.
Artysta, który w 1994 roku ukończył Twerską Szkołę Artystyczną z dyplomem z projektowania graficznego, zadziwia wyobraźnię swoim niezwykłym stylem i pięknymi kompozycjami.
Jest twórcą naprawdę wyjątkowych ilustracji z akcentem retro. Waldemar Kazak to artysta z poczuciem humoru, ma szczególną wizję życia codziennego, umie śmiać się z codzienności, często naśmiewa się z znaczenia bajek dla dzieci, polityków i współczesnej młodzieży.
Współczesny ilustrator pracuje w gatunku codziennym, z naciskiem na karykaturę. Bohaterów dzieł Kazaka trudno nie zauważyć i nie zapamiętać. Wszystkie są bardzo kolorowe, wyraziste i jasne.
Jego zapierające dech w piersiach kompozycje przepełnione są stylem estetyki powojennej, który ugruntował się w latach 50. XX wieku, a blask retro przejawia się dosłownie we wszystkim: od wyboru tematu obrazu po dobór kolorów.
Tak o swoim stylu mówi sam Waldemar Kazak:
Jak każda osoba (lub artysta) mam swój własny charakter pisma. Ale nie pielęgnuję go, bo boję się popaść w maniery. Ponadto na rynku istnieje zapotrzebowanie na jasne, indywidualne teksty. Tak, właściwie wszyscy już to wiedzą.
Oszałamiająco jasne, ekscytujące, przyciągające wzrok rysunki artystyczne w stylu retro Waldemara Kazaka nie pozostawią nikogo obojętnym!
Gatunki malarskie pojawiały się, zyskiwały na popularności, zanikały, pojawiały się nowe, a w obrębie istniejących zaczęto wyodrębniać podtypy. Proces ten nie zatrzyma się, dopóki człowiek istnieje i próbuje uchwycić otaczający go świat, czy to przyrodę, budynki czy innych ludzi.
Wcześniej (do XIX w.) istniał podział gatunków malarskich na tzw. gatunki „wysokie” (francuski grand gatunek) i „niskie” (francuskie petit gatunek). Podział ten powstał w XVII wieku. i opierał się na przedstawionym temacie i fabule. Do gatunków wysokich zaliczały się pod tym względem: batalistyczny, alegoryczny, religijny i mitologiczny, a do gatunków niskich – portret, pejzaż, martwa natura, zwierzęcość.
Podział na gatunki jest dość dowolny, gdyż w obrazie mogą występować jednocześnie elementy dwóch lub więcej gatunków.
Animalizm lub gatunek zwierzęcy
Animalizm, czyli gatunek zwierzęcy (od łacińskiego zwierzę – zwierzę) to gatunek, w którym głównym motywem jest wizerunek zwierzęcia. Można powiedzieć, że jest to jeden z najstarszych gatunków, bo... rysunki i postacie ptaków i zwierząt były obecne w życiu ludzi prymitywnych. Na przykład w znanym obrazie I.I. W „Poranku w sosnowym lesie” Szyszkina przyrodę przedstawia sam artysta, a niedźwiedzie przedstawia zupełnie inny artysta, specjalizujący się w przedstawianiu zwierząt.
I.I. Szyszkin „Poranek w sosnowym lesie” Jak można rozróżnić podgatunek? Gatunek hippiczny(od greckich hipopotamów - koń) - gatunek, w którym centrum obrazu stanowi wizerunek konia.
NIE. Sverchkov „Koń w stajni” Portret
Portret (od francuskiego słowa portret) to obraz, na którym centralny obraz przedstawia osobę lub grupę osób. Portret oddaje nie tylko podobieństwo zewnętrzne, ale także odzwierciedla świat wewnętrzny i przekazuje uczucia artysty wobec osoby, której portret maluje.
TJ. Repin Portret Mikołaja II Gatunek portretowy dzieli się na indywidualny(obraz jednej osoby), Grupa(obraz kilku osób), ze względu na charakter obrazu - do drzwi wejściowych, gdy osoba jest przedstawiona w pełni rozwiniętej postaci na tle architektonicznym lub krajobrazowym oraz izba, gdy osoba jest przedstawiona do wysokości klatki piersiowej lub talii na neutralnym tle. Grupa portretów, połączona jakąś cechą, tworzy zespół, czyli galerię portretów. Przykładem mogą być portrety członków rodziny królewskiej.
Wyróżnia się osobno autoportret, w którym artysta przedstawia siebie.
K. Bryullov Autoportret Portret to jeden z najstarszych gatunków – pierwsze portrety (rzeźbiarskie) istniały już w starożytnym Egipcie. Portret taki działał w ramach kultu życia pozagrobowego i był „sobowtórem” osoby.
Sceneria
Krajobraz (od francuskiego paysage – kraj, obszar) to gatunek, w którym centralnym obrazem jest obraz natury – rzek, lasów, pól, morza, gór. W krajobrazie najważniejsza jest oczywiście fabuła, ale nie mniej ważne jest oddanie ruchu i życia otaczającej przyrody. Z jednej strony przyroda jest piękna i budzi podziw, z drugiej jednak dość trudno oddać to na zdjęciu.
C. Monet „Pole maków w Argenteuil” Podgatunkiem krajobrazu jest pejzaż morski lub przystań(z francuskiego marine, włoskiego marina, z łac. marinus - morze) - obraz bitwy morskiej, morza lub innych wydarzeń rozgrywających się na morzu. Wybitnym przedstawicielem malarzy morskich jest K.A. Aiwazowski. Warto zauważyć, że artysta zapisał wiele szczegółów tego obrazu z pamięci.
