Moja Wirtualna Szkoła prowadzi kursy i szkolenia z zakresu pracy Adobe Illustratorze. W 2012 roku nagrałem krótki kurs wideo „Adobe Illustrator in One, Two, Three”, który do dziś udostępniam bezpłatnie moim subskrybentom.

Następnie w 2014 roku wraz z zespołem uruchomiłem szkolenie online z tworzenia ilustracji wektorowych do microstocków. Szkolenie cieszyło się dużym zainteresowaniem i sukcesem – 4-krotnie rekrutowaliśmy grupy 50-70 osobowe.

Podczas kursu wielu naszych studentów było w stanie nie tylko stworzyć wysokiej jakości portfolio, ale wręcz zaczęło zarabiać na mikrostockach!

Kilka prac uczestników szkoleń

Aby zobaczyć cały obraz, kliknij jego miniaturę

Absolwenci naszego szkolenia Adobe Illustrator często pytali mnie, czy planuję przygotować nowe szkolenie zaawansowanych ilustratorów.

Pytanie jest dość logiczne, ponieważ w ilustracji wektorowej, podobnie jak w projektowaniu, nie ma ograniczeń co do perfekcji!

Nauczywszy się rysować proste ikony, ozdoby i tekstury, które zaczynają być sprzedawane na mikrostockach, człowiek zaczyna to lubić. Rysowanie ilustracji wektorowych staje się dla niego nie tylko hobby, ale także stale rosnącym dochodem. Oczywiście każdy chce zarobić jak najwięcej, a do tego trzeba być konkurencyjnym i stale doskonalić swoje umiejętności.

Nie jest tajemnicą, że na mikrostockach panuje ogromna konkurencja. Jeśli wejdziesz na ten rynek ze standardowym zestawem ikon, abstrakcyjnych teł i makiet, to niezwykle trudno będzie Ci wyróżnić się na tle tysięcy konkurentów z podobnym portfolio.

Aby Twoja praca została zauważona, musi być w jakiś sposób inna, mieć swoją "skórka owocowa".

Są na to 2 sposoby:

Sposób pierwszy: wytrwale poszukiwać nowych, niestandardowych form i stylów wizualizacji, aby wyróżnić się z tłumu ilustratorów.

Sposób drugi: znajdź niszę, w której konkurencja jest stosunkowo niewielka i stań się w niej jednym z najlepszych.

Nie trzeba być profesorem socjologii, aby stwierdzić, że druga opcja ma znacznie większe szanse powodzenia.

Jak jednak znaleźć taką niszę? A skąd wiesz, że naprawdę możesz w tym odnieść sukces?

Któregoś dnia szukając materiałów do zajęć z pracy z siatką gradientową w programie Adobe Illustrator natknąłem się na ilustracje w Internecie Andriej Panczenko.

Oprócz motywów „dla dorosłych” w portfolio autora widziałem wiele zabawnych postaci „z kreskówek” - głównie ilustracje uroczych małych zwierzątek o dużych oczach i nieśmiałych uśmiechach. Jakość i atrakcyjność tych postaci również nie budziła wątpliwości co do kunsztu autora.

Szukałem prac Andreya na kilku portalach giełdowych i odkryłem to
że mają dobrą ocenę - to nie przypadek, że pojawiają się na pierwszej stronie Google przy wyszukiwaniu postaci z kreskówek dla dzieci.

Postanowiłem skontaktować się z Andreyem i omówić możliwą współpracę. Okazało się, że stworzenie ilustracje postaci- dość dochodowa nisza giełdowa, ponieważ w przeciwieństwie do innych nie ma w niej jeszcze wielu konkurentów.

Andrey sprzedał swoją pierwszą ilustrację na microstocku 9 lat temu, kiedy w jego portfolio znajdowało się tylko kilka podstawowych prac. Co więcej, dzieło to nie jest „zabójcze”. Sam Andriej mówi dziś, że wtedy niewiele mógł zrobić. Jednak od tego czasu jego ilustracje sprzedają się niemal codziennie i przynoszą autorowi stabilny dochód, na który w żaden sposób nie wpływają wahania kursu rubla do dolara!

Dowiedziałam się też, że sam Andrey od dawna myślał o nauczaniu innych, nagrał nawet kilka filmów na YouTube, ale nigdy nie zabrał się za nic więcej... Jednym słowem chętnie zgodził się zostać jednym z nauczycieli naszego Wirtualnego Szkoła.

Poznać:
Andriej Panczenko
ilustrator,
mikrostoker.

„Ilustruję od około 10 lat. Na początku było to hobby, ale obecnie jest to moja główna aktywność zawodowa.

