07.06.2019 o 15:34 · VeraSchegoleva · 11 620
10 najsłynniejszych artystów portretów, których nazwiska każdy powinien znać
Portret to wizerunek grupy osób lub jednej osoby z absolutną dokładnością. Zwykle jest to rysunek wykonany w określonym stylu.
Artysta portretowy odtwarza obraz z pamięci lub rysuje osobę z życia. Portretowcy poprzez swoje obrazy oddają nie tylko wygląd ludzi, ale także ich niepowtarzalne cechy i cechy charakteru.
Portret to indywidualny stosunek artysty do konkretnej osoby. Taka interpretacja osoby ma charakter elitarny, ekskluzywny i nie dla każdego dostępny, dlatego jest wartościowa i bardzo atrakcyjna.
Przyjrzyjmy się najsłynniejszym portrecistom, którzy poprzez obrazy najlepiej ukazali duchową esencję ludzi.
10. Anthony Van Dyck
Anthony'ego Van Dycka- grafik i mistrz tematyki religijnej oraz portretu dworskiego. Jego ojczyzną jest Belgia.
Artysta ten był cudownym dzieckiem, swój autoportret stworzył w wieku czternastu lat. Kiedy Van Dyck miał osiemnaście lat, został przyjęty do cechu św. Łukasza, zrzeszającego drukarzy, rzeźbiarzy i artystów.
W wieku dwudziestu lat Van Dyck zaczął już tworzyć portrety arystokratów, które wyróżniały się niesamowitymi umiejętnościami. Zwykle portreciści osiągali ten poziom w wieku czterdziestu lat.
Mistrz zawsze przykładał dużą wagę do swoich dłoni: były piękne, pełne wdzięku, zrelaksowane, z długimi palcami. Prace Van Dycka można rozpoznać właśnie po sposobie, w jaki rysuje ręce.
Van Dyck mieszkał we Włoszech i był artystą nadwornym w Anglii.
Słynne portrety: „Głowy starszego”, „Portret rodzinny”, „Portret kardynała Guido Bentivoglio”, „Portret Karola I na polowaniu”.
9. Hansa Holbeina
Hansa Holbeina Młodszego- jeden z najsłynniejszych niemieckich artystów. Malarstwa uczył się od swojego ojca Holbeina Starszego, który specjalizował się w malarstwie ołtarzowym.
Mistrz zasłynął w wieku dwudziestu jeden lat. Był artystą na dworze Henryka VIII.
Portrety stworzone przez Hansa Holbeina są bardzo dokładne, przekazał obrazy i charaktery przedstawionych osób z maksymalną przejrzystością. Artysta śmiało bawił się światłocieniem, uwielbiał podkreślać różne drobne detale, które podkreślały jego koncepcję.
Wiele portretów mistrza nie jest pozbawionych sarkazmu i ironii: zdradzają jego prawdziwy stosunek do przedstawianych osób.
Słynne portrety: „Portret Tomasza More’a”, „Portret Erazma z Rotterdamu”, „Portret Henryka VIII”.
8. Diego Velazquez
Diego Velasqueza- malarz z Hiszpanii, nadworny artysta Filipa IV. Velazquez rozpoczął naukę malarstwa w wieku dziesięciu lat.
Już w wieku osiemnastu lat artyście udało się otworzyć własny warsztat: pomógł mu w tym jego nauczyciel Francisco Pacheco.
Na początku swojej kariery Velazquez malował martwe natury i różne sceny kuchenne. Cechą tych obrazów było cieniowanie i nasycenie kolorów.
Następnie mistrz przeniósł się do stolicy i został malarzem nadwornym. Nie tylko malował na zamówienie portrety ceremonialne, ale także starał się uchwycić najbardziej nieszczęsnych, upokorzonych ludzi: dziwaków, błaznów, krasnoludków.
Słynne portrety: „Karczmarz”, „Stary kucharz”, „Portret króla Hiszpanii Filipa IV w zbroi”, „Portret damy z wachlarzem”, „Błazen Juan z Austrii”.
7. Ilja Efimowicz Repin
Ilja Efimowicz Repin- Rosyjski artysta, profesor, pedagog, członek Cesarskiej Akademii Sztuk. Jeden z głównych przedstawicieli rosyjskiego realizmu.
W młodości artysta żył w biedzie. Próbował zarabiać pieniądze, wystawiając swoje obrazy na sprzedaż.
Następnie, za dobre studia w , Repin miał okazję wyjechać do Europy, aby studiować sztukę zagraniczną. W tym czasie zyskał już sporo sławy i zaczął otrzymywać duże zamówienia.
Charakterystycznymi cechami twórczości Repina są częste odwoływanie się do szczytów emocjonalnych, okazywanie niepokojów i zadań społecznych oraz subtelny psychologizm.
Słynne portrety: „Portret Lwa Tołstoja”, „Portret Musorgskiego”, „Portret matki”, „Portret Konstantina Pietrowicza Pobiedonoscewa”.
6. Rembrandt Van Rijn
Rembrandta- artysta z Holandii, mistrz światłocienia, rytownik. Był jednym z największych przedstawicieli złotego wieku malarstwa holenderskiego.
Jego obrazy ucieleśniały całe spektrum ludzkich doświadczeń. Rembrandt wolał pominąć drobne szczegóły i maksymalnie ujawnić stan psychiczny przedstawianej osoby.
Przyszły mistrz zaczął uczyć się rysować w wieku trzynastu lat. Nieustannie poszukiwał twórczych poszukiwań i tworzył obrazy w różnych gatunkach: portrety, sceny rodzajowe, pejzaże, martwe natury i tak dalej.
Słynne portrety: „Młoda Saskia”, „Portret Jana Utenbogarta”, „Flora”, „Portret Marii Trip”.
5.Piotr Paweł Rubens
Rubensa- flamandzki malarz, kolekcjoner, dyplomata. Stał się jednym z głównych przedstawicieli sztuki barokowej. W sztuce portretowej talent mistrza został w pełni ujawniony. Dla niego zawsze bardzo ważne były gesty, spojrzenie, obrót głowy i poza modela.
Rubens, przedstawiając przedstawicielki płci pięknej, zdawał się cieszyć ich zmysłowością, kobiecością i pulchnymi ciałami.
Artysta miał bardzo dużą zdolność do pracy: potrafił tworzyć obrazy od rana do wieczora. Podczas pracy Rubens uwielbiał rozmawiać ze studentami i gośćmi.
Słynne portrety: „Portret markizy Brigitte Spinola Doria”, „Portret pokojówki infantki Izabeli”, „Portret Heleny Fourment z dwójką dzieci”.
4. Albrechta Durera
Durera- grafik i malarz pochodzący z Niemiec, jeden z najsłynniejszych przedstawicieli zachodnioeuropejskiego renesansu. Pozostawił po sobie nie tylko obrazy, ale także traktaty i ryciny.
Albrecht Dürer udoskonalił sztukę drzeworytu. Mieszkał we Włoszech, studiował metody twórcze włoskich artystów.
Dürer stworzył wiele autoportretów, w młodości szczególnie lubił malować siebie. Jego twórczość przeniknięta jest chęcią zrozumienia praw natury, a także pociągiem do idealnego, harmonijnego piękna. Przepojona jest dużą intensywnością uczuć i buntowniczym duchem.
Słynne portrety: „Portret Erazma z Rotterdamu”, „Portret Bernarda von Riesena”, „Cesarz Maksymilian I”.
3. Tycjan
Tycjan Vecellio- słynny malarz z Włoch. Jego twórczość kojarzona jest z wiecznością i nieśmiertelnością. Pędzlom tego artysty już za życia przypisywano magiczne właściwości.
Tycjan stworzył wspaniałe portrety: wydawało się, że kryją się w nich dusze przedstawionych ludzi. Namalował wiele epickich obrazów o tematyce mitologicznej i religijnej.
Kariera twórcza Tycjana była owocna i długa: artysta dożył prawie stu lat. Jego obrazy były wielokrotnie kopiowane, ale nikomu nigdy nie udało się osiągnąć takiego poziomu kunsztu.
Słynne portrety: „Portret Petra Aretino”, „Portret Karola V”, „Portret młodej kobiety”.
2. Rafael Santi
Rafał- włoski grafik, malarz i. Jego obrazy odzwierciedlały ideały renesansu.
Świat stał się czystszy i milszy, gdy zaczęły na niego patrzeć oczy Madonn przedstawionych przez Rafaela: Pasadena, Sykstyna, Orlean, Conestabile.
W swoich obrazach po mistrzowsku ucieleśniał różnorodne odcienie emocjonalne. Rafael uchodził za jednego z najbardziej „zrównoważonych” artystów. Mistrz zmarł bardzo wcześnie, bo w wieku 37 lat, pozostawił jednak po sobie kolosalny dorobek artystyczny.
Słynne portrety: „Donna Velata”, „Portret Castiglione”, „Portret Juliusza II”, „Portret papieża Leona X z dwoma kardynałami”.
1. Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci- włoski artysta, architekt, rzeźbiarz, naukowiec, muzyk. Był wyjątkowym „człowiekiem uniwersalnym”.
Badania, odkrycia i dzieła Da Vinci wyprzedziły jego czasy o więcej niż jedną epokę. Pomógł w rozwoju urbanistyki i anatomii.
Uderzający był także wygląd Da Vinci: anielski wygląd, wysoki wzrost i niesamowita siła.
Dla tego artysty malarstwo było uzupełnieniem nauki: jego celem zawsze było uchwycenie rzeczywistości.
Słynne portrety: „Mona Lisa”, „Dama z gronostajem”, „Portret Ginervy de Benci”, „Portret muzyka”.
Wybór czytelników:
Malarstwo rosyjskie słusznie odróżnia się od sztuki światowej. Faktem jest, że aż do XVII wieku malarstwo rosyjskie kojarzone było wyłącznie z tematyką religijną. Sytuacja uległa zmianie wraz z dojściem do władzy reformującego się cara Piotra Wielkiego. Dzięki jego reformom rosyjscy mistrzowie zaczęli zajmować się malarstwem świeckim, a malarstwo ikonowe wyodrębniło się jako odrębny kierunek. Wiek XVII to czas twórczości takich artystów jak Szymon Uszakow i Józef Władimirow. Następnie w rosyjskim świecie sztuki pojawił się portret i szybko stał się popularny. W XVIII wieku pojawili się pierwsi artyści, którzy przeszli od portretu do malarstwa pejzażowego. Zauważalna jest wyraźna sympatia artystów do zimowych panoram. Wiek XVIII zapisał się także w pamięci z pojawieniem się malarstwa codziennego. W XIX wieku w Rosji popularność zyskały trzy ruchy: romantyzm, realizm i klasycyzm. Tak jak poprzednio, rosyjscy artyści nadal zwracali się ku gatunkowi portretów. Wtedy pojawiły się światowej sławy portrety i autoportrety O. Kiprensky'ego i V. Tropinina. W drugiej połowie XIX wieku artyści coraz częściej przedstawiali zwykłych Rosjan w ich uciskanym państwie. Realizm staje się centralnym kierunkiem malarstwa tego okresu. Wtedy właśnie pojawili się artyści wędrowni, przedstawiający tylko prawdziwe, prawdziwe życie. Cóż, wiek XX to oczywiście awangarda. Artyści tamtych czasów wywarli znaczący wpływ zarówno na swoich zwolenników w Rosji, jak i na całym świecie. Ich obrazy stały się prekursorami sztuki abstrakcyjnej. Malarstwo rosyjskie to ogromny, wspaniały świat utalentowanych artystów, którzy swoimi dziełami wychwalali Rosję.
