Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są już w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I wierzcie mi, ich dzieła pozostaną w Waszej pamięci nie mniej głęboko, niż dzieła mistrzów minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył studia na Politechnice Śląskiej, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Koncentruje się na wyrażaniu emocji, stara się uzyskać jak największy efekt prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z różnymi nowymi technikami. Ostatnio zyskuje coraz większą popularność za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z sukcesem sprzedaje swoje prace, które znajdują się już w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang to współczesny amerykański artysta. Urodzony w 1957 r. i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 r., gdzie uzyskał tytuł BFA. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę profesjonalnego artysty.
Jego obrazy realistyczne można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy do wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi przy pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa sięga twórczości XVI-wiecznego artysty Johannesa Vermeera i obejmuje tematy, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, studentów, wnętrza pracowni, sale lekcyjne i domy. Jego celem jest tworzenie nastroju i emocji w swoich realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki piękne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters of America, największej społeczności zajmującej się malarstwem olejnym w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Warren obecnie mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, a także wykłada (znany jako utalentowany nauczyciel) w Akademii Sztuki w San Francisco.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni to włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955 r. Uzyskał dyplom ze scenografii w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, gdyż samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne obrazy Bruniego zakorzenione są w surrealizmie, jednak z czasem zaczyna on skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyjątkowym wyrafinowaniem i czystością swoich bohaterów. Obiekty animowane i nieożywione zyskują jednakową dostojność i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za kurtyną, ale pozwalają dojrzeć istotę swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, troskliwość i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony splendorem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasander Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 w Gliwicach, od 1989 mieszka i pracuje w USA, w Shasta w Kalifornii.
Już w dzieciństwie uczył się plastyki pod okiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, dlatego od najmłodszych lat działalność artystyczna cieszyła się pełnym wsparciem obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i pracująca na pół etatu artystka Cathy Gaggliardi namówiła Alkasandera do zapisania się do szkoły plastycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee w stanie Wisconsin, gdzie studiował malarstwo pod kierunkiem profesora filozofii Harry'ego Rosina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata Balos przeniósł się do Chicago, aby rozpocząć studia w School of Fine Arts, której metody opierają się na twórczości Jacques-Louis Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do uwypuklenia cech i wad ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Tematyka kompozycji jego obrazów przeznaczona jest do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy obrazy nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu tematyka jego twórczości znacznie się poszerzyła i obejmuje obecnie bardziej swobodne metody malarskie, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrażać idee i ideały istnienia poprzez malarstwo.
Alyssa Monks
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodzony w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Malowaniem zacząłem się interesować już jako dziecko. Studiowała w The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, a w 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo de' Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała studia w ramach studiów magisterskich w New York Academy of Art na wydziale Sztuki Figuratywnej, które ukończyła w 2001 roku. W 2006 roku ukończyła Fullerton College. Przez pewien czas wykładała na uniwersytetach i placówkach oświatowych w całym kraju, ucząc malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy of Art College.
„Używając filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru - częściami ludzkiego ciała.
Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utarte już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Mogłyby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak zalety pływania, tańca i tak dalej. Moi bohaterowie przyciskają się do szyby okna prysznica, zniekształcając własne ciała, uświadamiając sobie, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Miesza się grube warstwy farby, aby z daleka imitować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska widoczne są niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję punkt, w którym abstrakcyjne pociągnięcia pędzlem stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu byłem nim zafascynowany, a nawet miałem obsesję i wierzyłem, że muszę malować jak najbardziej realistycznie. „Wyznawałem” realizm, aż zaczął się on rozwikłać i ujawnić same w sobie sprzeczności. Obecnie badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style będą mogły współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antonia Finelliego
Włoski artysta – „ Obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech pomiędzy Rzymem a Campobasso. Jego prace wystawiane były w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, a także znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem” Obserwator czasu„Antonio Finelli zabiera nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej doczesności i związaną z nią skrupulatną analizę tego świata, której głównym elementem jest przemijanie czasu i ślady, jakie pozostawia on na skórze.
Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta pragnie także znaleźć dowody bezlitosności czasu na ciałach swoich bohaterów. Antonio określa swoje prace jednym, ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować rzeczywiste skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminię Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma trójkę dzieci. Przez dwanaście lat mieszkała w Rzymie, a przez trzy lata w Anglii i Francji. Ukończyła historię sztuki w BD School of Art. Następnie uzyskała dyplom konserwatora dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa zrodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „uczesać la pate” i bawić się materiałem. Podobną technikę rozpoznała w twórczości artysty Pascala Torui. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper czy François Legrand, a także różnymi ruchami artystycznymi: sztuką uliczną, realizmem chińskim, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Szkoły Artystycznej w 1998 roku pozostał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował także na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.
Regularnie uczestniczy w wystawach sztuki, dotychczas odbyło się ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość dzieł Denisa Chernova znajduje się w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis posługuje się szeroką gamą technik graficznych i malarskich. Do jego ulubionych metod malarskich należy rysunek ołówkiem, lista tematów jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna; maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.
Monochromatyczne malarstwo Japonii jest jednym z wyjątkowych zjawisk sztuki Wschodu. Poświęcono mu wiele pracy i badań, jednak często jest on postrzegany jako rzecz bardzo konwencjonalna, a czasem wręcz dekoracyjna. Tak nie jest.Świat duchowy japońskiego artysty jest bardzo bogaty i dba on nie tyle o komponent estetyczny, co o duchowy. Sztuka Wschodu jest syntezą tego, co zewnętrzne i wewnętrzne, jawnego i ukrytego.
W tym poście chciałabym zwrócić uwagę nie na historię malarstwa monochromatycznego, ale na jego istotę. O tym będziemy rozmawiać.
ekran „Sosny” Hasegawa Tohaku, 1593
To, co widzimy w monochromatycznych obrazach, jest efektem interakcji artysty z podstawową triadą: papierem, pędzlem, tuszem. Dlatego, aby właściwie zrozumieć dzieło, trzeba zrozumieć samego artystę i jego postawę.