Brał udział w wielu niezależnych projektach, w szczególności wykonywał pracę dla Disney Channel. Współpracowała z kilkoma dużymi firmami meblowymi, takimi jak OJSC Vector i Leader, przy projektowaniu produktów dla przedszkolaków.

Obecnie sprzedaję moje ilustracje na mikrostockach — aktywnie współpracuję z prawie wszystkimi głównymi mikrostockami i rysuję niestandardowe ilustracje”.

Portfolio Andreya:

Postanowiliśmy przygotować nowe szkolenie z tematu tworzenia ilustracje postaci. Dlaczego w tym temacie?

Po pierwsze, jak już powiedziałem, nisza ilustracji postaci jest dość poszukiwana przy stosunkowo niewielkiej konkurencji. Ucząc się tworzyć takie ilustracje, ilustrator microstockowy lub freelancer może znacznie zwiększyć swoje regularne dochody.

Po drugie, rysowanie znaków wektorowych wymaga wysokiego poziomu biegłości w narzędziach Adobe Illustrator. Dlatego taki kurs będzie szczególnie przydatny dla wszystkich, którzy chcą odpowiednio „doszlifować” swoje umiejętności zawodowe.

No i po trzecie, niezwykle zainspirował mnie tok tworzenia ilustracji w wykonaniu Andreya. Jego prace wyróżniają się dużą precyzją, pewnością siebie i racjonalnością wszelkich działań. Po prostu hipnotyzujące jest obserwowanie, jak na czystej kartce papieru przed twoimi oczami pojawiają się zabawne, psotne postacie - kot w butach, tygrysiątko czy owca.

Jestem pewien, że dla początkujących ilustratorów niezwykle przydatne będą lekcje mistrzostwa od Andreya.

Najciekawsze jest to, że Andrey celowo nie wykorzystuje w swojej pracy tabletu graficznego – wszystkie ilustracje rysuje zwykłą myszką! Co więcej, w ogóle nie ma tabletu. Tym samym wyraźnie obala mit, jakoby wysokiej jakości ilustracje można stworzyć jedynie przy użyciu tabletu Wacom.

Nie zapomnij włączyć dźwięku w komputerze

Opracowanie i stworzenie kursu zajęło nam ponad sześć miesięcy. W rezultacie Andrey nagrał 30 szczegółowych lekcji wideo, w których szczegółowo pokazał proces tworzenia profesjonalnej ilustracji wektorowej postaci - od szkicu ołówkiem po ostateczną realizację w programie Adobe Illustrator.

W ciągu ostatnich kilku dni przeżyłem bezprecedensowy wzrost kreatywności i pracy. Wreszcie lubię swoją własną pracę, wykonaną zarówno dla klientów, jak i na magazyn. Dlatego łatwo jest rysować i układać, jest miło i sprawia mi radość.
Chcę trochę uchylić rąbka tajemnicy pracy. Już od dawna chciałem nagrać film o tym, jak rysowane są obiekty na stock, ale nie zabrałem się jeszcze za nic, więc pokażę to tylko obrazowo i słownie.

Krok 1. Wybierz temat
Gdzie zaczyna się praca? Od wyboru tematu. Szczerze mówiąc, nie jestem jeszcze specjalnie wyczulony na trendy, wybierając nisze (może dlatego mam w portfelu skromne cyfry), rysuję to, co chcę. Wybrałem dla siebie styl, nazywając go „multirealizmem”, czyli wystarczająco realistycznym, aby oddać objętość i cienie, ale jednocześnie pozostawić kreskówkową wściekłość i połysk. Obecnie zajmuję się gatunkiem „przedmioty”, ale w przyszłości planuję uwzględnić tu ludzi i małe historie.

Nigdy nie staję przed pytaniem „Co narysować”, raczej „Co narysować najpierw”. Imponuje mi absolutnie wszystko: jedzenie w kawiarniach, witryny sklepowe, piękne fotografie ludzi, prace innych autorów. Na szczęście nie muszę siedzieć przy monitorze i przeciągać różnych kwiatków w tę i z powrotem w nadziei, że wyjdzie coś porządnego. Całkowicie porzuciłem tworzenie teł, tekstur, wizytówek i innych rzeczy, które cieszyły się dużą popularnością wśród innych stockerów. Po prostu nie wyszło, nie podobał mi się proces ich tworzenia, w związku z czym w ogóle się nie sprzedały.
Kiedy siadam do komputera, zawsze mam już wyobrażenie o tym, co chcę w rezultacie zobaczyć, ale trochę wyprzedzam siebie.

