nie dostał drugiej roli w drugim akcie, w którym gra Generalnego Gubernatora, można by pomyśleć: „w programie jest błąd”. Brawo, Mistrzu!
Końcowe przemówienie generalnego gubernatora, wygłoszone przez Kostolewskiego, było bardziej aktualne niż kiedykolwiek. Tak, Gogol napisał to wiele lat temu. Tak, zostało to zredagowane. Ale esencja pozostaje. Istota nie zmieniła się przez te stulecia. To sprawia, że ​​chce mi się płakać, nie wierzyć, że to prawda. Szkoda, że ​​nie każdy widz odbierze te słowa osobiście.
Korobochka (Svetlana Nemolyaeva) to samotna wdowa, która powoli myśli. A może nawet nie ciasno. Po prostu nie ma z kim porozmawiać i w ten sposób stara się zatrzymać tych, którzy do niej przychodzą. Nemolyaeva zaskakująco dokładnie przekazała wszystkie cechy i zwyczaje Korobochki. Stara gwardia aktorska nie straciła talentu i umiejętności.
Sobakiewicz (Aleksander Andrienko) nie był taki niezdarny. Nie było pełni charakteru, bohater jako taki nie został ujawniony. Sobakiewicz nie przegapi swoich korzyści. Nie lubi społeczeństwa, jest zamknięty w sobie. Bohater jest złożony, trzeba się w niego zagłębiać i zagłębiać.

Produkcja „Martwych dusz” w Teatrze. Majakowski jest hołdem dla Mikołaja Gogola. Drobne niedociągnięcia można wybaczyć występowi wykonanemu z taką miłością.

Martwe dusze. Teatr nazwany imieniem Majakowskiego. Prasa o występie

Kommiersant, 14 listopada 2005

Martwe dusze przyjęły się do żywych

Gwiazdy Majakówki w wierszu Gogola

W Teatrze Majakowskiego dyrektor artystyczny Siergiej Artsibashev wystawił „Martwe dusze” Gogola i sam zagrał główną rolę w przedstawieniu. MARINA SHIMADINA dawno nie widziała tak hałaśliwej premiery.

Repertuar Majakówki jest ostatnio pełen lekkich komedii z pieśniami i tańcami, wszelkiego rodzaju „fantazji opartych na” i całkowicie znośnych produkcjach, które krytycy teatralni dyplomatycznie ignorują. Ale raz w sezonie Siergiej Artsibashev z pewnością produkuje jeden potężny spektakl oparty na rosyjskiej klasyce, w którym bierze udział cała ciężka artyleria teatru, czyli wszystkie gwiazdy trupy. Pierwszym takim „przebojem” było „Ślub” Gogola, drugim „Karamazow”, trzecim „Martwe dusze”.

Premierę uznano za wydarzenie na skalę ogólnopolską. Gratulacje dla Siergieja Artsibaszewa przyjechali nie tylko Michaił Szwydkoj, z wykształcenia teatroznawca, ale także urzędnicy, którzy wcześniej nie byli zauważani w swoim zamiłowaniu do sztuk performatywnych. Kolejka do ukłonów przed artystami była taka, że ​​publiczność miała już dość klaskania, a bukietów przybywało i przybywało. Ogólnie czuliśmy się, jakbyśmy byli niemal obecni na premierze stulecia. I tak naprawdę „Dead Souls” to swego rodzaju Kolos z Rodos. W przedstawieniu wzięło udział pięćdziesięciu artystów, muzykę i piosenki zamówiono u Władimira Daszkiewicza i Julii Kim, nad choreografią do pierwszego i drugiego aktu pracowało dwóch różnych reżyserów, a do każdego aktu stworzono dwa osobne zestawy kostiumów.

Jednak głównym atutem produkcji jest oczywiście scenografia Aleksandra Orłowa. Na potrzeby występu artysta przygotował ogromny, obracający się bęben, który zajmował całą scenę i był wypełniony najróżniejszymi niespodziankami. Postacie Gogola niczym podnośniki z tabakierki wyskakują nie tylko z licznych drzwi i okien, ale także prosto ze ścian. Bęben ma tak sprytnie tkaną powierzchnię, że ręce i głowy mogą swobodnie przez niego przenikać, a przedmioty, a czasem ludzie, pojawiają się i znikają. Reżyser wykorzystuje tę wspaniałą zabawkę pomysłowo i dowcipnie: pojawiają się np. rozstawione palce urzędników bez twarzy, z których każdego trzeba nakłonić, aby „prowincja mogła pisać”, a z czarnego wirującego koła wystają twarze artystów oświetlone latarkami, śpiewające coś o gorzkim losie, wyglądają jak światła wiosek, które Cziczikow mija w swoim powozie.

Wszystko to wypełnia spektakl klimatem fantastycznej tajemnicy Gogola, w którym karykaturalne postacie właścicieli ziemskich, które w realistycznym przedstawieniu wyglądałyby fałszywie i karykaturalnie, wyglądają całkiem naturalnie. Svetlana Nemolyaeva jako Korobochka i Alexander Lazarev jako Nozdryov świetnie się tu bawią, wykorzystując cały swój arsenał komicznych trików i wybryków. Ale największą radością publiczności jest Igor Kostolewski na obrazie Plyuszkina. Wymalowany nie do poznania, obwieszony jakimiś szmatami, zgarbiony i mamroczący bezzębnymi ustami, zwraca się do oszołomionego Cziczikowa: „Co, spodziewałeś się zobaczyć huzara?” Nie wiem, skąd autor dramatu, Władimir Malyagin, wziął to zdanie (nie ma go w książce), ale w ustach wiecznego kochanka-bohatera, zamienionego w rodzaj potwora, brzmi to bardzo stosownie.

Jednak Igor Kostolewski nadal będzie musiał założyć ramiączka - w drugim akcie, w którym wciela się w znamienitego księcia z drugiego tomu Dead Souls. Zabawiwszy publiczność scenami atrakcji w pierwszym, komicznym akcie, w którym nawet słynne słowa o ptaku-trójce zostały parodycznie zredukowane i przeniesione na błazna Nozdryowa, po przerwie Siergiej Artsibashev uderzył publiczność niemal tragicznym patosem. Akt drugi, czarno-biały, rozwiązany jest w zupełnie innej, mistycznej i melancholijnej tonacji. To prawda, że ​​są tu przesady. Kiedy Chichikov zgadza się na kolejny oszustwo i podaje rękę nieuczciwemu radcy prawnemu, słychać taki grzmot, jakby zawarł pakt z diabłem. I zdemaskowany, trafia w szpony olbrzymiego, pozłacanego dwugłowego orła – symbolu okrutnie karzącej machiny państwowej.

Tylko sam Cziczikow nie zmienia się z aktu na czyn. Bohater Siergieja Artsibaszewa od samego początku nie wygląda na oszusta i łotra, ale na biednego i słabego, nieszczęśliwego człowieka, wyruszającego na wszystkie swoje przygody wyłącznie ze względu na jasny ideał – piękną żonę i grupę dzieci, które co jakiś czas unoszą się przed nim jako piękna wizja. Zatem jego ostateczna skrucha jest całkiem zrozumiała i przewidywalna. I nie do niego książę kieruje swoje ogniste przemówienie, w którym wzywa wszystkich do pamiętania o swoich obowiązkach i buntowania się przeciwko nieprawdzie. Igor Kostolewski, zrzucając z ramion bogaty mundur, w białej koszuli, jak mówca na wiecu, rzuca bezpośrednio w publiczność słowa Gogola o rządzie cieni i powszechnej korupcji, tak jak to miało miejsce za dawnych czasów w Tagance. Nieoczekiwany przypływ patriotyzmu obywatelskiego nie pasuje do wszystkiego, co tu się działo wcześniej. Ta scena z zupełnie innego, dziennikarskiego teatru wydaje się być wstawką, rodzajem performansu w przedstawieniu. Ale wydaje się, że to dla niej wszystko się zaczęło.

RG, 14 listopada 2005

Alena Karaś

Przyjemny pod każdym względem...

Siergiej Artsibashev pokazał jednocześnie dwa tomy Dead Souls

Siergiej Artsibashev stara się przekształcić teatr, którym kieruje, w bastion klasycznych tekstów rosyjskich. Po „Ślubie”, którym rozpoczął swoją artystyczną obecność w Teatrze Majakowskiego, szturmem zaatakował powieść Dostojewskiego „Bracia Karamazow”. Jego ostatnim dziełem był wiersz Gogola „Dead Souls” i dwa tomy na raz. Dramaturg Władimir Malyagin zwięźle i po prostu umieścił je w sztuce składającej się z dwóch aktów. Wyszła niesamowita hybryda: monumentalny, epicko żałosny komiks, energiczny przebieg fabuły, bez zbędnych szczegółów, ale z najprostszą moralnością.

Brata Cziczikowa gra sam reżyser i dyrektor artystyczny teatru. Dziedzicząc rosyjską tradycję bycia prawnikiem swojego bohatera, czyni go inteligentnym, zaradnym, nerwowym, a nawet sumiennym człowiekiem z duszą i wyobraźnią, torturowanym podłym rosyjskim życiem i wychowanym w cynicznym środowisku biurokratycznym.

Jego Chichikov służył uczciwie i nic nie zarobił, potem ukradł - i nadal nic nie zarobił. I okazało się, że aby stworzyć swój własny, cichy, mały raj, musi wymyślić coś niezwykłego, oszustwo diabelskiego dowcipu. Myśl o wykupywaniu zmarłych dusz wcale nie wydaje mu się straszna. I rodzi się w jednym, wzruszająco błogim, zaszczytnym celu - stworzyć własną rodzinę z kochaną żoną i cudownymi dziećmi. Przez cały spektakl – jako główne usprawiedliwienie i nadzieja Cziczikowa – przewija się wizerunek Madonny w białej sukni w otoczeniu aniołów.

Ogromna okrągła szafka na środku sceny, pokryta tkaniną – na zewnątrz czarna, w środku biała – to cały projekt. Ponadto wóz Cziczikowa wypełzający z ziemi na samym skraju sceny (artysta Aleksander Orłow).

Słupek się kręci, koło się kręci, powóz jedzie w rytm energicznie wesołych pieśni Julii Kima i Włodzimierza Daszkiewicza, a wraz z nimi unosi się, przebijając przez czarne płótno słupka twarze urzędników i właścicieli ziemskich, straszliwe maski Rosjan życie. Jest dziki, słodko pijany Nozdryow – Aleksander Łazariew i Koroboczka (Swietłana Niemolajewa) i straszna kudłata wiedźma Pluszkin (Igor Kostolewski), a także cała piątka urzędników i czyjaś ręka, zawsze dająca i prosząca.

Tylko od czasu do czasu odsłania się czerń, odsłaniając swoje białe, delikatne wnętrze ze słodkim Maniłowem (Wiktor Zaporożski), białą madonną z dziećmi (Maria Kostina) i dwiema prostymi i pod każdym względem przyjemnymi damami (Swietłana Niemolajewa i Galina Anisimowa).