Wstęp
I. Rosyjscy portreciści pierwszej połowy XIX wieku
1.1 Orest Adamowicz Kiprensky (1782-1836)
1.2 Wasilij Andriejewicz Tropinin (1776-1857)
1.3 Aleksiej Gawrilowicz Wenecjanow (1780-1847)
1.4 Karol Pawłowicz Bryulłow (1799-1852)
II. Stowarzyszenie Objazdowych Wystaw Artystycznych
Rozdział III. Rosyjscy portreciści drugiej połowy XIX wieku
3.1 Nikołaj Nikołajewicz Ge (1831-1894)
3.2 Wasilij Grigoriewicz Perow (1834-1882)
3.3 Nikołaj Aleksandrowicz Jaroszenko (1846-1898)
3.4 Iwan Nikołajewicz Kramskoj (1837-1887)
3,5 Ilja Efimowicz Repin (1844-1930)
3.6 Walentin Aleksandrowicz Sierow (1865-1911)
Rozdział IV. Sztuka portretu
Wniosek
Bibliografia
Wstęp
Celem tej pracy jest omówienie znaczenia portretu jako jednego z głównych gatunków sztuki, jego roli w kulturze i sztuce tamtych czasów, zapoznanie się z głównymi dziełami artystów, poznanie rosyjskiego portretu malarzy XIX wieku, o ich życiu i twórczości.
W tej pracy przyjrzymy się sztuce portretu w XIX wieku:
Najwięksi mistrzowie sztuki rosyjskiej XIX wieku.
Stowarzyszenie Objazdowych Wystaw Artystycznych.
Co to jest portret?
Historia pojawienia się portretu.
Pierwsza połowa XIX wieku - czas powstania systemu gatunków w malarstwie rosyjskim. W malarstwie drugiej połowy XIX wieku. zwyciężył kierunek realistyczny. Charakter realizmu rosyjskiego określili młodzi malarze, którzy opuścili Akademię Sztuk Pięknych w 1863 roku, buntując się przeciwko wszczepianej w akademii stylistyce klasycystycznej oraz wątkom historyczno-mitologicznym. Artyści ci zorganizowali w 1870 r
Objazdowe partnerstwo wystawowe, którego misją było zapewnienie członkom partnerstwa możliwości wystawiania swoich prac. Dzięki jego działalności dzieła sztuki stały się dostępne dla szerszego kręgu odbiorców. Paweł Michajłowicz Tretiakow (1832–1898) od 1856 r. kolekcjonował dzieła artystów rosyjskich, głównie pieredwiżników, a w 1892 r. przekazał Moskwie swoją kolekcję obrazów wraz ze zbiorami swojego brata S.M. Tretiakowa. W gatunku portretów Wędrowcy stworzyli galerię wizerunków wybitnych postaci kultury swoich czasów: portret Fiodora Dostojewskiego (1872) autorstwa Wasilija Perowa (1833–1882), portret Mikołaja Niekrasowa (1877–1878) autorstwa Iwana Kramskoja (1837–1887), portret Modesta Musorgskiego (1881) autorstwa Ilji Repina (1844–1930), portret Lwa Tołstoja (1884) autorstwa Nikołaja Ge (1831–1894) i szereg innych. Będąc w opozycji do Akademii i jej polityki artystycznej, Wędrowcy zwrócili się ku tzw. tematy „niskie”; w ich pracach pojawiają się wizerunki chłopów i robotników.
Wzrost i poszerzenie zrozumienia i potrzeb artystycznych znajduje odzwierciedlenie w powstaniu wielu stowarzyszeń artystycznych, szkół, szeregu prywatnych galerii (Galeria Trietiakowska) i muzeów nie tylko w stolicach, ale także na prowincji, we wprowadzeniu do szkolnej edukacji rysunkowej . Wszystko to w połączeniu z pojawieniem się wielu znakomitych dzieł rosyjskich artystów pokazuje, że sztuka zakorzeniła się na ziemi rosyjskiej i stała się narodowa. Nowa rosyjska sztuka narodowa różniła się znacząco tym, że wyraźnie i mocno odzwierciedlała główne tendencje rosyjskiego życia społecznego.
Rosyjscy portreciści pierwszej połowy XIX wieku.
1.1 Orest Adamowicz Kiprensky (1782-1836)
Urodzony w dworze Nieżyńskim (niedaleko Kopory, obecnie w obwodzie leningradzkim) 13 (24) marca 1782 r. Był nieślubnym synem właściciela ziemskiego A.S. Dyakonowa, zarejestrowanego w rodzinie swego poddanego Adama Schwalbe. Po uzyskaniu wolności studiował w petersburskiej Akademii Sztuk (1788–1803) u G. I. Ugryumowa i innych, mieszkał w Moskwie (1809), Twerze (1811), Petersburgu (od 1812) i w 1816 r. –1822 i od 1828 – w Rzymie i Neapolu.
Pierwszy portret – przybrany ojciec A.K. Schwalbe (1804, Muzeum Rosyjskie w Petersburgu) – wyróżnia się emocjonalną kolorystyką. Z biegiem lat doskonalił się kunszt Kiprenskiego, przejawiający się w umiejętności tworzenia nie tylko typów społecznych i duchowych (które dominowały w sztuce rosyjskiej Oświecenia), ale także unikalnych, indywidualnych obrazów. Naturalne jest, że historię romantyzmu w rosyjskiej sztuce pięknej zwyczajowo rozpoczyna się od obrazów Kiprensky’ego.
Rosyjski artysta, wybitny mistrz rosyjskiej sztuki romantycznej, znany jest jako wspaniały portrecista. Portrety Kiprensky'ego przepojone są szczególną serdecznością, szczególną prostotą, przepełnione są jego wzniosłą i poetycką miłością do człowieka. Na portretach Kiprensky'ego zawsze widać cechy jego epoki. Jest to zawsze nieodłącznie związane z każdym z jego portretów - oraz z romantycznym wizerunkiem młodego V.A. Żukowski i mądry E.P. Rostopchin (1809), portrety: D.N. Chwostow (Galeria Trietiakowska 1814), chłopiec Cheliszczew (Galeria Trietiakowska 1809), E.V. Dawidowa (Państwowe Muzeum Rosyjskie z 1809 r.).
Nieocenioną częścią twórczości Kiprensky'ego są portrety graficzne, wykonane głównie ołówkiem z kolorowaniem pastelami, akwarelami i kredkami. Portretuje generała E.I. Chaplitsa (Galeria Trietiakowska), P.A. Dziczyzna (GTG). Na tych obrazach widzimy Rosję, rosyjską inteligencję od Wojny Ojczyźnianej 1812 r. do powstania grudniowego.
Portrety Kiprensky'ego wydają się nam złożone, przemyślane i zmienne w nastroju. Odkrywając różne oblicza ludzkiego charakteru i duchowy świat człowieka, Kiprensky za każdym razem wykorzystywał różne możliwości malarskie w swoich wczesnych portretach romantycznych. Jego arcydzieła, takie jak jeden z najlepszych życiowych portretów Puszkina (1827 Galeria Trietiakowska), portret Awduliny (1822 Państwowe Muzeum Rosyjskie). Smutek i zamyślenie bohaterów Kiprensky'ego są wzniosłe i liryczne.
„Ulubieniec mody lekkoskrzydłej,
Chociaż nie brytyjski, nie francuski,
Stworzyłeś na nowo, drogi czarodzieju,
Ja, ulubieniec czystych muz. –
I śmieję się z mojego grobu
Opuszczony na zawsze z więzów śmiertelnych.
Widzę siebie jak w lustrze,
Ale to lustro mi schlebia.
Mówi, że nie będę poniżać
Pasje ważnych aonidów.
A więc do Rzymu, Drezna, Paryża
Odtąd mój wygląd będzie znany, - 1
Puszkin napisał do Kiprenskiego z wdzięcznością za jego portret. Puszkin cenił swój portret i ten portret wisiał w jego biurze.
Specjalny dział stanowią autoportrety Kiprenskiego (z frędzlami za uchem, ok. 1808, Galeria Trietiakowska itp.), przesiąknięte patosem twórczości. Jest także właścicielem uduchowionych wizerunków poetów rosyjskich: K.N. Batiushkowa (1815, rysunek, Muzeum Instytutu Literatury Rosyjskiej Rosyjskiej Akademii Nauk w Petersburgu, V.A. Żukowskiego (1816). Mistrz był także wirtuozem grafikiem; pracując głównie ołówkiem włoskim, stworzył wiele niezwykłych postaci codziennego użytku (np. Niewidomy muzyk, 1809, Muzeum Rosyjskie). Kiprensky zmarł w Rzymie 17 października 1836 roku.
„Możesz ufać tylko tym portretomW którym model jest prawie niewidoczny,
Ale Artystę widać bardzo wyraźnie.”
Oskara Wilde’a.
Pierwsza połowa XIX wieku w życiu społeczeństwa rosyjskiego była początkowo dramatyczna, ale później także romantyczna. Wydarzenia wojny 1812 r., klęska armii rosyjskiej i zajęcie terytoriów przez Napoleona na początku stulecia, zwycięski marsz przez Europę i przypływ samoświadomości narodowej stały się podstawą późniejszego powstania i rozwoju zainteresowania zrozumieniem konkretnej osoby w ważnych momentach jej życia, w jego wewnętrznym świecie i doświadczeniach. Nieco wcześniej trendy te pojawiły się w Europie i dały początek sztuceromantyzm,co w Rosji nabrało swojej osobliwości: na początku stulecia było bohaterskie, kojarzone z interesować się kulturę i historię narodową, po rodzime talenty. Doprowadziło to do wybitnych osiągnięć w portrecie, które bezpośrednio związały artystę ze społeczeństwem i wybitnymi współczesnymi.
Jednym z najsłynniejszych portrecistów tamtych czasów byłOrest Kiprensky (1782-1836) , w sztuce którego nawet jeden okresodzwierciedlał zarówno cechy klasycyzmu, jak i romantyzmu.
Kiprensky wiódł burzliwe życie, w którym miał wszystko: nieślubną matkę pańszczyźnianą, wymyślone nazwisko, naukę od 6 roku życia w szkole Akademii Sztuk pod kierunkiem Lewickiego, oskarżenie o oszustwo w wieku 22 lat -stary artysta przedstawił portret swojego przybranego ojca we Włoszech (tam początkowo rozważano dzieło nieznanego arcydzieła Rubensa lub Rembrandta).