Zatem wybór tematu. Zawsze i wszędzie noszę ze sobą pamiętnik, który notabene też wprawia mnie w twórczy nastrój. A gdy tylko przyjdzie mi do głowy jakiś pomysł, dodaję go do Mapy Myśli. Nie będę się rozpisywał szczegółowo o co chodzi, tę informację można łatwo wyszukać w Google, wyjaśnię tylko, że metoda jest naprawdę fajna. Pozwala strukturalizować pomysły bez wciskania ich w ramy, umożliwiając rozwój jednej myśli w nieskończoność.
Tak zazwyczaj wyglądają moje kartki.
Pomysły są zapisywane w Internecie, następnie rozważane i analizowane. Coś zostaje przełożone, a coś ożywia się w drugim etapie.

Etap 2. Szkice
Wszystko jest tu niezwykle proste i przejrzyste, jeśli wybieram temat, to spisuję, które elementy mogą się z nim wiązać. A potem wyszukuję zdjęcia potrzebnych przedmiotów i kopiuję je do mojego moleskine. Kopiowanie jest konieczne, zdjęcia stockowe nie pozwalają na wykorzystanie zdjęć innych osób jako bezpośrednich odniesień (przerysowanie zdjęć innych osób), ale jeśli wybierzesz kilka zdjęć, weź coś z jednego, coś z drugiego i ostatecznie zdobądź własny rysunek, wtedy wszystko jest w porządku, prawa autora nie zostały naruszone.
Prawdę mówiąc rysuję sobie tak sobie, moja ręka nie skupia się na tworzeniu linii prostych, ale nie jest to specjalnie potrzebne, dlatego uwielbiam wektor.
Szkice tutaj służą jako przybliżone szkice schematyczne, z których wezmę ogólny kształt. Narzędzia programu Illustrator pomogą Ci później uniknąć krzywych linii, umożliwiając rysowanie nawet okręgów i prostokątów.

Etap 3. Jak robią to inni?
Dla siebie ustaliłem podstawową zasadę pracy z stockiem: moje zdjęcia nie powinny być gorszej jakości niż te prezentowane na pierwszych stronach popularnych. Jeśli praca nie będzie na odpowiednim poziomie, będę majstrował przy niej, dopóki nie będę zadowolony z wyniku. Oczywiście mówimy tu o pracach o tej samej tematyce i w tej samej technice co moje.

Wczoraj postanowiłam sięgnąć po motyw Fast Food. Korzystając z tej wyszukiwarki, znalazłem słodkie kiełbaski w cieście, ziemniaki, colę. Wybrałem to, co sam bym kupił, gdybym miał takie zamówienie, i po prostu to, co cieszyło oko. Znalezione zdjęcia od razu rzucam na kartkę, na której idę pracować. Nie biorę od nich niczego, ani koloru, ani kształtu, ani stylu. Potrzebuję tylko ogólnego wrażenia, cała reszta będzie pochodzić z moich szkiców i wybranych palet.

Etap 4. Przygotowanie podstawowych formularzy.
Następnie rozpoczyna się praca z komputerem. Mam tablet graficzny, ale korzystam z niego niezwykle rzadko.Lubię się chwalić, że całą swoją pracę wykonywałem myszką, co swoją drogą jest w pełni prawdą. Główne narzędzie: długopis. Ci, którzy rozumieją wektory, zrozumieją, jaka jest istota. Krótko mówiąc, pióro pozwala rysować zakrzywione linie o dowolnym kształcie za pomocą punktów i wektorów.
Za pomocą długopisu (dla przedmiotów wymagających równości: kubki, talerze, pudełka - elipsy, prostokąty) zarysowuję główne detale, maluję je w chaotycznych kolorach, tak aby określić kształt.
W rezultacie otrzymujesz takie nieatrakcyjne ilustracje, ale ogólny pomysł jest już jasny, a potem tylko komplikacje.


To 5. Wybór koloru.
Dobór koloru to jeden z najważniejszych momentów, któremu kategorycznie nie ufam sobie i sama nie dobieram kolorów. Istnieje wiele usług, które pozwalają kolekcjonować piękne palety, ale to nie to samo. Głównym pomocnikiem w doborze koloru był serwis Shutterstock.labs. Ciekawostka, polecam poszperać, chociażby dla ogólnego rozwoju. Strona umożliwia wybór zdjęć na interesujące Cię tematy, biorąc pod uwagę preferowaną paletę. Na przykład wiem, że do narysowania Fast Foodu najprawdopodobniej będę potrzebował koloru żółtego, czerwonego, pomarańczowego, brązowego i ich odcieni. Tworzę odpowiednią wyszukiwarkę, a program daje mi gotowe zdjęcia z tymi samymi hot dogami, ziemniakami itp., a nawet w jasnych, pięknych kolorach, które później wykorzystam w swojej pracy, dzięki narzędziu Kroplomierz.

