Budynek muzeum
Drogi Czytelniku, prawdopodobnie nawet nie podejrzewasz, że pijąc herbatę lub kawę z kostką cukru dotykasz… historii powstania Galerii Tate! Pytasz jak? A oto jak! Galeria nosi imię jej założyciela, Henry'ego Taita (1819–1899). Nie ma w zwyczaju pytać (z wyjątkiem „właściwych władz”), skąd ten czy inny oligarcha wziął swój ogromny kapitał, a przede wszystkim ten tajemniczy „kapitał początkowy”. W Europie takie pytanie jest możliwe i, co najważniejsze, odpowiedź na nie. Henry Tate, syn duchownego, rozpoczął działalność w branży cukrowniczej w latach sześćdziesiątych XIX wieku i założył bardzo dochodową firmę zajmującą się krojeniem w kostkę i pakowaniem. Przedsiębiorca wzbogacił się i stał się filantropem: inwestował w szpitale, biblioteki, uczelnie, aż w końcu założył galerię sztuki.
Wnętrze muzeum
W sali muzealnej
Tate pozyskiwał obrazy głównie z corocznych wystaw Królewskiej Akademii Sztuk. Interesował się twórczością współczesnych artystów, wielu z nich przemysłowiec znał osobiście i wspierał ich finansowo. Nie tylko zgromadził pokaźną kolekcję obrazów angielskich mistrzów, ale także na własny koszt zbudował dla niej budynek. Można powiedzieć, że Tate był dla sztuki brytyjskiej tym, czym Tretiakow dla sztuki rosyjskiej.
Galeria Tate to państwowe muzeum narodowe w Londynie. Jest to największa na świecie kolekcja malarstwa angielskiego, składająca się z trzech dużych działów: Sztuka angielska od 1550 roku do czasów współczesnych; zbiór dzieł Williama Turnera; sztuka XX wieku. Ogólny fundusz artystyczny muzeum został rozdzielony pomiędzy kilka galerii „córek”: Tate Britain, Clore Gallery i Tate Modern.
Galeria Tate Britain
Kolekcja Tate Gallery nie mogła ograniczać się jedynie do dzieł tych artystów, których preferował sam przedsiębiorca. Z czasem kolekcję uzupełniono obrazami starych angielskich mistrzów.
W malarstwie narodowym XVI–XVII w. dominuje portret ceremonialny. Znajdujące się w muzeum najwcześniejsze dzieło tego gatunku, Człowiek w czarnym kapeluszu Johna Bettsa (1545), nosi piętno wpływu Hansa Holbeina Młodszego i jednocześnie zapewnia wgląd w sztukę angielskiego renesansu.
Kolejny, XVIII wiek to dzieła wielkich mistrzów – Williama Hogartha, Joshuy Reynoldsa, Thomasa Gainsborougha, George’a Stubbsa.
W Galerii jeszcze pełniej prezentowana jest sztuka XIX wieku. Oprócz dzieł prerafaelitów i Williama Turnera, które zostaną omówione poniżej, przechowywane są tu dzieła Williama Blake'a i Johna Constable'a. Na uwagę zasługują także pejzaże innych autorów.
Lata i dziesięciolecia przyniosły zmiany w rozmieszczeniu obrazkowych skarbów w brytyjskich muzeach. Szereg obrazów impresjonistów, które początkowo znajdowały się w Tate Gallery, zostało przeniesionych do National Gallery w Londynie. Niemniej jednak muzeum posiada imponującą kolekcję obrazów mistrzów tego ruchu, a także dzieł niemal wszystkich, którzy stali u początków sztuki współczesnej: Pierre'a Auguste'a Renoira, Camille'a Pissarro, Alfreda Sisleya, Edgara Degasa, Henriego de Toulouse- Lautreca i innych.
Galeria Tate Modern
Galeria Clore
Galeria Clore prezentuje najpełniejszą kolekcję dzieł jednego z najbardziej utalentowanych i znanych brytyjskich artystów, Williama Turnera, przekazaną w spadku państwu. Majątek przekazano w 1856 r., pięć lat po jego śmierci: około 300 obrazów oraz 30 000 rysunków i szkiców, a także notatniki i dzieła Turnera uważane za niedokończone, szereg dzieł innych autorów. Dziewięć obrazów z tej kolekcji trafiło do Galerii Narodowej w Londynie i ukazuje dziedzictwo wielkiego angielskiego mistrza w kontekście sztuki światowej. Ten sam egzemplarz, który stanowił skarbnicę Tate, można obecnie oglądać w dedykowanej mu Galerii Clore, otwartej w 1987 roku.
Tate Modern
Galeria Tate Modern będąca częścią Galerii Tate to największa narodowa kolekcja światowej sztuki współczesnej, w tym angielskiej. Powstał w 2000 roku, jego otwarcie zaplanowano na uczczenie nadejścia trzeciego tysiąclecia. Na potrzeby muzeum zrekonstruowano monumentalny budynek dawnej elektrowni w centrum Londynu, na przeciwległym brzegu Tamizy od katedry św. Pawła. Zachowując wygląd zewnętrzny, architekci całkowicie zmienili wnętrze budynku i dodali szklano-stalowy dach.
Ekspozycja zlokalizowana jest w czterech skrzydłach budynku. Trzy przeznaczone są dla głównych nurtów sztuki XX wieku: surrealizmu, minimalizmu, sztuki abstrakcyjnej, a czwarta dla ściśle z nimi związanych kubizmu i futuryzmu. Prace wielu bliskich grupują się wokół wymienionych głównych nurtów.
W galerii znajdują się znaczące dzieła Pabla Picassa i Henriego Matisse'a. Mieści jedną z najlepszych kolekcji surrealizmu na świecie, w tym obrazy Salvadora Dali, Maxa Ernsta, Rene Magritte'a i Joan Miro, dzieła amerykańskiej sztuki abstrakcyjnej i pop-artu.
Galeria Tate to nie tylko zbiory muzealne, ale także centrum życia kulturalnego. Tutaj możesz zaspokoić wszystkie swoje zainteresowania artystyczne. Bogata i dobrze zorganizowana infrastruktura Galerii zapewnia odwiedzającym wiele możliwości poznawania sztuki na różnych poziomach wiedzy i zaangażowania w nią. To także wspaniałe miejsce na wypoczynek, gdzie miło jest przesiąść się w kawiarni po przejściu sal wystawowych, posłuchać koncertu utworów kompozytorów różnych epok, czy też wybrać rozrywkę dostosowaną do swojego gustu i wieku.
