Po okazjonalnym zakupie drukarni wycofał się z biznesu i poświęcił się nowemu dla siebie hobby. Bardzo duży wpływ na artystę wywarł N. S. Chaga, w swoim warsztacie D. I. Mitrochin już we wczesnym dzieciństwie zapoznał się ze sztuką drukarską, co zaowocowało pasją do książek i czytania, co w naturalny sposób wpłynęło na jego wielką erudycję. Umiejętność łatwego nawiązywania kontaktu, bez napięcia prowadzenia rozmowy na niemal każdy temat i łatwego wejścia do bardzo wymagającego społeczeństwa kulturalnego obu stolic, Dmitrij Mitrochin zawdzięcza oczywiście Naumowi Chadze, jego warsztatowi, dostępności różnorodna literatura – wreszcie jego niezwykle zaraźliwa pasja do druku we wszystkich jego przejawach.

W MUZHVZ nauczycielami D. I. Mitrokhina byli A. M. Vasnetsov („klasa krajobrazu”) i A. S. Stepanov (rysowanie zwierząt), których zajęcia, jego zdaniem, wraz z rysunkiem i akwarelami odbywały się w bibliotece szkolnej, przyciągnęły go bardziej niż nauka w szkole klasa. Ale „musiał zostać dla siebie działem graficznym: przecież w Rosji nie było takich rzeczy, nie było «działów książkowych»”. Artysta z wdzięcznością wspomina kustosza Muzeum Rumiancewa S.P. Szczurowa, „milczącego i ponurego, ale chętnie otwierającego teczki z rycinami dawnych artystów włoskich i niemieckich”. Pracuje dużo i stale od życia.

Wraz z przeniesieniem D. I. Mitrochina do szkoły Stroganowa rozpoczął naukę pod kierunkiem S. I. Yaguzhinsky'ego (akwarela) i S. V. Noakovsky'ego (rysunek). Znajomość z V.D. Zamirailo ostatecznie skłania go do konieczności wybrania ścieżki harmonogramu.

kreacja

DI Mitrochin. W starym Petersburgu. 1910. Akwarela

Dmitrij Izydorowicz Mitrochin, który prowadził wspaniałe życie twórcze, miał szczęście studiować, współpracować, pozostawać w bliskich związkach, będąc w stowarzyszeniach i stowarzyszeniach z wieloma artystami, wśród których byli tacy, których ślad w sztuce XX wieku jest porównywalny z wpływ na bieg historii miały najważniejsze odkrycia epoki. W pierwszych wierszach autobiograficznych notatek artysty znajdują się nazwiska M. F. Larionowa, N. S. Gonczarowej i A. V. Fonvizina, którzy studiowali obok niego i przyjaźnili się z nim - S. T. Konenkowa i S. V. Malyutina, z którymi współpracował w artelu ceramicznym Murava.

W Paryżu Dmitrij Mitrochin, pomimo ciasnych warunków i ciągłego zajętości pracą („życie towarzyskie nie było dla mnie”), komunikuje się całkiem sporo. Prawie siedemdziesiąt lat później wspominał swoje wizyty w salonie E. Kruglikowej, który podobnie jak jej paryski warsztat stał się rodzajem rosyjskiego centrum kulturalnego, w którym gromadziło się „wyższe społeczeństwo”, „ale dla wszystkich obecnych sztuka była najważniejsze” - o wizyty u Maksymiliana Wołoszyna, w którego domu, zdaniem artysty, czuł się „bardziej swobodnie”, gdzie odwiedzało także wielu rodaków wędrujących po Lutetii i gdzie kiedyś miał okazję spotkać Konstantina Balmonta (krótko się poznali w Moskwie w 1904 r.), „który przywiózł swoją córkę, dziewczynkę, w czerwonym płaszczu” - takie jest wspomnienie 90-letniego już artysty! I te wspomnienia przepełnione są żywą treścią, widocznymi obrazami szkiców, gdy opowiada o bezpośrednim celu swego pobytu w ówczesnej stolicy sztuki.

D. Mitrochin. Alisa Bruschetti. 1909. Tusz do rzęs

Opowiadając o swoich paryskich czasach, nie przez przypadek i nie bez odrobiny dumy zauważa, że ​​na ulicach stolicy Francji wciąż wisiały plakaty Toulouse-Lautreca – zdaniem samego D.I. Mitrokhina, który miał duży wpływ na niego - jak zresztą i na Paula Klee, z którego wpływem ten pierwszy łączył się przez jakiś czas dziwnie w linii twórczości artysty, o czym był świadomy, a także o wpływie, na pewnych etapach, jego wielkich zainteresowanie sztuką Henri Matisse'a i Paula Cezanne'a, Constantina Giesa.

W różnych okresach pojmowania dróg wyrazu i mistrzostwa zainteresowanie to skupiało się na różnych ich przejawach i przy różnym stopniu ich wpływu na światopogląd artysty – czasem efemerycznym i niemal oportunistycznym, a przez to łatwym i bezbolesnym do przezwyciężenia, jak np. na przykład salon, Beardsley, nowoczesne trendy, które wymagały dłuższej „neutralizacji” motywów czysto dekoracyjnych, stylizowanych zdobniczych, popularnych druków i motywów drukowanych; lub wręcz przeciwnie, w formie głębokiego, merytorycznego zrozumienia, które zrealizowało się w systemie poglądów artysty - rytownictwo zachodnioeuropejskie i japońskie - na podstawowych zasadach, które nie ograniczały się do zrozumienia technologii - grawerowanie w ogóle, sucha igła , światłocień, w szczególności litografia. „Ale po przejściu przez te hobby” – mówi M. V. Alpatov – „powrócił do takich wartości sztuki, które przekraczają granice czasu i przestrzeni i istnieją wszędzie”.

Znaczące jest, że artysta już w pierwszych słowach początków swojej praktyki wspomina szkolną bibliotekę, „ogromne i ekscytujące szczęście”, jakie zapewniła „zbiór rycin Muzeum Rumiancewa”.

W każdym razie w nie mniejszym stopniu na opanowanie środków autoekspresji w aspekcie technicznym niż kontakt z wytworem druku – książka (w zakresie rozwoju intelektualnego – znajomości grafiki) miała wpływ znajomość przez artystę proces drukarski, w tym ręczny, który znałem dokładnie z warsztatu mojego dziadka od dzieciństwa – „Składacze byli moimi przyjaciółmi. Słowa układ, okleina, odstępy, liternictwo, rozmiar, banał, korekta są znane od dzieciństwa.

Grafika książkowa

Dmitrij Mitrochin swoje pierwsze eksperymenty z grafiką książkową zawdzięcza nauczycielowi akwareli Stroganowskiego, S.I. Jagużyńskiemu, który w 1904 r. Zaoferował mu „małą pracę dla wydawnictw” i który to docenił, Walerijowi Bryusowowi, wówczas redaktorowi naczelnemu „Skorpiona”. Po powrocie w 1908 roku z Paryża, gdzie wiele dała mu znajomość z S. P. Yaromiczem, który z kolei zapoznał artystę z mieszkającą już od wielu lat we Francji E. S. Kruglikową – ze słynnym polskim rzeźbiarzem Eduardem Wittigiem, w latach pracowni, w której Dmitrij Mitrochin żył w trudnych czasach, przeniósł się do Petersburga i rozpoczął systematyczną pracę jako ilustrator książek, co szybko przyniosło mu sławę, a ułatwiła mu znajomość z artystami „Świata Sztuki”. Na początkowym etapie na pomyślny rozwój twórczości D. I. Mitrokhina jako twórcy książek i ilustratorów czasopism miała oczywiście wpływ pomoc E. E. Lanseray, który wysyłał do niego wydawców („Malował z nim modele. Zapraszał ich na swoje malowanie w sali biblioteki Akademii Sztuk Pięknych... Pierwsze lata mojego życia w Petersburgu bardzo rozjaśniła uwaga Jewgienija Jewgienijewicza Lanceraya.” - D. Mitrochin. Notatki autobiograficzne (1973)). W tym samym czasie zaczął grawerować na linoleum (od V.D. Falileeva) - „Grawerował kompozycje kolorystyczne, drukowane nie farbami olejnymi, ale akwarelami - po japońsku”. Współpracuje z wieloma wydawnictwami książkowymi: „I. N. Knebel”, „Golicke i Wilborg”, „Oświecenie”, „Drukarka”, „M. i S. Sabashnikovs” (dla nich D.I. Mitrokhin stworzył markę wydawniczą), „Apollo”, „M. W. Popow” i wielu innych. itp. Kontynuuje studiowanie zbiorów rycin z biblioteki Akademii Sztuk Pięknych i Ermitażu. Dużo pracuje nad ilustracjami do książek dla dzieci, na nagłówkach czasopism, tytułach, wyklejkach itp. Rzadkie piękno i wyrazista ekspresja, wytłoczone wykonanie - „Dzielnica” E. Zamiatina (1916; wydawnictwo M. V. Popowa), „Rosyjska wróżka opowieści o dziadku Piotrze” Arthura Ransome’a (1916; Londyn i Edynburg) i wiele innych. itp.

Niezwykle ważny fakt, który mówi przede wszystkim o tym, jaki jest Dmitrij Mitrochin jako artysta książki, choć był to duży, ale daleki od głównego etapu jego twórczości - zawsze pracował nad projektem tego czy tamtego publikacja, ze wszystkimi Pomimo różnorodności technik graficznych, po jakie sięgnął artysta, kierował się jedną zasadą, w przypadku wszystkich elementów książki – począwszy od okładki, wyklejek, a skończywszy na czcionce, wystroju – wszystkie podporządkowane są stylistyczna wspólność.