Artsibashev konstruuje spektakl energicznie, szerokimi pociągnięciami, bez „dodatkowych” szczegółów. On sam gra ekspresyjnie, ale w prosty sposób. Reżyser Artsibashev wymaga także od innych wyrazistych, ale prostych decyzji. Ich prace zapadają w pamięć, ale wyrafinowany widz nie jest zadowolony z niespodzianki.

Jeśli chodzi o drugi akt i drugi tom, szczegóły nie są wcale potrzebne. Płaczący Cziczikow ukrywa się za kratami, a na pierwszy plan wysuwa się Generalny Gubernator (Igor Kostolewski), by wygłosić oskarżycielski monolog.

Tutaj moralizm Gogola osiąga swój szczyt, a Siergiej Artsibashev właśnie tego potrzebuje. Przecież nie ma nic piękniejszego, jak wysunąć na pierwszy plan artystę i powierzyć mu aktualny monolog o obyczajach, pełen współczesnych aluzji. Igor Kostolewski czyta to z pasją, patetycznie i słodko, próbując połączyć swoje dwie hipostazy: starą – miłośnika bohaterów i nową – rozumującego, czując całym sobą, jak publiczność reaguje na jego słowa: „Nadeszło nam, abyśmy ocalili naszą ziemię... nasza ziemia już ginie nie od najazdu dwudziestu języków obcych, ale od nas samych, że już poza legalnym rządem powstał inny rząd, znacznie silniejszy niż jakikolwiek legalny. Ich własne warunki były ustalono, wszystko zostało ocenione, a ceny podano nawet do wiadomości publicznej…” Tak mówi i w towarzystwie płaczu niewinny Chichikov, marząc o ziemskim raju, wycofuje się, gdzie wszyscy aktorzy biorący udział w przedstawieniu czekają na jego ukłon.

Publiczność, do której reżyser lubi się odwoływać, żąda od niego komiksu najprostszego, najbardziej zrozumiałego, z wyraźną moralnością i nieskomplikowaną filozofią.

Dla tych, którzy nie czytali Gogola od dłuższego czasu, powtórzenie tego, co zostało omówione, będzie przyjemne pod każdym względem. Dla tych, którzy w ogóle tego nie czytali, jest to informacja.

Obcym ​​temu świętu pojednania są jedynie ci, którzy pamiętają. W czyich umysłach wciąż żyją dwa tomy „Dead Souls”, wielki spektakl Moskiewskiego Teatru Artystycznego lub - nie daj Boże! - coś jeszcze. Obciążone niepotrzebnymi szczegółami i nudnymi szczegółami, są obce wszystkim nowym świętom. Poza tym nowe „Dead Souls” to spektakl wspaniały pod każdym względem.

NG, 15 listopada 2005

Grigorij Zasławski

Kiedy umarli chwytają żywych

Nieśmiertelny wiersz Gogola został w całości wystawiony w Teatrze Majakowskiego

W Teatrze Akademickim im. Wł. Majakowski zagrał premierę Dead Souls. W zatłoczonej sali można było zobaczyć byłego premiera i przewodniczącego Izby Obrachunkowej Siergieja Stiepaszyna, ministrów Zurabowa i Fursenkę. Kilku kolejnych zaproszonych gości, w szczególności German Gref, w ostatniej chwili porzuciło nowe doświadczenia teatralne na rzecz pilnych spraw rządowych. Ci, którzy przyjechali, nie żałowali: przekonali się, że w obecnych reformach nie ma nic nowego. Niemniej jednak Rosja żyje sama i, jak mówią, nie szaleje. Patos odrodzenia, który zabrzmi w finale, można interpretować tak czy inaczej: jeśli będziesz uczciwy, będziesz biedny; jeśli będziesz nieuczciwy, nadal możesz pozostać biedny. Wszystko jest takie jak dzisiaj.

Władimir Maljagin, który wcześniej napisał dramaturgię „Karamazowów” dla Siergieja Artsibaszewa, teraz przerobił wiersz Nikołaja Wasiljewicza Gogola na potrzeby teatru. Podtytuł spektaklu: „Wiersz o Cziczikowie w 2 aktach i 2 tomach”. Do podręcznikowego oszustwa szlachcica Pawła Iwanowicza Cziczikowa, który kupował martwe dusze od właścicieli ziemskich na prowincji, które według dokumentów są wymienione jako „żywe”, dodano jeszcze jedno, mniej znane. Z pomocą dobrych ludzi Chichikov przekazuje sobie dziedzictwo milionera Khanasarowej. Za to trafia do więzienia, ale nawet w kolonii karnej czuje wsparcie swoich dobroczyńców. A potem, dosłownie na pięć minut przed finałem filozoficzno-dziennikarskim, atakuje go skrucha, wsparta z jednej strony boskimi słowami pobożnego milionera Murazowa (Igor Ochlupin), z drugiej patriotyczną mową prezydenta uczciwy generalny gubernator (Igor Kostolewski). I Chichikov zaczyna widzieć światło. Powodem tego, musimy zrozumieć, jest miłość bohatera do uroczej dziewczynki Ulinki. Nie wiem, o jakiej moralności myślał reżyser i wykonawca roli Cziczikowa Siergiej Artsibashev, ale zrozumiałem tę historię w ten sposób: jeśli poważnie zajmujesz się biznesem, nie ma sensu być pielęgniarką. Wtedy sprawa nie ucierpi.

Miłość zwycięża biznes, a nie śmierć.

Drugi akt spektaklu to drugi tom „Martwych dusz” Gogola, z niewielkimi wtrąceniami z pierwszego, dla większej teatralności. Akt pierwszy pochodzi z „programu szkolnego”: Cziczikow u Maniłowa (Wiktor Zaporożski), z Korobochką (Swietłana Niemolajewa), u Sobakiewicza (Igor Kaszyncew), u Plyuszkina (Igor Kostolewski), po drodze spotyka Nozdryowa (Aleksander Łazariew) ... Motto teatralne - filozoficzny testament ojca (Ramzesa Dzhabrailova): niczym bóg Zastępów, spod kraty instruuje syna, aby oszczędzał grosz i nie ufał przyjaciołom i towarzyszom. Syn nie słucha.

Scenografia zaprojektowana przez Aleksandra Orłowa jest niezwykle misterna: dwie półkule tworzą zamknięty walec, który zajmuje całą scenę, od dołu do góry. Kiedy pada na nią światło, widać, że cała ta konstrukcja jest haftowana, a raczej tkana – tak jak tkane są kosze, przy czym jest czarna na zewnątrz i biała w środku. Ale co najważniejsze, tkanina ta jest niesamowicie elastyczna i co jakiś czas przebijają się przez nią czyjeś pomocne dłonie, a nawet głowy, a nawet całe postacie - z niezbędnym papierem, z ważnymi radami. Po wykonaniu zadania obie dłonie i głowy ponownie znikają, a tkanina „składa się” w pierwotnym splocie, jak sadzawka rzeczna.

Takie sploty – tak, w dramatyczną tkaninę!

Ale nie.

Nie chodzi tu o staromodność podejścia teatralnego i samej sztuki teatralnej, która oferuje tradycyjne wariacje dialogów „Cziczikow i…”, połączonych ze sobą mechanicznie. Problemem spektaklu jest pewien brak gry aktorskiej: znakomici aktorzy budują role w oparciu o kilka znanych klisz, których brakuje, aby w ich podręcznikowych bohaterach nagle odkryto coś ekscytującego nowego. Na tym tle oczywiście Igor Kostolewski w roli Plyuszkina okazuje się ciekawszy niż reszta: on, przystojny bohater, najmniej oczekiwano, że będzie widziany w roli gromadzącego potwora. Jednak ten aktorski bohaterstwo pierwszego aktu rekompensuje w drugim tradycyjny Kostolewski w roli rozumującego generał-gubernatora. Jego słowa kierowane do opinii publicznej należy jednak wsłuchać się poważnie (biorąc pod uwagę ich apelację do tych, którzy mają dziś jakieś wpływy w kraju). Mówi, że w Rosji wszystko zostało sprzedane, wszystkie ceny ogłoszono, że pilnie trzeba ratować ojczyznę i że idzie do władcy, aby go poprosić – w imię ratowania ojczyzny – aby pozwolił mu sądzić według z prawami wojny (czy mam wyjaśnić, o co tu chodzi?).

Ani przez chwilę nie jest mu żal samego Cziczikowa, nie budzi on współczucia ani jako odnoszący sukcesy oszust (w końcu do powodzenia jego przedsięwzięcia potrzebny był zarówno talent do uwodzenia, jak i hodowli), ani jako niespokojny intelektualista myśląc o swojej żywej duszy. I nie jest mi go żal, może dlatego, że na odrodzenie przeznaczono tylko ostatnie minuty wielkiego, trzygodzinnego występu.

Ale panom Zurabowowi i Fursenko podobało się to. To zrozumiałe: historia spadku i jego odmowy przypomniała im dzisiejszą monetyzację i wczorajsze aukcje pożyczek na akcje. Wielkość poprzednich łapówek – tylko 20%, o które demoniczny doradca prawny prosi Cziczikowa – powinna była ich rozśmieszyć. Szkoda, że ​​Gref nie przyjechał. Nie słyszałem nieśmiertelnego tekstu.

Truda, 15 listopada 2005 r

Ljubow Lebiedina

Chichikov znalazł duszę

Drugi tom „Dead Souls” odrodził się z popiołów w sztuce Siergieja Artsibaszewa pod tym samym tytułem

Dyrektor artystyczny Teatru Majakowskiego zebrał prawdziwy gwiazdorski zespół, aby wystawić dwie części nieśmiertelnego dzieła: jedną - znaną wszystkim i drugą - opartą na ocalałych fragmentach spalonego przez autora rękopisu. W tworzeniu przypowieści muzyczno-poetyckiej pomogli reżyserowi kompozytor Włodzimierz Daszkiewicz i poeta Julij Kim.

Do tego dzieła teatralnego można podchodzić na różne sposoby. Nie mam wątpliwości, że będzie miał zarówno zwolenników, jak i przeciwników, ponieważ Artsibashev i dramaturg Władimir Malyagin próbowali ożywić to, co Gogol chciał ukryć, niszcząc swój drugi tom. Dlatego postąpili wbrew jego woli. Z drugiej strony, jeśli zachowały się szkice, nikt nie zabronił im fantazjować o przyszłych losach Cziczikowa, co tak nieoczekiwanie zakończyło się w pierwszej części wiersza. W sumie można się tu spierać w nieskończoność, ale jeśli spektakl okazał się ciekawy i nowoczesny (a jest), to znaczy, że jego autorom udało się pokazać biografię Cziczikowa w całości, bez grzeszenia Gogola.

W pierwszym akcie spektaklu rozgrywa się znana historia kupowania martwych dusz, w drugim rozgrywa się nowa fabuła. Wierny sobie Chichikov ponownie popełnia oszustwo, ale kończy się niepowodzeniem i trafia do więzienia. Po czym żałuje i zyskuje żywą duszę. Artsibashev zrozumiał, że taki zwrot w światopoglądzie uroczego oszusta może wydawać się naciągany, dlatego początkowo przedstawia Cziczikowa jako jednego z tych małych ludzi, którzy poświęcając swoje sumienie, próbują przetrwać na szalonym rynku, na którym wartości moralne giną, a zwodziciel prowadzi zwodziciela.

