Nie należy od razu winić artysty za to, że jest narkomanem, a może schizofrenikiem
Krótki kurs historii o tym, jak styl życia bezpośrednio wpłynął na jego kreatywność:
Istnieje kilka najważniejszych okresów:
„Niebieski okres”
Pijący absynt, 1901
Być może jest to pierwszy etap twórczości Picassa, w odniesieniu do którego można mówić o indywidualności mistrza, pomimo wciąż brzmiących nut wpływów. Pierwszy twórczy start wywołał długi kryzys: w lutym 1901 roku w Madrycie Picasso dowiedział się o śmierci swojego bliskiego przyjaciela Carlosa Casagemasa. 5 maja 1901 roku artysta po raz drugi w życiu przyjechał do Paryża, gdzie wszystko przypominało mu Casagemasa, z którym niedawno odkrył stolicę Francji. Pablo zamieszkał w pokoju, w którym Carlos spędził ostatnie dni swoich dni, rozpoczął romans z Germaine, przez co jego przyjaciel popełnił samobójstwo i komunikował się z tym samym kręgiem ludzi. Można sobie wyobrazić, jak skomplikowanym węzłem splatały się w nim gorycz straty, poczucie winy, poczucie bliskości śmierci...
Okres „afrykański”.
Pierwszym dziełem, które skierowało pędzle Picassa w stronę nowej figuratywności, był portret Gertrudy Stein z 1906 roku. Przepisując go około 80 razy, artysta rozpaczliwie wątpił w ucieleśnienie pisarza w stylu klasycznym. Artysta wyraźnie dojrzał do nowego okresu twórczego, podążanie za naturą przestało go interesować. To płótno można uznać za pierwszy krok w kierunku deformacji formy.
Kubizm
Skrzypce i gitara, 1913
Przed kubizmem problem podobieństwa do życia zawsze pozostawał jednym z głównych w sztuce europejskiej. Przez kilka stuleci sztuka ewoluowała, nie kwestionując tego zadania. Nawet impresjoniści, którzy otworzyli nowy rozdział w historii malarstwa, poświęcony światłu, uchwyceniu ulotnego wrażenia, również rozwiązali pytanie: jak uchwycić ten świat na płótnie.
Być może impulsem do rozwoju nowego języka sztuki było pytanie: po co rysować? Na początku XX wieku. Podstaw „poprawnego” rysunku można nauczyć niemal każdego.
Pomysł Picassa jest niezwykle prosty: w arsenale malarstwa znajdują się jedynie jego specyficzne środki – płaszczyzna płótna, linia, kolor, światło i niekoniecznie muszą one służyć naturze. Świat zewnętrzny daje jedynie impuls do wyrażania indywidualności twórcy. Odmowa wiarygodnego naśladowania obiektywnego świata otworzyła przed artystami niezwykle szerokie możliwości.
Okres „klasyczny”.
Kąpiący się, 1918
Lata 1910. okazały się dla Picassa dość trudne. W 1911 roku na światło dzienne wyszła historia zakupu i przechowywania skradzionych z Luwru figurek, która pokazała Picassowi ograniczenia własnych sił moralnych i ludzkich: okazało się, że nie jest w stanie bezpośrednio przeciwstawić się naciskom władz i zachować przywiązania do przyjaźń (na pierwszym przesłuchaniu próbował wyrzec się nawet samego faktu znajomości z Appolinaire'em, „dzięki” któremu wdał się w to nieprzyjemne wydarzenie). W 1914 roku wybuchła I wojna światowa i stało się jasne, że Picasso nie jest gotowy walczyć za Francję, która stała się jego drugą ojczyzną. To także oddzieliło go od wielu jego przyjaciół. Marcela Humbert zmarła w 1915 r.
Prawdopodobnie w tym okresie Picasso naprawdę zrozumiał siebie (a jego odkrycia nie zawsze były przyjemne) i zdał sobie sprawę, że w zasadzie interesuje go tylko malarstwo, tylko malarstwo było tym, dla czego był gotowy się poświęcić, tylko po to, by służyć to: "Sztuka nigdy mnie nie nudzi i nie mogłabym żyć bez poświęcania mu całego swojego czasu. Kocham go jako jedyny cel mojego życia."
Kubizm stopniowo stał się dla Picassa wewnętrznie przeżytym doświadczeniem, które wyzwoliło jego pędzel. Później mówił: „Jeśli się nad tym zastanowić, to chyba jestem artystą bez stylu. „Styl” często tylko krępuje artystę, narzuca mu jeden punkt widzenia na rzeczy, te same techniki, te same formuły i tak dalej rok po roku, czasem przez całe życie.” Z pewnością nie dotyczyło to Picassa, artystycznego śmiałka.