„Krajobraz” Sesshu, 1398
Papier dla japońskiego mistrza to nie tylko materiał pod ręką, który podporządkowuje swojej zachciance, ale wręcz odwrotnie – to „brat”, w związku z czym odpowiednio kształtuje się do niego stosunek. Papier jest częścią otaczającej nas przyrody, którą Japończycy zawsze traktowali z szacunkiem i starali się nie ujarzmiać jej, ale pokojowo z nią współistnieć. Papier to drzewo w przeszłości, które stało w określonym miejscu przez określony czas, „zobaczyło” coś wokół siebie i to wszystko przechowuje. Tak japoński artysta postrzega materiał. Często przed rozpoczęciem pracy mistrzowie długo patrzyli na czystą kartkę papieru (kontemplowali ją) i dopiero wtedy zaczynali malować. Nawet teraz współcześni japońscy artyści praktykujący technikę Nihon-ga (tradycyjne malarstwo japońskie) starannie selekcjonują papier. Kupują go na zamówienie w papierniach. Każdy artysta ma określoną grubość, przepuszczalność wilgoci i fakturę (wielu artystów zawiera nawet umowę z właścicielem fabryki, aby nie sprzedawać tego papieru innym artystom) - dlatego każdy obraz odbierany jest jako coś wyjątkowego i żywego.
„Czytanie w gaju bambusowym” Xubun, 1446
Mówiąc o znaczeniu tego materiału, warto wspomnieć o tak znanych zabytkach literatury japońskiej, jak „Notatki przy łóżku” Sei Shonagona i „Genji Monogotari” Murasaki Shikibu: zarówno w „Notatkach”, jak i „Genji” można znaleźć wątki fabularne kiedy dworzanie lub kochankowie wymieniają wiadomości. Papier, na którym spisano te przesłania, był odpowiedniej pory roku, odcienia, a sposób pisania tekstu odpowiadał jego fakturze.
„Murasaki Shikibu w świątyni Ishiyama” Kyosen
Szczotka- drugi element jest kontynuacją ręki mistrza (znowu jest to materiał naturalny). Dlatego też pędzle wykonywano także na zamówienie, jednak najczęściej przez samego artystę. Wybrał włosie o wymaganej długości, wybrał rozmiar pędzla i najwygodniejszą rączkę. Mistrz maluje tylko swoim pędzlem i żadnym innym. (Z własnego doświadczenia: byłem na kursie mistrzowskim chińskiego artysty Jiang Shiluna, publiczność poprosiła, aby pokazać, co potrafią jego uczniowie obecni na kursie mistrzowskim, a każdy z nich, biorąc pędzel mistrza, powiedział, że efekt nie byłby taki, jakiego oczekiwali, ponieważ pędzel nie jest ich, nie są do niego przyzwyczajeni i nie wiedzą, jak prawidłowo go używać).
Szkic tuszem „Fuji” autorstwa Katsushiki Hokusai
Tusz do rzęs- trzeci ważny element. Istnieją różne rodzaje tuszów do rzęs: po wyschnięciu może dać błyszczący lub matowy efekt, można go mieszać z odcieniami srebrnymi lub ochrowymi, dlatego ważny jest również odpowiedni dobór tuszu do rzęs.
Yamamoto Baitsu, koniec XVIII – XIX w.
Głównymi tematami malarstwa monochromatycznego są pejzaże. Dlaczego nie ma w nich kolorów?
Sparowany ekran „Pines”, Hasegawa Tohaku
Po pierwsze, japońskiego artysty nie interesuje sam przedmiot, ale jego istota, pewien składnik wspólny wszystkim istotom żywym i prowadzący do harmonii między człowiekiem a naturą. Dlatego obraz jest zawsze wskazówką, jest adresowany do naszych zmysłów, a nie do wzroku. Niedopowiedzenie jest bodźcem do dialogu, a co za tym idzie do połączenia. Linie i plamy odgrywają w obrazie ważną rolę – tworzą język artystyczny. To nie jest swoboda mistrza, który pozostawił odważny ślad tam, gdzie chciał, ale w innym miejscu, wręcz przeciwnie, podciągnął - wszystko na obrazie ma swoje znaczenie i znaczenie i nie jest przypadkowe.
Po drugie, kolor zawsze niesie ze sobą jakąś konotację emocjonalną i jest różnie postrzegany przez różnych ludzi w różnych stanach, dlatego też neutralność emocjonalna pozwala widzowi najwłaściwiej wejść w dialog, ustawić go do percepcji, kontemplacji i myślenia.
Po trzecie, jest to interakcja yin i yang; każdy obraz monochromatyczny jest harmonijny z punktu widzenia stosunku atramentu do nietkniętej powierzchni papieru.
Dlaczego większość miejsca na papierze jest niewykorzystana?
„Krajobraz” Xubun, połowa XV wieku.
Po pierwsze, pusta przestrzeń zanurza widza w obrazie; po drugie, obraz powstaje tak, jakby na chwilę wypłynął na powierzchnię i miał za chwilę zniknąć – wiąże się to ze światopoglądem i światopoglądem; po trzecie, tam, gdzie nie ma atramentu, na pierwszy plan wysuwa się faktura i odcień papieru (nie zawsze jest to widoczne na reprodukcjach, ale w rzeczywistości jest to zawsze interakcja dwóch materiałów – papieru i tuszu).
Sesshu, 1446
Dlaczego krajobraz?
„Kontemplacja wodospadu” Gayami, 1478
Według japońskiego światopoglądu natura jest doskonalsza od człowieka, dlatego należy się od niej uczyć, chronić ją na wszelkie możliwe sposoby, a nie niszczyć i ujarzmiać. Dlatego w wielu pejzażach można zobaczyć małe wizerunki ludzi, jednak zawsze są one nieistotne, małe w stosunku do samego krajobrazu lub wizerunki chat wpasowujących się w otaczającą je przestrzeń i nie zawsze nawet zauważalnych - to wszystko są symbole światopogląd.
„Pory roku: jesień i zima” Sesshu. „Krajobraz” Sesshu, 1481
Podsumowując, chcę powiedzieć, że monochromatyczne malarstwo japońskie nie jest chaotycznie rozpryskanym tuszem, nie jest kaprysem wewnętrznego ego artysty - to cały system obrazów i symboli, jest skarbnicą myśli filozoficznej, a co najważniejsze, sposób komunikacji i harmonizacji siebie i otaczającego nas świata.
Tutaj, jak sądzę, znajdują się odpowiedzi na główne pytania, które pojawiają się u widza w obliczu monochromatycznego malarstwa japońskiego. Mam nadzieję, że pomogą Ci to najlepiej zrozumieć i dostrzec, kiedy się spotkacie.
Witajcie drodzy czytelnicy – poszukiwacze wiedzy i prawdy!
