• ×

    • Rosyjska sztuka plastyczna pierwszej połowy XIX wieku. Sztuka pierwszej połowy XIX wieku

    23.06.2020

    Główny ruch zmierzał w stronę realizmu, ale ugruntował się w walce z autorytatywnym klasycyzmem reprezentowanym przez Akademię i dlatego zyskał popularność znacznie później niż w literaturze. O ile Puszkin stał się „poetą rzeczywistości” już w wieku 25–26 lat, o tyle malarstwo rosyjskie z trudem przezwyciężyło bezwładny wpływ poprzedniej epoki. Początkowo nowe malarstwo rosyjskie kojarzyło się z romantyzmem.
    Orest Adamowicz Kiprenski (1782 – 1836)
    Artysta ten stał u początków malarstwa rosyjskiego XIX wieku. Jego sztukę wyróżnia pasja i impuls, chęć oddania ruchu życia wewnętrznego. Szukał w człowieku wzniosłości, portretował bohaterów w najlepszych momentach, przekazywał zdolność odczuwania, chęć życia duchowego. Najlepszą częścią jego twórczości są portrety z końca XIX wieku. Kiprensky szukał odbicia ideału w twarzach ludzi. Interesuje go osoba niemająca nic wspólnego ze służbą publiczną, żyjąca w sferze prywatnych interesów, w świecie uczuć.
    Portrety: portret Evgrafa Davydova (1809), portret chłopca Cheliszczewa (1808–1809), portret poety V. A. Żukowskiego (1816). Główne techniki malarskie to:
    ostry kontrast światła i cienia, czasem ścisła gradacja sąsiednich kolorów. Główny akord kolorystyczny to głównie czerwień, błękit i biel. Każda twarz Kiprensky'ego jest wyjątkowa, o takim bohaterze możemy powiedzieć, że jest jedyny. To cecha romantyzmu.
    Najsłynniejszy portret Kiprensky'ego powstał w 1827 roku. Ten portret A. S. Puszkina, o czym wszyscy bliscy mi mówili, że był bliższy oryginałowi niż innym.

    Sylwester Szczedrin (1791 – 1830)
    Krajobraz romantyzmu. Po podróży do Włoch Szczedrin pozbywa się akademickiej patyny i zyskuje wolność. Spędza tam 10 lat, przeżywa rozkwit swojej twórczości i umiera, zanim zdąży wrócić do ojczyzny. Maluje widoki włoskie. Natura na jego płótnach jawi się promienna, radosna, odurzająca. Kolory błyszczą. Podstawą jego światopoglądu jest człowiek i przyroda. Szczedrin podążał tą samą drogą, co policjant w Anglii i Corot we Francji. Zadaniem jest otwarcie życia wewnętrznego na bycie w harmonii z naturą. Szczedrin stał się pierwszym rosyjskim artystą pracującym w plenerze - plenerze. „Nowy Rzym”, „Brzeg w Sorrento z widokiem na wyspę Capri”.
    Szczedrin poszukiwał prawdy o świetle i powietrzu, ich interakcji, opanował prawa pleneru. Wyrzucił „brązowe” odcienie muzeum. Bardzo spodobały mi się zimne srebro i szarość. Pod koniec życia artysta powrócił do gorących farb. „Taras nad morzem”.

    Założyciel gatunku codziennego. Aleksiej Gawrilowicz Wenecjanow (1780 – 1847).
    Na początku XIX wieku malarstwem zajął się prosty pracownik, geodeta. Przeniósł się z Moskwy do Petersburga, pobierał lekcje u Borovikowskiego. Venetsianov był blisko postępowych kręgów społeczeństwa. Mówi o tym jego rycina "Szlachcic". Na przełomie lat 10-40. Venetsianov odkrył gatunek codzienny, nabył małą posiadłość w prowincji Twerskiej i zaczął przedstawiać świat chłopski.
    Stanął przed zadaniem zobrazowania światła padającego z różnych źródeł, ukazywania chłopów w różnych pozycjach. Poezję widział w najzwyklejszych rzeczach, w życiu wsi. W tym jest blisko Puszkina. W obrazach Venetsianova nie dzieje się nic szczególnego. Akcja jest zwykle jednosylabowa. Artysta nie ukazuje konfliktów. Człowiek na swoich płótnach jest przedstawiony w otoczeniu natury. Venetsianov jako pierwszy odkrył piękno swojej rodzimej natury. Najlepsze dzieła Venetsianova „Na ziemi uprawnej. Wiosna”, „W żniwa, lato”.

    Karol Pawłowicz Bryulłow (1799 – 1852)
    Bryulłow, będący w tym samym wieku co Puszkin, często pokrywa się w swojej twórczości z wielkim poetą. Gdyby jednak Puszkin szybko przeszedł od romantyzmu do realizmu, do „poezji rzeczywistości”, wówczas Bryulłow mógł jedynie połączyć zimne umiejętności akademickie z romantycznym zacięciem, zwłaszcza w swoim najsłynniejszym obrazie. Szukał ideału, bystry i radosny, ale w sztuce nie podążał trudnymi drogami. Po Akademii Bryulłowa, jak to zawsze bywało z najlepszymi absolwentami, trafił do Włoch. W obrazach z lat 20. o tematyce starożytnej, włoskiego renesansu, biblijnych dominują elementy dekoracyjne i połysk zewnętrzny. W latach 30. pojawiło się tragiczne postrzeganie życia. W tym czasie dojrzewał centralny plan Bryulłowa.
    „Ostatni dzień Pompejów” (1830 – 1833)
    W latach 30 Bryullov tworzy szereg portretów ceremonialnych. Stał się artystą niezwykle modnym, zasypywanym zamówieniami. Bryullov stara się uchwycić pewien wzniosły moment. To jest "Jeździec"- Uczennicą hrabiny Samoilovej jest Jovanina.
    W latach 40 artysta szukał psychologicznej ekspresji. Wspaniały "Autoportret" 1848 namalowany przez artystę po ciężkiej chorobie. Przed nami zmęczony, zawiedziony, znużony światem człowiek. Portret ten daleki jest od zimnego akademizmu. Jest napisany swobodnie, pociągnięcie pędzla jest szerokie, a nie gładkie, co mówi o przyszłości sztuki rosyjskiej.

    Aleksander Iwanow (1806 – 1858)
    Był człowiekiem o wyjątkowej sile myśli i charakteru, „złotej duszy”, który umiał dbać o bliskich, a jednocześnie był bardzo rygorystyczny w życiu domowym. Był prawdziwym poetą i gardził wszelkimi zewnętrznymi efektami i korzyściami. Wyróżniała go ogromna, bezgraniczna miłość do ojczyzny, marzenie o jej powstaniu. Niekończące się pragnienie samodoskonalenia, ciągły samorozwój, niezadowolenie z siebie - wszystko to uczyniło go wyjątkowo bystrą osobowością. Aleksander Iwanow był ceniony przez Hercena i Ogariewa, Czernyszewskiego, jego przyjacielem był N.V. Gogol.
    Iwanow urodził się w Petersburgu w rodzinie artysty. Ukończył Akademię i w 1830 r. przybył do Włoch, do Rzymu. Powróci zaledwie półtora miesiąca przed śmiercią i przyniesie „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. Zadania, jakie stawiał sobie Iwanow, stawały się coraz bardziej skomplikowane. Najpierw chciał zrozumieć szkołę włoską i jej ducha, następnie połączyć religię i mitologię z problematyką dobra i zła.
    „Pojawienie się Chrystusa Magdalenie”– pierwsze podejście do nowego zadania, wciąż w dużej mierze akademickie.
    „Pojawienie się Chrystusa ludziom”.
    W latach 1836–1848 Iwanow napisał swoje drugie i główne dzieło. Właściwie pracował nad nim aż do swojej śmierci. To płótno jest pełne niesamowitych zalet: przedstawienia natury i ludzi, postaci, przejawów emocjonalnych, poruszeń serca, sam pomysł jest genialny – przedstawić prawdę objawioną ludziom i nadzieję na zbawienie. Iwanow nie wprowadzał do swoich szkiców postaci ludzkich ani motywów rodzajowych. Jego pejzaże mają charakter filozoficzny i historyczny. NA „Droga Appijska” przedstawiono drogę, na której znajdowały się krzyże z ukrzyżowanymi niewolnikami po powstaniu Spartakusa. W jednej błyszczącej w słońcu gałęzi Iwanow był w stanie wyczuć Wszechświat. Po roku 1848, po rewolucjach w Europie, pieniądze z Rosji przestały napływać. Ojciec umarł. Iwanow nie mógł teraz dokończyć obrazu tak, jak chciał. A jego nowe plany były jeszcze wspanialsze: cykl obrazów biblijnych na ścianie specjalnego budynku. Szkice stają się bardziej swobodne. Uwolniony od resztek akademizmu. Ale podobnie jak Michał Anioł, Bazhenow, Rodin, Iwanow nie był w stanie zrealizować wszystkich swoich planów. Iwanow nie zyskał uznania w Rosji, ale jego twórczość odegrała ogromną rolę w rozwoju całej rosyjskiej sztuki XIX wieku.
    Paweł Andriejewicz Fedotow. (1815-1852)
    Jej rozkwit i śmierć nastąpiły w latach 40-tych. Wiek XIX to czas triumfu reakcji Mikołaja. Tragiczny los artysty, który zapłacił wysoką cenę za to, że jako pierwszy odważnie wejrzał w rysy rosyjskiego życia. Ukończył Moskiewski Korpus Kadetów, trafił do Fińskiego Pułku Gwardii w Petersburgu i większą część swojego życia związał z armią rosyjską. Gdyby nie ta znajomość środowiska wojskowego, nie byłby w stanie tak dokładnie odmalować wizerunku swojego majora na słynnym obrazie. W wojsku Fiedotow zainteresował się rysunkiem, karykaturą, szkicowaniem i często rysował swoich przyjaciół, codzienne sceny wojskowe, wycieczki na letnie obozy wojskowe itp. Samodzielnie uczył się malarstwa i zaczął pobierać lekcje w Akademii. Znane są jego wspaniałe rysunki: „Skutki śmierci Fidelki”, „Mąż oszukanej żony”, „Dziewczyna uwiedziona przez oficera przy łóżku chorej matki”. w literaturze, której znaczenie polegało na bezpośrednim przedstawieniu najbardziej typowych aspektów rosyjskiego życia. Ale Fiedotow nie należał do kręgu pisarzy związanych z ideologiem szkoły naturalnej, Bielińskim. Szedł własną ścieżką. W latach 40 Fiedotow zaczyna próbować swoich sił w malarstwie olejnym. Zagłębia się w istotę życia, jego prace stają się coraz bardziej tragiczne.
    Fiedotow stworzył swoje najważniejsze obrazy w latach 1846–1852. Każdy z jego obrazów był kamieniem milowym na drodze do nowego systemu artystycznego rozumienia rzeczywistości.
    „Świeży kawaler” 1846. Przedstawiono odkrywczy pomysł.

    „Swatanie majora” 1848
    To szczyt twórczości Fiedotowa. Istotą słynnego obrazu jest obraz świata oszustwa, kłamstwa, małżeństwa, które oczywiście jawi się jako zwykła transakcja. Świat na płótnach artysty staje się coraz bardziej przerażający. Obiekty są zniekształcone i pojawia się silna ekspresja. Satyra znika w obrazie "Wdowa", gdzie Fiedotow przedstawił się na portrecie zmarłego męża kobiety.
    „Gracze” 1852. Scena jest niemal nierealna, fantastyczna. Wkrótce Fiedotow zachorował psychicznie i zakończył swoje dni w szpitalu psychiatrycznym. Został pochowany na cmentarzu Ławry Aleksandra Newskiego w Petersburgu. Sam Fiedotow, jak pisał krytyk Stasow, byłby zapewne zdziwiony, gdyby dowiedział się, że jego poszukiwania poszły w tym samym kierunku, co poszukiwania najlepszych francuskich artystów XIX wieku, którzy utorowali drogę realistycznemu kierunkowi. Za odwagę, z jaką wpatrywał się w rzeczywistość Mikołaja, zapłacił wysoką cenę, ale jego osiągnięcia, których powagi akademicy nie od razu zrozumieli, przygotowały grunt dla rosyjskich artystów realistów - Wędrowców.

    Zainteresowanie sztukami pięknymi obejmowało coraz szersze kręgi społeczne, co wyrażało się w powstaniu różnorodnych stowarzyszeń artystycznych, rosnącej popularności wystaw w Akademii Sztuk Pięknych, powstaniu pism o sztuce i tworzeniu muzeów sztuki.

