Impresjonizm to kierunek w malarstwie, który narodził się we Francji w XIX-XX wieku i jest artystyczną próbą uchwycenia jakiegoś momentu życia w całej jego zmienności i mobilności. Obrazy impresjonistów są jak dobrze wyprana fotografia, ożywiająca w fantazji kontynuację widzianej historii. W tym artykule przyjrzymy się 10 najsłynniejszym impresjonistom na świecie. Na szczęście utalentowanych artystów jest znacznie więcej niż dziesięciu, dwudziestu, a nawet stu, więc skupmy się na tych nazwiskach, które zdecydowanie musisz znać.
Aby nie urazić ani artystów, ani ich wielbicieli, listę podano w rosyjskim porządku alfabetycznym.
1. Alfreda Sisleya
Ten francuski malarz angielskiego pochodzenia uważany jest za najsłynniejszego pejzażystę drugiej połowy XIX wieku. Jego kolekcja zawiera ponad 900 obrazów, z których najbardziej znane to „Wiejska aleja”, „Mróz w Louveciennes”, „Most w Argenteuil”, „Wczesny śnieg w Louveciennes”, „Trawniki na wiosnę” i wiele innych.
2. Van Gogha
Znany na całym świecie ze smutnej historii o swoim uchu (swoją drogą nie odciął sobie całego ucha, a jedynie płatek), Van Gon zyskał popularność dopiero po swojej śmierci. I w ciągu swojego życia udało mu się sprzedać jeden obraz na 4 miesiące przed śmiercią. Mówią, że był zarówno przedsiębiorcą, jak i księdzem, ale często z powodu depresji trafiał do szpitali psychiatrycznych, więc cały bunt jego istnienia zaowocował legendarnymi dziełami.
3. Kamil Pissarro
Pissarro urodził się na wyspie św. Tomasza, w rodzinie burżuazyjnych Żydów i był jednym z nielicznych impresjonistów, których rodzice wspierali jego pasję i wkrótce wysłali go na studia do Paryża. Przede wszystkim artysta lubił naturę, przedstawiał ją we wszystkich kolorach, a mówiąc ściślej, Pissarro miał szczególny talent do dobierania miękkości kolorów, zgodności, po czym na obrazach zdawało się pojawiać powietrze.
4. Claude Monet
Od dzieciństwa chłopiec zdecydował, że pomimo zakazów rodzinnych zostanie artystą. Po samodzielnej przeprowadzce do Paryża Claude Monet pogrążył się w szarej codzienności ciężkiego życia: dwa lata służby w siłach zbrojnych w Algierii, spory sądowe z wierzycielami z powodu biedy i choroby. Można jednak odnieść wrażenie, że trudności nie gnębiły, a wręcz przeciwnie, zainspirowały artystę do stworzenia tak żywych obrazów, jak „Impresja, wschód słońca”, „Domy parlamentu w Londynie”, „Most do Europy”, „Jesień w Argenteuil”, „Na brzegu” Trouville” i wiele innych.
5. Konstantin Korowin
Miło wiedzieć, że wśród Francuzów, rodziców impresjonizmu, z dumą możemy umieścić naszego rodaka, Konstantina Korovina. Namiętna miłość do natury pomogła mu intuicyjnie nadać statycznemu obrazowi niewyobrażalną żywotność, dzięki połączeniu odpowiednich kolorów, szerokości pociągnięć i doborowi tematu. Nie sposób przejść obojętnie obok jego obrazów „Molo w Gurzufie”, „Ryba, wino i owoce”, „Jesienny krajobraz”, „Księżycowa noc. Zima” oraz cykl jego prac poświęconych Paryżowi.
6. Paul Gauguin
Do 26 roku życia Paul Gauguin nawet nie myślał o malarstwie. Był przedsiębiorcą i miał dużą rodzinę. Kiedy jednak po raz pierwszy zobaczyłam obrazy Camille’a Pissarro, stwierdziłam, że na pewno zacznę malować. Z biegiem czasu styl artysty zmienił się, ale najsłynniejsze obrazy impresjonistyczne to „Ogród w śniegu”, „Na klifie”, „Na plaży w Dieppe”, „Akt”, „Palmy na Martynice” i inne.
7. Paul Cezanne
Cezanne, w przeciwieństwie do większości swoich kolegów, zasłynął już za życia. Udało mu się zorganizować własną wystawę i zarobić na niej znaczne dochody. O jego obrazach wiedzieli dużo – on jak nikt inny nauczył się łączyć grę światła i cienia, kładł duży nacisk na regularne i nieregularne kształty geometryczne, surowość tematu jego obrazów harmonizowała z romantyzmem.