Japońscy artyści mają niepowtarzalny styl, doskonalony przez całe pokolenia mistrzów. Dziś porozmawiamy o najwybitniejszych przedstawicielach malarstwa japońskiego i ich obrazach, od czasów starożytnych po czasy współczesne.
Cóż, zanurzmy się w sztuce Krainy Wschodzącego Słońca.
Narodziny sztuki
Starożytna sztuka malarstwa w Japonii kojarzona jest przede wszystkim ze specyfiką pisma i dlatego opiera się na podstawach kaligrafii. Pierwsze próbki obejmują znalezione podczas wykopalisk fragmenty dzwonów, naczyń i artykułów gospodarstwa domowego z brązu. Wiele z nich malowano naturalnymi farbami, a badania dają podstawy przypuszczać, że wyroby te powstały wcześniej niż 300 rok p.n.e.
Nowa runda rozwoju sztuki rozpoczęła się wraz z przybyciem do Japonii. Na emakimono – specjalne zwoje papieru, naniesiono wizerunki bóstw panteonu buddyjskiego, sceny z życia Nauczyciela i jego wyznawców.
Dominację tematów religijnych w malarstwie można prześledzić już w średniowiecznej Japonii, a mianowicie od X do XV wieku. Nazwiska artystów tamtej epoki niestety nie zachowały się do dziś.
W okresie XV-XVIII w. rozpoczął się nowy czas, charakteryzujący się pojawieniem się artystów o rozwiniętym indywidualnym stylu. Nakreślili wektor dalszego rozwoju sztuki pięknej.
Jasni przedstawiciele przeszłości
Napięty Xubun (początek XV wieku)
Aby stać się wybitnym mistrzem, Xiubun studiował techniki pisania chińskich artystów Song i ich dzieła. Następnie stał się jednym z założycieli malarstwa w Japonii i twórcą sumi-e.
Sumi-e to styl artystyczny oparty na rysowaniu tuszem, co oznacza jeden kolor.
Syubun zrobił wiele, aby nowy styl zakorzenił się w kręgach artystycznych, uczył sztuki kolejne talenty, w tym przyszłych sławnych malarzy, na przykład Sesshu.
Najpopularniejszy obraz Xiubuna nosi tytuł „Czytanie w bambusowym gaju”.
„Czytanie w bambusowym gaju” autorstwa Tense Xubuna
Hasegawa Tohaku (1539–1610)
Został twórcą szkoły nazwanej jego imieniem – Hasegawa. Początkowo starał się kierować kanonami szkoły Kano, stopniowo jednak w jego twórczości zaczęto doszukiwać się indywidualnego „pisma”. Tohaku kierował się grafiką Sesshu.
Podstawą prac były proste, lakoniczne, ale realistyczne pejzaże o prostych tytułach:
- „Sosny”;
- "Klon";
- „Sosny i rośliny kwitnące”.
„Pines” Hasegawy Tohaku
Bracia Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Bracia byli znakomitymi rzemieślnikami XVIII wieku. Najstarszy, Ogata Korin, całkowicie poświęcił się malarstwu i założył gatunek rimpa. Unikał obrazów stereotypowych, preferując gatunek impresjonistyczny.
Ogata Korin malował naturę w ogóle, a kwiaty w szczególności w formie jasnych abstrakcji. Jego pędzle należą do obrazów:
- „Kwiat śliwy czerwono-biały”;
- „Fale Matsushima”;
- „Chryzantemy”.
„Fale Matsushimy” Ogaty Korina
Młodszy brat, Ogata Kenzan, miał wiele pseudonimów. Choć zajmował się malarstwem, zasłynął bardziej jako wspaniały ceramik.
Ogata Kenzan opanował wiele technik tworzenia ceramiki. Wyróżniał się niestandardowym podejściem, tworzył m.in. talerze w formie kwadratu.
Jego własne malarstwo nie wyróżniało się przepychem – to też była jego osobliwość. Uwielbiał nanosić na swoje przedmioty kaligrafię przypominającą zwój lub fragmenty poezji. Czasami pracowali razem z bratem.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Tworzył w stylu ukiyo-e – rodzaj drzeworytu, czyli malarstwa rytowniczego. W ciągu całej swojej kariery zmienił około 30 nazwisk. Jego najsłynniejszym dziełem jest „Wielka fala u Kanagawy”, dzięki któremu zasłynął poza granicami swojej ojczyzny.
„Wielka fala u wybrzeży Kanagawy” Hokusai Katsushiki
Hokusai zaczął szczególnie ciężko pracować po 60. roku życia, co przyniosło dobre rezultaty. Van Gogh, Monet i Renoir znali jego twórczość i w pewnym stopniu wpływała ona na twórczość europejskich mistrzów.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z najwybitniejszych artystów XIX wieku. Urodził się, mieszkał i pracował w Edo, kontynuował dzieło Hokusai i inspirował się jego twórczością. Sposób, w jaki przedstawił przyrodę, jest niemal tak imponujący, jak liczba samych dzieł.
Edo to dawna nazwa Tokio.
Oto kilka liczb dotyczących jego twórczości, które są reprezentowane przez serię obrazów:
- 5,5 tys. – liczba wszystkich rycin;
- „100 widoków na Edo;
- „36 widoków na Fuji”;
- „69 stacji Kisokaido”;
- „53 stacje Tokaido”.
Malarstwo Ando Hiroshige
Co ciekawe, wybitny Van Gogh namalował kilka kopii swoich rycin.
Nowoczesność
Takashiego Murakamiego
Artysta, rzeźbiarz, projektant ubiorów, zasłynął już pod koniec XX wieku. W swojej twórczości podąża za trendami mody z elementami klasyki, a inspiracje czerpie z kreskówek anime i mangi.
Malarstwo Takashiego Murakamiego
Twórczość Takashiego Murakamiego uznawana jest za subkulturę, ale jednocześnie cieszy się niesamowitą popularnością. Na przykład w 2008 roku jedno z jego dzieł zostało kupione na aukcji za ponad 15 milionów dolarów. Kiedyś nowoczesny twórca współpracował z domami mody Marc Jacobs i Louis Vuitton.
Cicho Ashima
Koleżanka poprzedniego artysty, tworzy nowoczesne obrazy surrealistyczne. Przedstawiają widoki miast, ulic megalopoli i stworzeń jakby z innego wszechświata - duchy, złe duchy, obce dziewczyny. W tle obrazów często można dostrzec dziewiczą, czasem wręcz przerażającą przyrodę.