    Portret pozostał wiodącym gatunkiem w malarstwie, jego rozwój wiązał się z twórczością O.A. Kiprensky i V.A. Tropinina. W twórczości tych artystów widać chęć uchwycenia wyjątkowości świata duchowego i emocjonalnego ich współczesnych, romantyzm splata się z cechami realizmu. Pejzaż rozwinął się wraz z portretem, kojarzonym z nazwiskiem S.F. Szczedrina, którego cechuje poetyckie postrzeganie naturalnego wyglądu natury. Gatunek codzienny reprezentują dzieła A.G. Venetsianov, który celowo wybrał go jako niezależną i pełnoprawną formę malarstwa, oraz P.A. Fedotowa. Tematyka ich malarstwa jest narodowa i demokratyczna. Malarstwo historyczne rozwinęło się pod wpływem wojny 1812 roku, wzrostu patriotyzmu i świadomości narodowej. Kierunek ten reprezentował A.A. Iwanow, który namalował słynny obraz „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, A.E. Egorov i inni Niektórzy artyści pracowali w równym stopniu w różnych gatunkach. Takimi byli F. Bruni, K.P. Bryullov, największy artysta swoich czasów, którego twórczość ucieleśniała dramat, człowieczeństwo i błyskotliwe umiejętności.

    Prawie cały rozwój malarstwa tego okresu odbywał się w ramach klasycyzmu, który w malarstwie nazywano akademizmem. Akademictwo skupiało się na najwyższych technikach wizualnych, tematyce mitologicznej i biblijnej oraz kompozycji dekoracyjnej. Ogólnie rzecz biorąc, dla malarstwa XIX-wiecznego. charakteryzuje się ekspansją gatunków, tematów, doskonaleniem technik technicznych i aspektów artystycznych. Rosyjską sztukę piękną charakteryzował romantyzm i realizm. Jednak oficjalnie uznaną metodą był klasycyzm.

    Klasycyzm w architekturze początków XIX wieku. osiągnął najwyższy poziom rozwoju, tworząc podatny grunt dla ekspresji obywatelskiego patosu. Cechą charakterystyczną jest tworzenie dużych składów. Rosyjska architektura wyróżniała się wysokim profesjonalizmem i poszukiwaniem nowych dróg.

    Wśród architektów tamtych czasów na wyróżnienie zasługuje O.I. Bowe, który przewodził odbudowie Moskwy po pożarze w 1812 r. Pod jego kierownictwem powstały wyjątkowe zespoły miejskie: Teatralna, Zmartwychwstanie, Placy Czerwone; Ogród Aleksandra; Powstały budynki Teatru Bolszoj i Maneżu – obiekty, które odmieniły wygląd miasta. W Petersburgu klasycyzm zachował swój oficjalny charakter i odzwierciedlał znaczenie miasta jako stolicy imperium. Do wybitnych zabytków należy Katedra Kazańska (1801-1811) autorstwa architekta A.N. Woronichin; budynek Giełdy (1804-1811) autorstwa architekta Thomasa de Thomona; zespoły miejskie K.I. Rossi, który zamienił miasto w dzieło sztuki. Według projektu AD. Zacharowa wzniesiono budynek Admiralicji. Rozchodziły się od niego promienie alei Petersburga. Według projektu A.A. Montferrand był twórcą katedry św. Izaaka – najwyższego budynku w ówczesnej Rosji.

    W miejsce klasycyzmu, który wyczerpał swoje możliwości i popadł w konflikt ze zmieniającymi się potrzebami estetycznymi epoki lat 30. XIX wiek nadszedł eklektyzm. Jego główną zasadą jest wykorzystanie elementów różnych stylów architektonicznych przeszłości w dowolnej formie. Architekt K.A. Tone jest jednym z najwybitniejszych przedstawicieli tego trendu. Według jego projektu Katedra Chrystusa Zbawiciela (1839-1883) została zbudowana na cześć zwycięstwa w Wojnie Ojczyźnianej w 1812 roku.

    Największy postęp osiągnięto w tym czasie w dziedzinie rzeźby monumentalnej. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury artystycznej, tutaj silny był wpływ Wojny Ojczyźnianej 1812 r., upowszechniła się tematyka bohaterstwa, patriotyzmu itp. Rzeźba rozwinęła się w ramach stylu klasycyzmu, ale cechy realistyczne nabrały dość silnego wpływu. Cechą charakterystyczną rozwoju rzeźby rosyjskiej pierwszej połowy stulecia była synteza rzeźby i architektury, co szczególnie wyraźnie wyrażało się w tworzeniu zespołów urbanistycznych i rozwiązywaniu innych problemów urbanistycznych.

    Wśród wybitnych rzeźbiarzy monumentalnych szczególne miejsce zajmuje V.I. Demuth – Malinowski i S.S. Pimenow. Razem z architektem Woronichinem stworzyli niepowtarzalny wystrój katedry w Kazaniu, a następnie płaskorzeźby dla Instytutu Górnictwa. Dla budynku Admiralicji wyrzeźbiono z kamienia kilka okazałych posągów. Rzeźbiarze współpracowali także z architektem Rossim, a za szczyt ich twórczości uważa się rzeźbę Łuku Sztabu Generalnego.

    Do wybitnych zabytków epoki należy pomnik Minina i Pożarskiego na Placu Czerwonym, stworzony przez rzeźbiarza I.P. Martos. Na obrazach bohaterów XVII wieku. ucieleśnia cechy patriotyzmu i dumy narodowej. Kreatywność B.I. miała ogromne znaczenie. Orłowskiego, autora figury anioła zwieńczającej Kolumnę Aleksandrowską, pomników feldmarszałka M.I. Kutuzow i generał Barclay de Tolly przed katedrą kazańską w Petersburgu. Kolumna Aleksandrowska to menhir, jeden z najsłynniejszych zabytków Petersburga. Wzniesiony w stylu empirowym w 1834 roku w centrum Placu Pałacowego przez architekta Augusta Montferranda na zlecenie młodszego brata cesarza Aleksandra I, Mikołaja I, na pamiątkę zwycięstwa nad Napoleonem. Kolumnę stanowi monolityczny obelisk, ustawiony na cokole ozdobionym płaskorzeźbami z dedykacyjnym napisem „Wdzięczna Rosja Aleksandrowi I”. Na szczycie kolumny znajduje się rzeźba anioła autorstwa Borysa Orłowskiego. Twarz anioła otrzymuje rysy Aleksandra I. W lewej ręce anioł trzyma czteroramienny krzyż łaciński, a prawą rękę podnosi do nieba. Głowa anioła jest pochylona, ​​jego wzrok utkwiony jest w ziemię. Kolumna skierowana jest w stronę Pałacu Zimowego. Jest to nie tylko wybitny zabytek architektury, ale także wielkie osiągnięcie inżynieryjne swojej epoki. W pierwszej połowie XIX w. pojawiła się niezależna rosyjska sztuka muzyczna, choć nadal silnie odczuwalny był wpływ szkoły włoskiej, niemieckiej i francuskiej. Rosyjska narodowa kultura muzyczna powstała na bazie sztuki ludowej, o czym świadczy twórczość A.A. Alyabyev, twórca rosyjskiej opery narodowej M.I. Glinka. Innowacyjne opery A.S. wniosły znaczący wkład w rozwój rosyjskiej sztuki muzycznej. Dargomyżski. Połączenie motywów ludowych z romantyzmem doprowadziło do powstania specjalnego gatunku - romansu rosyjskiego (A.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, A.L. Gurilev). W tym okresie znacznie wzrosła rola teatru dramatycznego w życiu kulturalnym Rosji. W Moskwie ośrodkiem tego typu sztuki stał się Teatr Mały, w którym tendencje demokratyczne były bardzo silne; w Petersburgu - Aleksandryjski, który zachował swoje oficjalne znaczenie. Sztuka teatralna tamtych czasów rozwijała się w ramach stylu romantyzmu (zwłaszcza w twórczości P.S. Moczałowa, który grał w sztukach Schillera i Szekspira; szczególnie udana była jego rola jako Hamleta). Stopniowo realistyczny kierunek został ustalony na scenie rosyjskiej dzięki dramaturgii A.S. Griboyedova, N.V. Gogol, A.N. Ostrowski. Wśród aktorów, którzy stworzyli chwałę rosyjskiej sceny, należy wyróżnić M. S. Szczepkina, P.S. Mochalova, E.S. Semenova itp. Istniały różne typy teatrów. Teatry pańszczyźniane należące do rosyjskich rodzin arystokratycznych (Szeremietiewów, Apraksinów, Jusupowów i in.) były nadal szeroko rozpowszechnione. Teatrów państwowych było niewiele (Aleksandryjski i Maryjski w Petersburgu, Bolszoj i Mały w Moskwie). Sztuka teatru baletowego zajmowała szczególne miejsce w życiu kulturalnym Rosji. Rozwijał się w ścisłym związku i pod wpływem literatury rosyjskiej. Balety „czystego klasycyzmu” odchodziły w zapomnienie. Zastąpiły je sentymentalne melodramaty i inscenizacje romantyczne. W repertuarze pojawił się balet, którego fabułę sugerowała literatura rosyjska.

    Kryzys pańszczyzny spowalnia rozwój ustroju kapitalistycznego. W kręgach świeckich rodzą się idee wolnościowe, trwa Wojna Ojczyźniana 1812 r., a także udział wojsk rosyjskich w wyzwoleniu państw europejskich od Napoleona, powstanie dekabrystów w 1825 r. przeciwko caratowi, wszystko to ma wpływ na malarstwo.

    Jaka jest różnica między malarstwem epoki genialnego A.S. Puszkin?

    Prawdopodobnie ucieleśnienie jasnych i humanitarnych ideałów narodu miłującego wolność...

    Wraz z klasycyzmem rozwijał się ruch romantyczny i kształtował się realizm.

    Romantyczny kierunek malarstwa rosyjskiego stał się początkiem rozwoju realizmu w kolejnych dziesięcioleciach. Tak właśnie przebiega zbliżenie Rosyjscy artyści, romantycy z prawdziwym życiem, co było istotą ruchu artystycznego tamtych czasów. Szeroka dystrybucja wystaw świadczy jednocześnie o zbliżeniu narodu rosyjskiego ze światem sztuki, do odwiedzania wystaw starają się ludzie wszystkich klas. Uważa się, że obraz K.P. Takim zbliżeniem był „Ostatni dzień Pompejów” Bryulowa. Próbowali się z nią spotkać petersburscy ludzie wszystkich klas.

    Malarstwo rosyjskie staje się wielonarodowe, obrazy nabierają odcieni narodowych, do Akademii przyjmowani są studenci różnych narodowości. Studiują tu mieszkańcy Ukrainy, Białorusi, krajów bałtyckich, Zakaukazia i Azji Środkowej.

    W pierwszej połowie XIX wieku malarstwo reprezentowane było we wszystkich gatunkach: portret, pejzaż, martwa natura, malarstwo historyczne.

    Znani rosyjscy artyści pierwszej połowy XIX wieku:

    Arcydzieła malarstwa rosyjskiego

    • Malarstwo Bryullova K.P. „Ostatni dzień Pompejów”
    • Malarstwo Aiwazowskiego I.K. „Dziewiąta fala”

    • Malarstwo Bruni F.A. „Miedziany wąż”

    • Malarstwo Venetsianova A.G. „Podłoga stodoły”

    • Malarstwo Tropinina V.A. „Koronkarz”

    W kulturze rosyjskiej pierwszej połowy XIX wieku romantyzm ma swoją specyfikę. Wiara w oświeceniowe ideały rozumu, postępu, podstawowych praw jednostki – wszystko to było nadal aktualne w rosyjskim życiu społecznym pierwszej połowy stulecia.
    Wizerunek osoby otrzymał głębokie poetyckie wcielenie w twórczości największego rosyjskiego malarza portretowego pierwszej tercji XIX wieku.
    Orest Adamowicz Kiprensky. (1782-1836).
    Największy mistrz portretu romantycznego.
    Kiedy patrzysz na portrety Kiprensky'ego, wydaje się, że widzisz wolnych ludzi. Żadnemu z jego współczesnych nie udało się w taki sposób wyrazić tego uczucia nowego człowieka.
    Do najważniejszych dzieł Kiprenskiego należą portrety personelu wojskowego, który brał udział w kampaniach antynapoleońskich na początku stulecia.

    1809. Czas

    Portret AA Czeliszczewa. 1808 - początek 1809 Galeria Trietiakowska nawiązuje do wczesnego okresu twórczości O.A. Kiprensky.
    Era romantyzmu tworzy zupełnie szczególne podejście do koncepcji dzieciństwa. Jeśli portreciści XVIII wieku zwykle przedstawiali dziecko jako małego dorosłego, romantycy widzieli w nim szczególny, niepowtarzalny świat osobowości, który wciąż pozostawał czysty i nieskażony wadami dorosłych.