Surrealizm
Kobieta na krześle, 1927
Kiedy w życie artysty wkroczyła młoda blondynka Maria Teresa Walter, malarz zwrócił się w stronę surrealizmu. Przygotowywał się także poprzez kontakt z surrealistami, którzy wówczas zyskiwali na sile. Dwa czynniki: „ciekawa osoba” Mademoiselle Walter, do napisania której artysta zainspirował się, natychmiastowe poinformowanie nowego znajomego, że „razem dokonamy wielkich rzeczy” oraz bliskość kręgu Henriego Bretona zadziałały jednocześnie. To właśnie w Galerii Pierre w 1925 roku Picasso po raz pierwszy wziął udział w zbiorowej wystawie surrealistów (wcześniej „błyszczał” jedynie na wystawach osobistych).
Siedmioletnie wędrówki Picassa po dziczy surrealizmu można podsumować jego własnymi słowami: „Przedstawiam przedmioty tak, jak o nich myślę, a nie tak, jak je widzę”.
Trochę o tzw. „sztuce współczesnej”.Można oczywiście powiedzieć, że z malarstwa XX wieku nic nie rozumiem (choć mogę się założyć, że tak nie jest), ale jest jeden artysta o międzynarodowej renomie, którego twórczość jest mi zupełnie obca. I to nic innego jak Pablo Picasso .
Moim zdaniem laika (a może raczej amatora?) jego twórczość może być doskonałą ilustracją stopniowego, ale nieuniknionego rozpadu osobowości artysty. Jest to bardzo zauważalne, jeśli prześledzisz, jak przedstawiał siebie na przestrzeni lat.
Wszystko zaczęło się bardzo dobrze:
Ale potem się zaczęło!
„Jestem artystą, jak to widzę”?
No cóż!
Pablo Picasso wciąż ma ogromną liczbę obserwujących!
Przybijanie własnych jąder do kostki brukowej Placu Czerwonego to oczywiście także prawdziwa sztuka!
Dobra robota, co? Prawdziwy „artysta współczesny”:
Albo rozsmarowywać penisem własne odchody na płótnie.
Albo jakiś „rysunek” gwaszem lub farbami olejnymi (jak to później zmyć?) wargami sromowymi, jak to robi pewna kobieta Milo Moire’a
(Milo Moire):
Okazuje się, że za pomocą własnych wymiocin można stworzyć „arcydzieła”! Z tego zasłynął brytyjski „artysta”. Millie Brown :
Oto jedno z jej „arcydzieł”.
Bardzo oryginalne, prawda?
Szkoda po prostu nie pamiętać o tym „artyście, który maluje deszcz…” (przepraszam, wyszło z podświadomości), który robi portrety za pomocą swojego penisa, bo wybrał sobie odpowiedni pseudonim - PRICASSO!
Nawiasem mówiąc, ten „prawie Picasso”, w przeciwieństwie do swojego poprzednika, nie pobiera tak dużo - od 75 dolarów za obraz. A tym, którzy chcą być tak postrzegani, po prostu nie ma końca, jest nawet kolejka!
Czy chciałbyś dołączyć do sztuki współczesnej, aby nie zostać uznanym za retrogradującego?
Istnieją inne przykłady.
Dlaczego więc nie jest sztuką współczesną?
I to jest naprawdę proste wkręt do połowy wkręcony w sklejkę
i nic więcej!
Gdyby jednak ten obraz pojawił się w jakiejkolwiek galerii sztuki współczesnej, bez wątpienia znalazłaby się tam cała horda krytyków sztuki wyjaśniających głębokie znaczenia zawarte w tym arcydziele. I z wielką pewnością wyjaśnialiby nam, laikom, że nic nie rozumiemy ze sztuki współczesnej. Przecież nie jest on przeznaczony dla każdego, a jedynie dla elity!
Byłoby lepiej, gdyby Picasso przez całe życie malował „gołębie pokoju”.
Ogólnie rzecz ujmując, każdy obraz artysty jest autoportretem – w tym sensie, że pisarza można rozpoznać po dowolnym jego dziele. Ale mimo to autoportrety jako takie są zawsze interesujące – zawsze interesujące jest to, jak zniekształcają rzeczywistość lustro stanęło w tym momencie przed mentalnym spojrzeniem artysty.
W przypadku Picasso zniekształcenie jest zawsze kwadratowe. Namalował sporo autoportretów, ale gdyby nie istniały jego fotografie, nigdy nie dowiedzielibyśmy się, jak wygląda. Nawet te wczesne, realistyczne, budzą podejrzenia. Wydaje się, że od początku po prostu nudziło go wypisywanie tych wszystkich podobieństw; Podwajanie rzeczywistości poprzez malarstwo nie jest jego drogą.