I.I. Aiwazowski „Dziewiąta fala” Często jednak artyści starają się malować morze z życia, jak np. W. Turner za obraz „Zamieć. Parowiec przy wejściu do portu daje sygnał SOS po wejściu na płytką wodę” – spędził 4 godziny przy mostku kapitańskim statku płynącego w czasie sztormu.
W. Turner „Zamieć. Parowiec przy wejściu do portu daje sygnał SOS po wejściu na płytką wodę.”Element wody jest również przedstawiany w pejzażu rzecznym.
Oddzielnie przydziel pejzaż miejski, w którym głównym tematem obrazu są ulice i budynki miast. Rodzaj krajobrazu miejskiego to Weduta– obraz krajobrazu miejskiego w formie panoramy, z pewnością zachowaną skalę i proporcje.
A. Canaletto „Plac Świętego Marka”Istnieją inne rodzaje krajobrazu - wiejskie, przemysłowe i architektoniczne. W malarstwie architektonicznym tematem przewodnim jest obraz pejzażu architektonicznego, czyli tzw. budynki, konstrukcje; zawiera zdjęcia wnętrz (dekoracja wnętrz lokali). Czasami Wnętrze(z francuskiego intérieur - wewnętrzny) wyróżnia się jako odrębny gatunek. Inny gatunek wyróżnia się w malarstwie architektonicznym — Capriccio(z włoskiego capriccio, kaprys, kaprys) - architektoniczny krajobraz fantasy.
Martwa natura
Martwa natura (z francuskiego nature morte – martwa natura) to gatunek poświęcony przedstawieniu obiektów nieożywionych, które są umieszczone we wspólnym środowisku i tworzą grupę. Martwa natura pojawiła się w XV-XVI wieku, ale jako odrębny gatunek pojawiła się w XVII wieku.
Pomimo tego, że słowo „martwa natura” tłumaczone jest jako martwa natura, na obrazach pojawiają się bukiety kwiatów, owoców, ryb, dziczyzny, potraw – wszystko wygląda „jak żywe”, tj. jak prawdziwa rzecz. Martwa natura od chwili jej pojawienia się do dziś jest ważnym gatunkiem w malarstwie.
K. Monet „Wazon z kwiatami” Jako odrębny podgatunek możemy wyróżnić Vanitas(z łac. Vanitas - marność, marność) to gatunek malarstwa, w którym centralne miejsce na obrazie zajmuje ludzka czaszka, której wizerunek ma przypominać o marności i kruchości ludzkiego życia.
Obraz F. de Champagne przedstawia trzy symbole kruchości istnienia – Życie, Śmierć, Czas poprzez wizerunki tulipana, czaszki i klepsydry.
Gatunek historyczny
Gatunek historyczny to gatunek, w którym obrazy przedstawiają ważne wydarzenia i społecznie istotne zjawiska z przeszłości lub teraźniejszości. Warto zauważyć, że obraz może być poświęcony nie tylko prawdziwym wydarzeniom, ale także wydarzeniom z mitologii lub na przykład opisanym w Biblii. Gatunek ten jest bardzo ważny dla historii, zarówno dla historii poszczególnych narodów i państw, jak i dla całej ludzkości. W obrazach gatunek historyczny jest nierozerwalnie związany z innymi rodzajami gatunków - portretem, pejzażem, gatunkiem bitewnym.
TJ. Repin „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana” 
K. Bryullov „Ostatni dzień Pompejów” Gatunek bitewny
Gatunek bitewny (od francuskiego bataille - bitwa) to gatunek, w którym obrazy przedstawiają kulminację bitwy, działania wojenne, moment zwycięstwa, sceny z życia wojskowego. Malarstwo batalistyczne charakteryzuje się przedstawieniem dużej liczby osób na zdjęciu.
AA Deineka „Obrona Sewastopola” Gatunek religijny
Gatunek religijny to gatunek, w którym główna fabuła obrazów ma charakter biblijny (sceny z Biblii i Ewangelii). Tematyka dotyczy malarstwa religijnego i ikon, różnica między nimi polega na tym, że obrazy o treści religijnej nie uczestniczą w nabożeństwach i dla ikony jest to główny cel. Ikonografia przetłumaczone z języka greckiego. oznacza „obraz modlitewny”. Gatunek ten był ograniczony ścisłymi ramami i prawami malarstwa, ponieważ ma nie odzwierciedlać rzeczywistości, ale przekazać ideę Bożej zasady, w której artyści szukają ideału. Na Rusi malarstwo ikonowe osiągnęło swój szczyt w XII-XVI wieku. Najbardziej znane nazwiska malarzy ikon to Teofan Grek (freski), Andriej Rublow, Dionizjusz.
A. Rublow „Trójca” Jak wyróżnia się etap przejściowy od malowania ikon do portretu Parsuna(zniekształcone z łacińskiego persona - osoba, osoba).
Parsun Iwana Groźnego. Autor nieznany Gatunek codzienny
Obrazy przedstawiają sceny z życia codziennego. Często artysta pisze o tych momentach życia, których jest współczesny. Charakterystycznymi cechami tego gatunku są realizm obrazów i prostota fabuły. Obraz może odzwierciedlać zwyczaje, tradycje i strukturę życia codziennego konkretnego narodu.
Malarstwo domowe obejmuje tak znane obrazy, jak „Przewoźnicy barek na Wołdze” I. Repina, „Trojka” V. Perowa, „Nierówne małżeństwo” V. Pukirewa.