Sztuka XVII–XVIII w
Johanna Zoffany’ego. Pani Woodhull. Około 1770 roku
Szkoła brytyjska. Panie z rodziny Holmondeley. 1600–1610
Obraz nieznanego angielskiego mistrza z XVII wieku jest niezwykle ciekawy w swoim pomyśle i w pewnym sensie wyjątkowy. Choćby dlatego, że ilustruje absolutnie fantastyczny przypadek, o którym opowiada poniższy napis po lewej stronie: „Dwie panie z rodziny w Holmondeley, urodzone tego samego dnia, tego samego dnia wyszły za mąż i tego samego dnia urodziły”.
Wyobrażając sobie mentalność średniowiecznego Anglika, można być pewnym, że choć zbieg okoliczności wydaje się nieprawdopodobny, miał on miejsce i nie był wytworem wyobraźni artysty. Najwyraźniej w pewnym stopniu są one artystycznym ucieleśnieniem wizerunków pań, których nazwiska nie są znane na pewno. Jest to, można powiedzieć, uroczysty portret sióstr z dziećmi. Podobnie jak matki rodzące, ukazano je w łóżku, z dziećmi owiniętymi w szkarłatne szaty. Artysta mieszkał w Cheshire, niedaleko którego znajduje się nazwana posiadłość. Bohaterkami mogły być mieszkanki istniejącego do dziś zamku Holmodel.
Na pierwszy rzut oka wydaje się, że kobiety noszą te same sukienki, są bardzo podobne, zupełnie jak ich dzieci. Ale to tutaj pokazał się niesamowity kunszt artysty. Wprowadził najsubtelniejsze urozmaicenie dosłownie wszystkich równie ważnych szczegółów tego podwójnego (a nawet, by rzec, poczwórnego) portretu. Warto porównać koronkę sukienek, naszyjników itp. Co więcej, trudnym zadaniem było nie dopuścić do tego, by widz (biorąc pod uwagę oczywiste podobieństwo statusu sióstr) nie odniósł wrażenia większej lub mniejszej atrakcyjności jednej lub drugiej. Prawdopodobnie teraz nikt nie będzie w stanie udowodnić, że któryś z nich jest piękniejszy.
Pod względem estetycznym obraz jest niezwykle ciekawy: ukazuje niesamowitą różnorodność w ramach pewnej jedności. Zupełną analogią do tego zjawiska w malarstwie angielskim jest pierwszy opublikowany zbiór narodowej muzyki dziewiczej „Parthenia”, wydany w tym samym czasie, w 1611 roku. Zarówno tu, jak i tam metoda artystyczna opiera się na zasadzie wariacji. Łatwo sobie wyobrazić kolejny przykład tej różnorodności zawartej w tożsamości: dwie panie, zasiadając przy dwóch jednakowo podobnych instrumentach, zagrają utwór Gilisa Farnaby’ego „For Two Virginels”, w którym obie części są sobie równe…
Williama Hogartha (1697–1764). Artysta i jego mops. 1745
William Hogarth to wspaniały angielski artysta, rytownik i teoretyk sztuki.
„Oficjalny” tytuł dzieła nie jest do końca trafny, prawidłowy to „Autoportret artysty z mopsem”. Obraz w obrazie kontynuuje barokową tradycję tego typu autoportretów. Na pierwszym planie znajdują się przedmioty identyfikujące modela jako artystę (paleta) i osobę z wykształceniem literackim (książki z „Shakespeare”, „Swift”, „Milton” na grzbietach). I to prawda, później, w 1753 r., ukaże się własny traktat Hogartha „Analiza piękna”, ale jego idee znajdują już odzwierciedlenie w tym autoportrecie. Przyjrzyjmy się bliżej palecie: pokazuje zakrzywioną linię i podano wyjaśnienie: „Linia piękna i wdzięku”. Idea ta stanie się główną myślą w traktacie: „linia piękna”, zgodnie z naukami Hogartha, to linia w kształcie litery S, będąca granicą dwóch najbardziej harmonijnie połączonych ze sobą przestrzeni. Aby narysować go w najdoskonalszy sposób, potrzeba wielkich umiejętności. Dokonując tego, Hogarth porównał się do starożytnego greckiego artysty Apellesa - uosobienia doskonałości w sztuce malarstwa, który narysował tak cienką i doskonałą linię, że nikt nie był w stanie jej powtórzyć. Ale jeśli według legendy Apelles miał linię prostą, to Hogarth przyjął jako standard zakrzywioną. We wstępie do traktatu artysta przyznał, że „żaden egipski hieroglif nie zajmował umysłów przez tak długi czas” jak ten wiersz. „Przyszli do mnie malarze i rzeźbiarze, aby dowiedzieć się, co oznaczają te słowa, byli nimi nie mniej zaskoczeni niż ktokolwiek inny, dopóki nie otrzymali wyjaśnienia”.
Drugą ważną postacią na zdjęciu jest ulubiony pies autorki, mops Trump. Jeśli przyjrzysz się uważnie obu przedstawionym postaciom, to, jak to często bywa, możesz znaleźć pewne podobieństwa w ich wyglądzie. W tym przypadku pies jest ucieleśnieniem zadziornego charakteru właściciela.
Williama Hogartha (1697–1764). Sześć głów sług Hogartha. 1750–1755
William Hogarth miał negatywny stosunek do stereotypowych świeckich portretów ceremonialnych, które tworzyli jego współcześni w obfitości. Zwykle pisał do swoich bliskich i bliskich osób. Jednym z takich dzieł jest portret grupowy służby. Jest niezwykły nie tylko z estetycznego punktu widzenia jako dzieło wielkiego mistrza, ale także ze społecznego punktu widzenia - przekazuje ludzką godność ludzi zajmujących niskie szczeble w hierarchii społecznej, ale jednocześnie posiadających niewątpliwe duchowa szlachetność.
Ten niezwykły portret grupowy pierwotnie wisiał w pracowni Hogartha. Mogli to zobaczyć mecenasi i klienci artysty. Praca stanowiła dowód niezrównanej umiejętności autora w oddaniu indywidualnych cech modela. Nie powstał na zamówienie, malarz stworzył go dla własnej przyjemności, a może i dla swoich sług.