Etap 6. Rozwój przedmiotu.
Zgrubna część procesu została zakończona, zacznijmy tworzyć. Do renderowanych szczegółów wybieram kolory ze znalezionych fotografii, następnie dodaję nowe detale: cienie, światła, światło, teksturę. W rezultacie otrzymuję zestaw pojedynczych elementów, które można teraz złożyć.


Etap 7. Komponowanie kompozycji.
Przedmioty zostały narysowane, czas pomyśleć o tym, jak je zaprezentować. Nawet podczas mojej krótkiej działalności jako stocker, udało mi się przekonać, że kompozycje sprzedają się lepiej niż tylko przedmioty na białym tle (choć w tej formie też je przesyłam i czasami je kupują). Dlatego teraz po prostu łączę całą naszą kolekcję w różne obrazy, z tłem, bez tła, z napisami, bez nich. Im więcej możesz stworzyć z jednej kolekcji zdjęć, tym lepiej. Szczególnie podoba mi się, gdy niektóre elementy można zaczerpnąć z wcześniejszych prac. Do zestawu „Fast Food” dodałam na przykład lody z kolekcji „Lato”. Dlatego staram się rysować w tym samym stylu, żeby móc wszystko połączyć.


Tak wygląda moja praca nad obrazami. Odkryłem, że takie etapy odcisnęły piętno na mojej pracy projektowej, zacząłem tworzyć produkty w innym stylu i o wiele wyższej jakości, co też sprawia mi przyjemność.

To samo słowo „ilustracja” odnosi się do obrazów, które różnią się treścią i formą, znaczeniem dla dzieła i czytelnika, związkiem rysunku z tekstem, techniką wykonania. , ilustracje można podzielić na naukowe i edukacyjne(mapy, plany, diagramy, rysunki itp.) oraz artystyczne i figuratywne(interpretacja dzieła literackiego za pomocą grafiki książkowej). Mogą być ilustracje obraz objaśniający tekst, uzupełniający tekst i obraz prawie całkowicie niezależny, czasem nawet podporządkowujący tekst”.

„W zależności od wielkości i umiejscowienia w książce wyróżnia się następujące rodzaje ilustracji:

- Fronton. Element oprawy artystycznej publikacji, jakim jest ilustracja umieszczona na lewej stronie rozkładówki ze stroną tytułową.

-Wygaszacz ekranu. Ilustracje powitalne umieszczane są na początku części lub rozdziału książki na stronie impozycyjnej wraz z tekstem; wyznaczają początek jednej z części opowieści; zazwyczaj znajdują się na górze strony i są oddzielone od tekstu białym marginesem. Pomagają czytelnikowi skupić się na nowym materiale i emocjonalnie dostroić się do niego. Tytuły mogą przedstawiać scenę opisaną na początku rozdziału; porozmawiać o głównym temacie części lub rozdziału; pokazać scenę lub krajobraz, który powinien wywołać u czytelnika odpowiedni nastrój. Wygaszacze ekranu mogą mieć także charakter dekoracyjny lub symboliczny.

- Ilustracja w paski (cała strona), półpasek (na połowie strony), podwójna strona (na dwóch stronach). O wyborze formatu ilustracji decyduje waga ilustrowanego wydarzenia, obrazu itp. Treść takich ilustracji ma zazwyczaj bezpośredni związek z tekstem, który je poprzedza lub następuje. W przypadku dużych ilustracji dwustronicowych lub paskowych wybierane są ważne wydarzenia z dzieła. Ilustracje w dużej mierze decydują o architekturze książki, dlatego należy zwrócić uwagę na ich rytmiczną naprzemienność i jednolite nasycenie w całym tekście.

- Obrona(mały rysunek otoczony tekstem), rysunki na marginesach - wydarzenia mniej istotne.

- Zakończenie ilustracji umieszczane na końcu części, rozdziałów lub całej książki. Mogą one, podobnie jak wygaszacze ekranu, mieć charakter fabularny, ozdobny, dekoracyjny lub symboliczny.

Otwory i zakończenia powinny być wykonane w tym samym stylu, ponieważ są ze sobą powiązane i często znajdują się obok siebie na rozkładówce książki.

Technik Jest mnóstwo ilustracji. Można je stosować niezależnie lub łączyć ze sobą. Przyjrzyjmy się niektórym z nich.