I. Repin „Przewoźnicy barek na Wołdze” Gatunek epicko-mitologiczny
Gatunek epicko-mitologiczny. Słowo mit pochodzi z języka greckiego. „mythos”, co oznacza tradycję. Obrazy przedstawiają wydarzenia z legend, eposów, tradycji, starożytnych mitów greckich, starożytnych opowieści, wątków dzieł folkloru.
P. Veronese „Apollo i Marsjasz” Gatunek alegoryczny
Gatunek alegoryczny (od greckiej alegorii - alegoria). Obrazy malowane są w taki sposób, aby miały ukryte znaczenie. Nieistotne idee i koncepcje, niewidoczne dla oka (moc, dobro, zło, miłość) są przekazywane poprzez obrazy zwierząt, ludzi i innych żywych istot o takich nieodłącznych cechach, które mają już symbolikę utrwaloną w umysłach ludzi i pomagają zrozumieć ogólny sens dzieła.
L. Giordano „Miłość i występki rozbrajają sprawiedliwość” Duszpasterski (z francuskiego pastorale - duszpasterski, wiejski)
Gatunek malarstwa, który gloryfikuje i poetyzuje proste i spokojne życie na wsi.
F. Boucher „Jesienne duszpasterstwo” Karykatura (z włoskiego caricare - przesadzić)
Gatunek, w którym przy tworzeniu obrazu celowo wykorzystuje się efekt komiczny poprzez wyolbrzymianie i zaostrzanie cech, zachowań, ubioru itp. Celem karykatury jest obrazanie, w przeciwieństwie np. do karykatury (od zarzutu francuskiego) , którego celem jest po prostu rozbawienie. Z terminem „karykatura” ściśle powiązane są takie pojęcia, jak grafika popularna i groteska.
Nago (z francuskiego nu - nagi, rozebrany)
Gatunkiem, w którym obrazy przedstawiają nagie ciało ludzkie, jest najczęściej kobieta.
Tycjan Vecellio „Wenus z Urbino” Oszustwo lub trompe l'oeil (z francuskiego. trompe-l'oeil - złudzenie optyczne)
Gatunek, którego cechą charakterystyczną są specjalne techniki tworzące iluzję optyczną i umożliwiające zatarcie granicy pomiędzy rzeczywistością a obrazem, czyli tzw. mylące wrażenie, że obiekt jest trójwymiarowy, gdy jest dwuwymiarowy. Czasami blende wyróżnia się jako podtyp martwej natury, ale czasami w tym gatunku przedstawiani są także ludzie.
Per Borrell del Caso „Ucieczka przed krytyką” Aby dopełnić postrzeganie wabików, zaleca się rozważenie ich w oryginale, ponieważ reprodukcja nie jest w stanie w pełni oddać efektu jaki przedstawił artysta.
Jacopo de Barberi „Kopatwa i żelazne rękawiczki” Obraz tematyczny
Mieszanka tradycyjnych gatunków malarstwa (krajowego, historycznego, batalistycznego, pejzażowego itp.). Inaczej gatunek ten nazywany jest kompozycją figuratywną, jego charakterystycznymi cechami są: główną rolę odgrywa osoba, obecność akcji i społecznie istotna idea, koniecznie pokazane są relacje (konflikt interesów/postaci) i akcenty psychologiczne .
W. Surikow „Bojaryna Morozowa” Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są już w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I wierzcie mi, ich dzieła pozostaną w Waszej pamięci nie mniej głęboko, niż dzieła mistrzów minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył studia na Politechnice Śląskiej, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Koncentruje się na wyrażaniu emocji, stara się uzyskać jak największy efekt prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z różnymi nowymi technikami. Ostatnio zyskuje coraz większą popularność za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z sukcesem sprzedaje swoje prace, które znajdują się już w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang to współczesny amerykański artysta. Urodzony w 1957 r. i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 r., gdzie uzyskał tytuł BFA. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę profesjonalnego artysty.
Jego obrazy realistyczne można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy do wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi przy pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa sięga twórczości XVI-wiecznego artysty Johannesa Vermeera i obejmuje tematy, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, studentów, wnętrza pracowni, sale lekcyjne i domy. Jego celem jest tworzenie nastroju i emocji w swoich realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki piękne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters of America, największej społeczności zajmującej się malarstwem olejnym w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Warren obecnie mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, a także wykłada (znany jako utalentowany nauczyciel) w Akademii Sztuki w San Francisco.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni to włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955 r. Uzyskał dyplom ze scenografii w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, gdyż samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne obrazy Bruniego zakorzenione są w surrealizmie, jednak z czasem zaczyna on skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyjątkowym wyrafinowaniem i czystością swoich bohaterów. Obiekty animowane i nieożywione zyskują jednakową dostojność i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za kurtyną, ale pozwalają dojrzeć istotę swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, troskliwość i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony splendorem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasander Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 w Gliwicach, od 1989 mieszka i pracuje w USA, w Shasta w Kalifornii.
Już w dzieciństwie uczył się plastyki pod okiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, dlatego od najmłodszych lat działalność artystyczna cieszyła się pełnym wsparciem obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i pracująca na pół etatu artystka Cathy Gaggliardi namówiła Alkasandera do zapisania się do szkoły plastycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee w stanie Wisconsin, gdzie studiował malarstwo pod kierunkiem profesora filozofii Harry'ego Rozina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata Balos przeniósł się do Chicago, aby rozpocząć studia w School of Fine Arts, której metody opierają się na twórczości Jacques-Louis Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do uwypuklenia cech i wad ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Tematyka kompozycji jego obrazów przeznaczona jest do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy obrazy nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu tematyka jego prac znacznie się poszerzyła i obejmuje obecnie bardziej swobodne metody malarskie, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrażać idee i ideały istnienia poprzez malarstwo.