Obraz składa się z kilku niepowiązanych ze sobą głów. Jedność kompozycji artysta osiągnął dzięki ich symetrycznemu rozmieszczeniu i równomiernemu oświetleniu ze źródła znajdującego się poza obrazem, w lewym górnym rogu. Pomysł Hogartha, aby namalować portrety służby poza pracą, okazał się wyjątkowy. Wyraźnie widać stosunek samego mistrza do nich - pełne usposobienie. Zachęca widza do wyobrażenia sobie spokojnego, uporządkowanego, umiarkowanego życia artysty w jego zadbanym domu.
Studium dzieła wykazało, że jego pierwotny rozmiar był większy, a autor zamierzał umieścić siedem głów. Jednak ta ostatnia nie została opracowana tak starannie jak pozostałe i wtedy artysta wpadł na pomysł, aby obciąć brzeg, tak aby sześć gotowych głów wyglądało na pełniejsze w kompozycji.
George Stubbs (1724–1806). Klacze i źrebięta na tle krajobrazu z rzeką. Około 1763–1768
George Stubbs zasłynął przede wszystkim z tego, że był jednym z pierwszych wybitnych malarzy angielskich, którzy poświęcili swoją twórczość koniom. W latach sześćdziesiątych XVIII wieku Stubbs spędził dwa lata na badaniach anatomicznych tych zwierząt. Jego liczne szkice zostały opublikowane w 1766 roku jako osobna książka zatytułowana „Anatomia koni”. Nad każdym ze swoich płócien artysta pracował niezwykle długo, co było konsekwencją jego niezwykłej skrupulatności i całkowitego pochłonięcia pracą. Tak duże zainteresowanie naukowe mogło w pewnym sensie wręcz stać się przeszkodą w realizacji zadań czysto artystycznych, jednak w przypadku Stubbsa tak się nie stało. Wszystkie jego obrazy koni są niezwykle żywe, piękne i energetyczne.
Obraz sprawia widzowi prawdziwą przyjemność swoją kompozycją, projektem i paletą barw. Odległy i szeroki horyzont, duże połacie lądu i wody, wysokie miejsce, na którym pasą się konie, brak dla nich jakichkolwiek barier – wszystko to tworzy nastrój i poczucie spokoju i woli, tak pożądane w komunikacji z tymi zwierzętami i dlatego rzadkość w relacjach międzyludzkich.
Jozue Reynolds (1723–1792). Pułkownik Acland i lord Sydney. Łucznicy. 1769
Pierwszym prezesem Królewskiej Akademii Sztuk był angielski malarz Joshua Reynolds.
Obraz przedstawia portret dwóch angielskich arystokratów – pułkownika Aclanda (po prawej) i lorda Sidneya, irlandzkiego polityka i dyplomaty. Tutaj są jeszcze młodzi, później pułkownik weźmie udział w wojnie Stanów Zjednoczonych Ameryki o niepodległość (po stronie korony brytyjskiej), zostanie ranny w nogi (? 777), przeżyje niewolę i wróci do swoich ojczyzny, gdzie zostanie wybrany na posła. Ale jak dotąd nie dał się poznać jako bohater, a Reynolds przedstawia go jako zwykłego arystokratę, pasjonującego się, wraz z lordem Sydney, polowaniem – zawsze uważanym za rozrywkę wyższych sfer. Już im się udało: trofea leżą u ich stóp.
Reynolds przedstawił tę scenę z niezwykłą wyrazistością. Wspaniale oddane jest podekscytowanie myśliwych i ich napięcie. Swoją drogą, to drugie wyraża się w dużej mierze elastycznie naciągniętymi cięciwami łuków łuczników. Zanim powstał obraz, łuk był już bronią z dawnych czasów, a polowanie odbywało się przy użyciu broni. Reynolds wyidealizował ten moment i umieścił scenerię w romantycznie wyobrażonym renesansie. Wskazuje na to także fakt, że w postaci Aclanda wyraźnie widać ślad innego myśliwego, a raczej łowczyni – Diany – postaci z renesansowego malarstwa Tycjana „Śmierć Akteona” (1562. Galeria Narodowa, Londyn).
Jozue Reynolds (1723–1792). Pani Bamfield. 1776–1777
Portret ten został zamówiony przez mistrza Charlesa Warwicka Bamfielda z okazji jego ślubu z Catherine Moore, Lady Bamfield. Wizerunek uroczej młodej kobiety jest dowcipną adaptacją klasycznego posągu Wenus Medyceuszy (z kolekcji Medyceuszy), zawsze uważanej za ucieleśnienie kobiecego piękna. Zwrot Reynoldsa do estetycznych ideałów starożytności był dość organiczny: pewnego razu, w 1749 r., udał się do Europy, mieszkał we Włoszech, odwiedził Florencję, gdzie w Galerii Uffizi zobaczył marmurową kopię zaginionej starożytnej rzeźby bogini. Talent wielkiego portrecisty został w pełni ukazany w tym dojrzałym dziele. Urzekający wizerunek modelki oddany jest jak zwykle przez Reynoldsa na tle natury.
Warto zauważyć, że w tym samym czasie, w którym powstał ten portret, inny artysta, Johann Zoffany, namalował słynny obecnie obraz „Trybuna Galerii Uffizi”, przedstawiający artystyczne skarby Galerii i tę statuę. Dzieło było znane w Anglii, ponieważ przechowywano je w Windsorze, na zamku królewskim.
Henryk Robert Morland (1716–1797). Pokojówka prasująca ubrania. 1765–1782
Przez całe życie Henry Morland malował wyidealizowane wizerunki służby, pokojówek i bardów. Wszystkie te obrazy, jak i ten, wykonane są w stylu, że tak powiem, „obrazu(ów) wyobrażeniowego” – bardzo słodkiego, wzruszającego gatunku malarstwa z epoki sentymentalizmu. Wszystko w takich dziełach jest urokliwe, przytulne, bezpieczne, spokojne i rozgrzewające duszę. W pewnych kręgach społecznych zawsze było i oczywiście będzie zapotrzebowanie na tego rodzaju pracę. Wielu mistrzów, w tym Morland, uczyniło ten styl sztandarem swojej twórczości. Jak każdy ruch artystyczny, ma on swoich luminarzy. Uznanym arcydziełem jest drezdeńska „Czekoladowa dziewczyna” J. E. Lyotarda. Malarstwo takie ma analogie w muzyce (Carl Philipp Emmanuel Bach – jeden z najstarszych synów J. S. Bacha), literaturze (wczesny J. V. Goethe), architekturze (miejskie domy „jednorodzinne” w całej Europie). Zapotrzebowanie na takie obrazy było tak duże, że ta sama fabuła była przez malarzy wielokrotnie powielana. Ten wizerunek młodej służącej zajętej prasowaniem występuje w pięciu wersjach, namalowanych w okresie wskazanym w dacie powstania dzieła.