8. Pierre Auguste Renoir
Do 20 roku życia Renoir pracował jako dekorator-fan dla swojego starszego brata, a dopiero potem przeniósł się do Paryża, gdzie poznał Moneta, Basila i Sisleya. Ta znajomość pomogła mu w przyszłości podążać ścieżką impresjonizmu i zyskać na niej sławę. Renoir znany jest jako autor portretów sentymentalnych, do jego najwybitniejszych dzieł należą „Na tarasie”, „Spacer”, „Portret aktorki Jeanne Samary”, „Loża”, „Alfred Sisley i jego żona”, „ Na huśtawce”, „Brodzik” i wiele innych.
9. Edgara Degasa
Jeśli nie słyszeliście nic o „Niebieskich tancerzach”, „Próbie baletowej”, „Szkole baletowej” i „Absyncie”, pospieszcie się i poznajcie twórczość Edgara Degasa. Dobór oryginalnych kolorów, niepowtarzalne motywy obrazów, wyczucie ruchu obrazu – to wszystko i wiele więcej uczyniło Degasa jednym z najbardziej znanych artystów na świecie.
10. Edouarda Maneta
Nie mylcie Maneta z Monetem - to dwie różne osoby, które pracowały w tym samym czasie i w tym samym kierunku artystycznym. Maneta zawsze pociągały sceny z życia codziennego, niezwykły wygląd i typy, jakby przypadkowo „uchwycone” chwile, uchwycone później przez wieki. Wśród słynnych obrazów Maneta: „Olimpia”, „Obiad na trawie”, „Bar w Folies Bergere”, „Flecista”, „Nana” i inne.
Jeśli będziesz miał choćby najmniejszą okazję zobaczyć na żywo obrazy tych mistrzów, na zawsze zakochasz się w impresjonizmie!
Wszystko ma swoje korzenie gdzieś w przeszłości, także obrazy, które zmieniały się z biegiem czasu, a obecne trendy nie dla wszystkich są jasne. Ale wszystko, co nowe, jest dobrze zapomniane i aby zrozumieć współczesne malarstwo, nie trzeba znać historii sztuki od czasów starożytnych, wystarczy przypomnieć sobie malarstwo XIX i XX wieku.
Połowa XIX wieku to czas zmian nie tylko w historii, ale także w sztuce. Wszystko, co było wcześniej: klasycyzm, romantyzm, a zwłaszcza akademizm – ruchy ograniczone pewnymi granicami. We Francji w latach 50. i 60. trendy w malarstwie wyznaczał oficjalny Salon, jednak typowa sztuka „salonowa” nie każdemu odpowiadała, co wyjaśniało nowe kierunki, które się pojawiły. W ówczesnym malarstwie nastąpił rewolucyjny wybuch, który złamał wielowiekowe tradycje i fundamenty. A jednym z epicentrów był Paryż, gdzie wiosną 1874 roku młodzi malarze, wśród których byli Monet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir i Cézanne, zorganizowali własną wystawę. Prezentowane tam prace były zupełnie inne od tych w salonie. Artyści zastosowali inną metodę - refleksy, cienie i światło zostały oddane czystymi farbami, indywidualnymi pociągnięciami, kształt każdego obiektu zdawał się rozpływać w środowisku powietrza i światła. Żaden inny kierunek w malarstwie nie znał takich metod. Efekty te pomogły mi w jak największym stopniu wyrazić wrażenia na temat ciągle zmieniających się rzeczy, natury i ludzi. Jeden z dziennikarzy nazwał tę grupę „impresjonistami”, chcąc w ten sposób okazać swoją pogardę dla młodych artystów. Ale zaakceptowali ten termin, który w końcu zapuścił korzenie i zaczął być aktywnie używany, tracąc swoje negatywne znaczenie. Tak pojawił się impresjonizm, w przeciwieństwie do wszystkich innych nurtów w malarstwie XIX wieku.
Początkowo reakcja na innowację była więcej niż wrogo nastawiona. Nikt nie chciał kupować zbyt odważnych i nowych obrazów i bali się, bo wszyscy krytycy nie traktowali impresjonistów poważnie i wyśmiewali ich. Wielu twierdziło, że impresjonistyczni artyści chcieli szybko osiągnąć sławę, niezadowoleni byli z ostrego zerwania z konserwatyzmem i akademizmem oraz niedokończonym i „niechlujnym” wyglądem dzieła. Jednak nawet głód i bieda nie były w stanie zmusić artystów do porzucenia swoich przekonań i trwały one aż do chwili, gdy ich obrazy zostały ostatecznie rozpoznane. Ale zbyt długo trzeba było czekać na uznanie, niektórzy artyści impresjoniści już nie żyli.