Alyssa Monks
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodzony w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Malowaniem zacząłem się interesować już jako dziecko. Studiowała w The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, a w 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo de' Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała studia w ramach studiów magisterskich w New York Academy of Art na wydziale Sztuki Figuratywnej, które ukończyła w 2001 roku. W 2006 roku ukończyła Fullerton College. Przez pewien czas wykładała na uniwersytetach i placówkach oświatowych w całym kraju, ucząc malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy of Art College.
„Używając filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru - częściami ludzkiego ciała.
Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utarte już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Mogłyby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak zalety pływania, tańca i tak dalej. Moi bohaterowie przyciskają się do szyby okna prysznica, zniekształcając własne ciała, uświadamiając sobie, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Miesza się grube warstwy farby, aby z daleka imitować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska widoczne są niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję punkt, w którym abstrakcyjne pociągnięcia pędzlem stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu byłem nim zafascynowany, a nawet miałem obsesję i wierzyłem, że muszę malować jak najbardziej realistycznie. „Wyznawałem” realizm, aż zaczął się on rozwikłać i ujawnić same w sobie sprzeczności. Obecnie badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style będą mogły współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antonia Finelliego
Włoski artysta – „ Obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech pomiędzy Rzymem a Campobasso. Jego prace wystawiane były w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, a także znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem” Obserwator czasu„Antonio Finelli zabiera nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej doczesności i związaną z nią skrupulatną analizę tego świata, której głównym elementem jest przemijanie czasu i ślady, jakie pozostawia on na skórze.
Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta pragnie także znaleźć dowody bezlitosności czasu na ciałach swoich bohaterów. Antonio określa swoje prace jednym, ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować rzeczywiste skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminię Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma trójkę dzieci. Przez dwanaście lat mieszkała w Rzymie, a przez trzy lata w Anglii i Francji. Ukończyła historię sztuki w BD School of Art. Następnie uzyskała dyplom konserwatora dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa zrodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „uczesać la pate” i bawić się materiałem. Podobną technikę rozpoznała w twórczości artysty Pascala Torui. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper czy François Legrand, a także różnymi ruchami artystycznymi: sztuką uliczną, realizmem chińskim, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Szkoły Artystycznej w 1998 roku pozostał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował także na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.
Regularnie uczestniczy w wystawach sztuki, dotychczas odbyło się ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość dzieł Denisa Chernova znajduje się w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis posługuje się szeroką gamą technik graficznych i malarskich. Do jego ulubionych metod malarskich należy rysunek ołówkiem, lista tematów jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna; maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.
W sztuce są tematy wieczne. Jednym z nich jest temat kobiet, temat macierzyństwa. Każda epoka ma swój ideał kobiety, cała historia ludzkości odzwierciedla się w tym, jak ludzie postrzegali kobietę, jakie mity ją otaczały i pomogły Ją stworzyć. Jedno jest pewne – we wszystkich wiekach i czasach Kobiecy charakter przyciągał, przyciąga i nadal będzie przyciągał szczególną uwagę artystów.
Wizerunki kobiet tworzone w sztuce portretowej niosą ze sobą ideał poetycki w harmonijnej jedności jego cech duchowych i wyglądu zewnętrznego. Na podstawie portretów możemy ocenić, jak na wygląd kobiety i jej mentalność wpływają wydarzenia społeczne, moda, literatura, sztuka i samo malarstwo.
Przedstawiamy Państwu różnorodne wizerunki kobiet na obrazach o różnych kierunkach
REALIZM
Istotą kierunku jest jak najdokładniejsze i obiektywne uchwycenie rzeczywistości. Narodziny realizmu w malarstwie najczęściej kojarzone są z twórczością francuskiego artysty Gustave’a Courbeta, który w 1855 roku otworzył w Paryżu swoją osobistą wystawę „Pawilon realizmu”. Przeciwieństwo romantyzmu i akademizmu. XIX wieku realizm podzielono na dwa główne kierunki - naturalizm i impresjonizm. Przyrodnicy byli artystami, którzy starali się uchwycić rzeczywistość tak dokładnie i fotograficznie, jak to tylko możliwe.
Iwan Kramskoj „Nieznany”
Serow „Dziewczyna z brzoskwiniami”
AKADEMIZM
Akademicyzm rozwijał się, podążając za zewnętrznymi formami sztuki klasycznej. Akademicyzm ucieleśniał tradycje sztuki starożytnej, w której idealizowano obraz natury. Rosyjski akademizm pierwszej połowy XIX wieku charakteryzuje się wysublimowaną tematyką, wysokim stylem metaforycznym, wszechstronnością, wielofigurowością i przepychem. Popularne były sceny biblijne, pejzaże salonowe i portrety ceremonialne. Pomimo ograniczonej tematyki obrazów, prace akademików wyróżniały się wysokim kunsztem technicznym.
Bouguereau „Plejady”
Bouguereau „Nastrój”
Cabanel „Narodziny Wenus”
IMPRESJONIZM
Przedstawiciele tego stylu starali się w jak najbardziej naturalny i bezstronny sposób uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności oraz przekazać swoje ulotne wrażenia. Impresjonizm francuski nie podnosił kwestii filozoficznych. Zamiast tego impresjonizm skupia się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu lub kącie widzenia. Ich obrazy przedstawiały jedynie pozytywne strony życia, nie zakłócały problemów społecznych, unikały takich problemów jak głód, choroby i śmierć. Odrzucono tematy biblijne, literackie, mitologiczne i historyczne nieodłącznie związane z oficjalnym akademizmem. Poruszano tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarni i teatrze, pływania łódką, na plażach i w ogrodach. Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to seria małych wakacji, przyjęć, przyjemnych rozrywek poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu.
