Wykład 5
1. Czasy nowożytne jako szczególne zjawisko historyczno-kulturowe. Ogólna charakterystyka nurtów literackich XVII wieku.
2. Barok jest specyficznym typem kultury. Narodowe formy baroku.
3. Klasycyzm i jego rola w kulturze i literaturze XVII wieku.
Rozpoczynając badanie procesu literackiego XVII wieku, poznajemy szczególne zjawisko historyczno-kulturowe, które zwykle nazywa się Nowy czas, w przeciwieństwie do poprzednich dużych etapów historycznych i kulturowych - starożytności i średniowiecza. Zatem granica między renesansem a XVII wiekiem jest jakby podwójna: jest to zarówno nowy okres w skali „małej periodyzacji” epok literackich, jak i globalne przesunięcie kulturowe w skali „dużej periodyzacji” ”, przejście od cywilizacji średniowiecznej, w której pozostała kultura renesansu, do cywilizacji nowego typu. Historycy kultury nazywają New Age erą, w której człowiek współczesny, czyli człowiek XXI wieku, „zaczyna poznawać siebie”. To właśnie w XVII wieku ukształtowało się nowe spojrzenie na świat, w którym zasadnicze zmiany miały nastąpić dopiero pod koniec XIX wieku. Jest to okres, w którym rodzi się nowy światopogląd człowieka, uwarunkowany nie tylko zmianami zewnętrznych okoliczności życia, ale także kryzysem dotychczasowych form myślenia i odczuwania.
Należy zdać sobie sprawę, że pomimo całej oczywistej przemiany wiek XVII stanowi także całkowicie niezależny, odrębny etap rozwoju literackiego, posiadający względną autonomię i specyficzną, sprzeczną integralność, oddający niepowtarzalny wygląd artystyczny tamtych czasów. Zwróćmy szczególną uwagę tylko na jeden, ale niezwykle ważny aspekt: rolę i znaczenie ruchów ludowych naznaczyła w XVII wieku oczywista dwoistość właśnie z tego powodu, że uczestnicząc w niszczeniu tradycjonalistycznego średniowiecznego sposobu życia, cel swojej walki rozumieli jako powrót do „starych dobrych czasów”, przywrócenie utraconej sprawiedliwości, wolności itp., a nie jako odnowę porządku społecznego. Historycy zauważają także, że narastająca nierównomierność rozwoju politycznego i gospodarczego poszczególnych krajów i regionów paradoksalnie łączy się z ich wspólną obiektywną orientacją na odnowę, ze stopniową świadomością współzależności, z uniwersalizacją rozwoju cywilizacyjnego narodów i ściślejszą komunikacją kulturową między nimi . To właśnie w czasach nowożytnych ostatecznie ukształtowała się historyczna i kulturowa koncepcja „Europy”.
Wiek XVII tradycyjnie i słusznie nazywany jest wiekiem absolutyzmu. To właśnie w XVII wieku pojawiło się tak ważne zjawisko, jak „opinia publiczna” – szczególne zjawisko ideologiczne i psychologiczne, możliwe tylko w społeczeństwie obywatelskim, świadomym zarówno swojego związku z państwem, jak i względnej niezależności od niego. Rola opinii publicznej w powstawaniu, funkcjonowaniu i ocenie zjawisk literackich w XVII wieku jest znacząca. Dowodem na to jest aktywny rozwój krytyki literackiej i teorii literatury w tym okresie. Na przestrzeni XVII wieku zmienił się także status pisarza i życia literackiego: powstające w różnych krajach i coraz bardziej rozprzestrzeniające się koła, salony, kluby, szkoły i towarzystwa literackie nie tylko przyczyniły się do ciągłej krytycznej dyskusji na temat dzieł sztuki, które zyskały uznanie ze strony ich współczesnych, refleksję nad ogólnymi problemami twórczości, ale i stopniowo prowadzą do powstania profesjonalnego środowiska pisarskiego. Pod koniec XVII wieku w Europie Zachodniej pojawili się pierwsi profesjonalni pisarze. Atmosfera publicznej dyskusji nad problemami literackimi, estetycznymi i innymi zagadnieniami życia publicznego przyczyniła się do rozkwitu dziennikarstwa, który był w tym okresie bardzo zauważalny, a proces ten nabrał szerokiego zasięgu wraz z pojawieniem się prasy periodycznej.
Wiek XVII nazywany jest także wiekiem nauki. Rzeczywiście jest to czas sekularyzacji wiedzy naukowej, jej konsekwentnego oddzielenia się od innych form ludzkiej wiedzy i rzeczywistości. Wyłania się nowa klasyfikacja dziedzin nauki i ich nowa hierarchia, związana z ogólnymi zmianami ideologicznymi w świadomości ludzi XVII wieku, znacznie bardziej rozpoznawalna dla współczesnego człowieka. Należy jednak pamiętać, że światopogląd ludzi XVII w., czyli – jak często się dziś mówi – mentalność tamtej epoki, był zarówno jednolity, jak i sprzecznie zróżnicowany; w nim racjonalizm i sensualizm, racjonalność i mistycyzm zderzyły się, walcząc i oddziałując na siebie. Integralną częścią nowej mentalności, której rdzeniem była świadomość kryzysu ideałów renesansu (wesoła i optymistyczna idea harmonii Wszechświata, potęgi ludzkiego umysłu i wielkości człowieka, itp.).
Chronologia historyczno-kulturowa badanej epoki nie pokrywa się ze zwykłym podziałem kalendarzowym na stulecia. Początek „wieku XVII” jako nowego okresu literackiego przypada na lata 90. XVI wieku, a jego koniec już na połowę lat 80. – 90. stulecia następnego. Taka chronologia uwzględnia cały zespół przemian historycznych i kulturowych, co ostatecznie prowadzi do nowych wzorców rozwoju literatury.
Głównymi ruchami literackimi XVII wieku był barok i klasycyzm.
Samo słowo” barokowy„jako termin w historii sztuki zaczęto odnosić się do pewnego zakresu zjawisk artystycznych XVII wieku dopiero w następnym, XVIII wieku, i to z konotacją negatywną. Dlatego w „Encyklopedii” francuskiego oświecenia słowo „barok” zostało użyte w znaczeniu „dziwny, dziwaczny, pozbawiony smaku”. Trudno jest znaleźć jedno źródło językowe tego terminu, ponieważ było ono używane w różnych odcieniach znaczeniowych w języku włoskim, portugalskim i hiszpańskim. Należy jedynie podkreślić, że etymologia pozwala uchwycić pewne cechy poetyki barokowej: kapryśność, niezwykłość, polisemię.
Oznaki nowego stylu zaczęły pojawiać się już pod koniec XVI wieku, jednak to wiek XVII stał się jego rozkwitem. Barok jest odpowiedzią na niestabilność społeczną, polityczną, gospodarczą, kryzys ideologiczny, napięcie psychologiczne epoki pogranicza, jest chęcią twórczego przemyślenia na nowo tragicznego wyniku humanistycznego programu renesansu, jest poszukiwaniem wyjścia z kryzysu stan kryzysu duchowego.
Era baroku nastąpiła po głębokim kryzysie duchowym i religijnym spowodowanym reformacją – potężnym ruchem religijnym mającym na celu zreformowanie doktryny i organizacji kościoła chrześcijańskiego, który powstał w Niemczech na początku XVI wieku, szybko rozprzestrzenił się na większą część Europy i doprowadził do do odłączenia się od Rzymu i utworzenia nowej formy chrześcijaństwa.
W tej epoce specyficzne spojrzenie na człowieka i pasja do wszystkiego, co teatralne, dają początek wszechobecnemu obrazowi: cały świat jest teatrem. Dla każdego, kto zna angielski, ten obraz kojarzy się z imieniem Szekspira - w końcu pochodzi z jego komedii „Jak wam się podoba”. Ale można go znaleźć we wszystkich najważniejszych dziełach literatury europejskiej. W bogatym porcie Amsterdamu w 1638 roku otwarto teatr miejski, nad wejściem do którego można było przeczytać słowa największego holenderskiego poety Vondela: „Nasz świat jest sceną, każdy tutaj ma swoją rolę i każdemu dostaje to, na co zasługuje. ” Z kolei w konkurującej z Holandią Hiszpanii współczesny Vondelowi Calderon de la Varca stworzył swoje słynne arcydzieło „Wielki teatr świata”, przedstawiające świat jako scenę w iście barokowym sensie.
Tragicznie wysublimowana treść określiła także główne cechy baroku jako metody artystycznej. Dzieła baroku cechuje teatralność, iluzoryczność (nieprzypadkowo dramat P. Calderona nosi tytuł „Życie jest snem”), antynomia (zderzenie zasad osobistych z obowiązkiem publicznym), kontrast zmysłowej i duchowej natury człowieka opozycji fantastycznego i realnego, egzotycznego i zwyczajnego, tragicznego i komicznego. Barok obfituje w skomplikowane metafory, alegorie i symbolikę, wyróżnia się ekspresją słów, egzaltacją uczuć, niejednoznacznością semantyczną i mieszaniem motywów mitologii starożytnej z symboliką chrześcijańską. Poeci baroku przywiązywali dużą wagę do graficznej formy wiersza, tworząc wiersze „figurowane”, których wersety tworzyły obraz serca, gwiazdy itp.