- Materiały malarskie(akwarela, gwasz, akryl);

- Materiały graficzne(węgiel drzewny, sangwina, sos, retusz, ołówek włoski);

- Kolaż(francuski kolaż - klejenie, naklejka) - technika tworzenia dzieła sztuki polegająca na przymocowaniu do podłoża różnych materiałów (fragmenty gazet, tapeta, papier kolorowy, materiały wykończeniowe, tkaniny, drut, drewno, lina, metal) i postrzegany jako fragment rzeczywistości. Kolaż wprowadzili P. Picasso i J. Bracom w 1912 roku. W tej technice pracowali C. Carra, G. Severini, H. Arp, A. V. Lentulov.

- Aplikacja - łac. aplikacja - aplikacja). Kawałki dowolnego materiału (tkanina, papier, futro, słoma itp.) są przyszyte lub przyklejone do tkaniny, papieru, tektury. Powstałe w ten sposób obrazy lub ozdoby nadają dziełu szczególną ulgę i wyrazistość. .

- Fotomontaż- kompozycja złożona z fotografii i ich fragmentów, czasami uzupełniona elementami graficznymi. Używany w XX wieku. w drukowanych grafikach, plakatach. Nazwa została ukuta przez berlińskich Dadaistów w odniesieniu do prac złożonych z fotografii. Fotomontaż stosowali J. Hartfield (1891–1968), A.M. Rodczenko, L.M. Lisitsky.

- Grafika komputerowa:

„Obraz rastrowy to plik danych lub struktura reprezentująca siatkę pikseli lub kolorowych kropek (zwykle prostokątnych) na monitorze komputera, papierze oraz innych urządzeniach i materiałach wyświetlających.

Grafika wektorowa to wykorzystanie prymitywów geometrycznych, takich jak punkty, linie, splajny i wielokąty, do reprezentowania obrazów w grafice komputerowej. Termin ten jest używany w przeciwieństwie do grafiki rastrowej, która przedstawia obrazy jako matrycę pikseli (kropek).”

Grafika 3D (3D, 3 wymiary, Rosyjski 3 wymiary) - dział grafiki komputerowej, zespół technik i narzędzi (zarówno programowych, jak i sprzętowych) przeznaczonych do przedstawiania obiektów trójwymiarowych. Najczęściej wykorzystuje się ją do tworzenia obrazów na płaszczyźnie ekranu lub arkusza materiałów drukowanych w wizualizacjach architektonicznych, kinie, telewizji, grach komputerowych, materiałach drukowanych, a także w nauce i przemyśle.

Najstarszym sposobem ilustrowania jest użycie wydrukowana grafika. Linoryt,drzeworyt,cynkografia, litografia, rytownictwo na tekturze, miedzioryt, akwaforta, mezzotinta, akwatinta, sucha igła.

Każdy instrument ma swój własny dźwięk i dotyk palców. Dobór narzędzi w ogromnym stopniu wpływa na charakter obrazu. Często sam temat ilustracji determinuje technikę i styl obrazu. „Styl to w dużej mierze wybór instrumentu. Dobra typografia zawsze nosi znamiona narzędzia kaligraficznego. Nie stanowi to problemu, jeśli robisz ilustrację na papierze, ale w grafice cyfrowej trzeba dołożyć szczególnych starań, aby zachować genetyczny ślad żywego rysunku.” Na przykład Jonathan Edwards używa wektora, ale jego ilustracja żyje (ryc. 25. Załącznik 1). Rysowanie, nawet przy użyciu grafiki rastrowej, wektorowej czy 3D, wymaga utrzymania obrazu przy życiu.

Ilustracji nadają się absolutnie wszystkie techniki plastyczne, zgodnie z tradycją w ilustracji wykorzystuje się materiały graficzne, ale jest to dalekie od przypadku.

We współczesnej ilustracji stale kształtują się pewne innowacje i trendy, może to być czarno-biała grafika liniowa (przy przedstawianiu jedna czarna linia, bez cieniowania, plam i wypełnień), w tym odrobina dziwnego stylu neogotyckiego w rysunek, mogą występować drobne efekty op-artowe, energiczny ekspresjonizm kolorystyczny, sztuka uliczna.

Pytanie jednak, jaki trend powinien wspierać współczesny ilustrator – ten, którego pełno w różnych publikacjach, czy ten, który lubi?

A jednak są oznaki, że społeczeństwo zaczyna być ogólnie znużone grafiką wektorową i cyfrową.