Był niezwykle przystojny i szalony z pasji, miał szalony temperament i wrażliwość, a także zyskał sławę we Włoszech i Rosji (gdzie nazywano go „Rosjaninem Van Dyckiem”). A potem wszystko się potoczyło: plotki o morderstwie jego modela, przyjęciu katolicyzmu i niepotrzebnym małżeństwie, pijaństwie, biedzie i śmierci z dala od ojczyzny.
Na jego nagrobku w Rzymie widnieje napis: „Pamięci Oresta Kiprenskiego, najsłynniejszego wśród rosyjskich artystów”. (Więcej o jego biografii można przeczytać tutaj:http://art19.info/kiprenskiy/biography.html )
Inny wybitny malarz tamtych czasów,Aleksiej Wenecjanow (1780-1847)
Główne miejsce w dziele zajmowało przedstawienie pracy i życia chłopów, nieco wyidealizowane i wygładzone.
Venetsianov rozpoczął swoją przygodę ze sztuką od lekcji rysunku udzielanych mu przez „wujka” (wychowawcę), zdolnego rysownika. W tamtym czasie, jak pamiętamy, głównym gatunkiem był portret, a młody samouk, po namalowaniu portretu swojej matki, postanowił poświęcić się malarstwu, wyjechał do Petersburga i pracował jako rysownik w dział pocztowy.
Szczęśliwy przypadek uczynił go uczniem Borowikowskiego, stopniowo zyskał sławę i mógł całkowicie poświęcić się malarstwu. Wkrótce po ślubie Venetsianov kupił małą posiadłość i całkowicie zanurzył się w nowym kierunku malarstwa rosyjskiego - portretach i scenach rodzajowych z życia chłopskiego. Jednocześnie odkrył w sobie drugie powołanie - uczyć zdolne dzieci chłopskie malarstwa, a nawet sam kupował kilka, które były poddanymi. W swojej „szkole Venetsianov” wychował ponad 70 zdolnych uczniów.
„Wczesny realizm poetycki Wenecjanowa, który stał się bardzo potrzebnym etapem rozwoju malarstwa rosyjskiego, zabarwił także jego twórczość portretową, wzbogacając w ten sposób cały rosyjski portret tego okresu”.
(http://www.artprojekt.ru/gallery/russian/60.html )
Ostatnie lata jego życia były trudne: żona zmarła na cholerę, brakowało funduszy, córki nie mogły wyjść za mąż, wielu uczniów zdradziło jego ideały i malowało nieprawdopodobne wesołe sceny z życia chłopskiego i zdobione portrety. Artysta zginął w absurdalny i straszny sposób: konie w wozie uciekły, ręce zaplątały mu się w wodze i przez kilka kilometrów wyrzucone z wozu ciało pędziło za nim po kamieniach. (Szczegółową biografię artysty można przeczytać tutaj:http://art19.info/venetsianov/biography.html )
Kolejny wybitny artysta pierwszej połowy XIX wiekuAleksandra Iwanowa (1806-1858)
portret z reguły nie był najważniejszy w pracy, był to szkic pomocniczy do stworzenia dużego płótna historycznego lub historyczno-religijnego. Czy pamiętasz całą salę portretów różnej wielkości i szkiców w Galerii Trietiakowskiej, napisanych przez artystę do głównego obrazu jego życia - „Pojawienie się Chrystusa ludziom”? Niektórzy krytycy sztuki uważają, że szkice przeważyły nad wartością samego obrazu, który okazał się ogromny (5,4 m x 7,5 m), budzący szacunek, malowany przez 20 lat, ale moim zdaniem nie trafiający w duszę. Ale każdy szkic do niego można uznać za kompletny obraz, spójrz na tę głowę, to portret Gogola, tylko z brodą i długimi kręconymi włosami.
Od 25 roku życia aż do niemal końca życia artysta mieszkał we Włoszech, praktycznie w biedzie, a czasem nawet głodując, nie zakładając rodziny, choć żywił wielką miłość do pięknej Włoszki Vittorii Caldoni, która wolała swojego przyjaciela, artysta Łapczenko. (Jest o tym ciekawie napisane tutaj:http://nearyou.ru/ivanov/0vittoria.html .
Nie miał szczęścia do kobiet. Przez około osiem lat mieszkał z jakąś Teresą (jest o niej wzmianka w jego korespondencji), ona zawsze robiła mu sceny i nie raz go okradała. Była jeszcze inna kobieta, w której się zakochał, hrabina Apraksina, ale została wydana za kogoś innego. Wracając do Rosji, Iwanow miesiąc później zaraża się cholerą i umiera.
Szczególne miejsce w portrecie zajmuje twórczość innego rosyjskiego artysty, który często wprowadzał do swoich obrazów portretowych szczegóły gatunkowe. To jest oPaweł Fiedotow (1815-1852)
,
kariera wojskowa, kapitan gwardii, który na rozkaz Mikołaja odszedł ze służby i poświęcił się sztuceI, który przekonał się o wielkich zdolnościach „oficera rysunkowego”. I zaczął rysować jako malarz bitewny, pociągały go sceny bitew na dużą skalę, a także karykatury i karykatury swoich towarzyszy w korpusie kadetów. Fiedotow planował zakończyć służbę wojskową jeszcze przed rozkazem cara, do czego namawiał go także bajkopisarz Kryłow, który widząc jego twórczość radził mu „ujawniać zło rosyjskiego życia i w ten sposób przyczyniać się do jego poprawy”. Wszyscy znacie jego słynne sceny rodzajowe, które cieszyły się dużym zainteresowaniem widza, ale w portretach dał się poznać jako artysta niezwykły, spostrzegawczy i szczery.
Czasami mógł przejść pół miasta za jakimś typem, który mu się podobał, aby lepiej zobaczyć go w ruchu, a następnie przedstawić go w jednej z zaplanowanych scen. Ze swym ordynansem żył bardzo skromnie, czasami nawet żył w biedzie, ale pomagał rodzinie – ojcu i siostrom.
Kres jego krótkiego życia był straszny – zmarł w szpitalu psychiatrycznym, na oddziale dla psychicznie chorych na zapalenie opłucnej, pochowano go tylko przez swojego wiernego ordynariusza, nie powiadomiono nawet przyjaciół. (Szczegółowy życiorys można znaleźć tutaj:http://art19.info/fedotov/biography.html ).
Genialny malarz, wspaniały portrecista, utalentowany monumentalista, znakomity akwarelista, klasycysta i romantyk – wszystkie te epitety nie są przesadzone, gdy mówimy oten artysta.
Sam Bóg nakazał mu zostać artystą, racząc urodzić się w rodzinie artysty i nauczyciela Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, Pawła Brullo. Już w wieku 10 lat wstąpił do Akademii i zadziwił nauczycieli swoim talentem i techniką, łatwością pisania i skutecznością. W 1822 r., dodając „v” do nazwiska, Bryulłow wraz z bratem wyruszyli w podróż po Europie w imieniu Towarzystwa Zachęty Artystów. Jego dzieła, napisane we Włoszech, odniosły wielki sukces i zyskały pochwałę samego Mikołaja I . Maluje na zamówienie dużą liczbę portretów, wykorzystując różnorodne techniki i style artystyczne, od baroku po realizm, wprowadzając codzienne detale i wyposażenie.
Po powrocie do ojczyzny jako znany artysta staje się portrecistą poszukiwanym w wyższych sferach; wielu szlachciców, polityków i pisarzy uważa posiadanie własnego portretu autorstwa Bryulłowa za zaszczyt.
W 1847 roku, po ciężkim przeziębieniu, pogorszył się reumatyzm Bryulłowa i pogorszyła się jego praca, ponieważ od dzieciństwa cierpiał na chorobę serca; za namową lekarzy spędził siedem miesięcy w łóżku, ale nadal pracował.
Na prośbę tych samych lekarzy w 1849 roku Bryullov przeniósł się na Maderę, a następnie do małej miejscowości pod Rzymem, namalował kilka portretów, ale było to już dla niego trudne, a w 1852 roku artysta zmarł, pozostawiając wiele niedokończonych dzieł i szkice w studiu. (Pełną biografię możesz przeczytać tutaj: (http://art19.info/brullov/biography.html ).
Stopniowo zbliżaliśmy się do połowy XIX wieku, kiedy w sztuce rosyjskiej w ogóle, a w malarstwie w szczególności, szykowały się wielkie zmiany, spowodowane zmianami sytuacji w kraju i nastrojów społecznych. „Narodziła się narodowa sztuka realistyczna, której zadaniem było odzwierciedlanie życia społeczeństwa i ludzi…” (http://art19.info/russkaja-zhivopis/articles.html). Choć nie podobają mi się takie definicje, bo uważam je za naciągane, to jestem zdania, że malarstwo (i sztuka w ogóle) nie ma obowiązku „stawiać sobie zadania” odzwierciedlenia czegokolwiek, ale to nie miejsce na ta rozmowa.
Jednym z pierwszych rosyjskich artystów, który poczuł i potrafił przekazać społeczeństwu potrzebę zmian, wezwał do wglądu, zwrócił uwagę na życie ludzi, „odsłaniając”, jak to ujęli krytycy, niesprawiedliwość i ucisk, byłWasilij Perow (1834-1882)
.
Jego nazwisko było początkowo pseudonimem nadanym mu przez nauczyciela gramatyki ze względu na dobrą „umiejętność posługiwania się piórem”, która później stała się jedyną. Był nieślubnym synem barona Kridenera, który wychował go w swojej rodzinie. Perow znany jest głównie ze swoich obrazów gatunkowych, z których niektóre są wyraźnie odkrywcze (na przykład „Trojka”, znana wielu z radzieckiego podręcznika „Mowa rodzima”), ale nas interesują portrety, z których wiele uważa się za arcydzieła gatunek.
„Ten portret jest nie tylko najlepszym portretem Perowa, ale także jednym z najlepszych portretów szkoły rosyjskiej w ogóle. Wyraźnie widać w nim wszystkie atuty artysty: charakter, siłę wyrazu, ogromną ulgę.” Tak opisał tę pracę Iwan Kramskoj. Perow maluje całą serię portretów rosyjskich pisarzy i muzyków, wśród nich wspaniałe portrety Turgieniewa, Rubinsteina, Ostrowskiego.
Artysta Niestierow wspaniale opowiadał o swoich portretach z tamtego okresu: „...Wyrażone tak staroświecką kolorystyką i prostymi wzorami, portrety Perowa przetrwają długo i nie wyjdą z mody, podobnie jak portrety Łukasza Cranacha i starożytne portrety rzeźbiarskie”.
Twórczość ostatnich lat jego krótkiego życia uważa się za niezbyt udaną, a samo jego życie było tragiczne: śmierć żony, strata dwójki starszych dzieci i malejąca konsumpcja. Długą, ciężką i nieuleczalną chorobę w tym czasie pogłębił dur brzuszny i zapalenie płuc, artysta zmarł w wieku 48 lat i został pochowany na cmentarzu klasztoru w Donskoju. (Więcej szczegółów tutaj:http://www.art-portrets.ru/vasiliy-perov.html )
Jednym z najwybitniejszych artystów tamtych czasów, który próbował swoich sił zarówno w gatunkach codziennych, jak i historycznych, ale zasłynął głównie dzięki portretom współczesnych, byłIwan Kramskoj (1837-1887).