Realizując znaną już w średniowieczu tezę „życie jest snem”, barok zwraca uwagę przede wszystkim na kruchość granic między „senem” a „życiem”, na ciągłe wątpliwości człowieka, czy jest on w stanie snu lub jawy, po kontrasty lub dziwaczne zbliżenia twarzy i maski, „być” i „wydawać się”.
Epoka baroku odrzuciła naturalność, uznając ją za ignorancję i dzikość. Kobieta powinna być wówczas nienaturalnie blada, w wymyślnej fryzurze, w obcisłym gorsecie i ogromnej spódnicy, a mężczyzna w peruce, bez wąsów i brody, pudrowany i perfumowany.
Ludzie tamtych czasów zawsze odczuwali na sobie wzrok Boga i uwagę całego świata, ale to napełniało ich poczuciem szacunku do samego siebie, pragnieniem, aby ich życie było tak jasne i znaczące, jak ukazywało się w malarstwie, rzeźbie i dramat. Podobnie jak malowane portrety, barokowe pałace odzwierciedlają wizerunek swoich twórców. Są to pochwały wyryte w kamieniu, wychwalające cnoty tych, którzy w nich żyją. Dzieła epoki baroku, sławiące wielkich i ich osiągnięcia, zadziwiają wyzwaniem, a jednocześnie są próbą zagłuszenia melancholii swoich twórców. Cień rozczarowania kładzie się od samego początku na sztukę baroku. Miłość do teatru i metafory scenicznej ujawnia świadomość, że wszelka manifestacja zewnętrzna jest iluzoryczna.
Ostre uczucie pędzącego czasu, pochłaniającego wszystko i wszystkich; poczucie daremności wszystkiego, co ziemskie, które powtarzali poeci i kaznodzieje w całej Europie; nagrobek, nieuchronnie czekający na wszystkich i przypominający, że ciało jest śmiertelne, człowiek jest prochem - wszystko to, co dziwne, doprowadziło do niezwykłej miłości do życia i afirmacji życia. Paradoks ten stał się głównym tematem poezji barokowej, autorzy nawoływali do zrywania kwiatów przyjemności, gdy wokół szalało lato; kochaj i ciesz się wielobarwną maskaradą życia. Świadomość, że życie zakończy się jak sen, odsłoniła jego prawdziwe znaczenie i wartość tym, którzy mieli szczęście. Pomimo szczególnej uwagi poświęconej tematowi kruchości wszystkiego, kultura baroku dała światu dzieła literackie niespotykanej miłości do życia i siły.
Cechy typologiczne baroku determinowały także system gatunkowy, który charakteryzował się mobilnością. Charakterystyczne jest wysunięcie na pierwszy plan powieści i dramatu (zwłaszcza gatunku tragedii), z drugiej, kultywowanie złożonej koncepcyjnie i językowej poezji. Dominuje tematyka pastoralna, tragikomedia i powieść (heroiczna, komiczna, filozoficzna). Specjalnym gatunkiem jest burleska – komedia parodiująca gatunki wysokie, z grubsza ugruntowująca obrazy, konflikty i wątki fabularne tych sztuk. Ogólnie rzecz biorąc, we wszystkich gatunkach budowano „mozaikowy” obraz świata, w którym wyobraźnia odgrywała szczególną rolę, często łączono niekompatybilne zjawiska, stosowano metaforę i alegorię.
Należy także pamiętać o ewolucji baroku na przestrzeni XVII w., o jego względnym przejściu od „materialności” stylu odziedziczonej po renesansie, malowniczości i barwności detali empirycznych do wzmacniania filozoficznej ogólności, symboliczno-alegorycznej obrazowości, intelektualności i wyrafinowany psychologizm.
Architektura baroku(L. Bernini, F. Borromini we Włoszech, V.V. Rastrelli w Rosji): charakterystyczny zakres przestrzenny, jedność, płynność złożonych, zwykle krzywoliniowych form są charakterystyczne dla rzeźby (Bernini) i malarstwa (P.P. Rubens, A. van Dyck we Flandrii) - efektowne kompozycje dekoracyjne, portrety ceremonialne. Michał Anioł uważany jest zarówno za ostatniego mistrza renesansu, jak i twórcę stylu barokowego, ponieważ to on zrealizował jego główny element stylotwórczy - plastyczność ściany. Zwieńczenie jego dzieła – Bazylika św. Piotra w Rzymie, uznawana jest już za utrzymaną w stylu barokowym.
Muzyka barokowa. W epoce baroku nastąpiła eksplozja nowych stylów w muzyce. Dalsze osłabienie kontroli politycznej Kościoła katolickiego w Europie, które rozpoczęło się w okresie renesansu, umożliwiło rozkwit muzyki niereligijnej. Muzyka wokalna, która dominowała w okresie renesansu, została stopniowo zastąpiona muzyką instrumentalną. Przekonanie, że instrumenty muzyczne należy łączyć w jakiś standardowy sposób, doprowadziło do powstania pierwszych orkiestr. Dwóch najwybitniejszych kompozytorów tamtych czasów to Corelli i Vivaldi, a we Włoszech pierwsze opery napisali kompozytorzy Cavaleri i Monteverdi. Johann Sebastian Bach, największy geniusz w historii muzyki, żył i tworzył w epoce baroku. Wielkie dzieła epoki baroku: „Muzyka na wodzie” Haendla, „Koncerty i kantaty brandenburskie” Bacha, „Cztery pory roku” Vivaldiego, Purcell „Dydona i Eneasz”, Menteverdi „Orfeusz”.
Do najsłynniejszych pisarzy baroku należeli: w Hiszpanii Luis de Gongora (1561–1627), Pedro Calderon (1600–1681) i Lope de Vega (1562–1635), we Włoszech Torquato Tasso (1544–1595), Giambattista Marino (1569–1569–1569–1595). 1625), w Niemczech Hans Jakob von Grimmelshausen (ok. 1621–1676).
Barok w literaturze francuskiej. Literatura francuska XVII wieku, która dała Francji wielką klasykę, była niezwykle bogata w dorobek artystyczny, wywarła znaczący wpływ na inne literatury narodowe Europy i w dużej mierze zdeterminowała kulturowy wygląd całego stulecia. Było to znacznie ułatwione przez specyfikę rozwoju społeczno-historycznego kraju w XVII wieku. Należy wziąć pod uwagę nie tylko aktywny proces centralizacji państwa francuskiego, ale także dramatyczne perypetie tego procesu na przestrzeni stulecia. Pierwszy etap rozwoju literatury francuskiej wiąże się z początkiem procesu umacniania się absolutyzmu po okresie wojen religijnych końca XVI wieku. Jest to także czas kształtowania się klasycyzmu w poezji francuskiej.
Oprócz poezji barokowej we Francji rozwija się także dramaturgia barokowa. W twórczości Alexandra Hardy'ego wyraźnie widoczne są cechy gatunku tragikomedii charakterystycznego dla teatru barokowego: bogactwo dynamicznej akcji, spektakularne mise-en-scène, złożoność fabuły itp. Jednak francuska dramaturgia baroku jest mniej artystyczna ważniejsza niż dramaturgia klasycyzmu.
Inaczej jest w przypadku prozy artystycznej, zwłaszcza powieści. Tutaj, zarówno w pierwszym okresie rozwoju literatury francuskiej, jak i później, króluje barok zarówno w swoim „wysokim”, jak i „niskim” wariancie demokratycznym, tworząc jednolity, a zarazem antynomiczny system powieści barokowej. Niezwykle ważną rolę w kształtowaniu się tego gatunku w XVII wieku, w rozwoju szczególnej cywilizacji świeckiej, odegrała miłosno-psychologiczna powieść pastoralna Honore d'Urfe „Astrea”.
Oryginalność hiszpańskiego baroku. Filozoficzną podstawą stylu barokowego (zapewne z włoskiego barocco – kapryśnego), który rozwinął się w literaturze hiszpańskiej XVII wieku, była idea nieograniczonej różnorodności i wiecznej zmienności świata.
Na początku XVII wieku Hiszpania znajdowała się w stanie głębokiego kryzysu gospodarczego. Klęska „Niezwyciężonej Armady” (1588) u wybrzeży Anglii, nierozsądna polityka kolonialna, słabość hiszpańskiego absolutyzmu i jego krótkowzroczność polityczna uczyniły Hiszpanię drugorzędnym krajem europejskim. W kulturze hiszpańskiej natomiast wyraźnie zidentyfikowano nowe trendy, które miały znaczenie nie tylko krajowe, ale także ogólnoeuropejskie.
