Schemat formularza zmiany. Lekcja „wariacja formy muzycznej”

Prawdopodobnie spotkałeś się kiedyś z takimi filozoficznymi pojęciami, jak forma i treść. Słowa te są na tyle uniwersalne, że mogą oznaczać podobne aspekty najróżniejszych zjawisk. A muzyka nie jest wyjątkiem. W tym artykule znajdziesz przegląd najpopularniejszych form dzieł muzycznych.

Zanim wymienimy popularne formy dzieł muzycznych, zdefiniujmy, czym jest forma w muzyce? Forma to coś, co wiąże się z projektem dzieła, z zasadami jego konstrukcji, z kolejnością zawartego w nim materiału muzycznego.

Muzycy rozumieją formę na dwa sposoby. Z jednej strony forma diagram uporządkowanie wszystkich części utworu muzycznego. Z drugiej strony forma to nie tylko diagram, ale także proces tworzenie i rozwój w dziele środków wyrazu, za pomocą których tworzony jest artystyczny obraz tego dzieła. Co to za środki wyrazu? Melodia, harmonia, rytm, barwa, rejestr i tak dalej. Uzasadnienie takiego podwójnego rozumienia istoty formy muzycznej jest zasługą rosyjskiego naukowca, akademika i kompozytora Borysa Asafiewa.

Formy dzieł muzycznych

Najmniejsze jednostki strukturalne prawie każdego dzieła muzycznego to motyw, fraza i zdanie. Spróbujmy teraz wymienić główne formy dzieł muzycznych i podać im krótką charakterystykę.

Okres– to jedna z prostych form, która reprezentuje przedstawienie kompletnej myśli muzycznej. Występuje często zarówno w muzyce instrumentalnej, jak i wokalnej.

Standardowy czas trwania kropki to dwa zdania muzyczne zajmujące 8 lub 16 taktów (okresy kwadratowe), w praktyce zdarzają się okresy zarówno dłuższe, jak i krótsze. Okres ten ma kilka odmian, wśród których szczególne miejsce zajmują tzw „okres oddelegowania” i „okres trudny”.

Proste formy dwu- i trzyczęściowe - są to formy, w których pierwsza część z reguły jest zapisana w formie kropki, a reszta z niej nie wyrasta (to znaczy dla nich normą jest także kropka lub zdanie).

Środek (część środkowa) trzyczęściowej formy może być kontrastowy w stosunku do części zewnętrznych (pokazanie kontrastowego obrazu jest już bardzo poważną techniką artystyczną), albo może rozwinąć, rozwinąć to, co zostało powiedziane w pierwszej części. W trzeciej części formy trzyczęściowej możliwe jest powtórzenie materiału muzycznego z części pierwszej - forma ta nazywa się repryzą (repryza to powtórzenie).

Formy zwrotek i refrenów - są to formy bezpośrednio związane z muzyką wokalną, a ich struktura często nawiązuje do cech muzyki poetyckiej.

Forma zwrotki opiera się na powtórzeniu tej samej muzyki (np. kropki), ale za każdym razem z nowym tekstem. W formie refrenu prowadzącego występują dwa elementy: pierwszy to prowadzenie (zarówno melodia, jak i tekst mogą się zmieniać), drugi to refren (z reguły zachowana jest w nim zarówno melodia, jak i tekst).

Złożone formy dwuczęściowe i złożone formy trzyczęściowe – są to formy złożone z dwóch lub trzech prostych form (np. prosty 3-częściowy + kropka + prosty 3-częściowy). Złożone formy dwuczęściowe są częstsze w muzyce wokalnej (w takich formach pisane są np. niektóre arie operowe), natomiast złożone formy trzyczęściowe są raczej typowe dla muzyki instrumentalnej (jest to ulubiona forma menuet i inne tańce).

Złożona forma trzyczęściowa, podobnie jak prosta, może zawierać repryzę, a w części środkowej - nowy materiał (najczęściej tak się dzieje), a część środkowa w tej formie jest dwojakiego rodzaju: „jak trójka”(jeśli jest to jakiś smukły, prosty kształt) lub „rodzaj odcinka”(jeśli w środkowej części znajdują się swobodne konstrukcje, które nie spełniają ani okresowości, ani żadnej z prostych form).

