Kontynuujemy dział „Rękodzieło” i podrozdział „” z artykułem. Gdzie oferujemy definicje kilku znanych i nieznanych nowoczesnych i mniej nowoczesnych stylów, a także ilustrujemy je tak wyraźnie, jak to możliwe.

Style obrazów są potrzebne częściowo po to, abyś mógł dowiedzieć się, jakim stylem rysujesz (lub ogólnie rękodziełem) lub jaki styl najbardziej Ci odpowiada do rysowania.

Zaczniemy od stylu zwanego „realizmem”. Realizm to stanowisko estetyczne, zgodnie z którym zadaniem sztuki jest jak najdokładniejsze i obiektywne uchwycenie rzeczywistości. Istnieje wiele podstylów realizmu - realizm krytyczny, socrealizm, hiperrealizm, naturalizm i wiele innych. W szerszym znaczeniu tego słowa realizm to zdolność sztuki do prawdziwego, pozbawionego lakieru przedstawiania osoby i otaczającego ją świata w żywych, rozpoznawalnych obrazach, bez biernego i beznamiętnego kopiowania natury, ale wybierając w niej to, co najważniejsze i próbując przekazać istotne cechy przedmiotów i zjawisk w widzialnych formach.

Przykład: V. G. Khudyakov. Przemytnicy (kliknij, aby powiększyć):

Przejdźmy teraz do stylu zwanego „impresjonizmem”. Impresjonizm(francuski impresjonizm, od impresja - impresja) - styl, w którym artyści starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić prawdziwy świat w jego mobilności i zmienności, aby przekazać swoje ulotne wrażenia. Impresjonizm nie podnosił problemów filozoficznych i nie próbował nawet przeniknąć pod kolorową powierzchnię codzienności. Zamiast tego impresjonizm skupia się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu lub kącie widzenia.

Przykład: J. William Turner (kliknij, aby powiększyć):

Następny na liście jest znacznie mniej znany styl zwany „fowizmem” niż impresjonizm i realizm. Fowizm(z francuskiego fauve - dziki) - nazwa powstała, ponieważ obrazy pozostawiały w widzu poczucie energii i pasji, a francuski krytyk Louis Vaucelle nazwał malarzy dzikimi bestiami (franc. les fauves). Taka była reakcja współczesnych na zadziwiające ich wywyższenie koloru, „dziką” ekspresję kolorów. W ten sposób przypadkowe stwierdzenie utrwaliło się jako nazwa całego ruchu. Fowizm w malarstwie charakteryzuje się jasną kolorystyką i uproszczeniem formy.

Następny styl jest nowoczesny. Nowoczesny– (z francuskiego moderne – nowoczesny), art nouveau (francuska art nouveau, dosł. „nowa sztuka”), Art Nouveau (niem. Jugendstil – „młody styl”) – kierunek artystyczny w sztuce, gdzie podstawą było odrzucenie proste linie i kąty na rzecz bardziej naturalnych, „naturalnych” linii, zainteresowanie nowymi technologiami. Modernizm dążył do połączenia funkcji artystycznej i użytkowej tworzonych dzieł, włączając w sferę piękna wszystkie sfery ludzkiej aktywności.

Przykład architektury secesyjnej można znaleźć w artykule „Magiczne domy Gaudiego”. Przykład obrazu w stylu secesyjnym: A. Mucha „Zachód słońca” (kliknij, aby powiększyć):

Przejdźmy dalej. Ekspresjonizm(z łac. expressio, „ekspresja”) - wyraz emocjonalnych cech obrazów (zwykle osoby lub grupy osób) lub stanu emocjonalnego samego artysty. W ekspresjonizmie ideę oddziaływania emocjonalnego, afektacji przeciwstawiono naturalizmowi i estetyzmowi. Podkreślono podmiotowość aktu twórczego.

Przykład: Van Gogh, „Gwiaździsta noc nad Rodanem”:

Kolejnym ruchem, który poruszymy, jest kubizm. Kubizm(French Cubisme) - kierunek w sztukach wizualnych charakteryzujący się wykorzystaniem wyraźnie zgeometryzowanych form konwencjonalnych, chęcią „rozszczepiania” realnych obiektów na stereometryczne prymitywy.

Następny jest styl zwany „futuryzmem”. Nazwa stylu futuryzm pochodzi od łacińskiego futurum - przyszły. Już sama nazwa sugeruje kult przyszłości i odróżnianie przeszłości od teraźniejszości. Futuryści poświęcili swoje obrazy pociągom, samochodom, samolotom - jednym słowem zwrócono uwagę na wszystkie chwilowe osiągnięcia cywilizacji odurzonej postępem technicznym. Futuryzm rozpoczął się od fowizmu, zapożyczając od niego idee kolorystyczne, oraz od kubizmu, z którego przyjął formy artystyczne.

A teraz przechodzimy do stylu zwanego „abstrakcjonizmem”. Abstrakcjonizm(łac. abstrakcja – usuwanie, rozproszenie) – kierunek sztuki niefiguratywnej, który w malarstwie i rzeźbie porzucił przedstawianie form bliskich rzeczywistości. Jednym z celów sztuki abstrakcyjnej jest osiągnięcie „harmonizacji”, czyli stworzenie pewnych zestawień kolorystycznych i geometrycznych kształtów, aby wywołać u patrzącego różne skojarzenia.

Przykład: V. Kandinsky:

Następny na naszej liście jest ruch „dadaizm”. Dadaizm, czyli Dada – nazwa ruchu pochodzi z kilku źródeł: w języku murzyńskiego plemienia Kru oznacza ogon świętej krowy, w niektórych rejonach Włoch tak nazywa się matkę, może być to określenie drewniany koń dla dzieci, pielęgniarka, podwójne oświadczenie w języku rosyjskim i rumuńskim. Może to być również reprodukcja niespójnego bełkotu dziecka. W każdym razie Dadaizm jest czymś zupełnie pozbawionym znaczenia, co odtąd stało się najbardziej udaną nazwą dla całego ruchu.

A teraz przechodzimy do suprematyzmu. Suprematyzm(z łac. supremus - najwyższy) - wyrażał się w zestawieniach wielobarwnych płaszczyzn o najprostszych kształtach geometrycznych (w geometrycznych kształtach linii prostej, kwadratu, koła i prostokąta). Połączenie wielobarwnych i różnej wielkości figur geometrycznych tworzy zrównoważone, asymetryczne, suprematystyczne kompozycje, przesiąknięte wewnętrznym ruchem.

Przykład: Kazimierz Malewicz:

Następnym ruchem, który pokrótce rozważymy, jest ruch o dziwnej nazwie „malarstwo metafizyczne”. Malarstwo metafizyczne (wł. Pittura metafisica) - tutaj metafora i sen stają się podstawą myśli wykraczającej poza zwykłą logikę, a kontrast pomiędzy realistycznie wiernie przedstawionym przedmiotem a dziwną atmosferą, w jakiej jest on umieszczony, potęguje surrealistyczny efekt.