XVII wiek hiszpański był w literaturze całkowicie barokowy. W pewnym stopniu podsumowuje, uwydatnia i podkreśla doświadczenie całej barokowej Europy. Kultura baroku objawiła się niemal we wszystkich obszarach twórczości artystycznej i dotknęła wszystkich artystów. Hiszpania, w XVII wieku. przeżywający upadek, będąc pod panowaniem nie tyle króla, co kościoła, nadał literaturze barokowej szczególny nastrój: tutaj barok nabrał nie tylko charakteru religijnego, ale i fanatycznego, pragnienie nieziemskiego, podkreślanej ascezy, aktywnie się manifestowała. Jednak to tutaj odczuwalne są wpływy kultury ludowej.
W poezji hiszpańskiej XVII wieku. Barok dał początek dwóm walczącym między sobą ruchom - kultyzmowi i konceptalizmowi. Zwolennicy pierwszego przeciwstawiali obrzydliwy i niedopuszczalny świat realny światu doskonałemu i pięknemu, stworzonemu przez ludzką wyobraźnię, który tylko nieliczni są w stanie pojąć. Zwolennicy kultyzmu zwrócili się w stronę języka włoskiego, tzw. „Styl ciemny”, charakteryzujący się złożoną metaforą i składnią, zwrócił się w stronę systemu mitologicznego. Zwolennicy konceptalizmu posługiwali się równie złożonym językiem, a w tę formę ubrana była złożona myśl, stąd polisemia każdego słowa, stąd charakterystyczna dla konceptystów gra słów i stosowanie kalamburów.
Luis de Gongora przez współczesnych nazywany był „hiszpańskim Homerem”. Należy zrozumieć, że porównanie z Homerem nie oznacza w tym przypadku podobieństwa języka poetyckiego hiszpańskiego liryka baroku do starożytnej poezji epickiej, ale pewien wyższy stopień mistrzostwa.
Gdzie jest kość słoniowa, gdzie śnieżnobiała
Marmur paryski, gdzie szafir promienieje,
Heban tak czarny i kryształ tak czysty,
Srebro i złoto mrocznego filigranu,
Gdzie są takie najwspanialsze koraliki, gdzie jest wybrzeże
Przejrzysty bursztyn i musujący rubin
I gdzie jest ten mistrz, ten prawdziwy artysta,
Co w najwyższej godzinie stworzy pracowita ręka
Rzeźba z rzadkich skarbów, -
A może owoce jego wysiłków nadal będą
Nie pochwała - mimowolna zniewaga
O słońce piękna w promieniach dumy,
A posąg zniknie przed pojawieniem się
Clarindo, mój słodki wrogu?
(Przetłumaczone przez M. Kwiatkowską)
Barok w literaturze angielskiej.
Większość ekspertów początek nowej ery historyczno-literackiej w Anglii datuje na lata 20. XVII wieku. Koncepcja ta ma pewne uzasadnienie choćby w tym, że renesans w Anglii był zjawiskiem późnym, a twórczość wielu pisarzy, zwłaszcza tak niezwykłego, niezaprzeczalnie wielkiego jak Szekspir, przypadła na przełom XIX i XX wieku. W spuściźnie Szekspira znajdują się zarówno nurty stylistyczne renesansowe, manierystyczne, jak i barokowe. Oznacza to, że podobnie jak w Hiszpanii, w Anglii zjawiska artystyczne późnego renesansu oraz baroku i klasycyzmu XVII wieku nakładają się na siebie. Powstała tutaj specjalna wersja, która łączy w sobie elementy literatury baroku i klasycyzmu. Motywy i elementy baroku najbardziej dotknęły poezję i dramat, choć teatr angielski XVII wieku. nie dał światu dramaturgów barokowych, których można by porównać z dramaturgami hiszpańskimi.
W Anglii literaturę barokową można podzielić na trzy scena: pierwsza trzecia stulecia (okres kryzysu ideałów renesansu); lata 40-50 (udział w wirze rewolucyjnych bitew); Lata 60-80 (lata artystycznego pokazu i zrozumienia skutków rewolucji). Na wszystkich tych etapach angielską literaturę barokową wyróżniają dwie wiodące cechy - siła twórcza i poczucie przełamywania istniejących fundamentów, zabarwione na różne odcienie.
Najwybitniejszym pisarzem barokowym w Anglii jest John Donne.
Rzeczywistość niemiecka w twórczości pisarzy barokowych. Literatura niemiecka XVII wieku to tragiczna, ale bardzo jasna karta w historii Niemiec. Wojna trzydziestoletnia (1618-1648), która sprowadziła na kraj niewypowiedziane nieszczęścia, a kończący się triumfem reakcji, nie mogła jednak przeszkodzić twórczości wybitnych niemieckich poetów, dramaturgów i prozaików.
O ile na początku XVII wieku wszystkie większe kraje Zachodu posiadały już własną narodową literaturę klasyczną (Włochy, Anglia, Hiszpania, Francja, Holandia), o tyle w Niemczech można było zaobserwować inny obraz. Przede wszystkim tworzenie narodowej literatury niemieckiej utrudniało rozdrobnienie państwa. Przez cały XVI wiek w życiu gospodarczym Niemiec nastąpił regres, który doprowadził do upadku niemieckiej burżuazji. Niemcy powracają do wszechmocy, niemal absolutyzmu, wielkich panów feudalnych (książąt). Rozdrobnienie uniemożliwiło zjednoczenie sił ludowych w celu zorganizowania dużej wojny chłopskiej, ale częste powstania nadal budziły strach wśród właścicieli ziemskich.
W literaturze niemieckiej XVII wieku nastąpił rozkwit poezji, obok której szeroko reprezentowany był gatunek powieści o „charakterystycznych cechach estetyki antyrealistycznej”, zapożyczony z literatury francuskiej. Wśród szlachty niemieckiej popularne były wszelkiego rodzaju francuskie powieści arystokratyczne: pasterskie, szarmanckie, pseudorycerskie, pseudoorientalne, pseudohistoryczne, historyczno-państwowe. Cechą charakterystyczną tych powieści była, po pierwsze, niezwykle duża objętość, po drugie, skrajna złożoność fabuły, nasycona ogromną liczbą przecinających się wątków, co można wytłumaczyć nie niekompetencją autorów, ale specyfikę swojego celu artystycznego. Powieściopisarze starali się objąć cały świat, objąć opisami szeroką panoramę. Dlatego wcale nie interesowało ich życie wewnętrzne bohaterów, w tych powieściach nie było nawet śladu rozwoju postaci i psychologizmu. Estetyka barokowa nie wyobrażała sobie miłości poza wojnami, kampaniami i zwycięstwami, co pociągało za sobą nieuniknione komplikacje fabuły. Trzecią cechą charakterystyczną powieści barokowych była obecność rozbudowanych komentarzy naukowych, notatek, dygresji, dyskusji na temat historii, władzy itp.
Drugi ruch literacki, który rozpowszechnił się w XVII wieku, to klasycyzm. Jego ojczyzną były Włochy (XVI wiek). Tutaj klasycyzm narodził się wraz z odrodzeniem teatru starożytnego i początkowo był uważany za bezpośrednie przeciwieństwo dramatu średniowiecznego. Humaniści renesansu postanowili spekulatywnie, nie biorąc pod uwagę wyjątkowości konkretnych epok historycznych i ludów, ożywić tragedię Eurypidesa i Seneki, komedię Plauta i Terencjusza. W ten sposób klasycyzm początkowo wyłonił się jako teoria i praktyka naśladowania sztuki starożytnej. Filozoficzną podstawą metody klasycystycznej była racjonalistyczna nauka Kartezjusza. Filozof uważał, że jedynym źródłem prawdy jest rozum. Przyjmując to stwierdzenie za początkowe, klasycyści stworzyli ścisły system reguł harmonizujących sztukę z wymogami rozsądnej konieczności w imię przestrzegania artystycznych praw starożytności. Dominującą cechą sztuki klasycystycznej stał się racjonalizm. Klasycyści ustalili także jasno uregulowaną hierarchię gatunków literackich: określono dokładne granice gatunku i jego cechy.
Klasycyzm(z łac. Classicus - wzorcowy) - styl artystyczny i kierunek estetyczny w literaturze i sztuce europejskiej XVII - początków XIX wieku, którego jedną z ważnych cech było odwoływanie się do obrazów i form starożytnej literatury i sztuki jako idealnej estetyki standard.
KLASYCYZM to jeden z najważniejszych nurtów w sztuce przeszłości, styl artystyczny oparty na estetyce normatywnej, wymagający ścisłego przestrzegania szeregu zasad, kanonów i jedności. Zasady klasycyzmu mają ogromne znaczenie, ponieważ zapewniają główny cel, jakim jest oświecanie i pouczanie społeczeństwa, przekształcanie go we wzniosłe przykłady. Estetyka klasycyzmu odzwierciedlała chęć idealizowania rzeczywistości, wynikającą z odmowy przedstawienia rzeczywistości złożonej i wieloaspektowej.
