Niebieskie obrazy z epoki Picassa z tytułami. Wszystkie prace według roku

Błękitny Generał czyta i pisze Leonty Wasiljewicz Dubelt przed przeczytaniem był wielkim myśliwym. Nie należy jednak zarzucać generałowi jego niewybrednych gustów, nie zasługiwał na takie wyrzuty. Już w stosunkowo młodym wieku powiedział wydawcy „Otechestvennye Zapiski Kraevsky”:

Choć on sam pochodził ze środowiska mieszczańskiego, a jego nawyki i myśli były mieszczańskie, to jego malarstwo nie było mieszczańskie.

W 1896 roku ojciec Picassa wynajął warsztat dla swojego syna Pabla Picassa Ruiza przy Calle de la Plata, gdzie mógł teraz pracować bez przymusu i nadzoru i robić, co mu się podobało. W następnym roku rodzice wysłali go do Madrytu.

Artystą, który w dużej mierze zdeterminował charakter sztuki zachodnioeuropejskiej i amerykańskiej XX wieku, był Pablo Picasso, Hiszpan, który większość życia spędził we Francji.

W 1900 roku Picasso i jego przyjaciel Casajemes wyjechali do Paryża. Zamieszkali w pracowni niedawno opuszczonej przez innego katalońskiego malarza, Isidre'a Nonella. To właśnie tam, w Paryżu, Pablo Picasso zetknął się z twórczością impresjonistów. Jego życie w tym czasie było najeżone wieloma trudnościami, a samobójstwo jego przyjaciela Casajemesa głęboko wpłynęło na młodego Picassa. W tych okolicznościach na początku 1902 roku zaczął tworzyć dzieła w stylu, który później nazwano okresem błękitnym. Picasso rozwinął ten styl po powrocie do Barcelony w latach 1903-1904. Bohaterkami jego obrazów z okresu „niebieskiego” i „różowego” są proste kobiety, akrobaci, podróżujący aktorzy cyrkowi i żebracy. Nawet prace poświęcone tematyce macierzyństwa przesiąknięte są nie szczęściem i radością, ale matczynym niepokojem i troską o los dziecka.

Niebieski okres.

Początek „okresu błękitnego” kojarzony jest zwykle z drugą podróżą artysty do Paryża. Rzeczywiście, wrócił do Barcelony na Boże Narodzenie 1901 roku z ukończonymi i rozpoczętymi płótnami, namalowanymi w zupełnie inny sposób niż ten, w którym pracował do tej pory.

W 1900 roku Picasso zapoznał się z grafiką Théophile’a Steinlena. Interesowała go agresywność kolorów artystów z północy, jednak w tym czasie znacznie ograniczył własny materiał kolorystyczny. Wszystko działo się u niego szybko, czasem nawet jednocześnie. Obrazy, pastele czy rysunki ulegały ciągłym zmianom w stylu i wyrazie. Temat i charakter pracy, którą dzieli kilka tygodni, a czasem dni, mogą być diametralnie różne. Picasso miał doskonałą pamięć wzrokową i wrażliwość. Jest bardziej mistrzem cienia niż koloru. Dla artysty malarstwo opiera się przede wszystkim na grafice.

Ze smutku rodzi się sztuka, przekonuje teraz swoich przyjaciół. Na jego obrazach pojawia się błękitny świat cichej samotności, ludzi odrzuconych przez społeczeństwo – chorych, biednych, kalekich, starszych.

Picasso już w tych latach był podatny na paradoksy i niespodzianki. Lata 1900-1901 w twórczości artysty nazywane są zwykle „Lautrain” i „Steilen”, wskazując tym samym na bezpośredni związek ze sztuką jemu współczesnych paryskich. Ale po wycieczce do Paryża w końcu zrywa ze swoim hobby. „Błękitny okres” pod względem postaw, problematyki i sztuki plastycznej kojarzy się już z hiszpańską tradycją artystyczną.

W zrozumieniu sytuacji pomagają dwa obrazy – „Kochanek absyntu” i „Data”. Stoją u progu „niebieskiego okresu”, antycypując wiele jego tematycznych aspektów, a jednocześnie kończąc cały okres poszukiwań Picassa, jego ruchu w stronę własnej prawdy.

