Kraj i miasto, w którym znajduje się Comedy Française. Teatr Comédie Française w Paryżu: szczegółowy opis

Comédie Française w Paryżu to jeden z największych atutów światowej sztuki teatralnej. Nie jest wprawdzie tak sławna jak jej najbliższy sąsiad – Wielka Opera – jednak wielu widzów teatralnych uważa za swój obowiązek odwiedzić to miejsce choć raz w życiu.

Teatr Comédie Française

Wielu koneserów zna to miejsce pod popularniejszą nazwą – Teatr Francuski. Ludzie mówiący językiem melodyjnym nazywają go Comédie-Française. Wreszcie w niektórych źródłach można znaleźć bardzo nietypową nazwę - Theatre-Français. Ale teatr stał się tak sławny nie ze względu na różnorodność nazw, ani nawet ze względu na swój repertuar, wypełniony ogromną liczbą ciekawych spektakli.

Opinia eksperta

Wiktoria Knyazeva

Przewodnik po Paryżu i Francji

Z oficjalnej strony teatru wynika, że ​​jest to pierwsza tego typu instytucja finansowana ze środków budżetu państwa. Przyczyna tego nie jest pewna, ale niektórzy uważają, że teatr znajduje się na liście zabytków kultury kraju. Nie jest to zaskakujące, biorąc pod uwagę jego długą i zróżnicowaną historię.

Dziedzictwo kulturowe mieści się w równie słynnym Palais Royal, mieszczącym się w pierwszej dzielnicy Paryża – najstarszej ze wszystkich, która przetrwała do dziś.

Comédie Française na oficjalnej stronie Paryża

Oczywiście ludzie nie odwiedzają romantycznej stolicy codziennie. Taki wyjazd to prawdziwe wakacje dla całej rodziny, ale widzowie teatru planują nawet termin wyjazdu tak, aby dotrzeć na najciekawsze spektakle. I w tym celu obserwują na oficjalnej stronie internetowej, jak wielka Comédie Française pracuje w Paryżu.

Historia Wieży Eiffla

W tym źródle możesz zobaczyć terminy występów na najbliższy miesiąc, podziwiać atmosferę magicznego miejsca, a nawet zamówić bilety. Ponadto można tam usłyszeć z pierwszej ręki wspaniałą historię teatru, opowiedzianą przez jego właścicieli, przodków założycieli, a nawet aktorów.

Pamiętaj jednak: ponieważ geograficznie znajduje się we Francji, jego strona jest również w języku francuskim. Jednak jak wszystkie występy.

Repertuar komedii francuskiej

Oczywiście teatr Comedie Française jest kochany nie tylko ze względu na bogatą historię. Jego znakiem rozpoznawczym są utalentowani aktorzy i reżyserzy, którzy wspólnie piszą nowe zdania w księdze tego miejsca. Jego zespół już dawno pozwolił sobie na odejście od tradycji, gdyż większość przedstawień teatralnych we Francji powstaje na zasadzie przedsiębiorstwa.

Są to produkcje prywatne, w których główne role odgrywają aktorzy nieregularni. Zwykle taki zespół nie jest zbyt duży – około 2-5 osób.

Gdyby jednak i ten teatr trzymał się tradycji, nie byłby taki wspaniały. Jej właściciele skupiają talenty z całego świata, stale zapraszając zagranicznych reżyserów. Dzięki temu repertuar grupy sięga od dramatów po komedie.

Utworzenie teatru Comédie Française

Teatr Comedie Française powstał na bazie tragedii na wielką skalę: śmierci Moliera. Komikowi udało się podbić serca tysięcy fanów, dlatego jego przedwczesna śmierć wielu pogrążyła w smutku. Ale to zadało najsilniejszy cios jego teatrowi, który pozostawał w doskonałej izolacji. Ich konkurenci, Hotel Burgundy, nie omieszkali skorzystać z tej okazji, stopniowo zaczynając niszczyć popularność trupy.