Kiedyś, pod koniec lat 30., oglądając fotografie Brassai, który fotografował rzeźbę Picassa w swojej paryskiej pracowni, powiedział: „Kiedy widzisz, jak wiele możesz wyrazić poprzez fotografię, zdajesz sobie sprawę, że nie możesz już być przedmiotem malarstwa. Dlaczego artysta miałby próbować przedstawić coś, co można doskonale uwiecznić w obiektywie fotograficznym? To byłoby szalone. Fotografia pojawiła się w odpowiednim momencie, aby uwolnić malarstwo od opisu przedmiotu i samego przedmiotu. Element jest teraz pod kontrolą zdjęcia. A czy nie byłoby lepiej, gdyby artyści wykorzystali wywalczoną wolność do czegoś innego?” I przy odrobinie wysiłku możesz spróbować obliczyć tego „innego” na podstawie jego autoportretów.
Gdyby nie było zdjęć, nigdy byśmy nie dowiedzieli się, jak wyglądał słynny artysta! ">Gdyby nie było fotografii, nigdy byśmy nie wiedzieli, jak wyglądał ten słynny artysta!" alt="Ewolucja autoportretów Picassa od 15 do 90 lat Gdyby nie było zdjęć, nigdy byśmy nie dowiedzieli się, jak wyglądał słynny artysta!!}">
Autoportrety zawsze ciekawie się ogląda – zawsze ciekawe, jak zniekształca rzeczywistość lustro, które w tamtym momencie stało przed oczami artysty. W przypadku Picassa zniekształcenie jest zawsze kwadratowe. Namalował sporo autoportretów, ale gdyby nie istniały jego fotografie, nigdy nie dowiedzielibyśmy się, jak wyglądał
Nawet jego wczesne, realistyczne autoportrety budzą podejrzenia. Wydaje się, że Picassowi od początku po prostu nudziło się wypisywanie tych wszystkich podobieństw.
Podwajanie rzeczywistości poprzez malarstwo nie jest jego drogą. Któregoś razu pod koniec lat 30., oglądając fotografie Brassaia, który w swojej paryskiej pracowni fotografował rzeźbę Picassa, powiedział:
„Kiedy widzisz, jak wiele możesz wyrazić poprzez fotografię, zdajesz sobie sprawę, że nie możesz już być przedmiotem malarstwa. Dlaczego artysta miałby próbować przedstawić coś, co można doskonale uwiecznić w obiektywie fotograficznym? To byłoby szalone. Fotografia pojawiła się w odpowiednim momencie, aby uwolnić malarstwo od opisu przedmiotu i samego przedmiotu. Teraz temat jest na łasce fotografii. A czy nie byłoby lepiej, gdyby artyści wykorzystali wywalczoną wolność do czegoś innego?”
I przy odrobinie wysiłku można spróbować wyliczyć tego „innego” z jego autoportretów.
Namalowany w Barcelonie podczas studiów w La Lonja School of Arts and Crafts
Praca została ukończona w Barcelonie, gdzie Picasso wrócił po ukończeniu studiów na Akademii Sztuki w Madrycie
Napisane wiosną 1901 roku na wystawę zorganizowaną w Galerii Vollard w Paryżu
Namalowany pod koniec 1901 roku podczas drugiej wizyty Picassa w Paryżu
Picasso namalował ten autoportret latem 1906 roku w Gósol, małej wiosce w hiszpańskich Pirenejach
Ten autoportret został namalowany w Paryżu. Okres ten, charakteryzujący się szorstkością i prymitywizacją formy, nazywany jest Cezanne’em (ze względu na wpływ metody Cezanne’a na Picassa), a także afrykańskim (ze względu na to, że Picasso był pod wrażeniem sztuki starożytnych masek afrykańskich).
Autoportret namalowany w Paryżu
Rysunek powstał w Paryżu, po powrocie z Rzymu, gdzie Picasso zaprojektował sztukę „Parada” dla Baletów Rosyjskich Diagilewa
Jeden z nielicznych autoportretów Picassa, w połowie życia prawie ich nie malował, w przeciwieństwie do wczesnych lat i bardzo późnego okresu twórczości. Strój bohatera pozwala zakwalifikować tę pracę do autoportretu – charakterystycznym elementem garderoby Picassa były swetry w paski. Obraz został namalowany w Paryżu
Picasso uchwycił się w swojej legendarnej kamizelce, powszechnie znanej z licznych fotografii wykonanych w późnym okresie życia artysty. Autoportret namalowany pędzlem Mouginsa w Villa Notre Dame de Vie Picassa, 3-4 kwietnia 1965