Całe jego życie jest całkowitą sprzecznością: był akademikiem, a jednocześnie bojownikiem przeciwko akademizmowi, był zagorzałym wielbicielem Czernyszewskiego, ale malował portrety członków rodziny królewskiej. Artysta, zasłynąwszy z wirtuozowskiego malarstwa portretowego, uważał jednak ten rodzaj malarstwa za ciężar, obowiązek, „nie prawdziwą sztukę”, która pozwala utrzymać rodzinę, ale odrywa go od tego, co go interesuje. chciałbym robić - „poszukiwanie celu ludzkiej egzystencji i rozwiązywanie problemów społeczno-politycznych”. Problemów za pomocą malarstwa”.
A my, potomkowie, mieliśmy szczęście, że aby utrzymać poziom życia rodziny, artysta musiał przyjmować zamówienia na dużą liczbę portretów, dzięki czemu mamy okazję zobaczyć twarze wielu wybitnych ludzi tamtych czasów.
Kramskoj poznał swoją przyszłą żonę, gdy miał 22 lata, była utrzymanką mało znanego artysty, a kiedy wyjechał za granicę, została żoną Kramskoja, urodziła mu 6 dzieci, z których dwoje przeżyło, była jego asystentką i wsparcie nie tylko w życiu codziennym, ale także w działalności prowadzonego przez męża „Artelu Artystów”.
Ostatnie lata życia artysty przyćmiła niekończąca się pogoń za zarobkiem, wymuszona, nudna praca nad portretami na zamówienie, niewykonalność chęci poświęcenia się innym tematom, zły stan zdrowia i bóle serca, które próbował stłumić morfiną. Zmarł przed ukończeniem 50. roku życia podczas pracy nad kolejnym, ostatnim portretem (doktora Rauchfusa) z powodu pękniętego tętniaka aorty, nie można było mu pomóc.
I o innym malarzu francuskiego pochodzenia i niezwykłym zygzakowatym losie,Nicolae Ge (wesoły) (1831-1894)
,
który rozpoczął swoją pracę od tematów ewangelicznych, najpierw zasłynął z obrazów o tematyce historycznej, brał czynny udział w tworzeniu Stowarzyszenia Wystaw Objazdowych z Myasojedowem, udał się na pustynię, aby zajmować się rolnictwem, zaprzyjaźnił się z Lwem Tołstojem i opuścił nas portrety wielu jego wielkich współczesnych. Ciekawostka biograficzna: Ge met Herzen we Włoszech,
namalował swój wspaniały portret i mógł go dostarczyć do Rosji tylko pod przykrywką proroka Mojżesza, ponieważ Herzen żył na wygnaniu, a portret „tego buntownika” mógł zostać zniszczony przez żandarmów na granicy. Od lat osiemdziesiątych XIX wieku Ge stał się nie tylko zwolennikiem Lwa Tołstoja, ale także jego przyjacielem,
przeżywa renesans duchowy, głosi, że uczciwą pracą trzeba żyć, a „sztuką nie można handlować”. Pod koniec życia artysta zajmował się tematem ostatnich dni Chrystusa. Powiedział: „Wstrząśnę ich mózgami w związku z cierpieniem Chrystusa”. Ale jego nowy styl, który przewidywał nadejście ekspresjonizmu, nie został zaakceptowany przez publiczność i krytykę. Nagła śmierć w wieku 63 lat przerwała poszukiwania nowych środków wyrazu, a współcześni nie rozumieli, jakiego „wielkiego przełomu dokonał artysta”.XIX wieku do bolesnej estetyki stulecia następnego.” (Anna wczoraj.
Wstęp
I. Rosyjscy portreciści pierwszej połowy XIX wieku
1.3 Aleksiej Gawrilowicz Wenecjanow (1780-1847)
II. Stowarzyszenie Objazdowych Wystaw Artystycznych
Rozdział IV. Sztuka portretu
Wniosek
Celem tej pracy jest omówienie znaczenia portretu jako jednego z głównych gatunków sztuki, jego roli w kulturze i sztuce tamtych czasów, zapoznanie się z głównymi dziełami artystów, poznanie rosyjskiego portretu malarzy XIX wieku, o ich życiu i twórczości.
W tej pracy przyjrzymy się sztuce portretu w XIX wieku:
Najwięksi mistrzowie sztuki rosyjskiej XIX wieku.
Stowarzyszenie Objazdowych Wystaw Artystycznych.
Co to jest portret?
Historia pojawienia się portretu.
Pierwsza połowa XIX wieku - czas kształtowania się systemu gatunków w malarstwie rosyjskim. W malarstwie drugiej połowy XIX wieku. zwyciężył kierunek realistyczny. Charakter realizmu rosyjskiego określili młodzi malarze, którzy opuścili Akademię Sztuk Pięknych w 1863 roku, buntując się przeciwko wszczepianej w akademii stylistyce klasycystycznej oraz wątkom historyczno-mitologicznym. Artyści ci zorganizowali w 1870 r
Objazdowe partnerstwo wystawowe, którego misją było zapewnienie członkom partnerstwa możliwości wystawiania swoich prac. Dzięki jego działalności dzieła sztuki stały się dostępne dla szerszego kręgu odbiorców. Paweł Michajłowicz Tretiakow (1832-1898) od 1856 r. kolekcjonował dzieła artystów rosyjskich, głównie pieredwiżników, a w 1892 r. przekazał Moskwie swoją kolekcję obrazów wraz z kolekcją swojego brata S.M. Tretiakowa. W gatunku portretów Wędrowcy stworzyli galerię wizerunków wybitnych postaci kulturowych swoich czasów: portret Fiodora Dostojewskiego (1872) autorstwa Wasilija Perowa (1833–1882), portret Mikołaja Niekrasowa (1877–1878) autorstwa Iwana Kramskoja (1837-1887), portret Modesta Musorgskiego (1881) autorstwa Ilji Repina (1844-1930), portret Lwa Tołstoja (1884) autorstwa Nikołaja Ge (1831-1894) i szereg innych. Będąc w opozycji do Akademii i jej polityki artystycznej, Wędrowcy zwrócili się ku tzw. tematy „niskie”; w ich pracach pojawiają się wizerunki chłopów i robotników.
Wzrost i poszerzenie zrozumienia i potrzeb artystycznych znajduje odzwierciedlenie w powstaniu wielu stowarzyszeń artystycznych, szkół, szeregu prywatnych galerii (Galeria Trietiakowska) i muzeów nie tylko w stolicach, ale także na prowincji, we wprowadzeniu do szkolnej edukacji rysunkowej .
Wszystko to w połączeniu z pojawieniem się wielu znakomitych dzieł rosyjskich artystów pokazuje, że sztuka zakorzeniła się na ziemi rosyjskiej i stała się narodowa. Nowa rosyjska sztuka narodowa różniła się znacząco tym, że wyraźnie i mocno odzwierciedlała główne tendencje rosyjskiego życia społecznego.
I. Rosyjscy portreciści pierwszej połowy XIX wiek.
1.1 Orest Adamowicz Kiprensky (1782-1836)
Urodzony w dworze Nieżyńskim (niedaleko Kopory, obecnie w obwodzie leningradzkim) 13 (24) marca 1782 r. Był nieślubnym synem właściciela ziemskiego A.S. Dyakonowa, zarejestrowanego w rodzinie swego poddanego Adama Schwalbe. Po uzyskaniu wolności studiował w petersburskiej Akademii Sztuk (1788-1803) u G.I.Ugryumowa i innych, mieszkał w Moskwie (1809), Twerze (1811), Petersburgu (od 1812) i w 1816 -1822 i od 1828 - w Rzymie i Neapolu.
Pierwszy portret – przybrany ojciec A.K. Schwalbe (1804, Muzeum Rosyjskie w Petersburgu) – wyróżnia się emocjonalną kolorystyką. Z biegiem lat doskonalił się kunszt Kiprenskiego, przejawiający się w umiejętności tworzenia nie tylko typów społecznych i duchowych (które dominowały w sztuce rosyjskiej Oświecenia), ale także unikalnych, indywidualnych obrazów. Naturalne jest, że historię romantyzmu w rosyjskiej sztuce pięknej zwyczajowo rozpoczyna się od obrazów Kiprensky’ego.
Rosyjski artysta, wybitny mistrz rosyjskiej sztuki romantycznej, znany jest jako wspaniały portrecista. Portrety Kiprensky'ego przepojone są szczególną serdecznością, szczególną prostotą, przepełnione są jego wzniosłą i poetycką miłością do człowieka. Na portretach Kiprensky'ego zawsze widać cechy jego epoki. Jest to zawsze nieodłącznie związane z każdym z jego portretów - oraz z romantycznym wizerunkiem młodego V.A. Żukowski i mądry E.P. Rostopchin (1809), portrety: D.N. Chwostow (Galeria Trietiakowska 1814), chłopiec Cheliszczew (Galeria Trietiakowska 1809), E.V. Dawidowa (Państwowe Muzeum Rosyjskie z 1809 r.).
Nieocenioną częścią twórczości Kiprensky'ego są portrety graficzne, wykonane głównie ołówkiem z kolorowaniem pastelami, akwarelami i kredkami. Portretuje generała E.I. Chaplitsa (Galeria Trietiakowska), P.A. Dziczyzna (GTG). Na tych obrazach widzimy Rosję, rosyjską inteligencję od Wojny Ojczyźnianej 1812 r. do powstania grudniowego.
Portrety Kiprensky'ego wydają się nam złożone, przemyślane i zmienne w nastroju. Odkrywając różne oblicza ludzkiego charakteru i duchowy świat człowieka, Kiprensky za każdym razem wykorzystywał różne możliwości malarskie w swoich wczesnych portretach romantycznych. Jego arcydzieła, takie jak jeden z najlepszych życiowych portretów Puszkina (1827 Galeria Trietiakowska), portret Awduliny (1822 Państwowe Muzeum Rosyjskie). Smutek i zamyślenie bohaterów Kiprensky'ego są wzniosłe i liryczne.
„Ulubieniec mody lekkoskrzydłej,
Chociaż nie brytyjski, nie francuski,
Stworzyłeś na nowo, drogi czarodzieju,
Ja, ulubieniec czystych muz. -
I śmieję się z mojego grobu
Opuszczony na zawsze z więzów śmiertelnych.
Widzę siebie jak w lustrze,
Ale to lustro mi schlebia.
Mówi, że nie będę poniżać
Pasje ważnych aonidów.
Odtąd mój wygląd będzie znany, -
Puszkin napisał do Kiprenskiego z wdzięcznością za jego portret. Puszkin cenił swój portret i ten portret wisiał w jego biurze.
Specjalny dział stanowią autoportrety Kiprenskiego (z frędzlami za uchem, ok. 1808, Galeria Trietiakowska itp.), przesiąknięte patosem twórczości. Jest także właścicielem uduchowionych wizerunków poetów rosyjskich: K.N. Batiushkowa (1815, rysunek, Muzeum Instytutu Literatury Rosyjskiej Rosyjskiej Akademii Nauk w Petersburgu, V.A. Żukowskiego (1816). Mistrz był także wirtuozem grafikiem; pracując głównie ołówkiem włoskim, stworzył wiele niezwykłych postaci codziennego użytku (np. Niewidomy muzyk, 1809, Muzeum Rosyjskie). Kiprensky zmarł w Rzymie 17 października 1836 roku.