Niedawno odkryto pewien trend Siergiej Perwuszyn(ryc. 26. Załącznik 1), słynny ilustrator: zdjęcie z ręcznie rysowanymi elementami, sposób na rozmowę o obecności nieznanego. „Obecność elementów fotograficznych na ilustracji (wydaje się raczej odwrotnie, tutaj fotografia zajmuje większość przestrzeni - ale rysowane elementy pewnie ją zagarniają i zamieniają w ilustrację) nadaje jej tyle wyrafinowania graficznego, tyle autentyczność, że w ogóle dziwne jest, że ta historia nie została jeszcze zintegrowana z normalną ilustracją, ale pozostaje pewnego rodzaju samowystarczalną grą. Gdy tylko wyjdziesz nieco poza płaszczyznę arkusza, zaczynają się znacznie ciekawsze rzeczy. Ilustratorzy pracują z kolażem, wykorzystując tradycyjne materiały (papier, tkanina, fotografie) lub takie media jak

- plastelina(Rysunek 27, Załącznik 1);

- papier mache;(fr. papier-mache „przeżuty papier”) – łatwo formowalna masa otrzymywana z mieszaniny materiałów włóknistych (papieru, tektury) z klejami, skrobią, gipsem itp. Z papieru-mache wykonuje się manekiny, maski, pomoce dydaktyczne , zabawki, rekwizyty teatralne, pudełka itp. W niektórych przypadkach nawet ilustracje;

- rzeźby z książek(ryc. 28. Załącznik 1) - Książki można nie tylko czytać, ale, jak się okazuje, można z nich tworzyć. Jak na przykład Nicholas Jones.

- papierowy plastik(ryc. 29. Załącznik 1) - pod względem rodzaju twórczości jest bardzo podobna do rzeźby. Ale w papierowym plastiku wszystkie produkty w środku są puste, wszystkie produkty są skorupami przedstawionego obiektu.

W wyniku zagięcia arkusza papieru powstaje system żeber usztywniających dla dowolnej konstrukcji. W przypadku bardziej złożonych produktów, oprócz linii prostych, stosuje się te zakrzywione. Ilustracje mogą być także obiektami do przedstawienia w tej technice.

Tak, cokolwiek, najważniejsze jest to, że materiał odpowiada tematowi pracy. "Robótki- świetny sposób na zrekompensowanie braku umiejętności czystego rysowania - metoda skuteczniejsza i co najważniejsze modniejsza niż narzucone trendy związane z czystym wykorzystaniem technologii edytora graficznego.

Rodzaj i technika ilustracji powinna być funkcją zadania twórczego. Dobór techniki, jako połączenie sprawdzonych ruchów, pozwala artyście być pewnym jakości ilustracji.

Wnioski z rozdziału drugiego

W historii ilustracji mówimy o jej ciągłych zmianach, zgodnie z rozwojem kultury i sztuki w ogóle. O jej syntezie ze sztuką plastyczną, projektowaniem i grafiką książkową. Omówiono także trendy ilustracyjne XX wieku. wpływ na nią stylów epoki secesyjnej. I główne trendy n. XXI w., odnoszą się bardziej do strony techniki ilustracyjnej. Pojęcie ilustracji ujawnia się według trzech cech, według niektórych można ją zaliczyć do sztuki wysokiej. Co wyróżnia go jako szczególny gatunek sztuki. Są to rysunki, dzieła malarstwa i rzeźby, które powstały o tematyce literackiej, ale jednocześnie miały samodzielne znaczenie artystyczne. Według innych ilustracja to rodzaj grafiki książkowej, czyli utwór przeznaczony do postrzegania w pewnej jedności z tekstem, czyli umiejscowiony w książce i uczestniczący w jego odbiorze w procesie czytania. Według trzeciego ilustracja jest objaśnieniem tekstu poprzez ukazanie obrazu wizualnego, aktywną interpretacją tekstu. Są to ilustracje naukowo-dydaktyczne (mapy, plany, diagramy, rysunki itp.), a także ilustracje zdobiące produkty użytkowe (obrazy na pieniądzach, znaczkach, materiałach informacyjnych, kopertach, opakowaniach). Taką ilustrację można zaliczyć do grafiki użytkowej.………………………… Właściwy dobór techniki i rodzaju ilustracji pozwala artyście mieć pewność co do jakości i aktualności ilustracji.

Z pewnością wielu artystów nie raz zastanawiało się, jak stworzyć cyfrowe ilustracje, i to nie tylko na zadowalającym poziomie, ale na wysokim poziomie, które zapierają dech w piersiach każdemu wyrafinowanemu widzowi. To, jak każde rzemiosło, wymaga ciągłej uwagi i czasu.