Siergiej Artsibashev zdecydował się zagrać samego Cziczikowa. Nie dlatego, że w trupie nie ma godnych aktorów do tej roli - po prostu Cziczikow w swojej interpretacji „kieruje” swoim życiem, z wyprzedzeniem przygotowuje się do spotkań z klientami właścicielami ziemskimi i, w zależności od okoliczności, zakłada jedną „maskę” ", potem kolejny. Oczywiście aktor aktorski, taki jak Artsibashev, który wielokrotnie występował na scenie Teatru Pokrovka i grał w filmach, poradził sobie z takim zadaniem lepiej niż ktokolwiek inny. Spektaklem tym zjednoczył wokół siebie wykonawców i sprowokował ich do twórczej rywalizacji z samym sobą. A artyści dają z siebie wszystko. Poza tym wiele z nich pełni dwie role: jedną w pierwszej części i zupełnie odwrotną w drugiej.

Przystojny Igor Kostolewski po raz pierwszy pojawia się na obrazie swego rodzaju „bezdomnego”, zapomnianego Plyuszkina, który dosłownie wypełza z psiej budy, zarośnięty, z bezzębnymi ustami, tak że widzowie zastanawiają się przez długi czas: czy to Kostolewski? Ale w drugim akcie artysta przemienia się w dostojnego generalnego gubernatora, idealnego sługę ludu i wiernego współpracownika cara-ojca, który wypala zepsucie gorącym żelazem i wysyła Cziczikowa do więzienia. Lub na przykład Aleksander Łazariew. W pierwszej części spektaklu portretuje Nozdryowa z przyzwyczajeniami „słowika-złodzieja”, gotowego zdradzić i sprzedać wszystkich. Taka jest jego niegodziwa istota. Cóż, w drugim akcie Łazariew gra słodkiego podstępu Chłobujewa, który gwizdał w swojej posiadłości i chciał dostać w swoje ręce spadek po umierającej ciotce. Te postacie nie mają ze sobą nic wspólnego, ale stają się głównymi winowajcami bankructwa Cziczikowa. Najpierw Nozdryow odcina mu tlen, wystawiając na widok publiczny nabywcę martwych dusz, następnie Chłobujew, dowiedziawszy się, że długo oczekiwany spadek płynie do Cziczikowa, pisze do gubernatora donos, po czym jego przyjaciel trafia za kratki.

Paweł Iwanowicz Cziczikow zawiódł nadmierny sentymentalizm. Wszystkie jego marzenia krążą wokół wymarzonej rodziny z piękną żoną i gromadką dzieci. Gdy tylko zamknie oczy, pojawia się przed nim ten obraz duszpasterski i wtedy z nową energią zaczyna wykonywać swoje obowiązki.

Cziczikowowi w „sprawach” pomagają urzędnicy. Krążą wokół niego, a ich obrzydliwe, uśmiechnięte twarze wystają przez dziury w ścianach dwumetrowego cylindra, który stoi na środku sceny i przypomina urządzenie do sztuczek. Gdy tylko Cziczikow wręczy pieniądze „gadającym główkom”, natychmiast znikają, ale natychmiast nowe chciwe ręce wyciągają się z czarnej jamy czołgu i znów muszą dać. Przypomina to sesję czarnej magii, która sprawia, że ​​czujesz się straszny i bolesny w swojej duszy.

„Dokąd idziesz, Rusie?” – pyta reżyser o Gogola. Gdzie znaleźć wybawienie w tym szalonym świecie pełnym widm? Odpowiedź pojawia się pod koniec spektaklu, gdy całkowicie zmiażdżony Cziczikow, nie myśląc już o rodzinnym szczęściu i bogactwie, pyta woźnicę: „Jak myślisz, Selifanie, czy mam żywą duszę?” I płacze. Chichikov przypomniał sobie swoją duszę, kiedy pozostał nagi jak sokół. A raczej to jego dusza przypomniała mu o sobie, pokazując Cziczikowowi drogę do zbawienia.

Wremya Nowostej, 16 listopada 2005

Aleksander Sokolanski

Prezentacja na ocenę B z plusem

„Martwe dusze” w Teatrze Majakowskiego

Nauczyciel rosyjskiego i literatury będzie zdenerwowany: chłopcy starali się, jak mogli. Wszyscy odpowiedzieli poprawnie, przeczytali nawet drugi tom i w ogóle to dobrzy, patriotyczni chłopcy. Naprawdę chcę im powiedzieć: „Dobra robota, przybijam piątkę”, ale szkolny program nauczania jest rygorystyczny. Jest pytanie obowiązkowe: wizerunek autora. Albo jeszcze raz: rola dygresji lirycznych. No cóż, pamiętaj: „Rus, dokąd się spieszysz? Dać odpowiedź. Nie daje odpowiedzi” – kto to mówi? Pauza. Niepewny: „Nozdrew?” Niestety nie. Wciąż cztery. Pod każdym innym względem premiera Teatru im. Majakowski (reżyser Siergiej Artsibashev, autor sztuki - „wiersz o Cziczikowie w dwóch aktach i dwóch tomach” - Władimir Malyagin, artysta Aleksander Orłow) idealnie spełnia wymagania szkolne, a także ówczesne trendy - w każdym razie ich część oficjalna. Zwieńczeniem występu był końcowy monolog Księcia, idealnego męża stanu. Igor Kostolewski, zrzuciwszy biały mundur (koszula pod spodem jest jeszcze bielsza: nasz Książę jest nie tylko czysty, ale nieskazitelnie czysty), wychodzi na środek proscenium, zwraca się do publiczności – „do tych, którzy wciąż mają rosyjskie serce w piersi.” Mówi, że czas ocalić naszą ziemię, która umiera nie od najazdu obcych, ale od nas samych; że „zamiast administracji legalnej utworzono inną administrację, znacznie silniejszą niż jakakolwiek legalna”, że „wszystko zostało wycenione, a nawet podano ceny do wiadomości publicznej” – jakie to wszystko jest prawdziwe, jakże aktualne! Jesteśmy wezwani do pamiętania, „jak w dobie powstania ludzie zbroili się przeciwko swoim wrogom” i do buntu przeciwko nieprawdzie, ale jako alternatywę proponuje się nam – co? Zgadza się, trybunał wojskowy. Już najwyższy czas, potwierdzają to brawa.

To dziwne, ale pompatyczny monolog, napisany przez Gogola w złym i przeciętnym czasie, ze sceny brzmi bardzo naturalnie. Spektakularna zmiana zadań scenicznych działa na korzyść Kostolewskiego: gra genialnego Księcia jest dla niego wygodna i interesująca po prostu dlatego, że w I akcie zagrał nieszczęsnego Plyuszkina. Od razu powiem, że we wszystkich pozostałych przypadkach (Aleksander Łazariew – Nozdrew/Chłobujew; Igor Kaszintsew – Sobakiewicz/Betriszczew; Wiktor Zaporożski – Maniłow/Kostanzhoglo; Igor Okhlupin – Prokurator/Murazow) gra się techniką „dwa w jednym” mniej wyraziście, ale wróćmy do Do księcia. Dziesięć, a nawet pięć lat temu mądry aktor nie byłby w stanie wygłosić takiej kwestii bez przestrojenia. Teraz znów stało się to możliwe: Kostolewski wyraża myśli i uczucia unoszące się w powietrzu. Publiczność go lubi i czuje to.

Siergiej Artsibashev ma z natury tę samą chęć zadowolenia większości, tę samą reakcję na sygnały „z powietrza” – temperamentną, chwytającą, bezkrytyczną – a mimo to trudno mi powiedzieć, czy reżyserowi zależało na takim sukcesie. Łatwiej mi wytłumaczyć, czego kategorycznie nie chciał: zająć się stylem autora i szczególną, „fasetową” wizją świata, charakterystyczną tylko dla Gogola. Próba oddania głębokiego, groźnego uroku Dead Souls jest dla reżyserów wyczerpująca i kosztowna.

Ani Marek Zacharow (Mistyfikacja, 1999), ani Piotr Fomenko (Cziczikow, 1998), ani Jurij Łubimow (Opowieść rewizyjna, 1978) nie poradzili sobie z „Dead Souls”. Anatolijowi Efrosowi („Droga”, 1979) oni, mówiąc poważnie, po prostu zepsuli teatr, całkowicie rozbijając niegdyś niesamowity, ale już stopniowo zaczynający pękać zespół aktorski („Wielu generałów było myśliwymi i zostało wziętych do niewoli, ale oni przyjdzie, stało się, nie, to trudne” – mawiał Chlestakow). Można powiedzieć: „mistycyzm”; można powiedzieć: „stylistyka” – w przypadku Gogola to niemal to samo. Walerymu Fokinowi udało się znaleźć do niego klucz z najwyższym wysiłkiem, tj. wpatrując się z jedyną możliwą intensywnością w dwa pozornie pozbawione wydarzeń rozdziały tomu 1, 7 i 8 („Pokój w hotelu miejskim NN”, 1994).

Artsibashev, który realizował wielkoformatowe przedstawienie, nie czułby się komfortowo poddając się takiej analizie. Zamiast zmagać się z wierszem Gogola – czterowymiarową prozą, jak to ujął Nabokov – wystawił wykształcony, szybki i łatwo przyswajalny przegląd zabaw, sztukę – wprowadzenie. „Przygody Cziczikowa” – tytuł wymyślony przez życzliwego cenzora Nikitenkę – bardziej pasowałby na plakacie Teatru Majakowskiego niż na plakacie autora.

Bohaterowie są rozpoznawalni na pierwszy rzut oka; przewodnik namawia tych, którzy chcą zatrzymać się i przyjrzeć bliżej: szybciej, szybciej, będziemy jeszcze wracać do tomu 2, tego, którego nie czytaliście. W przerwie bohaterowie przebierają się (projektantka kostiumów – Irina Czerednikowa), kolorowe sukienki zastępują czarno-białe. Pomysł jest jasny: pokazać, że drugi tom różni się jakościowo od pierwszego. To naprawdę jest bardzo różne. Gogol, który planował doprowadzić Cziczikowa do moralnego odrodzenia, musi wymyślić przynajmniej schemat: jakie spotkania, jacy ludzie rozbudzili w nabywcy martwych dusz tęsknotę za żywą, a może nawet nieśmiertelną duszą? Nie udało mu się ożywić wymyślonego schematu, postacie pozostały kartonowe, ale w podsumowaniu przedstawienia nie dba o to, że Nozdrew napisał znakomicie, a Chłobujew słabo, ani o problemy jakości literackiej w ogóle.