Klasycyzm XVII wieku stał się wyjątkowym odzwierciedleniem postrenesansowego humanizmu. Klasycystów cechuje chęć zgłębiania osobowości w jej powiązaniach ze światem. Klasycyzm jako system artystyczny łączy w sobie orientację na antyk z głęboką penetracją wewnętrznego świata bohaterów, świata refleksyjnego, zbuntowanego. Głównym konfliktem klasycyzmu jest walka między uczuciem a obowiązkiem. Przez jego pryzmat pisarze próbowali rozwiązać wiele sprzeczności rzeczywistości.
Klasycyzm – od łacińskiego classicus – pierwszorzędny, wzorowy – narodził się we Włoszech w XVI wieku w kręgach uniwersyteckich jako praktyka naśladująca antyk. Humanistyczni naukowcy próbowali przeciwstawić świat feudalny wysoce optymistycznej sztuce starożytnych. Dążyli do wskrzeszenia starożytnego dramatu, studiowali dzieła Ajschylosa, Sofoklesa, Eurypidesa i próbowali wyprowadzić z dzieł starożytnych mistrzów pewne ogólne zasady, na podstawie których rzekomo budowano starożytne greckie sztuki. Tak naprawdę w literaturze starożytnej nie obowiązywały żadne zasady, jednak humaniści nie rozumieli, że sztuki z jednej epoki nie można „przeszczepić” w inną. Przecież każda praca powstaje nie na podstawie pewnych zasad, ale na podstawie określonych warunków rozwoju społecznego. Błąd humanistów polegał na tym, że nie wzięli pod uwagę historycznych warunków rozwoju społeczeństwa i kultury starożytnych oraz zignorowali specyfikę myślenia artystycznego minionych epok. To nie przypadek, że klasycyzm we Włoszech pozostał jednym z ciekawych doświadczeń uniwersyteckich humanistów.
Klasycyzm kształtuje się pod wpływem innych ogólnoeuropejskich nurtów w sztuce, które się z nim bezpośrednio stykają: wychodzi od estetyki poprzedzającego go renesansu i konfrontuje się z aktywnie z nią współistniejącą sztuką barokową, przepojoną świadomością ogólna niezgoda wywołana kryzysem ideałów minionej epoki. Kontynuując pewne tradycje renesansu (podziw dla starożytnych, wiara w rozum, ideał harmonii i proporcji), klasycyzm był wobec niego swego rodzaju antytezą; za zewnętrzną harmonią klasycyzmu kryje się wewnętrzna antynomia światopoglądu, która upodabnia go do baroku (przy wszystkich ich głębokich różnicach). To, co gatunkowe i indywidualne, publiczne i osobiste, rozum i uczucie, cywilizacja i natura, które pojawiły się (w nurcie) w sztuce renesansu jako jedna harmonijna całość, w klasycyzmie ulegają polaryzacji i stają się pojęciami wzajemnie się wykluczającymi.
Zasady racjonalizm, odpowiadające ideom filozoficznym R. Kartezjusza, stanowią podstawę estetyki klasycyzmu. Definiują spojrzenie na dzieło sztuki jako na kreację sztuczną – świadomie stworzoną, inteligentnie zorganizowaną, logicznie skonstruowaną. Cały system artystyczny klasycyzmu przepojony był duchem racjonalizmu, który determinował także technikę tworzenia dzieł. Starając się wpływać nie na uczucia czytelników i widzów, ale na ich umysły, klasycyści nigdy nie malowali scen bitew, pojedynków czy śmierci. Bohaterowie rozmawiali tylko o tym. Tragedie i komedie klasycystyczne najczęściej nie miały więc charakteru wydarzeniowego, lecz werbalny.
Uznanie istnienia wiecznych i obiektywnych praw sztuki, czyli niezależnych od świadomości artysty, wiązało się z wymogiem ścisłej dyscypliny twórczej, zaprzeczeniem „nieuporządkowanej” inspiracji i świadomej wyobraźni. Dla klasycystów oczywiście barokowe wywyższenie wyobraźni jako najważniejszego źródła impulsów twórczych jest całkowicie nie do przyjęcia. Zwolennicy klasycyzmu powracają do renesansowej zasady „naśladowania natury”, ale interpretują ją wąsko. Zasada „naśladowania natury” nie zakładała prawdziwości odtwarzania rzeczywistości, ale prawdziwość, przez co rozumieli przedstawianie rzeczy nie takimi, jakie są w rzeczywistości, ale takimi, jakie powinny być według rozumu. Stąd najważniejszy wniosek: przedmiotem sztuki nie jest cała natura, a jedynie jej część, zidentyfikowana po starannej selekcji i sprowadzona w istocie do natury ludzkiej, ujętej jedynie w jej świadomych przejawach. Życie, jego brzydkie strony powinny pojawiać się w sztuce jako uszlachetniona, estetycznie piękna, natura - jako „piękna natura”, dostarczająca przyjemności estetycznej.
Klasycyści byli przekonani, że typy ludzkie są wieczne. Według nich skąpiec, zazdrosny, kłamca i podobne charaktery zawsze i wszędzie zachowują się tak samo, niezależnie od narodowości czy przynależności klasowej. Sztuka starożytna rozwinęła już wiele uniwersalnych typów ludzkich, dlatego naśladowanie starożytności i zapożyczanie starożytnych fabuł i bohaterów uznawano za klucz do prawdopodobieństwa. Klasycyści nie widzieli ruchu w historii, postrzegali ją jako sumę przykładów ilustrujących odwieczne, niezmienne przymioty ludzkie. Niemniej jednak, rozwijając postacie zbudowane na jednej cesze, klasyczni pisarze pojmowali sztukę pełnego i zwięzłego wyrażania tej pojedynczej cechy. Nauczyli się podporządkowywać wszystkie elementy dzieła sztuki najbardziej widocznemu podkreśleniu jednej cechy charakteru, jednej cechy.
Z omówionych powyżej przesłanek merytorycznych wynikają najważniejsze standardy klasycyzmu (jedność działania, miejsca i czasu). Aby dokładniej przekazać ideę widzowi i wzbudzić bezinteresowne uczucia, autor nie powinien niczego komplikować. Główna intryga powinna być na tyle prosta, aby nie dezorientować widza i nie pozbawiać obrazu jego integralności. Wymóg trzech jedności wyrósł z racjonalistycznego stanowiska, że widz spędzający w teatrze zaledwie kilka godzin nie uwierzy, jeśli na scenie przed nim rozegrają się wydarzenia, których czas trwania bardzo odbiega od rzeczywistego czasu trwania spektaklu teatralnego. wydajność. Wymóg jedności czasu był ściśle powiązany z jednością działania, a w tragedii nie wydarzyło się wiele różnych wydarzeń. Jedność miejsca była również interpretowana na różne sposoby. Może to być przestrzeń jednego pałacu, jednego pokoju, jednego miasta, a nawet odległość, jaką bohater jest w stanie pokonać w ciągu dwudziestu czterech godzin. Szczególnie odważni reformatorzy postanowili rozciągnąć akcję na trzydzieści godzin. Tragedia musi mieć pięć aktów i być napisana wierszem aleksandryjskim (heksametr jamb).
Klasycyzm, mimo przywiązania do ideałów antyku, nie poszedł drogą, którą już przebył. Mistrzowie tej epoki opracowali szereg zasad, na których opierał się nie tylko sam klasycyzm, ale także niektóre późniejsze trendy. W ten sposób klasycyści ogłosili Rozum swoim bóstwem. Wszystko i wszyscy są mu podporządkowani, nawet sama przyroda jest jego mądrym ucieleśnieniem. Dlatego charakter wielu parków w stylu klasycystycznym wydaje się podlegać prawom rozumu, czyli ma wyraźne proporcje, proste linie i regularny geometryczny kształt.
Głównymi celami ideologicznymi sztuki klasycznej była gloryfikacja monarchy jako ośrodka myśli narodowej oraz gloryfikacja bohaterstwa w imię wypełniania obowiązku wobec współobywateli. Ten ostatni został właśnie ucieleśniony przez pryzmat starożytności.
W Francja W XVII wieku klasycyzm nie tylko szybko się rozwinął, znalazł swoje metodologiczne uzasadnienie w filozofii, ale także po raz pierwszy w historii stał się oficjalnym ruchem literackim. Ułatwiała to polityka francuskiego sądu. N. Boileau w swoim traktacie „Sztuka poetycka” (1674) podsumował doświadczenia francuskich pisarzy klasycznych. Oczywiste upodobanie klasycyzmu do ogólności, do aforystycznej przejrzystości i lakonizmu wypowiedzi wysuwa na pierwszy plan właśnie moralistyczną prozę aforystyczną.