Forma odmiany - jest to forma zbudowana na powtórzeniu tematu pierwotnego wraz z jego przekształceniem, przy czym muszą wystąpić co najmniej dwa takie powtórzenia, aby powstałą formę utworu muzycznego można było uznać za wariacyjną. Formę wariacyjną można znaleźć w wielu utworach instrumentalnych, a nie rzadziej w kompozycjach współczesnych autorów.

Istnieją różne odmiany. Na przykład istnieje taki rodzaj wariacji, jak wariacje na temat ostinato (czyli niezmienny, utrzymany) w melodii lub basie (tzw. sopran-ostinato i basso-ostinato). Istnieją różnice symboliczny, w którym przy każdej nowej realizacji motyw jest zabarwiany różnymi dekoracjami i stopniowo fragmentowany, ukazując jego ukryte strony.

Istnieje inny rodzaj odmiany – charakterystyczne różnice, w którym każdy nowy temat rozgrywa się w nowym gatunku. Czasami te przejścia do nowych gatunków znacznie przekształcają temat – wyobraźcie sobie, że temat ten może brzmieć w tym samym utworze, co marsz żałobny, liryczny nokturn i entuzjastyczny hymn. Nawiasem mówiąc, w artykule możesz przeczytać coś o gatunkach.

Jako muzyczny przykład wariacji zapraszamy do zapoznania się z bardzo znanym dziełem wielkiego Beethovena.

L. van Beethoven, 32 wariacje c-moll

Rondo– kolejna rozpowszechniona forma dzieł muzycznych. Prawdopodobnie wiesz, że przetłumaczono to słowo na rosyjski z francuskiego „rondo” oznacza „okrąg”. To nie przypadek. Dawno, dawno temu rondo było grupowym tańcem okrągłym, w którym ogólna zabawa przeplatała się z tańcami poszczególnych solistów – w takich momentach wychodzili na środek kręgu i pokazali swoje umiejętności.

Muzycznie więc rondo składa się z ciągle powtarzających się części (ogólnych – tzw powstrzymuje się) oraz zindywidualizowane epizody, które brzmią pomiędzy refrenami. Aby powstała forma ronda, refren musi zostać powtórzony co najmniej trzy razy.

Forma sonatowa , więc dotarliśmy do Ciebie! Forma sonatowa, lub jak to się czasem nazywa, allegro sonatowe, to jedna z najdoskonalszych i najbardziej złożonych form dzieła muzycznego.

Forma sonatowa opiera się na dwóch głównych tematach – jeden z nich to tzw "główny"(ten, który brzmi pierwszy), drugi - "strona". Nazwy te oznaczają, że jeden z tematów występuje w tonacji głównej, a drugi w tonacji wtórnej (na przykład dominującej lub równoległej). Razem te tematy przechodzą różne testy w fazie rozwoju, a następnie w repryzie, zwykle oba brzmią w tej samej tonacji.

Forma sonatowa składa się z trzech głównych części:

• ekspozycja (publiczna prezentacja pierwszego, drugiego i pozostałych tematów);
• rozwój (etap, w którym następuje intensywny rozwój);
• repryza (tutaj powtarzają się tematy prezentowane na wystawie, a jednocześnie następuje ich zbieżność).

Kompozytorzy tak bardzo pokochali formę sonatową, że na jej podstawie stworzyli cały szereg form różniących się od głównego modelu różnymi parametrami. Na przykład możemy nazwać takie odmiany formy sonatowej jak sonata rondo(łączenie formy sonatowej z rondem), sonata bez rozwinięcia, sonata z epizodem zamiast rozwinięcia(pamiętasz, co mówili o odcinku w złożonej formie składającej się z trzech części? Tutaj epizodem może stać się dowolna forma - często są to wariacje), formę koncertową(z podwójną ekspozycją – dla solisty i orkiestry, z wirtuozowską kadencją solisty na zakończenie przetworzenia przed rozpoczęciem repryzy), sonatina(mała sonata), poemat symfoniczny(ogromne płótno).

Fuga- to jest forma, która była kiedyś królową wszelkich form. Kiedyś fugę uważano za najdoskonalszą formę muzyczną, a muzycy do dziś mają do niej szczególny stosunek.

Fuga zbudowana jest na jednym temacie, który następnie jest wielokrotnie powtarzany w niezmienionej formie, w różnych głosach (z różnymi instrumentami). Fuga rozpoczyna się z reguły jednym głosem i bezpośrednio z tematem. Na ten temat natychmiast reaguje inny głos, a to, co brzmi podczas tej odpowiedzi z pierwszego instrumentu, nazywa się kontradodatkiem.