• - ilustruje książki dla dzieci wydane przez I. Knebla (wcześniej).
• - praca nad okładkami seriali dla wydawnictwa M. i S. Sabasznikow.
• - współpraca w pismach „Satyricon” (przed 1914) i „Nowy Satyricon” (przed); - okładka „Pucharu” V. A. Żukowskiego (wydawnictwo I. N. Knebel, Moskwa); - w marcu na zaproszenie drezdeńskiego stowarzyszenia „Kunstverein” bierze udział wraz z G. Jakułowem w wystawie akwarelistów.
• 1914 - ozdobne obramowania czasopisma „Łukomorye” (do 1917 r.).
• - - wykonał wiele okładek książek.
• - przyjęty do „Świata Sztuki”; - wykonuje projekt graficzny książki Arthura Ransome’a „Russian Tales of Grandfather Peter” (A. Ransome „Old Peter’s Russian Tales” – Londyn); - pod koniec roku rozpoczął pracę w dziale ryciny i rysunku Muzeum Rosyjskiego (na liście znajdują się kolejne prace do druku).
• 1917 - mobilizacja do wojska z przydziałem do „Komisji Trofeum”; - we wrześniu w związku ze śmiercią ojca wyjeżdża do Yeisk, gdzie pozostanie do końca przyszłego roku - „poświęcił dużo czasu pisaniu z życia, dużo pracował ołówkiem i akwarelami, malował pejzaże, wnętrza, martwe natury i portrety.”

W czasach sowieckich artysta z sukcesem rozwinął tę pracę, która go pochłonęła i została wykonana z miłością, entuzjastycznie i bardzo skutecznie łącząc ją z grawerowaniem, akwafortą i litografią. Zaprojektował i zilustrował ogromną liczbę książek i czasopism w różnych wydawnictwach - „Światła”, „Petropolis”, „Piotrograd”, „Myśl”. „Surfowanie” i wiele innych. inne, w najlepszym z nich - Academia (z którą współpracował przez około sześć lat): „Siedem portretów miłosnych” A. de Regniera (1920, 1921; Piotrogród), bajkowy wiersz Mariny Cwietajewej „Carska dziewczyna” (1922 ); - zabawne rysunki piórem wykonane w tradycyjny już dla artysty sposób przy projektowaniu „Złotego robaka” Edgara Allana Poe (1922), „Epsin” Bena Jonsona (1920, 1921; „Petropolis”), - ilustracje Victora Hugo (1923), Henriego Barbusse'a, Octave'a Mirbeau, „Księgi komedii” Arystofanesa (1930), „Etiopiki” Heliodora (1932) i wiele innych. itp., jest autorem różnorodnych elementów dekoracyjnych wielu publikacji.

• 1918 – powrót do Piotrogrodu pod koniec roku; - mianowany kierownikiem Działu Grafiki i Rysunku Muzeum Rosyjskiego.
• 1919 - profesor Wyższego Instytutu Fotografii i Techniki Fotograficznej (do 1923); - pracuje nad okładkami „Biblioteki Ludowej” w Gosizdacie; - okładki serii (do 1926 r.).
• 1921 - ukazała się książka Sun. Voinov „Znaki książkowe D. I. Mitrokhina” (inne publikacje o D. I. Mitrokhinie znajdują się na liście).
• 1924 - profesor Wydziału Druku Akademii Sztuk Pięknych (kurs grafiki książkowej - do 1934).

W latach dwudziestych XX w. D. I. Mitrochin ponownie zetknął się z literaturą dziecięcą, zilustrował i zaprojektował kilka książek, wśród których znajdują się wspomniane już „Złoty Bug” Edgara Allana Poe (1921-1922) i „Podróż do krainy kina” autorstwa Należy podkreślić V. Szkłowskiego (1926), „Październikowe ABC” (1927). Praca nad najnowszym wydaniem po raz kolejny potwierdza znakomite mistrzostwo artysty w sztuce pisania. Pojawienie się dwutomowej powieści satyrycznej Karla Immermanna „Munchausen” (1930-1932) sugeruje, że artysta podszedł do całej konstrukcji tej publikacji bardzo pomysłowo: bohaterowie dzieła zostali ostro karykaturowani, zamieniając się w oryginalne, zabawne komentarze na temat książka, układ stron tytułowych jest dowcipny; oprawa, wyklejka, obwoluta - wszystko jest w harmonii. Od jesieni 1939 roku D. I. Mitrochin pracował nad projektem książki z baśniami H. C. Andersena, na zamówienie niemieckiego wydawnictwa. Jak wynika z listów artysty, ciekawe ilustracje, sądząc po nielicznych zachowanych egzemplarzach, kontynuował on już w połowie czerwca 1941 roku – publikacja ta nie miała ujrzeć światła dziennego…

D. Mitrochin. Ekslibris A. P. Ostroumowej-Lebiediewy. 1924

Stworzył kilkadziesiąt marek wydawniczych, emblematów handlowych i etykiet. W dziedzinie „małych form”, którą opanował D.I. Mitrokhin w latach 1910. XX wieku, znak książki zajmuje szczególne miejsce. Doskonały mistrz kompozycji, doskonale zorientowany zarówno w elemencie zdobniczym, jak i graficznym książki, z dużym wyczuciem jej natury, wykonał blisko pięćdziesiąt ekslibrisów (większość z lat 1919-1923) – dzieła te słusznie zaliczają się do najlepiej stworzone w tym gatunku w Rosji.

Jednak w okresie od końca lat dwudziestych do połowy lat trzydziestych artysta odszedł od grafiki książkowej, powracając do niej jedynie okresowo i bez większego zainteresowania. Po wojnie rzadko wykonywał jakąkolwiek pracę wydawniczą. Wyjątek można uznać za „Bajki francuskie” (M. GIHL), zilustrowane i zaprojektowane przez D. I. Mitrokhina w 1959 r. oraz jedną z ostatnich - księgę wspomnień M. V. Niestierowa (M. „Sztuka”), zaprojektowaną przez niego w ten sam rok.

Twórczość D. I. Mitrochina ulegała zmianom przez prawie pół wieku jego aktywnej pracy na tym polu, jakby antycypując odwołanie się artysty do jedynej dla niego możliwej, ale także najbardziej żywej, unikalnej formy zastosowania jego talentu - rysunku, który od pewnego momentu stanie się uniwersalnym środkiem wyrazu jego światopoglądu. Można odnieść wrażenie, że tę samą funkcję „przygotowawczą” pełniły inne rodzaje grafiki sztalugowej, jakby pomagając artyście odnaleźć ten lapidarny, zrozumiały, lecz daleki od jednosylabowego języka głównej treści i pojemności indywidualnej, całkowicie niezależnej grafiki charakter pisma dzieł.

Drzeworyt. Nóż. Litografia

D. Mitrochin. Sprzedawca pędzli. 1926. Drzeworyt

D. Mitrochin. Piłkarz. 1926. Drzeworyt

Mając możliwość retrospektywnego spojrzenia na to twórcze doświadczenie, można dokładnie zaobserwować następujący trend w jego rozwoju: od połowy lat 30. rysunki i akwarele. Praca z życia nigdy nie była wykluczona z szeregu regularnych zajęć, ze sfery zainteresowań D. I. Mitrochina, i w tym obszarze stale poszukiwał i doskonalił, co znalazło odzwierciedlenie w stopniowej transformacji znaczenia i treści rysunku: od niezbędne do zrozumienia tradycji, do której należał, do „szkoły natury” - do wyrażonej niezależnej wartości oryginalnego arkusza sztalugowego.

• 1923 - rozpoczęcie systematycznych studiów nad drzeworytami (do 1934).
• 1925 – pierwsza wystawa osobista (Kazań – 250 arkuszy).
• 1927 – rozpoczyna grawerowanie dłutem i suchą igłą w metalu (do 1951).
• 1928 - zaczął zajmować się litografią (do 1934).
• 1935-1941 - praca nad serią rycin z cyklu „Pejzaże Leningradzkie” (Strona Piotrogrodu, Centralny Park Kultury i Wypoczynku).
• 1941 – w pierwszych dniach Wielkiej Wojny Ojczyźnianej zgłasza się na ochotnika do milicji ludowej; - 58-letni artysta pracuje dla Wydawnictwa Sztabu Generalnego, dla Instytutu Transfuzji Krwi („Historia Transfuzji Krwi” (1941-1942); - stworzył około 100 rysunków ołówkiem i akwarelą, w tym poświęconych życiu oblężonego miasta.
• 1942 - rankiem 1 stycznia zmarła żona artysty Alisa Yakovlevna Bruschetti; - latem pracuje z życia na ulicach oblężonego miasta i wystawia swoje rysunki; - pod koniec roku D.I. Mitrochin po pobycie w szpitalu został ewakuowany do Ałma-Aty w stanie skrajnego wyczerpania.
• 1943 - członek zarządu Związku Artystów Kazachstanu i przewodniczący jego sekcji graficznej, wystawia, pracuje głównie w akwareli.