W Bostonie urodził się John Singleton Copley, amerykański i angielski artysta, przedstawiciel klasycyzmu, portretu i malarstwa historycznego. Jego ojczym był mistrzem pędzla i później pomagał pasierbowi. W 1774 roku, w przededniu wojny o niepodległość Stanów Zjednoczonych, Copley opuścił Amerykę i osiadł w Londynie. Tutaj zwrócił się do gatunku historycznego. Mistrz był członkiem Królewskiej Akademii Sztuk.
Obraz znany jest także pod drugim tytułem – „Jersey Assault”. Aby zrozumieć malarstwo batalistyczne, trzeba znać polityczny i militarny układ sił, kto i z kim walczył. Szturm na Jersey był podjętą przez Francję próbą inwazji na wyspę i wyeliminowania zagrożenia, jakie stanowiła dla amerykańskiej żeglugi podczas wojny o niepodległość. Jersey było wykorzystywane przez Brytyjczyków jako baza wojskowa, a Francja, odwieczny wróg Anglii, przystąpiła do wojny jako sojusznik Stanów Zjednoczonych i chciała przejąć nad nią kontrolę.
Francuzi wylądowali na Jersey 5 stycznia 1781 roku. Gubernator poddał wyspę po upadku jej stolicy, St. Helier, lecz dwudziestoczteroletni major Francis Pearson, dowódca garnizonu, odrzucił kapitulację i poprowadził udany kontratak. W rzeczywistości major zginął na krótko przed bitwą, ale Copley przedstawia go umierającego pod brytyjską banderą w chwili zwycięstwa. Czarny sługa Pearsona strzela, mszcząc się za śmierć swojego pana.
Francis Pearson stał się w Wielkiej Brytanii bohaterem narodowym, a obraz przyciągnął tłumy, gdy został po raz pierwszy wystawiony. Jest reprodukowany na banknocie dziesięciofuntowym z Jersey.
Henryk Fusli (1741–1825). Sen pasterza z Raju Utraconego. 1793
Henry Fusli to szwajcarski i angielski artysta, grafik, historyk i teoretyk sztuki. Pełnił funkcję pastora, następnie studiował malarstwo w Berlinie, od 1764 roku pracował w Anglii, przyjaźnił się z Williamem Blake'iem. Dzieło mistrza jest jednym z najwcześniejszych przykładów romantyzmu w Anglii.
Wiersze Johna Miltona „Raj utracony” i „Raj odzyskany” przyciągnęły uwagę Fusliego podczas jego młodości w Szwajcarii. Zwracało się do nich wielu artystów romantycznych, chcąc zilustrować poszczególne epizody. Ten obraz przedstawia wersety z 1. księgi wiersza, które opowiadają o baśniowych elfach:
Małe elfy o północy
Nad brzegami potoków i w lasach
Tańczą na krawędziach; spóźniony pieszy
Widzi je w rzeczywistości, a może w delirium,
Gdy księżyc króluje nad nim, ku ziemi
Ograniczając swój blady lot, bawią się,
Wirowanie (...)
Zamiast przedstawiać tańczące elfy, jak to zwykle robiono, autor wyobraża sobie, jak trzymają się za ręce i krążą nad śpiącym pasterzem, który widzi to w swoich fantazjach. Füsli mobilizuje całą swoją wyobraźnię, aby stworzyć nadprzyrodzone stworzenia zamieszkujące obraz. Ciekawie się je ogląda.
Praca powstała do stworzonej przez artystę dużej galerii obrazów poematu Miltona.
Philip James de Lauterburg (1740–1812). Wizja białego konia. 1798
Philip James de Lauterburg (znany jako Philippe-Jacques, także Philip Jacob Młodszy) to angielski artysta francuskiego pochodzenia. Studiował w Strasburgu, rodzice przygotowywali go na księdza luterańskiego, ale młody człowiek upierał się, że jest artystą, w tym celu wyjechał do Paryża i tam wkrótce zyskał sławę. W 1771 roku mistrz przeniósł się do Londynu i przyjął zaproszenie od aktora Davida Garika do pracy jako scenograf w najstarszym londyńskim teatrze Drury Lane. Na tym polu miał wybitne osiągnięcia.
Ostatnie dekady XVIII wieku (era Wielkiej Rewolucji Francuskiej, kolejne wojny i oczekiwanie na nadejście stosunkowo wkrótce nowego tysiąclecia) dały impuls do kolejnej interpretacji tematu apokaliptycznego. Artyści zaczęli snuć wątki śmierci świata, Sądu Ostatecznego i końca ludzkości. Obraz Lauterburga przedstawia pierwszych dwóch z czterech jeźdźców Apokalipsy - „Zdobywcę” („Ujrzałem, a oto biały koń, a jeździec na nim miał łuk i dano mu koronę; i wyszedł zwyciężać i zwyciężać.” – Obj. 6:2) i „Wojna” („I wyszedł inny koń, czerwony, i dano władzę temu, który na nim siedział, aby odebrać ziemi pokój i że powinni się wzajemnie zabijać, i dano mu wielki miecz” – Obj. 6:4). Interpretując tę fabułę, autor wyraźnie oparł się na słynnej rycinie Durera „Czterej jeźdźcy apokalipsy” z cyklu „Apokalipsa”.
Williama Blake’a (1757–1827). Nabuchodonozor. 1795–1805
Angielski artysta, poeta, mistyk, wizjoner William Blake studiował w Londynie w Royal Academy of Arts. Na jego powstanie miały wpływ nurty narodowego romantyzmu. Pochodzący z bardzo religijnej rodziny, od wczesnego dzieciństwa pielęgnował szacunek dla Biblii, której obrazy towarzyszyły mu przez całe życie, i stworzył do niej dużą liczbę ilustracji, które wyróżniały się pomysłami, kompozycją i techniką. Świat Blake'a zamieszkują fantastyczne postacie, ukazane w obrazach i zjawiskach wyjątkowych w kontekście sztuki przełomu XVIII i XIX wieku. Blake nie ma sobie równych w swojej epoce. Tak naprawdę tylko niektóre dzieła surrealistów mogą równać się z zamieszaniem jego wyobraźni. W Tate Gallery znajduje się 175 prac artysty.