Największe osiągnięcia literatury francuskiej XVII wieku kojarzone są z teatrem klasycznym, w którym największy sukces okazał się gatunek tragedii. Dla pierwszego etapu francuskiego klasycyzmu najbardziej znaczącym zjawiskiem była twórczość twórcy klasycznej tragedii, Pierre’a Corneille’a (1606–1684): „Cid”, „Horacy”, „Cinna”; na drugim etapie, w drugiej połowie stulecia, za największego mistrza tragedii uznano Jeana Racine’a (1639–1699): „Andromachę”, „Fedrę”, „Esterę”, „Atalię”. W ich twórczości konflikt obowiązków i uczuć oraz zasada trzech jedności realizowana jest w zupełnie inny sposób. Ale bez względu na to, jak wielkie zasługi Corneille'a i Racine'a, teatr narodowy we Francji powstał dopiero wraz z pojawieniem się największego europejskiego komika Moliera (1622–1673) w dramaturgii: „Tartuffe”, „Don Juan”, „Mizantrop”, „Skąpiec”, „Burżuj” w szlachcie”.
Pod wpływem literatury francuskiej klasycyzm rozwinął się także w innych krajach Europy: w Anglii (A. Pop, J. Addison), Włoszech (V. Alfieri, częściowo Ugo Foscolo) i Niemczech (I. Gottsched).
Pisarze i poeci epoki baroku postrzegali realny świat jako iluzję i sen. Opisy realistyczne często łączono z ich alegorycznym przedstawieniem. Powszechnie stosowane są symbole, metafory, techniki teatralne, obrazy graficzne (linie poetyckie tworzą obraz), bogactwo figur retorycznych, antytezy, paralelizmy, gradacje i oksymorony. Panuje burleskowo-satyryczny stosunek do rzeczywistości. Literaturę barokową cechuje dążenie do różnorodności, sumowanie wiedzy o świecie, inkluzywność, encyklopedystyka, która czasami przeradza się w chaos i kolekcjonowanie ciekawostek, chęć studiowania istnienia w jego kontrastach (duch i ciało, ciemność i światło, czas i wieczność). Etykę barokową cechuje pragnienie symboliki nocy, tematu kruchości i nietrwałości, życia jako snu (F. de Quevedo, P. Calderon). Znana jest sztuka Calderona „Życie jest snem”. Rozwijają się także takie gatunki jak powieść waleczno-bohaterska (J. de Scudéry, M. de Scudéry) oraz powieść codzienna i satyryczna (Furetière, C. Sorel, P. Scarron). W ramach stylu barokowego rodzą się jego odmiany i kierunki: marinizm, gongoryzm (kulteranizm), konceptyzm (Włochy, Hiszpania), szkoła metafizyczna i eufuizm (Anglia) (patrz: Literatura precyzyjna).
Akcja powieści często przenoszona jest do fikcyjnego świata starożytności, do Grecji dworscy panowie i damy przedstawiani są jako pasterki i pasterki, co nazywa się pastoralnymi (Honoré d’Urfe, „Astraea”). W poezji kwitnie pretensjonalność i stosowanie skomplikowanych metafor. Typowe formy to sonet, rondo, concetti (krótki wiersz wyrażający dowcipną myśl) i madrygały.
Na Zachodzie wybitnym przedstawicielem w dziedzinie powieści jest G. Grimmelshausen (powieść „Simplicissimus”), w dziedzinie dramatu – P. Calderon (Hiszpania). W poezji zasłynęli V. Voiture (Francja), D. Marino (Włochy), Don Luis de Gongora y Argote (Hiszpania), D. Donne (Anglia). W Rosji do literatury barokowej zaliczają się S. Połocki i F. Prokopowicz. We Francji w tym okresie rozkwitła „cenna literatura”. Uprawiana była wówczas głównie w salonie Madame de Rambouillet, jednym z najmodniejszych i najsłynniejszych salonów arystokratycznych Paryża. W Hiszpanii barokowy ruch w literaturze nazwano „gongoryzmem” od imienia jego najwybitniejszego przedstawiciela (patrz wyżej).
W literaturze niemieckiej tradycje stylu barokowego są nadal podtrzymywane przez członków środowiska literackiego Blumenorden. Zbierają się latem na festiwalach literackich w gaju Irrhein niedaleko Norymbergi. Towarzystwo zostało założone w 1646 roku przez Georga Philippa Harsdörffera w celu przywrócenia i utrzymania języka niemieckiego, który został poważnie zniszczony podczas wojny trzydziestoletniej.
Na pytanie: Czym jest literatura barokowa? bardzo potrzebne!) podane przez autora Marata Qirimli najlepsza odpowiedź brzmi znaleźć tylko w języku ukraińskim
połączyć
tutaj jest trochę więcej po rosyjsku
Barok w literaturze
Pisarze i poeci epoki baroku postrzegali realny świat jako iluzję i sen. Opisy realistyczne często łączono z ich alegorycznym przedstawieniem. Powszechnie stosowane są symbole, metafory, techniki teatralne, obrazy graficzne (linie poetyckie tworzą obraz), bogate w figury retoryczne, antytezy, paralelizmy, gradacje i oksymorony. Panuje burleskowo-satyryczny stosunek do rzeczywistości. Literaturę barokową cechuje pragnienie różnorodności, sumowania wiedzy o świecie, inkluzywność, encyklopedystyka, która czasem przeradza się w chaos i kolekcjonowanie ciekawostek, chęć poznawania istnienia w jego kontrastach (duch i ciało, ciemność i światło, czas i wieczność). Etykę barokową cechuje pragnienie symboliki nocy, tematu kruchości i nietrwałości, życia jako snu (F. de Quevedo, P. Calderon). Znana jest sztuka Calderona „Życie jest snem”. Rozwijają się także takie gatunki, jak powieść waleczno-bohaterska (J. de Scudéry, M. de Scudéry) oraz powieść codzienna i satyryczna (Furetière, C. Sorel, P. Scarron). W ramach stylu barokowego rodzą się jego odmiany i kierunki: marinizm, gongoryzm (kulteranizm), konceptyzm (Włochy, Hiszpania), szkoła metafizyczna i eufhuizm (Anglia) (patrz Literatura precyzyjna).
Akcja powieści często przenoszona jest do fikcyjnego świata starożytności, do Grecji dworscy panowie i damy przedstawiani są jako pasterki i pasterki, co nazywa się pastoralnymi (Honoré d'Urfe, „Astraea”). W poezji kwitnie pretensjonalność i stosowanie skomplikowanych metafor. Powszechne są takie formy jak sonet, rondo, concetti (krótki wiersz wyrażający jakąś dowcipną myśl) i madrygały.
Na Zachodzie wybitnym przedstawicielem w dziedzinie powieści jest G. Grimmelshausen (powieść „Simplicissimus”), w dziedzinie dramatu – P. Calderon (Hiszpania). W poezji zasłynęli V. Voiture (Francja), D. Marino (Włochy), Don Luis de Gongora y Argote (Hiszpania), D. Donne (Anglia). W Rosji do literatury barokowej zaliczają się S. Połocki i F. Prokopowicz. We Francji w tym okresie rozkwitła „cenna literatura”. Uprawiana była wówczas głównie w salonie Madame de Rambouillet, jednym z najmodniejszych i najsłynniejszych salonów arystokratycznych Paryża. W Hiszpanii barokowy ruch w literaturze nazwano „gongoryzmem” od imienia jego najwybitniejszego przedstawiciela (patrz wyżej).
W literaturze niemieckiej tradycje stylu barokowego są nadal podtrzymywane przez członków środowiska literackiego Blumenorden. Zbierają się latem na festiwalach literackich w gaju Irrhein niedaleko Norymbergi. Towarzystwo zostało założone w 1646 roku przez poetę Philippa Harsdörfera w celu przywrócenia i utrzymania języka niemieckiego, który został poważnie zniszczony podczas wojny trzydziestoletniej.
Pisarze i poeci epoki baroku postrzegali realny świat jako iluzję i sen. Opisy realistyczne często łączono z ich alegorycznym przedstawieniem. Powszechnie stosowane są symbole, metafory, techniki teatralne, obrazy graficzne (linie poetyckie tworzą obraz), bogactwo figur retorycznych, antytezy, paralelizmy, gradacje i oksymorony. Panuje burleskowo-satyryczny stosunek do rzeczywistości. Literaturę barokową cechuje dążenie do różnorodności, sumowanie wiedzy o świecie, inkluzywność, encyklopedystyka, która czasem przeradza się w chaos i kolekcjonowanie ciekawostek, chęć studiowania istnienia w jego kontrastach (duch i ciało, ciemność i światło, czas i wieczność). Etykę barokową cechuje pragnienie symboliki nocy, tematu kruchości i nietrwałości życia.