Można śmiało powiedzieć, że Picasso w wieku 15 lat posiadał już doskonałe mistrzostwo artystyczne w akademickim tego słowa znaczeniu. A potem daje się ponieść duchowi eksperymentu w poszukiwaniu własnej drogi w skomplikowanym splocie kierunków i kierunków sztuki europejskiej przełomu XIX i XX wieku. Poszukiwania te ujawniły jedną z niezwykłych cech talentu Picassa - umiejętność asymilacji, asymilacji różnych nurtów i trendów w sztuce. W „Date” i „Absinthe Drinker” pojawiają się kolejne źródła pierwotne (paryska szkoła artystyczna). Ale młody Picasso zaczyna już mówić własnym głosem. To, co go niepokoiło i dręczyło, wymagało teraz innych rozwiązań artystycznych. Poprzednie załączniki zostały wyczerpane.

Z nieustraszonością prawdziwego wielkiego artysty 20-letni Picasso zwraca się ku „dnu” życia. Odwiedza szpitale, szpitale psychiatryczne i schroniska. Tutaj odnajduje bohaterów swoich obrazów – żebraków, kalek, pokrzywdzonych, wykorzystywanych i wyrzucanych przez społeczeństwo. Nie tylko sentymentalne współczucie dla nich artysta chciał wyrazić swoimi płótnami. Błękitny świat ciszy, w który zanurza swoich bohaterów, to nie tylko symbol cierpienia i bólu, to także świat dumnej samotności i czystości moralnej.

„Dwie siostry” były jednym z pierwszych dzieł tego okresu. W „Siostrach” i w ogóle w twórczości „Błękitnego Okresu” autorka skupia się na niektórych tradycjach sztuki średniowiecznej. Fascynuje go styl gotycki, zwłaszcza gotycka sztuka plastyczna z jej duchową wyrazistością form. W tych latach Picasso odkrył El Greco i Moralesi. W ich pracach odnajduje psychologiczną ekspresję, symbolikę koloru, wyrazistą ekspresję form i wysublimowaną duchowość obrazów zgodną z ówczesnymi nastrojami i poszukiwaniami.

„Dwie siostry” to dzieło charakterystyczne pod każdym względem „Błękitnego Okresu”. W wieloaspektowej treści „Siostry” ponownie słychać temat komunikacji między ludźmi i przyjaźni dwóch istot jako gwarancji ochrony przed przeciwnościami losu i wrogością świata.

Innym typowym obrazem Picassa z epoki błękitnej jest „Stary Żyd z chłopcem”. Sąsiadują one z serią dzieł, których bohaterami są biedni, niewidomi i kalecy. Artysta zdaje się rzucać w nich wyzwanie światu zamożnych, obojętnych worków z pieniędzmi i filisterów. W swoich bohaterach Picasso chciał widzieć nosicieli pewnych prawd ukrytych przed zwykłymi ludźmi, dostępnych jedynie dla wewnętrznego spojrzenia, wewnętrznego życia człowieka. Nie bez powodu większość bohaterów obrazów z „niebieskiego okresu” wydaje się być ślepa i pozbawiona własnej twarzy. Żyją swoim wewnętrznym światem, ich cienkie „gotyckie” palce uczą się nie zewnętrznych form przedmiotów, ale ich wewnętrznego, sekretnego znaczenia.

W Madrycie w lutym 1901 roku Picasso po raz pierwszy zaczął poważnie studiować nową sztukę, która rozpoczynała wówczas swój zwycięski marsz po niemal całej Europie. Kilka miesięcy spędzonych w Madrycie okazało się decydujących dla dalszego rozwoju jego życia. Ten moment naznaczony jest nawet zmianą czysto zewnętrzną: wcześniej swoje rysunki podpisywał P. Ruiz Picasso, ale teraz na jego pracach widać tylko imię jego matki.