Boldini „Moulin Rouge”
Renoir „Portret Joanny Samary”
Maneta „Śniadanie na trawie”
Mayo „RosaBrava”
Lautrec „Kobieta z parasolką”
SYMBOLIZM
Symboliści radykalnie zmienili nie tylko różne rodzaje sztuki, ale także sam stosunek do niej. Ich eksperymentalny charakter, dążenie do innowacji i kosmopolityzm stały się wzorem dla większości współczesnych ruchów artystycznych. Używali symboli, niedopowiedzeń, aluzji, tajemnicy, zagadki. Głównym nastrojem był często pesymizm, sięgający punktu rozpaczy.W przeciwieństwie do innych ruchów w sztuce, symbolika wierzy w wyrażanie „nieosiągalnych”, czasem mistycznych idei, obrazów Wieczności i Piękna.
Redon „Ofelia”
Franz von Stuck „Salome”
Watts „Nadzieja”
Rosseti „Persefona”
NOWOCZESNY
Modernizm dążył do połączenia funkcji artystycznej i użytkowej tworzonych dzieł, włączając w sferę piękna wszystkie sfery ludzkiej aktywności. Efektem jest zainteresowanie sztuką użytkową: architekturą wnętrz, ceramiką, grafiką książkową. Artyści secesji czerpali inspirację ze sztuki starożytnego Egiptu i starożytnych cywilizacji. Najbardziej zauważalną cechą secesji było porzucenie kątów prostych i linii na rzecz gładszych, zakrzywionych linii. Artyści secesji często wykorzystywali ozdoby ze świata roślin jako podstawę swoich rysunków.
Klimt „Portret Adele Bloch-Bauer I”
Klimta „Danae”
Klimt „Trzy wieki kobiety”
Mucha „Owoc”
EKSPRESJONIZM
Ekspresjonizm to jeden z najbardziej wpływowych ruchów artystycznych XX wieku. Ekspresjonizm powstał jako reakcja na ostry kryzys pierwszej ćwierci XX wieku, I wojnę światową i późniejsze ruchy rewolucyjne, brzydotę cywilizacji burżuazyjnej, która zaowocowała pragnieniem irracjonalności. Wykorzystano motywy bólu i krzyku, nad obrazem zaczęła dominować zasada ekspresji.
Modiglianiego. Wykorzystując ciała i twarze kobiet, stara się przeniknąć dusze swoich bohaterów. „Interesuje mnie człowiek. Twarz jest najwspanialszym tworem natury. Używam go niestrudzenie” – powtarzał.
Modigliani „Śpiąca nago”
Schiele „Kobieta w czarnych pończochach”
KUBIZM
Kubizm to modernistyczny ruch w sztukach pięknych (głównie malarstwie) I ćwierci XX wieku, który uwydatnił formalne zadanie polegające na skonstruowaniu na płaszczyźnie trójwymiarowej formy, minimalizując wizualne i poznawcze funkcje sztuki. Pojawienie się kubizmu tradycyjnie datowane jest na lata 1906-1907 i wiąże się z twórczością Pabla Picassa i Georgesa Braque'a. Ogólnie rzecz biorąc, kubizm był zerwaniem z tradycją sztuki realistycznej, która rozwinęła się w okresie renesansu, obejmującą tworzenie wizualnej iluzji świata na płaszczyźnie. Twórczość kubistów była wyzwaniem dla standardowego piękna sztuki salonowej, niejasnych alegorii symboliki i niestabilności malarstwa impresjonistycznego. Wchodząc w krąg ruchów buntowniczych, anarchistycznych, indywidualistycznych, kubizm wyróżniał się wśród nich pociągiem do ascezy koloru, do prostych, ciężkich, namacalnych form i elementarnych motywów.
Picasso „Płacząca kobieta”
Picasso „Gra na mandolinie”
Picasso „Les Demoiselles d'Avignon”
SURREALIZM
Podstawowa koncepcja surrealizmu, surrealizm- połączenie snu i rzeczywistości. Aby to osiągnąć, surrealiści zaproponowali absurdalne, sprzeczne połączenie naturalistycznych obrazów poprzez kolaż i przeniesienie obiektu z przestrzeni nieartystycznej do artystycznej, dzięki czemu obiekt zostaje ujawniony z nieoczekiwanej strony, a jego właściwości nie zostały dostrzeżone z zewnątrz. pojawia się w nim kontekst artystyczny. Surrealiści inspirowali się ideologią radykalnie lewicową, proponowali jednak rozpoczęcie rewolucji z własną świadomością. Uważali sztukę za główne narzędzie wyzwolenia. Kierunek ten rozwinął się pod wielkim wpływem teorii psychoanalizy Freuda. Surrealizm był zakorzeniony w symbolice i początkowo pozostawał pod wpływem artystów symbolistycznych, takich jak Gustave Moreau i Odilon Redon. Wielu popularnych artystów było surrealistami, w tym René Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti.
Gil Elvgren (1914-1980) był głównym artystą pin-up XX wieku. W trakcie swojej kariery zawodowej, która rozpoczęła się w połowie lat trzydziestych XX wieku i trwała ponad czterdzieści lat, dał się poznać jako ulubieniec kolekcjonerów i fanów pin-up na całym świecie. I choć Gil Elvgren uważany jest przede wszystkim za artystę pin-up, zasługuje na miano klasycznego amerykańskiego ilustratora, który potrafił poruszać się po różnych obszarach sztuki komercyjnej.