W rezultacie ruch, który narodził się w Paryżu w latach 60., miał ogromne znaczenie dla rozwoju sztuki światowej XIX i XX wieku. Przecież przyszłe kierunki w malarstwie opierały się właśnie na impresjonizmie. Każdy kolejny styl pojawiał się w poszukiwaniu nowego. Postimpresjonizm zrodzili ci sami impresjoniści, którzy uznali, że ich metoda jest ograniczona: głęboka i wieloznaczna symbolika była odpowiedzią na malarstwo, które „straciło sens”, a modernizm już z samej nazwy wzywa do czegoś nowego. Oczywiście od 1874 roku w sztuce zaszło wiele zmian, ale wszystkie współczesne tendencje w malarstwie opierają się w ten czy inny sposób na ulotnym paryskim wrażeniu.
Na przełomie XVIII i XIX wieku większość krajów Europy Zachodniej doświadczyła nowego skoku w rozwoju nauki i technologii. Kultura przemysłowa wykonała wielką pracę wzmacniając duchowe podstawy społeczeństwa, przezwyciężając racjonalistyczne wytyczne i kultywując to, co ludzkie w człowieku. Bardzo mocno odczuwała potrzebę piękna, afirmacji rozwiniętej estetycznie osobowości, pogłębienia prawdziwego humanizmu, podejmowania praktycznych kroków na rzecz ucieleśnienia wolności, równości i harmonizacji stosunków społecznych.
W tym okresie Francja przeżywała trudne chwile. Wojna francusko-pruska, krótkie, krwawe powstanie i upadek Komuny Paryskiej oznaczały koniec Drugiego Cesarstwa.
Po uprzątnięciu ruin pozostawionych przez straszliwe bombardowania Prus i brutalną wojnę domową, Paryż ponownie ogłosił się centrum sztuki europejskiej.
Stolicą europejskiego życia artystycznego stało się przecież już za czasów króla Ludwika XIV, kiedy to powołano Akademię i coroczne wystawy sztuki, które nazwano Salonami – począwszy od tzw. Salonu Kwadratowego w Luwrze, gdzie wystawiano nowe dzieła co roku wystawiano malarzy i rzeźbiarzy. W XIX wieku to Salony, na których toczyły się intensywne zmagania artystyczne, wyznaczały nowe kierunki w sztuce.
Przyjęcie obrazu na wystawę i jego zatwierdzenie przez jury Salonu było pierwszym krokiem w stronę publicznego uznania artysty. Od lat pięćdziesiątych XIX wieku Salony coraz częściej przekształcały się w okazałe pokazy dzieł wybranych według oficjalnych gustów, dlatego pojawiło się nawet określenie „sztuka salonowa”. Zdjęcia, które w żaden sposób nie odpowiadały temu nigdzie nieokreślonemu, ale rygorystycznemu „standardowi”, zostały po prostu odrzucone przez jury. Prasa na wszelkie możliwe sposoby dyskutowała o tym, którzy artyści zostali przyjęci do Salonu, a których nie, zamieniając niemal każdą z tych corocznych wystaw w publiczny skandal.
W latach 1800-1830 holenderscy i angielscy malarze pejzażyści zaczęli wywierać wpływ na francuskie malarstwo pejzażowe i sztukę piękną w ogóle. Eugene Delacroix, przedstawiciel romantyzmu, wniósł do swoich obrazów nową jasność barw i wirtuozerię pisma. Był wielbicielem Constable'a, który dążył do nowego naturalizmu. Radykalne podejście Delacroix do koloru i jego technika nakładania dużych pociągnięć farby w celu uwydatnienia formy zostały później rozwinięte przez impresjonistów.
Szczególnie interesujące dla Delacroix i jemu współczesnych były szkice Constable'a. Próbując uchwycić nieskończenie zmienne właściwości światła i koloru, Delacroix zauważył, że w naturze „nigdy nie pozostają one w bezruchu”. Dlatego francuscy romantycy przyzwyczaili się do szybszego malowania olejami i akwarelami, ale bynajmniej nie powierzchownymi szkicami poszczególnych scen.
W połowie stulecia najważniejszym zjawiskiem w malarstwie stali się realiści, na czele z Gustavem Courbeta. Po 1850 roku, w ciągu dekady, sztuka francuska doświadczyła bezprecedensowego rozdrobnienia stylów, częściowo akceptowalnego, ale nigdy nie zatwierdzonego przez władze. Eksperymenty te zepchnęły młodych artystów na drogę stanowiącą logiczną kontynuację pojawiających się już trendów, która jednak w oczach publiczności i jurorów Salonu wydawała się oszałamiająco rewolucyjna.