Podczas gdy temat krąży w różnych głosach, ekspozycyjna część fugi trwa nadal, ale gdy tylko temat przejdzie przez każdy głos, rozpoczyna się rozwój, w którym temat może nie być w pełni kontynuowany, skompresowany lub odwrotnie rozszerzony. Tak, w rozwoju wiele się dzieje... Pod koniec fugi przywracana jest główna tonacja - ten fragment nazywa się repryzą fugi.

Możemy się tam teraz zatrzymać. Wymieniliśmy prawie wszystkie główne formy dzieł muzycznych. Należy pamiętać, że bardziej złożone formy mogą zawierać kilka prostszych - naucz się je wykrywać. A także często zarówno proste, jak i złożone formy są łączone w różne cykle– na przykład tworzą się razem suita lub cykl sonatowo-symfoniczny.

WARIANTY(łac. varitio, „zmiana”) , jedna z metod techniki kompozytorskiej, a także gatunek muzyki instrumentalnej.

Wariacja jest jedną z podstawowych zasad kompozycji muzycznej. W wariacjach główna idea muzyczna podlega rozwojowi i zmianom: zostaje przedstawiona ponownie ze zmianami w fakturze, trybie, tonacji, harmonii, stosunku głosów kontrapunktujących, barwie (instrumentacji) itp.

W każdej odmianie zmianie może ulec nie tylko jeden komponent (na przykład tekstura, harmonia itp.), ale także kilka komponentów łącznie. Następujące po sobie wariacje tworzą cykl wariacyjny, jednak w szerszej formie można je przeplatać jakimś innym materiałem tematycznym, wówczas tzw. rozproszony cykl zmian. Wariacje mogą mieć także samodzielną formę instrumentalną, co można łatwo przedstawić w postaci następującego diagramu: A (temat) – A1 – A2 – A3 – A4 – A5 itd. Na przykład niezależne wariacje fortepianowe na temat walca Diabellego op. 120 Beethovena oraz jako część większej formy lub cyklu – np. część wolna z kwartetu op. 76, nr 3 J.Haydna.

Utwory tego gatunku nazywane są często „tematem i wariacjami” lub „wariacjami na temat”. Temat może być oryginalny, autorski (np. wariacje symfoniczne Enigma Elgara) lub zapożyczonych (np. wariacje na fortepian J. Brahmsa na temat Haydna).

Różnorodne są sposoby urozmaicania tematu, m.in.: wariacja melodyczna, wariacja harmoniczna, wariacja rytmiczna, zmiany tempa, zmiany tonacji lub nastroju modalnego, zróżnicowanie faktury (polifonia, homofonia).

Forma wariacji ma pochodzenie ludowe. Jego początki sięgają przykładów pieśni ludowej i muzyki instrumentalnej, gdzie melodia główna była modyfikowana podczas powtarzania wersetów. Szczególnie sprzyja powstawaniu wariacji pieśń chóralna, w której pomimo podobieństwa melodii głównej, zachodzą ciągłe zmiany w pozostałych głosach faktury chóralnej. Takie formy zmienności są charakterystyczne dla kultur polifonicznych.

W muzyce zachodnioeuropejskiej technika wariacyjna zaczęła się rozwijać wśród kompozytorów piszących w stylu ściśle kontrapunktowym (cantus firmus). Temat, z różnicami we współczesnym rozumieniu tej formy, powstał około XVI wieku, kiedy pojawiły się passacaglia i chaconnes. G. Frescobaldi, G. Purcell, A. Vivaldi, J. S. Bach, G. F. Handel, F. Couperin szeroko stosowali tę formę.