D. Mitrochin. Blokada. 1941

D. I. Mitrokhin zaczął studiować drzeworytnictwo „prawie z ciekawości” pod wpływem Wsiewołoda Władimirowicza Wojnowa, jednego z inicjatorów i propagatorów odrodzenia drzeworytu jako niezależnej (niereprodukcyjnej) techniki sztalugowej, z którą dobrze współpracował Dmitrij Izydorowicz zaznajomiony ze „Światem sztuki” , - i prace muzealne; w 1941 r. razem wstąpili do milicji, przeżyli blokadę i razem przebywali w Ałma-Acie. W. Wojnow zapoznał z drzeworytami także B. M. Kustodiewa, który ze względu na chorobę w ostatnich latach nie odizolował się całkowicie od twórczości jedynie dzięki grawerowaniu.

D. Mitrochin. Domy na Karpowce. 1929. Drzeworyt

D. Mitrochin. Typy ulic. 1928. Drzeworyt

D. Mitrochin. Burza. 1932. Drzeworyt

D.I. Mitrokhin wykonał nieco ponad 70 rycin, ale nawet ta stosunkowo niewielka liczba prac w tym obszarze pozwala uznać go za jednego z najlepszych krajowych mistrzów drzeworytu. Począwszy od technik bliskich „czarnemu stylowi”, kiedy artysta preferował białą, nieco szorstką kreskę, później doszedł do „srebrnej palety bogatej w półtony i różnorodne elementy fakturalne”; obcy jest mu jakikolwiek „rozmach wirtuozerii” – początkowo w drzeworytach pociąga go malownicza ekspresja, w tym celu czasami oświetla ryciny akwarelami – czasem ledwo zauważalnymi, czasem – korpusowymi i bogato. I tutaj można zaobserwować integralność sztuki Mitrochina, o czym świadczy dobrze prześledzony związek jego drzeworytu z rysunkiem.

W twórczości tego okresu (lata 20. – koniec lat 30. XX w.) dominują cykle pejzażowe – liczne drzeworyty i ryciny (artysta celowo nie sięgał po akwafortę, doceniając czystą, żywą linię suchej igły i dłuta), litografie poświęcone ówczesnym obrzeża Leningradu - puste działki po stronie Piotrogrodu, parki na wyspach. „W tamtych latach Mitrokhin bezgranicznie przywiązał się do wyjątkowego krajobrazu tej części miasta. To właśnie tutaj, dzięki szybkiemu rozwojowi początku stulecia, przerwanemu przez I wojnę światową i rewolucję, powstał osobliwy architektonicznie zdezorganizowany konglomerat dużych apartamentowców z pustymi ścianami ogniowymi, pustymi działkami z potężnymi starymi drzewami, niekończącymi się płotami i powstały ocalałe domy drewniane. Krajobraz, jakiego nie można było zobaczyć w innych częściach dawnej stolicy, urzekł Mitrochina bolesnym kontrastem miasta nagle zatrzymującego się w swym postępie i wysp natury bohatersko stawiających mu opór.

Począwszy od paryskich szkiców, twórczość Dmitrija Mitrokhina niezmiennie zawiera wątek gatunkowy. Jej korzenie sięgają stabilnej i bogatej tradycji, sięgającej starożytności, kontynuowanej w średniowiecznej grafice książkowej, w miniaturach orientalnych, w rysunkach dawnych mistrzów, w rycinach renesansu, w typach ludowych Dürera, wśród małych Holendrów, w popularnych rosyjskich grafikach, wreszcie w japońskich grafikach ukiyo-e. Największą potrzebę społeczną nabrała w XVIII wieku w słynnej serii rycin francuskich i angielskich „Cries of Paris” i „Cries of London”; Tradycję tę rozwijają rysunki, litografie i porcelanowe figurki petersburskich typów ludowych z początku XIX wieku.

D. Mitrochin. Kwiaty w szklance. 1934. Kuter. Ruletka. Kolorowany nadruk

A jeśli sceny uliczne, małe postacie przechodniów, jako rodzaj „laski”, ożywiają prawie wszystkie krajobrazy D.I. Mitrochina, to w jego miejskim zestawie drzeworytów z połowy lat dwudziestych i wczesnych lat trzydziestych XX wieku postać, „człowiek z ulicy” zajmuje centralne miejsce. Dzieła tych cykli, czasem życzliwie ironicznych, a czasem wręcz groteskowych, wraz z szeregiem litografii i rycin większych formatów, jak najbardziej wpisują się w nazwaną tradycję („Typy uliczne”, „Lodziarz”, „Piłkarz”, „Sprzedawca kwiatów”). ” „Flosser” „Petrorayrabkoop” „itp.) .

Jednocześnie w latach trzydziestych XX wieku w serii odbitek końcowych D. I. Mitrochina, poświęconych życiu regionu Azowskiego, „malarstwo rodzajowe” zostało zastąpione motywami romantycznymi, podyktowanymi zainteresowaniem artysty „przedmiotem w jego specyficznym form, troska o integralność dekoracyjną i wyrazistość drzeworytu."

Biegłość w technikach drzeworytniczych, którą D.I. Mitrochin nabył w połowie lat trzydziestych XX wieku, w naturalny sposób skłoniła artystę do zmiany zainteresowań na rzecz grawerowania dłutem, które już wtedy go pociągało. O ile rytownictwo i litografia przeżywają renesans od lat dwudziestych XX wieku, o tyle rytownictwo w Rosji utraciło już cechy sztuki wysokiej, nabierając jedynie znaczenia użytkowego; W Europie Zachodniej również dopiero w latach 10-20 XX wieku niektórzy mistrzowie zaczęli rozumieć niezależną wartość grafiki, która również od dawna istniała jedynie wśród rzemiosła i reprodukcji. Artysta, mając ogólne pojęcie o technice grawerowania, nie miał wokół siebie żywych przykładów i właśnie zrozumienie jej możliwości rozwiązywania niezależnych problemów graficznych już od pierwszych eksperymentów odwodzi mistrza od technik reprodukcji - „maluje” grawerem. Przy tej okazji Yu A. Rusakov słusznie zauważył: „Nie będzie przesadą stwierdzenie, że było to nowe odkrycie grawerowania dłutem”. Wzbogacając możliwości tonalne, mistrz pracuje także suchą igłą, której swobodniejsza dyscyplina linii także przybliża ją w uzyskiwanych efektach do naturalnego rysunku, rysunku piórkiem, co było jednym z zadań autora – zachowanie ich żywotności i ciepła . Nie naśladuje jednak rysunku, a jedynie stara się, poprzez wykorzystanie możliwości metalorytu, nadać grafice świeżego wrażenia i emocjonalnego charakteru.

D. Mitrochin. Burza. 1932. Sucha igła

D. Mitrochin. Latarnia (fragment). 1928. Litografia

W latach 20. powrócił do tego samego tematu: pejzaży Piotrogrodu, martwej natury, Yeisk, ale otrzymał rozwinięcie fabuły - prace nabrały większej dynamiki, w niektórych przypadkach - jakości malowniczości. W połowie lat 30. stworzył cykl wielkoformatowych grafik poświęconych Centralnemu Parkowi Kultury i Kultury - kilka panoramicznych pejzaży opartych na szkicach wykonanych z okien. Osobną, niewielką grupę prac stanowiły martwe natury rytowane przez D.I. Mitrochina na przełomie lat 30. i 40. XX w., które autor początkowo przeznaczył do lekkiej akwareli; ogólny stan tych dzieł jest bliski wizji, do której doszedł znacznie później.

Metaloryt D. i Mitrochina jest wyjątkowym zjawiskiem w sztuce radzieckiej okresu przedwojennego. Prawdziwy kunszt, z jakim mistrz potrafił ucieleśnić subtelną strukturę emocjonalną i liryzm swojej artystycznej natury, nie znalazł odzewu na poparcie tego świeżego przedsięwzięcia, a prawdziwy obszar jego twórczości naprawdę sam zajmuje miejsce wśród „największych zjawiska europejskiego metalorytnictwa XX wieku” – zauważa artysta, krytyk sztuki Yu.A. Rusakov. Zgadza się z nim uznany specjalista, rytownik V. M. Zvontsov: „Jako jedyny rozwinął sztukę grawerowania do czasów współczesnych. Ta idea Mitrochina została wzmocniona opowieściami o nim od artystów starszego pokolenia, moich nauczycieli (V.N. Levitsky, L.F. Ovsyannikov, G.S. Vereisky i inni”.

Do drugiej połowy lat 20. tylko dwukrotnie zajął się obróbką kamienia. Z litografii stworzonej przez D.I. Mitrokhina połowa pochodzi z 1928 r. - pierwszego roku jego pełnoprawnych studiów nad tą techniką graficzną.

Aby zachować żywy kontakt miękkiego ołówka litograficznego z powierzchnią roboczą, zaniedbuje kserokopię, co pozwala mu przenieść wcześniej wykonany rysunek - artysta pracuje bezpośrednio na kamieniu. I tutaj wykorzystuje całe bogactwo technik: rysuje szerokim, lekkim pociągnięciem, posługuje się piórem, podkreśla ton drapaniem długimi, równoległymi pociągnięciami (co jest możliwe tylko przy pracy bezpośrednio na płaszczyźnie druku). Przede wszystkim wykonywał litografie sztalugowe do odbitek monochromatycznych - na jednym kamieniu, ale zdarzało się, że drukowano kilka litografii z 2, a nawet 3 kamieni (1929-1931).

W jego litografiach dominuje ten sam motyw, co w końcowej rycinie – ulica Leningradska, rybacki Yeisk. Najlepszą serią jest „Sześć litografii kolorowanych przez autora” (1928). I tutaj uwaga artysty skupiona jest na kolorowych typach ulic, prace te przywołują nam wygląd miasta, zapach minionej epoki...