Sztukę, która zajmowała dominującą pozycję w salach Salonu, wyróżniała się z reguły zewnętrznym rzemiosłem i wirtuozerią techniczną, zamiłowaniem do anegdotycznych, zabawnie opowiadanych historii o charakterze sentymentalnym, codziennym, fałszywym historycznym oraz bogactwem tematów mitologicznych, które uzasadniają wszelkiego rodzaju obrazy nagiego ciała. Była to sztuka eklektyczna i zabawna, pozbawiona pomysłów. Odpowiedni personel kształcił się pod auspicjami Akademii w Szkole Sztuk Pięknych, gdzie za całym biznesem kierowali tacy mistrzowie późnej akademii jak Couture, Cabanel i inni. Sztuka salonowa wyróżniała się wyjątkową żywotnością, wulgaryzującą artystycznie, jednoczącą duchowo i dostosowującą się do poziomu mieszczańskich gustów publiczności, osiągnięć głównych zadań twórczych swoich czasów.
Sztukie Salonu przeciwstawiały się różne ruchy realistyczne. Ich przedstawiciele byli najlepszymi mistrzami francuskiej kultury artystycznej tamtych dziesięcioleci. Z nimi związana jest twórczość artystów realistów, kontynuujących w nowych warunkach tematyczne tradycje realizmu lat 40. i 50. XX wieku. XIX w. - Bastien-Lepage, Lhermitte i inni. Decydujące znaczenie dla losów rozwoju artystycznego Francji i całej Europy Zachodniej miały nowatorskie realistyczne poszukiwania Edouarda Maneta i Auguste’a Rodina, niezwykle ekspresyjna sztuka Edgara Degasa i wreszcie twórczość grupy artystów, którzy najbardziej konsekwentnie ucieleśniał zasady sztuki impresjonizmu: Claude Monet, Pissarro, Sisley i Renoir. To ich twórczość zapoczątkowała szybki rozwój okresu impresjonizmu.
Impresjonizm (od francuskiego wrażenia-impresja), kierunek w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić prawdziwy świat w jego mobilności i zmienności, aby przekazać swoje ulotne wrażenia .
Impresjonizm stanowił epokę w sztuce francuskiej drugiej połowy XIX wieku, która następnie rozprzestrzeniła się na wszystkie kraje europejskie. Zreformował gusta artystyczne i zrestrukturyzował percepcję wzrokową. W istocie była to naturalna kontynuacja i rozwinięcie metody realistycznej. Sztuka impresjonistów jest równie demokratyczna, jak sztuka ich bezpośrednich poprzedników, nie rozróżnia natury „wysokiej” i „niskiej” i całkowicie ufa świadectwu oka. Zmienia się sposób „patrzenia” – staje się bardziej skupiony, a jednocześnie bardziej liryczny. Zanika związek z romantyzmem – impresjoniści, podobnie jak realiści starszego pokolenia, chcą zajmować się wyłącznie nowoczesnością, alienując wątki historyczne, mitologiczne i literackie. Do wielkich odkryć estetycznych wystarczały im najprostsze, obserwowane na co dzień motywy: paryskie kawiarnie, uliczki, skromne ogrody, brzegi Sekwany, okoliczne wioski.
Impresjoniści żyli w epoce walki nowoczesności z tradycją. Widzimy w ich pracach radykalne i oszałamiające zerwanie na tamte czasy z tradycyjnymi zasadami sztuki, kulminację, ale nie dokończenie poszukiwań nowego wyglądu. Abstrakcjonizm XX wieku zrodził się z eksperymentów ze sztuką istniejącą w tamtym czasie, tak jak innowacje impresjonistów wyrosły z twórczości Courbeta, Corota, Delacroix, Constable'a, a także dawnych mistrzów, którzy ich poprzedzili.
Impresjoniści porzucili tradycyjne rozróżnienie między szkicem, szkicem i malarstwem. Rozpoczęli i zakończyli swoją pracę na świeżym powietrzu - na świeżym powietrzu. Nawet jeśli musieli coś dokończyć w warsztacie, starali się zachować wrażenie uchwyconej chwili i oddać świetlistą atmosferę otaczającą obiekty.
Kluczem do ich metody jest plener. Na tej drodze osiągnęli wyjątkową subtelność percepcji; Udało im się wydobyć tak czarujące efekty w związkach światła, powietrza i koloru, których wcześniej nie zauważyli i prawdopodobnie nie zauważyliby bez malarstwa impresjonistów. Nie bez powodu twierdzono, że londyńskie mgły wynalazł Monet, chociaż impresjoniści niczego nie wymyślili, opierając się jedynie na odczytach oka, nie mieszając z nimi wcześniejszej wiedzy o tym, co jest przedstawiane.
Rzeczywiście, impresjoniści cenili przede wszystkim kontakt duszy z naturą, przywiązując dużą wagę do bezpośrednich wrażeń i obserwacji różnych zjawisk otaczającej rzeczywistości. Nic dziwnego, że cierpliwie czekali na pogodne, ciepłe dni, aby malować w plenerze na świeżym powietrzu.