W tym okresie Picasso pracował owocnie. Jego wystawy organizowane są w Barcelonie. 24 czerwca 1901 roku zorganizowano pierwszą wystawę w Paryżu, gdzie obecnie mieszkał. Nowy styl nabiera tu rozpędu, przełamując trend ograniczania koloru do chłodnych tonów. Paryż naciskał na Picassa, aby znacznie ożywił swoją paletę. Coraz częściej pojawiały się obrazy z bukietami kwiatów i nagimi modelkami. O ile w Madrycie artysta pracował głównie w kolorze niebieskim, teraz czyste, często kontrastujące kolory sąsiadują z błękitem i zielenią. Na powierzchnię wypłynął nowy styl. Szerokie płaszczyzny kolorystyczne artysta czasami obrysowywał błękitem, fioletem i zielenią. Styl ten nazwano „okresem szkła okiennego”.

Na początku 1903 roku Picasso wrócił do Barcelony i zaczął malować pejzaże, prawie wszystkie w kolorze niebieskim. Malarstwo pejzażowe zawsze było przez artystę nieco zaniedbywane. Picasso nie jest na tyle romantykiem, aby postrzegać naturę jako źródło niewyczerpanej inspiracji. Tak naprawdę interesuje go tylko osoba i to, co bezpośrednio ją otacza lub dotyka.

Niebieski kolor jest teraz złagodzony przez bliskość ochry i delikatnych kolorów bzu, połączonych wspólnym różowym odcieniem. Okres Błękitny wkroczył w nową, przejściową fazę, czas wędrówek ludzi teatru i cyrku.

„Pogrążyłem się w smutku, gdy uświadomiłem sobie, że Casagemas nie żyje” – przyznał później Picasso. „Okres od 1901 do 1904 roku w twórczości Picassa nazywany jest zwykle okresem „niebieskim”, ponieważ większość obrazów tego czasu została namalowana w zimnej niebiesko-zielonej palecie, zaostrzając nastrój zmęczenia i tragicznej biedy”. Okres, który później nazwano „niebieskim”, zwielokrotniony został przez obrazy scen smutnych, obrazy pełne głębokiej melancholii. Wszystko to na pierwszy rzut oka nie da się pogodzić z ogromną żywotnością samego artysty. Ale pamiętając autoportrety młodego mężczyzny o wielkich smutnych oczach, rozumiemy, że płótna z „niebieskiego” okresu przekazują emocje, jakie towarzyszyły wówczas artyście. Osobista tragedia wyostrzyła jego postrzeganie życia i smutku ludzi cierpiących i pokrzywdzonych.

To paradoksalne, ale prawdziwe: niesprawiedliwość struktury życia dotkliwie odczuwają nie tylko ci, którzy od dzieciństwa doświadczyli ucisku trudów życia lub, co gorsza, niechęci do bliskich, ale także ludzie całkiem zamożni. Picasso jest tego najlepszym przykładem. Jego matka uwielbiała Pabla i ta miłość stała się dla niego nieprzeniknioną zbroją aż do śmierci. Ojciec, który nieustannie borykał się z trudnościami finansowymi, wiedział, jak zrobić wszystko, co w jego mocy, aby pomóc synowi, choć czasami podążał zupełnie w złym kierunku, który wskazywał Don Jose. Ukochany i zamożny młody człowiek nie popadł w egocentryzm, choć wydaje się, że przyczyniła się do tego atmosfera dekadenckiej kultury, w której się wychował w Barcelonie. Wręcz przeciwnie, z wielką siłą odczuwał nieład społeczny, ogromną przepaść między biednymi i bogatymi, niesprawiedliwość struktury społeczeństwa, jego nieludzkość – słowem wszystko, co doprowadziło do rewolucji i wojen XX wieku .