Krótka fascynacja tą techniką zaowocowała doświadczeniem wykorzystania jej w grafice książkowej dla D. I. Mitrokhina – zaprojektowano „Dzieła wybrane” N. S. Leskowa (1931). Ostatnią litografię artysta wykonał w 1934 roku – jest to pejzaż Centralnego Parku Kultury i Kultury, do którego już nigdy więcej nie powrócił.

D. Mitrochin. Transport pod moim oknem. 1948-1949. Nóż

• 1944 – w lipcu przenosi się do Moskwy; od tego czasu zaczął systematycznie studiować akwarelę i rysunek; okresowo powraca do grafiki książkowej (do lat 60. XX w.).
• 1946 – wznawia naukę w zakresie metalorytnictwa (do 1951).
• 1959 - zaczyna pracować z kredkami.
• 1967-1969 - wykonał kilka rycin suchościeralnych.
• 1969 - nagrodzony tytułem Zasłużonego Artysty RFSRR.
• 1971 - ostatni artykuł D. I. Mitrokhina „Rysuj codziennie” („Kreatywność”, nr 4)
• 1973 - wystawy w Małej Galerii wydawnictwa „Art” (Drezno) oraz „W 90. i 70. rocznicę działalności twórczej” w Związku Artystów ZSRR w Moskwie (ponad 800 arkuszy). 7 listopada artysta zmarł.

W moskiewskim okresie twórczości D.I. Mitrochin dwukrotnie powrócił do metalorytu - 20 druków z drugiej połowy lat czterdziestych - wczesnych pięćdziesiątych XX wieku i kilka prac z końca lat sześćdziesiątych. Wśród tych dzieł jest kilka pierwszorzędnych, z których wymienić należy „Ram” (1948) – rycina bardzo wyrazista, dynamiczna, – „Jabłko i orzechy” (1969), które nawet bez ukrytej kolorystyki sprawia wrażenie całkowicie skończone.

Rysunek

DI Mitrochin. Krzesła. 1968. Ołówek

Przy wszystkich sukcesach D.I. Mitrokhina w grafice książkowej i osiągnięciach w grawerowaniu, najważniejszą i znaczącą częścią jego twórczości jest rysunek sztalugowy. Koncepcja ta łączy w sobie samą twórczość ołówkową i akwarelową oraz prace wykonane w technice mieszanej – główne zajęcia ostatnich trzydziestu lat jego życia. Setki małych kartek sztalugowych (zdecydowana większość wielkości kartki pocztówki lub notatnika) zawierają najbardziej żywy i efektowny wyraz światopoglądu artysty; bardzo organicznie połączyli zasady graficzne i obrazowe; te apartamenty, tworzone przez wiele lat, to wypełnione życiem strony pamiętnika.

Większość tych, którzy badali spuściznę Dmitrija Izydorowicza Mitrochina, dochodzi do wniosku, że ostatnie trzydzieści lat jego twórczego życia jest pod wieloma względami najciekawszymi. Jest to metoda, która całkowicie zadowalała artystę, nie krępowała go, nie zmuszała do przestrzegania porządku, to odnalazła uniwersalną formę autoekspresji, do której, czasem świadomie, czasem nieświadomie, sięgał przez wiele lat lat, jest to synteza wszystkiego, co rozumiał i co przeżył. , czego efektem jest odurzająca, wyważona narracja, złożona z prostych, naturalnych słów jasnego i harmonijnego języka setek dzieł. W tej ocenie ostatniego okresu, nie zaprzeczając znaczeniu wszystkiego, co zrobił wcześniej, zgadzają się wszyscy, którzy znali i cenili jego twórczość: M. W. Alpatow, Yu. A. Rusakov i E. A. Kibrik, N. I. Khardzhiev, V. M. Zvontsov, A. Ransoma i I. V. Golicyna, wreszcie rzeźbiarza L. V. Chagę, który bardzo subtelnie i z wyczuciem zrozumiał to dzieło, stając się wrażliwym i zatroskanym świadkiem triumfu prawdziwie wolnej sztuki.

DI Mitrochin. Jabłka i orzechy. 1969. Przecinarka, sucha igła. Kolorowany nadruk

Wasilij Michajłowicz Zvontsov, który stał na czele redakcji wydawnictwa Aurora (1973–1977) – najlepszego ówczesnego wydawnictwa krajowego i przygotowywał do publikacji książkę o D. I. Mitrochinie, po zobaczeniu zmuszony był przebudować monografię w całości to, czego artysta dokonał w ostatnich dziesięcioleciach. O „niespodziewanym i oszałamiającym” wrażeniu, jakie wywarły na nim te kartki zeszytu, opowiada o sobie: „Na ostatnim etapie tej drogi artysta osiągnął niezwykłą doskonałość, możliwą w rzadkich przypadkach. Uzyskał całkowitą jedność koncepcji i środków wyrazu.”

I rzeczywiście, w „trzecim” okresie swojej twórczości D. I. Mitrokhin obalił ugruntowaną opinię, że artysta nie może mieć „świeżego wyglądu”, „młodego postrzegania” na starość. Swoimi rysunkami, odpowiadając na opinię K. Hamsuna, że ​​„od nikogo nie można oczekiwać, że po pięćdziesięciu latach... napisze tak dobrze, jak pisał wcześniej” – mistrz przekonująco, hojnie i integralnością swoich dzieł deklaruje, że wiele zależy od wewnętrznego świata tej osoby i od dyscypliny, jaką się kieruje – artysta nie jest już w stanie narysować równej linii, ale jego prace szokują pewnością linii, dźwięcznością obrazów aż do ostatni dzień.

DI Mitrochin. Wnętrze. 1964. Ołówek

Tym, którzy przyszli do niego z zamiarem złożenia hołdu „żywej relikwii”, „ostatniemu światowemu artyście”, Dmitrij Izydorowicz oświadczył, że „że Mitrochina tam nie ma od dawna”, że „Mitrochin Knebla” nie w ogóle go interesuje. „Chwalili jego grafikę książkową... podziwiali jego ekslibrisy. Wśród tych gości byli nie tylko „pisarze”, „kolekcjonerzy”, ale także artyści. Żaden z nich nie pamiętał ani rycin, ani jego rysunków Mitrochina. Dmitrij Izydorowicz był bardzo zirytowany takimi gośćmi, zarumienił się ze złością i powiedział, że „jeszcze nie umarł”... Szerokimi, ciężkimi krokami chodził po pokojach. Ubranie jest zbyt luźne na jego wychudłym ciele. Przypomniały mi się rzeźby Giacomettiego. Ale oczy wyglądają bystre i młode. A ręce, niezwykle wyraziste, do końca zachowały wdzięk i siłę.

I w zależności od gotowości dostrzeżenia poszukiwań, które niepokoiły w tym momencie artystę, a D.I. Mitrochin był wnikliwy - zawsze „bardzo dobrze widział swojego rozmówcę”, rozkładał przed nim swoje najnowsze prace: zaskakująco różnorodne krajobrazy obserwowane z te same okna, bardzo wymowne realizacje - dwa, trzy obiekty, różne wnętrza widziane w tym samym pomieszczeniu...

To opowieść pozbawiona literackiego polotu, w której „bohaterowie” żyją własnym życiem, mają wyraźny charakter, temperament, wchodzą w interakcję i teatr - prawdziwy dramat dosłownie zmusza widza do poszukiwania, uchwycenia nastrojów i intonacji „aktorów” . Może to jedyna pozytywna alternatywa dla żydowskiej teatralności? Nawiasem mówiąc, D.I. Mitrochin dobrze znał N.N. Evreinowa, zarówno jako autora, jak i dramaturga, a także jako osobę (nawet „zgodzili się” w jednej publikacji - tylko pod tytułem „Prymitywnego dramatu Niemców” stworzona przez grafika marka wydawnicza „Polar Star”) – ponieważ, nawiasem mówiąc, znał wielu aktorów i pisarzy. Sam pisał wiersze w młodości - w 1908 r. w Charkowie N. Poyarkov opublikował almanach „Kryształ” wraz z okładką, co nie wyczerpuje udziału D. I. Mitrokhina w publikacji - umieszczone są dwa wiersze z jego cyklu „Na południe” tutaj: „Rybacy” i „Upał”, które inspirowane są wspomnieniami z Yeisk i Morza Azowskiego. W almanachu uczestniczyli Andrei Bely, Konstantin Balmont, Alexander (Alexander Bryusov), I. Novikov, S. Krechetov i inni.

„Jeszcze Leben”

D. Mitrochin. Orzech. 1969. Ołówek, akwarela

Początkowo D.I. Mitrochin z woli losu trafił do obozu tych, którzy byli najbliżej salonu, ale potem w Rosji była to nieunikniona droga estetyki, przeciwstawiającej się dominacji wulgarności, bezceremonialnie atakującej sztukę; Doświadczał także innych wpływów, pokonując je krok po kroku w dwóch trzecich swojej drogi, pozostając jednocześnie mistrzem najwyższej klasy.

„Droga powrotna”, ale droga do „nowych przestrzeni”, również była trudna, aż do czasu, gdy „przebił się nowy głos” – bolesna. „Zamówienia z wydawnictw są wstrzymywane. Klienci są zawiedzeni – dawny mistrz wirtuoz nie istnieje.”