Można by pomyśleć, że „czarno-biały” w spektaklu Artsibaszewa bynajmniej nie jest równoznaczny z „bezbarwnym”. Raczej próbują nam pokazać, że przed wyborem między ciemnością a światłem nie można się ukryć, że nie ma już „kolorowych” przestrzeni pośrednich. Jest to prawdą ze wszystkich pozaartystycznych punktów widzenia, a w sztuce naprawdę okazuje się, że drugi tom „Dead Souls” nie jest gorszy od pierwszego. Dokładniej – ponieważ wszystkie postacie, z wyjątkiem Cziczikowa, są napisane dwiema lub trzema szerokimi kreskami – tom pierwszy nie jest lepszy od tomu drugiego.

Siergiej Artsibashev od samego początku stawia sobie za cel Cziczikowa, swojego bohatera, „moralne odrodzenie”. Oszustwa rozpoczynają się tylko dlatego, że Chichikov nie wie, jak inaczej ułożyć swoje życie. Własny dom, żona, wiele dzieci, spokój i niezależność – tylko tego pragnie, a żeby to wszystko osiągnąć, musi oszukać. „Jak nie jechać przez błoto, / Kiedy jedziesz przez Ruś” – śpiewa jedna z piosenek skomponowanych na potrzeby występu Yuli Kim. Oto pytanie: jak?

W najlepszych, niestety nielicznych momentach Artsibaszewa, Chichikov przypomina wspaniałego Dynina Evstigneeva z filmu „Witamy albo wzbronione”. Nie tylko w wyglądzie, głosie i nawykach, ale, co ważniejsze, w samoświadomości. Bolesne nieporozumienie: co jest we mnie niepoprawnie złego?

Odpowiedzi należy szukać poza performansem. Artsibashev go nie zna, autor „Dead Souls” nie chce wiedzieć, bo myślenie Gogola-moralisty jest skonstruowane inaczej niż myślenie Gogola-artysty. Wydaje się, że poprawną odpowiedź znalazł Nabokov (esej „Mikołaj Gogol”, rozdział „Nasz pan Cziczikow”), dla którego bohater pierwszego tomu jest nie tylko i nie tyle oszustem, ale kondensacją ludzkiej wulgarności, jego potworna personifikacja. Oszust może stać się cnotliwy, ale cnotliwy Cziczikow jest skazany na pozostanie wulgarnym: to straszne przypuszczenie skazywało na spalenie drugiego tomu.

Aby zrozumieć całą jego wierność i całą jego grozę, trzeba uważnie i z natchnieniem przeczytać wiersz Gogola, trzeba umieć czerpać przyjemność z czytania. Tego właśnie Nabokov próbował nauczyć swoją amerykańską publiczność. Z niewielkim sukcesem, podobnie jak Roland Barthes, który próbował wytłumaczyć Francuzom, czym jest „pleisir du tekst” i jak go osiągnąć, a także całe plemię moli książkowych przeżywające kryzys demograficzny. Prawdopodobnie zagrożony.

Performance Siergieja Artsibaszewa, jak każde streszczenie, przeznaczony jest dla osób, które nie lubią czytać. Nie ma więc w nim miejsca ani na mistycyzm Gogola, ani na liryzm Gogola, ani na samego Gogola (kiedy pisałem, że Nozdrew zwracał się do Rusi z pytaniem „Dokąd się spieszysz?” – myślisz, że żartowałem?). Nie mam nic przeciwko podsumowaniom, które niosą w masach echo wysokiej kultury książki, ale muszę ostrzec mole książkowe, które nie mają nic wspólnego z tym przedstawieniem, które jest na swój sposób dobre i mądre.

Ciekawostka: scena jest bardzo gęsto zapełniona – trzy tuziny postaci, nie licząc dzieci, urzędników i pań na balu. W przedstawieniu Artsibaszewa nie było miejsca tylko dla jednej z dość znaczących postaci poematu Gogola, a mianowicie lokaja Cziczikowa Pietruszki.

Jedyna istota w świecie martwych dusz, która uwielbiała czytać.

Kultura, 17 listopada 2005

Natalia Kamińska

Biedny, biedny Paweł Iwanowicz!

"Martwe dusze". Teatr Majakowskiego

Szezlong Chichikova ponownie podróżuje po jej rodzinnych przestrzeniach. W Lenkom do niedawna „Mistyfikacja” N. Sadura i M. Zakharowej była pokazywana po pełnych salach. W międzyczasie w telewizji pojawił się dziwny esej P. Łungina, całkowicie darmowy i całkowicie „na podstawie” Zacharowa. Drugi tom wiersza pozostawił w nim swoje ślady, z których, jak wiadomo, po spaleniu przez samego autora zachowały się niedokończone fragmenty. Ale pomieszane ze śladami tomu pierwszego i sporą ilością gagów, ścieżki te prowadziły od oryginalnego Gogola do Bóg jeden wie dokąd.

Siergiej Artsibashev i autor sztuki Władimir Malyagin również mają w swoich rękach drugi tom, przy czym oddany jest im cały drugi akt sztuki. Ale znając ten tandem ze sztuki „Karamazow”, nie było powodu spodziewać się odważnych i nieprzewidywalnych wycieczek szlakami Cziczikowa. Oczekiwania były uzasadnione. Zarówno inscenizacja, jak i spektakl zrealizowane zostały w dość tradycyjny sposób – z poszanowaniem oryginału, z próbą dokładnego odczytania tego, co napisał autor, i z podkreśleniem „ulubionej myśli” samych twórców spektaklu. Jednym słowem w tym teatrze odbyło się przedstawienie, które wielu zapewne zapisze jako estetyczne „wczoraj”.

Jednocześnie nowa twórczość Artsibaszewa okazała się na swój sposób mocna i integralna, a także przenikliwa społecznie i, jak gdyby powiedzieli „przedwczoraj”, ideologicznie beznadziejna. Beznadzieja jest jej przekrojowym, bolesnym tematem.

Co dziwne, ale wręcz symptomatyczne, zarówno „Władcy Golovleva” Kirilla Serebrennikowa, jak i „Dead Souls” Siergieja Artsibaszewa są w zasadzie wołaniem na ten sam temat. Można więc pomyśleć, że w obecnej sytuacji teatralnej, którą siorbiemy jak pusty kapuśniak, jednostki, które potrafią mówić poważnie, nie są rozproszone po kątach, ale gromadzą się na wieczorku herbacianym i nawet wtedy zostanie tylko kilka ust do wykarmienia. A co z tego, że jedna ma czarne brwi, a druga jest łysa, jedna jest w modzie dzisiaj, a druga była w niej wczoraj?

Gdyby Artsibashev po kilku niczym nie wyróżniających się sezonach w Majakówce, na której czele stał, tchórzliwie rzucił się w stronę postmodernizmu, najprawdopodobniej wywołałoby to wielkie zakłopotanie. Na szczęście pozostał sobą. Dokładniej, w końcu próbował wrócić do siebie. I znowu okazałem się interesujący. Ponadto sam Chichikov gra. Zabija dwie pieczenie na jednym ogniu.

Artsibashev to doskonały aktor, który jest znany od dawna. Po raz pierwszy zdecydował się zagrać w Teatrze Majakowskiego, najpierw planując główną rolę Michaiła Filippowa, a następnie odbywając próby z Daniilem Spiwakowskim. W rezultacie gra samego siebie i kto wie, może ta okoliczność dopisała mu do reżyserskiego proszku? Jednak jaką dla nas to robi różnicę?

Kolejnym udanym „zakładem” jest udział scenografa Aleksandra Orłowa. Jego dekoracja nie tylko działa i sugeruje, ona organizuje znaczenie. Świat, do którego Chichikov tak bardzo dąży od pierwszego tomu, ukryty jest za wysoką czarną, cylindryczną ścianą. W tym monolicie powstają mistyczne otwory - nie tylko drzwi, ale także podejrzane dziury, które „wyplują” i „wsysają” głowy urzędników, ręce łapówek, przedmioty, które w trakcie akcji należy ukryć od wścibskich oczu. W tym fragmencie Wieży Babel kryje się otchłań metafor. Oto głowy urzędników wystające według tabeli rang - od dołu do góry. Tutaj ciemne łono przyjmuje czarującego Pawła Iwanowicza, a następnie wyrzuca go na pierwszy plan kupującego martwe dusze.

Przez cały pierwszy tom – pierwszy akt – Chichikov dąży do wnętrza cylindra. A kiedy w drugim tomie osiąga swój cel, w środku pojawia się biała, ziejąca pustka. Jednocześnie zmieniają się także ruchy bohaterów, stają się załamane i pozbawione życia. To tak, jakbyśmy zostali zaproszeni do utopii, którą Gogol bardzo starał się stworzyć. Wymyślił postępowych właścicieli ziemskich, szlachetnych namiestników, nakreślił sposoby wyjścia Rosji z bagna...

Potem przeczytałem, rozejrzałem się, złapałem się za głowę i wrzuciłem utopię do piekarnika.

Chichikov ma poważny dylemat w drugim akcie. Siedząc za kratami więzienia, kusi go zarówno anioł w postaci pobożnego milionera Murazowa (Igor Okhlupin), jak i diabeł, czyli przedstawiciel Temidy (Evgeniy Paramonov). Jedna przekonuje: przestań oszukiwać, zacznij nowe życie. A drugi obiecuje zwrócić nieczysty kapitał skonfiskowany podczas aresztowania. Ale z warunkiem wycofania! Od tego właśnie powrotu, który (przepraszam za rym) wszystkim obecnym biznesowym Rosjanom jest bliższy przyjacielowi, towarzyszowi i bratu, rozpoczyna się akcja tomu drugiego.

To przedstawiciele wymiaru sprawiedliwości proponują Pawłowi Iwanowiczowi oszustwo związane z spadkiem, ale za dobry procent dla siebie. Cień Suchowa-Kobylina, tak pożądanego w obecnym teatrze, wisi nad biednym Cziczikowem. Jednocześnie myśl bardzo podobna do myśli Zacharowa w „Mistyfikacji” jest przekazywana bohaterowi Artsibaszewa – współczuję temu człowiekowi. Swoim duchem przedsiębiorczości niczym zagubiona owieczka wpadł między wilcze kły domowej rzeczywistości.

Tymczasem ostatecznym celem jego ewolucji było po prostu słodkie życie rodzinne ze spokojną pięknością i pięciorgiem dzieci. To duszpasterskie towarzystwo od czasu do czasu przechodzi przez scenę w snach Cziczikowa. I pewnego dnia dama serca materializuje się nawet w córce utopijnego, cnotliwego generała Ulince (Maria Kostina).

Reżyser Artsibashev wykorzystuje oczywiście wszystkie możliwości swojej gwiazdorskiej trupy. Gdyby nie mistyczny cylinder miasta N i jego okolic, odwetowy charakter scen z tomu pierwszego byłby jeszcze bardziej oczywisty. Aleksander Łazariew gra Nozdriowa z jeszcze większym kunsztem komicznym niż starzec Karamazow. Svetlana Nemolyaeva to taka klubowa Korobochka, że ​​nie ma dokąd pójść. Plyuszkin w przebraniu Igora Kostolewskiego to nieoczekiwane posunięcie, a aktor gra mocno, ale nadmiar makijażu i szmat to klasyczna „łza człowieczeństwa”. Sobakiewicza w ważnym organicznym dziele Igora Kaszyncewa nie wymaga żadnych wyjaśnień. I Maniłow – Wiktor Zaporoski – jak teraz z dobrej ilustracji książkowej.