Jej obrazy osiągają duże rozmiary i rzadko ograniczają się do mediów papierowych. Przenoszone są na skórę i tworzywa sztuczne.
W 2006 roku w ramach wystawy w stolicy Wielkiej Brytanii kobieta stworzyła około 20 łukowych konstrukcji, które w dzień i w nocy odzwierciedlały piękno przyrody wsi i miasta. Jedna z nich ozdobiła stację metra.
Hej, Arakawo
Młodego człowieka nie można nazwać artystą w klasycznym tego słowa znaczeniu – tworzy instalacje tak popularne w sztuce XXI wieku. Tematyka jego wystaw jest prawdziwie japońska i dotyczy przyjacielskich relacji oraz pracy całego zespołu.
Hei Arakawa często uczestniczy w różnych biennale, np. w Wenecji, wystawia w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w swojej ojczyźnie i zasłużenie otrzymuje różnego rodzaju nagrody.
Ikenaga Yasunari
Współczesna malarka Ikenaga Yasunari zdołała połączyć dwie pozornie nieprzystające do siebie rzeczy: życie współczesnych dziewcząt w formie portretu i tradycyjne japońskie techniki z czasów starożytnych. W swojej twórczości malarz wykorzystuje specjalne pędzle, farby z naturalnym pigmentem, tusz i węgiel drzewny. Zamiast zwykłego lnu - tkanina lniana.
Malarstwo Ikenagi Yasunari
Ta technika kontrastowania ukazanej epoki i wyglądu bohaterek sprawia wrażenie, jakby powróciły one do nas z przeszłości.
Popularną ostatnio w społeczności internetowej serię obrazów przedstawiających złożoność życia krokodyla stworzył także japoński rysownik Keigo.
Wniosek
Tak więc malarstwo japońskie zaczęło się około III wieku p.n.e. i od tego czasu wiele się zmieniło. Pierwsze obrazy nanoszono na ceramikę, później w sztuce zaczęły dominować motywy buddyjskie, lecz nazwiska autorów nie zachowały się do dziś.
W epoce nowożytnej mistrzowie pędzla nabierali coraz większej indywidualności i tworzyli różne kierunki i szkoły. Dzisiejsza sztuka piękna nie ogranicza się do tradycyjnego malarstwa - wykorzystuje się instalacje, karykatury, rzeźby artystyczne i specjalne konstrukcje.
Dziękuję bardzo za uwagę, drodzy czytelnicy! Mamy nadzieję, że nasz artykuł był dla Was przydatny, a opowieści o życiu i twórczości najwybitniejszych przedstawicieli sztuki pozwoliły lepiej ich poznać.
Oczywiście trudno w jednym artykule omówić wszystkich artystów od starożytności po współczesność. Niech więc będzie to pierwszy krok w stronę zrozumienia malarstwa japońskiego.
I dołącz do nas - zapisz się na bloga - będziemy wspólnie studiować buddyzm i kulturę Wschodu!
Czy lubisz malarstwo japońskie? Jak dużo wiesz o znanych japońskich artystach? Przyjrzyjmy się w tym artykule najsłynniejszym japońskim artystom, którzy tworzyli swoje dzieła w stylu ukiyo-e (浮世絵). Ten styl malarstwa rozwinął się z okresu Edo. Hieroglify użyte do napisania tego stylu 浮世絵 dosłownie oznaczają „obrazy (obrazy) zmieniającego się świata”, możesz przeczytać więcej o tym kierunku malarstwa
Hishikawy Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Uważany jest za twórcę gatunku ukiyo-e, chociaż w rzeczywistości jest dopiero pierwszym mistrzem, o którym zachowały się informacje biograficzne o życiu. Moronobu urodził się w rodzinie mistrza farbowania tkanin i haftu złotymi i srebrnymi nićmi i od dawna zajmuje się rodzinnym rzemiosłem, dlatego cechą charakterystyczną jego twórczości są pięknie zdobione stroje piękności, nadające wspaniały efekt artystyczny.
Po przeprowadzce do Edo najpierw samodzielnie uczył się technik malarskich, a następnie kontynuował je artysta Kambun.
Dotarliśmy do nas głównie z albumów Moronobu, w których przedstawia tematy historyczne i literackie oraz książek z próbkami wzorów kimon. Mistrz zajmował się także gatunkiem shunga, a spośród pojedynczych dzieł zachowało się kilka przedstawiających piękne kobiety. 
(鳥居清長, 1752-1815). Uznany pod koniec XVIII w. mistrz Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosił pseudonim Torii Kiyonaga, który przyjął po odziedziczeniu szkoły ukiyo-e Torii od Torii Kiyomitsu po jej śmierci.
Kiyonaga urodził się w rodzinie księgarza Shirakoyi Ishibei. Największą sławę przyniósł mu gatunek bijinga, choć zaczynał od yakusha-e. Tematy rycin z gatunku bijinga zostały zaczerpnięte z życia codziennego: spacerów, świątecznych procesji, wycieczek na łono natury. Wśród wielu prac artysty można wyróżnić cykl „Konkursy modnych piękności z wesołych dzielnic”, przedstawiający Minami, jedną z „zabawnych dzielnic” na południu Edo, „12 portretów piękności z południa”, „10 rodzajów herbaciarni” na zewnątrz. Charakterystyczną cechą mistrza było szczegółowe opracowanie widoku tła i zastosowanie technik przedstawiania światła i przestrzeni pochodzących z Zachodu.
Kiyonaga zyskała początkową sławę dzięki wznowieniu w 1782 roku serii „Próbki mody: modele nowe jak wiosenne liście”, zapoczątkowanej przez Koryusai w latach siedemdziesiątych XVIII wieku dla wydawcy Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Na tego wybitnego mistrza ukiyo-e znaczący wpływ wywarli Torii Kiyonaga i wydawca Tsutaya Juzaburo. W wyniku wieloletniej współpracy z tym ostatnim ukazało się wiele albumów, książek z ilustracjami i cyklami rycin.
Pomimo tego, że Utamaro czerpał tematy z życia prostych rzemieślników i starał się przedstawiać naturę („Księga owadów”), sławę zyskał jako twórca dzieł poświęconych gejszom dzielnicy Yoshiwara („Rocznik Yoshiwara Green Houses ”).
Utamaro osiągnął wysoki poziom w wyrażaniu stanów umysłu na papierze. Po raz pierwszy w drzeworytach japońskich zaczął wykorzystywać kompozycje popiersiowe.