Przykładem jest Giorgio Morandi. Martwa natura z manekinem:

A teraz przechodzimy do bardzo interesującego ruchu zwanego „surrealizmem”. Surrealizm (francuski surréalisme – superrealizm) opiera się na połączeniu snów i rzeczywistości. Podstawowym celem surrealistów było duchowe wzniesienie i oddzielenie ducha od materii. Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli surrealizmu w malarstwie był Salvador Dali.

Przykład: Salvador Dali:

Następnie przechodzimy do takiego ruchu, jak malarstwo aktywne. Malarstwo aktywne (malowanie intuicją, tachizm, z francuskiego Tachisme, z Tache - spot) to ruch reprezentujący malarstwo plamami, które nie odtwarzają obrazów rzeczywistości, ale wyrażają nieświadomą aktywność artysty. Kreski, linie i plamy taszizmu nanoszone są na płótno szybkimi ruchami ręki, bez wcześniej przemyślanego planu.

Przedostatni styl na dziś to pop-art. Pop-art (angielski pop-art, skrót od sztuki popularnej, etymologia kojarzona jest także z angielskim popem - nagłe uderzenie, klaskanie) rodzi dzieła sztuki, do tworzenia których wykorzystano elementy „kultury ludowej”. Oznacza to, że Obraz zapożyczony z kultury popularnej zostaje umieszczony w innym kontekście (na przykład zmiana skali i materiału, ujawnienie techniki lub metody technicznej, ujawnienie interferencji informacyjnej itp.).

Przykład: Richard Hamilton, „Co sprawia, że ​​nasze dzisiejsze domy są tak inne i tak atrakcyjne?”:

W związku z tym najnowszym trendem na dziś jest minimalizm. Minimal art (Angielski Minimal art), także Minimalizm (Angielski Minimalizm), ABC Art (Angielski ABC Art) to ruch obejmujący formy geometryczne, oczyszczone z wszelkiej symboliki i metafory, powtórzeń, neutralnych powierzchni, materiałów przemysłowych i sposobu wykonania.

Dlatego istnieje ogromna liczba stylów artystycznych - które mają swoje własne cele.

Głowa:

Rysujemy figurę przypominającą jajko odwrócone do góry nogami. Ta figura nazywa się OVOID.
Podziel go w pionie i poziomie dokładnie na pół cienkimi liniami.

Pionowy
linia jest osią symetrii (jest potrzebna, aby prawa i lewa część
okazało się, że są równej wielkości, a elementy obrazu nie są włączone
różne poziomy).
Poziomo - linia, w której znajdują się oczy. Dzielimy go na pięć równych części.

Druga i czwarta część zawierają oczy. Odległość między oczami jest również równa jednemu oku.

Poniższy rysunek pokazuje, jak narysować oko (tęczówka i źrenica będą
nie są całkowicie widoczne – częściowo zasłaniają górną powiekę), ale nam się nie spieszy
aby to zrobić, najpierw dokończmy nasz szkic.

Podziel część od linii oczu do brody na dwie części - jest to linia, na której będzie znajdować się nos.
Część od linii oka do korony dzielimy na trzy równe części. Górny znak to linia, w której rosną włosy)

Dzielimy również część od nosa do brody na trzy części. Najwyższym znakiem jest linia warg.
Odległość od górnej powieki do czubka nosa jest równa odległości od górnej krawędzi ucha do dolnej.

Teraz sprawiamy, że nasze standardowe przygotowanie płacze w trzech strumieniach.
Linie,
narysowany od zewnętrznych krawędzi oczu wskaże nam miejsce, w którym należy narysować szyję.
Linie od wewnętrznych krawędzi oczu to szerokość nosa. Linie narysowane łukiem z
środek źrenic to szerokość ust.

Kiedy pokolorujesz obraz, zwróć uwagę na jego wypukłe części
partie (czoło, policzki, nos i podbródek) staną się jaśniejsze, a oczodoły, kości policzkowe,
kontur twarzy i obszar pod dolną wargą są ciemniejsze.

Kształt twarzy, oczu, brwi, ust, nosa, uszu i
itp. Każda osoba jest inna. Dlatego rysując czyjś portret, spróbuj
zobacz te funkcje i zastosuj je do standardowego przedmiotu obrabianego.

Kolejny przykład tego, jak różne są rysy twarzy każdego człowieka.

Cóż, tutaj widzimy, jak narysować twarz z profilu i pół obrotu - tak zwane „trzy czwarte”
Na
Rysując twarz o pół obrotu, należy wziąć pod uwagę zasady
perspektywa – dalsze oko i dalsza strona wargi będą wydawać się mniejsze.

Przejdźmy do obrazu postacie ludzkie.
Aby jak najdokładniej przedstawić ciało, musisz, podobnie jak przy rysowaniu portretów, poznać kilka tajemnic:

Jednostką miary ludzkiego ciała jest „długość głowy”.
- Średni wzrost człowieka jest 7,5 razy dłuższy od jego głowy.
- Mężczyźni są naturalnie nieco wyżsi od kobiet.
-
Oczywiście zaczynamy rysować ciało od samej głowy, którą będziemy
zmierzyć wszystko. Narysowałeś to? Teraz zmniejszyliśmy jego długość jeszcze siedem razy.
Będzie to rozwój przedstawionej osoby.
- Szerokość ramion równa się dwóm długościom głowy u mężczyzn i półtorej długości u kobiet.
- W miejscu, gdzie kończy się trzecia głowa :), będzie pępek, a ramię będzie zgięte w łokciu.
- Czwarte to miejsce, w którym rosną nogi.
- Piąta - do połowy uda. W tym miejscu kończy się długość ramienia.
- szósty - dół kolana.
-
Możesz mi nie wierzyć, ale długość ramion jest równa długości nóg, długość ramienia mierzona jest od ramienia
do łokcia będzie nieco mniejsza niż długość od łokcia do czubków palców.
- Długość dłoni jest równa wysokości twarzy (uwaga, nie głowy - odległość od brody do czubka czoła), długość stopy jest równa długości głowy.

Wiedząc to wszystko, możesz całkiem wiarygodnie przedstawić postać ludzką.

Zaczerpnięte z grupy poświęconej graffiti na VKontakte.

Kształty ust

kształt nosa

Kształty oczu

Kształty broszur dla kobiet

(c) Książka „Jak narysować głowę i postać ludzką” Jacka Hamma

Proporcje sylwetki dziecka różnią się od
dorosłe proporcje. Im mniej razy długość głowy zakłóca wzrost
dziecko, tym jest młodsze.

Na portrecie dziecięcym wszystko jest trochę inne.
Twarz dziecka jest bardziej zaokrąglona, ​​czoło większe. Jeśli narysujemy poziomo
linia przechodząca przez środek twarzy dziecka, to nie będzie to linia oczu, jak
był na portrecie osoby dorosłej.