Ale twórcy nowego typu piękna nigdy nie starali się dokładnie naśladować, kopiować, obiektywnie „portretować” natury. W ich twórczości widać nie tylko wirtuozerską manipulację światem efektownych pozorów. Istota estetyki impresjonistycznej polega na niesamowitej umiejętności skondensowania piękna, wydobycia głębi wyjątkowego zjawiska, faktu i odtworzenia poetyki przetworzonej rzeczywistości, ocieplonej ciepłem ludzkiej duszy. W ten sposób powstaje jakościowo inny, atrakcyjny estetycznie świat, nasycony duchowym blaskiem.
W wyniku impresjonistycznego dotknięcia świata wszystko, na pierwszy rzut oka zwyczajne, prozaiczne, trywialne, chwilowe, zamieniło się w poetyckie, atrakcyjne, świąteczne, uderzające we wszystko przenikliwą magią światła, bogactwem barw, drżącymi refleksami, wibracją powietrza i twarze promieniujące czystością. W przeciwieństwie do sztuki akademickiej, która opierała się na kanonach klasycyzmu – obowiązkowym umieszczeniu głównych bohaterów w centrum obrazu, trójwymiarowości przestrzeni, wykorzystaniu fabuły historycznej dla celów bardzo specyficznej orientacji semantycznej widza – impresjoniści przestali dzielić przedmioty na główne i wtórne, wzniosłe i niskie. Odtąd na obrazie mogły pojawiać się wielobarwne cienie przedmiotów, stog siana, krzak bzu, tłum na paryskim bulwarze, kolorowe życie targowiska, praczki, tancerki, sprzedawczynie, światło lamp gazowych, kolej linia, walka byków, mewy, skały, piwonie.
Impresjonistów cechuje żywe zainteresowanie wszelkimi zjawiskami życia codziennego. Ale to nie oznaczało jakiejś wszystkożerności czy rozwiązłości. W zwyczajnych, codziennych zjawiskach wybierano moment, w którym najbardziej efektownie objawiła się harmonia otaczającego świata. Impresjonistyczny światopogląd był niezwykle wrażliwy na najbardziej subtelne odcienie tego samego koloru, stanu obiektu lub zjawiska.
W 1841 roku mieszkający w Londynie amerykański portrecista John Goffrand po raz pierwszy wymyślił rurkę, z której wyciskano farbę, a handlarze farbami Winsor i Newton szybko podchwycili ten pomysł. Według jego syna Pierre Auguste Renoir powiedział: „Bez farb w tubkach nie byłoby ani Cezanne’a, ani Moneta, ani Sisleya, ani Pissarro, ani żadnego z tych, których dziennikarze później nazwali impresjonistami”.
Farba w tubkach miała konsystencję świeżego oleju, idealną do nakładania na płótno grubymi, impastowymi pociągnięciami pędzla, a nawet szpatułki; Obie metody stosowali impresjoniści.
Na rynku zaczęła pojawiać się cała gama jasnych, trwałych farb w nowych tubkach. Postęp chemii na początku stulecia przyniósł nowe farby, na przykład błękit kobaltowy, sztuczną ultramarynę, żółć chromową z pomarańczowymi, czerwonymi, zielonymi odcieniami, szmaragdową zieleń, biały cynk, trwałą biel ołowiową. XIX wieku artyści mieli do dyspozycji paletę kolorów, która była jasna, niezawodna i wygodna jak nigdy dotąd. .
Impresjoniści nie zignorowali odkryć naukowych połowy stulecia dotyczących optyki i rozkładu barw. Kolory uzupełniające widma (czerwony - zielony, niebieski - pomarańczowy, fiolet - żółty) ułożone obok siebie wzmacniają się, a po zmieszaniu ulegają odbarwieniu. Każdy kolor umieszczony na białym tle pojawia się w otoczeniu delikatnej aureoli od koloru dodatkowego; tam oraz w cieniach rzucanych przez przedmioty oświetlone przez słońce pojawia się kolor uzupełniający kolor obiektu. Częściowo intuicyjnie, częściowo świadomie artyści korzystali z takich naukowych obserwacji. Okazały się one szczególnie istotne w malarstwie impresjonistycznym. Impresjoniści uwzględniali prawa percepcji kolorów na odległość i, jeśli to możliwe, unikając mieszania farb na palecie, umieszczali czyste kolorowe kreski, tak aby mieszały się w oku widza. Jasne kolory widma słonecznego to jedno z przykazań impresjonizmu. Odmówili odcieni czerni i brązu, ponieważ widmo słoneczne ich nie ma. Oddawali cienie kolorem, a nie czernią, stąd miękka, promienna harmonia ich płócien .