Muzeum Picassa

Ale to nie było przeznaczone. Ludwik XIV wydał w 1680 r. dekret, w którym nakazał połączenie obu instytucji w jedną. I prawie tego samego dnia nowy zespół wystąpił już na scenie. Nie trwało to długo – już w 1793 roku trupa została aresztowana, a ich pomysł zamknięto, uznany za nielegalny.

Napoleon tchnął nowe życie w teatr, w 1812 roku zatwierdził nowy Statut kolektywu, który obowiązuje do dziś. Od tego czasu w teatrze nie zaszły praktycznie żadne zmiany strukturalne.

Aktorzy teatru Comédie Française

Sara Bernhardt

Comédie Française w Paryżu słynie także ze swojej obsady – wydaje się, że wszystkie wielkie talenty naszego świata zebrały się w jednym miejscu i jednej epoce.

Na jej scenie w różnych epokach występowały następujące gwiazdy:

• Sara Bernhardt.
• Kleron.
• Jerzego Rachelę.
• Edmund Idź.
• Jacek Tozsa.
• Leontyna Fey.
• Louisa Seignera i innych.

Martina Chevaliera

Nowoczesna obsada jest prawie tak dobra jak stara gwardia. Na scenie można zobaczyć takie osoby jak: Martin Chevalier, Veronica Vella, Michel Favory, Anna Kesler, Cecile Brun, Sylvia Berge, Bruno Raphael, Alan Langled, Florence Viala – i inne gwiazdy współczesnej sceny.

W skład trupy wchodzą zarówno młode dziewczyny, jak i dorośli mężczyźni, dlatego wachlarz możliwych ról jest ogromny. Zespół składa się z 54 aktorów, więc reżyserzy mają dużo miejsca na zabawę.

Kup bilety na Comédie Française

Dostać się Comédie Française w Paryżu Nie każdy to potrafi i nie chodzi tu nawet o kwotę za wykonanie. Wręcz przeciwnie, jest dość niewielki – najdroższa cena za obejrzenie produkcji to 39 euro. Tańsze miejsca są częstsze.

Montparnasse: Wieża Paryża

Aby jednak dostać bilet, trzeba będzie stać w długiej kolejce, ponieważ teatr cieszy się dużą popularnością zarówno wśród turystów, jak i mieszkańców. Zazwyczaj miejsca wyprzedają się z kilkumiesięcznym wyprzedzeniem, a w szczególnie pracowitym okresie – z sześciomiesięcznym wyprzedzeniem.

„Comédie Française” to nazwa teatru „Théâtre Français”, teatru francuskiego, teatru francuskiej komedii. Jeden z najstarszych zachodnioeuropejskich teatrów zawodowych, powstał w 1680 roku na mocy dekretu króla Ludwika XIV, który połączył Teatr Moliera (wcześniej połączony z Teatrem Marais) z teatrem Burgundy Hotel. W skład trupy teatralnej wchodziło 27 aktorów, m.in. M. Chanmele, M. Baron, P. Poisson, C. Lagrange, A. Bejart i inni. Teatr otrzymywał dotację królewską w wysokości 12 000 liwrów, a kierowali nim mianowani przez króla kuratorzy, którzy ustalali repertuar, skład trupy itp. Comedy Francaise było spółką aktorską (stowarzyszeniem). Dochód dzielono na 24 udziały, główni uczestnicy spółki – „kosseterzy” – mieli prawo do całości lub części udziału. W skład trupy teatralnej wchodzili także „emeryci” – aktorzy otrzymujący wynagrodzenie. Od założenia teatru aż do 1715 roku król dysponował także połową udziału, który oddawał według własnego uznania osobiście zaproszonym aktorom, bez zgody trupy. Aktorzy-akcjonariusze nie byli zainteresowani zwiększaniem liczby akcji, gdyż dochód każdego z nich malał. Emeryci niejako służyli i otrzymywali wynagrodzenie niezależnie od wysokości dochodów teatru. Rekrutowano ich z teatrów prowincjonalnych lub prywatnych w Paryżu. Przeniesienie emeryta do towarzystwa mogło nastąpić w wyniku głosowania na walnym zgromadzeniu towarzystwa odbywającym się raz w roku. Następnie przydzielano mu albo pełny udział, albo jego część, w zależności od jego udziału w życiu teatru.