Aby nauczyć się rysować osobę nie tylko
stojąc jak filar, chwilowo uprościmy nasz wizerunek. Wyjdźmy
tylko głowa, klatka piersiowa, kręgosłup, miednica i skręcimy to wszystko w całość
ręce i nogi. Najważniejsze jest zachowanie wszystkich proporcji.

Mając tak uproszczoną wersję sylwetki człowieka, z łatwością możemy nadać mu dowolną pozę.

Kiedy już zdecydujemy się na pozę, możemy to zrobić
dodaj mięso do naszego uproszczonego szkieletu. Nie zapominaj, że ciało tak nie jest
kanciasty i nie składa się z prostokątów - staramy się rysować gładkie
linie. Ciało stopniowo zwęża się w talii, a także w kolanach i łokciach.

Aby obraz był bardziej żywy, charakteru i wyrazu należy nadać nie tylko twarzy, ale także pozie.

Ręce:

Palce ze stawami przypominającymi deskę są najszerszymi częściami kości w całym szkielecie.

(c) książka „Anatomia dla artystów: to proste” Christophera Harta

Liczba stylów i trendów jest ogromna, jeśli nie nieskończona. Kluczową cechą, według której można grupować dzieła w style, są wspólne zasady myślenia artystycznego. Zastąpienie jednego sposobu myślenia artystycznego innym (naprzemienność typów kompozycji, sposobów konstrukcji przestrzennej, cech kolorystycznych) nie jest przypadkowe. Historycznie zmieniło się także nasze postrzeganie sztuki.
Budując system stylów w porządku hierarchicznym, będziemy trzymać się tradycji europocentrycznej. Najważniejszym pojęciem w historii sztuki jest pojęcie epoki. Każda epoka charakteryzuje się pewnym „obrazem świata”, na który składają się idee filozoficzne, religijne, polityczne, koncepcje naukowe, psychologiczne cechy światopoglądu, standardy etyczne i moralne, estetyczne kryteria życia, którymi odróżnia się jedna era od drugiej . Są to epoka prymitywna, epoka starożytnego świata, starożytność, średniowiecze, renesans i epoka nowożytna.
Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, płynnie przechodzą w siebie i podlegają ciągłemu rozwojowi, mieszaniu się i przeciwstawianiu. W ramach jednego historycznego stylu artystycznego zawsze rodzi się nowy, który z kolei przechodzi w następny. Wiele stylów współistnieje jednocześnie i dlatego nie ma w ogóle „czystych stylów”.
W tej samej epoce historycznej może współistnieć kilka stylów. Na przykład klasycyzm, akademizm i barok w XVII wieku, rokoko i neoklasycyzm w XVIII wieku, romantyzm i akademizm w XIX wieku. Style takie jak klasycyzm i barok nazywane są wielkimi stylami, ponieważ dotyczą wszystkich rodzajów sztuki: architektury, malarstwa, sztuki dekoracyjnej i użytkowej, literatury, muzyki.
Należy rozróżnić: style artystyczne, kierunki, nurty, szkoły i cechy poszczególnych stylów poszczególnych mistrzów. W obrębie jednego stylu może istnieć kilka ruchów artystycznych. Na kierunek artystyczny składają się zarówno cechy charakterystyczne dla danej epoki, jak i unikalne sposoby myślenia artystycznego. Na przykład styl secesyjny obejmuje szereg nurtów z przełomu wieków: postimpresjonizm, symbolizm, fowizm itp. Z drugiej strony pojęcie symboliki jako nurtu artystycznego jest dobrze rozwinięte w literaturze, natomiast w malarstwie jest bardzo niejasne i łączy artystów tak odmiennych stylistycznie, że często interpretuje się ich jedynie jako światopogląd, który ich łączy.

Poniżej zostaną podane definicje epok, stylów i trendów, które w taki czy inny sposób znajdują odzwierciedlenie we współczesnej sztuce pięknej i dekoracyjnej.