    Portret hrabiny Ekateriny Pietrowna Rostopchina. 1809. Galeria Trietiakowska.
    Niektóre z stworzonych przez niego wizerunków kobiet są szczególnie urokliwe.
    Nie ma sobie równych w całym światowym malarstwie XIX wieku pod względem siły wyrazu duchowego piękna, jakby antycypując obraz Tatiany Puszkina.

    Mieszkając w Petersburgu, Kiprensky zbliżył się do najwybitniejszych ludzi swojego stulecia.
    Romantyczne tendencje w twórczości Kiprensky'ego ucieleśnia portret słynnego rosyjskiego poety V.A. Żukowski.

    Portret E.S. Avdulina. 1822-1823.
    - jedno z najlepszych dzieł zmarłego Kiprensky'ego.
    jawi się przed widzem jako człowiek o wielkiej duchowej subtelności i szlachetności, posiadający głęboko ukryty świat wewnętrzny.

    Na portrecie Puszkina artysta dokładnie oddaje cechy wyglądu poety, ale konsekwentnie odmawia wszystkiego, co zwyczajne. Zrozumienie wyjątkowości zadania – uchwycenie wyglądu wielkiego poety – O.A. Kiprensky harmonijnie połączył ducha romantycznej wolności i patosu wysokiej klasyki.
    Twórcze spalanie.
    « Widzę siebie jak w lustrze, ale to lustro mi schlebia».


    O. A. Kiprensky. "Autoportret". 1828

    Tropinin, Wasilij Andriejewicz(1776-1857) – rosyjski artysta, akademik, mistrz portretu. Z pochodzenia - chłop pańszczyźniany. Tropininowi nie udało się ukończyć Akademii. Hrabia Morkow przerwał studia w 1804 r., wzywając Kukavkę do swojego ukraińskiego majątku. Młody artysta musiał być malarzem domowym i jednocześnie wypełniać obowiązki podwórza. Od 1821 roku mieszkał na stałe w Moskwie, gdzie zyskał uznanie i sławę.
    Wizerunki osób z postaci stworzonych przez Tropinina są powszechnie znane.

    „Tropinin miał niewielu rywali w swoim talencie artystycznym. W 1818 roku, gdy był jeszcze chłopem pańszczyźnianym i mieszkał ze swoim panem w majątku Kukawka na Ukrainie, napisał „Portret syna” – zachwycający malowniczym urokiem i swobodą malarstwa. Ten portret blond, opalonego chłopca świeci, żyje i oddycha. Potem Tropinin pracował przez kolejne czterdzieści lat, uwiecznił bardzo wiele osób, opracował mniej lub bardziej stabilne metody portretowania, ulepszył technikę, ale portret jego syna pozostał niezrównany, być może z wyjątkiem portretu Puszkina, namalowany w tym samym roku co Kiprensky i nie gorszy od niego ”(Dmitrieva N.A. Krótka historia sztuki. Wydanie III: Kraje Europy Zachodniej XIX wieku; Rosja XIX wieku. - M.: Art, 1992. P. 198-200.).

    Najlepszy w kręgu malarstwa portretowego Tropinina z lat dwudziestych XIX wieku
    Lekko uniesiona górna warga nadaje twarzy poety odrobinę powściągliwej ożywienia.
    Liliowo-brązowa szata jest udrapowana w szerokie, luźne fałdy; Kołnierzyk koszuli jest szeroko rozpięty, niebieski krawat zawiązany celowo swobodnie.
    Kolor ma świeżość bezpośredniej obserwacji. W przekonujący sposób oddane są refleksy koszuli z kołnierzykiem, podkreślające podbródek i nagą szyję portretowanej osoby.

    Już jako znany artysta Tropinin stworzył rodzaj swoistego, kameralnego portretu z elementami malarstwa rodzajowego. Z reguły jest to półmetrowy obraz osoby wykonującej swoje zwykłe czynności.
    Ładna, przebiegła dziewczyna jest pełna wdzięku, rozumianego przez współczesnych jako szczególna „przyjemność”, jako coś, co „chwyta za serce”, ale „nie da się zrozumieć umysłem”.
    W roku namalowania obrazu wolność otrzymał Wasilij Andriejewicz Tropinin, poddany artysta hrabiego Morkowa. Miał 47 lat. W tym samym roku wystawił w Akademii Sztuk Pięknych swoją „Koronkę”, która od razu zyskała popularność, która nie opuściła jej do dziś.

    Wenecjanow Aleksiej Gawrilowicz. 1780 – 1847. pierwszy rosyjski malarz, który świadomie wybrał gatunek codzienny jako podstawę swojej twórczości.
    To jemu przypisuje się ustanowienie gatunku codziennego w sztuce rosyjskiej jako niezależnego rodzaju malarstwa.
    Rozwinął formę wielopostaciowego malarstwa gatunkowego, w którym często dużą rolę odgrywa pejzaż lub wnętrze. Venetsianov jako pierwszy zwrócił także uwagę na poszczególne typy ludowe. Jego malarstwo ma charakter narodowy i demokratyczny.

    W 1811 roku Akademia Sztuk Pięknych uznała go za „wyznaczonego” za autoportret.

    Pierwszym fundamentalnym dziełem Venetsianova był obraz „Stodoła”, który otworzył nowe ścieżki w malarstwie rosyjskim.

    Artysta stworzył wyidealizowany, poetycki obraz życia chłopskiego. Praca na świeżym powietrzu pozwoliła Venetsianovowi wykorzystać efekty światła dziennego i skomplikować paletę.

    Bryulłow Karol Pawłowicz(1799-1852). Malarz, rysownik. Mistrz malarstwa historycznego, portrecista, malarz gatunkowy.
    Pokonuje martwotę kanonów klasycyzmu romantycznym pragnieniem wypełnienia obrazu żywymi uczuciami.


    Podstawą były realistyczne zasady

    Radość bycia, radosne i pełnokrwiste poczucie życia, łączenie się z otoczeniem błyszczy. Promienie słońca przenikają przez liście winnicy, ślizgają się po dłoniach, twarzy i ubraniu dziewczyny; powstaje atmosfera żywego połączenia człowieka z naturą. Twarz dziewczyny o absolutnie regularnych rysach i ogromnych, błyszczących oczach jest idealnie piękna, wydaje się prawie porcelanowa (częsty efekt u Bryullova). Włoski typ wyglądu uznano wówczas za doskonały, a artysta bawi się nim z przyjemnością.

    Komisja Towarzystwa po otrzymaniu „Południa” ostrożnie zarzucała artyście wybór modelu nie odpowiadającego klasycznym ideałom petersburskich koneserów.

    Linia epikurejska

    Tragiczna granica kreatywności
    Ostatni dzień Pompejów. 1830-1833. Państwowe Muzeum Rosyjskie Olej na płótnie. 465,5 x 651
    Po raz pierwszy w malarstwie rosyjskim klasycyzm połączono z romantycznym postrzeganiem świata. Należy zauważyć, że dla K.P. Dla Bryulłowa ważna była prawda o rzeczywistości historycznej. Studiował źródła pisane dotyczące tragedii w Pompejach (Pliniusz Młodszy, Tacyt), a także badania naukowe dotyczące wykopalisk archeologicznych.
    Jego bohaterowie w ostatniej chwili życia ukazują ludzką godność i wielkość ducha w obliczu ślepych żywiołów zła.
    Inaczej niż w klasycznych obrazach, centrum kompozycyjne nie skupia się tu na głównej postaci historycznej (która po prostu nie istnieje), ale na zmarłej matce, obok której ukazane jest wciąż żyjące dziecko, ogarnięte grozą. Koncepcja płótna ujawnia się w kontraście życia i śmierci.

    W ten sposób po raz pierwszy ludzie weszli do rosyjskiego malarstwa historycznego, chociaż zostali ukazani w dość wyidealizowany sposób.

    Portret wielkiej księżnej Eleny Pawłownej z córką Marią. 1830. Muzeum Rosyjskie Ostatecznie Bryulłow doszedł do obrazu Wielkiej Księżnej w ruchu. Odtąd w dużych portretach będzie używał tej techniki, która pomaga zwiększyć wyrazistość obrazu.

    Jeździec. Portret Giovaniny i Amazilii Pacini, uczniów hrabiny Yu.P. Samoilova. 1832. Galeria Trietiakowska
    Na początku lat trzydziestych XIX wieku K.P. Bryullov zajął jedno z czołowych miejsc w sztuce rosyjskiej i całej sztuce zachodnioeuropejskiej. Jego sławę jako wybitnego mistrza portretu ugruntowała namalowana we Włoszech „Jeździec”.
    Uroczyste malarstwo portretowe Bryulłowa charakteryzuje się nowatorskimi cechami. W odróżnieniu od bohaterów portretów ceremonialnych XVIII w., gdzie głównym zadaniem było podkreślenie pozycji społecznej portretowanej osoby i jej cnót publicznych, bohaterowie Bryulłowa odznaczają się przede wszystkim spontanicznością, młodością i pięknem.

    Portret Jego Najjaśniejszej Wysokości Księżniczki Elżbiety Pawłownej Saltykowej, urodzonej jako hrabina Strogonova, żona Jego Najjaśniejszej Wysokości Księcia I.D. Saltykowa. 1841. Czas

    Portret hrabiny Julii Pavlovny Samoilovej, z domu hrabiny Palen, opuszczającej bal ze swoją adoptowaną córką Amazilią Paccini. 1842. Czas
    ostatnie znaczące dzieło K.P. Bryullova i jedno z jego najlepszych dzieł z gatunku ceremonialnego malarstwa portretowego, charakteryzujące się optymistycznym, romantycznym nastrojem.
    Artysta przedstawił swoją bohaterkę w stroju królowej, na tle bujnej teatralnej kurtyny oddzielającej ją od uczestników balu.
    podkreśla jej dominującą pozycję w tłumie ludzi, ekskluzywność jej natury.

    Iwanow Aleksander Andriejewicz(1806-1858) - malarz, rysownik. Mistrz malarstwa historycznego, pejzażysta, portrecista. Kreatywność Iwanowa stoi w centrum duchowych poszukiwań kultury rosyjskiej XIX wieku.

    Największe osiągnięcie rosyjskiego malarstwa historycznego wiąże się z twórczością A. Iwanowa. Syn profesora A.I. Iwanowa, studiował w Akademii Sztuk Pięknych, znakomicie doskonaląc kompozycję i rysunek (oprócz ojca jego nauczycielami byli Jegorow i Szebujew.

    W 1824 r Iwanow namalował swój pierwszy duży obraz olejny „Priam pytający Achillesa o ciało Hektora” (Galeria Trietiakowska), za który otrzymał mały złoty medal. Już w tej wczesnej twórczości Iwanow ujawnia pragnienie psychologicznej ekspresji i archeologicznej dokładności. Kiedy obraz pojawił się na wystawie, krytycy zauważyli uważny stosunek artysty do tekstu Homera i mocną ekspresję postaci na obrazie.

    Na wystawie w 1827 r Pojawił się drugi obraz Iwanowa - „Józef interpretujący sny piekarza i lokaja” (Muzeum Rosyjskie), który został nagrodzony dużym złotym medalem Towarzystwa Zachęty Artystów. Tutaj wyraz twarzy i niezrównana plastyczność postaci znacznie przewyższyły „Priama”, co świadczy o wyjątkowym talencie artysty i jego szybkim rozwoju. Podświetlone postacie na ciemnym tle sprawiają wrażenie posągów. Płynne fałdy antycznej szaty Józefa są wykończone z zadziwiającą perfekcją. Józef mówi piekarzowi coś strasznego, wskazując mu płaskorzeźbę przedstawiającą egzekucję wyrytą na ścianie więzienia. Podczaszy z niecierpliwością i nadzieją czeka, co powie o nim wróżbita. Piekarz i podczaszy są do siebie podobni, jak bracia, dlatego na ich twarzach pojawiają się wyrazy przeciwstawnych uczuć: rozpaczy i nadziei. Płaskorzeźba egipska skomponowana przez Iwanowa pokazuje, że już wtedy znał on egipską archeologię i miał subtelne wyczucie stylu. We wszystkich swoich wczesnych utworach Iwanow dążył do silnych ruchów emocjonalnych, wyrażonych w niezwykle przejrzystej formie.

    Jednak ten obraz prawie doprowadził do upadku kariery Iwanowa, która zaczęła się tak znakomicie. Wizerunek (w formie płaskorzeźby) egzekucji na ścianie lochu został zinterpretowany jako śmiała aluzja do odwetu Mikołaja I na dekabrystach. Hoodowi ledwo udało się uciec z Syberii. I pomimo faktu, że Iwanow otrzymał duży złoty medal, kwestia jego podróży służbowej za granicę przeciągała się. Towarzystwo Zachęty Artystów, chcąc wysłać Iwanowa do Włoch w celu poprawy, postanowiło jeszcze raz sprawdzić jego umiejętności, zakładając nowy temat: „Bellerofont wyrusza na kampanię przeciwko Chimerom” (1829, Muzeum Rosyjskie).