Głównymi kamieniami milowymi w historii wariacji są wariacje na danej linii melodycznej, tzw. cantus firmus w wokalnej muzyce sakralnej średniowiecza i renesansu; wariacje na lutnię i instrumenty klawiszowe w muzyce hiszpańskiej i angielskiej późnego renesansu; dzieła klawiszowe włoskiego kompozytora G. Frescobaldiego i Holendra J. Sweelinka przełomu XVI i XVII w.; suita wariacyjna – jedna z najwcześniejszych form suity tanecznej; Forma podstawowa angielska - wariacje na temat krótkiej melodii powtarzanej głosem basowym; Chaconne i passacaglia są formami zbliżonymi do gruntu, z tą różnicą, że powtarzający się w nich głos niekoniecznie jest basem (chaconne i passacaglia są szeroko reprezentowane w twórczości Bacha i Handla). Wśród najsłynniejszych cykli wariacyjnych z początku XVIII wieku. – wariacje A. Corelliego na temat La Folia i Wariacje Goldbergowskie J.S.Bach. Prawdopodobnie najwspanialszym okresem w historii wariacji jest era dojrzałej klasyki, tj. koniec XVIII wieku (dzieła Haydna, Mozarta i Beethovena); jako metoda wariacja pozostaje dziś ważnym elementem muzyki instrumentalnej.

Rondo

Rondo -(od ks.
Opublikowano na ref.rf
„koło”) forma oparta na co najmniej trzech powtórzeniach tematu głównego – refrenu, na przemian z nowymi konstrukcjami lub epizodami. Pochodzenie ronda wywodzi się z pieśni-tańców wykonywanych w kręgu.

Odmiany rond - rondo klasyczne, starożytne i romantyczne.

Antyczny Rondo było powszechne w muzyce XVIII-wiecznych kompozytorów klawesynistów. Refren ma tutaj zawsze formę z epoki. Nie zmienia się przy powtarzaniu. Odcinki mają charakter rozwojowy, oparty na materiale refrenowym. Na przykład: A - A1 - A - A2 - A - itd., gdzie A to refren (refren, część powtarzalna). Tonacja odcinków nie przekracza 1. stopnia pokrewieństwa (różnią się o 1 znak).

Klasyczny Rondo nabrało ostatecznie kształtu pod koniec XVIII wieku wśród klasyków wiedeńskich.

Tradycyjny schemat: AWASA. Refren – nie tylko m.b. okresie, ale także w formie 2-3 częściowej, może się zmieniać przy powtarzaniu. Ostatnie zachowanie może mieć funkcję kodową. Odcinki są zawsze kontrastowe, oparte na nowym materiale tematycznym. Ich forma powinna być również bardziej złożona niż okres, a tonacja powinna sięgać do 3. stopnia pokrewieństwa:

A-B- A1-C- A2 (ze zmodyfikowanym refrenem).

Rondo romantyków –

centrum semantyczne przesuwa się od refrenu do epizodów. Οʜᴎ przewyższają refren znaczeniem, skalą, niezależnością, można je przedstawić w dowolnej tonacji, kontrast może dosięgnąć gatunku. Refren odgrywa tu rolę łącznika tła.

Rondo można łączyć z innymi formami - z trzyczęściowym (prostym lub złożonym):

A-B-C-B-A-B;

z odmianami:

A-A1-A- A2-A- A3 itd.

z formą sonatową

Rondo:

• Beethoven L. „Dla Elizy”. notatki
• Bakh I.S. Gavotte z Partity nr 3 na skrzypce solo
• Prokofiew S. ``Romeo i Julia'', Julia, dziewczyna, Monteków i Kapuletów

• Czajkowski P. „Jezioro łabędzie” Walc narzeczonych, akt 3
• Matos Rodriguez Tango „Cumparsita”.
• Walc Chopina nr 7 cis-moll

Glinka M. Walc-fantazja

Saint-Saëns K. ``Rondo Capriccioso'' na skrzypce i orkiestrę

Schumann R. Karnawał w Wiedniu, op. 26, 1 godzina

_________________________________________________________________________

Wariacje(od łac. – zmiana) – forma muzyczna oparta na eksponowaniu tematu i jego wielokrotnym powtarzaniu, za każdym razem wprowadzając nowe zmiany. Wariacje są surowe i swobodne, ozdobne, na basso ostinato, podwójne.

Forma odmian pojawiła się w XVI wieku. Istnieją dwa rodzaje formularzy zmian:

1. odmiany typu ścisłego, w którym forma, skala i podstawa planu harmonicznego tematu pozostają niezmienione, lecz zmienia się faktura, rytm i rejestry.

Istnieją wariacje na temat niezmiennej melodii (ozdobne, „Glinkinsky”) i na niezmiennym basie, na basso ostinato (są typu melodycznego lub harmonicznego, wykorzystywano je w starożytnych tańcach passacaglia i chaconne). Wariacje budowane są według zasady „od prostych do złożonych” (z małą liczbą). Duża liczba wariacji jest podzielona na grupy, których stosunek daje formę planu nośnego (rondo, sonata cykliczna itp.)