Zdaniem L. Chagi artysta musiał zaczynać od studiów, nieśmiałych rysunków, „brudu” studenckich martwych natur, czarnych cieni. Ten mądry artysta przywraca „obiektywizm” przedstawianemu – z jedną tylko różnicą: teraz „składniki opowiadanego” są uduchowione, nadaje im nowy sens partycypacji, bez potrzeby sentymentalno-dekoracyjnej, superrealistycznej czy skrajnie ogólnej - nie są obojętni na widza, deklarując prawo do poufnego, szczerego dialogu artysty z nim... Autor jest przedstawicielem tych właśnie „głównych sił” (o czas powstania zapytał kiedyś jeden z polskich artystów) ich przybycie), które nie ogłaszając swojej nowości, nie deklarując się w terminologii wojskowej jako „oddziały zaawansowane” (które przestały nimi być, pojawiają się, gdy tylko zostały przejęte przez kulturę masową i wszędzie ogłoszone), spokojnie i konsekwentnie, bez reklamy i afektacji, zaczęli dobrze robić to, co kochają, nadając nowe znaczenie i przestrzeń – nie ma potrzeby wielkich formatów, aby wyrazić wielkie myśli.

Nawiasem mówiąc, kwiaty tutaj to nie tylko piękne rośliny lub ich odmiany, mają nie tylko cechy żywej istoty, ale także zdolność przekazywania odcieni nastroju swojego „drugiego” twórcy - sumiennego, cierpliwego i myślący uczeń „pierwszego”. Butelki farmaceutyczne, dzięki staranności autora, bardzo aktywnie przekraczają swoją użyteczność. Owoce cieszą, orzechy się chowają, muszle będą walczyć, tutaj krzesła są przedłużeniami swoich właścicieli, a nie odwrotnie.

„Były też tematy „andersonowskie” - igła i szpilka, kłębek sznurka. Rękodzieło-zabawki – gwizdki, konie, koguty, drewniane, malowane jajka – pojawiały się na rysunkach w najbardziej nieoczekiwanych wcieleniach i interpretacjach: zmieniały kolor, proporcje, przenoszone były w wyimaginowaną przestrzeń, rozgrywały się sceny i „małe tragedie”.

Suche gałęzie starego drzewa są obficie usiane kwiatami.

Galeria

Artykuły autorstwa DI Mitrokhina

• „Wystawy sztuki w Moskwie” - „Poranek”. Charków, 1907, 25 stycznia
• „Pośmiertna wystawa malarstwa B. E. Borysowa-Musatowa” – „Poranek”. Charków, 1907, 27 lutego
• „Czechy” - „Poranek”. Charków, 1907, 4 listopada
• K. Giesa. - „Młodzież”, 1907, nr 2-3, s. 20-30. 13, 14
• „Manga” autorstwa Hokusai. - „Rosyjska plotka”, 1912, 22 grudnia. Anonimowy, bez tytułu. - Pierwszy artykuł o wielkim japońskim artyście, napisany przez rosyjskiego autora. Autorstwo D. I. Mitrochina zostało odnotowane w raporcie P. I. Neradowskiego (1919).
• 1870 we francuskiej karykaturze. - „Głos życia”, 1915, nr 7, s. 16
• „Katastrofy wojny” Jacques’a Callota. - „Głos życia” (Piotrogród), 1915, nr 10, s. 25. 14, 16
• Rysunki VD Zamirailo. - „Nowy dziennik dla wszystkich” (Piotrograd), 1915, nr 5, s. 25. 54, 55
• O Narbutie (dotyczącym wystawy w Muzeum Rosyjskim) – w książce „Argonauci” (Piotrograd), 1923, s. 19-21
• Pamięci Narbuta. – Wśród kolekcjonerów, 1922, nr 9, s. 5-9
• O rysunkach M. Dobużyńskiego dla artysty Toupey N. Leskova i V. Konashevicha dla wierszy A. Feta. – Wśród kolekcjonerów, 1922, nr 7-8, s. 71, 72
• Uwagi dotyczące trawienia. - w książce P. A. Szylingowskiego „Rytownicy rosyjscy”. Kazań 1926
• V. M. Konashevich. - w książce „V. M. Konaszewicz o sobie i swojej działalności.” M. 1968. s. 115-119
• O rysunku. – Magazyn „Kreatywność”, 1971, nr 4, s. 25. 6-8

Stowarzyszenia artystyczne, których członkiem był D. I. Mitrokhin

Książki i artykuły o D. I. Mitrokhinie

• Zamirailo W. DI Mitrochin. - "Lustro". 1911. Nr 20
• Mantel A. D. Mitrochin. Przedmowa N. Roericha. Kazań. 1912
• Levinsona A. Publikacje artystyczne. - „Dzień” (aplikacja „Literatura, sztuka i nauka”). 1913, 16 grudnia.
• Fiłosofow D. Piękne książki. - "Przemówienie". 1915, 19 stycznia.
• Lisenkov E. Dwie książki z rysunkami Mitrochina. - „Dom Sztuki”. 1921, nr 2, s. 1921. 108, 109
• Wojnow Wsiewołod. Znaki książkowe autorstwa D. I. Mitrokhina. Petersburgu. 1921
• M. Kuźmin, Wojnow Wsiewołod . DI Mitrochin. Moskwa. 1922
• Kuzmin M. Voinov V. DI Mitrochin. Moskwa-Piotrograd. 1922
• Kusmin M. Woinov W. DI Mitrochin. Moskwa-Piotrograd. 1922
• Kuzmine M. Voinov V. DI Mitrokhine. Moskwa-Piotrograd. 1922
• Ettinger P. DI Mitrochin. M.: Literatura dziecięca. 1940
• Rusakow Yu. Nowe prace D. Mitrokhina. M.: Sztuka. 1961
• Alpatow M. Rysunki artysty Mitrokhina. Magazyn „Sztuka dekoracyjna ZSRR” nr 5. 1962. s. 32, 33
• Koivtun Y. Metaloryty Dmitrija Mitrochina. Literatura radziecka. Moskwa. 1964. I. PP. 167, 169
• Rusakow Yu. Dmitrij Izydorowicz Mitrochin. L.-M. 1966
• Aleksandrowa N. DI Mitrochin. – Sztuka książki. V. 5. M. 1968. S. 146-153
• Zvontsov W. Spuścizna Dmitrija Izydorowicza Mitrochina (1883-1973) - Magazyn Art. Nr 8. 1974. S. 33-38
• Suris B. Dmitrij Mitrochin. - Grafika radziecka „73. M. 1974. s. 78-84
• Alpatow M. Rysunki Mitrochina z ostatnich lat. - Zagadnienia sztuki radzieckiej. M. 1975. S. 238-251

Notatki

Źródła

• Dmitrij Mitrochin. L.: Aurora. 1977.
• Książka o Mitrochinie. Artykuły, listy, wspomnienia. Opracowane przez LV Chaga. Przygotowanie tekstu i notatek: I. Ya. Vasilyeva. - M .: Artysta RFSRR. 1986
• DI Mitrochin. Prace ostatnich lat. Zestaw pocztówek (dwujęzyczny). - Leningrad: Zorza polarna. 1973
na Wikimedia Commons
• Mały mook na stronie Runiverse z ilustracjami D. Mitrokhina
• Życie Almansora na stronie Runiverse z ilustracjami D. Mitrokhina

Mitrochin Dmitrij Izydorowicz (1883 - 1973 ) - ilustrator, projektant książek. Mistrz drzeworytu sztalugowego, litografii, ryciny dłutem i suchą igłą, rysunku sztalugowego i akwareli. Studiował w Moskwie, w Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury (1902 - 1904) u A.M. Vasnetsova, A.S. Stepanova; Centralna Szkoła Artystyczno-Przemysłowa Stroganowa przy S.V. Noakovsky, S.I. Jagużyński; Paryska Academie de la Grande Chaumiere pod przewodnictwem T. Steilina, E. Grasse (1905 - 1906). Pracował w artelu artystów „Murawa” (1904–1905, 1907–1908) w Moskwie. Mieszkał w Petersburgu (od 1908), Moskwie (od 1944). Członek stowarzyszenia Świat Sztuki (od 1916). Kustosz działu rysunku i ryciny w Państwowym Muzeum Rosyjskim (1918 - 1923). Wykładał w Leningradzie w Wyższym Instytucie Fotografii i Techniki Fotograficznej (1919 - 1923), w WKHUTEIN (1924 - 1930). Czczony Artysta RFSRR.

1965 Akwarela, tusz, gwasz, papier

1965 Akwarela, ołówek grafitowy, papier

Na Malajach Newce. 1939. Rycina dłutowa, akwarela

papier / akwaforta 1925

Papier pejzażowy / akwaforta 1947

Most. 1927. Grawerowanie dłutem

Transport pod moim oknem 1948-1949. Nóż

Wystawa w Państwowym Muzeum Literatury.

Wystawa w galerii Galeev.