25 lat pracy w reklamie Coca-Coli pomogło mu zyskać pozycję jednego z najwybitniejszych ilustratorów w tej dziedzinie. Reklamy Coca-Coli zawierały zdjęcia w stylu pin-up „Elvgren Girls”, z których większość przedstawiała typowe amerykańskie rodziny, dzieci i nastolatki – zwykłych ludzi zajętych swoimi codziennymi sprawami. Podczas II wojny światowej i wojny koreańskiej Elvgren rysował nawet ilustracje o tematyce militarnej dla Coca-Coli, a niektóre z nich stały się „ikonami” w Ameryce.
Prace Elvgrena dla Coca-Coli przedstawiały amerykański sen o bezpiecznym i wygodnym życiu, a niektóre ilustracje w jego magazynach odzwierciedlały nadzieje, obawy i radości czytelników. Zdjęcia te publikowano w latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku w wielu znanych amerykańskich magazynach, takich jak McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping i Woman's Home Companion. Oprócz Coca-Coli Elvgren współpracował także z Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania i Napa Auto Parts.
Elvgren wyróżniał się nie tylko malarstwem i grafiką reklamową – był także zawodowym fotografem, który posługiwał się aparatem równie sprawnie, jak pędzlem. Ale na tym nie skończyła się jego energia i talent: ponadto był nauczycielem, którego uczniowie stali się później sławnymi artystami.
Już we wczesnym dzieciństwie Elvgren inspirował się obrazami znanych ilustratorów. Co tydzień wyrywał strony i okładki magazynów z obrazami, które mu się podobały, w wyniku czego zgromadził ogromną kolekcję, która odcisnęła piętno na twórczości młodego artysty.
Na twórczość Elvgrena miało wpływ wielu artystów, jak np. Felix Octavius Carr Darley (1822-1888), pierwszy artysta, który kwestionował wyższość angielskiej i europejskiej szkoły ilustracji nad amerykańską sztuką komercyjną; Normana Rockwella (1877-1978), którego Elvgren poznał w 1947 r. i to spotkanie zapoczątkowało długą przyjaźń; Charles Dana Gibson (1867-1944), spod którego pędzla wyszła dziewczyna idealna, będąca połączeniem „sąsiadki” (dziewczyny z sąsiedztwa) i „dziewczyny-marzeń”, Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister ( 1870-1945) i inne.
Elvgren dokładnie przestudiował twórczość tych klasycznych artystów, w wyniku czego stworzył podstawy, na których opierał się dalszy rozwój sztuki pin-up.
Tak więc Gil Elvgren urodził się 15 marca 1914 roku i dorastał w St. Paul Minneapolis. Jego rodzice, Alex i Goldie Elvgren, byli właścicielami sklepu w centrum miasta, w którym sprzedawano tapety i farby.
Po ukończeniu szkoły średniej Gil chciał zostać architektem. Rodzice aprobowali to pragnienie, zauważywszy jego talent do rysowania, gdy w wieku ośmiu lat chłopiec został usunięty ze szkoły za rysowanie na marginesach podręczników. Elvgren ostatecznie studiował na Uniwersytecie Minnesota, aby studiować architekturę i projektowanie, jednocześnie biorąc udział w kursach artystycznych w Minneapolis Institute of Art. Tam zdał sobie sprawę, że rysunek interesuje go znacznie bardziej niż projektowanie budynków.
Jesienią tego samego roku Elvgren poślubił Janet Cummins. I tak na Nowy Rok nowożeńcy przenieśli się do Chicago, gdzie było wiele możliwości dla artystów. Oczywiście mogli wybrać Nowy Jork, ale Chicago było bliżej i bezpieczniej.
Po przybyciu do Chicago Gil próbował zrobić wszystko, aby rozwijać swoją karierę. Uczęszczał do prestiżowej Amerykańskiej Akademii Sztuk Pięknych w centrum miasta, gdzie zaprzyjaźnił się z Billem Mosbym, znakomitym artystą i nauczycielem, który zawsze był dumny z rozwoju Gila pod jego okiem.
Kiedy Gil Elvgren przybył do Akademii, był oczywiście utalentowany, ale nie wyróżniał się na tle większości studiujących tam studentów. Ale tylko jedna rzecz wyróżniała go od innych: dokładnie wiedział, czego chce. Przede wszystkim marzył o zostaniu dobrym artystą. W ciągu dwóch lat studiów opanował kurs przeznaczony dla trzech i pół: uczęszczał na zajęcia wieczorowe, latem. W wolnym czasie zawsze rysował.
Był dobrym uczniem i pracował ciężej niż inni. Gil uczęszczał na wszystkie kursy, na których mógł zdobyć chociaż część wiedzy o malarstwie. W ciągu dwóch lat zrobił fenomenalne postępy i został jednym z najlepszych absolwentów Akademii.
Gil to niesamowity artysta, któremu niewielu może dorównać. Silnej budowy, wygląda jak piłkarz; jego duże dłonie wcale nie przypominają rąk artysty: ołówek dosłownie „zatapia się” w nich, ale dokładność i żmudność jego ruchów można porównać jedynie z umiejętnościami chirurga.
Podczas studiów Gil nigdy nie przestał pracować. Jego ilustracje zdobiły już broszury i czasopisma uczelni, w której studiował.
Gil poznał tam wielu artystów, którzy zostali jego przyjaciółmi na całe życie, m.in. Harolda Andersona, Joyce’a Ballantyne’a.