To twórczość Utamaro wywarła wpływ na francuskich impresjonistów i przyczyniła się do europejskiego zainteresowania grafiką japońską.
(葛飾北斎, 1760-1849). Prawdziwe imię Hokusai to Tokitaro. Prawdopodobnie najbardziej znany mistrz ukiyo-e na całym świecie. W swojej karierze posługiwał się ponad trzydziestoma pseudonimami. Historycy często używają pseudonimów, aby periodyzować jego twórczość.
Początkowo Hokusai pracował jako rzeźbiarz, którego twórczość była ograniczona zamierzeniami artysty. Fakt ten mocno zaciążył na Hokusai i zaczął szukać siebie jako niezależnego artysty.
W 1778 roku został uczniem w pracowni Katsukawa Shunsho, która specjalizowała się w drukach yakusha-e. Hokusai był zarówno utalentowanym, jak i bardzo pilnym uczniem, który zawsze okazywał szacunek swojemu nauczycielowi i dlatego cieszył się szczególną przychylnością Shunsho. Tym samym pierwsze niezależne dzieła Hokusai utrzymały się w gatunku yakusha-e w formie dyptyków i tryptyków, a popularność ucznia dorównywała popularności nauczyciela. W tym czasie młody mistrz rozwinął już swój talent na tyle, że czuł się ciasno w jednej szkole, a po śmierci nauczyciela Hokusai opuścił pracownię i studiował kierunki innych szkół: Kano, Sotatsu (inaczej Koetsu), Rimpa, Tosa.
W tym okresie artysta doświadczył znacznych trudności finansowych. Ale jednocześnie ma miejsce jego formacja na mistrza, który odrzuca utarty wizerunek, jakiego domagało się społeczeństwo i poszukuje własnego stylu.
W 1795 roku światło dzienne ujrzały ilustracje do antologii poetyckiej „Keka Edo Murasaki”. Następnie Hokusai namalował obrazy surimono, które natychmiast stały się popularne i wielu artystów zaczęło je naśladować.
Od tego okresu Tokitaro zaczął podpisywać swoje dzieła imieniem Hokusai, chociaż niektóre jego dzieła publikowane były pod pseudonimami Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.
W 1800 roku mistrz zaczął nazywać siebie Gakejin Hokusai, co oznaczało „Szalony Hokusai Malarstwa”.
Do znanych serii ilustracji zalicza się „36 widoków na górę Fuji”, z których najbardziej godne uwagi są „Wiatr Zwycięstwa. Clear Day” lub „Red Fuji” i „The Great Wave off Kanagawa”, „100 Views of Mount Fuji”, wydany w trzech albumach, „Hokusai's Manga” (北斎漫画), zwany „encyklopedią Japończyków” . Artysta włożył w „Mangę” wszystkie swoje poglądy na twórczość i filozofię. „Manga” jest najważniejszym źródłem do studiowania życia w Japonii w tamtym czasie, ponieważ obejmuje wiele aspektów kulturowych. Za życia artysty ukazało się łącznie dwanaście numerów, a po jego śmierci trzy kolejne:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (po śmierci artysty)
Sztuka Hokusai wywarła wpływ na takie ruchy europejskie, jak secesja i francuski impresjonizm.
(河鍋暁斎, 1831-1889). Używał pseudonimów Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin i uczył się w szkole Kano.
W przeciwieństwie do Hokusai, Kyosai był dość bezczelny, co spowodowało jego rozłam z artystą Tsuboyamą Tozanem. Po szkole został samodzielnym mistrzem, chociaż czasami uczęszczał do szkoły przez kolejne pięć lat. W tym czasie malował kyogę, tzw. „szalone obrazy”.
Do wybitnych dzieł rycin należy Sto obrazów Kyosai. Jako ilustrator Kyosai tworzy obrazy do opowiadań i powieści we współpracy z innymi artystami.
Pod koniec XIX wieku Europejczycy często odwiedzali Japonię. Część z nich artysta znał, a kilka jego prac znajduje się obecnie w British Museum.
(歌川広重, 1797-1858). Pracował pod pseudonimem Ando Hiroshige (安藤広重) i jest znany z subtelnego przedstawienia naturalnych motywów i zjawisk naturalnych. W wieku dziesięciu lat namalował swój pierwszy obraz „Góra Fuji w śniegu”, który obecnie znajduje się w Muzeum Suntory w Tokio. Fabuła wczesnych dzieł opierała się na prawdziwych wydarzeniach rozgrywających się na ulicach. Jego słynne cykle: „100 widoków na Edo”, „36 widoków na górę Fuji”, „53 stacje Tokaido”, „69 stacji Kimokaido”, „100 słynnych widoków na Edo”. Duży wpływ na Moneta i rosyjskiego artystę Bilibina wywarły „53 stacje drogi Tokaido” namalowane po podróży East Coast Road oraz „100 widoków Edo”. Z serii 25 rycin z gatunku kate-ga najbardziej znany jest arkusz „Wróble nad ośnieżoną kamelią”.
(歌川国貞, znany również jako Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Jeden z najwybitniejszych artystów ukiyo-e.
Szczególną uwagę poświęcił aktorom kabuki i samemu teatrowi – stanowi to około 60% wszystkich prac. Znane są także prace z gatunku bijinga oraz portrety zapaśników sumo. Wiadomo, że stworzył od 20 do 25 tysięcy działek, które obejmowały 35-40 tysięcy arkuszy. Rzadko zwracał się w stronę krajobrazów i wojowników. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798-1861). Urodzony w rodzinie farbiarza jedwabiu. Kuniyoshi zaczął uczyć się rysować w wieku dziesięciu lat, mieszkając z rodziną artystów Kuninao. Następnie kontynuował naukę u Katsukawy Shun'ei, a w wieku 13 lat rozpoczął naukę w warsztacie Tokuyoni. W pierwszych latach młodemu artyście nie idzie dobrze. Jednak po otrzymaniu zamówienia od wydawcy Kagayi Kichibei na pięć egzemplarzy serii 108 Suikoden Heroes, sprawy zaczęły nabierać tempa. Tworzy resztę bohaterów serii, a następnie przechodzi do różnych innych dzieł i po piętnastu latach dorównuje Utagawie Hiroshige i Utagawie Kunisadzie.