Obraz Blake’a zrozumiecie, jeśli znacie historię Nabuchodonozora z biblijnej Księgi Daniela (4,26–30): „Pod koniec dwunastu miesięcy, przechadzając się po pałacach królewskich w Babilonie, król powiedział: „Czyż nie jest to majestatyczny Babilon, który zbudowałem jako dom?” królestwo mocą mojej mocy i ku chwale mojej wielkości! „Gdy ta mowa była jeszcze w ustach króla, odezwał się głos z nieba: «Mówią do ciebie, królu Nabuchodonozorze, królestwo odeszło od ciebie!” I odłączą was od ludzi, a mieszkanie wasze będzie ze zwierzętami polnymi; Będą was paść trawą jak wół i upłynie nad wami siedem czasów, aż poznacie, że Najwyższy panuje nad królestwem ludzkim i daje je, komu chce!” Natychmiast spełniło się to słowo nad Nabuchodonozorem i został wyklęty spośród ludzi, jadł trawę jak wół, a jego ciało zraszała rosa z nieba, tak że jego włosy urosły jak u lwa, a jego pazury jak u ptaka”.
Po siedmiu latach wzniósł oczy ku niebu, wychwalał Wszechmogącego i natychmiast powrócił do swojej dawnej ludzkiej kondycji.
Sztuka XIX wieku
Alberta Moore’a. Kwiat. 1881
John Constable (1776–1837). Scena na żeglownej rzece. 1816–1817
Obraz angielskiego pejzażysty Johna Constable'a znany jest pod drugim tytułem - „Fletford Mill”. Młyn znajdował się w samym centrum obszaru, gdzie w dużych ilościach uprawiano kukurydzę, która notabene w czasie wojny z Francją, kiedy Anglia w związku z blokadą Napoleona mogła liczyć jedynie na własne zasoby żywności, był dochodowym biznesem. Ojcu artysty odniosło sukces, a ten żywiciel rodziny, stojący nad brzegiem rzeki Stour, w małej wiosce East Berghoult, w której urodził się malarz, pojawia się nie raz na jego obrazach. W młodości Constable dużo podróżował po okolicy, robiąc szkice i szkice. Zdaniem samego autora szkice te „uczyniły go artystą, za co jest mu bardzo wdzięczny”.
Duża kłoda w lewym dolnym rogu zdjęcia to oczywiście jedna z podpór młyna, co wyjaśnia animację mieszkańców na brzegu. Barka odłącza się od konia i musi teraz wyruszyć w drogę.
Constable w jednym z listów przyznaje, że beztroskie dorastanie kojarzy mu się przede wszystkim z rzeką Stour, bo dzięki niej stał się mistrzem. W tym krajobrazie skojarzenie dzieci wyraża się za pomocą środków artystycznych. Na obrazie panuje rzadki spokój, niemal arkadyjska pogoda istnienia, dostępna dla każdego.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Loch Buttermere, z widokiem na Cromacwater w Cumberland. Prysznic. 1798
Joseph Mallord William Turner jest niedoścignionym mistrzem romantycznego pejzażu, w istocie impresjonistą w duchu swojego malarstwa. W 1871 roku Claude Monet i Camille Pissarro, oglądając jego prace w Londynie, nie mogli uwierzyć, że brytyjskiemu artyście, kilkadziesiąt lat przed paryskimi impresjonistami, udało się uprzedzić ich poszukiwania stylistyczne. Galeria Tate posiada największą kolekcję dzieł Turnera, obejmującą 4187 rysunków, szkiców i szkiców.
Inspiracją do powstania obrazu był wiersz „Wiosna” szkockiego poety Jamesa Thomsona:
Pochylając się na zachód, pojawia się słońce
Tak genialny - i szybki blask
Uderza prosto w góry - i poza żółtą mgłę
Odlatuje, pędząc w nieskończoność
Łuk powietrzny, kwitnące kolory.
Malarstwo i literatura angielska XVIII wieku dostarczają wielu powodów do porównywania gloryfikowanych w nich obrazów. Filozofowie brytyjscy stworzyli nową, oryginalną koncepcję „wzniosłości”: jest ona niejednorodna. W krajobrazach można wyróżnić dwa jej rodzaje: pierwszy, umownie nazywany „przerażająco wzniosłym”, kojarzony z burzami i kataklizmami, drugi – „wzniosły naturalny” – adresowany jest do spokojniejszych stanów natury. Tutaj Turner zmienił pewne szczegóły i w istocie zmienił obraz poetycki, u Thomsona jest to przykład tego pierwszego, u malarza zaś jest bardzo dramatyczny. Autor uwielbiał przedstawiać naturę opętaną przez żywioły. Jego rysunek przygotowawczy, wykonany rok wcześniej podczas podróży do północnej Anglii, brzmi: „Czarny”. Turner w dalszym ciągu będzie opatrywał swoje obrazy reżyserią sceniczną, której celem będzie wzbudzenie w widzu zachwytu i lęku przed wielkością i siłami natury.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Blizzard Hannibal i jego armia przekraczają Alpy. 1812
Obraz pochodzi z początków kariery Turnera i jest jednym z najodważniejszych i najbardziej znaczących dzieł młodego malarza. Fabuła oparta jest na historii starożytnego rzymskiego historyka Tytusa Liwiusza o bitwie Kartaginy Hannibala z lokalnymi plemionami podczas przejścia przez Alpy do Włoch w 218 roku p.n.e. mi. Na scenerię akcji Turner wybrał Dolinę Aosty, którą odwiedził podczas swojej podróży w 1802 r. Bitwa ukazana z pewnego wysokiego punktu rozgrywa się na całej przestrzeni płótna, a ono, uderzone niesamowitą burzą, toczy się w oddali na horyzoncie widać jednego z legendarnych słoni armii Hannibala. Malarz jest mistrzem przedstawiania działań na dużą skalę. Niepewność spowodowana rozmytym konturem tworzy niezwykle wysublimowany obraz.
Pierwszemu pokazowi obrazu w Królewskiej Akademii Sztuk w Londynie towarzyszyła publikacja poematu Turnera „Oszustwo nadziei”. Zawiera następujące linie:
<…>lider patrzy
Z nadzieją na blaknięcie zachodu słońca,
Gdzie jest krawędź włoskich wiatrów
Cięcie na przełomie roku.
Co ich czeka, przesiąknięte krwią skały
A osuwiska za kamienną pustynią?
Wyobraził sobie: bogate równiny Kampanii.
Wiatr wył: pokusy w Kapui są trucizną!