	- styl artystyczny, który rozwinął się w krajach Europy Zachodniej i Środkowej w XII-XV wieku. Był efektem wielowiekowej ewolucji sztuki średniowiecznej, jej najwyższym etapem i jednocześnie pierwszym w historii ogólnoeuropejskim, międzynarodowym stylem artystycznym. Zajmował się wszystkimi dziedzinami sztuki – architekturą, rzeźbą, malarstwem, witrażami, projektowaniem książek, sztuką dekoracyjną i użytkową. Podstawą stylu gotyckiego była architektura, którą charakteryzują ostrołukowe łuki skierowane ku górze, wielokolorowe witraże i wizualna dematerializacja formy. Elementy sztuki gotyckiej często można odnaleźć we współczesnym wystroju wnętrz, zwłaszcza w malowidłach ściennych, rzadziej w malarstwie sztalugowym. Od końca ubiegłego wieku istnieje subkultura gotycka, która wyraźnie objawia się w muzyce, poezji i projektowaniu ubiorów.
	(renesans) - (renesans francuski, włoski Rinascimento) Era w rozwoju kulturowym i ideologicznym wielu krajów Europy Zachodniej i Środkowej, a także niektórych krajów Europy Wschodniej. Główne cechy charakterystyczne kultury renesansu: świecki charakter, humanistyczny światopogląd, odwoływanie się do starożytnego dziedzictwa kulturowego, rodzaj jego „odrodzenia” (stąd nazwa). Kultura renesansu ma specyficzne cechy epoki przejściowej od średniowiecza do czasów nowożytnych, w której przeplatające się stare i nowe tworzą wyjątkowy, jakościowo nowy stop. Trudnym pytaniem są chronologiczne granice renesansu (we Włoszech - 14-16 wieków, w innych krajach - 15-16 wieków), jego rozmieszczenie terytorialne i cechy narodowe. Elementy tego stylu w sztuce współczesnej często wykorzystywane są w malarstwie ściennym, rzadziej w malarstwie sztalugowym.
	- (z włoskiego maniera - technika, maniera) ruch w sztuce europejskiej XVI wieku. Przedstawiciele manieryzmu odeszli od renesansowego harmonijnego postrzegania świata, humanistycznej koncepcji człowieka jako doskonałego tworu natury. Wnikliwe postrzeganie życia łączyło się z programowym pragnieniem nie podążania za naturą, ale wyrażenia subiektywnej „wewnętrznej idei” obrazu artystycznego zrodzonego w duszy artysty. Najdobitniej objawiło się to we Włoszech. Dla włoskiego manieryzmu lat dwudziestych XVI wieku. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) charakteryzują się dramatyczną ostrością obrazów, tragicznym światopoglądem, złożonością i przesadną ekspresją póz i motywów ruchu, wydłużonymi proporcjami postaci, dysonansami kolorystycznymi oraz światła i cienia. Ostatnio zaczęto go używać przez historyków sztuki do określenia zjawisk w sztuce współczesnej związanych z przemianami stylów historycznych.
	- historyczny styl artystyczny, który rozpowszechnił się początkowo w środkowych Włoszech. XVI-XVII w., a następnie w XVII-XVIII w. we Francji, Hiszpanii, Flandrii i Niemczech. Szerzej, terminem tym określa się stale odnawiające się tendencje do postawy niespokojnej, romantycznej, myślenia w formach ekspresyjnych, dynamicznych. Wreszcie w każdym czasie, w niemal każdym historycznym stylu artystycznym można odnaleźć swój „okres baroku” jako etap najwyższego rozkwitu twórczego, napięcia emocji, wybuchowości form.
	- styl artystyczny w sztuce zachodnioeuropejskiej XVII - wczesnych lat. XIX w., a w języku rosyjskim XVIII – wczesny. XIX, który jako ideał do naśladowania zwrócił się do dziedzictwa starożytnego. Przejawiało się to w architekturze, rzeźbie, malarstwie, sztuce zdobniczej i użytkowej. Artyści klasyczni uważali starożytność za najwyższe osiągnięcie i uczynili z niej swój standard w sztuce, który starali się naśladować. Z czasem przerodziło się to w akademizm.
	- kierunek w sztuce europejskiej i rosyjskiej lat 20.-30. XIX wieku, który zastąpił klasycyzm. Romantycy podkreślali indywidualność, przeciwstawiając idealne piękno klasycyzmu „niedoskonałej” rzeczywistości. Artystów przyciągały jasne, rzadkie, niezwykłe zjawiska, a także obrazy o fantastycznej naturze. W sztuce romantyzmu ważną rolę odgrywa wyostrzona indywidualna percepcja i doświadczenie. Romantyzm uwolnił sztukę od abstrakcyjnych dogmatów klasycyzmu i zwrócił ją ku historii narodowej i obrazom folkloru.
	- (z łac. sentyment - uczucie) - kierunek w sztuce zachodniej drugiej połowy XVIII wieku, wyrażający rozczarowanie „cywilizacją” opartą na ideałach „rozumu” (ideologia oświeceniowa). S. głosi uczucie, samotniczą refleksję i prostotę wiejskiego życia „małego człowieka”. J. J. Rousseau uważany jest za ideologa S.
	- kierunek w sztuce, który stara się jak najprawdziwiej i wiarygodnie oddać zarówno formę zewnętrzną, jak i istotę zjawisk i rzeczy. Jak metoda twórcza łączy indywidualne i typowe cechy podczas tworzenia obrazu. Najdłuższy istniejący kierunek, rozwijający się od epoki prymitywnej do współczesności.
	- kierunek w europejskiej kulturze artystycznej końca XIX i początku XX wieku. Pojawiająca się jako reakcja na dominację norm burżuazyjnego „zdrowego rozsądku” w sferze humanitarnej (w filozofii, estetyce - pozytywizm, w sztuce - naturalizm), symbolika ukształtowała się przede wszystkim w literaturze francuskiej końca lat 60.-70. XIX wieku i później stało się powszechne w Belgii i Niemczech, Austrii, Norwegii, Rosji. Estetyczne zasady symboliki w dużej mierze nawiązywały do ​​idei romantyzmu, a także do niektórych doktryn filozofii idealistycznej A. Schopenhauera, E. Hartmanna, częściowo F. Nietzschego, do twórczości i teoretyzowania niemieckiego kompozytora R. Wagnera . Symbolika przeciwstawiała żywą rzeczywistość światu wizji i snów. Symbol wygenerowany przez poetycką wnikliwość i wyrażający nieziemski sens zjawisk ukrytych przed potoczną świadomością uznawany był za uniwersalne narzędzie zrozumienia tajemnic istnienia i indywidualnej świadomości. Twórczy artysta był postrzegany jako pośrednik między realnym a nadzmysłowym, wszędzie odnajdujący „znaki” światowej harmonii, proroczo odgadujący znaki przyszłości zarówno we współczesnych zjawiskach, jak i wydarzeniach z przeszłości.
	- (z francuskiego impresja - impresja) kierunek w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji. Nazwę wprowadził krytyk sztuki L. Leroy, który dyskredytował wystawę artystów w 1874 r., na której prezentowany był m.in. obraz „Wschód słońca” C. Moneta. Wrażenie". Impresjonizm utwierdzał piękno realnego świata, podkreślając świeżość pierwszego wrażenia i zmienność otoczenia. Dominująca dbałość o rozwiązywanie problemów czysto obrazowych ograniczyła tradycyjną koncepcję rysunku jako głównego elementu dzieła sztuki. Impresjonizm wywarł potężny wpływ na sztukę krajów europejskich i Stanów Zjednoczonych, wzbudzając zainteresowanie tematami z życia codziennego. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley itp.)
	- ruch w malarstwie (synonim dywizjonizmu), który rozwinął się w ramach neoimpresjonizmu. Neoimpresjonizm narodził się we Francji w 1885 roku i rozprzestrzenił się także na Belgię i Włochy. Neoimpresjoniści starali się zastosować w sztuce najnowsze osiągnięcia optyki, zgodnie z którymi malarstwo wykonane z odrębnych punktów barw podstawowych daje w odbiorze wzrokowym fuzję barw i całą gamę malarstwa. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Postimpresjonizm- warunkowa zbiorcza nazwa głównych kierunków malarstwa francuskiego XIX - I ćw. XX wiek Sztuka postimpresjonizmu powstała jako reakcja na impresjonizm, który skupiał się na przekazie chwili, na poczuciu malowniczości i utracie zainteresowania kształtem przedmiotów. Do postimpresjonistów zaliczają się P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh i inni.
	- styl w sztuce europejskiej i amerykańskiej przełomu XIX i XX wieku. Modowany, piłowany, piłowany, miał papi-pieczęć i został wydany w ten sam sposób, w ten sam sposób. Naturalne formy stają się także przedmiotem nowoczesności. Tłumaczy to nie tylko zainteresowanie motywami roślinnymi w dziełach secesji, ale także samą ich strukturę kompozycyjną i plastyczną – bogactwo krzywoliniowych konturów, płynne, nierówne kontury zewnętrzne przypominające formy roślinne. Z nowoczesnością ściśle związana jest symbolika, która stanowiła estetyczną i filozoficzną podstawę nowoczesności, opierając się na nowoczesności jako plastycznej realizacji jej idei. Secesja miała różne nazwy w różnych krajach, które w zasadzie były synonimami: Art Nouveau – we Francji, Secesja – w Austrii, Art Nouveau – w Niemczech, Liberty – we Włoszech.
	- (od francuskiego modern - modern) ogólna nazwa szeregu ruchów artystycznych pierwszej połowy XX wieku, które charakteryzują się zaprzeczeniem tradycyjnych form i estetyki przeszłości. Modernizm jest bliski awangardy i przeciwieństwem akademizmu.
	- nazwa łącząca szereg ruchów artystycznych powszechnych w latach 1905-1930. (Fowizm, Kubizm, Futuryzm, Ekspresjonizm, Dadaizm, Surrealizm). Wszystkie te kierunki łączy chęć odnowienia języka sztuki, przemyślenia na nowo jego zadań i uzyskania wolności wypowiedzi artystycznej.
	- kierunek w sztuce XIX - n.e. XX w., bazując na twórczych lekcjach francuskiego artysty Paula Cezanne’a, który wszelkie formy obrazu sprowadził do najprostszych figur geometrycznych, a kolor do kontrastujących struktur ciepłych i zimnych tonów. Cezanne był jednym z punktów wyjścia kubizmu. W dużym stopniu cezanneizm wpłynął także na rodzimą szkołę malarstwa realistycznego.
	- (od Fauve - Wild) ruch awangardowy w sztuce francuskiej AD. XX wiek Określenie „dziki” nadane przez współczesną krytykę grupie artystów występujących w 1905 roku w paryskim Salonie Niezależnych miało charakter ironiczny. Do tej grupy należeli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen i inni.Fowiści połączyło pociąg do lakonicznej wyrazistości form i intensywnych rozwiązań kolorystycznych, poszukiwanie impulsów w twórczości pierwotnej, sztuce średniowiecza i Wschodu.
	- celowe uproszczenie środków wizualnych, naśladownictwo prymitywnych etapów rozwoju sztuki. Termin ten odnosi się do tzw. sztuka naiwna artystów, którzy nie otrzymali specjalnego wykształcenia, ale zaangażowani byli w ogólny proces artystyczny na przełomie XIX i XX wieku. XX wiek. Twórczość tych artystów - N. Pirosmaniego, A. Russo, V. Selivanova i innych - charakteryzuje się swoistą dziecinnością w interpretacji natury, połączeniem uogólnionej formy i drobnej dosłowności w szczegółach. Prymitywizm formy wcale nie przesądza o prymitywności treści. Często służy jako źródło dla profesjonalistów, którzy zapożyczają formy, obrazy i metody ze sztuki ludowej, zasadniczo prymitywnej. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse czerpali inspirację z prymitywizmu.
	- kierunek w sztuce, który rozwinął się w oparciu o kanony starożytności i renesansu. Było to powszechne w wielu europejskich szkołach artystycznych od XVI do XIX wieku. Akademicyzm przekształcił tradycje klasyczne w system „wiecznych” zasad i przepisów, które krępują poszukiwania twórcze i próbował przeciwstawić niedoskonałą żywą naturę „wysokim”, ulepszonym, nienarodowym i ponadczasowym formom piękna, doprowadzonym do perfekcji. Akademicyzm charakteryzuje się preferowaniem tematów z mitologii starożytnej, tematów biblijnych lub historycznych przed tematami ze współczesnego życia artysty.
	- (kubizm francuski, od sześcianu - sześcianu) kierunek w sztuce pierwszej ćwierci XX wieku. Plastyczny język kubizmu opierał się na deformacji i dekompozycji obiektów na płaszczyznach geometrycznych, plastycznej zmianie kształtu. Narodziny kubizmu przypadły na lata 1907-1908 – w przededniu I wojny światowej. Niekwestionowanym liderem tego nurtu był poeta i publicysta G. Apollinaire. Ruch ten jako jeden z pierwszych ucieleśniał wiodące kierunki dalszego rozwoju sztuki XX wieku. Jednym z tych nurtów była dominacja koncepcji nad wartością artystyczną obrazu. Za ojców kubizmu uważa się J. Braque i P. Picasso. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris i inni dołączyli do powstającego ruchu.
	- ruch w literaturze, malarstwie i kinie, który powstał w 1924 roku we Francji. W znaczący sposób przyczynił się do ukształtowania świadomości współczesnego człowieka. Głównymi postaciami ruchu są Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro i wielu innych artystów z całego świata. Surrealizm wyrażał ideę istnienia poza rzeczywistością, szczególnie ważną rolę odgrywa tutaj absurd, nieświadomość, sny i marzenia. Jedną z charakterystycznych metod surrealistycznego artysty jest odwrót od świadomej twórczości, co czyni go narzędziem wydobywającym na różne sposoby dziwaczne obrazy z podświadomości, przypominające halucynacje. Surrealizm przetrwał kilka kryzysów, przetrwał II wojnę światową i stopniowo, łącząc się z kulturą masową, krzyżując się z transawangardą, wszedł w postmodernizm jako integralna część.
	- (od łac. futurum - przyszłość) ruch literacko-artystyczny w sztuce lat 1910-tych. Przypisując sobie rolę prototypu sztuki przyszłości, futuryzm jako swój program główny wysunął ideę burzenia stereotypów kulturowych, a w zamian zaproponował apologię technologii i anizmu technologii miejskiej jako głównych przejawów teraźniejszości i przyszłość. Ważną ideą artystyczną futuryzmu było poszukiwanie plastycznego wyrazu prędkości ruchu jako głównego znaku tempa współczesnego życia. Rosyjska wersja futuryzmu nazywała się kybofuturyzmem i opierała się na połączeniu plastycznych zasad francuskiego kubizmu z europejskimi instalacjami ogólnej estetyki futuryzmu pizma.