„Zajmijmy się jednym z głównych dzieł Picassa tamtych czasów - obrazem „Stary żebrak z chłopcem”, ukończonym w 1903 roku i obecnie znajdującym się w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. A.S. Puszkin. Na płaskim, neutralnym tle przedstawiono dwie siedzące postacie - zgrzybiały, niewidomy starzec i mały chłopiec. Obrazy ukazane są tu w ostro kontrastującej opozycji: twarz starca, pokryta zmarszczkami, jakby wyrzeźbiona potężną grą światłocienia, z głębokimi zagłębieniami ślepych oczu, jego koścista, nienaturalnie kanciasta sylwetka, załamujące się linie jego nogi i ramiona oraz, w przeciwieństwie do niego, szeroko otwarte oczy na delikatną, miękko wymodelowaną twarz chłopca, gładkie, płynne linie jego ubrania. Chłopiec stojący u progu życia i zniedołężniały starzec, na którym śmierć odcisnęła już swoje piętno – te skrajności łączy na obrazie pewnego rodzaju tragiczna wspólność. Oczy chłopca są szeroko otwarte, ale wydają się równie niewidzące jak straszne zagłębienia oczodołów starca: pogrążony jest w tej samej pozbawionej radości myśli. Matowy niebieski kolor dodatkowo wzmacnia nastrój smutku i beznadziejności, który wyraża się na smutnie skupionych twarzach ludzi. Kolor nie jest tu kolorem rzeczywistych obiektów, ani nie jest kolorem prawdziwego światła wypełniającego przestrzeń obrazu. Picasso oddaje twarze ludzi, ich ubrania i tło, na którym są przedstawieni, w równie matowych, zabójczo zimnych odcieniach błękitu”.

Obraz jest realistyczny, ale jest w nim wiele konwencji. Proporcje ciała starca są przerysowane, niewygodna poza podkreśla jego załamanie. Chudość jest nienaturalna. Rysy twarzy chłopca zostały przekazane zbyt prosto. „Artysta nie mówi nam nic o tym, kim są ci ludzie, z jakiego kraju lub epoki pochodzą i dlaczego siedzą skuleni razem na tej błękitnej ziemi. A jednak obraz mówi wiele: w kontraście między starym mężczyzną i chłopcem widzimy smutną, pozbawioną radości przeszłość jednego i beznadziejną, nieuchronnie ponurą przyszłość drugiego oraz tragiczną teraźniejszość obojga. Swoimi smutnymi oczami z obrazu patrzy na nas bardzo smutna twarz biedy i samotności. W swoich pracach powstałych w tym okresie Picasso unika fragmentacji i szczegółowości, starając się w każdy możliwy sposób podkreślić główną ideę tego, co jest przedstawiane. Idea ta pozostaje wspólna dla zdecydowanej większości jego wczesnych dzieł; podobnie jak w „Starym żebraku z chłopcem” polega na ukazaniu nieporządku, żałobnej samotności ludzi w tragicznym świecie biedy.

W okresie „niebieskim”, oprócz wspomnianych już obrazów („Stary żebrak z chłopcem”, „Kufel piwa (Portret Sabartesa)” i „Życie”), „Autoportret”, „Data (Dwie siostry) )”, „Głowa kobiety”, „Tragedia” itp.

„Pogrążyłem się w smutku, gdy uświadomiłem sobie, że Casagemas nie żyje” – przyznał później Picasso. „Okres od 1901 do 1904 roku w twórczości Picassa nazywany jest zwykle okresem „niebieskim”, ponieważ większość obrazów tego czasu została namalowana w zimnej niebiesko-zielonej palecie, zaostrzając nastrój zmęczenia i tragicznej biedy”. Okres, który później nazwano „niebieskim”, zwielokrotniony został przez obrazy scen smutnych, obrazy pełne głębokiej melancholii. Wszystko to na pierwszy rzut oka nie da się pogodzić z ogromną żywotnością samego artysty. Ale pamiętając autoportrety młodego mężczyzny o wielkich smutnych oczach, rozumiemy, że płótna z „niebieskiego” okresu przekazują emocje, jakie towarzyszyły wówczas artyście. Osobista tragedia wyostrzyła jego postrzeganie życia i smutku ludzi cierpiących i pokrzywdzonych.

To paradoksalne, ale prawdziwe: niesprawiedliwość struktury życia dotkliwie odczuwają nie tylko ci, którzy od dzieciństwa doświadczyli ucisku trudów życia lub, co gorsza, niechęci do bliskich, ale także ludzie całkiem zamożni. Picasso jest tego najlepszym przykładem. Jego matka uwielbiała Pabla i ta miłość stała się dla niego nieprzeniknioną zbroją aż do śmierci. Ojciec, który nieustannie borykał się z trudnościami finansowymi, wiedział, jak zrobić wszystko, co w jego mocy, aby pomóc synowi, choć czasami podążał zupełnie w złym kierunku, który wskazywał Don Jose. Ukochany i zamożny młody człowiek nie popadł w egocentryzm, choć wydaje się, że przyczyniła się do tego atmosfera dekadenckiej kultury, w której się wychował w Barcelonie. Wręcz przeciwnie, z wielką siłą odczuwał nieład społeczny, ogromną przepaść między biednymi i bogatymi, niesprawiedliwość struktury społeczeństwa, jego nieludzkość – słowem wszystko, co doprowadziło do rewolucji i wojen XX wieku .