„Odpowiedź” wiatru nawiązuje do opisu Liwiusza dotyczącego późniejszego upadku armii Hannibala, wynikającego z faktu, że obfite życie na płaskowyżu włoskim osłabiało siły moralne i fizyczne żołnierzy.
Obraz nawiązuje jeszcze do Napoleona Bonaparte: dwa lata przed powstaniem płótna Turner zobaczył dzieło Jacques’a-Louisa Davida „Napoleon na przełęczy św. Bernarda”, w którym Pierwszy Konsul przedstawiony jest jako współczesny Hannibal. Tym samym dzieło Turnera nawiązuje do inwazji Napoleona na Alpy Tyrolskie, powstało w szczytowym okresie wojny z Francją. Wraz z poetyckim ostrzeżeniem przedstawioną śnieżycę można postrzegać jako symbol i zapowiedź upadku ambicji zarówno Kartaginy, jak i napoleońskiej Francji.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Zatoka Zatoka z Apollem i Sybillą. 1823
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Zatoka Zatoka z Apollem i Sybillą. 1823 (fragment)
Turner pokazał ten obraz w Królewskiej Akademii Sztuk w Londynie w tym samym roku, w którym go ukończył. Tymczasem prace nad nim najwyraźniej prowadzono już wcześniej, a płótno stało się swoistym efektem pierwszej podróży autora do Włoch jesienią 1819 roku. Zwiedził wówczas Wenecję, Neapol, Florencję i Rzym, gdzie pod patronatem Canovy, został wybrany członkiem honorowym Akademii św. Łukasza.
Turnera urzekły widoki Włoch. Świadczy o tym nie tylko sam obraz, ale także wpisane na nim łacińskie motto z ody Horacego „Do Kaliope”: „Seu liquidae placere Baiae” („albo Baia, morze mnie przyciąga”).
Choć zgodnie z tytułem dzieła i wypowiedziami historyków sztuki przedstawiona jest tu Zatoka Zatokowa, to dość oczywiste jest, że obraz przedstawia romantyczny wyidealizowany pejzaż i przypomina podobne pejzaże C. Lorraina. Znana jest zabawna historia: młodszy współczesny Turnerowi, artysta George Jones, rozmawiał o obrazie z podróżnikiem, który niedawno odwiedził brzegi Bay Bay. Stwierdził, że „połowa sceny była po prostu fikcyjna”. Następnie oburzony kolega napisał na ramce: „Splendide mendax” (z łac. „Genialne kłamstwo”). Turner dobrze się bawił i długo nie usuwał tego napisu.
Na tym płótnie Zatoka Zatokowa stała się scenerią historii Apolla i Sybilli Kumajskiej. Fabuła sięga Metamorfoz Owidiusza. Opowiada historię o tym, jak Apollo zakochał się w Sybilli z Cumae w północnych Włoszech. Bóg ją uwiódł, obiecując, że jego objęcie przedłuży jej życie o tyle lat, ile jest ziarenek kurzu zawartych w garści kurzu. I chociaż mu odmówiła, Apollo dotrzymał słowa i obdarzył ją długowiecznością, ale nie dał jej wiecznej młodości. Tym samym była skazana na istnienie przez wieki w postaci zgrzybiałej starej kobiety. Sybilla, młoda kobieta, jest pokazana siedząca przed Apollem. Jej złożone dłonie są wypełnione kurzem. Bóg siedzi przed nią na kamieniu, z jedną ręką na lirze. Fabuła ta jest dość późna, po raz pierwszy pojawiła się w XVII wieku.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Burza na morzu. Około 1840 roku
Chociaż Turner z pewnością mieszkał w mieście, zawsze ciągnęło go do morza. Od początku lat trzydziestych XIX wieku stale odwiedzał Margate, nadmorskie miasteczko w hrabstwie Kent. Tutaj artysta wykonał wiele szkiców widoków morza w różnych momentach: spokoju, fal, burz, w ciągu dnia, o zachodzie słońca...
W obrazach autora zarówno sam pomysł, jak i umiejętność jego realizacji zadziwia i zachwyca. Jeśli chodzi o pomysł, widz zawsze „słyszy” w swoich pejzażach, zwłaszcza morskich, pewien motyw romantyczny, który zdaje się wylewać z głębi i najskrytszych zakątków ludzkiej duszy. Wydaje się, że pejzaż Turnera dosłownie coś mówi, inspiruje… Porywa widza, czyni go wspólnikiem, słuchającym wezwania natury.
Zamiłowanie malarza do pejzaży przedstawiających burzliwą pogodę tłumaczy się jego zainteresowaniem tematem wzniosłości. Wielokrotnie przywołuje potęgę natury, przedstawiając morze jako żywioł piękny i zarazem przerażający. Dla Turnera ocean był tłem, na którym toczyła się akcja i rozgrywał się dramat. Jest to szczególnie widoczne, gdy rzeczywiście do obrazu wprowadza się czynnik ludzki, na przykład w postaci wraku statku. Ale nawet na tym płótnie, na którym oddane są tylko elementy, wyczuwalna jest możliwość takiej katastrofy.
Używając niemal monochromatycznej gamy ciemnych tonów, mistrz przedstawia gęstą kurtynę chmur burzowych. Wydaje się, że posługuje się tu tą samą metodą, jaką stosował przy tworzeniu podobnych rysunków na papierze: rysuje grzbiety fal sztormowych i usuwa opuszkami palców niewielką ilość farby, aby wyraźniej oddać krzywizny fal.
Koniec pierwszej części
Galeria Tate w Londynie to największy kompleks muzeów sztuki. W ich ścianach znajdują się arcydzieła sztuki brytyjskiej od 1500 roku do chwili obecnej.
Pod koniec ubiegłego stulecia zbiory muzeum stały się tak ogromne, że zabrakło już miejsca na ich przechowywanie (nie mówiąc już o wystawianiu). W rezultacie kolekcja została podzielona na dwie części: malarstwo współczesne (w rozumieniu kuratorów to XX wiek), stała się odrębną galerią Tate Modern i brytyjską Tate Britain.
Tate Britain jest naszym angielskim odpowiednikiem.
Galeria powstała w 1897 roku dzięki funduszom Sir Henry'ego Taita(jest wynalazcą rafinowanego cukru i waty cukrowej). Kolekcja muzeum powstała dzięki Muzeum South Kensington i prywatnym kolekcjom malarstwa. Ich właściciele postanowili przekazać kolekcję obrazów państwu.