Najpierw trzeba zrozumieć proces tworzenia malarstwa cyfrowego, który może rozwijać się w kilku kierunkach. W artykule dowiesz się o tych opcjach, spośród których możesz wybrać tę, która Ci odpowiada.

Tworzenie ilustracji ze zdjęcia

Główną zaletą tej metody jest to, że jest ona odpowiednia dla każdego, bez wyjątku, dając szansę tym, którzy nie mogą pochwalić się umiejętnością dobrego rysowania. Zasada takiego szkicowania jest następująca: oryginalna fotografia służy jako podstawa rysunku, dopóki artysta nie poczuje się komfortowo, mogąc kontynuować pracę bez niej.

Jeśli na przykład pracujesz w programie Adobe Photoshop, to zmniejszając przezroczystość zdjęcia i tworząc nową warstwę, możesz bezpiecznie stworzyć ilustrację, pociągnięcie po pociągnięciu, powtarzając wszystkie linie i zagięcia obiektów. Można to zrobić za pomocą myszki lub za pomocą specjalnego tabletu z rysikiem – akcesorium w postaci małego, cienkiego pióra umożliwiającego sterowanie urządzeniem z interfejsem dotykowym.

Poniżej film prezentujący tę metodę tworzenia takich ilustracji:

Tworzenie ilustracji na podstawie zeskanowanego rysunku

Ta metoda jest już dla osób, które aktywnie ćwiczą tworzenie wysokiej jakości ilustracji, czyli umieją rysować.

Tak więc gotowa (lub częściowo ukończona) praca jest skanowana i otwierana w odpowiednim programie na komputerze w celu dalszego nałożenia pociągnięć na wierzch rysunku.

Poniższe filmy zademonstrują tę metodę w praktyce:

https://youtu.be/UVGxAJL7dSQ

Utwórz ilustrację bezpośrednio na swoim komputerze

Jak sama nazwa wskazuje, jest to najtrudniejszy poziom, z którego aktywnie korzystają profesjonaliści w tej dziedzinie.

W załączeniu odpowiednie filmy:

Zobaczysz, jak tworzę szkic koncepcyjny, tło, a następnie stopniowo udoskonalam obraz, rysując szczegóły. Nawiasem mówiąc, możesz z łatwością zastosować techniki przedstawione w tej lekcji podczas tworzenia ilustracji, logo i innych projektów! Stosowanie się do takich samouczków zawsze ułatwi proces rysowania, ale jeśli uważasz, że nie jesteś wystarczająco dobry w rysowaniu, nie jest złym pomysłem po prostu spróbować, ponieważ celem tych samouczków jest doskonalenie Twoich umiejętności, jednym tak czy inaczej! Jestem pewien, że ci z Was, którzy nie potrafią rysować rysunków w dużej skali, mogą zacząć od szybkich szkiców, takich jak ten.

Użyłem następujących narzędzi:
- Photoshop CS3
- Tablet USB Wacom Graphire 3 (niebieski)

Krok 1: Zacząłem od szkicu. Następnie pomalowałem powierzchnię ziemi. Tutaj, jak widać na gotowym rysunku, jest dużo zielonej trawy i przypomina mi to starą piosenkę: „Green Green Grass at the House”. Spróbuj więc wyobrazić sobie coś takiego. Być może tutaj, niedaleko małego domku, rośnie stary dąb, w cieniu którego jako dziecko uwielbiałeś się bawić. Kiedy już zdecydowałem się na scenę, zacząłem myśleć o kolorach: odcieniach głównych i tła. Tutaj starałem się wyobrazić sobie wyraźny obraz. Zacząłem rysować na pustym tle, do którego dodałem kwiaty. Nie lubię pracować z rysunkami, których tło jest proste i niewyraźne. Dodanie różnych kolorów sprawia, że ​​obraz jest interesujący, a także pomaga osiągnąć pożądany nastrój.

Krok 2: Dodałem szczegóły za pomocą pędzla o małej średnicy. W przypadku tych ilustracji używam wyłącznie pędzli, które domyślnie są dostępne w programie Photoshop. Jeśli chcesz, możesz pobrać inne pędzle. Oto pędzle, których użyłem do tej ilustracji. W moim rysunku użyję tylko standardowych pędzli. Zanim zaczniesz malować, musisz przygotować pędzle.

Krok 3: Teraz musisz wybrać główne kolory swojej kompozycji. A oto moje kolory do tej ilustracji. Jak zwykle chcę stworzyć bardzo jasny rysunek. Na tło wybrałam odcienie żółtego i niebieskiego. Wszystkie pozostałe kolory są przyjazne dla środowiska. Otwórz inny plik i zapisz kolory. I trzymaj ten nowy plik zawsze otwarty podczas rysowania.