"Rysuj codziennie, myśl o tym, co narysujesz następnym razem, obserwuj, szukaj, zawsze szukaj nowych sposobów przedstawienia. Rzeczywistość nigdy się nie powtarza. Zawsze szukaj, pozostając sobą, nigdy nie spoczywając na tym, co zostało zrobione. "

Dmitrij Mitrochin

"Rysuj codziennie, myśl o tym, co narysujesz następnym razem, obserwuj, szukaj, zawsze szukaj nowych sposobów przedstawienia. Rzeczywistość nigdy się nie powtarza. Zawsze szukaj, pozostając sobą, nigdy nie spoczywając na tym, co zostało zrobione. "
Dmitrij Mitrochin

"Był jedynym, który rozwinął sztukę grawerowania do dnia dzisiejszego. Ta idea Mitrochina została wzmocniona opowieściami o nim od artystów starszego pokolenia, moich nauczycieli (V.N. Levitsky, L.F. Ovsyannikov, G.S. Vereisky i inni ).”
V.M.Zvontsov

Dmitrij Izydorowicz Mitrochin (1883 - 1973) - rosyjski artysta, mistrz grafiki książkowej i sztalugowej.

Urodzony w rodzinie małego urzędnika i córki kupca kozackiego. Już jako dziecko, spędzając dużo czasu w drukarni swojego dziadka, zapoznał się ze sztuką drukarską i zainteresował się czytaniem. Po ukończeniu szkoły Yeisk Real wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury i w 1903 roku po raz pierwszy wziął udział w wystawie tej szkoły. Rok później przeniósł się do Szkoły Stroganowa, studiował w klasach rysunku Akademii Grande Chaumiere (Académie de la Grande Chaumiére), poświęcając wiele czasu na studiowanie zarówno współczesnej grafiki, jak i rysunków dawnych mistrzów, klasycznych rycin europejskich i japońskich.

Od 1908 roku Dmitry Mitrokhin współpracuje z kilkoma wydawnictwami i bierze udział w wystawie World of Art. Przez całe życie był członkiem wielu twórczych stowarzyszeń i stowarzyszeń artystycznych. Od 1908 roku zajmuje się systematycznie grafiką książkową, rysując dla wielu czołowych wydawnictw książkowych – „I. N. Knebel”, „Golicke i Wilborg”, „Oświecenie”, „Drukarka”, „M. i S. Sabasznikow” i inni. Dużo pracował nad ilustracjami do książek dla dzieci; w swojej twórczości kierował się jedną zasadą dla wszystkich elementów książki – wszystko, począwszy od okładki z wyklejkami, po czcionki i dekoracje, podporządkowane było stylistycznej wspólności.

W czasach sowieckich kontynuował swoją twórczość, łącząc ją z rytownictwem, akwafortą i litografią; od 1918 kierował Oddziałem Ryciny i Rysunku Muzeum Rosyjskiego, był profesorem Instytutu Fotografii i Sprzętu Fotograficznego oraz Wydziału Druku Akademii Sztuk Pięknych. W sumie zaprojektował i zilustrował ogromną liczbę książek, zaprojektował kilkadziesiąt znaczków wydawniczych, emblematów handlowych i etykiet, wykonał prawie pięćdziesiąt ekslibrisów.

Uczeń A. M. Vasnetsova (brat), A. S. Stepanov, S. I. Yaguzhinsky. W latach 1901–1903 odwiedził warsztat E. S. Kruglikowej w Paryżu. Od 1916 członek stowarzyszenia Świat Sztuki. Znajomość wybitnej postaci V.D. Zamirailo skłania go do wybrania ścieżki harmonogramu.

Malował w różnych technikach i uznawany jest za mistrza drzeworytu. W sztuce książki szczególną uwagę poświęcił nie ilustracjom paskowym, ale całemu zespołowi zdobniczemu i rytmicznemu okładki, wyklejek, karty tytułowej, nagłówków i zakończeń itp., starannie rysując każdy element, po mistrzowsku utrzymując ogólną styl książki.

"Statek widmo"
Ilustrator Dmitrij Mitrochin
Wilhelma Hauffa
Kraj Rosja
Rok wydania 1913
Wydawnictwo I.N. Knebel

rysunki i ryciny

"Kiedy ludzie pytają mnie, które z moich dzieł cenię najbardziej, zazwyczaj odpowiadam: te, które zostaną wykonane jutro. Bo praca całego Twojego życia przygotowuje Cię na to, co będziesz robić jutro."
D.I.Mitrokhin

Biografia

Wybitny rosyjski i radziecki grafik, ilustrator, mistrz ryciny sztalugowej, akwaforty i litografii; autor wielu ilustracji książkowych. Krytyk sztuki. Kierował sekcją graficzną leningradzkiego oddziału Związku Artystów ZSRR (LOSKh, 1932–1939). Czczony Artysta RFSRR (1969).

Dmitrij Isidorowicz Mitrochin urodził się w mieście Yeisk na terytorium Krasnodaru. Po ukończeniu Yeisk Real School (1902) wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury (MUZHVZ). W MUZHVZ nauczycielami D. I. Mitrokhina byli A. M. Vasnetsov i A. S. Stepanov. W 1904 roku przeniósł się do szkoły Stroganowa. Jego ceramika bierze udział w XII wystawie Moskiewskiego Związku Artystów (1905); w listopadzie udaje się do Paryża przez St. Petersburg i Kolonię. W 1906 studiował w klasie rysunku Akademii Grande Chaumiere (Académie de la Grande Chaumiére) u E. Grasseta i T. Steinlena.

Artysta pracuje w kilku wydawnictwach w Petersburgu (1908). Na zaproszenie A. Benoisa i K. Somowa Mitrokhin bierze udział w wystawie „Świat sztuki”. Bierze udział w „Salonie” S. Makowskiego oraz w VI wystawie Związku Artystów Rosyjskich.

Dmitrij Mitrochin jest członkiem wielu stowarzyszeń artystycznych: „Murava” (Artel artystów ceramiki, 1904–1908), Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów (1905–1924), Towarzystwa Leonarda da Vinci (1906–1911), Twerskiego Koła Społeczno-Pedagogicznego ( 1909–1913), Związek Artystów Rosyjskich (SRH, 1910–1923), „Pierścień” (1911–1914), „Salon Moskiewski” (1911–1921), „Mieszkanie nr 5” (1915–1917), „Świat Sztuki” (1916–1924), „Dom Sztuki” (1919–1922), Stowarzyszenie Artystów Rosji Rewolucyjnej (1922–1932), „Szesnastka” (1923–1928), „Kolor ciepła” (1923–1929) , Sekcja Rytów (OPH, 1928–1929), Towarzystwo Malarzy (1928–1930). Członek-założyciel Towarzystwa Artystów Grafików (1928–1932).

Pracuje jako kierownik Działu Ryciny i Rysunku Muzeum Rosyjskiego (1918), profesor Wyższego Instytutu Fotografii i Techniki Fotograficznej (1919–1926). Profesor wydziału drukarskiego Wyższego Instytutu Artystyczno-Technicznego (1924–1930) w Leningradzie.

Stworzył kilkadziesiąt marek wydawniczych, emblematów handlowych i etykiet. W dziedzinie „małych form”, którą opanował D.I. Mitrokhin w latach 1910. XX wieku, znak książki zajmuje szczególne miejsce. Doskonały mistrz kompozycji, doskonale władający zarówno elementami zdobniczymi, jak i graficznymi książki, z dużym wyczuciem jej natury, wykonał blisko pięćdziesiąt ekslibrisów (większość z nich pochodzi z lat 1919–1923).

W czasach sowieckich artysta z powodzeniem zajmował się grafiką sztalugową, projektował i ilustrował książki; jest autorem ogromnej serii miniatur z gatunku kameralnej martwej natury. Tę pracę ilustratora, którą wykonywał z miłością, z entuzjazmem i bardzo sukcesem połączył ją ze studiami w zakresie rytownictwa, akwaforty i litografii. Zaprojektował i zilustrował znaczną liczbę książek i czasopism w różnych wydawnictwach - „Ogni”, „Petropolis”, „Petrograd”, „Myśl”. „Surf” i wiele innych, w tym najlepsze – Academia (z którą współpracował przez około sześć lat): „Siedem portretów miłosnych” A. de Regniera (1920, 1921; Piotrogród), baśniowy wiersz Mariny Cwietajewej „The Carska Dziewica” (1922); – zabawne rysunki piórem wykonane w tradycyjny już dla artysty sposób przy projektowaniu „Złotego robaka” Edgara Poe (1922), „Epsin” Bena Jonsona (1920, 1921; „Petropolis”), – ilustracje Victora Hugo (1923), Henriego Barbusse’a, Octave’a Mirbeau, „Księgi komedii” Arystofanesa (1930), „Etiopikę” Heliodora (1932).

W latach dwudziestych XX w. D. I. Mitrochin ponownie zetknął się z literaturą dziecięcą, zilustrował i zaprojektował kilka książek, wśród których znajdują się wspomniane już „Złoty Bug” Edgara Allana Poe (1921–1922) i „Podróż do krainy kina” autorstwa Należy podkreślić V. Szkłowskiego (1926), „Październikowe ABC” (1927). Praca nad najnowszym wydaniem po raz kolejny potwierdza znakomite mistrzostwo artysty w sztuce pisania. Pojawienie się dwutomowej powieści satyrycznej K. Immermanna „Munchausen” (1930–1932) sugeruje, że artysta podszedł do całej konstrukcji tej publikacji bardzo pomysłowo: bohaterowie dzieła zostali ostro karykaturowani, zamieniając się w oryginalne, zabawne komentarze w książce układ stron tytułowych jest dowcipny; oprawa, wyklejka, obwoluta - wszystko jest w harmonii. Od jesieni 1939 roku D. I. Mitrochin pracował nad projektem książki z baśniami H. C. Andersena, na zamówienie niemieckiego wydawnictwa. Jak wynika z listów artysty, ciekawe ilustracje, sądząc po nielicznych zachowanych egzemplarzach, kontynuował on już w połowie czerwca 1941 roku – publikacja ta nie miała ujrzeć światła dziennego.