Styl to ogólny kierunek rozwoju sztuki, którego reprezentatywne przykłady łączy znaczenie ideologiczne, technika przekazu i charakterystyczne techniki działania twórczego. Style w malarstwie były ze sobą ściśle powiązane, rozwijały się w powiązane ze sobą kierunki, istniały równolegle, wzbogacając się.

Style i kierunki malarskie ukształtowały się pod wpływem ideologii, rozwoju polityczno-gospodarczego społeczeństwa, religii i tradycji.

Historia rozwoju

Historia rozwoju stylów pokazuje złożoną ewolucję kulturową społeczeństwa.

gotyk

Powstało we Francji w XI – XII wieku. Styl rozwinął się w Europie Zachodniej, a od XIII – XIV w. w Europie Środkowej. Na pochodzenie i ewolucję tego nurtu znaczący wpływ miał Kościół. Średniowiecze było okresem dominacji władzy kościelnej nad świecką, dlatego artyści gotyccy zajmowali się tematyką biblijną. Charakterystycznymi cechami tego stylu są: jasność, pretensjonalność, dynamizm, emocjonalność, przepych, niedbałość o perspektywę. Obraz nie wygląda monolitycznie – przypomina mozaikę kilku akcji ukazanych na płótnie.

Renesans lub odrodzenie

Przybył z Włoch w XIV wieku. Przez około 200 lat kierunek ten dominował i stał się podstawą rozwoju rokoka i renesansu północnego. Charakterystyczne cechy artystyczne obrazów: powrót do tradycji antyku, kult ludzkiego ciała, zainteresowanie szczegółem, idee humanistyczne. Kierunek ten skupiał się nie na religii, ale na świeckiej stronie życia. Inaczej było z renesansem północnym w Holandii i Niemczech – tutaj renesans był postrzegany jako poprzedzająca reformację odnowa duchowości i wiary chrześcijańskiej. Przedstawiciele: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarroti.