Sam Chichikov, w przeciwieństwie do innych, wcale nie jest odwetem. Wydaje się wręcz zacieniony, niespodziewanie liryczny i bardzo po ludzku zrozumiały. Organiczna natura artysty Artsibasheva sprawia, że ​​może on być absolutnie przekonujący nawet bez bogatych farb olejnych. Ale może funkcja reżysera, czyli tajne nadzorowanie swoich podopiecznych, sprawia, że ​​jego obecność na scenie staje się także cichsza i bardziej wyważona?

Żywa powtórka pierwszego aktu ma jednak swoją logikę. Najpierw grają klasykę, coś, co jest wszystkim znane i ugruntowane teatralnie. Ale po przerwie kontury się zacierają, nasilają się refleksje, a nawet nastroje. Dręczony wątpliwościami Nikołaj Wasiljewicz zapada w na wpół chory sen, w którym mnożą się retoryczne pytania do Ojczyzny.

Ci sami artyści zmieniają role i wygląd. Kostolewski zrzuca swoje szmaty Plyuszkina i wyłania się jako szlachetny książę-gubernator.

We współczesnym teatrze trzeba odważyć się na monolog o kradzieży i przekupstwie, które osiągnęły w kraju zaporowe rozmiary, o wszelkich obowiązkach, honorze i sumieniu. Choć drugi tom jeszcze nie jest skończony... Czyli monolog nie jest wyrzucony na salę, ale jakby sprawdzał się pod kątem dźwięku i tak się kończy... Beznadzieja.

Notabene, znowu u Cyryla Sieriebriennikowa, tylko w sztuce braci Presniakowów „Grając ofiarę”, coś podobnego mówi… policjant. Jest także odpowiedzialną osobą w służbie cywilnej. Ale - nie książę. Nie napisany przez Gogola, ale przez współczesnych ludzi.

Jednak Gogol potrafił także znacznie lepiej posługiwać się sarkazmem i kpiną niż nagim patosem.

Publiczność na występie Artsibasheva będzie miała niezłe ubaw. I zaangażuj się w smutną samoidentyfikację. Ale najważniejsze jest, aby w końcu spotkać się z reżyserem, który nie jest przeznaczony na łatwą wieczorną rozrywkę.

LG, 16 listopada 2005 r

Borys Pojurowski

Rosjo, opamiętaj się! - Gogol woła

„Martwe Dusze” w Vl. Majakowski

Wydawałoby się, co ma z nami wspólnego Nikołaj Wasiljewicz? Od jego śmierci minęło półtora wieku. Wydaje się jednak, że nadal go swędzi i wciąż ma nadzieję, że zostanie wysłuchany. Nawiasem mówiąc, Gogol zmarł w Moskwie, na Bulwarze Nikitskim, niedaleko Teatru Vl. Majakowskiego, gdzie kilka lat temu pojawiła się niesamowita sztuka „Małżeństwo”. Najwyraźniej jego dyrektor Siergiej Artsibashev generalnie nie jest obojętny na Gogola. Jeszcze wcześniej wystawił „Generalnego Inspektora” w Teatrze Pokrovka. I w obu przypadkach reżyserowi udało się zauważyć coś, co inni spokojnie przeszli, zwłaszcza ci, którzy sięgali po komedie Gogola wyłącznie po to, by zwrócić na siebie uwagę.
Autor spektaklu, Władimir Malyagin, zna oczywiście twórczość Michaiła Bułhakowa, zaprezentowaną po raz pierwszy w 1932 roku na scenie Teatru Artystycznego. Ale moim zdaniem doświadczenie jego poprzednika w żaden sposób nie ograniczało wyobraźni Malyagina. Co więcej, Michaił Afanasjewicz wykorzystał tylko pierwszy tom poematu Gogola. I Malyagin włączył drugi.

Narracja S. Artsibaszewa zawiera humor, romans i satyrę. Ale nad nimi wszystkimi panuje oczywiście uczucie rozpaczy i bólu, graniczące z krzykiem: „Rosjo, opamiętaj się!”
Chichikov – grany przez Artsibasheva – w żadnym wypadku nie jest Ostapem Benderem 2005 roku. Najprawdopodobniej wywodzi swoje pochodzenie od Akakiego Akakievicha Bashmachkina poprzez Smierdiakowa, Rasplujewa i Tarelkina. Co minutę Paweł Iwanowicz marzy o tym, by zacząć żyć uczciwie, w gronie rodzinnym, w otoczeniu szlachetnych ludzi. I to nie jego wina, że ​​za każdym razem staje na tej samej grabi.
Jego ojciec doradzał także Pavlushowi, jak zachowywać się w społeczeństwie, aby osiągnąć sukces. Ale według Cziczikowa byłoby lepiej, gdyby zostawił swojemu synowi przynajmniej jakąś fortunę w spadku, aby biedak nie musiał ciągle być w potrzebie.

Chichikov Artsibasheva jest początkowo postacią cierpiącą, budzącą raczej współczucie niż wstręt i pogardę. To nie on – Chichikov – kieruje akcją, lecz za jego pośrednictwem wszystkimi wydarzeniami kieruje Radca Prawny – osoba rzeczywista, a zarazem mityczna – faktyczny pan życia, tworzący prawa, kierujący śledztwem, wymierzający sprawiedliwość, karzący i miłosierny, zależnie od własnych interesów.

Drugą najważniejszą postacią spektaklu jest Evgeny Paramonov – radca prawny. On i Mefistofeles uwodzą Fausta-Chichikowa. I Wolanda, którego możliwości są nieograniczone. Cynizm bohatera Paramonowa rozbraja swoją szczerością, która jednak nie pozbawia go uroku. Możesz się na niego złościć, ile chcesz, ale nie możesz odmówić mu logiki i, co najważniejsze, konsekwencji. Radca prawny ceni swoją reputację i ponosi pełną odpowiedzialność za swoje zobowiązania. Ponieważ nigdy nie obiecuje więcej, niż może zapewnić. A może wiele. Bo będąc nikim, Radca Prawny tak naprawdę prowadzi wszystkich – ten najbardziej doświadczony lalkarz o olśniewającym, białym uśmiechu. To nie jest tak, jak nieszczęsny Cziczikow, każdy z nas jest gotowy mu wszystko powierzyć!

W przedstawieniu nie ma nieistotnych szczegółów - od szezlonga, w którym podróżuje Chichikov, po nakrycia głowy zdobiące lokalne piękności. Każdy, kto pojawi się na scenie choćby na kilka minut, jest absolutnie niezbędny dla całościowej narracji, czy to ojciec Cziczikowa, Rasmi Dzhabrailov, próbujący w maleńkim monologu nakreślić podstawowe zasady życia, czy Aleksandra Iwanowna Khanasarova, Maya Polyanskaya, milionerka, żywego trupa w ciągu pięciu minut i nie wypowiadając ani słowa. I urocza właścicielka ziemska Maniłowa - Galina Belyaeva, i najmilszy gubernator - Efim Baikovsky i jego żona-suka - Elena Kozlitina i ich kapryśna córka - Olga Ergina i arogancka księżniczka - Nadieżda Butyrtseva i Boży mniszek lekarski, marzenie Cziczikowa Ulinka - Maria Kostina i dzielny służący kapitan policji – Wiktor Własow pojawiają się tylko na chwilę, ale bez nich obraz byłby wyraźnie uboższy. Jakże byłoby biednie bez muzyki Władimira Daszkiewicza i bez pieśni Julii Kima, bez choreografii Jurija Klewcowa i Aleksieja Mołostowa.

W dzisiejszych czasach, gdy niemal powszechnie panuje zwyczaj rozmawiania z klasykami wyłącznie po imieniu, bez najmniejszego szacunku dla nich, doświadczenie Vl. Majakowski w pewnym sensie wygląda na śmiałe wyzwanie. Przewiduję, że dla najbardziej zdystansowanych i szczególnie wyzwolonych od uprzedzeń kolegów, „Dead Souls” uznają za potrawę nazbyt mdłą, nie doprawioną przez autorów zabawy wulgaryzmami, nie ozdobioną żywymi obrazami w stylu „aktu”, którzy tak nie domyślam się niekonwencjonalnej orientacji gubernatora, który podejrzanie interesuje się tak wyraźnie niemęską działalnością, jak haftowanie na jedwabiu…

Teatr zaniepokoił się moralnością, która niestety nie zmieniła się wcale od czasów, o których opowiada Mikołaj Wasiljewicz. Co więcej, spektakl i performans są tak skonstruowane, że niespodziewanie odkrywamy w wierszu Gogola szczegóły, które wcześniej pozostawały w cieniu. Oczywiście w spektaklu zachowały się zarówno wizyty Cziczikowa, jak i wizerunki wszystkich właścicieli ziemskich, których zaszczycił swoją uwagą. Ale poza tym na pierwszy plan wysunęły się motywy, którymi kierował się przede wszystkim sam Paweł Iwanowicz. A dokładniej ci ludzie, którzy popychają go do niestosownych działań, obiecując swój wysoki patronat, czyli, jak powiedzieliby dzisiaj, „dach”. Widzisz, przeciwstawienie się takim pokusom z gwarancją bezkarności jest trudne nie tylko dla Cziczikowa!..
Artysta Alexander Orłow wymyślił czarny ekran, który chowa się pod kratą, obracając się po okręgu i pozwalając, aby akcja toczyła się bez przerwy. Kiedy jednak nagle potrzebuje powiększenia przestrzeni, bez problemu rozsuwa drzwi i znajdziemy się np. na balu. Dodatkowo ścianki ekranu zostały zaprojektowane w taki sposób, aby w razie potrzeby w każdej chwili można było przez nie przeniknąć i zniknąć w środku bez śladu. Lub utwórz okno w ścianie.