Od połowy lat trzydziestych XX wieku dla D.I. Mitrokhina grafika książkowa nie ma już pierwszorzędnego znaczenia w twórczości, zaczyna ustąpić miejsca drzeworytom, metalorytom, rysunkom i akwarelom. Praca z życia nigdy nie była wyłączona z szeregu stałych zajęć, ze sfery zainteresowań artysty, który stale poszukiwał i doskonalił się w tym obszarze. Dmitrij Mitrochin wykonał nieco ponad 70 rycin, ale nawet ta stosunkowo niewielka liczba prac w tej dziedzinie pozwala uznać go za jednego z najlepszych krajowych mistrzów drzeworytu. Zaczynając od technik bliskich „czarnemu stylowi”, kiedy artysta preferował białą, nieco szorstką kreskę, później doszedł do „srebrnej palety bogatej w półtony i różnorodne elementy fakturowe”.

Mitrochin zaczął studiować drzeworytnictwo „niemal z ciekawości” pod wpływem V.V. Voinowa, jednego z inicjatorów i propagatorów odrodzenia drzeworytu jako niezależnej (niereprodukcyjnej) techniki sztalugowej, z którym Dmitrij Izydorowicz był dobrze zaznajomiony „Świat Sztuki” – i twórczość muzealna; w 1941 r. razem wstąpili do milicji, przeżyli blokadę i razem przebywali w Ałma-Acie. Mitrochin pracował w Wydawnictwie Sztabu Generalnego, a od 1941 do 1942 w Instytucie Transfuzji Krwi. Stworzył około 100 rysunków ołówkiem i akwarelą, w tym te poświęcone życiu oblężonego miasta.

Metaloryt D. i Mitrochina jest wyjątkowym zjawiskiem w sztuce radzieckiej okresu przedwojennego. Prawdziwy kunszt, z jakim mistrz potrafił ucieleśnić subtelną strukturę emocjonalną i liryzm swojej artystycznej natury, nie znalazł odzewu na poparcie tego świeżego przedsięwzięcia, a prawdziwy obszar jego twórczości naprawdę sam zajmuje miejsce wśród „największych zjawiska europejskiego metalorytnictwa XX wieku” – zauważa artysta, krytyk sztuki Yu.A. Rusakov.

Do drugiej połowy lat dwudziestych XX w. tylko dwukrotnie zajął się obróbką kamienia. Z litografii stworzonej przez D.I. Mitrokhina połowa pochodzi z 1928 r. - pierwszego roku jego pełnoprawnych studiów nad tą techniką graficzną. Aby zachować żywy kontakt miękkiego ołówka litograficznego z powierzchnią roboczą, zaniedbuje kserokopię, co pozwala mu przenieść wcześniej wykonany rysunek - artysta pracuje bezpośrednio na kamieniu. I tu wykorzystuje całe bogactwo technik: rysuje szerokim, lekkim pociągnięciem, posługuje się piórem, rozjaśnia ton drapiąc długimi, równoległymi pociągnięciami. Przede wszystkim wykonywał litografie sztalugowe do odbitek monochromatycznych – na jednym kamieniu, ale zdarzało się, że drukowano kilka litografii z 2, a nawet 3 kamieni (1929–1931).

W jego litografiach dominuje ten sam motyw, co w końcowej rycinie – ulica Leningradska, rybacki Yeisk. Najlepszą serią jest „Sześć litografii kolorowanych przez autora” (1928). I tutaj uwaga artysty skupiona jest na kolorowych typach ulic, prace te przywołują nam wygląd miasta, zapach minionej epoki.

Krótka fascynacja tą techniką zaowocowała doświadczeniem wykorzystania jej w grafice książkowej dla D. I. Mitrokhina – zaprojektowano „Dzieła wybrane” N. S. Leskowa (1931). Ostatnią litografię artysta wykonał w 1934 roku – jest to pejzaż Centralnego Parku Kultury i Kultury, do którego już nigdy więcej nie powrócił.

Przy wszystkich sukcesach D.I. Mitrokhina w grafice książkowej i osiągnięciach w grawerowaniu, najważniejszą i znaczącą częścią jego twórczości jest rysunek sztalugowy. Koncepcja ta łączy w sobie właściwą twórczość ołówkową i akwarelową oraz prace wykonane w technice mieszanej – główne zajęcia ostatnich trzydziestu lat jego życia. Setki małych kartek sztalugowych (zdecydowana większość wielkości kartki pocztówki lub notatnika) zawierają najbardziej żywy i efektowny wyraz światopoglądu artysty; bardzo organicznie połączyli zasady graficzne i obrazowe; te apartamenty, tworzone przez wiele lat, są kartami wypełnionego życiem pamiętnika. Twórczość D. I. Mitrochina ulegała zmianom przez prawie pół wieku jego aktywnej pracy na tym polu, jakby antycypując odwołanie się artysty do jedynej dla niego możliwej, ale także najbardziej żywej, unikalnej formy zastosowania jego talentu - rysunku, który od pewnego momentu stanie się uniwersalnym środkiem wyrazu jego światopoglądu. Można odnieść wrażenie, że tę samą funkcję „przygotowawczą” pełniły inne rodzaje grafiki sztalugowej, jakby pomagając artyście odnaleźć ten lapidarny, zrozumiały, lecz daleki od jednosylabowego języka głównej treści i pojemności indywidualnej, całkowicie niezależnej grafiki charakter pisma dzieł.

Dmitrij Izydorowicz Mitrochin, który przeżył długie twórcze życie, miał szczęście studiować, współpracować, przyjaźnić się, być w stowarzyszeniach i stowarzyszeniach z wieloma artystami, wśród których byli tacy, których ślad na sztuce XX wieku jest porównywalny z wpływem na temat przebiegu historii najważniejszych odkryć epoki. W pierwszych wierszach autobiograficznych notatek artysty znajdują się nazwiska M. F. Larionowa, N. S. Gonczarowej i A. V. Fonvizina, którzy studiowali obok niego i przyjaźnili się z nim - S. T. Konenkov i S. V. Malyutin.

W różnych okresach pojmowania dróg wyrazu i mistrzostwa zainteresowanie artysty skupiało się na różnych ich przejawach i przy różnym stopniu ich wpływu na światopogląd twórcy – czasem efemerycznego i niemal oportunistycznego, a przez to łatwego i bezbolesnego do przezwyciężenia, jak np. np. salon, Beardsley, nowoczesne trendy wymagające dłuższej „neutralizacji” motywów czysto dekoracyjnych, stylizowanych zdobniczych, popularnego druku i motywów drukowanych; lub wręcz przeciwnie, w postaci głębokiego, istotnego zrozumienia, które zrealizowało się w systemie poglądów artysty - ryciny zachodnioeuropejskie i japońskie. „Ale po przejściu tych zainteresowań” – pisze M. V. Alpatov – „powrócił do takich wartości artystycznych, które przekraczają granice czasu i przestrzeni i istnieją wszędzie”.

Twórczość artysty D. I. Mitrochina prezentowana jest w Muzeum Rosyjskim (GRM), Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Rosyjskim Archiwum Literatury i Sztuki (RGALI), Rosyjskiej Bibliotece Narodowej (St. Petersburg), Muzeum Sztuk Pięknych w Karelii, Narodowej Galerii Republika Komi, Muzeum Sztuk Pięknych Udmurtu, Muzeum Sztuki Czuwasz, Muzeum Ługańska, wiele prywatnych kolekcji i galerii.

Ten adres e-mail jest chroniony przed robotami spamującymi. Aby go zobaczyć, musisz mieć włączoną obsługę JavaScript.

Biografia

Dmitrij Izydorowicz Mitrochin(1883-1973) – rosyjski grafik, ilustrator, autor książek, krytyk sztuki.

Urodzony w rodzinie małego urzędnika i córki kupca kozackiego. Już jako dziecko, spędzając dużo czasu w drukarni swojego dziadka, zapoznał się ze sztuką drukarską i zainteresował się czytaniem. Po ukończeniu szkoły Yeisk Real wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury i w 1903 roku po raz pierwszy wziął udział w wystawie tej szkoły. Rok później przeniósł się do szkoły Stroganowa, uczył się na lekcjach rysunku w Akademii Grand Chaumiere (Académie de la Grande Chaumiere), poświęcając dużo czasu na studiowanie zarówno współczesnej grafiki, jak i rysunków dawnych mistrzów, klasycznych rycin europejskich i japońskich.

Od 1908 roku Dmitry Mitrokhin współpracuje z kilkoma wydawnictwami i bierze udział w wystawie World of Art. Przez całe życie był członkiem wielu twórczych stowarzyszeń i stowarzyszeń artystycznych. Od 1908 roku zajmuje się systematycznie grafiką książkową, rysując dla wielu czołowych wydawnictw książkowych – „I. N. Knebel”, „Golicke i Wilborg”, „Oświecenie”, „Drukarka”, „M. i S. Sabasznikow” i inni. Dużo pracował nad ilustracjami do książek dla dzieci; w swojej twórczości kierował się jedną zasadą dla wszystkich elementów książki – wszystko, począwszy od okładki z wyklejkami, po czcionki i dekoracje, podporządkowane było stylistycznej wspólności.