„Zajmijmy się jednym z głównych dzieł Picassa tamtych czasów - obrazem „Stary żebrak z chłopcem”, ukończonym w 1903 roku i obecnie znajdującym się w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkin. Na płaskim, neutralnym tle przedstawiono dwie siedzące postacie - zgrzybiały, niewidomy starzec i mały chłopiec. Obrazy ukazane są tu w ostro kontrastującej opozycji: twarz starca, pokryta zmarszczkami, jakby wyrzeźbiona potężną grą światłocienia, z głębokimi zagłębieniami ślepych oczu, jego koścista, nienaturalnie kanciasta sylwetka, załamujące się linie jego nogi i ramiona oraz, w przeciwieństwie do niego, szeroko otwarte oczy na delikatną, miękko wymodelowaną twarz chłopca, gładkie, płynne linie jego ubrania. Chłopiec stojący u progu życia i zniedołężniały starzec, na którym śmierć odcisnęła już swoje piętno – te skrajności łączy na obrazie pewnego rodzaju tragiczna wspólność. Oczy chłopca są szeroko otwarte, ale wydają się równie niewidzące jak straszne zagłębienia oczodołów starca: pogrążony jest w tej samej pozbawionej radości myśli. Matowy niebieski kolor dodatkowo wzmacnia nastrój smutku i beznadziei, który wyraża się na smutnie skupionych twarzach ludzi. Kolor nie jest tu kolorem rzeczywistych obiektów, ani nie jest kolorem prawdziwego światła wypełniającego przestrzeń obrazu. Picasso oddaje twarze ludzi, ich ubrania i tło, na którym są przedstawieni, w równie matowych, zabójczo zimnych odcieniach błękitu”.

Obraz jest realistyczny, ale jest w nim wiele konwencji. Proporcje ciała starca są przerysowane, niewygodna poza podkreśla jego załamanie. Chudość jest nienaturalna. Rysy twarzy chłopca zostały przekazane zbyt prosto. „Artysta nie mówi nam nic o tym, kim są ci ludzie, z jakiego kraju lub epoki pochodzą i dlaczego siedzą skuleni razem na tej błękitnej ziemi. A jednak obraz mówi wiele: w kontraście między starym mężczyzną i chłopcem widzimy smutną, pozbawioną radości przeszłość jednego i beznadziejną, nieuchronnie ponurą przyszłość drugiego oraz tragiczną teraźniejszość obojga. Swoimi smutnymi oczami z obrazu patrzy na nas bardzo smutna twarz biedy i samotności. W swoich pracach powstałych w tym okresie Picasso unika fragmentacji i szczegółowości, starając się w każdy możliwy sposób podkreślić główną ideę tego, co jest przedstawiane. Idea ta pozostaje wspólna dla zdecydowanej większości jego wczesnych dzieł; podobnie jak w „Starym żebraku z chłopcem” polega na ukazaniu nieporządku, żałobnej samotności ludzi w tragicznym świecie biedy.

Niepowtarzalny styl i boski talent Picassa pozwoliły mu wpłynąć na ewolucję sztuki współczesnej i całego świata artystycznego.

Pablo Picasso urodził się w 1881 roku w hiszpańskim mieście Malaga. Wcześnie odkrył swój talent i już w wieku 15 lat rozpoczął naukę w Szkole Sztuk Pięknych.

Artysta większość życia spędził w ukochanej Francji. W 1904 przeniósł się do Paryża, a w 1947 na słoneczne południe kraju.

Twórczość Picassa podzielona jest na wyjątkowe i ciekawe okresy.