1. bezpłatne odmiany typów, najczęściej instrumentalny, w którym skala, struktura, harmonia, a często tonacja i gatunek (wariacje gatunkowe) mogą się zmieniać. Zachowana zostaje wspólność struktury intonacyjnej, zwiększa się skala wariacji, zwiększa się kontrast między nimi i przypominają one suitę.

W dowolnych odmianach możliwe jest zastosowanie polifonicznego, rozwojowego opracowania.

W muzyce wokalnej można znaleźć bezpłatne odmiany. Zwykle istnieje kilka kupletów różniących się skalą, strukturą wewnętrzną i planem harmonicznym. Osobliwością jest faktyczne podobieństwo wersetów, dzięki czemu obraz się nie zmienia, a każdy werset jest wariantem.

Podwójne odmiany wariacje na dwa różne tematy. W procesie rozwoju oddziałują na siebie, wzbogacają się i zazwyczaj zbliżają do siebie (nabierając cech symfonii i sonaty). Istnieją trzy typy:

1. z alternatywnymi odmianami:

A B A1 B1 A2 B2 A3 B3 itd.

2. ze zróżnicowaniem grupowym:

A A1 A2 A3 A4 A5 B B1 B2 B3 B4 B5 B6 A6 A7 A8 A9 A10 B7 B8 B9 B10

3. o strukturze mieszanej (alternatywnej i grupowej);

Odmiany:

Handel G. Passacaglia z Suity g-moll na clavier

Glinka M. „Kamarinskaya”.

Glier R. „Czerwony Mak”, Taniec rosyjskich marynarzy „Jabłko”, 1 akt

Mendelssohn F. Marsz z uwertury „Sen nocy letniej”

Ravel M. Bolero

Stefaniv R. Chór Mołdawski

Barabuszki

Czapka

Odmiany - koncepcja i rodzaje. Klasyfikacja i cechy kategorii „Wariacje” 2017, 2018.

Założyciel IDEO i guru innowacji, David Kelly, stawia to w innym świetle: szybciej ponoś porażki. Wcześniej odniesiesz sukces. Niepoważnie? Może. ...

Termin basso ostinato oznacza ciągłe powtarzanie w głosie dolnym tego samego zwrotu melodycznego, będącego tematem wariacji. Różnice te wyrosły z XVI w., osiągnęły swój szczyt w epoce baroku (XVII – pierwsza połowa XVIII w.), a odżyły w XX w. W epoce baroku ich istnienie wiązało się z kultywacją basu, doktryną basu ogólnego, a także myśleniem polifonicznym.

Wariacje na temat basso ostinato kojarzono z gatunkami passacaglia i chaconne – powolnymi utworami o tematyce od czterech do ośmiu taktów. Temat wariacji ostinatowych jest najczęściej krótki, prosty i prezentowany najpierw jednogłosowo (w passacaglii) lub polifonicznie (w chaconne). W XVII–XVIII w. posiadał ruch miarowy, przeważnie w tonacji molowej, wielkości ¾ (w chaconne – synkopa akcentowana na drugiej takcie) i charakter psychologicznie głęboki.

Można wyróżnić dwa typy tematów: zamknięte, które były w przeważającej mierze bardziej rozwinięte, oraz otwarte, które często budowane były jako zstępujący ruch chromatyczny od toniki do dominującej – zstępującej, wznoszącej się, diatonicznej lub chromatycznej. Taka struktura intonacyjna otworzyła przed kompozytorem szerokie możliwości rozwoju harmonicznego i polifonicznego. Właściwie główna uwaga stopniowo przenosi się na ten wypełniony i bardziej wyrazisty materiał w głosach wyższych. Wielokrotnie powtarzany temat ostinatywny schodzi w percepcji na dalszy plan, zachowując rolę czysto konstruktywną. Jedna prezentacja tematu w basie nie jest oddzielona od następnej, a wariacje następują jedna po drugiej, bez wyraźnego zakończenia poprzedniej i początku następnej. W niektórych miejscach granica nowej wariacji nie pokrywa się z początkiem tematu w basie. Czasem w połowie wariacji temat można przenieść na sopran („Passacaglia” c-moll J. S. Bacha). Oprócz tematu głównego w toku wariacji mogą pojawiać się także inne tematy (w „Chaconne” Bacha w d-moll liczba tematów wynosi co najmniej 4). Fakturę wariacji zdobią wyraziste figury muzyczne i retoryczne.