    Mimo to został nagrodzony zagraniczną podróżą służbową. W tym czasie Iwanow był już autorem kilku obrazów, wykonał ogromne rysunki ze starożytnych posągów - „Laokoona”, „Wenus Medycei”, „Wojownika Borghesian” (wszystko w Państwowej Galerii Trietiakowskiej) oraz wiele rysunków z akademickich modele. Jego wczesne albumy zawierają także szereg szkiców ołówkiem i sepią o tematyce historycznej i starożytnej, wśród których znajduje się kilka szkiców natury; Portrety są jeszcze rzadsze. Mały autoportret (1828, Galeria Trietiakowska), namalowany techniką olejną, pochodzi z czasów przed wyjazdem za granicę.

    W hołdzie dla klasycyzmu Iwanow rozpoczął w Rzymie obraz w duchu Poussina „Apollo, Hiacynt i cyprys zajmujący się muzyką i śpiewem” (1831–1834, Galeria Trietiakowska), wykorzystując zabytki starożytnej rzeźby. Obraz pozostał niedokończony. Mimo to jest to jedno z najdoskonalszych dzieł rosyjskiego klasycyzmu. Pięknie pogrupowane postacie wyglądają jak animowane posągi.

    Liście drzewa wspaniale kontrastują z barwą nagich ciał: delikatną barwą ciała Hiacynta, ciemną barwą cyprysu i sylwetką Apolla, jakby wyrzeźbioną z kości słoniowej. Obraz jest muzycznie harmonijną, harmonijną kompozycją. Z porównania szkiców wynika, że ​​Iwanow świadomie poszukiwał muzycznego piękna gładkich linii i plastycznej doskonałości formy. Cudownie inspirowana twarz Apolla. Biorąc za podstawę obrazu głowę Apolla Belvedere, Iwanow tchnął w niego nowe życie - życie uczuć. Ta metoda przetwarzania starożytnych obrazów stała się dla Iwanowa główną metodą przez całą pierwszą połowę jego twórczości.

    Czytając ponownie ewangelie, Iwanow w końcu znalazł wątek, którego nikt wcześniej nie podjął: pierwsze pojawienie się Mesjasza (Chrystusa) przed ludźmi czekającymi na spełnienie ich cenionych aspiracji, przepowiedziane przez Jana Chrzciciela. Iwanow postrzegał ten spisek jako zawierający całe znaczenie ewangelii. Jego zdaniem spisek ten mógłby ucieleśniać wzniosłe ideały moralne całej ludzkości, tak jak je rozumieli współcześni. Prace nad szkicami do obrazu rozpoczęły się jesienią 1833 roku.

    Artysta od samego początku swojej twórczości pojmował fabułę bardziej jako historyczną niż religijną, eliminując wszelkie cechy jej mistycznej interpretacji. Sporządził plan trwający dekadę, zgodnie z ekstremalną złożonością planu. Plan ten przestraszył nieufnych petersburskich „dobroczyńców” Iwanowa ze względu na czas trwania i wysokie koszty. Pomimo groźby Towarzystwa Zachęty Artystów, że pozbawi go wszelkich środków do życia, Iwanow nie poddał się. Głęboko studiował zabytki sztuki starożytnej i malarstwo monumentalne włoskiego renesansu. Nie mając możliwości wyjazdu do Palestyny ​​w celu zapoznania się z typami ludowymi i krajobrazami miejsc związanych z legendą ewangeliczną, Iwanow szukał odpowiedniej przyrody we Włoszech.

    W 1835 r Iwanow skończył i wysłał do Petersburga na wystawę akademicką „Pojawienie się Chrystusa Marii Magdalenie po zmartwychwstaniu” (Rosyjskie Muzeum Rosyjskie); Sukces filmu przerósł oczekiwania artysty: nadano mu tytuł naukowca, a jego pobyt we Włoszech przedłużono o kolejne trzy lata.

    W posągowym charakterze postaci tego obrazu (zwłaszcza Chrystusa, przypominającego posąg Thorvaldsena), w konwencjonalnych draperiach i krajobrazie, który stanowi dla postaci niemal neutralne tło, Iwanow złożył ostatni hołd akademizmowi. Odpowiadało to w pełni pierwotnemu zamyśle obrazu, w którym artysta zamierzał pokazać umiejętność ukazywania nagiego ciała ludzkiego i draperii. Jednak wraz z tym fascynowało go zadanie przedstawienia płaczącej pięknej kobiecej twarzy i ruchu postaci. Nie odważył się dokonać bardziej radykalnych zmian w obrazie, choć kompozycje Giotta, które widział we Włoszech na ten sam temat, zrodziły pomysł całkowitego porzucenia „oficjalnego kawałka nagości”.

    Złożony wyraz twarzy Magdaleny (uśmiech przez łzy) i pomyślnie odnaleziona pozycja nóg Chrystusa (oparta na głębokiej znajomości anatomii i nadawania jego sylwetce iluzji ruchu) to najbardziej realistyczne cechy obrazu w jego ogólnoakademickiej strukturze.

    Po ukończeniu tej pracy artysta ponownie poświęcił się całkowicie rozwinięciu głównej idei. Praca nad „Pojawieniem się Chrystusa ludowi” (1837–1857, Galeria Trietiakowska) zajmowała większość życia Iwanowa. Liczne zachowane materiały (szkice, szkice, rysunki) oraz obszerna korespondencja artysty pozwalają zrekonstruować główne etapy tego ogromnego dzieła. Pierwsze szkice pochodzą z 1833 roku, zatem powstały przed pierwszą podróżą do Włoch.

    W 1837 r kompozycja obrazu była już na tyle rozwinięta, że ​​artyście udało się przenieść ją na duże płótno, a w następnym roku cieniował i malował w technice terdesien.

    K1845 „Pojawienie się Chrystusa ludowi” w zasadzie dobiegło końca, z wyjątkiem pewnych szczegółów (twarz niewolnika, postacie wyłaniające się z wody, grupa środkowa).

    Dalsze prace szły w dwóch kierunkach - maksymalne uszczegółowienie charakterów bohaterów i drugi - badanie krajobrazu na poszczególne tematy określone kompozycją obrazu (drzewa na pierwszym planie, ziemia, kamienie, woda, drzewa w tle i góry) . Możliwe, że wszystkie te prace poprzedziły poszukiwania ogólnego tonu obrazu, dla którego Iwanow napisał w Wenecji, w pobliżu wielkich weneckich kolorystów, mały szkic („Szkic w tonach weneckich”, 1839, Tretiakow Galeria), która w dużej mierze z góry określiła kolorystykę obrazu „Pojawienie się Chrystusa ludziom”.

    Pod koniec 1838 r była przerwa w pracy. W tym czasie Iwanow spotkał N.V. Gogola, który następnie przybył do Rzymu. Oni zostali kolegami. Ich przyjaźń została naznaczona nieoczekiwanym odwołaniem Iwanowa do tematów życia ludzkiego. Pod wpływem pisarza Iwanow stworzył szereg akwareli gatunkowych przedstawiających sceny z życia zwykłych ludzi. Są poetyckie, żywotne i przepojone duchowym ciepłem. Złożone wielofigurowe kompozycje łączy działanie światła. Księżyc rzuca swoje spokojne światło na grupę dzieci i dziewcząt śpiewających chórem „Ave Maria” („Ave Maria”, 1839, Muzeum Rosyjskie), ciepłe światło świec odbija się odblaskami na ich twarzach i ubraniach. Pod palącymi promieniami południowego słońca rozgrywa się słodka scena („Pan młody wybiera kolczyki dla panny młodej”, 1838, Galeria Trietiakowska). Postacie dziewcząt w akwareli „Święta październikowe w Rzymie” są pełne zrelaksowanych ruchów . W Ponte Mole” (1842, Muzeum Rosyjskie). W akwareli „Święta październikowe w Rzymie. Scena w loggii” (1842, Galeria Trietiakowska) przedstawia zabawny taniec. Szybkie ruchy ludzi otaczających chudego Anglika wyrażają się w złożonej i pięknej sylwetce. Bez wpływu Gogola pojawienie się tych scen rodzajowych jest niewytłumaczalne.

    We wszystkich akwarelach Iwanowa zasada psychologicznego związku między postaciami ludzkimi przeważa nad zasadą klasycznej kompozycji architektonicznej. Artysta wyraźnie zabiegał w nich o życiową prawdziwość ruchów postaci i ich relacji.

    W pierwszych dwóch akwarelach gatunkowych Iwanow praktycznie borykał się z problemami oświetleniowymi. Zadanie to było szczególnie trudne w akwareli „Ave Maria”, w której zimne i równe światło księżyca łączy się z ciepłym, drżącym światłem świec i delikatnym światłem latarni przed wizerunkiem Madonny.

    Problem przepuszczania światła słonecznego, który szczególnie zajmował artystę pod koniec lat 40., po raz pierwszy postawił go we wspomnianej akwareli „Pan młody wybiera kolczyki dla panny młodej”. Porównanie dwóch wersji tego rysunku (THG i GRM) pokazuje, że Iwanow starał się wykorzystać oświetlenie jako zasadę jednoczącą.

    K1845 „Pojawienie się Chrystusa ludowi” w zasadzie dobiegło końca, z wyjątkiem pewnych szczegółów (twarz niewolnika, postacie wyłaniające się z wody, grupa środkowa). Po prawej i lewej stronie obrazu znajdują się osoby ochrzczone w wodach Jordanu, za Janem grupa przyszłych apostołów, pośrodku i po prawej stronie tłumy ludzi wzruszonych słowami Jana. Na pierwszym planie artysta namalował niewolnika przygotowującego się do ubioru swego pana. Akcja rozgrywa się w Dolinie Jordanu, odległe wzgórza porośnięte są drzewami. Ogromne stare drzewo ocienia liście grupy środkowej.

    Aby rozwiązać problem: aby przedstawić ludzkość oczekującą na wyzwolenie, Iwanow uważał, że ma prawo wykorzystać wszystko, co wcześniej osiągnęła sztuka światowa. Przykłady sztuki plastycznej czerpał ze starożytnej rzeźby greckiej, studiował starożytne oryginały w Rzymie i Florencji, studiował malarstwo renesansu: Leonarda da Vinci, Fra Bartolomeo, Ghirlandaio, a przede wszystkim Rafaela.

    Oczywiście już od pierwszych etapów pracy nad kompozycją obrazu Iwanow odczuwał potrzebę organizowania postaci ludzkich w grupy, połączone podobieństwem lub odwrotnie, zestawione w celowych kontrastach. Grupy te zdefiniowano następująco: starzec i młodzieniec wychodzący z wody, grupa uczniów prowadzona przez Chrzciciela i zamknięta z lewej strony postacią sceptyka, na pierwszym planie grupa bogacza i niewolnika, i wreszcie grupa drżących ojca i syna flankujących całą kompozycję po prawej stronie. Ponadto wiele postaci umieszczonych jest w cieniu, pośrodku obrazu, w tłumie ludzi zajmującym prawy górny róg płótna. Liczby te są również podzielone na grupy.

    Decydujące znaczenie ma postać Jana Chrzciciela. Znajduje się niemal w centrum i swoją potężną siłą porządkuje całą kompozycję. W przedstawieniu Chrzciciela Iwanow wykorzystał zabytki malarstwa włoskiego, a przede wszystkim Rafaela, co bynajmniej nie pozbawiło obrazu własnej wyrazistości. Jan na zdjęciu jest pełen ognistego temperamentu; swoim czasownikiem pali ludzkie serca. Zdumiewająco potężnym gestem wskazuje na zbliżającego się Mesjasza. On pierwszy zobaczył i rozpoznał Mesjasza. Jego gest wyznacza ruch całej struktury kompozycyjnej obrazu.

    Artysta postawił sobie za cel osiągnięcie w każdej z postaci niezwykle typowej ekspresji każdej osoby. postać. Udało mu się zwłaszcza w przypadku wizerunków Chrzciciela, apostołów Jana, Andrzeja, Natanaela i niewolnika, których szkice należą do najlepszych. Nic dziwnego, że Kramskoj uważał baptystę z Iwanowa za „portret idealny”.

    Charakterystyczne jest, że u podstaw każdej postaci, każdego typu zawartego na zdjęciu kryje się prawdziwy portret. W kolejnym etapie sztuka przyciąga głowy starożytnych rzeźb, jakby kształtując je klasycznymi cechami żywej natury.