Krok 4: Postanowiłem usunąć stary samochód, który stał zaparkowany w pobliżu domu. Ona w ogóle tu nie pasuje. Ten samochód nie pasuje do reszty zdjęcia. Musiałem więc wymazać samochód i zamiast tego pomalować stary dąb, a ty możesz chcieć pomalować jakieś inne drzewo. Zrobiłem zgrubny szkic w kolorze za pomocą dużego okrągłego, twardego pędzla, a następnie z grubsza pomalowałem detale tym samym pędzlem, ale o mniejszej średnicy. Stworzyłem także nową warstwę dla trawy i zrobiłem wstępny szkic.

Krok 5: Następnie zacząłem malować bardziej szczegółowo na zielonej trawie za pomocą małego, twardego, okrągłego pędzla i miękkim okrągłym pędzlem, aby wygładzić obraz... ale mogę to zmienić później, na przykład może być trochę czerwonawo-niebieskiego lub tam żółte kwiaty. Ale na razie myślę, że zielona trawa jest właśnie tym, czego potrzebujemy.

Krok 6: Kiedy szukam odpowiedniego koloru, robię to:

Krok 7: Teraz zwróć uwagę, jak rysuję drewno. W tym samouczku nie pokazuję wielu rodzajów drewna. Przedstawione są tutaj tylko dwa typy: jeden do drzwi i drugi do ogrodzenia.

Krok 8: Teraz pozwól mi zmienić rozmiar płótna. Jak widać, jeśli chcesz uzyskać rysunek zawierający wiele szczegółów, będziesz musiał pracować na dużym płótnie (około 2000 lub 2600 pikseli).

Krok 9: Dodaj szczegóły za pomocą małego pędzla. Tutaj zwróć uwagę na to, jak rysuję szczegóły dachu.

Krok 10: W kolejnych krokach utworzę więcej warstw zielonej trawy. Powodem tworzenia wielu warstw jest konieczność późniejszego dostosowania rysunku. O wiele łatwiej jest poprawić błędy, jeśli główne elementy rysunku są oddzielnymi obiektami. Z grubsza pokolorowałem rysunek za pomocą dużego, twardego, okrągłego pędzla, a następnie dodałem detale tym samym pędzlem, ale o mniejszej średnicy. Stworzyłam także nową warstwę na włosy i zrobiłam wstępny szkic. Wracając do pytania, jak narysować trawę. Wystarczy kliknąć na ikonę pędzla, wybrać inny kolor i pomalować tak jak pokazano na moich szkicach. Następnie po prostu powtórz tę samą czynność.

Krok 11: Teraz czas zacząć opisywać chmury. Rysując chmury, pokolorowałem kształt na biało na osobnych warstwach, a następnie zmieniłem tryb mieszania warstwy na Nakładka, aby efekt był widoczny na rysunku. A na chmurki użyłam tylko dwóch warstw. Jeden kolor służy jako kolor bazowy, a drugi służy do zwiększenia jasności tła. Spróbuj znaleźć równowagę, łącząc różne kształty pędzli i próbuj malować chmury różnymi pociągnięciami. Musisz także zdefiniować światło i cienie. Pomogą Ci w tym zdjęcia prawdziwego nieba. Po prostu wyszukaj w Google różne kształty chmur.

Krok 12: Chciałem także dodać trochę jasnego światła słonecznego i innych szczegółów, takich jak błyskawica. Po kilku próbach zdecydowałem się na opcję pokazaną na moim rysunku. Na tym etapie wyglądało to dość szorstko, ale wrócę do tego później. Warto dodać, że każdy element projektu znajdował się na osobnej warstwie, co pozwoliło mi szybko wybrać żądany obiekt i z łatwością zmieniać kolory. Naciśnij Command+kliknięcie (na komputerze Mac) lub Control+kliknięcie (w systemie Windows) ikony warstwy na palecie Warstwy, aby wybrać krycie.

Krok 13: Ustawienia. To jest bardzo ważne. Można dobrać odpowiedni kolor i tym samym odmienić całą atmosferę. Teraz używam Balansu Kolorów. Następnie zmieniłem jasność i kontrast. Zauważysz, jak zmienia się efekt świetlny.

wnioski:

Teraz czas zamknąć Photoshopa. Mam nadzieję, że ci się podobało! Na koniec dodaję do płaskiego rysunku filtr Inteligentne wyostrzanie, aby uzyskać wyraźniejsze i ostrzejsze linie. Pomaga to wydobyć drobne szczegóły, takie jak światła. Mam nadzieję, że dobrze się bawiłeś czytając ten poradnik.