Akcja powieści często przenoszona jest do fikcyjnego świata starożytności, do Grecji dworscy panowie i damy przedstawiani są jako pasterki i pasterki, co nazywa się pastoralnymi (Honoré d'Urfe, „Astrea”). Pretensjonalność i stosowanie skomplikowanych w poezji kwitną metafory, takie formy są powszechne, jak sonet, rondo, conttitti (krótki wiersz wyrażający jakąś dowcipną myśl), madrygały.
Literaturę barokową, podobnie jak cały ruch, cechuje tendencja do złożoności form oraz dążenie do wielkości i przepychu. Literatura barokowa obejmuje dysharmonię świata i człowieka, ich tragiczną konfrontację, a także wewnętrzne zmagania w duszy jednostki. Z tego powodu wizja świata i człowieka jest najczęściej pesymistyczna. Jednocześnie barok w ogóle, a jego literatura w szczególności przeniknięta jest wiarą w rzeczywistość zasady duchowej, wielkości Boga. W tej kulturze, a zwłaszcza w literaturze, oprócz skupienia się na problematyce zła i kruchości świata, istniała także chęć przezwyciężenia kryzysu, zrozumienia najwyższej racjonalności, łączącej zasady dobra i zła. Podjęto więc próbę usunięcia sprzeczności, o miejscu człowieka w rozległych przestrzeniach wszechświata decydowała twórcza moc jego myśli i możliwość cudu. Dzięki takiemu podejściu Bóg był przedstawiany jako ucieleśnienie idei sprawiedliwości, miłosierdzia i wyższego rozumu.
Literatura barokowa kładła nacisk na swobodę wypowiedzi w twórczości, charakteryzowała się niepohamowanymi lotami wyobraźni. Barok dążył do nadmiaru we wszystkim. Stąd podkreślona, zamierzona złożoność obrazów i języka, połączona z pragnieniem piękna i afektacji uczuć. Język baroku jest niezwykle skomplikowany, stosuje się niezwykłe, a nawet przemyślane techniki, pojawia się pretensjonalność, a nawet pompatyczność. Literatura barokowa nieustannie zderza się ze sobą realne i wyobrażeniowe, pożądane i realne, a problem „być lub wydawać się” staje się jednym z najważniejszych. Intensywność namiętności doprowadziła do tego, że w kulturze i sztuce uczucia wyparły rozum. Wreszcie barok charakteryzuje się mieszanką najróżniejszych uczuć i pozorem ironii, „nie ma zjawiska tak poważnego i tak smutnego, aby nie mogło obrócić się w żart”. Pesymistyczny światopogląd rodził nie tylko ironię, ale także zjadliwy sarkazm, groteskowość i hiperbolę.
Za najważniejszą zaletę dzieła pisarze uznawali oryginalność dzieła, a jego niezbędne cechy – trudność w odbiorze i możliwość różnych interpretacji. Poeci baroku wysoko cenili dowcip, który polegał na paradoksalnych sądach, na nietypowym wyrażaniu myśli, na porównywaniu przeciwstawnych przedmiotów, na konstruowaniu dzieł w oparciu o zasadę kontrastu, na zainteresowaniu graficzną formą wiersza. Sądy paradoksalne są integralną częścią liryki barokowej. Uderzającym przykładem jest dwóch hiszpańskich poetów: Luis de Góngora i Francesco de Quevedo. Luis de Gongora reprezentuje arystokratyczny barok, Francesco de Quevedo – demokratyczny.
W Hiszpanii istnieją dwa rodzaje baroku. Kultyzm - reprezentował go L. de Gongora. Według Gongory sztuka powinna służyć tylko nielicznym. Celowa złożoność jego wierszy ograniczała jego czytelnictwo. Styl Gongora jest ciemny. To forma wyrazu odrzucenia brzydkiej efektywności. Próbuje wznieść się ponad efektywność. Jego wiersze są pełne skomplikowanych metafor, odzwierciedlających pesymistyczny pogląd autora na świat. Aby to potwierdzić, rozważ wiersz „Dopóki runo twoich włosów płynie”.
„Dopóki runo twoich włosów będzie spływać,
Jak złoto w promiennym filigranie,
A kryształ w załamanej krawędzi nie jest jaśniejszy,
Niż delikatna szyja startującego łabędzia…”
F. de Quevedo był zagorzałym przeciwnikiem stylu mrocznego. Większość manifestacji ma charakter satyryczny. Łagodzi nawet wysokie motywy mitologiczne. Tworzy odważne satyry polityczne i obnaża społeczne przywary. Jednym z kluczowych tematów jest wszechmoc pieniądza. Powieść „Historia życia włóczęgi imieniem Don Pablos”. To znakomita satyra. Życie, klasyczny przykład powieści łotrzykowskiej.
Wyróżnia się w studiach nad historią literatury i sztuki XVI – XVII wieku. takie zjawisko jak maniera. Manieryzm(z włoskiej maniery, maniera) - zachodnioeuropejski styl literacki i artystyczny XVI - pierwszej tercji XVII wieku. Charakteryzuje się utratą renesansowej harmonii między tym, co fizyczne i duchowe, naturą i człowiekiem. Część badaczy (zwłaszcza literaturoznawców) nie jest skłonna uważać manieryzmu za styl niezależny i upatruć w nim wczesnej fazy baroku. Istnieje również rozszerzona interpretacja pojęcia „manieryzmu” jako wyrazu formującej, „pretensjonalnej” zasady w sztuce na różnych etapach rozwoju kulturalnego - od starożytności po nowoczesność. Jest to jeden z najwcześniejszych dowodów przejawu światopoglądu nowych czasów i przywiązania do estetyki barokowej. Wywodzi się z głębi estetyki renesansu i przez wielu badaczy uważany jest właśnie za ruch stylistyczny późnego renesansu, a nawet za dowód jego kryzysu.
Świadczy o poszukiwaniu wyrazistości w obszarze języka na „pograniczu” epok kulturowych i estetycznych. Wyróżnia się skomplikowaną, wyrafinowaną manierą poetycką (sam termin już ten aspekt podkreśla), co jest efektem zasadniczo nowego podejścia do samej sztuki. Na pierwszy plan wysuwa się indywidualna inicjatywa twórcza poety i nowa zasada obrazowania. Manieryzm odzwierciedla tragedię światopoglądu okresu „pogranicza” (idee teorii względności, przemijania wszystkich rzeczy, predestynacji, sceptycyzmu i mistycyzmu itp.). Pojawił się przede wszystkim w kulturze szlacheckiej (np. We Francji). Jest to więc w ogóle zjawisko „z pogranicza” późnego renesansu i właściwego ruchu barokowego XVII wieku. Manieryzm to systematyzująca ogólna nazwa szeregu zjawisk artystycznych. W literaturze kojarzone są z nim w jakiś sposób gongoryzm i konceptyzm (Hiszpania), marinizm (Włochy), eufuizm (Anglia), literatura precyzyjna (Francja).
1. Wysoki barok - rozwinięty „wysoki”, czyli problemy filozoficzne, uniwersalne, poruszające kwestie odwieczne. Występował w dramacie i jest kojarzony z twórczością Calderona i Gryphiusa.
2. Niski barok – odnosi się do materiału współczesnego, codziennego, prywatnego, najczęściej opartego na satyrze. Korzysta z tradycji „punktualnej”. Przedstawiciele - Charles Sorel, Paul Scarron.
Barokowy to ruch ideologiczny i kulturowy w wielu krajach europejskich, który wpłynął na różne sfery życia duchowego, a w sztuce rozwinął się w specjalny styl artystyczny, który wraz z klasycyzmem jest jednym z wiodących stylów XVII wieku.
Termin „barok” został wprowadzony przez klasycystów w XVIII wieku na określenie sztuki prymitywnej, pozbawionej smaku, „barbarzyńskiej” i początkowo kojarzony był wyłącznie z architekturą, sztukami pięknymi i muzyką. W krytyce literackiej terminem tym posługiwał się już na początku XX w. niemiecki naukowiec G. Wölfflin, który określił barok jako „styl malowniczy”. Pochodzenie tego terminu jest niejasne: kojarzone jest z włoskim barosso, dosłownie – dziwaczne, dziwne, z portugalską perola barocca – perłą o nieregularnym kształcie, wreszcie z łacińskim baroso – oznaczenie jednego z błędnych sylogizmów w logice scholastycznej.
Chociaż barok kojarzy się przede wszystkim z XVII wiekiem, jego ramy chronologiczne różnią się w zależności od charakterystyki rozwoju historycznego różnych krajów. We Włoszech oznaki baroku spotykano już od połowy XVI w. i istniały one do końca XVII w.; od końca XVI w. do niemal początków XIX w. barok w Hiszpanii był postrzegany jako styl narodowy; na Węgrzech i w krajach słowiańskich, w tym w Rosji, styl barokowy pojawił się już w połowie XVII wieku i przetrwał do drugiej połowy XVIII wieku.
Badacze kojarzą początki baroku z manieryzmem, czasami nawet nie rysując ostrej granicy pomiędzy tymi dwoma stylami.