W czasach sowieckich kontynuował swoją twórczość, łącząc ją z rytownictwem, akwafortą i litografią; od 1918 kierował Oddziałem Ryciny i Rysunku Muzeum Rosyjskiego, był profesorem Instytutu Fotografii i Sprzętu Fotograficznego oraz Wydziału Druku Akademii Sztuk Pięknych. W sumie zaprojektował i zilustrował ogromną liczbę książek, zaprojektował kilkadziesiąt znaczków wydawniczych, emblematów handlowych i etykiet, wykonał prawie pięćdziesiąt ekslibrisów.

Rysuję głównie ołówkiem (ołówkiem). Potem lubię kolorować swój rysunek akwarelami. Ten sposób pracy najwyraźniej powstał w wyniku długotrwałego grawerowania. Ołówek często kładzie się jak długopis do grawerowania lub igła do grawerowania. Czasami używam kolorowych kredek. Ale nie jestem malarzem, kolor w moich pracach odgrywa rolę drugorzędną. Podstawą, projektem, jest rysunek. Rozmiary rysunków (najwyraźniej w wyniku wielu lat pracy nad książką) nie przekraczają wielkości stron książki. Wszystko, co chcę powiedzieć, mieści się na małej kartce papieru. Mówię cicho i zwięźle.

Nie mogę powiedzieć nic nowego o rysunku. Nic poza prostymi zasadami określonymi w każdym podręczniku. To jest metoda, która przyświecała mi przez całe życie: rysuj, rysuj, rysuj. Rysuj codziennie, dopóki żyjesz, dopóki istniejesz, ponieważ rysowanie to życie, łączenie się ze wszystkimi żywymi istotami. Rysunek jest podstawą wszelkiej sztuki pięknej, wszystkich jej rodzajów.

Czerpanie z życia to badanie otaczającej nas rzeczywistości, całego rozległego życia: ludzi, krajobrazów, domów, chmur, światła, cienia, rzeczy żyjących blisko nas.

Nie lubię określenia „martwa natura”. Inne lepsze określenie: „Still-Leben”. Spokojne, ukryte życie, które artysta może i powinien zobaczyć.

Przez całe swoje życie zajmuję się głównie ilustrowaniem książek. Powstało także wiele kompozycji, rycin i litografii. Podstawą całej mojej pracy zawsze były rysunki i szkice z życia.

Zanim zaczniesz rysować, musisz zobaczyć: im więcej rysunków wykonasz z życia, tym łatwiej będzie przedstawić to, co wymyśliłeś, przeczytałeś lub usłyszałeś.

Rysuj codziennie, myśl o tym, co narysujesz następnym razem, obserwuj, szukaj, zawsze szukaj nowych sposobów przedstawienia. Szukaj, zawsze pozostań sobą i nigdy nie opieraj się na tym, co zostało zrobione. Rzeczywistość ciągle się zmienia. Każdego dnia w oknie pojawia się nowy krajobraz, rzeczy układają się w nowy sposób, zmienia się światło i przestrzeń, powstają nowe, tajemnicze relacje. Kwiaty pojawiają się i opadają. Ktoś przynosi nieoczekiwane owoce z odległych krain. Ludzie przechodzą obok okna, wieszają pranie na podwórku, czyszczą dywany i grają w siatkówkę. Jeździec podąża ze stajni na hipodrom, ptaki gromadzą się w poszukiwaniu pożywienia, pędzą samochody, a na stronę schodzi coś skrzydlatego. Przechodnie zatrzymywali się i rozmawiali (tak się teraz ubiera!). Obserwuj, rysuj, zawsze ucz się nowych rzeczy.

W ostatnich latach niewiele graweruję, jedynie rysuję. Rysunek jest przecież odrębną dziedziną sztuki pięknej. Chciałabym tworzyć rysunki kompletne, niczym kryształy i co najważniejsze – żywe. Ale bardzo rzadko to, co się robi, jest przyjemne. Rysuję głównie ołówkiem (ołówkiem). Potem lubię kolorować swój rysunek akwarelami. Ten sposób pracy najwyraźniej powstał w wyniku długotrwałego grawerowania. Ołówek często kładzie się jak długopis do grawerowania lub igła do grawerowania. Czasami używam kolorowych kredek. Ale nie jestem malarzem, kolor w moich pracach odgrywa rolę drugorzędną. Podstawą, projektem, jest rysunek. Rozmiary rysunków (najwyraźniej w wyniku wielu lat pracy nad książką) nie przekraczają wielkości stron książki. Wszystko, co chcę powiedzieć, mieści się na małej kartce papieru. Mówię cicho i zwięźle.

Moje rysunki pogrupowane są w serie. Seria łączy w sobie albo fabułę – kwiaty, ryby, pejzaże, wnętrza, albo materiał, którego używam w danym okresie: kredki lub akwarele, torchon czy papier whatman. Uważam, że od czasu do czasu konieczna jest zmiana materiałów i narzędzi, których używam. Jest to tak samo konieczne, jak nowa fabuła, nowa natura. Za wszelką cenę staram się osiągnąć, szukać nowego, żywego i jasnego języka wizualnego.

Mój zły stan zdrowia od najmłodszych lat oraz wiek uniemożliwiają mi realizację chęci rysowania ludzi - portretów, zbliżeń grup ludzi. Na moich rysunkach ludzie to najczęściej małe postacie przemykające w oddali. Widzę je jak przez odwróconą lornetkę. Dlatego też przedmioty nieistotne, zwane nieożywionymi, często pojawiają się na moich rysunkach jako fabuła, motyw (np. szkło farmaceutyczne, krzesła).

Ludzie mają tendencję do posiadania percepcji ograniczonej w pewnych granicach. Rama może być szersza lub węższa, ale jest też głębokość. Pracując i obserwując, staram się wydobyć i zidentyfikować nie tylko kształt, ciężar, relacje przestrzenne (swoją drogą kartka, powierzchnia papieru ustanawia nowe relacje przestrzenne), ale także uczę się je kontrolować i różnicować. Staram się odnaleźć i przekazać widzowi poetycką i filozoficzną esencję tego, co jest przedstawiane. Prawie zawsze znajduję w rzeczach jakiś rodzaj życzliwości i życzliwości. I chcę o tym porozmawiać.

Pamiętam niesamowite rysunki Vrubela, którego idolem był jeden z moich przyjaciół-nauczycieli - V. D. Zamirailo, - S. V. Noakovsky, S. P. Yaremich, K. S. Petrov-Vodkin. Kaligrafia Zamiraila i jego podziw dla rysunków Vrubela, doskonałe rysunki kredą Noakowskiego na tablicy, petersburskie rysunki Yaremicha i jego bogaty zbiór rysunków i rycin dawnych mistrzów, niezwykła świadomość P. D. Ettingera wobec dzieł mistrzów rosyjskich i zagranicznych, rozmowy o sztuce z Petrovem-Vodkinem (interesowały go moje ryciny za pomocą noża do metalu) - wszystko to niewątpliwie wpłynęło na moją formację artystyczną.

Gdy patrzę na moje rysunki, te najbardziej udane wydają mi się obce, natomiast niedociągnięcia odczuwam jak własne. Będzie to łatwe, jeśli zrobisz to sto razy. Ciągle pamiętam nieśmiertelnego Hokusai, niezrównaną „Mangwę”. Kiedy ludzie pytają mnie, które z moich dzieł cenię najbardziej, zazwyczaj odpowiadam: te, które będą zrobione jutro. Ponieważ pracą całego twojego życia jest przygotowanie się do tego, co będziesz robić jutro.”

(c) „Rysuj codziennie”
Magazyn „Kreatywność”, 1971, nr 4

„Po osiągnięciu dziewięćdziesięciu lat - wieku, w którym tylko nieliczni są w stanie naprawdę twórczo pracować - Mitrokhin nadal niestrudzenie pracował aż do ostatniego dnia, ponieważ dla niego sens jego istnienia koncentrował się na rysowaniu. Ale być może najbardziej niezwykłą rzeczą jest to, że Mitrochin nie tylko pracował, ale stale rozwijał się jako artysta. Rok po roku, dzień po dniu poszukiwał „nowego, żywego i jasnego”, jak sam to określił, „języka wizualnego”. I znalazł nowe sposoby, środki, formy wyrażania obserwacji, osiągając w rysowaniu coraz pełniejsze i głębsze odsłonięcie ciągle zmieniającej się, nigdy nie powtarzającej się rzeczywistości.

(c) Yu.A. Rusakow.

„W życiu twórczym Dmitrija Izydorowicza nie jest trudno wyróżnić pewne okresy, ale żaden z nich nie jest cyklem zamkniętym, wszystkie są kamieniami milowymi na jednej, długiej drodze, ciągłym dążeniu do wysokiego celu. Na ostatnim etapie tej drogi artysta osiągnął niezwykłą doskonałość, możliwą w rzadkich przypadkach. Uzyskał całkowitą jedność koncepcji i środków wyrazu. Na drodze do tej doskonałości artysta pokonywał takie trudy życiowe, z którymi niewielu jest w stanie sobie poradzić. Choroba zmusiła go do zamknięcia się w małym mieszkaniu na ponad dziesięć lat i odmowy szerokiego komunikowania się z ludźmi. Artysta odkrył pełne wydarzeń życie na swoim własnym biurku, w każdym zakątku pokoju. Poprzez otaczające go przedmioty mógł doświadczyć współczesnego świata i opowiedzieć o swoim afirmującym życie, optymistycznym podejściu do niego.”