W 1936 roku Gil i jego żona wrócili do rodzinnego miasta, gdzie otworzyli własną pracownię. Krótko przed tym przyjmuje swoje pierwsze płatne zlecenie: okładkę magazynu o modzie, na której przedstawiony jest przystojny mężczyzna ubrany w dwurzędową marynarkę i lekkie letnie spodnie. Zaraz po tym, jak Elvgren wysłał swoją pracę do klienta, dyrektor firmy zadzwonił do niego, aby mu pogratulować i zamówić jeszcze pół tuzina okładek.
Potem przyszło kolejne ciekawe zlecenie, którym było namalowanie Pięcioraczków Dionne, których narodziny stały się medialną sensacją. Klientem było Brown and Biglow, największe wydawnictwo kalendarzowe. Praca ta ukazała się w kalendarzach na lata 1937-1938, które sprzedały się w milionach egzemplarzy. Od tego czasu Elvgren zaczął rysować najsłynniejsze dziewczyny w Ameryce, co przyniosło mu ogromny sukces. Elvgren zaczął być zapraszany do współpracy z innymi firmami, np. z konkurentem Browna i Biglowa, firmą Louis F. Dow Calendar Company. Prace artysty zaczęto drukować na książeczkach, kartach do gry, a nawet pudełkach zapałek. Następnie w sklepach spożywczych pojawiło się wiele jego naturalnej wielkości obrazów wykonanych dla Royal Crown Soda. Ten rok staje się również szczególnie ważny dla Elvgrena, ponieważ on i jego żona powitali na świecie swoje pierwsze dziecko, Karen.
Elvgren w dalszym ciągu wykonuje rozkazy i postanawia wraz z rodziną wrócić do Chicago. Wkrótce poznał Haddona H. Sundbloma (1899-1976), który był jego idolem. Sandblom ma ogromny wpływ na twórczość Elvgrena.
Dzięki Sundblomowi Elvgren został artystą reklam Coca-Coli. Prace te do dziś stanowią ikony w historii amerykańskiej ilustracji.
Natychmiast po zbombardowaniu Pearl Harbor Elvgren został poproszony o namalowanie obrazów na potrzeby kampanii wojskowej. Jego pierwszy rysunek z tej serii ukazał się w 1942 roku w czasopiśmie Good Housekeeping pod tytułem „Ona wie, czym naprawdę jest „wolność” i przedstawiał dziewczynę ubraną w mundur oficera Czerwonego Krzyża.
W 1942 r. urodził się Gil Jr., a w 1943 r. jego żona spodziewała się już trzeciego dziecka. Rodzina Elvgrena powiększyła się, podobnie jak jego firma. Jill pracuje nad projektami reklamowymi, a także sprzedaje swoje stare prace. Cieszył się życiem, bo sam był już szanowanym artystą i szczęśliwym człowiekiem rodzinnym. Kiedy na świat przyszło trzecie dziecko w rodzinie, Elvgren otrzymywał już około 1000 dolarów za obraz, czyli tzw. około 24 000 dolarów rocznie, co było wówczas ogromną kwotą. Oznaczało to, że Gil mógł zostać najlepiej opłacanym ilustratorem w Stanach Zjednoczonych i naturalnie zająć szczególne miejsce w Brown and Bigelow.
Zanim zaczął pracować wyłącznie dla Browna i Bigelowa, przyjął pierwsze (i jedyne) zlecenie od filadelfijskiej firmy Josepha Hoovera. Aby uniknąć problemów z Brownem i Bigelowem, przyjął ofertę pod warunkiem, że obraz nie zostanie podpisany. Za tę pracę zatytułowaną „Dream Girl” otrzymał 2500 dolarów, ponieważ… był to największy, jaki kiedykolwiek namalował (101,6 cm x 76,2 cm).
Współpraca z Brownem i Bigelowem pozwoliła Elvgrenowi kontynuować rysowanie dla Coca-Coli, mógł jednak pracować dla dowolnej innej firmy, która nie miała konfliktów z Brownem i Bigelowem. W ten sposób w 1945 roku Elvgren, Brown i Bigelow rozpoczęli współpracę, która trwała ponad trzydzieści lat.
Reżyser Browna i Bigelowa, Charles Ward, sprawił, że nazwisko Elvgren stało się powszechnie znane. Zaprosił Gila do wykonania pin-upu w stylu nude, na co artysta zgodził się z wielkim entuzjazmem. Obraz ten przedstawiał nagą blond nimfę na plaży, w liliowo-niebieskim świetle księżyca w barwach bzu. Ilustracja ta została wydana w talii kart wraz z pracą innej artystki – ZoÎ Mozert. W następnym roku Ward zamówił od Elvgrena kolejną nagą pin-up do kolejnych kart, ale tym razem w całości wykonaną samodzielnie przez Elvgrena. Projekt ten pobił rekordy sprzedaży Browna i Bigelowa i został nazwany „Mais Oui autorstwa Gila Elvgrena”.
Pierwsze trzy projekty pin-up dla Browna i Bigelowa już po kilku tygodniach stały się bestsellerami firmy. Obrazy te zostały wkrótce wykorzystane do gry w karty.
Pod koniec dekady Elvgren stał się artystą Browna i Bigelowa odnoszącym największe sukcesy, dzięki mediom jego twórczość była szeroko znana opinii publicznej, w magazynach publikowano nawet artykuły na jego temat. Firmy, z którymi współpracował, to między innymi Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Mieszana whisky Roses, General Electric Appliance i Pangburn's Chocolates.
W obliczu takiego zapotrzebowania na swoją twórczość Elvgren myślał o otwarciu własnej pracowni, gdyż było już wielu artystów, którzy podziwiali jego twórczość i tzw. „malarstwo majonezowe” (tzw. styl Sundbloma i Elvgrena, ponieważ farby na prace wyglądały „kremowo” i gładko jak jedwab). Jednak po rozważeniu wszystkich za i przeciw porzucił ten pomysł.