Manieryzm

Kierunki rozwoju malarstwa XVI wieku. Ideologiczne przeciwieństwo renesansu. Artyści odeszli od idei ludzkiej doskonałości i humanizmu w kierunku subiektywizacji sztuki, skupiając się na wewnętrznym znaczeniu zjawisk i przedmiotów. Nazwa stylu pochodzi od włoskiego słowa „manier”, co w pełni oddaje istotę manieryzmu. Przedstawiciele: J. Pontormo, G. Vasari, Brozino, J. Duve.

Barokowy

Bujny, dynamiczny i luksusowy styl malarstwa i kultury, który powstał we Włoszech w XVI wieku. Na przestrzeni 200 lat trend ten rozwinął się we Francji, Niemczech i Hiszpanii. Malarstwo barokowe jest pełne jasnych kolorów, szczególną uwagę przywiązuje się do detali i dekoracji. Obraz nie jest statyczny, jest emocjonalny, dlatego barok uznawany jest za najbardziej intensywny i wyrazisty etap w rozwoju malarstwa.

Klasycyzm

Pochodzi z krajów Europy Zachodniej w XVII wieku, a 100 lat później dotarła do krajów Europy Wschodniej. Główną ideą jest powrót do tradycji starożytności. Portrety, pejzaże i martwe natury są łatwe do rozpoznania dzięki dogmatycznemu odwzorowaniu i przestrzeganiu jasnych zasad stylu. Klasycyzm przerodził się w akademizm – styl, który wchłonął najbardziej uderzające cechy starożytności i renesansu. W tym stylu pracowali N. Poussin, J.-L. David i Russian Itinerants.

Romantyzm

Zastąpiony przez klasycyzm w drugiej ćwierci XIX wieku. Cechy artystyczne: chęć przekazania indywidualności, nawet jeśli jest ona niedoskonała, emocjonalność, ekspresja uczuć, fantastyczne obrazy. Sztuka artystów romantycznych zaprzecza normom i regułom klasycznego etapu rozwoju malarstwa. Odradza się zainteresowanie tradycjami ludowymi, legendami i historią narodową. Przedstawiciele: F. Goya, T. Gericault, K. Bryullov, E. Delacroix.

Symbolizm

Kierunek kulturowy końca XIX - XX wieku, jego podstawy ideologiczne czerpano z romantyzmu. Symbol zajął pierwsze miejsce w twórczości, a artysta był mediatorem między rzeczywistością a fantastycznym światem kreatywności.

Realizm

Badania artystyczne, które na pierwszym planie stawiają dokładność oddania kształtów, parametrów i odcieni. Charakteryzuje się naturalnością, precyzją w ucieleśnieniu wewnętrznej esencji i zewnętrznej powłoki. Ten styl jest najbardziej popularny, najbardziej popularny i różnorodny. Jej gałęziami są współczesne trendy – fotografia i hiperrealizm. Przedstawiciele: G. Courbet, T. Rousseau, Artyści wędrowni, J. Breton.

Impresjonizm

Powstała pod koniec XIX – na początku XX wieku. Ojczyzna - Francja. Istotą stylu jest ucieleśnienie magii pierwszego wrażenia na obrazie. Artyści przekazali tę krótką chwilę krótkimi pociągnięciami farby na płótnie. Lepiej jest postrzegać takie obrazy nie z bliskiej odległości. Prace artystów przepełnione są kolorami i światłem. Fazą rozwoju stylu stał się postimpresjonizm - charakteryzuje się większą dbałością o formę i kontury. Artyści: O. Renoir, C. Pissarro, C. Monet, P. Cezanne.

Nowoczesny

Oryginalny, żywy styl, który stał się podstawą powstania wielu malowniczych ruchów XX wieku. Ruch ten skupiał w sobie cechy sztuki wszystkich epok – emocjonalność, zainteresowanie zdobnictwem, plastyczność i dominację gładkich, krzywoliniowych konturów. Podstawą rozwoju stała się symbolika. Modernizm jest niejednoznaczny – rozwijał się w krajach europejskich na różne sposoby i pod różnymi nazwami.

Awangarda

Style artystyczne charakteryzujące się odrzuceniem realizmu, symboliki w przekazywaniu informacji, jasnymi kolorami, indywidualizacją i swobodą twórczego projektowania. Do kategorii awangardy zalicza się: surrealizm, kubizm, fowizm, futuryzm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm. Przedstawiciele: V. Kandinsky, P. Picasso, S. Dali.

Prymitywizm lub styl naiwny

Kierunek charakteryzujący się uproszczonym obrazem rzeczywistości.

Wymienione style stały się kamieniami milowymi w rozwoju malarstwa – wciąż przekształcają się w nowe formy twórczej ekspresji artystów.

Projektowanie postaci

Technika tworzenia postaci i samych postaci w kreskówkach, komiksach i produktach o różnorodnych przejawach charakteru i emocji

• Autor
• 2 kwietnia 2019, 17:45

Tworzenie fajnych, zapadających w pamięć postaci jest łatwe, jeśli znasz pewne zasady. W tym poście omówiono kilka prostych, ale przydatnych aspektów procesu tworzenia.

Opowiedzieć historię

Historie wzbudzają nasze zainteresowanie i pomagają nam uwierzyć w postać. Pomyśl o fabule filmowej i grach – zazwyczaj intryguje nas historia postaci i cechy osobowości, dotyczy to również ilustracji. Nawet najprostsze historie czynią postać bardziej atrakcyjną i zapadającą w pamięć. Możesz przedstawić historię na obrazie poprzez otoczenie, ruch, elementy kostiumu lub rysy twarzy.



Kształty i linie

Wiele znanych postaci składa się z prostych kształtów i linii. Pamiętaj, że widz podświadomie odczytuje zaokrąglone, miękkie formy jako oznakę życzliwości bohatera, a ostre i poszarpane jako cechę negatywnego charakteru. Jeśli więc twoja urocza postać składa się z ostrych kawałków, może to powodować problemy w zrozumieniu.


Sylwetki

Można śmiało powiedzieć, że ludzie mogą natychmiast rozpoznać znajome postacie po samych sylwetkach, jeśli są dobrze zaprojektowane i mają odpowiednie kształty i linie. Jeśli usuniesz szczegóły swojej postaci i przetestujesz ją pod kątem rozpoznawania sylwetki, jest to zwykle oznaka fajnego projekt.