    „Pojawienie się Chrystusa ludowi” łączy wzniosłą ideę wyzwolenia człowieka z monumentalną formą.

    Do roku 1845 zawierają szkice muralu „Zmartwychwstanie Chrystusa” przeznaczonego dla Katedry Chrystusa Zbawiciela, który został zbudowany przez K.A. Tona. W tym okresie Iwanow wpadł na pomysł stworzenia całej serii obrazów o tematyce biblijnej. Malowidła te miały pokrywać ściany specjalnego budynku użyteczności publicznej (a nie kościoła, jak zawsze podkreślał sam artysta). Ich tematyka i kolejność nawiązywały bardziej do książki „Życie Jezusa” D. Straussa, jednak opierały się na głębokich i niezależnych studiach nad źródłami pierwotnymi dokonanymi przez samego artystę. Iwanow zamierzał tu przedstawić ewolucję ludzkich wierzeń w ich ścisłym powiązaniu i uwarunkowaniach historycznych. W cyklu szkiców ucieleśniającym ten plan, problemy historycznych losów ludu, relacji między narodem a jednostką, tak typowe dla romantycznego historyzmu, otrzymały najgłębsze rozwiązanie w porównaniu z całym rosyjskim malarstwem historycznym 2. /3 wiek. Zadziwia bogactwo i nieskończona różnorodność akwarelowych szkiców Iwanowa o tematyce biblijnej (prawie wszystkie znajdują się w Galerii Trietiakowskiej).

    Spośród szkiców trudno wybrać najlepszy. Dlatego warto skupić się wyłącznie na tych bardziej charakterystycznych. Taki jest na przykład szkic „Trzej nieznajomi ogłaszają Abrahamowi narodziny Izaaka”, którego kompozycja zadziwia monumentalnością, jednością człowieka i natury oraz wyrazistością postaci. Nie mniej ciekawe jest „Zbieranie manny na pustyni” – masowa scena, w której biegnących ludzi porywa radosna trąba powietrzna, czy „Procesja proroków”, pełna potężnego, oszałamiającego rytmu. Mimo że plan Iwanowa pozostał jedynie w formie szkiców, szkice te należą do największych walorów sztuki.

    Jego krajobrazy są wspaniałe. „Droga Appijska” (1845, Galeria Trietiakowska). „Zatoka Neapolitańska w pobliżu Castellammare” (1846, Galeria Trietiakowska). Iwanow zdecydowanie wybrał ścieżkę pleneru. W jego malarstwie natura nie przebiega poprzez mit, jak w dziełach klasyków, ale poprzez rzeczywistość.

    Twórczość Iwanowa, wykraczająca daleko poza romantyczne ideały epoki, jest najpotężniejszym wyrazem realistycznej orientacji sztuki rosyjskiej połowy XIX wieku.

    W pierwszych latach swojej emerytury we Włoszech, na początku lat trzydziestych XIX wieku, Iwanow namalował piękny obraz „Apollo, cyprys i hiacynt zajmujący się muzyką i śpiewem”.

    Wymyślił genialne szkice obrazów dla „Świątyni Ludzkości”. W „Szkicach biblijnych” Iwanow starał się organicznie połączyć prawdę ewangeliczną z prawdą historyczną, legendarno-mityczną z rzeczywistością, wzniosłą ze zwyczajnością, tragiczną z codziennością .

    Sztuka połowy (lata 40. – 50.) XIX wieku – okres „Gogola” w kulturze rosyjskiej

    Fiedotow, Paweł Andriejewicz(1815-1852) - słynny rosyjski artysta i rysownik, twórca realizmu krytycznego w malarstwie rosyjskim.

    W twórczości Fiedotowa po raz pierwszy w sztuce rosyjskiej zrealizowano program realizmu krytycznego. „Oskarżycielska orientacja” znalazła także odzwierciedlenie w „Śniadaniu arystokraty”.

    Fiedotow wykonał obraz „Wdowa” w kilku wersjach, konsekwentnie dążąc do swojego celu - ukazania ludzkiego nieszczęścia takim, jakie jest naprawdę.

    Obraz „Kotwica, więcej kotwicy!” spójny kolor - błotnista czerwień i złowieszczy nastrój emocjonalny. Płótno jest prawdziwie tragiczne: na pierwszy plan wysuwa się na nim melancholia brzydkiej codzienności i bezsensu istnienia.

    Kultura XIX wieku jest kulturą istniejących stosunków burżuazyjnych. Do końca XVIII wieku. kapitalizm jako system jest w pełni ukształtowany. Obejmował wszystkie gałęzie produkcji materialnej, co wiązało się z odpowiednimi przemianami w sferze pozaprodukcyjnej (polityka, nauka, filozofia, sztuka, edukacja, życie codzienne, świadomość społeczna).
    Kultura tego okresu charakteryzuje się odbiciem wewnętrznych sprzeczności społeczeństwa burżuazyjnego. Zderzenie przeciwstawnych tendencji, walka głównych klas - burżuazji i proletariatu, polaryzacja społeczeństwa, szybki rozwój kultury materialnej i początek alienacji jednostki zdeterminowały charakter kultury duchowej tamtych czasów.

    W 19-stym wieku następuje radykalna rewolucja t, kojarzony z pojawieniem się maszyny, która alienuje człowieka od natury, przełamując utarte wyobrażenia o jego dominującej roli i czyni człowieka istotą zależną od maszyny. W warunkach nasilającej się mechanizacji człowiek schodzi na peryferie życia duchowego, odrywa się od swoich duchowych podstaw. Miejsce rzemiosła związanego z osobowością i twórczością mistrza zajęła monotonna praca.

    Kultura duchowa XIX wieku. rozwinęła się i funkcjonowała pod wpływem dwóch ważnych czynników: sukcesów na polu filozofii i nauk przyrodniczych. Wiodąca dominująca kultura XIX wieku. była nauka.
    Różne orientacje wartościowe opierały się na dwóch pozycjach wyjściowych: z jednej strony ustanowieniu i utwierdzeniu wartości burżuazyjnego stylu życia, a z drugiej - krytycznym odrzuceniu społeczeństwa burżuazyjnego. Stąd pojawienie się w kulturze XIX wieku tak odmiennych zjawisk: romantyzmu, realizmu krytycznego, symbolizmu, naturalizmu, pozytywizmu itp.

    Specyfika światopoglądu Kultura europejska XIX wieku. jest odzwierciedleniem tych sprzecznych zasad, które reprezentuje rozwinięte społeczeństwo burżuazyjne, niemniej jednak nie ma sobie równych pod względem głębokości penetracji egzystencji i duchowego świata człowieka oraz twórczych napięć w nauce, literaturze, filozofii i sztuce.

    W pierwszej połowie XIX w Rosyjski sztuka rozwija się w szkole akademickiej obraz. Upowszechniają się gatunki historyczne i batalistyczne, co wiąże się ze zwycięstwem w Wojnie Ojczyźnianej 1812 roku i wzrostem samoświadomości narodowej. Od połowy lat 60. XIX w. Rosjanie artyści Sięgają do tematów życia ludowego, a w sztukach wizualnych pojawia się gatunek społeczny i codzienny. W ostatnich dziesięcioleciach stulecia został on częściowo zastąpiony pejzażem w stylu impresjonistycznym, m.in obrazy rosyjskich artystów pojawiają się cechy neoklasycyzmu i modernizmu.

    Szkoła akademicka obraz na początku XIX w. zajmowała silną pozycję prekursorki stylów i trendów artystycznych. Główną metodą był klasycyzm, głównymi gatunkami były portret, pejzaż dekoracyjny i historyczny obraz. Młody artyści byli niezadowoleni z nieprzejednanego konserwatyzmu Akademii i, żeby nie pisać obrazy na tematy biblijne i mitologiczne, a następnie zwrócił się ku gatunkowi portretu i pejzażowi. Coraz częściej pojawiały się w nich cechy romantyzmu i realizmu.


    W portrecie obraz O. A. Kiprensky istnieje wiele romantycznych obrazów: portret chłopca A. A. Chelishcheva (1810–1811), małżonków F. V. i E. P. Rostopchina (1809), małżonków V. S. i D. N. Khvostova ( 1814), E. S. Avdulina (1822)

    Portrety V. A. Tropinina napisane realistycznie. Przedstawiona osoba jest w nich centralnym obrazem, cała uwaga skupiona jest na niej. Postacie i rysy twarzy są narysowane z anatomiczną wyrazistością i autentycznością (portrety hrabiów Morkowa, 1813-1815; „Bułachow”, 1823; „K. G. Ravich”, 1823).

    Pędzle marki V. A. Tropinin należy do jednego z najsłynniejszych portretów A.S. Puszkina – tego, na którym poeta położył rękę na stosie papieru i zdawał się wsłuchiwać w swój wewnętrzny głos.
    W zdjęcie„Ostatni dzień Pompejów” K. P. Bryullova, pisany według wszystkich kanonów szkoły akademickiej obraz, odzwierciedlało rozwój rosyjskiej myśli społecznej, oczekiwanie zmian, które wiązały się ze wzrostem samoświadomości narodowej. Obraz symbolizował odwagę ludzi stojących w obliczu straszliwej katastrofy. Inne znane obrazy K. P. Bryullova to „Włoski poranek”, „Włoskie południe”, „Jeździec”, „Batszeba”. W tych i wielu innych obrazy dla artysty Równie utalentowany potrafił uchwycić piękno ludzkiego ciała i piękno natury.

    Pomysły na duchowe przebudzenie ludzie znaleźli odzwierciedlenie w twórczości A. A. Iwanowa. Nad najbardziej znanymi obraz„Pojawienie się Chrystusa ludziom” pracował przez około dwadzieścia lat. Jezus dalej zdjęcie jest ukazany w oddali, a na pierwszy plan wysuwa się Jan Chrzciciel, wskazując ludziom na zbliżającego się Zbawiciela. Twarze ludzi oczekujących na Jezusa rozjaśniają się w miarę jego zbliżania się, a ich dusze napełniają się radością.

    Artyści A.G. Venetsianov i P.A. Fedotov w pierwszej połowie XIX wieku położyli podwaliny pod gatunek społeczny w obraz. A. G. Venetsianov w swoim obrazy idealizował życie chłopów, podkreślając piękno i szlachetność ludzi, niezależnie od statusu społecznego („Młocarnia”, „W żniwa. Lato”, „Na polu ornym. Wiosna”, „Chłopka z chabrami”
    Od lat 50. XIX w. główny kierunek Rosyjskie sztuki piękne staje się realizm, a tematem przewodnim staje się przedstawienie życia zwykłych ludzi. Zatwierdzenie nowego kierunku odbyło się w wyniku zaciętej walki ze zwolennikami szkoły akademickiej obraz. Argumentowali, że sztuka powinna być wyższa niż życie, nie ma w niej miejsca na rosyjską przyrodę oraz tematy społeczne i codzienne. Akademicy zostali jednak zmuszeni do ustępstw. W 1862 roku wszystkie gatunki Dzieła wizualne byli równi w prawach, co oznaczało, że oceniano jedynie walory artystyczne obrazy, niezależnie od tematu.

    17. Sztuka rosyjska pierwszej połowy - połowy XIX wieku. Romantyzm, sentymentalizm - kierunki sztuki klasycystycznej.

    Po wojnie patriotycznej 1812 r.: wzrost zainteresowania życiem ludowym; do indywidualności człowieka doprowadziło do ukształtowania się nowego ideału, który opierał się na idei osoby duchowo niezależnej, głęboko odczuwającej i z pasją wyrażającej swoje uczucia. Ideał ten znalazł odzwierciedlenie w twórczości przedstawicieli nowej koncepcji twórczej - romantyzmu, którego powstanie nastąpiło jednocześnie z zanikiem klasycyzmu.

    Zaobserwowano to w malarstwie zanik klasycyzmu i ustanowienie romantyzmu i realizmu

    Romantyzm- kierunek w sztuce pierwszej połowy XIX wieku, który podkreślał indywidualność i nadawał jej idealne aspiracje.

    Ale prawdziwe sukcesy malarstwa leżały jednak w innym kierunku – romantyzm. Najlepsze dążenia ludzkiej duszy, wzloty i upadki ducha wyrażało ówczesne malarstwo romantyczne, a przede wszystkim portret. W gatunku portretów wiodące miejsce należy przyznać Orestowi Kiprenskiemu (1782–1836).