Ogólnie rzecz biorąc, impresjonistyczny typ piękna odzwierciedlał fakt sprzeciwu człowieka duchowego wobec procesu urbanizacji, pragmatyzmu i zniewolenia uczuć, co doprowadziło do zwiększonej potrzeby pełniejszego ujawnienia zasady emocjonalnej, aktualizacji duchowych walorów jednostki i wzbudził pragnienie ostrzejszego doświadczenia przestrzenno-czasowych cech istnienia.
Impresjonizm (impresjonizm) to styl malarstwa, który pojawił się pod koniec XIX wieku we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat. Sama idea impresjonizmu kryje się w jego nazwie: wrażenie - wrażenie. Artyści znużeni tradycyjnymi akademickimi technikami malarskimi, które ich zdaniem nie oddawały całego piękna i żywotności świata, zaczęli posługiwać się zupełnie nowymi technikami i metodami obrazowania, które w najbardziej przystępnej formie miały wyrazić nie wygląd „fotograficzny”, ale wrażenie z tego, co zobaczył. W swoim malarstwie impresjonista, wykorzystując charakter swoich pociągnięć i paletę barw, stara się oddać atmosferę ciepła lub chłodu, silnego wiatru lub spokojnej ciszy, mglistego deszczowego poranka lub jasnego słonecznego popołudnia, a także swoje osobiste przeżycia. z tego co widział.
Impresjonizm to świat uczuć, emocji i ulotnych wrażeń. Ceniony jest tu nie realizm zewnętrzny czy naturalność, ale realizm wyrażanych wrażeń, stan wewnętrzny obrazu, jego atmosfera i głębia. Początkowo styl ten był przedmiotem ostrej krytyki. Pierwsze obrazy impresjonistów wystawiono w paryskim „Salonie Nędzników”, gdzie prezentowane były prace artystów odrzuconych przez oficjalny paryski Salon Sztuki. Terminu „impresjonizm” po raz pierwszy użył krytyk Louis Leroy, który w magazynie „Le Charivari” napisał pogardliwą recenzję na temat wystawy artystów. Za podstawę tego terminu wziął obraz Claude’a Moneta „Impresja. Wschodzące słońce". Wszystkich artystów nazwał impresjonistami, co można z grubsza przetłumaczyć jako „impresjoniści”. Początkowo obrazy rzeczywiście były krytykowane, ale wkrótce na salon zaczęło przybywać coraz więcej miłośników nowego kierunku artystycznego, a sam gatunek z odrzuconego zmienił się w uznany.
Warto zaznaczyć, że artyści końca XIX wieku we Francji nie wymyślili nowego stylu znikąd. Za podstawę przyjęli techniki malarzy przeszłości, w tym artystów renesansu. Malarze tacy jak El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner i inni, na długo przed pojawieniem się impresjonizmu, próbowali oddać nastrój obrazu, żywotność natury, szczególną wyrazistość pogody za pomocą różnych tonów pośrednich , jasne lub przeciwnie, matowe pociągnięcia, które wyglądały jak rzeczy abstrakcyjne. W swoich obrazach stosowali tę technikę dość oszczędnie, dlatego niezwykła technika nie rzucała się w oczy widza. Impresjoniści postanowili przyjąć te metody obrazowania za podstawę swoich dzieł.
Kolejną specyficzną cechą twórczości impresjonistów jest pewna powierzchowna codzienność, która jednak kryje w sobie niesamowitą głębię. Nie starają się wyrażać żadnych głębokich wątków filozoficznych, problemów mitologicznych czy religijnych, wydarzeń historycznych czy ważnych. Obrazy artystów tego ruchu są z natury proste i codzienne - pejzaże, martwe natury, ludzie spacerujący ulicą lub zajmując się swoimi normalnymi sprawami i tak dalej. Właśnie w takich momentach, gdy nie ma nadmiernej treści tematycznej, która odwraca uwagę człowieka, na pierwszy plan wysuwają się uczucia i emocje z tego, co widzi. Również impresjoniści, przynajmniej na początku swojego istnienia, nie przedstawiali „ciężkich” tematów – biedy, wojen, tragedii, cierpienia i tak dalej. Obrazy impresjonistów to najczęściej dzieła najbardziej pozytywne i radosne, w których jest dużo światła, jaskrawych kolorów, wygładzone światłocienie, gładkie kontrasty. Impresjonizm to przyjemne wrażenie, radość życia, piękno każdej chwili, przyjemność, czystość, szczerość.
Najbardziej znanymi impresjonistami byli tak wielcy artyści jak Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro i wielu innych.
Nie wiesz gdzie kupić prawdziwą harfę szczękową? Największy wybór znajdziesz na stronie khomus.ru. Szeroka gama etnicznych instrumentów muzycznych w Moskwie.