Projektantka kostiumów Irina Czerednikowa używa wyłącznie pastelowych kolorów. Jednocześnie wcale nie dąży do różnorodności i wielokolorowości, preferując spokojne kolory: biały, czarny, jasnoszary, jasnozielony, szczególnie w scenach tłumowych. Trafność epoki, uchwycona w strojach, fryzurach i kapeluszach, nie tylko nie umniejsza ostrości percepcji, ale jeszcze bardziej podkreśla główną ideę twórców spektaklu, którzy upierają się, że przez ostatnie lata, niestety, nic się nie zmieniło w naszym życiu. Przyjmujący łapówki, skorumpowani urzędnicy, oszuści nadal czują się swobodnie i bezkarnie, ponieważ wszyscy i wszystko jest skorumpowane - „od kanclerza po ostatniego oficera protokołu”, jak zauważył Puszkin w 1828 roku! To oni tworzą takie wilcze prawa, zgodnie z którymi każda osoba próbująca stać się człowiekiem zmuszona jest „wyć jak wilk”.
Spektakl w żadnym wypadku nie jest zamieszkany przez potwory, chociaż nie są to ludzie. Większość aktorów gra dwie role. A niektórzy robią to tak umiejętnie, że wystarczy spojrzeć na program, aby dowiedzieć się: tak, rzeczywiście, Wiktor Zaporoski gra nie tylko ukochanego Manilowa, ale także prawdziwego mężczyznę Kostanzhoglo. Absolutnie niemożliwe jest zidentyfikowanie Igora Kostolewskiego w Plyuszkinie. Ale w drugim akcie jest on genialnym Księciem, Generalnym Gubernatorem, któremu twórcy spektaklu powierzyli przekazanie nam ostatnich słów Gogola, pełnych goryczy, smutku, ale i nadziei. Od tych słów, moim zdaniem, cała historia zaczęła się od produkcji „Dead Souls”. Im bardziej osobisty i zapracowany staje się monolog Naczelnika, tym więcej osiągnie i aktor, i teatr, choć tu oczywiście ważne jest zachowanie proporcji, bo nie daj Boże, żeby popadło to w deklamację i fałszywy patos! W takim przypadku ktoś na pewno podejrzewa, że ​​te słowa nie należą do Gogola, ale do Malyagina. Posłuchaj uważniej, co mówi Książę: „Wiem, że hańba jest w nas zbyt głęboko zakorzeniona. Do tego stopnia, że ​​wstydem i hańbą jest uczciwość... Nadszedł jednak moment, w którym trzeba ocalić naszą ziemię, ocalić naszą Ojczyznę. Zwracam się do tych, którzy wciąż mają w piersi rosyjskie serce i rozumieją słowo „szlachta”. Bracia, nasza ziemia ginie! Nie ginie od najazdu obcych, ginie od nas samych. Już teraz oprócz legalnego rządu powstał jeszcze jeden, silniejszy od legalnego. Wszystko w naszym życiu zostało już ocenione i ceny ogłoszone całemu światu. Żaden najmądrzejszy i najbardziej uczciwy władca nie jest w stanie naprawić zła, dopóki każdy z nas nie powstanie przeciwko nieprawdzie. Apeluję do tych, którzy nie zapomnieli, czym jest szlachetność myślenia. Tym, którzy mają jeszcze żywą duszę. Proszę, abyście pamiętali, że istnieje dług, który należy spłacić tu na ziemi. W końcu, jeśli ty i ja nie będziemy pamiętać o naszych obowiązkach...
Czyż nie jest prawdą, można się tylko domyślać, jak półtora wieku temu Gogolowi udało się przeliczyć naszą sytuację i zawczasu ostrzec o zbliżającym się niebezpieczeństwie…

Wróćmy jednak do wykonania i zwróćmy uwagę na jeszcze jedną jego cechę. Wszystkie role, w tym Chichikov, są oznaczone linią przerywaną. Reżyser prawie nie pozwala aktorom usiąść. Zazdrośnie dba o to, aby akcja rozwijała się błyskawicznie, z prędkością wiatru. Aby nikt nie miał czasu martwić się zachowaniem Pawła Iwanowicza: czy właściciel ziemski w Chersoniu zaczął żartować?
Jednocześnie Artsibashev nie chce powtarzać intonacji swoich wielkich poprzedników, popycha aktorów do poszukiwania większej niezależności. Zatem Nozdrew Aleksandra Łazariewa to nie tylko awanturnik, awanturnik i bezczelny, ale na swój sposób romantyczny charakter. A jego własny Chłobujew w drugim akcie jest początkowo postrzegany jako zupełny niebyt, naznaczony jednak wygórowanymi ambicjami. A Korobochka Swietłany Niemolajewej nie jest taką skamieniałością, ale zupełnie pragmatycznym stworzeniem. W duecie z Galiną Anisimową wciąż igrają porywająco na obrazie Po prostu Przyjemnej Damy i Przyjemnej pod każdym względem Pani. Igor Kaszyncew, chętnie rozprawiwszy się z bezczelnym Sobakiewiczem, w drugim akcie pojawia się w roli wybawiciela Ojczyzny, generała Betrischeva. Zachowanie Igora Okhlupina jest również dokładne, szczególnie w wizerunku milionera Murazowa. Ileż ironii kryje się w kilku uwagach woźnicy Jurija Sokołowa Selifana!

Na tle panującej teatralnej niezgody i bezprawia spektakl „Martwe dusze” w Teatrze im.
Wł. Majakowski postrzegany jest jako poważny akt społeczny, a nie tylko sukces artystyczny, wskazujący, że mimo wszystko ziemia wciąż się kręci!..

Wyniki, 21 listopada 2005 r

Elena Rozmiarenko

W dwóch tomach

„Martwe dusze” w Teatrze. Wł. Nie mogli ożywić Majakowskiego

Patrząc na plakaty Majakówki z ostatnich lat, każdy krytyk nieuchronnie będzie zdezorientowany. Istnieją bardzo duże różnice w materiale, który wybiera dyrektor artystyczny Siergiej Artsibashev, z łatwością przechodząc od tekstów jawnie komercyjnych, wymagających stylu przedsiębiorczego, do arcydzieł literackich. Zwrot do „Małżeństwa”, „Karamazowa”, a teraz „Dead Souls” zakłada nie tylko inny styl, ale oczywiście także inne wartości, zasadniczo inną orientację duchową. Pomimo całego pragnienia odniesienia sukcesu zarówno tam, jak i tutaj, bycie jedną na dwie osoby jest prawie niemożliwe. Najnowsza premiera teatru jest tego wymownym dowodem.

Właściwie podczas pracy nad tym spektaklem były dwie intrygi. Pierwszym było przypisanie kilku gwiazdorskich aktorów do dwóch ról jednocześnie. Druga, imponująca swoją wielkością, polegała na próbie ucieleśnienia, wraz z pierwszym tomem wiersza, drugiego, jak wiadomo, prawie całkowicie spalonego przez Gogola, a obecnie „odtworzonego” przez dramaturga Władimira Malyagina. Jeśli chodzi o przemiany aktorskie i przyjętą tu lekką, chwytliwą wirtuozerię, to niestety nie ma tu szczególnych sukcesów. Wydaje się, że na spotkanie z Gogolem przybyły pierwsze „twarze” teatru, zabierając ze sobą zestaw własnych klisz i banalnych wyobrażeń na temat bohaterów. Ale reżyser nie mógł lub nie chciał w żaden sposób tych przedstawień zmienić, po prostu wpisał je w ramę spektaklu (oczywiście po to, aby uczniom łatwiej było potem „podążać za obrazami”). Dlatego Sobakiewicz (podobnie jak Betrischev) w wykonaniu Igora Kaszyncewa jest ciężki, ponury i tyle; Box Svetlany Nemolyaeva (podobnie jak Just a Nice Lady) jest rzeczywiście „głupi” i wybredny; Maniłow Wiktora Zaporożskiego (podobnie jak Kostanzhoglo) jest słodki aż do przesady, Nozdrew Aleksandra Łazariewa (aka Chłobujew) jest zawsze pijany i lekkomyślny. Na tym tle odkryciem wydaje się po prostu sensowna, wewnętrznie logiczna egzystencja na scenie. Na przykład Igor Kostolewski jako Plyushkin. Za szmatami, bełkotem i charakterystycznym makijażem jego bohatera widać coś więcej – makijaż duszy, zgorzkniałej, mściwej i… zaskakująco nieszczęśliwej, szukającej podstawowego współczucia. Sam Siergiej Artsibaszew w roli Cziczikowa zostanie zapamiętany nie tylko ze względu na ciężki, wyczerpany wygląd i ogoloną głowę wciągniętą w ramiona, ale także ze względu na precyzję intonacji zwykłego współczesnego urzędnika, który marzy o zdobyciu kapitału (nie da się dziś zapracuj na to sprawiedliwie) i zachowaj resztki sumienia...

Ogólnie rzecz biorąc, tak czy inaczej, pierwszy akt wygląda, choć trochę nudno, ale nie powoduje żadnego szczególnego odrzucenia. Jednak zamach na nagie głoszenie, otwarte potępienie kojarzone z drugim tomem wiersza, wytrąca spod spektaklu kruche podpory. Język staje się pompatyczny. Malowniczość (aczkolwiek przesadną) zastępuje czarno-biała paleta, nie tylko w kostiumach, ale także w grze aktorskiej. Degeneracja moralna Cziczikowa wygląda na szybką i dlatego wyjątkowo nieprzekonującą. Jednak tych wszystkich przesady i prostych alegorii nie da się porównać z końcową sceną z kartonu, w której Generalny Gubernator (Igor Kostolewski) wygłasza żałosne przemówienie do wszystkich, „którzy mają jeszcze rosyjskie serce w piersi”, wzywając ich, aby pamiętali swój obowiązek i ocalić umierającą ziemię. Urzeczony pomysłem reżyser z patosem wskrzesił zapomniane techniki prowincjonalnego teatru XIX wieku.

Wydania z

Reżyser sceniczny: Siergiej Artsibaszew
Premiera: 12.11.2005

„Mały człowiek z małymi pasjami”

„Dead Souls” to kolejna wspaniała interpretacja klasyka Artsibaszewa, który zaryzykował wystawienie po raz pierwszy na scenie teatralnej pierwszego i drugiego (niedokończonego przez Gogola) tomu dzieła. Już w pierwszym roku premiery spektakl zadeklarował się na tyle głośno, że od niemal dziesięciu lat uznawany jest za spektakl numer jeden teatru. Majakowski na równi z „Małżeństwem”.

„Dead Souls” udało mi się odwiedzić dwukrotnie: raz w pierwszym miesiącu trwania wystawy i drugi raz jesienią ubiegłego roku. Przez te osiem lat występ stał się jeszcze bardziej dopracowany i spójny. Głównie Chichikov jest teraz inny. Wcześniej grał go sam Siergiej Artsibashev, muszę przyznać, znakomicie, ale ma nieco inny smak własnej osobowości, wyraźną męskość, której nie do końca skojarzyłem z literackim Pawłem Iwanowiczem. A grający tę rolę od 2011 roku Siergiej Udovik znakomicie wpasowuje się w ten typ. Przeciętność i nuda tego „przeciętnego dżentelmena”, którego jedyną pasją była niezastąpiona chęć wzbogacenia się – wszystko to idealnie ucieleśnia na scenie aktor.