    Kiprensky studiował, zaczynając od Szkoły Edukacyjnej w Akademii Sztuk Pięknych, gdzie studiował w klasie malarstwa historycznego. Artysta stosuje odważne efekty kolorystyczne, które wpływają na modelowanie formy; Malarstwo impastowe promuje ekspresję energii i wzmacnia emocjonalność obrazu. Można to śmiało powiedzieć D.V. Sarabyanova, rosyjski romantyzm nigdy nie był tak potężnym ruchem artystycznym jak we Francji czy Niemczech. Nie ma w nim ani skrajnego podniecenia, ani tragicznej beznadziejności. W romantyzmie Kiprensky'ego jest jeszcze wiele z harmonii klasycyzmu, z subtelnej analizy „zakrętów” ludzkiej duszy, tak charakterystycznej dla sentymentalizmu. „Obecny wiek i miniony wiek”, zderzający się w twórczości wczesnego Kiprenskiego, który wyłonił się jako osobowość twórcza w najlepszych latach zwycięstw militarnych i jasnych nadziei rosyjskiego społeczeństwa, stanowił oryginalność i niewypowiedziany urok jego wczesnych romantycznych portretów .

    W późnym okresie włoskim Ze względu na wiele okoliczności życia osobistego artyście rzadko udało się stworzyć coś na poziomie wczesnych dzieł. Ale nawet tutaj możemy nazwać takie arcydzieła jednym z najlepszych portretów życia Puszkin(1827, Galeria Trietiakowska), namalowany przez artystę w ostatnim okresie pobytu w ojczyźnie, czy pełen elegijnego smutku portret Awduliny (ok. 1822, Państwowe Muzeum Rosyjskie).

    Nieoceniona część twórczości Kiprensky'ego- portrety graficzne, wykonane głównie miękkim ołówkiem włoskim z kolorowaniem pastelami, akwarelami i kredkami.Wygląd szybkich portretów-szkiców ołówkowych jest sam w sobie znaczący, charakterystyczny dla nowych czasów: z łatwością rejestrują każdą ulotną zmianę twarzy, jakikolwiek ruch emocjonalny. Ale w grafice Kiprensky'ego także następuje pewna ewolucja: w jego późniejszych pracach nie ma już spontaniczności i ciepła, ale są one bardziej mistrzowskie i bardziej wyrafinowane w wykonaniu (portret S.S. Szczerbatowej, sztuka włoska, Galeria Trietiakowska).

    Konsekwentnego romantyka można nazwać Polakiem A.O. Orłowski(1777-1832), który przez 30 lat mieszkał w Rosji i wprowadził do kultury rosyjskiej tematy charakterystyczne dla zachodnich romantyków (biwaki, jeźdźcy, wraki statków. „Weź szybki ołówek, narysuj, Orłowski, miecz i rzeź” – napisał Puszkin). Szybko zasymilował się na ziemi rosyjskiej, co jest szczególnie widoczne w jego graficznych portretach. W nich, poprzez wszystkie zewnętrzne cechy europejskiego romantyzmu, z jego buntem i napięciem, widać coś głęboko osobistego, ukrytego, intymnego (Autoportret, 1809, Galeria Trietiakowska). Pewną rolę w „przetarciu” drogi do realizmu odegrał także Orłowski dzięki swoim szkicom gatunkowym, rysunkom i litografiom przedstawiającym sceny i typy uliczne Petersburga, które ożywiły słynny czterowiersz

    Wreszcie romantyzm znajduje wyraz w pejzażu. Sylwester Szczedrin (1791-1830) rozpoczął karierę twórczą jako uczeń swego wuja Siemiona Szczedrina od kompozycji klasycystycznych: wyraźnego podziału na trzy plany (trzeci plan to zawsze architektura), po bokach scen. Ale we Włoszech, gdzie opuścił Akademię w Petersburgu, cechy te nie wzmocniły się i nie stały się wzorem. To właśnie we Włoszech, gdzie Szczedrin mieszkał przez ponad 10 lat i zmarł u szczytu swojego talentu, wyłonił się jako artysta romantyczny i wraz z Constablem i Corotem stał się jednym z najlepszych malarzy w Europie. Jako pierwszy odkrył malarstwo plenerowe dla Rosji. Co prawda, podobnie jak Barbizończycy, Szczedrin malował jedynie szkice w plenerze, a obraz („dekorowany”, według swojej definicji) dopełniał w pracowni. Jednak sam motyw zmienia akcent. Zatem Rzym na jego płótnach to nie majestatyczne ruiny starożytnych czasów, ale żywe, nowoczesne miasto zwykłych ludzi - rybaków, kupców, żeglarzy. Ale to zwyczajne życie pod pędzlem Szczedrina nabrało wzniosłego brzmienia.

    Porty Sorrento, nabrzeża Neapolu, Tybru w pobliżu zamku św. Angela, ludzie łowiący ryby, po prostu rozmawiający na tarasie lub odpoczywający w cieniu drzew - wszystko to przekazywane jest w złożonej interakcji środowiska światło-powietrze, w zachwycającej fuzji srebrno-szarych tonów, zwykle połączonych odrobiną czerwieni - w ubraniach i nakryciach głowy, w zardzewiałych listowiach drzew, gdzie zgubiła się jedna czerwona gałąź. W najnowszych pracach Szczedrina coraz wyraźniej widać było zainteresowanie efektami światła i cienia, zapowiadając falę nowego romantyzmu Maksyma Worobiowa i jego uczniów (np. „Widok Neapolu w księżycową noc”). Podobnie jak portrecista Kiprenski i malarz batalistyczny Orłowski, pejzażysta Szczedrin często maluje sceny rodzajowe.

    O.A. Kiprensky(1782-1836), portrecista, najżywiej ucieleśniał ideał romantyczny. Jego styl chłonął cechy klasycznej harmonii i sentymentalizmu. Portrety ujawniają wszystko, co w człowieku najlepsze i znaczące: jego aktywną i romantyczną naturę; troskliwość i zapał młodego człowieka, który wciąż poznaje świat. W ostatnim okresie powstał najlepszy życiowy portret A.S. Puszkin - portret wielkiego poety jest historycznie specyficzny, a jednocześnie istnieje chęć nadania zbiorowego obrazu idealnej osobowości twórczej.

    S. F. Szczedrin(1791-1830), pejzażysta. Jako pierwszy odkrył „malarstwo plenerowe”, „Nowy Rzym”; „Widok na Sorrento niedaleko Neapolu”.

    V.A.Tropinin, wprowadza do portretów gatunkowych elementy romantyzmu. Wychowany na tradycjach sentymentalistycznych końca XVIII wieku. Doświadczył romantycznych wpływów początku XIX wieku. (portrety syna; A.S. Puszkin; autoportret). Ucieleśniał w obrazach chłopów nie tylko duchową czystość, ale także szlachetność. Szczegóły życia codziennego i pracy przypominają malarstwo rodzajowe („Koronkarz”, „Złotnik”).

    Malarstwo historyczne lat 30.-40.: skrzyżowanie klasycyzmu i romantyzmu.

    Rosyjskie malarstwo historyczne z lat 30-40 rozwinął się pod znakiem romantyzmu. Jeden z badaczy (M.M. Allenov) nazwał Karla Pavlovicha Bryullova (1799-1852) „geniuszem kompromisu” między ideałami klasycyzmu a innowacjami romantyzmu. Sława Bryullowa przyszła jeszcze w Akademii: już wtedy Bryulłow zamienił zwykłe szkice w gotowe obrazy, jak to miało miejsce na przykład w przypadku jego „Narcyza” (1819, Rosyjskie Muzeum Rosyjskie). Po ukończeniu kursu ze złotym medalem artysta wyjechał do Włoch. W swoich przedwłoskich dziełach Bryullow sięga po tematy biblijne („Pojawienie się trzech aniołów Abrahamowi pod dębem Mamre”, 1821, Muzeum Rosyjskie) i starożytne („Edyp i Antygona”, 1821, Regionalne Muzeum Wiedzy Lokalnej w Tiumeniu ), zajmuje się litografią, rzeźbą, pisze scenografie teatralne, rysuje kostiumy do spektakli. Obrazy „Włoski poranek” (1823, miejsce nieznane) i „Włoskie popołudnie” (1827, Muzeum Rosyjskie), zwłaszcza pierwszy, pokazują, jak blisko malarz podszedł do problemów pleneru. Sam Bryullov tak zdefiniował swoje zadanie: „Oświetliłem model w słońcu, zakładając oświetlenie od tyłu, tak aby twarz i klatka piersiowa znalazły się w cieniu i odbijały się od oświetlonej przez słońce fontanny, co sprawia, że ​​wszystkie cienie są znacznie bardziej widoczne. przyjemne w porównaniu z prostym oświetleniem z okna.”

    Zadania pleneru malarskiego zainteresowały zatem Bryullova, ale droga artysty wiodła jednak w innym kierunku. Od 1828 roku, po podróży do Pompejów, Bryullov pracuje nad swoim równorzędnym dziełem – „Ostatnim dniem Pompejów” (1830–1833). Prawdziwym wydarzeniem w historii starożytnej jest śmierć miasta podczas erupcji Wezuwiusza w 79 r. n.e. mi. - dał artyście możliwość ukazania wielkości i godności człowieka w obliczu śmierci. Ognista lawa zbliża się do miasta, budynki i posągi walą się, ale dzieci nie opuszczają rodziców; matka osłania dziecko, młodzieniec ratuje ukochaną; artysta (na którym przedstawił się Bryullov) zabiera farby, ale opuszczając miasto, patrzy szeroko otwartymi oczami, próbując uchwycić straszny widok.

    Nawet po śmierci człowiek pozostaje piękny jak piękna jest kobieta wyrzucona z rydwanu przez oszalałe konie, w centrum kompozycji. Malarstwo Bryullowa wyraźnie ukazywało jedną z istotnych cech jego malarstwa: związek klasycystycznego stylu jego dzieł z cechami romantyzmu, z którym klasycyzm Bryullowa łączy wiara w szlachetność i piękno natury ludzkiej. Stąd niesamowita „żywotność” plastycznej formy zachowującej swą klarowność, rysunek o najwyższym profesjonalizmie, przewyższającym inne środki wyrazu, z romantycznymi efektami malowniczego oświetlenia. A sam temat nieuniknionej śmierci, nieubłaganego losu jest tak charakterystyczny dla romantyzmu.

    Jak na pewien standard, ustalony schemat artystyczny, klasycyzm pod wieloma względami ograniczał romantycznego artystę. Konwencje języka akademickiego, języka „Szkoły”, jak nazywano akademie w Europie, w Pompejuszu objawiły się w pełni: teatralne pozy, gesty, mimika, efekty świetlne. Trzeba jednak przyznać, że Bryulłow dążył do prawdy historycznej, starając się jak najdokładniej odtworzyć konkretne zabytki odkryte przez archeologów i zadziwić cały świat, aby wizualnie dopełnić sceny opisane przez Pliniusza Młodszego w liście do Tacyta. Wystawiony najpierw w Mediolanie, następnie w Paryżu, obraz został sprowadzony do Rosji w 1834 roku i odniósł ogromny sukces. Gogol wypowiadał się o niej z entuzjazmem. Znaczenie twórczości Bryulłowa dla malarstwa rosyjskiego określają znane słowa poety: „A «Ostatni dzień Pompejów» stał się pierwszym dniem rosyjskiego pędzla”.

    K.P. Bryullov- przedstawiciel malarstwa historycznego, w którego twórczości przeplatały się elementy klasycyzmu i romantyzmu. „Ostatni dzień Pompejów”

    „Jeździec”, Autoportret.

    P.A.Fedotow– malarz gatunkowy Ma głębokie zrozumienie życia i jego dramatycznej istoty. Jego talent najpełniej ujawnił się w malarstwie gatunkowym, gdzie przechodził od tematów karykaturalnych („Świeży kawaler”; „Wybredna panna młoda”), przez obrazy tragiczne i lakoniczne („Wdowa”), aż po metaforyczny charakter systemu figuratywnego. Jego twórczość była wzorem dla kilku pokoleń artystów: Wędrowcy przejęli i rozwinęli krytyczny patos jego twórczości, artyści przełomu XIX i XX wieku. przyciągał dramat i metaforę;

    A.A.Iwanow- „Pojawienie się Chrystusa ludowi” - obraz, z którego studiowały wszystkie kolejne pokolenia rosyjskich artystów, odzwierciedlał najbardziej intymne znaczenie Ewangelii i istotę duchowych dążeń ludu.

    A.E. Martynov, pejzażysta i rytownik, ukończył jeden z pierwszych cykli litograficznych „Zbiór widoków Petersburga i okolic”.

    Od początku XIX wieku. w rosyjskich sztukach pięknych taki kierunek się rozwija jak sentymentalizm(z angielskiego sentymentalny - wrażliwy) - ruch w sztuce XVIII wieku. Został on przygotowany przez kryzys racjonalizmu edukacyjnego. Jednak elementy sentymentalizmu w twórczości rosyjskich mistrzów łączono zwykle z elementami klasycyzmu lub romantyzmu. Cechy sentymentalizmu najpełniej ucieleśniały dzieła niezwykłego artysty A.G. Venetsianova, który z miłością malował środkoworosyjskie pejzaże wiejskie i portrety chłopów.