Alfred Sisley - Trawniki na wiosnę
Camille Pissarro – Boulevard Montmartre. Popołudnie, słoneczne.
Sztukę europejską końca XIX wieku wzbogaciło pojawienie się modernizmu, którego wpływy rozprzestrzeniły się później na muzykę i literaturę. Nazywano go „impresjonizmem”, ponieważ opierał się na najsubtelniejszych wrażeniach, obrazach i nastrojach artysty.
Początki i historia
W drugiej połowie XIX wieku grupę tworzyło kilku młodych artystów. Mieli wspólny cel i te same zainteresowania. Najważniejszą rzeczą dla tej firmy była praca na łonie natury, bez ścian warsztatowych i różnych czynników ograniczających. W swoich obrazach starali się przekazać całą zmysłowość, wrażenie gry światła i cienia. Krajobrazy i portrety odzwierciedlały jedność duszy z Wszechświatem, z otaczającym światem. Ich obrazy to prawdziwa poezja kolorów.
W 1874 r. odbyła się wystawa tej grupy artystów. Krajobraz – Claude Monet „Impresja. Wschód słońca” przykuł uwagę krytyka, który w swojej recenzji po raz pierwszy nazwał tych twórców impresjonistami (od francuskiego impresja – „impresja”).
Warunkiem narodzin stylu impresjonizmu, którego obrazy wkrótce odniosą niesamowity sukces, były dzieła renesansu. Twórczość Hiszpanów Velazqueza, El Greco, angielskiego Turnera, Constable'a bezwarunkowo wpłynęła na Francuzów, którzy byli twórcami impresjonizmu.
Wybitnymi przedstawicielami stylu we Francji byli Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cézanne, Monet, Renoir i inni.
Filozofia impresjonizmu w malarstwie
Artyści malujący w tym stylu nie postawili sobie za zadanie zwrócenia uwagi opinii publicznej na kłopoty. W ich pracach nie można znaleźć tematów aktualnych, nie można otrzymać lekcji moralnej ani dostrzec ludzkich sprzeczności.
Obrazy w stylu impresjonistycznym mają na celu oddanie chwilowego nastroju, rozwijając kolorystykę o tajemniczym charakterze. W pracach jest miejsce tylko na pozytywny początek, mrok unikał impresjonistów.
Właściwie impresjoniści nie zawracali sobie głowy przemyśleniem fabuły i szczegółów. Najważniejszym czynnikiem nie było to, co narysować, ale jak przedstawić i przekazać swój nastrój.
Technika malarska
Różnica między akademickim stylem rysunku a techniką impresjonistów jest kolosalna. Po prostu porzucili wiele metod, a niektóre zmienili nie do poznania. Oto innowacje, które wprowadzili:
- Porzuciliśmy obwód. Zastąpiono go kreskami - małymi i kontrastowymi.
- Przestaliśmy używać palet dla kolorów, które się uzupełniają i nie wymagają łączenia, aby uzyskać określony efekt. Na przykład żółty jest fioletowy.
- Przestałam malować na czarno.
- Całkowicie porzucili pracę w warsztatach. Malowali wyłącznie w plenerze, aby łatwiej było uchwycić chwilę, obraz, uczucie.
- Stosowano wyłącznie farby o dobrej sile krycia.
- Nie czekaliśmy, aż nowa warstwa wyschnie. Natychmiast zastosowano świeże pociągnięcia.
- Stworzyli cykle prac podążających za zmianami światła i cienia. Na przykład „Stogi siana” Claude’a Moneta.
Oczywiście nie wszyscy artyści podążali dokładnie za cechami stylu impresjonistycznego. Na przykład obrazy Edouarda Maneta nigdy nie brały udziału we wspólnych wystawach, pozycjonował się jako odrębny artysta. Edgar Degas pracował wyłącznie w warsztatach, ale nie wpłynęło to na jakość jego dzieł.
Przedstawiciele francuskiego impresjonizmu
Pierwsza wystawa dzieł impresjonistów datuje się na rok 1874. 12 lat później odbyła się ich ostatnia wystawa. Pierwszą pracę w tym stylu można nazwać „Lunchem na trawie” E. Maneta. Obraz ten prezentowany był w „Salonie Odrzuconych”. Spotkało się to z wrogością, gdyż bardzo odbiegało od kanonów akademickich. Dlatego Manet staje się postacią, wokół której skupia się grono wyznawców tego nurtu stylistycznego.
Niestety współcześni nie docenili takiego stylu jak impresjonizm. Obrazy i artyści istnieli w niezgodzie ze sztuką oficjalną.
Stopniowo w gronie malarzy na pierwszy plan wysunął się Claude Monet, który później stał się ich przywódcą i głównym ideologiem impresjonizmu.