1.2 Wasilij Andriejewicz Tropinin (1776-1857)
Przedstawiciel romantyzmu w rosyjskiej sztuce pięknej, mistrz portretu. Urodzony we wsi Karpowka (prowincja nowogrodzka) 19 marca (30) 1776 r. w rodzinie poddanych hrabiego A.S. Minicha; później został wysłany do dyspozycji hrabiego II Morkowa jako posag dla córki Minicha. Już jako chłopiec wykazywał się umiejętnością rysowania, ale mistrz wysłał go do Petersburga na studia jako cukiernik. Uczęszczał na zajęcia w Akademii Sztuk Pięknych, najpierw potajemnie, a od 1799 r. – za pozwoleniem Morkowa; Podczas studiów poznał O.A. Kiprensky'ego. W 1804 roku właściciel wezwał młodego artystę do siebie i odtąd mieszkał on na przemian na Ukrainie, w nowym marchwiowym majątku Kukawka, a następnie w Moskwie, na stanowisku malarza pańszczyźnianego, zobowiązanego do jednoczesnego wykonywania polecenia gospodarcze właściciela gruntu. W 1823 r. otrzymał wolność i tytuł akademika, porzucając jednak karierę w Petersburgu, pozostał w Moskwie.
Artysta chłopów pańszczyźnianych, który swoją twórczością wniósł wiele nowości do malarstwa rosyjskiego pierwszej połowy XIX wieku. Otrzymał tytuł akademika i stał się najsłynniejszym artystą moskiewskiej szkoły portretowej lat 20-30. Później kolor obrazu Tropinina staje się ciekawszy, tomy są zwykle rzeźbione wyraźniej i rzeźbiarsko, ale co najważniejsze, czysto romantyczne uczucie poruszającego się elementu życia sugestywnie rośnie, Tropinin jest twórcą specjalnego rodzaju portretu - portretu obraz. Portrety wprowadzające cechy gatunku, obrazy o określonej fabule: „Lacemaker”, „Spinner”, „Gitarzysta”, „Złota krawcowa”.
Najlepsze z portretów Tropinina, m.in. portret jego syna Arsenija (Galeria Trietiakowska 1818), Bułachow (Galeria Trietiakowska 1823). Tropinin w swojej twórczości podąża drogą przejrzystości i równowagi, stosując proste kompozycje obrazów portretowych. Z reguły obraz jest prezentowany na neutralnym tle z minimalną ilością akcesoriów. Dokładnie tak to przedstawił A.S. Tropinin. Puszkin (1827) – siedzący przy stole w swobodnej pozie, ubrany w strój domowy, co podkreśla naturalność jego wyglądu.
Wczesne prace Tropinina charakteryzują się powściągliwą kolorystyką i klasycznie statyczną kompozycją (portrety rodzinne Morków, 1813 i 1815; oba dzieła znajdują się w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie). W tym okresie mistrz stworzył także wyraziste lokalne, małoruskie typy wizerunkowe Ukraińca (lata 1810., Muzeum Rosyjskie, Petersburg). Bułakow, 1823; K.G. Ravich, 1823; oba portrety w Galerii Trietiakowskiej).
Z biegiem lat rola atmosfery duchowej – wyrażonej tłem, znaczącymi szczegółami – tylko wzrasta. Najlepszym przykładem jest Autoportret z pędzlami i paletą 1846, w którym artysta zaprezentował się na tle okna, z którego roztaczał się spektakularny widok na Kreml. Tropinin poświęcił szereg prac kolegom artystom, ukazanym przy pracy lub w kontemplacji (I.P. Vitali, ok. 1833; K.P. Bryullov, 1836; oba portrety w Galerii Trietiakowskiej itp.). Jednocześnie styl Tropinina niezmiennie charakteryzuje się specyficznie intymnym, domowym smakiem. W popularnej „Kobiecie w oknie” (na podstawie poematu M.Yu. Lermontowa „Skarbnik”, 1841) ta wyluzowana szczerość nabiera erotycznego zabarwienia. Późniejsze prace mistrza (Sługa z adamaszkiem liczący pieniądze, lata 50. XIX w., tamże) wskazują na upadek mistrzostwa kolorystycznego, wyprzedzając jednak żywe zainteresowanie dramatyczną codziennością Wędrowców. Ważnym obszarem twórczości Tropinina są także jego ostre szkice ołówkiem. Tropinin zmarł w Moskwie 3 (15) maja 1857 r.
Artysta rosyjski, przedstawiciel romantyzmu (znany przede wszystkim z gatunków wiejskich). Urodzony w Moskwie 7 (18) lutego 1780 r. w rodzinie kupieckiej. W młodości pełnił funkcję urzędnika. Sztukę studiował głównie samodzielnie, kopiując obrazy z Ermitażu. W latach 1807-1811 pobierał lekcje malarstwa u V.L. Borovikovsky'ego. Uważany za twórcę rosyjskiej karykatury drukowanej. Geodeta z wykształcenia, służbę porzucił dla malarstwa. W gatunku portretów stworzył niezwykle poetyckie, liryczne, romantyczne obrazy w pastelach, ołówku i oleju - portret V.S. Putyatina (Galeria Trietiakowska). Do jego najpiękniejszych dzieł tego typu należy jego własny portret (Muzeum Aleksandra III), namalowany bogato i odważnie, w przyjemnych, gęstych szaro-żółtych i żółto-czarnych odcieniach, a także namalowany przez niego portret starego malarza Gołowoczeskiego ( Cesarska Akademia Sztuk).
Venetsianov to mistrz pierwszej klasy i niezwykły człowiek; z czego Rosja powinna być naprawdę dumna. Gorliwie wypatrywał młodych talentów bezpośrednio u ludzi, głównie wśród malarzy, i przyciągał je do siebie. Liczba jego uczniów przekraczała 60 osób.
Podczas Wojny Ojczyźnianej 1812 stworzył serię obrazów propagandowych i satyrycznych na temat powszechnego oporu wobec francuskich okupantów.
Malował portrety, przeważnie niewielkiego formatu, nacechowane subtelną inspiracją liryczną (M.A. Venetsianova, żona artysty, koniec lat 20. XIX w., Muzeum Rosyjskie, St. Petersburg; Autoportret, 1811, Galeria Trietiakowska). W 1819 roku opuścił stolicę i odtąd mieszkał we wsi Safonkowo (prowincja Twerska), którą kupił, zainspirowany otaczającym krajobrazem i wiejskim życiem. Najlepsze obrazy Venetsianova są na swój sposób klasyczne, ukazują tę naturę w stanie wyidealizowanej, oświeconej harmonii; z drugiej strony wyraźnie dominuje w nich pierwiastek romantyczny, urok nie ideałów, ale prostych, naturalnych uczuć na tle rodzimej przyrody i życia codziennego. Jego portrety chłopskie (Zacharka, 1825 czy Chłopka z chabrami, 1839) jawią się jako fragmenty tej samej oświecono-naturalnej, klasyczno-romantycznej idylli.
Nowe poszukiwania twórcze przerwała śmierć artysty: Venetsianov zmarł we wsi Poddubye w Twerze 4 (16) 1847 r. z powodu obrażeń - wyrzucono go z wozu, gdy konie wpadły w poślizg na śliskiej zimowej drodze. System pedagogiczny mistrza, który sprzyjał zamiłowaniu do prostej natury (około 1824 roku stworzył własną szkołę artystyczną), stał się podstawą specjalnej szkoły weneckiej, najbardziej charakterystycznej i oryginalnej ze wszystkich osobistych szkół sztuki rosyjskiej XIX wieku.
1.4 Karol Pawłowicz Bryulłow (1799-1852)
Urodzony 29 listopada (10 grudnia) 1798 r. w rodzinie artysty P.I. Bryullova, brata malarza K.P. Bryullova. Podstawowe wykształcenie otrzymał od ojca, mistrza rzeźby dekoracyjnej, a następnie studiował w Akademii Sztuk Pięknych (1810-1821). Latem 1822 roku wraz z bratem wysłano go za granicę na koszt Towarzystwa Zachęty Sztuki. Odwiedziwszy Niemcy, Francję, Włochy, Anglię i Szwajcarię, w 1830 r. powrócił do Petersburga. Od 1831 – profesor Akademii Sztuk Pięknych. Człowiek o niezwykłym przeznaczeniu, pouczający i oryginalny. Od dzieciństwa otaczają go wrażenia z rosyjskiej rzeczywistości. Tylko w Rosji czuł się jak u siebie, zabiegał o nią i tęsknił za nią w obcym kraju. Bryullov pracował z inspiracją, sukcesem i pasją. W jego warsztacie w ciągu dwóch do trzech miesięcy pojawiły się takie arcydzieła portretu, jak portrety Semenowej, Doktora Orłowa, Nestora i Platona Kukolnika. W portretach Bryullova, wykonanych z bezlitosną prawdą i wyjątkowo dużym kunsztem, widać epokę, w której żył, pragnienie prawdziwego realizmu, różnorodność, naturalność i prostotę przedstawianej osoby.
Po opuszczeniu malarstwa historycznego zainteresowania Bryulłowa skierowały się w stronę portretu, w którym pokazał cały swój twórczy temperament i błyskotliwość umiejętności. Jego genialne płótno dekoracyjne „Jeździec” (Galeria Trietiakowska z 1832 r.), przedstawiające uczennicę hrabiny Yu.P. Samoilova Giovanina Paccini. Portret samej Samoilovej z inną uczennicą - Amatsilią (Muzeum Rosyjskie 1839). W osobie pisarza Strugowszczykowa (Galeria Trietiakowska z 1840 r.) można odczytać napięcie życia wewnętrznego. Autoportret (Galeria Trietiakowska 1848) - niestety szczupła twarz o przenikliwym spojrzeniu. Bardzo realistyczny portret księcia Golicyna spoczywającego na fotelu w swoim gabinecie.
Bryullov posiadający potężną wyobraźnię, bystre oko i wierną rękę. Zrodził istoty żywe, zgodne z kanonami akademizmu.
Odchodząc stosunkowo wcześnie od pracy praktycznej, mistrz aktywnie zaangażował się w działalność dydaktyczną Akademii Sztuk Pięknych (od 1831 r. – profesor). Pozostawił także bogate dziedzictwo graficzne: liczne portrety (E.P. Bakunina, 1830–1832; N.N. Puszkina, żona wielkiego poety; A.A. Perowski, 1834; wszystko w akwareli itp.), ilustracje itp. d; tutaj romantyczne cechy jego talentu objawiły się jeszcze bardziej bezpośrednio niż w architekturze. Zmarł 9 (21) stycznia 1887 w Petersburgu.