Tonacja i struktura tematu w chaconne i passacaglii pozostają niezmienione; Dozwolona jest jedynie zmiana progu na ten sam próg.

Przy większej liczbie wariacji typowe jest łączenie kilku z nich w osobne grupy oparte na tym samym typie wariacji - w przybliżeniu podobnych wzorach melodycznych i rytmicznych głosów polifonicznych, rejestrach itp. Wariacje układane są według zasady komplikacji faktury lub kontrastowego porównania grup.

Ogromne znaczenie formacyjne ma rozkład kulminacji „lokalnych” i ogólnych, spajających formę.

Ponieważ wariacje basso ostinato opierają się na stałym, jakby denerwującym temacie, doskonale nadają się do wyrażania w muzyce nastroju głębokiej refleksji, skupienia na jednej rzeczy, braku swobody i bezczynności, którym przeciwstawia się swobodny rozwój górnych partii. głosy (kontrast w jednoczesności).

Forma wariacji na temat basu ostinato opierała się zarówno na harmonicznych, jak i polifonicznych zasadach rozwoju. W XX wieku wielu kompozytorów zwróciło się w stronę wariacji na basie ostinato: Reger, Taneyev, Hindemith, Szostakowicz, Schnittke, podczas gdy w XIX wieku zdarzało się to rzadko (finał IV Symfonii Brahmsa).

Ścisłe odmiany graficzne (ozdobne).

« Utwory z wariacjami powinny zawsze opierać się na znanych widzom ariettach. Wykonując takie sztuki, nie należy pozbawiać widzów przyjemności delikatnego śpiewania razem z wykonawcą” (I.P. Milchmeier, 1797).

Główną różnicą w stosunku do wariacji na basie ostinato jest homofoniczna podstawa myślenia.

Cechy:

1. Temat jest napisany w prostej formie dwuczęściowej, rzadziej w prostej formie trzyczęściowej.

2. Główną metodą opracowania jest teksturowanie, polegające na zdobnictwie tematu, fragmentacji trwania (zmniejszeniu) i zastosowaniu figuracji.

3. We wszystkich wariantach zachowana jest forma tematu, z możliwością lekkiego rozwinięcia i kodowania.

4. Klucz jest taki sam, ale z typową zamianą tej samej nazwy w środku cyklu lub pod koniec.

5. Dopuszczalna jest jedna zmiana tempa, bliżej ostatecznej wariacji.

Zmiana tematu nie ogranicza się do jego komplikowania. Razem z tym stosuje się dla kontrastu uproszczenia tematu – harmoniczne lub fakturalne, m.in. poprzez redukcję głosów (np. zamiast czterogłosu homofonicznego wprowadza się dwugłos polifoniczny). W niektórych przypadkach następuje zmiana metrum, choć generalnie wariacje epoki klasycznej, zachowując główne cechy tematu, zachowują także jego metrum i tempo.

Struktura cyklu zmian

Istnieje pewna tendencja w układzie wariacji:

1. Odmiany klasyczne w większym stopniu niż starożytne kontrastują ze sobą charakterem i są tak ułożone, że każda kolejna jest bardziej złożona od poprzedniej.

2. W dużych cyklach wariacyjnych ze znaczną liczbą wariacji, te ostatnie są zazwyczaj grupowane w oparciu o ten sam rodzaj wariacji tematu. Grupa wariacji umieszczonych obok siebie przedstawiona jest w mniej więcej tej samej fakturze, dzięki czemu kompozycja jako całość odbierana jest jako większe wycinki.

3. Aby połączyć wariacje, ogromne znaczenie ma rozmieszczenie kulminacji.

4. W tym sensie zasada kontrastu również odgrywa znaczącą rolę. Ułatwia to użycie tej samej tonacji dla niektórych odmian (porównanie durowego i mollowego). Ponadto kontrast tempa stopniowo staje się powszechny.