Barok nie ogranicza się jednak wyłącznie do problemu stylu. Uważa się, że można mówić o szczególnym barokowym światopoglądzie, o „barokowym człowieku”, o przenikaniu baroku w sferę nauki, filozofii i życia codziennego. Pod względem artystycznym i ideologicznym barok obejmuje także różnorodne nurty i ruchy. Kontrreformacja kultywowała barok, tworząc bujne, okazałe świątynie i rozwijając wyrafinowane stylistycznie nauczanie retoryczne i alegoryczny dramat szkolny. Ale barok rozpowszechnił się także w krajach protestanckich (Niemcy, Anglia, Holandia) i prawosławnych. Wraz z dworskim barokiem arystokratycznym i jego odmianami (hiszp gongoryzm, Włoski Marynizm, literatura precyzyjna we Francji, „szkoła metafizyczna” w Anglii twórczość rosyjskich poetów sylabicznych S. Połockiego i S. Miedwiediewa), istniał barok mieszczański wyrażający uczucia szerokich mas (powieści Niemca G. Grimmelshausena, Francuza C. Sorela, hiszpańskie powieści łotrzykowskie) .
Barok odzwierciedla stan kryzysowy epoki. Wojny religijne we Francji lat 1560–1590, wojna trzydziestoletnia w Niemczech i inne dramatyczne wydarzenia, które wstrząsnęły całą Europą, nie miały nic wspólnego z oczekiwaniami humanistów renesansu, z ich ideałem człowieka wolnego i harmonijnie rozwiniętego, zdolnego do tworząc harmonijne społeczeństwo.
Świat jawi się artystom baroku jako pozbawiony stabilności, świat znajduje się w stanie ciągłych zmian i nie sposób uchwycić schematu tych zmian. Dzieła baroku charakteryzują tematyka nietrwałości szczęścia, niestabilności wartości życiowych, wszechmocy losu i przypadku. Entuzjastyczny podziw dla człowieka i jego możliwości, charakterystyczny dla humanistów renesansu, zostaje zastąpiony naciskiem na dwoistość, niekonsekwencję i zepsucie natury ludzkiej. Istnieje rażąca rozbieżność pomiędzy wyglądem a istotą rzeczy, stąd poczucie „nieciągłości” istnienia, sprzeczność między fizycznością i duchowością, dotkliwa świadomość zmysłowego piękna świata i jednocześnie przemijania. ludzkiego życia. „Memento mori” (pamiętaj o śmierci) to motyw przewodni barokowego światopoglądu.
Do najważniejszych dzieł teoretycznych baroku należą „Wyrocznia codzienna, czyli sztuka roztropności” (1647) Hiszpana B. Graciana i „Luneta Arystotelesa” (1655) Włocha E. Tesauro. W swoich traktatach rozwijają doktrynę „szybkiej inteligencji” – twórczej intuicji, zdolnej przeniknąć istotę najbardziej odległych obiektów i zjawisk. Podstawą „szybkiego umysłu” jest metafora, która dzięki sile twórczego dowcipu łączy pozornie nieprzystające do siebie przedmioty i idee, uzyskując w ten sposób efekt zaskoczenia. Tesauro porównuje „szybki umysł” do twórczych zdolności Boga. Podobnie jak Bóg artyści tworzą obrazy i światy: „Z nieistniejącego tworzą istniejące, z niematerialnego istniejące i tak lew staje się mężczyzną, orzeł miastem. Łączą kobietę z przebraniem łowią ryby i tworzą syrenę, na znak pieszczoty łączą ciało kozy z wężem i tworzą chimerę - hieroglif oznaczający szaleństwo. Ale sam Bóg, „dowcipny mówca”, stwarza świat metafor, alegorii i „concetto” (dowcipnych idei) i tylko wtajemniczony może zrozumieć tajemnice natury poprzez rozszyfrowanie tych symboli i metafor.
Pisarze baroku starali się wyzwolić wyobraźnię czytelnika, zadziwić go i oszołomić. Psychologicznie objawia się to zwiększoną emocjonalnością, graniczącą z egzaltacją, ekspresją i patosem. Na poziomie stylu barokowego skłania się w stronę bujnej obrazowości, dekoracyjności i metafory, zamieniając się w alegorię, alegorię i emblematykę. Barokowe dążenie do dynamiki i zabawy kontrastami tworzy poruszający i malowniczy świat, świat, w którym misternie mieszają się komizm i tragizm, abstrakcyjna symbolika i naturalistyczna konkretność, nawoływania do ascezy i niepohamowanego hedonizmu.
Przy całej skłonności do mistycyzmu barok ma początek silnie racjonalistyczny. Bez względu na to, jak pretensjonalny może być język barokowego pisarza, najbardziej wyrafinowane i wyrafinowane metafory budowane są według sztywnych schematów racjonalistycznych zaczerpniętych ze sfery logiki formalnej. Pragnienie mistycyzmu również nie czyni stylu barokowego irracjonalnym. W ślad za neostoikami, których filozofia rozpowszechniła się w XVII wieku, pisarze baroku wysuwali ideę wewnętrznej niezależności jednostki, uznając rozum za siłę, która może pomóc człowiekowi stawić czoła śmiertelnemu złu i ostatecznie wznieść się ponad okrutne zło. pasje.
To nie jest decyzja chrześcijańska –
Powiedzieć, że nie ma dla nas sposobu,
Popraw jego bezwzględność.
Jest sposób; i mądry wobec losu
Zdolny do wygrania...
(P. Calderon, „Życie jest snem”)
Próbując uchwycić paradoksalną naturę życia, artyści baroku starają się tworzyć złożone, czasem zaszyfrowane formy artystyczne. Stąd największy przedstawiciel hiszpańskiego baroku L. Gongora uważał, że sztuka powinna służyć nielicznym. Gongora wybrała „mroczny styl” jako sposób tworzenia „poezji naukowej” - kultyzm(od łac. kult- kultywować, przekształcać). Zdaniem Gongory, pewna niejasność wypowiedzi zachęca czytelnika do myślenia i aktywnej współpracy z poetą. Jednocześnie, aby odnieść sukces, czytelnik musi posiadać poważny potencjał intelektualny. A Gongora celowo szyfruje swoje teksty poetyckie, posługując się sztucznie skomplikowaną składnią, posługując się wieloma neologizmami, przeciążając swoje dzieła skomplikowanymi metaforami i peryfrazami. W swojej „Opowieści o Polifemie” jaskinia Polifema nazywana jest „przerażającym ziewnięciem ziemi”, skała zamykająca wejście do niej to „knebel w ustach” jaskini, gigant Polifem mówi o swoim wzroście: „Kiedy siedzę, moja silna ręka nie wybacza słodkich owoców wysokiej palmy” (czyli jestem tak wysoki, że mogę je zbierać siedząc).
Literatura barokowa jest malownicza (nieprzypadkowo poezję barokową nazywa się „malowaniem mówiącym”). Ten styl pozwala zidentyfikować najbardziej spektakularne, choć nie główne, właściwości przedmiotu i dostrzec niezwykłość w zwyczajności. P. Calderon nazywa ptaka „pierzastym kwiatem”, „trzepoczącym bukietem”, strumień – „srebrnym wężem”, w „bestii z cętkowanym futerkiem” poeta widzi przede wszystkim „namalowany wzór, niczym symbol gwiazdy, zrodzone z pędzla” (Monolog Zygmunta z dramatu „Życie jest snem”. Gongora w sonecie „Dopóki runo twoich włosów płynie…”, wychwalając piękno kobiety, porównuje jej włosy ze złotem, szyję z kryształem, „kwiatostan warg” z goździkiem i kończy sonet typowo barokowa antyteza:
Pospiesz się, aby doświadczyć przyjemności władzy,
Ukryty w skórze, w lokach, w ustach,
Podczas gdy twój bukiet goździków i lilii
Nie tylko nie uschnął haniebnie,
Ale te lata też Cię nie zmieniły
W popiół i ziemię, w popiół, dym i pył.
Prozę barokową reprezentowaną w literaturze europejskiej jest przede wszystkim powieść łotrzykowska lub powieść łotrzykowska (z hiszpańskiego. picaro– łotrzyk), będący na drugim, demokratycznym biegunie baroku. W centrum łobuzerstwa znajduje się zbuntowany bohater, który istnieje poza klasą. Swobodnie porusza się w przestrzeni geograficznej i społecznej, co pozwoliło pisarzowi wyobrazić sobie życie w różnych jego przekrojach społecznych.