    Charakterystyczne cechy rosyjskiego sentymentalizmu:

    Uwaga na osobowość człowieka;

    Kult uczuć i wyobraźni;

    Rozwój rodzinnych wątków psychologicznych;

    Obraz natury.

    Prawdziwym założycielem gatunku codziennego był Aleksiej Gavrilovich Venetsianov(1780-1847). Z wykształcenia geodeta, Venetsianov porzucił służbę dla malarstwa, przeprowadził się z Moskwy do Petersburga i został uczniem Borovikovsky'ego. Pierwsze kroki w „sztuce” stawiał w gatunku portretu, tworząc niezwykle poetyckie, liryczne, czasem romantyczne obrazy w pastelach, ołówku i oleju (portret B.S. Putyatina, Galeria Trietiakowska). Wkrótce jednak artysta porzucił portret na rzecz karykatur i w przypadku pełnej akcji karykatury „Szlachcic” zamknięto pierwszy wymyślony przez niego numer „Magazynu Karykatur za rok 1808 in Persons”. Rycina Wenecjanowa była w istocie ilustracją do ody Derzhavina i przedstawiała petentów tłoczących się w sali przyjęć, podczas gdy w lustrze widoczny był szlachcic w ramionach piękności (przyjmuje się, że jest to karykatura hrabiego Bezborodki).

    Na przełomie lat 10-20 Wenecjanow opuścił Petersburg i udał się do prowincji Twerskiej, gdzie kupił małą posiadłość. Tutaj odnalazł swój główny temat, poświęcając się przedstawianiu życia chłopskiego. Na obrazie „Młocarnia” (1821–1822, Muzeum Rosyjskie) pokazał scenę pracy we wnętrzu. Chcąc wiernie odtworzyć nie tylko pozy robotników, ale i oświetlenie, kazał nawet wyciąć jedną ze ścian klepiska. Życie takie, jakie jest, było tym, co Venetsianov chciał przedstawić, malując chłopów obierających buraki; właściciel ziemski dający zadanie dziewczynie z podwórka; śpiąca pasterka; dziewczynka z małą wiewiórką w dłoni; chłopskie dzieci podziwiające motyla; sceny żniw, sianokosów itp. Oczywiście Wenecjanow nie ujawnił najostrzejszych konfliktów w życiu rosyjskiego chłopa, nie poruszał „drażliwych problemów” naszych czasów. To jest patriarchalne, idylliczne życie.

    Ale artysta nie wniósł do niego poezji z zewnątrz, nie wymyślił tego, ale zaczerpnął z samego życia ludzi, które z taką miłością przedstawił. W obrazach Venetsianova nie ma wątków dramatycznych i dynamicznych, wręcz przeciwnie, są one statyczne, „nic się w nich nie dzieje”. Ale człowiek jest zawsze w jedności z naturą, w wiecznej pracy, i to sprawia, że ​​obrazy Venetsianova są naprawdę monumentalne. Czy jest realistą? W rozumieniu tego słowa przez artystów drugiej połowy XIX wieku jest mało prawdopodobne. W jego koncepcji jest wiele pomysłów klasycystycznych (warto przypomnieć jego „Wiosnę. Na zaoranym polu”, Galeria Trietiakowska), a zwłaszcza sentymentalistycznych („W żniwa. Lato”, Galeria Trietiakowska), a także w jego rozumieniu przestrzeni są też romantyczne. Niemniej jednak twórczość Venetsianova stanowi pewien etap na drodze do ukształtowania się rosyjskiego realizmu krytycznego XIX wieku i takie jest także trwałe znaczenie jego malarstwa. To określa jego miejsce w całej sztuce rosyjskiej.

    Venetsianov był doskonałym nauczycielem. Szkoła Venetsianova, Venetsianovites, to cała plejada artystów lat 20. i 40., którzy pracowali z nim zarówno w Petersburgu, jak i w jego posiadłości Safonkowo. To jest A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, K.A. Zelentsov, A.A. Aleksiejew, S.K. Zaryanko, L.K. Plachow, NS Kryłowa i wielu innych. Wśród uczniów Venetsianova wielu pochodziło ze środowisk chłopskich. Pod pędzlem weneckich artystów rodziły się nie tylko sceny z życia chłopskiego, ale także miejskie: ulice Petersburga, typy ludowe, pejzaże. AV Tyranov malował sceny wewnętrzne, portrety, pejzaże i martwe natury. Wenecjanom szczególnie podobały się „portrety rodzinne we wnętrzu” - łączące konkretność obrazów ze szczegółami narracji, oddające atmosferę otoczenia (na przykład obraz Tyranowa „Warsztat artystów braci Czerniecowów”, 1828, który łączy portret, gatunek, martwa natura).

    18. Problem akademizmu w malarstwie rosyjskim drugiej tercji XIX wieku.

    Akademicyzm- kierunek w malarstwie europejskim XVII-XIX w. Malarstwo akademickie powstało w okresie rozwoju akademii artystycznych w Europie. Podstawą stylistyczną malarstwa akademickiego na początku XIX wieku był klasycyzm, a w drugiej połowie XIX wieku – eklektyzm. Akademicyzm rozwijał się, podążając za zewnętrznymi formami sztuki klasycznej. Zwolennicy scharakteryzowali ten styl jako refleksję nad formą sztuki starożytnego świata i renesansu. Akademicyzm pomagał w aranżacji przedmiotów w edukacji artystycznej, uzupełniał tradycje sztuki starożytnej, w której idealizowano obraz natury, kompensując jednocześnie normę piękna.

    Dla rosyjskiej akademizmu pierwszej połowy XIX wieku wieki charakteryzują się wysublimowaną tematyką, wysokim stylem metaforycznym, wszechstronnością, wielopostaciowością i przepychem. Popularne były sceny biblijne, pejzaże salonowe i portrety ceremonialne. Pomimo ograniczonej tematyki obrazów, prace akademików wyróżniały się wysokim kunsztem technicznym. Przedstawiciel - K. Bryullov („Jeździec”).

    W połowie XIX wieku. zaczął dominować realizm w zawziętej walce z akademizmem, reprezentowanym przez kierownictwo Akademii Sztuk Pięknych. Liderzy akademii wpajali studentom, że sztuka jest wyższa niż życie i proponowali twórczość wyłącznie biblijnymi i mitologicznymi motywami. Czternastu uczniów z klasy historii nie chciało malować obrazów na zaproponowany temat z mitologii skandynawskiej i złożyło petycję o opuszczenie akademii. Rebelianci zjednoczyli się w kamunnę, na której czele stał Kramskoj.

    A w 70. powstało Towarzystwo Wędrowców. „Pieredwiżnicy” zjednoczyli się w odrzuceniu „akademizmu” z jego mitologią, dekoracyjnymi pejzażami i pompatyczną teatralnością. Chcieli przedstawić żywe życie. Wiodące miejsce w ich twórczości zajmowały sceny rodzajowe (codzienne). Chłopstwo cieszyło się szczególną sympatią „Wędrowców”. Perow („Trojka”, „Starzy rodzice przy grobie syna”, „Przyjęcie herbaciane w Mytishchi”). S. A. Korovina „Na świecie” Myasoedov „Kosiarki”. Kramskoj - portrety Niekrasowa, Tołstoja, „Chrystusa na pustyni”, także Myasoedowa, Savrasowa, Ge.

    19. Stowarzyszenie Wystaw Objazdowych

    W latach 70. postępowe malarstwo demokratyczne zdobywa uznanie opinii publicznej. Ma swoich krytyków - I.N. Kramskoy i V.V. Stasow i jego kolekcjoner – P.M. Tretiakow. Nadchodzi czas rozkwitu rosyjskiego realizmu demokratycznego w drugiej połowie XIX wieku.

    W tym czasie w centrum oficjalnej szkoły- Akademia Sztuk Pięknych w Petersburgu - szykuje się także walka o prawo sztuki do zwrócenia się do prawdziwego, prawdziwego życia, co doprowadziło do tzw. „buntu 14” w 1863 roku. Wielu absolwentów Akademii odmówiło nakreślenia programowego obrazu na jeden temat epopei skandynawskiej, gdy wokół narosło tyle ekscytujących problemów współczesności, i nie otrzymawszy pozwolenia na swobodny wybór tematu, opuściło Akademię, zakładając „St. Petersburg Artel artystów” (F. Żurawlew, A. Korzuchin, K. Makowski, A. Morozow, A. Litowczenko i in.). „Artel” nie istniał długo. Wkrótce Moskwa i Petersburg rozwinęły siły artystyczne, zjednoczone w Towarzystwie Wędrujących Wystaw Artystycznych (1870). Wystawy te nazywano podróżniczymi, gdyż organizowano je nie tylko w Petersburgu i Moskwie, ale także na prowincji (czasami w 20 miastach w ciągu roku). To było jak „wyjście do ludzi” artystów. Spółka istniała ponad 50 lat (do 1923 r.). Każda wystawa była ogromnym wydarzeniem w życiu prowincjonalnego miasta. W przeciwieństwie do Artela Pieriewiżnicy mieli jasny program ideologiczny - odzwierciedlać życie ze wszystkimi jego dotkliwymi problemami społecznymi, w całym jego znaczeniu.

    Myasoedov twierdził, że sukces pierwszego występu powinien pod wieloma względami przesądzić o dalszych losach Spółki – i okazał się słuszny. Pierwsze walne zgromadzenie Stowarzyszenia, które odbyło się 6 grudnia 1870 r., wyznaczyło otwarcie wystawy „15 września przyszłego roku 1871 i nie później niż 1 października”. Ale tego terminu nie udało się dotrzymać: pierwszą wystawę otwarto dopiero 29 listopada 1871 r., a zamknięto 2 stycznia 1872 r. Tym samym można było go oglądać przez nieco ponad miesiąc. Jednak ten miesiąc był kluczowy dla oceny nowej organizacji. Wystawa od razu zyskała uznanie, choć w Petersburgu tylko 16 artystów pokazało na niej 47 prac. Już to odróżniało ją od wystaw akademickich, które były bardziej rozbudowane pod względem liczby eksponatów.

    „Partnerstwo ma cel” – mówi § 1 Karty, - organizowanie, za odpowiednim zezwoleniem, objazdowych wystaw sztuki w następujący sposób: a) umożliwienie zainteresowanym mieszkańcom województwa zapoznania się ze sztuką rosyjską i śledzenia jej sukcesów, b) rozwijanie w społeczeństwie miłości do sztuki, c ) ułatwiając artystom sprzedaż swoich dzieł.”

    Wyrazem była sztuka pieredwiżników rewolucyjne idee demokratyczne w krajowej kulturze artystycznej drugiej połowy XIX wieku. Orientacja społeczna i wysokie obywatelstwo tej idei wyróżniają ją w europejskim malarstwie gatunkowym XIX wieku.

    Spółka powstała z inicjatywy Myasoedova, wspierany przez Perowa, Ge, Kramskoja, Savrasowa, Szyszkina, braci Makowskich i szereg innych „członków założycieli”, którzy podpisali pierwszy statut Partnerstwa. W latach 70. i 80. dołączyli do nich młodsi artyści, m.in. Repin, Surikow, Wasniecow, Jaroszenko, Sawicki, Kasatkin i in.. Od połowy lat 80. w wystawach biorą udział Sierow, Lewitan i Polenow. Pokolenie „starszych” Pieredwiżników reprezentowało przeważnie różny status społeczny. Jego światopogląd kształtował się w atmosferze lat 60. Przywódcą i teoretykiem ruchu wędrownego był Iwan Nikołajewicz Kramskoj(1837-1887), który w 1863 r. przewodził „buntowi 14”, wybitny organizator i wybitny krytyk sztuki. Cechowała go niezachwiana wiara przede wszystkim w edukacyjną moc sztuki, mającej na celu kształtowanie ideałów obywatelskich jednostki i doskonalenie jej moralnej. Tematyka twórczości Kramskoja nie była jednak typowa dla Wędrowców.

    Rzadko malował obrazy rodzajowe, zwróciłem się ku opowieściom ewangelicznym. Ale on” Chrystus na pustyni” – myśl o głęboko samotnej osobie siedzącej na tle opuszczonego skalistego krajobrazu Chrystus, chęć poświęcenia się w imię najwyższego celu – wszystko to było zrozumiałe dla populistycznej inteligencji lat 70. W gatunku portretu zajmuje go także wzniosła, wysoce uduchowiona osobowość. Kramskoy stworzył całą galerię wizerunków największych postaci kultury rosyjskiej - portrety Saltykowa-Szchedrina, Niekrasowa, L. Tołstoja. Styl artystyczny Kramskoja charakteryzuje się pewną suchością protokołu i monotonią schematów kompozycyjnych. Najlepszy pod względem charakterystyki jasności jest portret L.N. Tołstoja, napisany na rozkaz Tretiakowa, w którym widza uderza wnikliwe, wszechwiedzące i wszystkowidzące spojrzenie spokojnych szaroniebieskich oczu. Portret A. G. Litowczenki wyróżnia się malowniczym bogactwem. Kramskoj był artystą-myślicielem. Jest konserwatywny w swojej twórczości.