Spektakl Artsibaszewa to oczywiście unowocześniona wizja pierwotnego źródła, zarówno wewnętrznego, jak i zewnętrznego. Treść scenariusza jest w pewnym stopniu dostosowana do realiów, nie zawsze bezpośrednio cytuje książkę, czasami pozwala się na dowolność, jak np. ten, w którym Korobochka (Swietłana Niemolajewa) podpisuje się swoim adresem e-mail („dot ru”). . Ale mimo to w usta bohaterów wkładane jest właściwe znaczenie, które poprawnie przekazuje idee Gogola. Spektakl prezentowany jest zadziwiająco także zewnętrznie. Po pierwsze, jest to niezwykła dekoracja, w postaci dwóch półkolistych ścian, białej wewnątrz i czarnej na zewnątrz. Po drugie, ściany utkane z szerokich wstążek stanowią szczególny projekt artystyczny. Z scenerii wyłaniają się ręce, ustawiające się w czymś w rodzaju schodów, gdy Cziczikow przekupuje urzędników; potem pojawiają się torsy ludzi, przedstawiające wspaniałe ogiery, które Nozdryow (Aleksiej Dyakin, a ostatnio także niezapomniany Aleksander Łazariew) tak chętnie sprzedaje; następnie montuje się w nich elementy wystroju scenicznego. I ta kratka materii jest we wszystkim, nawet w ubraniach bohaterów, jakby życie składało się z tych czarno-białych kwadratów, jak szachownica, gdzie trzeba przemyśleć ruch, postępować „według zasad” i gdzie wszystko jest albo białe, albo czarne.

Ciekawa jest metamorfoza aktorów w jednym przedstawieniu, gdy w drugim akcie ci sami ludzie odgrywają diametralnie przeciwne postacie. Szczególnie uderzający jest Igor Kostolewski, który pojawia się przed publicznością jako pierwszy na obrazie skąpego Plyuszkina. Wypełza z jakiejś dziury, w kilkukrotnie przerabianych łachmanach, z zawiązaną na głowie połataną chustą, spod której wylatuje kosmyk włosów, nerwowo szarpie żałosną szmatę w dłoni, starannie dociskając ją do siebie, uśmiecha się prawie bezzębny uśmiech - jakiś przerażający przesadny obraz Baby Jagi. A w następnej części Kostolewski jest generalnym gubernatorem, człowiekiem o wysokich zasadach moralnych, w śnieżnobiałym mundurze ze złotymi pagonami.

Spektakl oparty na słynnym dziele Gogola „Dead Souls” na scenie Teatru. Majakowski to bardzo mocne i wyraziste przedstawienie w inscenizacji Siergieja Artsibaszewa. Interesujący jest jego element wizualny - podziwiamy wspaniały dobór wspaniałych aktorów (zarówno starej szkoły, jak i współczesnych), niesamowity makijaż, który zmienia rozpoznawalne twarze nie do poznania (Plyushkin w wykonaniu Kostolevsky'ego, Nozdrev - Dyakina, Sobakeich - Andrienko, Korobochka - Nemolyaeva), stworzył efekty specjalne ( burzliwa noc, bale, promocje na sprzedaż dusz, wycieczki powozem, łapówki, zakład przemysłowy itp.). W przeciwnym razie jest to klasyk, który został starannie przeniesiony na scenę, a także możliwość zobaczenia autorskiej wizji reżysera Artsibaszewa na niedokończonym drugim tomie „Dead Souls” Nikołaja Wasiljewicza.

Podsumowując, wystarczy zacytować Gogola i z goryczą zrozumieć, jak aktualny jest on nawet po stu siedemdziesięciu latach: „Rozumiem, że hańba jest wśród nas tak głęboko zakorzeniona, że ​​uczciwość jest wstydem i wstydem. Ale nadszedł moment, kiedy musimy ocalić naszą ziemię, ocalić naszą Ojczyznę. Zwracam się do tych, którzy wciąż mają w piersi rosyjskie serce i którzy przynajmniej rozumieją słowo „szlachta”. Bracia, nasza ziemia ginie. Nie ginie od najazdu obcych, ginie od nas samych. Już obok legalnego rządu utworzył się inny, silniejszy od legalnego. Wszystko w naszym życiu zostało już ocenione i na całym świecie ogłoszono ceny. I żaden najodważniejszy i najmądrzejszy władca nie będzie w stanie naprawić zła, dopóki każdy z nas w końcu nie poczuje, że musimy zbuntować się przeciwko nieprawdzie. Apeluję do tych, którzy nie zapomnieli, czym jest szlachetność myśli, do tych, których dusze wciąż żyją, proszę, aby pamiętali o długu, który trzeba spłacić tu na ziemi. W końcu, jeśli ty i ja nie będziemy pamiętać o naszych obowiązkach...

Przygotowane przez: Andriej Kuzowkow

Wielki wiersz N.V. „Martwe dusze” Gogola były kilkakrotnie kręcone w kinie radzieckim i, może z wyjątkiem filmu V. Schweitzera z 1984 r., wersje kinowe powstały na podstawie dramatu zrealizowanego dla Moskiewskiego Teatru Artystycznego przez M.A. Bułhakow. Jego scenariuszem kierował się w 1960 r. L. Trauberg, a w 1960 r. W. Bogomołow, który odrestaurował inscenizację Stanisławskiego-Sachnowskiego z 1932 r. Już sam fakt udziału autora „Mistrza i Małgorzaty” w pracach nad spektaklem świadczy o nietrywialnym podejściu do twórczości Gogola, którego gęstość stylistyczna i syntaktyczna nie pasowała do sceny teatralnej.

Bułhakow, który w latach 30. dołączył do Moskiewskiego Teatru Artystycznego jako asystent reżysera, po zaproponowaniu scenariusza na podstawie Dead Souls, zdecydował się stworzyć dramaturgię, która umożliwiłaby wystawienie na scenie wiersza Gogola. Ale jak napisał Bułhakow w liście do swojego przyjaciela Popowa: „Martwych dusz” nie można dramatyzować. Potraktuj to jako aksjomat od osoby, która dobrze zna tę pracę. Poinformowano mnie, że jest 160 dramatów. Być może nie jest to dokładne, ale w każdym razie „Dead Souls” nie da się odtworzyć.”

Warto zauważyć, że Stanisławski i Niemirowicz-Danczenko, którzy pracowali z Bułhakowem nad sztuką, byli konserwatywni i postrzegali przyszłą produkcję w duchu akademickim, dlatego wiele pomysłów zostało po prostu odrzuconych. Na przykład akcja według scenariusza Bułhakowa powinna rozpocząć się w Rzymie („Skoro widzi ją z „pięknej odległości” - i tak zobaczymy!”), W scenariusz wpisano także postać Czytelnika, który był bliski obrazowi Gogola, wyrażając liryczny odwrót.

Podczas dyskusji na temat premierowego przedstawienia Bułhakow z żalem powiedział: „Potrzebujemy epickiego przepływu ogromnej rzeki”. Nie brał udziału w przedstawieniu Moskiewskiego Teatru Artystycznego. Była ilustracyjność i realizm, których Stanisławski szukał od aktorów przez trzy lata. Nawet dla Moskiewskiego Teatru Artystycznego taki okres pracy nad spektaklem jest dość długi. Reżyser powiedział swoim aktorom: „Za pięć do dziesięciu lat zagracie swoje role, a za dwadzieścia zrozumiecie, kim jest Gogol”. Rzeczywiście wielu aktorów zabezpieczyło swój status dzięki „Dead Souls”: na przykład Anastasia Zueva nazywana jest stałym pudełkiem. Rolę tę pełniła od 1932 roku, od samej premiery. W filmowym spektaklu Bogomołowa wizerunek Korobochki wcale nie jest zabawny: nieszkodliwa staruszka „z umysłem dziecka” zjadliwie nalega na siebie i pośrednio stara się szerzyć swoje wpływy. Nie na próżno N. Gogol ostrzegał: „Nawet inny i szanowany człowiek, ale w rzeczywistości okazuje się doskonałym Korobochką”. Jeśli chodzi o głównego bohatera, Cziczikowa, tutaj, można powiedzieć, reżyserzy zwyciężyli, zapraszając do tej roli Wiaczesława Niewinnego, który napełnił wizerunek Gogola prawdziwym oszustwem, a jednocześnie pewnym urokiem. Z ekskluzywną subtelnością Innocenty Chichikov odwiedza skorumpowanych właścicieli ziemskich, którzy stracili ludzki wygląd, aby zdobyć od nich martwe dusze.

Jak napisał w swojej książce W. Sachnowski, „na tym polega kompleksowe działanie Cziczikowa, aby zapewnić sobie mocne miejsce w życiu, niezależnie od czyichkolwiek interesów, publicznych czy prywatnych”. Innocenty bezwarunkowo zastosował się do wskazówek reżysera. Rezultat okazał się taki, jak zamierzał K.S. w latach 30. Stanisławskiego, sztuka Aktorów: na pierwszym planie zderzenie postaci, które swoją niekonsekwencją i zarazem typowością wpisują się w ogólną logikę fabuły. Autorzy spektaklu skupili się na krytycznej linii tekstu Gogola: Nozdrew, Maniłow, Plyushkin i reszta obszarników przypominają raczej emblematy ludzkich przywar, które zniewoliły cały świat. Jest to najwyższy stopień potępienia społeczeństwa, które zapominając o ideałach moralnych, stopniowo obumiera, zuboża i popada w ruinę. W teleplayu z 1979 roku nie ma obrazu rosyjskiej trojki, o niezrozumiałym kierunku, o który pytał Gogol, ale jest przede wszystkim satyra i śmiech - główna broń wielkiego pisarza w walce z bezgraniczną wulgarnością życia .