Przykładem powieści barokowej jest „Historia życia łotra o imieniu Pablos, przykład włóczęgów i zwierciadło oszustów” F. Quevedo y Villegasa (1625). Pablos, syn zbuntowanego fryzjera i alfonsa, nie ma wrodzonych skłonności do występków, ale od dzieciństwa widzi wokół siebie jedynie podstępy i oszustwa. Pablo stara się uniknąć losu swoich rodziców, jednak nieświadomie, niezauważalnie dla siebie, wkracza na drogę ojca, próbując już wcześniej różnymi drogami do zbawienia. Spotyka różnych ludzi i za każdym razem utwierdza się w przekonaniu, że nie są oni tymi, za których się podają. Blizny chełpliwego wojownika okazują się nie oznaką bohaterskich czynów, ale efektem ciężkiej choroby i walki na noże. Święty pustelnik zamienia się w ostrzejszą kartę, a wykwintny płaszcz wysoko urodzonego kastylijskiego szlachcica okrywa jego nagie ciało i spodnie, które trzyma jeden sznurek.
Powieściopisarz Quevedo tworzy iluzoryczny i upiorny świat, w którym wszystko jest fałszywe i podstępne, wszystko jest fałszywe. W powieści króluje sarkastyczna ironia i groteska, naruszając utarte schematy, łącząc ze sobą przedmioty nieprzystające do siebie (świat jest jak straszny groteskowy sen).
W stylu Quevedo – konceptyzm(łac. koncepcja- myśl). Jeśli celem kultystów jest stworzenie pięknego i doskonałego świata sztuki, przeciwstawionego niedoskonałej rzeczywistości, to konceptyści nie wykraczają świadomie poza granice tej rzeczywistości; ich styl jest konsekwencją emocjonalnego postrzegania chaotycznej mozaiki, nieuporządkowanego obrazu życia. Charakterystycznymi technikami konceptystów są gry słowne i kalambury, parodyczne niszczenie werbalnych klisz itp. Koncepcjonizm Quevedo ujawnia się szczególnie wyraźnie w trzecim rozdziale jego powieści, w opisie mnicha Kabry, „uosobienia skrajnego skąpstwa i żebractwa”: „ Oczy miał przyciśnięte niemal do tyłu głowy, tak że patrzył na nas jak z beczki, były tak głęboko ukryte i ciemne, że przypominały ławki w pasażu handlowym. Nos przywoływał wspomnienia częściowo z W Rzymie, częściowo we Francji, wszystko zostało zjedzone przez ropnie - najprawdopodobniej z przeziębienia, a nie z przywar, bo te ostatnie wymagają kosztów. Policzki miał ozdobione brodą, wyblakłą ze strachu przed pobliskimi ustami, które zdawały się zagrażać zjeść ją z wielkiego głodu” itd.
Wpływ poetyki powieści barokowej ma fundamentalne znaczenie dla rozwoju współczesnej literatury europejskiej: jej bohaterowie, a przede wszystkim główny bohater, Picaro, ukazani są w procesie powstawania pod wpływem środowiska. Uznanie roli okoliczności w rozwoju charakteru jest być może najważniejszym odkryciem literatury XVII wieku.
Nie mniej znaczące są odkrycia baroku w dziedzinie poezji: metaforyzm baroku, poszerzając powiązania semantyczne, ukazał nowe możliwości słowa poetyckiego nieznane twórcom renesansu i tym samym przygotował grunt pod dalszy rozwój poezja XVII–XIX w.
Barok przybył do Rosji z Polski za pośrednictwem ukraińsko-białoruskiej mediacji. W Rosji nie było renesansu, co stawiało rosyjski barok w innym stosunku do średniowiecza niż w krajach europejskich: rosyjski barok nie wracał, podobnie jak europejski, do tradycji średniowiecznych, ale je przejmował (styl ozdobny i dekoracyjny, zamiłowanie do chwytów formalnych, namiętnych kontrastów i fantazyjnych porównań, alegoryzmu i emblematyki, idei „marności nad marnościami” wszystkich rzeczy, zamiłowanie do encyklopedyzmu itp.). Barok w Rosji przejął także wiele funkcji renesansu, przyspieszając proces powstawania „nowej” literatury. Barok wprowadził do literatury rosyjskiej nieznane wcześniej gatunki i rodzaje twórczości artystycznej - poezję (poezję sylabiczną) i dramat (dramat szkolny).
Barok w Rosji pełnił funkcję renesansu i dlatego nabrał charakteru życiodajnego i edukacyjnego, nie było już w nim miejsca na nastroje mistyczno-pesymistyczne. Co więcej, w ramach baroku dokonuje się proces sekularyzacji literatury rosyjskiej – jej wyzwolenia spod kurateli Kościoła.
Największy przedstawiciel rosyjskiego baroku S. Połocki. Jego książki: „Dobry Gusl”, „Russki Orzeł”, „Rytmologion”, „Wielobarwny Wertograd” stanowią „całą strukturę słowno-architektoniczną” (I. Eremin) i przypominają słowniki encyklopedyczne. Poeta dąży do inkluzywności: interesują go tematy najogólniejsze – „kupcy”, prawo, miłość do przedmiotów, praca, wstrzemięźliwość itp. – i konkretne – różne zwierzęta, ryby, gady, ptaki, drzewa, kamienie szlachetne, itp. W wierszach S. Połockiego interpretowane są postacie i zjawiska historyczne, opisywane są pałace i kościoły. Współczesne wydarzenia są dla poety powodem do mówienia o wydarzeniach w historii świata (na przykład, gdy S. Połocki chciał wychwalać drewniany pałac cara Aleksieja Michajłowicza w Kołomenskoje, nie omieszkał pamiętać i szczegółowo omówić siedem cuda świata). Według definicji D. Lichaczewa poezja Połockiego przekazuje informację i uczy moralności: "To jest poezja «pedagogiczna». Sztuka jedynie stylistycznie porządkuje przekazywaną informację. Zamienia poezję w ozdobę, pstrokatą, wesołą i misterną.<...>Ozdoba zawija się na powierzchni, nie tyle wyrażając istotę przedmiotu, co go ozdabia.”
Pełniąc funkcję edukacyjną, a zarazem kojarząc się w osobie swoich największych przedstawicieli (S. Połockiego, S. Miedwiediewa, K. Istomina) z absolutyzmem, barok rosyjski był zjawiskiem „dworskim”, co jest wyznacznikiem klasycyzmu. „W konsekwencji rosyjski barok ułatwiał przejście od literatury starożytnej do nowej literatury w tym zakresie i miał wartość „buforową”. Tłumaczy to brak wyraźnej granicy między rosyjskim barokiem a klasycyzmem, a nawet współistnienie tych dwóch stylów w ramach tego samego systemu artystycznego (ody dworskie Łomonosowa).
Już w połowie XVIII w. barok w swej arystokratyczno-dworskiej wersji przekształcił się w styl rokoko(Francuski) rokoko, z rocaile– drobne kamyczki, muszelki). To sztuka beztroskiego epikureizmu, gdzie wolnomyślność łączy się z frywolnością, dowcipem i paradoksem z niezwykłym wyrafinowaniem i błyskotliwym kunsztem. Rokoko rozwinęło się pod silnym wpływem arystokracji, od tej sztuki wymaga się przede wszystkim „przyjemności”. „Dotykać i sprawiać przyjemność” (Abbé Dubos) staje się głównym wymogiem poezji i malarstwa. A jednak w rokoku nie należy widzieć jedynie frywolnego hedonizmu. Jego drwiący sceptycyzm i demonstracyjne odrzucenie tradycji akademickich i wszelkiego rodzaju norm odzwierciedlało kryzysowy stan epoki. Zaprzeczenie patosu i bohaterstwa, które w sztuce europejskiej, a przede wszystkim francuskiej, przerodziło się już wszędzie w fałszywe formuły, przyczyniło się do powstania nowej sztuki – kameralnej i kameralnej, adresowanej do osobowości osoby prywatnej. Poprzez rokoko „sztuka zbliżyła się do życia codziennego, jej miarą nie była już heroiczna wyjątkowość, ale zwykła ludzka norma”.
W literaturze rokokowej, która skłaniała się ku niewielkim gatunkom, rozwinęła się anakreontyka, waleczna liryka i różne rodzaje „poezji lekkiej” (listy, improwizacje, elegie). Wśród pisarzy francuskich wybitnymi przedstawicielami tego stylu byli komik P. Marivaux i autor tekstów E. Parny. W Rosji cechy rokoka przejawiają się w anakreontyce M. Łomonosowa i G. Derzhavina, w poetyckim opowiadaniu „Kochanie” I. Bogdanowicza, są one również zauważalnie widoczne w poetyce K. Batiushkowa, wczesnego A. Puszkina chociaż zasady rokoka nie rozpowszechniły się w poezji rosyjskiej.
- Takie ruchy baroku, jak Gongoryzm i Marynizm, noszą imiona założycieli tego stylu w Hiszpanii i Włoszech - poetów L. Gongory i G. Marino; Cenna literatura (V. Voiture, G. de Balzac, M. de Scudéry, Menage) wzięła swoją nazwę od Francuzów. precieux Kantor A. M., Kozhina E. F., Livshits N. A. i in. Sztuka XVIII wieku. M., 1977. s. 84.