Proporcje i przesada

Używanie zniekształconych proporcji lub wyolbrzymianie długości i rozmiaru części ciała, nawet w przypadku drobnych szczegółów, takich jak palce, może naprawdę pomóc w wykreowaniu osobowości Twojej postaci. Możesz sprawić, że będzie wyglądał na silniejszego, niezdarnego, a nawet bardziej wściekłego, wyolbrzymiając jego cechy fizyczne. Odnosi się to również do ich chodzenia i ruchu, jeśli chcesz kontynuować animację postaci w animacji. Dodatkowo, gdy chcesz pokazać, że postać jest mała i urocza, jej głowa i oczy są celowo powiększone.



Wyrażenie

Pierwszą rzeczą, na którą patrzymy, gdy widzimy postać, są jej oczy. W prawdziwym życiu oczy ludzi i zwierząt są pełne emocji i pozwalają zrozumieć, co ktoś myśli lub czuje. Zatem naturalnie patrzymy na oczy na ilustracji. Kolejną dobrą wskazówką jest wyolbrzymianie wyrażenia, aby rzeczywiście było czytane i nie zmuszało odbiorców do zbytniego myślenia.



Postawa i pozycja

Myślenie o tym, jak postać wygląda lub jak się zachowuje, to kolejny sposób, aby dowiedzieć się więcej o jej osobowości i dodać szczegóły do ​​historii. Możesz sprawić, że postacie będą wyglądać na silne, imponujące, przestraszone, zdezorientowane, wściekłe itp., po prostu zmieniając ich pozę i pozycję.



Skala

Znajomość skali i rozmiaru postaci jest ważna, a wizualizacja jej rozmiaru może być trudna, szczególnie w projektach abstrakcyjnych. W tym miejscu wprowadzenie innych obiektów, takich jak drzewa, domy, stoły i rośliny, może pomóc nam zrozumieć, jak duża lub mała jest postać, na którą patrzymy.



Kolor

Używanie kolorów może poprawić nastrój postaci, czyniąc ją poważniejszą lub radośniejszą. Użycie odpowiednich odcieni do odcienia skóry, futra, ubioru itp. pomaga także widzowi zrozumieć, na jaką postać patrzy, a nawet czy ma przyjazną, czy mniej przyjazną osobowość. Pamiętaj, że użycie bardziej zabawnej i nierealistycznej palety kolorów sprawi, że Twoja postać będzie bardziej zabawna i zabawna.



Cienie

Cieniowanie może być tak złożone lub proste, jak chcesz. To naprawdę zależy od tego, jak realistycznie i szczegółowo ma wyglądać postać. Myśląc o cieniach, możesz naprawdę pobawić się stylem i ostatecznym wyglądem swojej postaci. Jest to sposób na wprowadzenie niektórych tonów/odcieni istniejących kolorów, których używasz.



Tekstura

Nie zawsze musisz używać tekstur na ilustracjach swoich postaci. Jeśli chcesz mieć czystą grafikę wektorową, może lepiej będzie pozostawić ją bez tekstury. Jeśli jednak chcesz, aby Twoja ilustracja wyglądała bardziej organicznie, żywo i naturalnie, warto dodać teksturę. Przykładów udanych jest mnóstwo, wystarczy się rozejrzeć.



To wszystkie główne punkty, ta lista może naprawdę pomóc i być przydatna, nawet jeśli tylko niektóre punkty zostaną wdrożone.

• Autor
• 18 grudnia 2016, 14:35



Czasami musimy narysować zwierzęta wyglądające jak ludzie i istnieje kilka bardzo prostych sposobów, aby osiągnąć ten cel. Technikę humanizacji szczególnie często wykorzystuje się w książkach dla dzieci oraz przy tworzeniu maskotek. Istnieje kilka stopni antropomorfizmu (humanizacji).

1. Zwierzę z ludzkimi emocjami - gdy zwierzęta pozostają zwierzętami, ale mają ludzkie emocje i wyraz twarzy. Aby wzmocnić efekt, można zastosować pozy ludzkie.



2. Zwierzę wykonuje ludzkie czynności - efekt działa świetnie w porównaniu z powyższą techniką, gdy jedno zwierzę ma tylko emocje, a drugie wykonuje jakieś czynności. Na tym etapie zwierzęta mogą, ale nie muszą, nosić ubrania, ale zwykle mają raczej łapy niż ramiona i zwykle nie noszą butów. Bardzo często tę technikę stosowała słynna angielska ilustratorka Betrix Potter (to jej ilustracja na okładce wpisu).





3. Prawie całkowity zbieg okoliczności z ludźmi - na tym etapie, oprócz powyższych punktów, zwierzęta noszą ubrania, buty, zwykle chodzą na dwóch nogach i zachowują się jak ludzie. Czasami takie postacie wyglądają jak ludzie z głową zwierzęcia.





Oto wyraźna ilustracja wszystkich stopni humanizacji. Pierwszy pingwin to tylko zwierzę, drugi ma emocje, trzeci staje się coraz bardziej humanizowany, ale na razie pozostaje pingwinem, a ostatni jest całkowicie podobny do człowieka.



Mam nadzieję, że teraz rysowanie ludzkich zwierząt będzie dla ciebie proste i łatwe)

Szczerze mówiąc, długo myślałem nad tym pytaniem, ponieważ odpowiedź „wszędzie” kategorycznie mi nie odpowiadała. W rezultacie połączyło się kilka wyraźnych obszarów, biorąc pod uwagę cechy, dzięki którym można opracować postacie specjalnie do czegoś.

Kreskówki/animacja
Sukces kreskówek w dużej mierze zależy od wyjątkowości i oryginalności postaci, dlatego obraz zwykle nie jest wzięty z powietrza, ale starannie opracowany. Kreskówki mogą być 2D lub 3D - zależy to od tego, jak narysować postać. Do postaci dołączony jest zestaw diagramów do późniejszej animacji (widok z przodu, profil, mapa emocji itp.). Zadanie wprowadzające przygotowuje ekipa reżyserska filmu. Zwykle w filmach fabularnych artysta pracuje nad postacią przez cały czas trwania zdjęć.

Nawiasem mówiąc, wiele dużych studiów po wydaniu kreskówek wydaje książki o sztuce z procesem pracy i wieloma rzeczami z postacią.

Reklamy
Zwykle krótkie i kładące nacisk na to, co jest sprzedawane. Wszystkie działania postaci powinny być zbudowane wokół sprzedawanego produktu. Zasadniczo kreskówka w miniaturze, tylko z mniejszą liczbą póz, środowisk i scen. Wraz z rozwojem projektowania ruchu często są one tworzone ze znaków wektorowych z kombinacją różnych przejść i zmian klatek. Wystarczy włączyć telewizor i poczekać na reklamy – bohaterowie są tam zupełnie inni.



Gry komputerowe
Punktem wyjścia jest ogólny temat gry, jej fabuła, sceneria (środowisko, w którym toczy się akcja) oraz rola przypisana tej postaci. Na przykład musisz stworzyć grafikę koncepcyjną głównego bohatera dla strzelanki, której akcja rozgrywa się podczas II wojny światowej lub podczas wypraw krzyżowych. Zanim zacznie rysować tę postać, artysta musi dokładnie przestudiować ówczesny ubiór (mundur wojskowy, jeśli bohater jest żołnierzem), próbki broni itp. Ważne jest również rozpracowanie każdego działania postaci, tego jak biegnie, strzela, umiera itd. Coś takiego.