Gil Elvgren dużo podróżował i poznał wielu wpływowych ludzi. Jego pensja w firmie Brown and Bigelow zmieniła się z 1000 dolarów za płótno na 2500 dolarów za produkcję 24 obrazów rocznie plus procent z magazynów, które publikowały jego ilustracje. Przeprowadził się z rodziną do nowego domu na przedmieściach Winnetki, gdzie rozpoczął budowę własnej pracowni na poddaszu, co pozwoliło mu być jeszcze bardziej produktywnym.
Gil miał doskonały gust i był też dowcipny. Jego prace są zawsze ciekawe pod względem kompozycji, kolorystyki, a starannie przemyślane pozy i gesty sprawiają, że są żywe i ekscytujące. Jego obrazy są szczere. Gil czuł ewolucję kobiecego piękna, co było bardzo ważne. Dlatego Elvgren był zawsze poszukiwany przez klientów.
W 1956 Gil przeniósł się z rodziną na Florydę. Był całkowicie zadowolony ze swojego nowego miejsca zamieszkania. Tam otworzył doskonałe studio, w którym studiował Bobby Toombs, który słusznie stał się uznanym artystą. Powiedział, że Elvgren był doskonałym nauczycielem, który nauczył go rozważnego wykorzystywania wszystkich swoich umiejętności.
Na Florydzie Gil namalował ogromną liczbę portretów, wśród jego modeli były Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych każda aspirująca modelka i aktorka chciała, aby Elvgren narysował dziewczynę na jej podobieństwo, co następnie wydrukowano w kalendarzach i plakatach.
Elvgren zawsze szukał nowych pomysłów na swoje obrazy. Choć pomagało mu w tym wielu przyjaciół-artystów, najbardziej polegał na rodzinie: omawiał swoje pomysły z żoną i dziećmi.
Elvgren działał w kręgu artystów, których uczył lub odwrotnie, od których się uczył; którzy byli jego przyjaciółmi, z którymi miał wiele wspólnego. Byli wśród nich Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham i inni.
Gil Elvgren żył pełnią życia. Jako zapalony miłośnik przyrody lubił łowić ryby i polować. Mógł spędzać godziny na basenie, lubił samochody wyścigowe, a także podzielał pasję swoich dzieci do kolekcjonowania zabytkowej broni.
Przez lata Elvgren miał wielu asystentów w studiu, z których większość stała się odnoszącymi sukcesy artystami. Kiedy Elvgren był zmuszony odmówić współpracy firmom ze względu na ogrom pracy, dyrektorzy artystyczni zgodzili się poczekać rok lub nawet dłużej, jeśli tylko Gil będzie dla nich pracował.
Jednak w 1966 roku cały sukces Gila został przyćmiony straszliwą tragedią, która dotknęła jego rodzinę: żona Gila, Janet, zmarła na raka. Potem jeszcze bardziej zaangażował się w pracę. Jego popularność pozostaje niezmienna, nie musi martwić się o nic poza wynikiem swojej pracy. To był najlepszy okres w karierze Elvgrena, gdyby nie śmierć żony.
Zdolność Elvgrena do przekazywania kobiecego piękna była niezrównana. Malując przeważnie siedział na krześle na kółkach, dzięki czemu mógł swobodnie się poruszać i oglądać rysunek pod różnymi kątami, a znajdujące się za nim duże lustro pozwalało mu na przegląd całego obrazu. Najważniejsze w jego pracy były dziewczyny: wolał modelki w wieku 15–20 lat, które dopiero zaczynały karierę, ponieważ miały spontaniczność, która zanika wraz z doświadczeniem. Zapytany o technikę, powiedział, że dodaje własne akcenty: wydłużanie nóg, powiększanie klatki piersiowej, zwężanie talii, pełniejsze usta, wyraziste oczy, zadarty nos, nadając modelce w ten sposób większą atrakcyjność. Elvgren zawsze starannie pracował nad swoimi pomysłami od początku do końca: wybrał modelkę, rekwizyty, oświetlenie, kompozycję, nawet fryzura była bardzo ważna. Po wszystkim sfotografował scenę i zaczął malować.
Charakterystyczną cechą prac Gila było to, że patrząc na obrazy, wydawało się, że dziewczyny na nich zaraz ożyją, przywitają się lub zaproponują wypicie kawy. Wyglądali uroczo i pełni entuzjazmu. Zawsze czarujące, uzbrojone w przyjazny uśmiech, nawet w czasie wojny dodawały żołnierzom siły i nadziei na powrót do domu, do swoich dziewcząt.
Wielu artystów marzyło o malowaniu na wzór Elvgrena, wszyscy podziwiali jego talent i sukcesy.
Z każdym rokiem malował z większą swobodą i profesjonalizmem, a jego wczesne obrazy wydawały się bardziej „twarde” w porównaniu z późniejszymi. Osiągnął szczyt doskonałości w swojej dziedzinie.
29 lutego 1980 roku Gil Elvgren, człowiek, który poświęcił się niesieniu ludziom radości swoją kreatywnością, zmarł na raka w wieku 65 lat. Jego syn Drake znalazł ostatni niedokończony, ale mimo to wspaniały obraz dla Browna i Bigelowa w pracowni ojca. Od śmierci Elvgrena minęły trzydzieści lat, ale jego sztuka wciąż żyje. Bez wątpienia Elvgren przejdzie do historii jako artysta, który wniósł ogromny wkład w sztukę amerykańską XX wieku.