Inspirującym przykładem partnerstwa był „St. Petersburg Artel Artystów”, założony w 1863 r. przez uczestników „buntu czternastu” (IN. Kramskoj, A.I. Korzukhin, K.E. Makovsky itp.) - absolwentów Akademii of Arts, którzy buntowniczo ją opuścili po tym, jak rada Akademii zabroniła im napisania obrazu konkursowego na wolnej działce zamiast oficjalnie proponowanego tematu z mitologii skandynawskiej. Stając w obronie ideologicznej i ekonomicznej wolności twórczości, „robotnicy artelu” zaczęli organizować własne wystawy, jednak na przełomie lat 60. i 70. XIX w. ich działalność praktycznie spełzła na niczym. Nową zachętą było odwołanie się do Artela (w 1869 r.). Za odpowiednim zezwoleniem we wszystkich miastach imperium organizowane są objazdowe wystawy sztuki w następujący sposób: a) zapewnienie mieszkańcom prowincji możliwości zapoznania się ze sztuką rosyjską i śledzenia jej sukcesów; b) rozwijanie w społeczeństwie miłości do sztuki; oraz c) ułatwianie artystom promowania swoich dzieł.” Tak więc po raz pierwszy w sztukach pięknych Rosji (z wyjątkiem Artela) powstała potężna grupa artystyczna, nie tylko koło przyjacielskie czy prywatna szkoła, ale duża społeczność podobnie myślących ludzi, która zamierzała (wbrew nakazów Akademii Sztuk Pięknych) nie tylko wyrazić, ale także samodzielnie określić proces rozwoju kultury artystycznej w całym kraju.
Teoretycznym źródłem twórczych idei „Wędrowców” (wyrażonych w ich korespondencji, a także w krytyce tamtych czasów - przede wszystkim w tekstach Kramskoja i przemówieniach V.V. Stasowa) była estetyka romantyzmu filozoficznego. Sztuka nowa, wyzwolona z kanonów akademickiej klasyki. Tak naprawdę otwórz sam bieg historii, skutecznie przygotowując w ten sposób przyszłość w swoich obrazach. „Wędrowcy” stanowili takie artystyczne i historyczne „lustro” przede wszystkim dla nowoczesności: centralne miejsce na wystawach zajmowały motywy gatunkowe i codzienne, Rosja w jej wielostronnej codzienności. Zasada gatunku nadawała ton portretom, pejzażom, a nawet obrazom z przeszłości, jak najbliżej duchowych potrzeb społeczeństwa. W tradycji późniejszej, w tym sowieckiej, która tendencyjnie wypaczała pojęcie „realizmu pieredwiżnickiego”, sprawa sprowadzała się do podmiotów społecznie krytycznych, rewolucyjno-demokratycznych, których rzeczywiście było niemało. Ważniejsze jest, aby pamiętać o bezprecedensowej roli analitycznej, a nawet wizjonerskiej, jaką nadano tu nie tyle osławionym kwestiom społecznym, ile sztuce jako takiej, tworzącej swój własny suwerenny sąd nad społeczeństwem i tym samym oddzielającej się na własne, idealnie samowystarczalne królestwo artystyczne. Narastająca z biegiem lat suwerenność estetyczna stała się bezpośrednim progiem rosyjskiej symboliki i nowoczesności.
Na wystawach regularnych (w sumie 48), które pokazywano najpierw w Petersburgu i Moskwie, a następnie w wielu innych miastach imperium, od Warszawy po Kazań i od Nowogrodu po Astrachań, z biegiem lat można było zobaczyć coraz więcej przykładów nie tylko stylistyki romantyczno-realistycznej, ale także modernistycznej. Trudne stosunki z Akademią ostatecznie zakończyły się kompromisem, gdyż już pod koniec XIX wieku. (zgodnie z życzeniem Aleksandra III, aby „zaprzestać podziałów między artystami”), znaczna część najbardziej autorytatywnych Wędrowców znalazła się w gronie kadry akademickiej. Na początku XX wieku. W Partnerstwie nasiliły się tarcia między innowatorami a tradycjonalistami, Pieriewiżnicy nie reprezentowali już, jak sami byli przyzwyczajeni, wszystkiego, co artystyczne i zaawansowane w Rosji. Społeczeństwo szybko traciło wpływy. W 1909 roku ustały jego wystawy prowincjonalne. Ostatni, znaczący wzrost aktywności nastąpił w 1922 r., kiedy towarzystwo przyjęło nową deklarację, wyrażającą chęć odzwierciedlenia życia współczesnej Rosji.
Rozdział III. Rosyjscy portreciści drugiej połowy XIX wieku
3.1 Nikołaj Nikołajewicz Ge (1831-1894)
Rosyjski artysta. Urodzony w Woroneżu 15 lutego (27) 1831 r. w rodzinie ziemianina. Studiował na wydziałach matematycznych uniwersytetów w Kijowie i Petersburgu (1847–1850), następnie wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych, którą ukończył w 1857 r. Duży wpływ na niego mieli K.P. Bryullow i A.A. Iwanow. Mieszkał w Rzymie i Florencji (1857-1869), w Petersburgu, a od 1876 r. - w folwarku Iwanowskich w guberni czernihowskiej. Był jednym z założycieli Stowarzyszenia Wędrowców (1870). Zrobiłem dużo malarstwa portretowego. Pracę nad portretami rozpoczął jeszcze podczas studiów na Akademii Sztuk Pięknych. Przez wiele lat twórczości malował wielu swoich współczesnych. Były to przeważnie czołowe osobistości kultury. JA. Saltykov – Szczedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tołstoj i inni Ge jest właścicielem jednego z najlepszych portretów A.I. Herzen (1867, Galeria Trietiakowska) - wizerunek rosyjskiego rewolucjonisty, zagorzałego bojownika przeciwko autokracji i pańszczyźnie. Ale intencja malarza nie ogranicza się do przekazania podobieństwa zewnętrznego. Twarz Hercena, jakby wyrwana z mroku, odzwierciedlała jego myśli i niezachwianą determinację bojownika o sprawiedliwość społeczną. Ge uchwyciła na tym portrecie duchową postać historyczną, ucieleśniającą doświadczenie całego jej życia, pełnego zmagań i niepokojów.
Jego dzieła różnią się od dzieł Kramskoja emocjonalnością i dramatyzmem. Portret historyka N.I. Kostomarow (1870, Galeria Trietiakowska) jest napisany niezwykle pięknie, z temperamentem, świeżo, swobodnie. Autoportret powstał na krótko przed śmiercią (1892-1893, KMRI), a twarz mistrza jaśnieje twórczą inspiracją. Portret N. I. Petrunkevicha (1893) został namalowany przez artystę pod koniec jego życia. Dziewczyna jest przedstawiona prawie w pełnym rozwoju w pobliżu otwartego okna. Jest pochłonięta czytaniem. Jej twarz z profilu, przechylenie głowy i postawa wyrażają stan zamyślenia. Jak nigdy dotąd Ge przywiązywał dużą wagę do tła. Harmonia kolorów świadczy o niewykorzystanych siłach artysty.
Od lat osiemdziesiątych XIX wieku Ge stał się bliskim przyjacielem i naśladowcą Lwa Tołstoja. Chcąc podkreślić ludzką treść kazania ewangelicznego, Ge przechodzi do coraz bardziej swobodnego stylu pisania, wyostrzając do granic możliwości kolory i kontrasty świetlne. Mistrz malował wspaniałe portrety, pełne wewnętrznej duchowości, w tym stojący na biurku portret Lwa Tołstoja (1884). Na obrazie N.I. Petrunkewicza na tle okna otwartego na ogród (1893; oba portrety w Galerii Trietiakowskiej). Ge zmarł na farmie Iwanowskiego (prowincja Czernigow) 1 czerwca (13) 1894 r.
3.2 Wasilij Grigoriewicz Perow (1834-1882)
Urodzony w Tobolsku 21 lub 23 grudnia 1833 r. (2 lub 4 stycznia 1834 r.). Był nieślubnym synem miejscowego prokuratora, barona G.K. Kridenera, a nazwisko „Perov” nadał przyszłemu artyście jako przydomek jego nauczyciel umiejętności czytania i pisania, zwykły kościelny. Studiował w Szkole Malarstwa Arzamasa (1846-1849) oraz Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury (1853-1861), gdzie jednym z jego mentorów był S.K. Zaryanko. Szczególny wpływ na niego wywarł P.A. Fiedotow, mistrz grafiki satyrycznej czasopism, a wśród mistrzów zagranicznych – W. Hogarth i malarze gatunkowi szkoły düsseldorfskiej. Mieszkał w Moskwie. Był jednym z członków-założycieli Stowarzyszenia Wędrowców (1870).
Najlepsze prace portretowe mistrza pochodzą z przełomu lat 60. i 70. XX w.: F.M. Dostojewski (1872, Galeria Trietiakowska) A.N. Ostrovsky (1871, Galeria Trietiakowska), I.S. Turgieniew (1872, Muzeum Rosyjskie). Dostojewski jest szczególnie wyrazisty, całkowicie pogrążony w bolesnych myślach, nerwowo splatający ręce na kolanie, obraz najwyższego intelektu i duchowości. Szczery romans gatunkowy zamienia się w symbolikę przesiąkniętą żałobnym poczuciem słabości. Portrety mistrza (V.I. Dal, A.N. Maikov, M.P. Pogodin, wszystkie portrety - 1872), osiągające duchową intensywność niespotykaną w malarstwie rosyjskim. Nie bez powodu portret F.M. Dostojewskiego (1872) słusznie uważany jest za najlepszy w ikonografii wielkiego pisarza.
W ostatnich dziesięcioleciach życia artysta odkrył niezwykły talent pisarza i eseisty (opowiadania Ciocia Marya, 1875; Pod krzyżem, 1881; i inne; najnowsze wydanie - Opowieści artysty, M., 1960). W latach 1871–1882 Perow wykładał w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury, gdzie wśród jego uczniów byli N.A. Kasatkin, S.A. Korovin, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin. Perow zmarł we wsi Kuzminki (w tamtych latach pod Moskwą) 29 maja (10 czerwca) 1882 r.
3.3 Nikołaj Aleksandrowicz Jaroszenko (1846-1898)
Urodzony w Połtawie 1 grudnia (13) 1846 r. w rodzinie wojskowej. Ukończył Akademię Artylerii Michajłowskiego w Petersburgu (1870), służył w Arsenale, a w 1892 przeszedł na emeryturę w stopniu generała dywizji. Studiował malarstwo w Szkole Rysunkowej Towarzystwa Zachęty Sztuk pod kierunkiem I.N. Kramskoja oraz w Akademii Sztuk Pięknych (1867-1874). Dużo podróżował - po krajach Europy Zachodniej, Bliskiego i Środkowego Wschodu, Uralu, Wołgi, Kaukazu i Krymu. Był członkiem (od 1876 r.) i jednym z przywódców Towarzystwa Wędrowców. Mieszkał głównie w Petersburgu i Kisłowodzku.
Jego prace można nazwać portretami - takimi jak „Stoker” i „Więzień” (1878, Galeria Trietiakowska). „Stoker” to pierwszy wizerunek robotnika w malarstwie rosyjskim. „Więzień” to obraz aktualny w latach burzliwego populistycznego ruchu rewolucyjnego. „Studentka” (1880, Muzeum Rosyjskie) młoda dziewczyna z książkami spaceruje po mokrym petersburskim chodniku. W tym obrazie znalazła wyraz cała epoka walki kobiet o niezależne życie duchowe.