Jego wczesny „niebieski okres” rozpoczął się w 1901 roku i trwał około trzech lat. Wiele dzieł sztuki powstałych w tym czasie charakteryzuje się ludzkim cierpieniem, biedą i odcieniami błękitu.

„Okres Różowy” trwał około roku, począwszy od 1905 roku. Faza ta charakteryzuje się jaśniejszą paletą różowo-złotą i różowo-szarą, a bohaterami są głównie podróżujący artyści.

Obraz namalowany przez Picassa w 1907 roku oznaczał przejście do nowego stylu. Artysta w pojedynkę zmienił bieg sztuki współczesnej. Były to „Les Demoiselles d’Avignon”, które wywołały wiele wstrząsów w ówczesnym społeczeństwie. Kubistyczne przedstawienie nagich prostytutek stało się skandalem, ale posłużyło jako podstawa późniejszej sztuki konceptualnej i surrealistycznej.

W przededniu II wojny światowej, podczas konfliktu w Hiszpanii, Picasso stworzył kolejne genialne dzieło – obraz „Guernica”. Bezpośrednim źródłem inspiracji było bombardowanie Guerniki, płótno ucieleśnia protest artysty potępiającego faszyzm.

W swojej twórczości Picasso dużo czasu poświęcił zgłębianiu komedii i fantasy. Realizował się także jako grafik, rzeźba, dekorator i ceramik. Mistrz stale pracował, tworząc ogromną liczbę ilustracji, rysunków i projektów o dziwacznej treści. W końcowym etapie swojej kariery malował wariacje na temat słynnych obrazów Velazqueza i Delacroix.

Pablo Picasso zmarł w 1973 roku we Francji w wieku 91 lat, stworzył 22 000 dzieł sztuki.

Obrazy Pabla Picassa:

Chłopiec z fajką, 1905

Obraz wczesnego Picassa z „Okresu Róż” namalował wkrótce po przybyciu do Paryża. Oto zdjęcie chłopca z fajką w dłoni i wieńcem kwiatów na głowie.

Stary gitarzysta, 1903

Obraz należy do „niebieskiego okresu” twórczości Picassa. Przedstawia starego, niewidomego i biednego muzyka ulicznego z gitarą. Praca utrzymana jest w odcieniach błękitu i opiera się na ekspresjonizmie.

Les Demoiselles d'Avignon, 1907

Być może najbardziej rewolucyjny obraz w sztuce współczesnej i pierwszy obraz w stylu kubistycznym. Mistrz zignorował ogólnie przyjęte zasady estetyczne, zszokował purystów i w pojedynkę zmienił bieg sztuki. W unikalny sposób przedstawił pięć nagich prostytutek z burdelu w Barcelonie.

Butelka rumu, 1911 r

Picasso ukończył ten obraz we francuskich Pirenejach, ulubionym miejscu muzyków, poetów i artystów, ulubionym przez kubistów przed I wojną światową. Dzieło zostało wykonane w złożonym stylu kubistycznym.

Głowa, 1913

To słynne dzieło stało się jednym z najbardziej abstrakcyjnych kolaży kubistycznych. Profil głowy można prześledzić w półkolu obrysowanym węglem, jednak wszystkie elementy twarzy zredukowane są znacznie do figur geometrycznych.

Martwa natura z kompotem i szkłem, 1914-15.

Czyste kształty kolorów i fasetowane obiekty są ze sobą zestawiane i nakładane, tworząc harmonijną kompozycję. Picasso na tym obrazie ukazuje praktykę kolażu, którą często wykorzystuje w swojej twórczości.

Dziewczyna przed lustrem, 1932

To portret młodej kochanki Picassa, Marie-Therese Walter. Modelka i jej odbicie symbolizują przejście od dziewczynki do uwodzicielskiej kobiety.

Guernika, 1937

Obraz ten przedstawia tragiczny charakter wojny i cierpienie niewinnych ofiar. Dzieło jest monumentalne w swojej skali i znaczeniu i jest postrzegane na całym świecie jako symbol antywojenny i plakat pokojowy.

Płacząca kobieta, 1937

Picassa interesował temat cierpienia. Ten szczegółowy obraz z wykrzywioną, zdeformowaną twarzą uważany jest za kontynuację Guerniki.