5. Dla ogólnego składu cyklu wariacyjnego ogromne znaczenie ma struktura i cechy dwóch ostatnich wariacji. Przedostatnia wariacja często powraca do początkowej lub podobnej prezentacji tematu, czasami napisanej w wolniejszym tempie lub tempie. Ostatnia wariacja dopełnia cykl, dlatego może zastosować bardziej złożoną teksturę, zmienić tempo lub metrum lub rozszerzyć strukturę. Następnie można wprowadzić kod.

W twórczości Mozarta ustabilizowała się forma klasycznych wariacji figuratywnych: liczba wariacji wynosi zwykle 6, maksymalnie 12; wariacja przedfinałowa ma charakter adagio tempo, ostatnia ma charakter finału cyklu instrumentalnego, ze zmianą tempa, metrum i gatunku. Liczba wariacji Beethovena zmieniła się z 4 na 32.

Termin „wariacje” w muzyce odnosi się do takich zmian melodii podczas rozwijania się utworu, w których zachowana jest jej rozpoznawalność. Rdzeń słowa to „opcja”. Czyli coś podobnego, ale jednak trochę innego. Podobnie jest w muzyce.

Stała aktualizacja

Odmianę melodii można porównać do: Z łatwością rozpoznajemy naszych przyjaciół i krewnych, bez względu na to, jakich przeżyć emocjonalnych doświadczają. Ich twarze zmieniają się, wyrażając złość, radość lub urazę. Ale indywidualne cechy są zachowane.

Co to są odmiany? W muzyce terminem tym określa się konkretną formę dzieła. Spektakl rozpoczyna się dźwiękiem melodii. Z reguły jest prosty i łatwy do zapamiętania. Melodia ta nazywana jest tematem wariacji. Jest bardzo jasna, piękna i wyrazista. Często tematem przewodnim jest popularna piosenka ludowa.

Wariacje muzyczne ujawniają kunszt kompozytora. Po prostym i popularnym motywie następuje łańcuch zmian. Zwykle zachowują tonację i harmonię głównej melodii. Nazywa się je odmianami. Zadaniem kompozytora jest ozdobienie i urozmaicenie tematu za pomocą szeregu specjalnych, czasem dość wyrafinowanych metod. Utwór składający się z prostej melodii i jej następujących po sobie zmian nazywa się wariacjami. Jak powstała ta konstrukcja?

Trochę historii: początki formy

Często muzycy i miłośnicy sztuki zastanawiają się, jakie są wariacje. Początki tej formy sięgają starożytnych tańców. Mieszczanie i chłopi, szlachta i królowie – wszyscy uwielbiali poruszać się w rytm dźwięków instrumentów muzycznych. Tańcząc, wykonywali te same czynności do stale powtarzanego śpiewu. Jednak prosta i bezpretensjonalna piosenka, brzmiąca bez najmniejszych zmian, szybko stała się nudna. Dlatego muzycy zaczęli dodawać do melodii różnorodne kolory i odcienie.

Dowiedzmy się, jakie są odmiany. W tym celu należy sięgnąć do historii sztuki. Wariacje po raz pierwszy pojawiły się w muzyce profesjonalnej w XVIII wieku. Kompozytorzy zaczęli pisać sztuki w tej formie nie w celu towarzyszenia tańcom, ale do słuchania. Wariacje były częścią sonat lub symfonii. W XVIII wieku taka konstrukcja utworu muzycznego była bardzo popularna. Odmiany z tego okresu są dość proste. Zmienił się rytm tematu i jego faktura (m.in. dodano nowe echa). Najczęściej wariacje brzmiały w języku durowym. Ale zawsze był jeden, mniejszy. Jej łagodny i smutny charakter uczynił ją najbardziej uderzającym fragmentem cyklu.

Nowe opcje odmian

Zmienili się ludzie, światopogląd i epoki. Nastał burzliwy wiek XIX – czas rewolucji i romantycznych bohaterów. Różnice w muzyce również okazały się inne. Temat i jego zmiany stały się uderzająco różne. Kompozytorzy osiągnęli to za pomocą tzw. modyfikacji gatunkowych. Na przykład w pierwszej wariacji temat brzmiał jak wesoła polka, a w drugiej – jak uroczysty marsz. Kompozytor mógł nadać melodii cechy brawurowego walca lub szybkiej taranteli. W XIX wieku pojawiły się wariacje na dwa tematy. Najpierw brzmi jedna melodia z łańcuchem zmian. Następnie zostaje zastąpiony nowym motywem i opcjami. W ten sposób kompozytorzy wprowadzili do tej starożytnej budowli oryginalne elementy.