Jaroszenko był inżynierem wojskowym, dobrze wykształconym i o silnym charakterze. Artysta Pieredwiżników swoją sztuką służył ideałom rewolucyjnym i demokratycznym. Mistrz gatunku społecznego i portretu w duchu „Wędrowców”. Wyspa zasłynęła wyrazistymi kompozycjami malarskimi, odwołującymi się do współczucia dla świata wykluczonych społecznie. Szczególny rodzaj niespokojnego, „świadomego” wyrazu ożywia najlepsze portrety Jaroszenki (P.A. Strepetova, 1884, ibid.; G.I. Uspienski, 1884, Galeria Sztuki, Jekaterynburg; N.N.Ge, 1890, Muzeum Rosyjskie, St. Petersburg ). Jaroszenko zmarł w Kisłowodzku 25 czerwca (7 lipca) 1898 r.
3.4 Iwan Nikołajewicz Kramskoj (1837-1887)
Urodzony w obwodzie woroneskim w rodzinie drobnego urzędnika. Od dzieciństwa interesuję się sztuką i literaturą. Po ukończeniu szkoły rejonowej w 1850 r. pracował jako skryba, następnie retuszer u fotografa. W 1857 znalazł się w Petersburgu i pracował w studiu fotograficznym. Jesienią tego samego roku wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych.
Dominującym obszarem osiągnięć artystycznych Kramskoya pozostał portret. Kramskoy w gatunku portretów zajmuje wzniosła, wysoce duchowa osobowość. Stworzył całą galerię obrazów najważniejszych postaci kultury rosyjskiej - portrety Saltykowa - Szczedrina (1879, Galeria Trietiakowska), N.A. Niekrasowa (1877, Galeria Trietiakowska), L.N. Tołstoj (1873, Galeria Trietiakowska), P.M. Tretiakow (1876, Galeria Trietiakowska), I.I. Shishkina (1880, Muzeum Rosyjskie), D.V. Grigorowicz (1876, Galeria Trietiakowska).
Styl artystyczny Kramskoja charakteryzuje się pewną suchością protokołu, monotonią form i schematów kompozycyjnych, ponieważ portret wykazuje cechy pracy retuszera w młodości. Portret A.G. jest inny. Litowczenko (1878, Galeria Trietiakowska) z jego malowniczym bogactwem i pięknem odcieni brązu i oliwki. Powstały także zbiorowe dzieła chłopów: „Leśniczy” (1874, Galeria Trietiakowska), „Mina Moiseev” (1882, Muzeum Rosyjskie), „Chłop z uzdą” (1883, KMRI). Kramskoy wielokrotnie zwracał się ku formie malarstwa, w której zetknęły się dwa gatunki - portret i życie codzienne. Na przykład dzieła z lat 80.: „Nieznany” (1883, Galeria Trietiakowska), „Niepocieszony żal” (1884, Galeria Trietiakowska). Jednym ze szczytów twórczości Kramskoja jest portret Niekrasowa, Autoportret (1867, Galeria Trietiakowska) i portret agronoma Wiunnikowa (1868, Muzeum BSRR).
W latach 1863–1868 Kramskoy wykładał w Szkole Rysunkowej Towarzystwa Zachęty Artystów. W 1870 r. Kramskoy został jednym z założycieli TPHV. Malując portret Kramskoy częściej uciekał się do technik graficznych (przy użyciu brzeczki, wybielacza i ołówka). Tak powstały portrety artystów AI. Morozowa (1868), G.G. Myasoedova (1861) - Państwowe Muzeum Rosyjskie. Kramskoy to artysta o wielkim temperamencie twórczym, myśliciel głęboki i oryginalny. Zawsze walczył o zaawansowaną sztukę realistyczną, o jej treści ideologiczne i demokratyczne. Pracował owocnie jako nauczyciel (w Szkole Rysunku Towarzystwa Zachęty Sztuki, 1863-1868). Kramskoj zmarł w Petersburgu 24 marca (5 kwietnia) 1887 r.
3,5 Ilja Efimowicz Repin (1844-1930)
Urodzony w Czuguewie w prowincji Charków w rodzinie osadnika wojskowego. Początkową edukację artystyczną pobierał w szkole typografów oraz u lokalnych artystów I.M. Bunakova i L.I. Persanowa. W 1863 przybył do Petersburga i studiował w Szkole Rysunkowej Towarzystwa Zachęty Artystów pod kierunkiem R.K. Żukowski i I.N. Kramskoy, następnie został przyjęty do Akademii Sztuk Pięknych w 1864 roku.
Repin jest jednym z najlepszych portrecistów swojej epoki. Stworzył całą galerię obrazów swoich współczesnych. Z jaką umiejętnością i siłą zostały uchwycone na jego płótnach. W portretach Repina wszystko jest przemyślane do ostatniego zagięcia, każda cecha jest wyrazista. Repin miał największą artystyczną zdolność wnikania w samą istotę cech psychologicznych, kontynuując tradycje Perowa, Kramskoja i Ge, pozostawił wizerunki znanych pisarzy, kompozytorów i aktorów, którzy gloryfikowali kulturę rosyjską. W każdym indywidualnym przypadku odnajdywał odmienne rozwiązania kompozycyjne i kolorystyczne, dzięki którym mógł w najbardziej wyrazisty sposób oddać wizerunek osoby ukazanej na portrecie. Jak ostro chirurg Pirogov mruży oczy. Żałośnie piękne oczy artystki Strepetowej (1882, Galeria Trietiakowska) rzucają się i jak malowana jest ostra, inteligentna twarz artysty Myasojedowa, zamyślonego Tretiakowa. „Protodiakon” (minister kościoła 1877, Muzeum Rosyjskie) napisał z bezlitosną prawdą. Napisane z ciepłem przez chorego M.P. Musorgskiego (1881, Galeria Trietiakowska), na kilka dni przed śmiercią kompozytora. Portrety młodego Gorkiego, mądrego Stasowa (1883, Państwowe Muzeum Rosyjskie) i innych są wykonane z sercem. „Jesienny bukiet” (1892, Galeria Trietiakowska) to portret córki Wiery, jak słonecznie świeci twarz córki artysty ciepły cień słomkowego kapelusza. Z wielką miłością Repin pokazał twarz atrakcyjną młodością, radością i zdrowiem. Połacie pól, wciąż kwitnące, choć dotknięte zażółceniem trawy, zielenią drzew i przejrzystością powietrza, wnoszą do pracy orzeźwiający nastrój.
Portret był nie tylko wiodącym gatunkiem, ale także podstawą twórczości Repina w ogóle. Pracując nad dużymi płótnami, systematycznie sięgał po szkice portretowe, aby określić wygląd i cechy charakterystyczne postaci. To portret Dzwonnika powiązany z obrazem „Procesja religijna w guberni kurskiej” (1880–1883, Galeria Trietiakowska). Od garbusa Repin uparcie podkreślał prozaiczną naturę, nędzę ubrań garbusa i cały jego wygląd, bardziej zwyczajność postaci niż jej tragedię i samotność.
Znaczenie Repina w historii sztuki rosyjskiej jest ogromne. Jego portrety szczególnie odzwierciedlały jego bliskość z wielkimi mistrzami przeszłości. W portretach Repin osiągnął najwyższy punkt swojej mocy malarskiej.
Portrety Repina są zaskakująco atrakcyjne pod względem lirycznym. Tworzy przejmujące typy ludowe, liczne doskonałe wizerunki postaci kultury i pełne wdzięku portrety społeczne (Baronowa V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Obrazy krewnych artysty są szczególnie kolorowe i szczere: cała seria obrazów z żoną Repina, N.I. Nordmanem-Severovą. Mistrzowskie są także jego portrety czysto graficzne, wykonane ołówkiem grafitowym lub węglem (E. Duse, 1891; Księżniczka M.K. Tenisheva, 1898; V.A. Serov, 1901). Repin dał się także poznać jako wybitny pedagog: był profesorem-kierownikiem warsztatu (1894-1907) i rektorem (1898-1899) Akademii Sztuk Pięknych, a jednocześnie wykładał w szkole-warsztacie Teniszewy.
Po rewolucji październikowej 1917 artysta został oddzielony od Rosji, gdy Finlandia uzyskała niepodległość, nigdy nie przeprowadził się do ojczyzny, choć utrzymywał kontakty z mieszkającymi tam przyjaciółmi (w szczególności z K.I. Czukowskim). Repin zmarł 29 września 1930 r. W 1937 r. Czukowski opublikował zbiór swoich wspomnień i artykułów o sztuce (Far Close), który następnie był kilkakrotnie wznawiany.
3.6 Walentin Aleksandrowicz Sierow (1865-1911)
Urodzony w Petersburgu w rodzinie kompozytora A.N. Serowa. Od dzieciństwa V.A. Serow był otoczony sztuką. Nauczycielem był Repin. Sierow od wczesnego dzieciństwa pracował w pobliżu Repina i bardzo szybko odkrył talent i niezależność. Repin wysyła go do Akademii Sztuk Pięknych do P.P. Czistyakow. Młody artysta zdobył szacunek, a jego talent wzbudził podziw. Sierow napisał „Dziewczynę z brzoskwiniami”. Pierwsze duże dzieło Serowa. Pomimo niewielkich rozmiarów obraz wydaje się bardzo prosty. Jest napisany w odcieniach różu i złota. Za ten obraz otrzymał nagrodę Moskiewskiego Towarzystwa Miłośników Sztuki. W następnym roku Sierow namalował portret swojej siostry Marii Simonowicz, a następnie nazwał go „Dziewczyną oświetloną przez słońce” (1888). Dziewczyna siedzi w cieniu, a promienie porannego słońca oświetlają polanę w tle.
Serow stał się modnym portrecistą. Przed nim pozowali znani pisarze, arystokraci, aktorzy, artyści, przedsiębiorcy, a nawet królowie. W wieku dorosłym Sierow nadal pisał do krewnych i przyjaciół: Mamontowa, Lewitana, Ostroukowa, Chaliapina, Stanisławskiego, Moskwina, Leńskiego. Sierow wykonał rozkazy koronowanego Aleksandra III i Mikołaja II. Cesarz jest przedstawiony w prostej marynarce Pułku Preobrażeńskiego; obraz ten (zniszczony w 1917 r., ale zachowany w autorskiej replice z tego samego roku; Galeria Trietiakowska) uznawany jest często za najlepszy portret ostatniego Romanowa. Mistrz malował zarówno utytułowanych urzędników, jak i biznesmenów. Nad każdym portretem Sierow pracował aż do wyczerpania, z całkowitym poświęceniem, jakby rozpoczęta przez niego praca była jego ostatnią pracą. Wrażenie spontanicznego, lekkiego artyzmu w obrazach Serowa pogłębiało się dzięki swobodnej pracy w szerokiej gamie technik (akwarela , gwasz, pastel), ograniczając do minimum lub całkowicie eliminując różnicę pomiędzy szkicem a obrazem. Czarno-biały rysunek był zawsze równym rodzajem twórczości mistrza (samoistna wartość tego ostatniego utrwaliła się w jego twórczości od 1895 r., kiedy Sierow wykonał serię szkiców zwierząt, pracując nad ilustracją bajek I.A. Kryłowa).