„Comédie Française” rozpoczęła pracę w budynku hotelu Guenego przy ul. Mazarina, a w 1687 roku przeniósł się na ul. Fosse-Saint-Germain-des-Prés (obecnie rue des Vieux Comedy), gdzie pozostawał do 1770 roku. W 1771 roku trupa grała w Tuileries, w sali, w której w latach rewolucji zbierał się Konwent. W 1782 roku na teren, gdzie później powstał Teatr Odeon, przeniosła się Comedie Française. Od 1802 roku do chwili obecnej przy ulicy działa teatr. Richelieu w dzielnicy Palais Royal.

Budynek Comédie Française

W XVIII wieku teatr był ściśle związany z dworem i arystokracją – aktorzy nazywani byli „zwykłymi aktorami królewskimi” i podlegali czterem dostojnikom dworskim, którzy na zmianę kierowali teatrem. Kadeci kamerzyści (jak ich nazywano) mieli pełne prawo podglądać wszystkie zaplanowane do realizacji spektakle, mogli ingerować w podział ról i przyjmować do trupy nowych członków.

W teatrze tamtych czasów zwyczajem było także przydzielanie miejsc dla widzów szlachetnych bezpośrednio po bokach proscenium. Naturalnie aktorzy podczas przedstawienia słyszeli wszelkie hałasy i rozmowy. Te szczególne „miejsca honoru” były stopniowo wypierane ze sceny, gdyż publiczność często przeszkadzała aktorom.

Wkrótce po powstaniu Comedie Française teatr zyskał sławę jako największy we Francji. Pozycja „teatru królewskiego”, czyli posiadanie stabilnego zaplecza materialnego, umożliwiała zapraszanie do trupy teatralnej najzdolniejszych aktorów. Teatr miał monopol na wystawianie najlepszych narodowych dzieł dramatycznych, co przyciągało takich znanych dramatopisarzy jak J.F. Regnard, F.K. Dancourt, A.R. Lesage, F. Detouches, PC Nivelle de Lachausse, P. Marivaux. Od samego początku istnienia teatru reprezentowane były w nim dwie szkoły aktorskie, które nazwano „Racine” i „Moliere”. Pierwszą reprezentowali aktorzy z repertuaru klasycystycznego tragicznego. Największym przedstawicielem szkoły Racine’a jest ulubiona uczennica Racine’a i najlepsza odtwórczyni jego tragedii, „miodopłynna” Marie Chanmele, która pracowała w teatrze do 1697 roku. To pod przewodnictwem Racine zachowała w swoim wykonaniu wysoką kulturę mowy poetyckiej, majestatycznej szlachetności i wdzięku. Po odejściu Racine'a z teatru Chanmele, pozbawiony wiarygodnego przywództwa, często wracał do tej prymitywnej teatralnej deklamacji, z którą walczył sam Racine. Shanmele był głównym przeciwnikiem barona. Największym aktorem szkoły Moliera był baron, ostatni z uczniów wielkiego komika. Baron jako jedyny z uczniów Moliera poświęcił się głównie tragedii. Inaczej jednak rozumiał swoje zadania, zwłaszcza w zakresie recytacji teatralnej. W czytaniu poezji wysuwał przede wszystkim nie melodyczną stronę wiersza, ale myśl w nim zawartą. Dla naturalności spektaklu zaciemniał rym, łamał rytm wersetu aleksandryjskiego, w jakim pisano tragedie, zbliżał go do prozy, zachowywał długie pauzy w środku tyrady i sięgał po techniki nieakceptowalne w z punktu widzenia klasycystycznej deklamacji, takiej jak szepty, łkania, łkania itp. Naruszył przyzwoitość i ceremoniał zachowania tragicznego bohatera. Jako pierwszy wprowadził niespotykaną we francuskim teatrze zasadę komunikacji z partnerem. Walka pomiędzy Shanmele i baronem trwała jedenaście lat, aż baron niespodziewanie opuścił scenę w pełnym rozkwicie swojej sławy.