Po wprowadzeniu w 1842 roku zakazu wizerunków scen teatralnych, aktorów, gejsz i kurtyzan Kuniyoshi stworzył cykl „kot”, wykonał ryciny z serii edukacyjnej dla gospodyń domowych i dzieci, przedstawiał bohaterów narodowych w cyklu „Tradycje, moralność i przyzwoitość” oraz pod koniec lat 40. x - początek lat 50. XIX w., po złagodzeniu zakazów, artysta powrócił do tematu kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Znany ze swoich dzieł z gatunku bijinga. Do jego najlepszych dzieł należą portrety typu okubi-e („wielkie głowy”), które uważane są za przykłady kunsztu epoki Bunsei (1818-1830), kiedy gatunek ukiyo-e podupadał. Artysta namalował wiele lirycznych i erotycznych surimono, a także cykl pejzaży „Sześćdziesiąt dziewięć stacji Kisokaido”, którego nie udało mu się ukończyć i dokończył Hiroshige.
Nowość w przedstawieniu bijingi polegała na zmysłowości, jakiej nie widziano wcześniej u innych artystów. Z jego dzieł możemy zrozumieć modę tamtych czasów. Opublikował także biografie Czterdziestu Siedmiu Roninów i napisał kilka innych książek, w tym The History of Ukiyo-e Printings (Ukiyo-e ruiko), zawierającą biografie artystów. Z kolei w Notatkach Bezimiennego Starszego opisał siebie jako zdeprawowanego pijaka i byłego właściciela burdelu w Nedzu, który doszczętnie spłonął w latach trzydziestych XIX wieku.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Prawdziwe imię artysty to Hozumi Jirobei. Jest odkrywcą druku polichromowanego ukiyo-e. Uczęszczał do szkoły Kano i studiował malarstwo. Następnie, pod wpływem Shigenagi Nishimury i Torii Kiyomitsu, drzeworyt stał się jego hobby. Od początków XVIII wieku wykonywano ryciny w dwóch lub trzech kolorach, a Harunobu zaczął malować w dziesięciu kolorach, używając trzech desek i łącząc trzy kolory - żółty, niebieski i czerwony.
Celował w przedstawianiu scen ulicznych i obrazów z gatunku shunga. Od lat sześćdziesiątych XVIII wieku był jednym z pierwszych, którzy wcielili się w aktorów Kabuki. Jego twórczość wywarła wpływ na E. Maneta i E. Degasa.
(小原古邨, 1877 - 1945). Jego prawdziwe imię to Matao Ohara. Przedstawione sceny z wojen rosyjsko-japońskich i chińsko-japońskich. Jednak po pojawieniu się fotografii jego prace zaczęły się słabo sprzedawać i zaczął zarabiać na życie, ucząc w szkole sztuk pięknych w Tokio. W 1926 roku Ernest Felloza, kustosz sztuki japońskiej w Muzeum Bostońskim, namówił Oharę do powrotu do malarstwa, a artysta zaczął przedstawiać ptaki i kwiaty, a jego prace dobrze sprzedawały się za granicą. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Wyróżniał się na tle innych artystów ekscentrycznością i stylem życia, na który składała się przyjaźń z wieloma osobistościami kultury i religii tamtych czasów. Przedstawiał zwierzęta, kwiaty i ptaki w bardzo egzotycznej formie. Był bardzo znany i przyjmował zamówienia na malowanie parawanów i obrazów świątynnych.
(鳥居清信, 1664-1729). Jeden z najważniejszych przedstawicieli wczesnego okresu ukiyo-e. Pomimo wielkiego wpływu swojego nauczyciela Hishikawy Monorobu, stał się założycielem gatunku yakusha-e w przedstawianiu plakatów i plakatów oraz wynalazł własny styl. Aktorzy zostali przedstawieni w specjalnych pozach jako odważni bohaterowie i zostali namalowani 
szlachetny pomarańczowy kolor, natomiast złoczyńcy zostali narysowani w kolorach niebieskim. Aby przedstawić pasję, artysta wymyślił specjalny rodzaj rysunku mimizugaki - są to kręte linie z naprzemiennymi cienkimi i grubymi pociągnięciami, połączone z groteskowym obrazem mięśni kończyn.
Torii Kiyonobu jest założycielką dynastii artystów Torii. Jego uczniami byli Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I i Torii Kiyomitsu.
Kto jest Twoim ulubionym artystą ukiyo-e?
Język japoński różni się od innych języków europejskich swoją strukturą, co może powodować pewne trudności w nauce. Jednak nie martw się! Specjalnie dla Ciebie przygotowaliśmy kurs „”, na który możesz zapisać się już teraz!
Zapaśnik sumo Kagamiiwa z zachodnich obrzeży
Artysta
Opis
Termin ukiyo-e, dosłownie tłumaczony jako „obrazy zmieniającego się świata”, odnosi się do kierunku japońskiej sztuki pięknej, który rozwinął się w okresie Edo (1600-1868). Jak sugeruje wyrażenie „zmieniający się świat”, którego korzenie sięgają buddyjskiego światopoglądu dotyczącego przemijania życia, grafiki ukiyo-e odzwierciedlają szybką dynamikę współczesnego życia miejskiego. Ryciny te, pomimo swojej dostępności i zgodności z „prostymi” gustami, wyróżniały się niesamowitym wyrafinowaniem szczegółów artystycznych i technicznych obrazu, którego tematyką były zarówno portrety kurtyzan i aktorów, jak i ilustracje literatury klasycznej. Ta grafika sumo-e (portrety zapaśników sumo) autorstwa Utagawy Toyokuni II jest częścią serii „Tamari-iri” („Wielcy zapaśnicy sumo oczekujący na zawody”). Pionowy grawer jest wykonany w dużym formacie oban, który był standardem dla rycin drukowanych komercyjnie w XIX wieku. Większość graweru zajmuje duży wizerunek zapaśnika z podkreślonymi mięśniami i linią ciała. Zapasy sumo stały się sportem zawodowym we wczesnym okresie Edo i były popularną rozrywką mieszkańców miast wraz z teatrem kabuki. Rozwój gatunku sumo-e zbiegł się z rosnącą popularnością tego sportu, która osiągnęła swój szczyt około 1780-1800 roku.