Osobliwości
Kolekcja obrazów w galerii Tate Britain ma charakter ściśle uporządkowany. Każdy okres ma swoje sekcje tematyczne. Raz do roku zmienia się zestaw tematów, co budzi zainteresowanie i intrygę. Głównymi eksponatami muzeum są obrazy prerafaelitów (nurt w malarstwie angielskim drugiej połowy XIX wieku) oraz zwiewne płótna Turnera, które niestety nie są tu reprezentowane.
Tate Modern zajmuje teren dawnej elektrowni, jej budynek jest pełnoprawnym obiektem artystycznym. W jego ścianach można obejrzeć obrazy Dali, Matisse'a, Kandinsky'ego i Picassa. Tutaj także eksponaty są zawieszone według tematów, ale nie historycznych, ale bardziej abstrakcyjnych: „Rzeczy w ruchu”, „Poezja i sny”, „Znaczące zmiany”.
Obrazy z galerii Tate
John Constable, Flatford Mill (scena na żeglownej rzece)
William Blake, Szatan uderzający Hioba wrzodami
JMW Turner, Burza śnieżna, Steam - Łódź u ujścia portu
Sir John Everett Millais, Ofelia
Anna Lea Merritt, Miłość zamknięta
James Abbott McNeill Whistler, Nokturn: błękit i złoto – Stary most Battersea
David Bomberg, Kąpiel błotna
Oberon, Tytania i Puck z tańczącymi wróżkami, William Blake
Ecce Ancilla Domini, Dante Gabriel Rossetti
Mistrzowskie posunięcie wróżki, Richard Dadd
Bezdomne owce (nasze angielskie wybrzeża), William Holman Hunt
Mała wiejska pokojówka, Camille Pissarro
Śmierć majora Peirsona, Johna Singletona Copleya
Pylades i Orestes przywiezieni jako ofiary przed Ifigenię, Benjamina Westa
Galeria Tate Britain – Tate Britain. Część sieci państwowych galerii narodowych (a zatem bezpłatnych!) w Wielka Brytania, gdzie można znaleźć ponad sześćdziesiąt tysięcy dzieł sztuki – obrazów, rzeźb, rysunków i rycin. Ten " Londyn Tretiakow„została założona przez magnata cukrowego Tate, a jego pierwsza siedziba (otwarta w 1897 r.) stoi na miejscu więzienia. Oto pełna kolekcja dzieł słynnego Anglika Tokarz, a także obrazy Gainsborough, Blake, policjant. W zbiorach znajdują się także prerafaelici oraz wszyscy najwybitniejsi europejscy impresjoniści i postimpresjoniści, m.in. Pissarro, Cezanne, Lautrec, Van Gogh, Munch, Matisse, Kokoschka, Kandinsky, Chagall itd.
Wspomniana sieć galerii (stan na 2010 r.) składa się z czterech „komórek”. Ten Tate Brytania V Londyn, to stara galeria Tate, mieszczącą kolekcję malarstwa angielskiego od XVI do XIX wieku oraz kolekcję sztuki zagranicznej z XIX wieku. Dalej, Tate Modern, nowoczesna galeria Tate (Tate Modern), ona też w nim uczestniczy Londyn, gdzie od 2000 roku prezentowana jest sztuka europejska i amerykańska od roku 1900 do współczesności. W 1988 roku również został otwarty oddział galerii w Liverpoolu. Działa również Tate St Ives V Kornwalia, od 1993 roku. I wreszcie istnieje strona internetowa, prawdziwe wirtualne muzeum w Internecie - Tate w Internecie. Podstawą kolekcji była kolekcja obrazów brytyjskich artystów, która kiedyś należała do Sir Henry'ego Tate'a(Pan Henry'ego Tate'a, 1819–1899), notabene, magnat cukrowy. Początek stanowiły trzy płótna – jednym z nich jest „Czwartek” W.D. Sadlera. Galerię zbudowano na miejscu dawnego więzienia i otwarto 21 lipca 1897 roku. Dziś jest to największa na świecie kolekcja sztuki angielskiej od XVI do XX wieku. Pod wieloma względami ma to samo znaczenie co Galeria Trietiakowska mamy. W 1926 roku do gmachu głównego dobudowano wydział malarstwa zagranicznego. W czasie II wojny światowej budynek został uszkodzony w wyniku nalotów. Kolekcję jednak ostrożnie ewakuowano. W 1949 roku muzeum zostało odrestaurowane i w pełni udostępnione zwiedzającym. W 1979 roku otwarto pomieszczenia kolekcji sztuki współczesnej. A w 1987 r. tzw Galeria Clore’a, który prezentuje najpełniejszy zbiór dzieł Tokarz. Zapisał swoje obrazy Anglii pod warunkiem, że wszystkie zostaną zachowane w ramach jednej wystawy. Cóż, proszę pana Charlesa Clore’a(1904–1979) zapewnił na to fundusze. Na przykład nie lubił piłki nożnej, więc… gdzie indziej miałby ulokować pieniądze? Zatem w galerii znajdziecie Państwo przede wszystkim dzieła malarzy angielskich: Johna Bettsa (zm. ok. 1576), Williama Hogartha (1697–1764), Joshuy Reynoldsa (1723–1792), Thomasa Gainsborough (1727–1788). ), Richard Wilson (1713–1782), George Stubbs (1724–1806), William Blake (1757–1827), John Constable (1776–1837). Perłą wystawy „lokalnych artystów” jest oczywiście zbiór prac Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Również w galerii można obejrzeć dzieła prerafaelitów - Dante Gabriel Rossetti (1828–1882), John Everett Millais (1829–1896), William Holman Hunt (1827–1910). Artyści zagraniczni reprezentowani są głównie przez malarstwo francuskich impresjonistów i postimpresjonistów. Są to Claude Monet (1840–1926), Camille Pissarro (1830–1903), Alfred Sisley (1839–1899), Paul Cézanne (1839–1906), Vincent van Gogh (1853–1890), Henri de Toulouse-Lautrec (1864) – 1901), Henri Matisse (1869–1954), Edvard Munch (1863–1944), Oskar Kokoschka (1886–1980), Amedeo Modigliani (1884–1920), Pablo Picasso (1881–1973), Georges Braque (1882–1963) ), Fernand Léger (1881–1955), Kandinsky V.V. (1866–1944), Kazimierz Malewicz (1878–1935), Marc Chagall (1887–1985), Max Ernst (1891–1976), Salvador Dali (1904–1989). Znajdują się tu także rzeźby Auguste’a Renoira (1841–1919), Edgara Degasa (1834–1917), Georgesa Seurata (1859–1891), Auguste’a Rodina (1840–1917) i Aristide’a Maillola (1861–1944). Galeria zaczęła organizować wystawy czasowe – z retrospektywą twórczości Dadaisty Marcel Duchamp (1887-1968) na krótko przed śmiercią, w 1966 r. Co roku galeria nagradza tzw Nagroda Turnera- Nagroda Turnera. Jest przyznawana artystom tworzącym w Wielkiej Brytanii. Wystawa czynna jest od poniedziałku do soboty w godzinach od 10 do 18, ale wejście zamykane jest o godzinie 17.45 (albo Brytyjczycy uważają, że na to wszystko wystarczy 15 minut, albo jest to czas, w którym można pobiec do najodleglejszego zakątka galerii i z powrotem). Ale nie trzeba biegać w każdy pierwszy piątek miesiąca – sale są otwarte do 22:00. 24, 25, 26 grudnia galeria jest nieczynna, ale 1 stycznia funkcjonuje tak, jakby nic się nie stało! W weekendy organizowane są bezpłatne wycieczki. Wstęp do galerii jest bezpłatny, chyba że odbywają się wystawy specjalne. W galerii znajduje się sklep z pamiątkami, w tym reprodukcjami i pocztówkami prezentowanych prac, a także kawiarnia i restauracja. W restauracji są nawet dania wegetariańskie!