Lububa O recenzje: 140 oceny: 220 oceny: 174

NastyaPhoenix recenzje: 381 oceny: 381 oceny: 405

Opowieść o sztuce „Dead Souls” w inscenizacji Artsibaszewa (a nie mógł tego źle wystawić, znam go z Pokrovki) zacznę od „wiersza o Cziczikowie w dwóch tomach”, napisanego częściowo przez Gogola i częściowo przez Malyagina, że ​​tak powiem, na pół. Te dwa tomy składały się na dwa akty przedzielone przerwą i trwające dwie godziny. Powiem z góry, że „zewnętrznym danym” spektaklu nie można nic zarzucić: po pierwsze doskonała gra dobrze dobranych aktorów, a przede wszystkim samego Artsibaszewa w roli samego Cziczikowa. Po drugie, oryginalne rozwiązanie scenerii w postaci gigantycznego obracającego się stożka, za pomocą którego można było zrobić wszystko: otworzyć jego wewnętrzną przestrzeń tak, aby każdy mógł ją zobaczyć, a następnie umieścić coś na zewnątrz, na platformie wprawiającej go w ruch, i popchnąć w otwory na ramiona i głowę. Po trzecie, sama muzyka i „pozaekranowy” śpiew chóru wraz ze śpiewem aktorów „w kadrze”; wszystkie pieśni nie tylko organicznie dopełniały akcję stylistycznie, ale wręcz w większości zbudowane były na wątkach lirycznych dygresji Gogola. Dodajmy do tego kostiumy, oświetlenie, zamianę budki suflerskiej w szezlong – i otrzymamy produkt niewątpliwie wysokiej jakości. Ale to wszystko, jak zwykle, nie jest najważniejsze - teraz zwróćmy uwagę na znaczenie. Akt pierwszy to przede wszystkim kompetentna artystyczna lektura tekstu Gogola: bystre typy właścicieli ziemskich, subtelny humor, a na czele – Cziczikow, któremu ojciec nie zostawił pieniędzy, ale zostawił radę, jak zaoszczędzić grosz, który z entuzjazmem zaczął wypełniać to, co pozostawił w spadku jego rodzic, i nadaje się na stanowisko profesjonalnego psychologa każdej nowej „ofiarze”. Wydaje się, że przerabialiśmy to już w szkole, nie wydaje się to niczym nowym, ale już w finale, gdy tajemnicę Cziczikowa odkrywa Nozdryow (Aleksander Łazariew), widz może się zastanawiać, który z nich jest większym łajdakiem. Jednak wszystkie idee Malyagina, które zostały zarysowane dopiero w pierwszym akcie, oraz cały ewangeliczny podtekst przyjęty przez Gogola, prawie niezauważalny w pierwszym akcie, ukażą się wyraźnie w drugim akcie. Nie sposób już nie postrzegać Cziczikowa, przyłapanego na gorącym uczynku po kolejnym oszustwie i wtrąconego do klatki, jako postaci tragicznej. Zbyt przekonująco udowadnia nam, że nie jest przestępcą, nie obrażał dzieci i wdów, ale „zabierał tylko bogatym”. I sami widzimy, że kieruje nim nie żądza zysku, ale urzekający duch szczęścia rodzinnego, który objawia mu się w postaci kobiety otoczonej gromadką dzieci, bo to szczęście, jego zdaniem, byłoby niemożliwe bez środków utrzymania, bez kapitału. Sami widzimy, że namawia go do grzechu człowiek o okropnym nazwisku Radca prawny (Evgeniy Paramonov), przywódca urzędników, który w pierwszym akcie jedynie sugeruje Cziczikowowi pomysł wykupu zmarłych dusz, a w drugiej już go mocno trzyma, goni, nie puszcza, uwodzi jak diabeł i jak diabeł wychodzi z podziemia - z dziury w podłodze sceny. Ale jeśli pierwszy akt nadal w pełni odpowiada nazwie „Dead Souls” - w nim jesteśmy w pełni przekonani o bezwartościowości istnienia właścicieli ziemskich - to drugi akt powinien nazywać się „Living Souls”: zawiera dwie cholernie urocze postacie - generalny gubernator (Igor Kostolewski) i Murazow (Igor Okhlupin). Głoszą, zwracając się nie tyle do epoki pańszczyźnianej, ile do obecnego stulecia: pierwszy udowadnia słuchaczom, że nadszedł czas ratowania Ojczyzny, która ginie nie od obcych, ale od nas samych, a drugi udowadnia, że Cziczikowa, że ​​wszystkie jego plany legną w gruzach, bo są budowane na piasku – na oszustwie. „Jaka moc!” - Chichikov podziwia siłę radcy prawnego i jego świty; Murazow i książę w rozmowie z nim podkreślają, że prawda jest po ich stronie. Jak nie pamiętać przysłowia „Bóg nie jest u władzy, ale naprawdę” i nie zastosować go do globalnej, uniwersalnej skali planowanej trylogii Gogola, która, gdyby powstała, dorównywałaby dziełu Dantego?.. A Chichikov , już na wpół uratowany miłością, jaka w nim zbudziła się do Ulinki Betrischevy, dokonuje wyboru na rzecz prawdy, a nie na siłę, gdy Murazow i książę przekonują go, że jego dusza jest żywa, aktywna, po prostu ta energia, cierpliwość, pomysłowość powinna być skierowana w innym kierunku, zmuszona służyć dobru, a nie złu. Akt drugi kończą słowa woźnicy Selifana (Jurij Sokołow), który po ojcowsku ściska swego pana i jest głęboko przekonany, że jeśli dusza żyje, to jest nieśmiertelna. Czyściec, w którym przeszedł przez piekło Cziczikow, zostaje ocalony przez cierpienie, kończy się u progu nieba, dlatego po obejrzeniu tego spektaklu, jak i w ogóle po wszystkich przedstawieniach Artsibaszewa, pozostaje tak jasne, optymistyczne uczucie. W ten sposób znane z dzieciństwa dzieło, które wielu zwykło postrzegać jako satyrę społeczną i nic więcej, pod ręką prawdziwego Mistrza przez duże M, może zamienić się w kolejną piękną opowieść… o miłości. W końcu to bez niej, a wcale nie bez pieniędzy, rodzinne – i nie tylko – szczęście, o którym Chichikov, ucieleśniony przez Artsibasheva, tak marzył, jest niemożliwe. Krótko mówiąc, gorąco polecam każdemu obejrzenie tego występu, który z pewnością będzie jednym z moich ulubionych.

19.06.2008
Skomentuj recenzję

muller43 muller opinie: 2 oceny: 2 ocena: 2

Spektakl bez fabuły. Tylko Sergei Udovik (Chichikov) i Alexey Dyakin (Nozdrev) osiągają sukces. Zdecydowanie nie warto jechać.
Od momentów organizacyjnych. Jeśli rezerwujesz bilety online, nie wierz temu, co jest napisane na stronie. Bilet otrzymasz nie przy wejściu od administratora, ale w kasie.
Kiedy wychodziłem, tylko jedne drzwi na ulicę były otwarte. W rezultacie był największy tłum, jaki kiedykolwiek widziałem w kinach))

Pan Artem Kuźmin opinie: 4 oceny: 10 ocena: 12

Wspaniałe przedstawienie, znakomita gra aktorska, ciekawy pomysł i sceneria, ale to nie jest Gogol...
Dekoracje to inna historia, były niezwykłe i bardzo spodobał mi się ich pomysł, co zostało już tutaj opisane. Były tam dwa półkola: biały wewnątrz i ciemny na zewnątrz, które obracały się i miały wiele różnych ukrytych drzwi. Te drzwi zawiodły wszystkich aktorów. Były tak zniszczone, że niektóre z nich nie otworzyły się w odpowiednim momencie. Powiedzmy, że zhańbiony Cziczikow walczył ze wszystkimi otwartymi drzwiami do swoich przyjaciół, ale oni je zamknęli, więc odwrócił się tyłem do scenerii i zaczął wygłaszać swój monolog, a te dwa półkola z drzwiami zaczęły się obracać, a wraz z zdanie: „A co z tym, że wszyscy moi przyjaciele zamknęli mi drzwi przed nosem” - taki otwór przypadkowo uderza go w plecy. Zgodnie z jego logiką cały drugi akt jest stracony, bo po co miałby gdzieś iść, skoro otworzyła się przed nim droga. Takich przypadków było wiele.
Jeżeli nie czytaliście i nie zamierzacie czytać Dead Souls, to oczywiście zapraszamy. W przeciwnym razie przed pojawieniem się Plyuszkina produkcja nie przypominała tekstu Gogola. Miejscami została wulgaryzowana przez nieistniejące działania Nozdryowa, Cziczikowa i żony Maniłowa, którym udało się wykonać takie gesty, że jej sukienka uniosła się na niewiarygodną wysokość.
Wszystko to rekompensuje mocne zakończenie, które sprawi, że pomyślisz o Rosji i duszy.

Swietłana Dyagilewa recenzje: 117 oceny: 168 ocena: 88

Zdecydowałem się pójść na „Dead Souls”, bo słyszałem, że to klasyczna produkcja z Nemolyaevą i Kostolewskim.
Spektakl został podzielony na 2 części według odpowiednich tomów. Drugiego tomu nie czytałam, ale nie byłam do tego zmuszona.
Ogólnie wykonanie mi się podobało. To dobry, solidny występ ze wspaniałymi aktorami. To ten sam spektakl, w którym nie ma strachu przyprowadzać dzieci w wieku szkolnym (w przeciwieństwie do „Eugeniusza Oniegina” w Wachtangowskim, który jest cudowny, ale nie dla uczniów). Ogólnie rzecz biorąc, mocno okrojona historia z klasycznym tekstem.
Były tam bardzo ciekawe dekoracje, a raczej to, co z nich wykonano. Wokół sceny, aż do sufitu, wisiało wysokie płótno, które było czarne na zewnątrz i białe w środku. Ta dekoracja jest ruchoma i składa się z dwóch części, dzięki czemu można je otworzyć. Zatem od strony czarnej scenografia została podszyta rozciągliwym materiałem, przez który można było włożyć dłonie, głowy, ciała i rekwizyty. To było bardzo interesujące! Najbardziej zadziwiające jest to, że sceneria poruszała się z niesamowitą precyzją: zatrzymywała się w odpowiednim momencie, a znajdujący się w środku aktorzy wnosili na scenę potrzebne rzeczy, wyciągając ręce lub wychylając się, gdy było to konieczne (sami okresowo uczestniczyli w z rekwizytów).
Podobał mi się także szezlong Cziczikowa: usunięto kilka desek z przedniej sceny, zrobiono miejsce dla woźnicy i przenośną skrzynkę dla Cziczikowa. Góra była dwustronna i składana. Bardzo mi się podobało to znalezisko.
Kostiumy były dobre! Kostiumy z tamtej epoki: panie w sukienkach z pierścionkami, mężczyźni w garniturach. Najwięcej kostiumów ma Nemolyaeva: w pierwszym akcie jest jeden do roli Koroboczki, drugi – lekki dla damy z towarzystwa; w drugim - ciemny jak na damę.
Było kilka momentów humoru: podpis Korobochki (Nemolyaev): „Kor.ru”, a następnie ru odtworzył „Rub, daj spokój”; „psy”; Przemiła Pani i Pani miła pod każdym względem.
Bardzo lubiłem Kostolewskiego! Po prostu niesamowite! W pierwszym akcie grał Plyuszkina, a w drugim - generalnego gubernatora. Nawet nie rozpoznałem go w roli Plyuszkina! Oczywiście siedziałem wysoko, oczywiście pamiętam go z filmu „Bezimienna gwiazda”, kiedy był młody, ale był niesamowitym Plyuszkinem! Wyglądał jak Baba Jaga! W jakiejś niesamowicie zniszczonej, podartej, nędznej szacie, z jakimś niezrozumiałym nakryciem głowy, wszyscy zgarbieni, obrażeni przez krewnych, niesamowicie zachłanni, targujący się o powietrze. W drugim akcie, w roli Generalnego Gubernatora, jest już w garniturze, z piękną żoną, szarawym, szanowanym panem.
Sam też zwróciłem uwagę na Kuchera Cziczikowa. Jest interesujący i wspaniały. Rola może niewielka, ale w tej roli aktor włożył tyle miłości w dziwnego pana! A zwłaszcza na koniec, kiedy mówił o duszy.
Moja ocena jest taka: jest to bardzo dobry występ, zwłaszcza dla miłośników klasyki i klasycznych produkcji (jeśli nie liczyć scenerii). Idąc na przedstawienie, musisz być przygotowany na ogromną liczbę szalonych uczniów. Czasami naprawdę wyglądają jak szaleńcy, zwłaszcza gdy nie są kontrolowani przez nauczycieli. Czasami wydaje się, że przyszli do teatru po raz pierwszy i nie wiedzą, że podczas przedstawienia zazwyczaj milczą. Miałem szczęście, siedziałem tam, gdzie nie było uczniów - siedzieli na moim piętrze powyżej.