Claude Monet (1840–1926)
Twórczość tego artysty można określić jako hymn na cześć impresjonizmu. To on jako pierwszy porzucił w swoich obrazach czerń, powołując się na fakt, że nawet cienie i noc mają inną tonację.
Świat na obrazach Moneta to niewyraźne kontury, przestrzenne kreski, patrząc na nie, można poczuć całe spektrum gry kolorów dnia i nocy, pór roku i harmonii podksiężycowego świata. Tylko moment wyrwany z biegu życia, w rozumieniu Moneta, to impresjonizm. Jego obrazy wydają się pozbawione materialności, wszystkie nasycone są promieniami światła i prądami powietrza.
Claude Monet stworzył niesamowite dzieła: „Gare Saint-Lazare”, „Katedra w Rouen”, cykl „Most Charing Cross” i wiele innych.
August Renoir (1841-1919)
Kreacje Renoira sprawiają wrażenie niezwykłej lekkości, zwiewności i eteryczności. Fabuła narodziła się jakby przez przypadek, ale wiadomo, że artysta dokładnie przemyślał wszystkie etapy swojej pracy i pracował od rana do wieczora.
Cechą charakterystyczną twórczości O. Renoira jest zastosowanie glazury, możliwe jedynie w malarstwie.Impresjonizm w twórczości artysty przejawia się w każdym pociągnięciu. Postrzega człowieka jako cząstkę samej natury, dlatego tak wiele obrazów przedstawiających akty.
Ulubioną rozrywką Renoira było przedstawianie kobiety w całej jej atrakcyjnej i atrakcyjnej urodzie. Portrety zajmują szczególne miejsce w życiu twórczym artysty. „Parasole”, „Dziewczyna z wachlarzem”, „Śniadanie wioślarzy” to tylko niewielka część niesamowitej kolekcji obrazów Auguste'a Renoira.
Georges Seurat (1859-1891)
Seurat wiązał proces powstawania obrazów z naukowym uzasadnieniem teorii koloru. Środowisko lekko-powietrzne zostało narysowane w oparciu o zależność tonów głównych i dodatkowych.
Pomimo tego, że J. Seurat jest przedstawicielem ostatniego etapu impresjonizmu, a jego technika pod wieloma względami różni się od twórców, w ten sam sposób tworzy za pomocą pociągnięć iluzoryczne przedstawienie formy przedmiotu, które można oglądać i widzieć tylko z daleka.
Obrazy „Niedzielne popołudnie”, „Kanan”, „Modele” można nazwać arcydziełami kreatywności.
Przedstawiciele rosyjskiego impresjonizmu
Rosyjski impresjonizm powstał niemal spontanicznie, mieszając wiele zjawisk i metod. Podstawą jednak, podobnie jak u Francuzów, była naturalna wizja procesu.
W rosyjskim impresjonizmie, choć zachowano cechy Francuzów, osobliwości narodowej natury i stanu ducha dokonały znaczących zmian. Na przykład wizje śniegu czy północnych krajobrazów wyrażano nietypowymi technikami.
W Rosji niewielu artystów tworzyło w stylu impresjonistycznym, a ich obrazy do dziś przyciągają uwagę.
Okres impresjonizmu można wyróżnić w twórczości Walentina Serowa. Jego „Dziewczyna z brzoskwiniami” jest najwyraźniejszym przykładem i standardem tego stylu w Rosji.
Obrazy urzekają świeżością i harmonią czystych barw. Głównym tematem twórczości tego artysty jest ukazanie człowieka w naturze. „Północna sielanka”, „W łodzi”, „Fedor Chaliapin” to jasne kamienie milowe w twórczości K. Korovina.
Impresjonizm w czasach nowożytnych
Obecnie ten kierunek w sztuce zyskał nowe życie. Kilku artystów maluje swoje obrazy w tym stylu. Współczesny impresjonizm istnieje w Rosji (Andre Cohn), we Francji (Laurent Parselier), w Ameryce (Diana Leonard).
Andre Cohn to najwybitniejszy przedstawiciel nowego impresjonizmu. Jego obrazy olejne zachwycają prostotą. Artystka widzi piękno w codziennych rzeczach. Twórca interpretuje wiele obiektów przez pryzmat ruchu.
Akwarele Laurenta Parseliera zna cały świat. Jego cykl prac „Dziwny świat” ukazał się w formie pocztówek. Wspaniałe, żywe i zmysłowe, zapierają dech w piersiach.
Podobnie jak w XIX wieku, obecnie artyści zajmują się malarstwem plenerowym. Dzięki niej impresjonizm będzie żył wiecznie. artyści nadal są inspirowani, pod wrażeniem i zachęcani.