Maskotki
Postacie maskotek reprezentujące firmę, markę, drużynę sportową, drużynę i tak dalej. Maskotki są często używane jako postacie przedstawiające konsumentom produkty i usługi (na przykład klaun Ronald McDonald). Do reklamy ulicznej z reguły zatrudniają osobę i ubierają ją w kostium maskotki. Również bardzo jasne maskotki są zwykle używane podczas igrzysk olimpijskich i zawodów sportowych (na poniższym filmie jeden z symboli amerykańskiej drużyny koszykówki). Nawet marki samochodów mogą mieć swoje własne maskotki - na przykład koń Ferrari lub byk Lamborgini. Jednocześnie postać nie musi być kreskówkowa, stylizowana, brutalna wersja równie dobrze może być maskotką.

Grafika książkowa/komiksy
Z reguły tutaj musisz rozwijać wiele różnych postaci i ich wzajemne interakcje. Zachowanie, charakter i środowisko są ze sobą ściśle powiązane. Im jaśniejsza postać, tym łatwiej jest zbudować wokół niej historię. Komiksy w ogóle to osobny duży nurt, bardzo wyraźnie reprezentowany w krajach wschodnich, takich jak Japonia i USA, ale w innym stylu. Oto świetny film pokazujący, jak wyróżnić postacie.

Oto dość długi, ale interesujący poradnik, jak uczynić postać uroczą.


Figurki
Zwykle są to serie kolekcjonerskie z postaciami z gier lub kreskówek, ale zdarza się, że postać jest początkowo tworzona tylko na potrzeby rzeźby w małym nakładzie. Wraz z pojawieniem się druku 3D niemożliwe staje się możliwe nawet dla amatorów i nie jest konieczne wykonywanie od razu ogromnego nakładu wydruku.
Swoją drogą mam kilka figurek z Gry o Tron, świetne postacie)



Jeśli znasz inne ciekawe przykłady użycia znaków, podziel się nimi w komentarzach.

• Autor
• 15 lutego 2016, 20:44


Postanowiłem podsumować wszystkie przydatne wskazówki zalecane przez znanych ilustratorów do tworzenia wysokiej jakości i rozpoznawalnych postaci. Najważniejszą cechą postaci jest jej rozpoznawalność i czytelność. W związku z tym bez wyraźnej sylwetki trudno to osiągnąć. Dlatego pierwszą rzeczą, którą należy zrobić, to wypełnić postać kolorem czarnym i sprawdzić, jak ogólnie wygląda ona jako plamka. Oto dla przykładu kilka sylwetek – oczywiście rozpoznacie je od razu.


Denis Zilber bardzo fajnie pracuje z sylwetką, np. sekwencją rysowania swojej postaci i wyraźnie widać, jak zmienił swoją pozę na rzecz czytelności sylwetki.



Wiele opcji

Nie należy od razu rysować postaci i koncentrować się tylko na jednym obrazie - lepiej narysować kilka różnych koncepcji i wybrać tę, która najbardziej się sprawdzi. W każdym razie możesz wyciągnąć interesujące szczegóły z odrzuconych opcji.



Proste formy

Łatwiej i bardziej poprawnie jest zacząć rysować od prostych kształtów - owali, gruszek i cylindrów, a dopiero potem budować na nich wymaganą objętość i szczegóły. Rysowanie z kształtów pozwala po prostu znaleźć żądaną pozę lub kąt bez zmiany całego rysunku. I pomimo tego, że bardzo często chcemy zagłębić się w szczegóły, to na początkowym etapie kij lub ogórek to dla nas wszystko)





Niezwykłe szczegóły

Postać może zostać zapamiętana nie tylko ze względu na swoją sylwetkę, ale także ciekawe rzeczy, które uzupełniają obraz. Na przykład, jeśli pamiętasz Harry'ego Pottera, to są to okulary, sowa i blizna w postaci błyskawicy. Widziałem kiedyś projekt okładki książki, na którym narysowane były te trzy rzeczy, a tytuł książki nie był napisany i byłem w stu procentach pewien, że to był Potter.



Prawidłowe proporcje

Zwykle, jeśli postać jest mądra, dają mu większą głowę i duże okulary; jeśli jest sportowcem, będzie miał szerokie ramiona; romantyczne dziewczyny będą miały duże oczy i długie rzęsy. Wszystko to sprawia, że ​​łatwiej jest odczytać wizerunek postaci bez zastanowienia. Trzeba pamiętać o proporcji części ciała, bo... proporcje tworzą charakter postaci. Na przykład duży i zadziorny bohater będzie miał małą głowę, szeroką klatkę piersiową, ramiona i nogi oraz usta i podbródek wystające do przodu. Urocze postacie będą miały proporcje dziecka: dużą głowę, owalne ciało, wysokie czoło i małe obszary podbródka, ust i oczu. Znając te rzeczy, można już osiągnąć określone efekty.
Na przykład prawie wszystkie księżniczki Disneya wyglądają uroczo ze względu na duże oczy i małe usta.



Środowisko jest również ważne

Zrozumienie, gdzie dokładnie postać będzie działać i pracować, może znacznie uprościć pracę. Jest to szczególnie ważne, gdy postać jest „wpasowana” w gotowe miejsce. W jakimś tajemniczym lesie bardziej odpowiedni byłby goblin i czarodzieje niż na przykład jeździec konny czy afrykańskie zwierzę.
Bardzo podoba mi się przykład bikini Bottom – to idealny styl dla SpongeBoba i jego przyjaciół, idealnie do niego pasujący.





Po co i dla kogo tworzona jest postać?

W przypadku niektórych firm sprzedających pakiety podróżne lepiej jest uprościć postać, ale w przypadku gier zwykle opracowują złożonych i szczegółowych bohaterów. Jeśli jednak ktoś idzie ulicą i widzi złożoną postać, najprawdopodobniej nie spojrzy na niego.
Oto postać Eurosetu, którą można łatwo zmienić i zmusić do zrobienia czegokolwiek, a którą często można zobaczyć przechodząc obok innego salonu.


Ale oto bohater Warcrafta, w którym ludzie siedzą długo, a atmosfera i każdy najdrobniejszy szczegół jest ważny.



I w końcu

Zawsze interesujące jest nie tylko przyglądanie się postaciom, które lubisz, ale także ich analiza i podkreślanie ich charakterystycznych cech. Kiedy już poznasz podstawowe techniki, możesz szybko nauczyć się tworzyć ciekawe postacie pasujące do zadania.

Czy znasz jakieś ważne punkty, które należy wziąć pod uwagę podczas tworzenia postaci?