Urocze zawody sumo
Artysta
Utamaro II (zmarł około 1831)
Opis
Termin ukiyo-e, dosłownie tłumaczony jako „obrazy zmieniającego się świata”, odnosi się do kierunku japońskiej sztuki pięknej, który rozwinął się w okresie Edo (1600-1868). Jak sugeruje wyrażenie „zmieniający się świat”, którego korzenie sięgają buddyjskiego światopoglądu dotyczącego przemijania życia, grafiki ukiyo-e odzwierciedlają szybką dynamikę współczesnego życia miejskiego. Ryciny te, mimo swojej dostępności i zgodności z „prostymi” gustami, wyróżniały się niesamowitym wyrafinowaniem szczegółów artystycznych i technicznych obrazu, którego tematyką były zarówno portrety kurtyzan i aktorów, jak i ilustracje literatury klasycznej. Zapasy sumo stały się sportem zawodowym we wczesnym okresie Edo i były popularną rozrywką mieszkańców miast wraz z teatrem kabuki. Rozwój gatunku sumo-e (portrety zapaśników sumo) zbiegł się z rosnącą popularnością tego sportu, która osiągnęła swój szczyt około 1780-1800 roku. Podczas gdy grafiki sumo-e zwykle przedstawiały znanych zapaśników w środku meczu, wchodzących do kręgu lub stojących na ulicy, ta grafika przedstawia „uroczą” radosną rywalizację dwójki dzieci.
Aktor jako Sato Norikiyo, który staje się Saigyō: Aktor jako Yoshinaka
Artysta
Utagawa, Kuniyoshi, 1798-1861.
Opis
Japońska sztuka wizualna Ukiyo-e („Obrazy unoszącego się [lub smutnego] świata”) powstała w mieście Edo (obecnie Tokio) w okresie Tokugawa lub Edo (1600–1868), stosunkowo spokojnym okresie, kiedy Japonia była rządzone przez szogunów Tokugawa, którzy uczynili Edo stolicą. Tradycja drzeworytu Ukiyo-e trwała aż do XX wieku. Dyptyk datowany na lata 1849-1852 przedstawia Saigyo w otoczeniu mężczyzn, którzy starają się uniemożliwić mu opuszczenie domu i zostanie księdzem. Poeta Saigyo (1118-90) urodził się w arystokratycznej rodzinie wojskowej, ale nie poszedł ścieżką wojskową, lecz przyjął stopień księdza buddyjskiego w wieku około 22 lat.
Aktor Nakamura Utaemon jako Kato Masakiyo
Opis
Japońska sztuka wizualna Ukiyo-e („Obrazy unoszącego się [lub smutnego] świata”) powstała w mieście Edo (obecnie Tokio) w okresie Tokugawa lub Edo (1600–1868), stosunkowo spokojnym okresie, kiedy Japonia była rządzone przez szogunów Tokugawa, którzy uczynili Edo stolicą. Tradycja drzeworytu Ukiyo-e trwała aż do XX wieku. Rycina ta, datowana na lata 1818–1830, przedstawia aktora Nakamurę Utaemona w kostiumie wojownika grającego rolę Kato Kiyomasa (Masakiyo), XVI-wiecznego generała, który dowodził armią japońską podczas wojny siedmioletniej (1592–1598) przeciwko Korei.
Artysta
Shunkosai, Hokushu (okres twórczy 1810-1850)
Wojownik Asahina Kobayashi
Artysta
Utagawa, Toyokuni, 1786-1865.
Opis
Japońska sztuka wizualna Ukiyo-e („Obrazy unoszącego się [lub smutnego] świata”) powstała w mieście Edo (obecnie Tokio) w okresie Tokugawa lub Edo (1600–1868), stosunkowo spokojnym okresie, kiedy Japonia była rządzone przez szogunów Tokugawa, którzy uczynili Edo stolicą. Tradycja drzeworytu Ukiyo-e trwała aż do XX wieku. Ta reprodukcja (1862) to półmetrowy portret aktora w szacie haftowanej w ptaki. Aktor wciela się w rolę Asahiny. Reprodukcja należy do serii „36 współczesnych gwiazd” ((Tōsei Mitate Sanjū Rokkasen). Asahina Kobayashi była wojowniczką okresu Kamakura (koniec XII – początek XIV w.), słynącą ze swojej siły i odwagi. Ale w tym spektaklu teatru Kabuki , Asahina odgrywa błazna.
Dzień dziewczyn
Artysta
Nishikawa, Sukenobu (1671-1751)
Opis
Japońska sztuka wizualna Ukiyo-e („Obrazy unoszącego się [lub smutnego] świata”) powstała w mieście Edo (obecnie Tokio) w okresie Tokugawa lub Edo (1600–1868), stosunkowo spokojnym okresie, kiedy Japonia była rządzone przez szogunów Tokugawa, którzy uczynili Edo stolicą. Tradycja drzeworytu Ukiyo-e trwała aż do XX wieku. Ta rycina jest stroną z ilustrowanej księgi z lat 1716-1736. Przedstawia trzy bogato ubrane kobiety lub dziewczynki podczas posiłku, najprawdopodobniej świętującego Hina Matsuri (Dzień Dziewcząt), na cześć którego odbywa się ceremonia lalek, z lalkami siedzącymi wokół stołu w tle.
Piwonia i kanarek
Artysta
Opis
Japońska sztuka wizualna Ukiyo-e („Obrazy unoszącego się w powietrzu [lub smutnego] świata”) powstała w mieście Edo (obecnie Tokio) w okresie Tokugawa lub Edo (1600–1868), stosunkowo spokojnym okresie, kiedy Japonia była rządzone przez szogunów Tokugawa, którzy uczynili Edo stolicą. Tradycja drzeworytu Ukiyo-e trwała aż do XX wieku. Rycina ta, wykonana w 1833 lub 1834 r., należy do serii „Kwiatki” Katsushiki Hokusaki (1760-1849). Wyróżnia się nietypowym kolorem i rozmiarem tła. W innych przykładach tej ryciny, przechowywanych w British Museum i Muzeum Narodowym w Tokio, kolor tła jest jasnoniebieski. Rycina ta przypomina rycinę ze zbiorów Jamesa A. Michenera, mieszczącą się w Akademii Sztuki w Honolulu i podobnie jak rycina z tej kolekcji opatrzona jest pieczęciami cenzora i artysty.