    Oprócz Kramskoja wśród tych, którzy podpisali Kartę Partnerstwa, był inny artysta, który interesował się tematyką chrześcijańską - Nikołaj Nikołajewicz Ge(1831-1894). Ukończył Akademię, otrzymując Wielki Złoty Medal za obraz „Saul u czarownicy z Endor”. W 1863 roku wykonał swoje pierwsze duże samodzielne dzieło „Ostatnia wieczerza”. Światło i cień, dobro i zło, zderzenie dwóch różnych zasad leży u podstaw twórczości Ge. Podkreślają to kontrasty światła i cienia oraz dynamika wyrazistych póz. „Ostatnia wieczerza” wyrażała pragnienie artysty uogólnionej formy artystycznej, jej monumentalizacji, wielkiej sztuki opartej na tradycjach wielkich mistrzów przeszłości. To nie przypadek, że za ten obraz otrzymał tytuł profesora.

    Ge zajmował się głównie malarstwem portretowym. Jego portrety różnią się od dzieł Kramskoja emocjonalnością, czasem dramatyzmem, jak portret Hercena: na twarzy modela można odczytać gorycz wątpliwości, udrękę myśli, dochodzącą do bólu. Portret historyka N.I. Kostomarowa jest niezwykle temperamentny, świeży i swobodnie napisany. Ge, podobnie jak Kramskoj, jest jednym z organizatorów Partnerstwa. Na pierwszej wystawie w 1871 r. pokazał obraz historyczny „Piotr I przesłuchujący carewicza Aleksieja Pietrowicza w Peterhofie”. Artysta starał się oddać jak największą konkretność sytuacji. Wszystkie dzieła Ge ostatnich lat przesiąknięte są moralną i religijną ideą przebudowy świata. Rozwiązuje także problemy formalne w wyjątkowy, nowy sposób – w poszukiwaniu koloru, światła, faktury. Odważnie narusza akademickie kanony, często posługuje się fragmentarycznymi kompozycjami, ostrymi kontrastami światła i koloru, pisze emocjonalnie i ekspresyjnie. („Kalwaria”, „Co to jest prawda? Chrystus i Piłat”)

    Organizatorzy Pieredwiżników Kramskoja i Ge w swojej twórczości podążają inną drogą niż ich towarzysze ze stowarzyszenia, artyści gatunkowi. Zwracają się do tematów chrześcijańskich, mają inną strukturę figuratywną i obrazowo-plastyczną, bardziej skłonną do tradycji artystycznych pierwszej połowy XIX wieku: w Ge - do romantyzmu, w Kramskoyu - do racjonalno-klasycznego .

    Wasilij Maksimowicz Maksimow(1844-1911) już w pierwszej wielofigurowej kompozycji - „Przybycie czarownika na wesele chłopskie” - dochodzi do swojego głównego tematu - przedstawienia życia chłopskiego, które sam, pochodzący z chłopów, doskonale znał Dobrze. W kolejnych obrazach brakuje świątecznego nastroju. W nich, w całej ich nagości, wyłania się obraz zubożałej poreformacyjnej Rosji („Podział rodziny”, „Dziewna teściowa”, „Wszystko jest przeszłością”).

    Wędrowcy lat 70. w oprawie gatunku, potrafili poruszyć najważniejsze, najbardziej palące problemy życia publicznego Grigorij Grigoriewicz Myasojedow(1834-1911) w filmie „Ziemstwo je obiad”. Szczerość wiary rosyjskich chłopów pokazał Konstantin Apollonowicz Sawicki (1844–1905) w dużym obrazie „Spotkanie ikony”. Mistrz kompozycji wielofigurowych. „Prace naprawcze na kolei”, „Na wojnę”.

    Mikołaj Aleksandrowicz Jaroszenko(1846-1898): „Stoker” i „Więzień”, z których „Stoker” jest pierwszym wizerunkiem robotnika w malarstwie rosyjskim, a „Więzień” jest obrazem najbardziej aktualnym w latach burzliwego populistycznego ruchu rewolucyjnego. „Student” to portret typowy.

    Władimir Jegorowicz Makowski- „W poczekalni u lekarza”, „Odwiedziny dla biednych”, „Oczekiwanie”, „Skazaniec”, „Upadek banku”, „Randka”, „Na bulwarze”. Makovskyowi udało się odpowiedzieć na wiele tematów. W jego obrazach ukazują się dramatyczne losy nie tylko pojedynczych ludzi, ale całych warstw i pokoleń. Makowski nie zawsze unikał sytuacji sentymentalnych i melodramatycznych (np. „Nie wpuszczę cię!”), ale w swoich najlepszych dziełach pozostał wierny prawdzie życia i zachwycał się kompletnością obrazowej opowieści, kompletność obrazu, który wyrósł z codziennych, codziennych scen, dostrzeżonych jego bystrym okiem.

    20. Gatunek codzienny

    Sceny rodzajowe w sztuce średniowiecznej specyficzne obserwacje życia codziennego powstawały z reguły wraz z rozwojem świeckich tendencji humanistycznych w ramach dominującego światopoglądu religijnego i często wplatały się w kompozycje o tematyce religijnej i alegorycznej. Są powszechne w obrazach, płaskorzeźbach i miniaturach - obrazach rosyjskich z XVII wieku.

    W Rosji rozwój gatunku codziennego w drugiej połowie XVIII wieku. związany (z wyjątkiem „sceny domowej” I. Firsowa „Młodego malarza”) z zainteresowaniem chłopem; i tutaj idylliczności wyidealizowanych scen wiejskich (I. M. Tankow) przeciwstawiono kochające i dokładne przedstawienie tradycyjnego życia chłopskiego w obrazach M. Szibanowa, surową, bezkompromisową prawdziwość ukazywania chłopskiej biedy w akwarelach I. A. Ermenewa.

    W 19-stym wieku zwrócono się do artystów demokratycznych do gatunku codziennego jako sztuki programowej, która umożliwia krytyczną ocenę i demaskowanie stosunków społecznych i norm moralnych panujących w społeczeństwie burżuazyjno-szlacheckim oraz ich przejawów w życiu codziennym, obronę praw ludzi pracujących, uciskanych, uczynienie widz jest bezpośrednim naocznym świadkiem społecznych sprzeczności, które wypełniają codzienne życie i konflikty. W pierwszej połowie XIX wieku prawdziwy, ale jednostronny, urzekający poetycką niewinnością i wzruszającą szczerością obraz jasnych, bezchmurnych stron życia chłopskich i miejskich warstw demokratycznych (A.G. Venetsianov i szkoła wenecka w Rosji ) odegrały ważną rolę w estetycznej afirmacji życia codziennego.

    W codziennym gatunku rosyjskiego realizmu krytycznego satyryczne obnażenie pańszczyzny i współczucie dla pokrzywdzonych zostało uzupełnione głęboką i dokładną penetracją duchowego świata bohaterów, szczegółową narracją oraz szczegółowym dramatycznym rozwojem fabuły i relacji między bohaterami. Cechy te wyraźnie ujawniły się w połowie XIX wieku. w obrazach P. A. Fiedotowa, pełnych palącej kpiny i bólu, w rysunkach A. A. Agina i ukraińskiego artysty T. G. Szewczenki, którzy łączyli bezpośrednie i ostre dziennikarstwo z głębokim lirycznym doświadczeniem tragedii życiowych chłopstwa i miejskiej biedoty.

    Na tej podstawie rosła tworząc nowy etap, codzienny gatunek Wędrowców, który odegrał wiodącą rolę w ich sztuce, która wyłącznie w pełni i dokładnie odzwierciedlała życie ludowe 2. połowy XIX wieku, intensywnie rozumiejąc jego podstawowe wzorce. Szczegółowy, typowy obraz życia wszystkich warstw społeczeństwa rosyjskiego dali G. G. Myasoedov, V. M. Maksimov, K. A. Savitsky, V. E. Makovsky oraz – ze szczególną głębią i zakresem – I. E. Repin, którzy ukazali nie tylko barbarzyński ucisk ludu, ale także ukryte w nim potężne siły życiowe i bohaterstwo bojowników o jego wyzwolenie. Taki zakres zadań malarstwa gatunkowego często przybliżał je do kompozycji historycznej. W obrazach N. A. Jaroszenki, N. A. Kasatkina, S. V. Iwanowa, A. E. Arkhipowa na przełomie XIX i XX wieku. odzwierciedlało sprzeczności kapitalizmu, rozwarstwienie wsi, życie i walkę klasy robotniczej i biedoty wiejskiej.

    Gatunek gospodarstwa domowego z lat 60.-70. XIX wieku. zatwierdzono również nowy typ malarstwo gatunkowe, kojarzone pod wieloma względami z impresjonizmem, rozwijane we Francji przez E. Maneta, E. Degasa, O. Renoira, A. Toulouse-Lautreca. Na pierwszy plan wysuwa się piękno przetworzonej przez sztukę codzienności, wyrazistość pozornie przypadkowego, fragmentarycznego, nieoczekiwanego aspektu życia, błyskawicznie uchwycone sytuacje, zmienne nastroje i stany, ostra specyfika wyglądu i nawykowych ruchów bohaterów, i zainteresowanie ludźmi, którzy stoją poza normami społecznymi. Szereg cech stylistycznych tego rodzaju malarstwa gatunkowego zostało przejętych w wielu krajach przez mistrzów gatunku codziennego, którzy starali się połączyć szerokość postrzegania życia ludowego ze świeżością i nieoczekiwanymi aspektami (V. A. Serov, F. A. Malyavin, K. F. Yuon w Rosji ).

    W sztuce radzieckiej gatunek codzienny nabrał nowych funkcji, uwarunkowane powstaniem i rozwojem społeczeństwa socjalistycznego - historyczny optymizm, afirmacja bezinteresownej, wolnej pracy i nowego sposobu życia, opartego na jedności zasad społecznych i osobistych. Od pierwszych lat władzy sowieckiej artyści (B. M. Kustodiew, I. A. Władimirow) starali się uchwycić zmiany, jakie rewolucja wniosła do życia kraju. W twórczości A. A. Deineki i Yu.I. Pimenova, wchodzących w skład stowarzyszenia OST, zaczęto określać charakterystyczną, później pogodną dla nich, energiczną strukturę obrazów poświęconych budownictwie, pracy przemysłowej i sportowi. Poszukiwania mistrzów AHRR i OST organicznie wkroczyły w radosną, afirmującą życie sztukę lat trzydziestych XX wieku. Malarze S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, T. G. Gaponenko, V. G. Odintsov, F. G. Krichevsky, rzeźbiarz I. M. Chaikov uchwycili jasne, kolorowe strony życia miejskiego i kołchozowego.

    W sowieckim gatunku codziennym. odzwierciedlone zostało także trudne życie frontowe i tylne lat wojny z jego smutkami i radościami (obrazy Yu. M. Neprintseva, B. M. Nemensky'ego, A. I. Laktionova, V. N. Kostetsky'ego; grafiki A. F. Pakhomova, L. V. Soyfertisa) i duchowe aspiracje, entuzjazm do pracy zbiorowej i życia społecznego, typowe cechy życia codziennego w latach powojennych (obrazy T. N. Yablonskaya, S. A. Chuikov, F. P. Reshetnikov, S. A. Grigoriev, U. M. Japaridze, E. F. Kalnynya, ryciny L. A. Ilyina) . Od drugiej połowy lat 50-tych. Radzieccy mistrzowie. B.f. Dążą do poszerzenia kręgu obserwacji współczesnego życia, ukazania odwagi i woli narodu radzieckiego, rosnącego w siłę w pracy twórczej, w pokonywaniu trudności. W obrazach G. M. Korzheva, V. I. Ivanova, E. E. Moiseenki, Yu. P. Kugacza, T. T. Salakhova, G. S. Khandzhyana, E. K. Iltnera, I. A. Zarina, I. N. Klycheva, w rycinach G. F. Zacharowa, V. M. Yurkunasa, V. V. Tolly’ego, życie codzienne ludzi wydaje się bogata i złożona, pełna wspaniałych myśli i doświadczeń.



    Podobne artykuły
     
    Kategorie
    Materiały wideo
    Popularny
    Nowy