Na pytanie, czym są wariacje, swoją odpowiedź zaproponowali muzycy XX wieku. Używali tej formy do ukazania skomplikowanych, tragicznych sytuacji. Na przykład w ósmej symfonii Dymitra Szostakowicza wariacje służą ukazaniu obrazu powszechnego zła. Kompozytor tak bardzo zmienia początkowy temat, że zamienia się on w żywioł kipiący, nieokiełznany. Proces ten wiąże się z filigranową pracą polegającą na modyfikowaniu wszystkich parametrów muzycznych.

Rodzaje i odmiany

Często kompozytorzy piszą wariacje na temat należący do innego autora. Zdarza się to dość często. Przykładem jest dzieło Siergieja Rachmaninowa „Rapsodia na temat Paganiniego”. Ta sztuka jest napisana w formie wariacyjnej. Tematem jest tutaj melodia słynnego kaprysu skrzypcowego Paganiniego.

Szczególną odmianą tej popularnej formy muzycznej są tzw. wariacje basso ostinato. W tym przypadku temat słychać w dolnym głosie. Ciągle powtarzająca się melodia w basie jest trudna do zapamiętania. Często słuchacz w ogóle nie oddziela tego od ogólnego przepływu. Dlatego taki temat na początku utworu zwykle brzmi jednogłosowo lub jest powielany w oktawie.

Wariacje na temat przedłużonego basu często można znaleźć w dziełach organowych Jana Sebastiana Bacha. Motyw jednogłosowy grany jest na klawiaturze nożnej. Z czasem wariacje na temat basso ostinato stały się symbolem wysublimowanej sztuki baroku. Właśnie z tym kontekstem semantycznym wiąże się użycie tej formy w muzyce kolejnych epok. Finał IV Symfonii Johannesa Brahmsa został rozwiązany w formie wariacji na temat przedłużonego basu. To dzieło jest arcydziełem kultury światowej.

Potencjał wyobraźni i niuanse znaczeniowe

Przykłady wariacji można znaleźć także w muzyce rosyjskiej. Jednym z najbardziej znanych przykładów tej formy jest chór dziewcząt perskich z opery „Rusłan i Ludmiła” Michaiła Glinki. Są to wariacje na temat stałej melodii. Tematem przewodnim jest autentyczna orientalna pieśń ludowa. Kompozytor spisał go własnymi notatkami, przysłuchując się śpiewowi nosiciela tradycji folklorystycznej. W każdej nowej wariacji Glinka wykorzystuje coraz bardziej zróżnicowaną fakturę, która zabarwia niezmienną melodię nowymi barwami. Charakter muzyki jest łagodny i ospały.

Dla każdego instrumentu muzycznego stworzono wariacje. Fortepian jest jednym z głównych asystentów kompozytora. Słynny klasyk Beethoven szczególnie umiłował ten instrument. Często pisał wariacje na tematy proste, a nawet banalne, autorstwa nieznanych autorów. To dało geniuszowi możliwość pokazania wszystkich swoich umiejętności. Beethoven przekształcił prymitywne melodie w muzyczne arcydzieła. Jego pierwszą kompozycją w tej formie było dziewięć wariacji na temat marszu Dresslera. Następnie kompozytor napisał wiele dzieł fortepianowych, w tym sonaty i koncerty. Jednym z ostatnich dzieł mistrza są trzydzieści trzy wariacje na temat walca Diabellego.

Nowoczesne innowacje

Muzyka XX wieku ukazuje nowy typ tej popularnej formy. Dzieła powstałe zgodnie z nią nazywane są wariacjami z tematem. W takich sztukach główna melodia brzmi nie na początku, ale na końcu. Temat zdaje się być złożony z odległych ech, fragmentów i fragmentów rozsianych po muzycznej tkaninie. Artystycznym znaczeniem takiej budowli może być poszukiwanie wiecznych wartości wśród otaczającego ją gwaru. Znalezienie wyższego celu symbolizuje temat na końcu. Przykładem jest trzeci koncert fortepianowy.Wiek XX zna wiele kultowych dzieł pisanych w formie wariacyjnej. Jednym z nich jest „Bolero” Maurice’a Ravela. Są to wariacje na temat stałej melodii. Każde powtórzenie wykonywane jest przez nowy instrument muzyczny.