Shibaura
Artysta
Katsushika, Hokusai (1760-1849)
Opis
Termin ukiyo-e, dosłownie tłumaczony jako „obrazy zmieniającego się świata”, odnosi się do kierunku japońskiej sztuki pięknej, który rozwinął się w okresie Edo (1600-1868). Jak sugeruje wyrażenie „zmieniający się świat”, którego korzenie sięgają buddyjskiego światopoglądu dotyczącego przemijania życia, grafiki ukiyo-e odzwierciedlają szybką dynamikę współczesnego życia miejskiego. Ryciny te, mimo swojej dostępności i zgodności z „prostymi” gustami, wyróżniały się niesamowitym wyrafinowaniem szczegółów artystycznych i technicznych obrazu, którego tematyką były zarówno portrety kurtyzan i aktorów, jak i ilustracje literatury klasycznej. Katsushika Hokusai (1760-1849) był płodnym artystą i grafikiem, który wraz ze swoim rywalem Utagawą Hiroshige wyniósł malarstwo pejzażowe ukiyo-e na szczyt artystycznej doskonałości. Krajobrazy Hokusai były raczej wyimaginowane niż naturalistyczne, tworząc dynamiczny obraz, który ujawnił jego wewnętrzną osobowość i głęboką wiedzę na dany temat. Ten wydruk, w rzadko spotykanym formacie drukowanej koperty, jest częścią serii Tōto Hyakkei (100 wyświetleń we wschodniej stolicy). Rycina przedstawia pielgrzymów odpoczywających na poboczu drogi, a w oddali widać niewyraźny zarys góry Fuji.
Shunshu ejiri „Zatoka Ejiri w prowincji Sunshu”
Artysta
Katsushika, Hokusai (1760-1849)
Opis
Termin ukiyo-e, dosłownie tłumaczony jako „obrazy zmieniającego się świata”, odnosi się do kierunku japońskiej sztuki pięknej, który rozwinął się w okresie Edo (1600-1868). Jak sugeruje wyrażenie „zmieniający się świat”, którego korzenie sięgają buddyjskiego światopoglądu dotyczącego przemijania życia, grafiki ukiyo-e odzwierciedlają szybką dynamikę współczesnego życia miejskiego. Ryciny te, mimo swojej dostępności i zgodności z „prostymi” gustami, wyróżniały się niesamowitym wyrafinowaniem szczegółów artystycznych i technicznych obrazu, którego tematyką były zarówno portrety kurtyzan i aktorów, jak i ilustracje literatury klasycznej. Katsushika Hokusai był artystą i grafikiem, który wraz ze swoim rywalem Utagawą Hiroshige wyniósł malarstwo pejzażowe ukiyo-e na szczyt artystycznej doskonałości. Jego pejzaże były raczej wyimaginowane niż naturalistyczne, oddawały dynamiczny, osobisty styl artysty i wielką umiejętność obserwacji przedstawianego widoku. Na tej rycinie, będącej częścią serii „Fugaku Sanjūrokkei” (Trzydzieści sześć widoków góry Fuji), obraz majestatycznej góry kontrastuje z silnym podmuchem wiatru rozwiewającym kaishi (papier, który może służyć jako chusteczkę lub do pisania poezji) i kapelusz podróżnych walczących z wiatrem.
Góra Misaka nad powierzchnią wody w Koshu
Artysta
Katsushika, Hokusai (1760-1849)
Opis
Termin ukiyo-e, dosłownie tłumaczony jako „obrazy zmieniającego się świata”, odnosi się do kierunku japońskiej sztuki pięknej, który rozwinął się w okresie Edo (1600-1868). Jak sugeruje wyrażenie „zmieniający się świat”, którego korzenie sięgają buddyjskiego światopoglądu dotyczącego przemijania życia, grafiki ukiyo-e odzwierciedlają szybką dynamikę współczesnego życia miejskiego. Ryciny te, mimo swojej dostępności i zgodności z „prostymi” gustami, wyróżniały się niesamowitym wyrafinowaniem szczegółów artystycznych i technicznych obrazu, którego tematyką były zarówno portrety kurtyzan i aktorów, jak i ilustracje literatury klasycznej. Katsushika Hokusai był artystą i grafikiem, który wraz ze swoim rywalem Utagawą Hiroshige wyniósł malarstwo pejzażowe ukiyo-e na szczyt artystycznej doskonałości. Jego pejzaże były raczej wyimaginowane niż naturalistyczne, oddawały dynamiczny, osobisty styl artysty i wielką umiejętność obserwacji przedstawianego widoku. Ta grafika jest częścią serii „Fugaku Sanjūrokkei” (Trzydzieści sześć widoków na górę Fuji) i dowcipnie przedstawia dwie pory roku: chociaż w rzeczywistości krajobraz wydaje się być latem, góra Fuji odbita w jeziorze po lewej stronie na pierwszym planie nadruk jest pokryty śniegiem. Dodatkowo panoramiczny widok na pasmo górskie nie dorównuje odbiciu góry Fuji, które widać, patrząc znad jeziora.
Kinko i Echizen
Artysta
Omori, Yoshikiyo
Opis
Termin ukiyo-e, dosłownie tłumaczony jako „obrazy zmieniającego się świata”, odnosi się do kierunku japońskiej sztuki pięknej, który rozwinął się w okresie Edo (1600-1868). Jak sugeruje wyrażenie „zmieniający się świat”, którego korzenie sięgają buddyjskiego światopoglądu dotyczącego przemijania życia, grafiki ukiyo-e odzwierciedlają szybką dynamikę współczesnego życia miejskiego. Ryciny te, mimo swojej dostępności i zgodności z „prostymi” gustami, wyróżniały się niesamowitym wyrafinowaniem szczegółów artystycznych i technicznych obrazu, którego tematyką były zarówno portrety kurtyzan i aktorów, jak i ilustracje literatury klasycznej. Takie czarno-białe kompozycje nazywane są sumizuri-e (jednokolorowe), ponieważ podczas ich kopiowania lub drukowania używany jest tylko jeden atrament. Ta grafika, wykonana przez Omori Yoshikiyo około 1700 roku i będąca częścią poprawionego wydania echa (ilustrowanej książki), przedstawia scenę w Shimabara, rekreacyjnej dzielnicy Kioto. Jedna kurtyzana o imieniu Echizen pisze wiersze, a druga, o imieniu Kinko, czesze włosy męskiego patrona patrzącego w lustro. Pozy postaci są identyczne z tymi przedstawionymi we wcześniejszej pracy Kurtyzan odbitych w lustrach, sygnowanej przez Okumurę Masanobu (ok. 1686-1764). Masanobu oparł swoją rycinę na dziele Torii Kiyonobu I (ok. 1664-1729) datowanym na rok 1700.