Tate Britain słusznie uważana jest za Narodową Galerię Sztuki Wielkiej Brytanii. Jest to repozytorium dziedzictwa kulturowego malarstwa angielskiego sięgającego XVI wieku. Turyści rosyjskojęzyczni znają galerię pod inną, nieoficjalną nazwą – „Londyńska Galeria Trietiakowska”.
Muzeum znajduje się w Millbank w centrum Londynu, 500 metrów od stacji metra Pimlico i 800 metrów od stacji Vauxhall. Możliwość zwiedzania codziennie w godzinach od 10 do 18, za wyjątkiem trzech dni w roku – od 24 do 26 grudnia. Wstęp jest bezpłatny, z wyjątkiem niektórych wystaw tematycznych.
Historia założenia
Galerię po raz pierwszy udostępniono zwiedzającym w lipcu 1897 roku w budynku dawnego więzienia. Swoją nazwę wzięła od imienia swojego twórcy, Sir Henry'ego Taita. Wybitny przemysłowiec, właściciel cukrowni, utworzenie galerii oparł na swojej osobistej kolekcji dzieł malarzy angielskich. Jego pasja do malarstwa rozpoczęła się od trzech dzieł sztuki Waltera Dandy'ego Sadlera, mistrza epoki wiktoriańskiej.
Szczególne miejsce w tym trio zajmował obraz „Czwartek”, przedstawiający na płótnie mnichów zajętych łowieniem ryb na piątek, dzień postu. A dzisiaj obraz ten jest prezentowany do publicznego wglądu.
Budynek uległ częściowemu zniszczeniu podczas nalotu podczas II wojny światowej, jednak zbiory nie uległy zniszczeniu, gdyż wcześniej je ewakuowano. Po renowacji budynku w 1949 roku drzwi muzeum zostały ponownie otwarte dla wdzięcznych zwiedzających. Początkowo pomysł stworzenia muzeum opierał się na chęci prezentowania dzieł sztuki wyłącznie mistrzów angielskich, stopniowo jednak zaczęto wystawiać tu innych autorów zagranicznych.
Muzeum dzisiaj
Tate Britain jest częścią grupy muzeów Tate. W grupie znajduje się ich czterech: Tate Britain, Tate Modern, Clore Gallery, Tate Eves mieszcząca się w Kornwalii oraz oddział galerii zlokalizowany w Liverpoolu.
Tate Britain posiada około 60 tysięcy eksponatów, w tym obrazy, ryciny i rzeźby. Szeroko reprezentowane są dzieła takich angielskich malarzy jak William Hogarth, Richard Wills, William Blake, Thomas Gainsborough oraz cała kolekcja obrazów wielkiego Williama Turnera.
Oprócz Brytyjczyków reprezentowani są także zagraniczni mistrzowie. W większości są to impresjoniści i postimpresjoniści: Kazemir Malewicz, Claude Monet, Marc Chagall, Edgar Degas, Salvador Dali, Edvard Munch i wielu innych. W weekendy muzeum oferuje bezpłatne wycieczki, na miejscu znajduje się muzeum pamiątek, w którym można nabyć reprodukcje eksponatów wystawowych.
- (Tate Gallery) w Londynie, galeria sztuki w Wielkiej Brytanii, założona w 1897 roku. Bogata kolekcja malarstwa i rzeźby zachodnioeuropejskiej drugiej połowy XIX i XX wieku. * * * GALERIA TATE Galeria Tate w Londynie, sztuka... ... słownik encyklopedyczny
Galeria Tate w Londynie. Założona w 1897 roku. Zawiera galerię malarstwa i grafiki brytyjskiej od XVI do XX wieku. (prace P. Lely, W. Hogarth, J. Reynolds, T. Gainsborough, J. Constable, W. Turner, W. Sickert, M. Smith, B. Nicholson, G. ... ... Encyklopedia sztuki
Termin ten ma inne znaczenia, patrz Tate (znaczenia)… Wikipedia
Cm … Słownik synonimów
W Londynie, Narodowa Galeria Sztuki Wielkiej Brytanii. Założona w 1897 roku. Bogate zbiory brytyjskiej sztuki pięknej XVI - XX wieku, malarstwa i rzeźby zachodnioeuropejskiej końca XIX - XX wieku ... Nowoczesna encyklopedia
Galeria TATE w Londynie to galeria sztuki Wielkiej Brytanii, założona w 1897 roku. Bogata kolekcja malarstwa i rzeźby zachodnioeuropejskiej. 19 20 wieków... Wielki słownik encyklopedyczny
Rzeczownik, liczba synonimów: 1 galeria (40) Słownik synonimów ASIS. V.N. Trishin. 2013… Słownik synonimów
Galeria Tate'a- w Londynie, Narodowa Galeria Sztuki Wielkiej Brytanii. Założona w 1897 roku. Bogate zbiory brytyjskiej sztuki pięknej od XVI do XX wieku, malarstwa i rzeźby zachodnioeuropejskiej od końca XIX do XX wieku. ... Ilustrowany słownik encyklopedyczny