Na przełomie XIX i XX w. Sierow staje się być może pierwszym portrecistą w Rosji, jeśli pod tym względem jest gorszy od kogokolwiek, to tylko od Repina. Wydaje się, że najlepiej radzi sobie z wizerunkami intymno-lirycznymi, kobiecymi i dziecięcymi (N.Ya. Derviz z dzieckiem, 1888-1889; Mika Morozow, 1901; oba portrety - Galeria Trietiakowska) lub wizerunkami ludzi twórczych (A. Masini, 1890; K.A. Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; N.A. Leskov, 1894; wszystko w tym samym miejscu), gdzie barwna impresja, swobodne pociągnięcie pędzla odzwierciedla stan ducha modelki. Ale jeszcze bardziej oficjalne, świeckie portrety organicznie łączą subtelny kunszt z nie mniej subtelnym darem artysty-psychologa. Do arcydzieł „świeckiego” Sierowa należą hrabia F.F. Sumarokov-Elston (późniejszy książę Jusupow), 1903, Muzeum Rosyjskie; GL Girshman, 1907; VOGirshman, 1911; I.A.Morozow, 1910; Księżniczka OK Orłowa, 1911; wszystko tam jest).
W portretach mistrza tych lat całkowicie dominowała secesja z kultem mocnej i elastycznej linii, monumentalnym, chwytliwym gestem i pozą (M. Gorky, 1904, Muzeum A.M. Gorkiego, Moskwa; M.N. Ermolova, 1905; F.I. . Czaliapin, węgiel, kreda, 1905; oba portrety znajdują się w Galerii Trietiakowskiej; Ida Rubinstein, tempera, węgiel, 1910, Muzeum Rosyjskie). Sierow pozostawił wdzięczną pamięć o sobie jako nauczycielu (w latach 1897-1909 wykładał w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury, gdzie jego uczniami byli K.F. Yuon, N.N. Sapunov, P.V. Kuzniecow, M. S. Saryan, K. S. Petrov- Wódkina). Sierow zmarł w Moskwie 22 listopada (5 grudnia) 1911 r.
rozdział. Sztuka portretu
Portret jest znaczącym i ważnym gatunkiem w sztuce. Samo słowo „portret” wywodzi się ze starego francuskiego słowa „pourtrait”, które oznacza: obraz cechy; sięga także do łacińskiego czasownika „protrahere” – czyli „wyciągać”, „odkrywać”; później - „przedstawić”, „portret”. W języku rosyjskim słowo „portret” odpowiada słowu „podobny”.
W sztuce pięknej, do której pierwotnie należy to określenie, portret oznacza obraz konkretnej osoby lub grupy osób, w którym przekazywany i odtwarzany jest indywidualny wygląd osoby, ujawnia się jej wewnętrzny świat i istota jego charakteru.
Głównym tematem malarstwa jest wizerunek człowieka. Jego studiowanie rozpoczyna się od badań głowy. Wszelkie formalne obrazy podporządkowane są kreacji obrazu, przekazowi stanu psychicznego człowieka. W malarstwie przedstawienie ludzkiej głowy z życia musi odpowiadać naszej zwykłej trójwymiarowej wizji i rozumieniu otaczającego nas świata.
Techniki malowania głowy w rosyjskiej szkole akademickiej pierwszej połowy XIX wieku kontynuują tradycję rzeźbienia formy za pomocą mocnych i gorących cieni. Metody akademickie możemy ocenić, biorąc pod uwagę prace O. Kiprensky'ego, K. Bryullova, A. Iwanowa. Nie można uważać technik akademickich za te same dla wszystkich artystów, jednak tym, co łączy studentów akademii, jest dyscyplina formy.
Portret można uznać za w pełni zadowalający, gdy oddane zostaną cechy intymne i osobiste portretowanej osoby, gdy oryginał zostanie wiernie odtworzony, ze wszystkimi cechami jej wyglądu i wewnętrznego, indywidualnego charakteru, w jej najbardziej znanej pozie, z najbardziej charakterystycznym wyrazem twarzy . Spełnienie tego wymogu należy do zadań sztuki i może prowadzić do wysoce artystycznych rezultatów, jeśli wykonają je utalentowani rzemieślnicy, którzy w reprodukcję rzeczywistości włożą swój osobisty gust i wyczucie natury.
Malarstwo to przede wszystkim obraz formy i objętości. Dlatego kształt jest często wstępnie opracowany w jednym kolorze z dokładnie wszystkimi szczegółami. Następnie światła pomalowano na zimno, grubo i teksturowo; cienie są gorące, transparentne, przy użyciu lakierów, olejów, żywic. Wszystko to dotyczy malarstwa olejnego. Akwarele tamtych czasów były jedynie przyciemnianymi rysunkami, a temperą używano do obrazów kościelnych, które były dalekie od życia.
W malarstwie akademickim ogromne znaczenie miała kolejność prac i system. Glazury, suche i mokre, nadawały głowie ostateczny kształt, kolor i wyraz. Ale pewnie niektórzy szefowie K.P. Bryullov malował od razu, zachowując ścisłe modelowanie, zimne światła i gorące cienie. Te same gorące cienie leżą na portretach I. N. Kramskoya. Ich zaczerwienienie łagodzi zazwyczaj rozproszone muzealne światło. Ale jeśli promień słońca padnie na portret, będziesz zdumiony względną jasnością czerwonych cieni.
Największą uwagę na znaczenie ciepłego i zimnego światła w rzeźbieniu żywej głowy przywiązywali impresjoniści. Albo światła są zimne, a cienie ciepłe, albo odwrotnie. W każdym modelu warunki sytuacji dobierane są na podstawie karnacji i ubioru ogólnego wyglądu. Aby stworzyć ciekawe oświetlenie, stosuje się ekrany - karton, płótno, papier. Ekran może przyciemnić część tła lub ubrania, dzięki czemu Twoja twarz będzie lepiej widoczna.
Zachowanie szkicu przygotowawczego M. A. Vrubela do portretu N. I. Zabeli - Vrubela, w którym ołówkiem narysowano granice wszystkich zmian kolorów. Powierzchnia twarzy jest podzielona na bardzo małe obszary, niczym mozaika. Jeśli wypełnisz każdy z nich odpowiednim kolorem, portret będzie gotowy.
Obraz portretowy odzwierciedla nie tylko modelkę, ale także samego artystę. Dlatego autor jest rozpoznawalny po swoich dziełach. Ta sama osoba wygląda zupełnie inaczej na portretach różnych artystów. Przecież każdy z nich wnosi do portretu swój własny stosunek do modela, do świata, własne uczucia i myśli, swój własny sposób widzenia i odczuwania, swoją własną mentalność, swój własny światopogląd. Artysta nie tylko kopiuje modelkę, nie tylko odtwarza jej wygląd - przekazuje swoje wrażenia na jej temat, przekazuje, wyraża swoje wyobrażenie o niej.
Gatunek portretu zajmował duże miejsce w systemie nauczania akademickiego, ponieważ nauczyciele początku XIX wieku właśnie w przedstawieniu osoby widzieli sposób bezpośredniego odwołania artysty do natury.
W miarę rozwoju i utrwalania się tendencji demokratycznych w sztuce rosyjskiej w procesie rozwiązywania wspólnych problemów twórczych, obserwuje się zbieżność poszukiwań w różnych gatunkach, a zwłaszcza w portrecie.
Praca nad portretem wprowadza artystę w bliski kontakt z przedstawicielami różnych warstw społecznych współczesnego społeczeństwa, a praca z życia znacząco poszerza i pogłębia zrozumienie psychologii ucieleśnionych obrazów na obrazie. Portrety wzbogacone są typowo ludowymi wizerunkami. Pogłębiają się cechy psychologiczne osoby przedstawionej na portrecie, jej zrozumienie moralne i społeczne. W portrecie szczególnie wyczuwalny jest charakterystyczny dla Wędrowców krytyczny stosunek do życia, ale także poszukiwanie pozytywnego wizerunku, które najmocniej objawia się w wizerunkach przedstawicieli inteligencji.
Sztuka rosyjska ma bogatą tradycję realistycznego portretu sięgającą XVIII wieku, która pozostawiła po sobie znaczące dziedzictwo. Rozwinęły się one owocnie w pierwszej połowie XIX wieku. W tych epokach to portret, stosunkowo wolny od mocy kanonów, pod względem realistycznej kompletności swoich obrazów wyprzedził zarówno malarstwo przedmiotowo-historyczne, jak i codzienne, które stawiało dopiero pierwsze kroki w języku rosyjskim sztuka.
Najlepsi portreciści XVIII i pierwszej połowy XIX wieku przekazują nam typowe cechy swoich współczesnych. Jednak zadania typizacji przy zachowaniu jednostki w obrazie człowieka popadły w tych portretach w konflikt z dominującą koncepcją klasyczną, w której typowość rozumiana była jako abstrakcja od jednostki. W portrecie wędrownym spotykamy odwrotne rozumienie typowości: im głębsza penetracja indywidualności człowieka, tym bardziej szczegółowy i żywy jest odtwarzany jego obraz, tym wyraźniej pojawiają się ogólne cechy, które rozwinęły się pod wpływem pewnych warunków życia w jego portrecie.
Bibliografia
- Aleshina L.S. Sztuka rosyjska XIX - początku XX wieku - M., „Iskusstvo” 1972.
- Benoit A. Historia malarstwa rosyjskiego w XIX wieku - M., „Republika” 1999.
- Gomberg - Verzhbitskaya E.P. Pieredwiżniki: książka o mistrzach rosyjskiego malarstwa realistycznego od Perowa do Lewitana - M., 1961.
- Ilyina T.V. Historia sztuki. Sztuka domowa - M., „Szkoła Wyższa”, 2005.
- Sztuka portretu. Kolekcja - M., 1928.
- Krótki słownik terminów artystycznych.
- Lichaczew D.S. Sztuka rosyjska od starożytności do awangardy - M., „Iskusstvo”, 1992.
- Matafonow S.M. Trzy wieki malarstwa rosyjskiego - Sib., „Kiteż” 1994.
- Puszkin A.S. Komplet dzieł zebranych w jednym tomie – M., 1938.
- Roginskaja F.S. Pieredwiżniki - M., 1997.
- Shchulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z. Kultura Rosji IX - XX wieku. uch. podręcznik - M., „Prostor” 1996.
- Jakowlew V.M. O wielkich rosyjskich artystach - M., „Wydawnictwo Akademii Artystów ZSRR” 1952.
Shulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z., Kultura Rosji IX - XX wieku. uch. podręcznik - M. "Prostor", 1996 s. 205
Gomberg - Verzhbitskaya E.P. Peredwiżniki: książka o mistrzach rosyjskiego malarstwa realistycznego od Perowa do Lewitana - M., 1961. s. 44.