Od pierwszej ćwierci XVIII w. w teatrze Comedie Française wystawiano dzieła francuskich pedagogów, dla których sztuka teatralna była środkiem oświecania i wychowywania ludu. W latach 1718–1778 podstawą repertuaru tragicznego były dzieła dramatyczne Woltera, sztuki Diderota i P. Beaumarchais. Jako teatr „królewski” „Comédie Française” była oczywiście w pewnym stopniu konserwatywna: podtrzymywała tradycje arystokratycznego klasycyzmu z charakterystycznymi dla niego konwencjami scenicznymi, przesadną afektacją, dekoracyjną plastycznością póz aktorskich, melodyjnością, „wyciem” deklamację, która znalazła najżywszy wyraz w sztuce aktorskiej następnego pokolenia – Beaubourga, Duclosa. W 1717 roku do trupy teatralnej dołączyła nowa aktorka, która zyskała sobie dobrą reputację na prowincji – Andrienne Lecouvreur. Zadebiutowała z dużym sukcesem rolą Monimy w Mitrydatesie Racine’a. Grała prosto, szczerze, zgodnie z prawdą i według Voltaire’a była „tak wzruszająca, że ​​wywołała łzy”. Jeśli Duclos była aktorką siły, to Lecouvreur wyróżniał się tam, gdzie wymagana była subtelna gra. Ona, podobnie jak Baron, ceniła swojego partnera i umiała go słuchać. A kiedy w 1729 roku stary aktor Baron ponownie powrócił na scenę, to właśnie w Lecouvreur zobaczył swoją następczynię i radośnie się z nią porozumieł, jednak śmierć w tym samym roku przerwała jego opiekę nad młodą aktorką, która również zmarła tragicznie wcześnie – rok później, mając 38 lat. Cały Paryż uparcie mówił o tym, że została otruta przez rywala z wyższych sfer - dokładnie tak przyczynę jej śmierci przedstawiono w melodramacie Scribe'a „Andrienne Lecouvreur”. Nazwisko tej aktorki wiąże się z kolejną z pierwszych prób zmiany wizerunku tragicznej bohaterki – w jednej z tragedii Corneille’a pojawiła się na scenie w czarnej sukni, pozbawionej (jak to było w zwyczaju) modnych haftów i ozdób oraz bez perukę z rozwianymi włosami. Tragiczne aktorki w tym czasie zawsze występowały we wspaniałych sukniach dworskich.

Cała historia rozwoju teatru dramatycznego, historia zmagań różnych nurtów teatralnych i literackich znalazła odzwierciedlenie w jego repertuarze, w jego szkole aktorskiej. Przez cały XVIII wiek teatralny klasycyzm cofał się i przekształcał. Aktorzy nowego pokolenia M. Baron, A. Lecouvreur, M. Dumenil, A. Lequesne, zachowując dawne cechy szkoły aktorskiej, zabiegali jednocześnie o jej odnowienie – o większe psychologiczne uzasadnienie recytacji, o większą naturalność zachowania scenicznego. Szlachetny rozmach i monumentalność teatralnego klasycyzmu musiały jednak ustąpić miejsca szarmanckiej erotyzmu, wykwintnej dekoracyjności i zdobnictwa. Ten styl był grany w Granval Theatre przez Mlle Gossen i Mlle Dangeville. Granval był wyrafinowany - doskonale opanował tajemnicę „marivodage” - szarmanckiego żargonu wyższych sfer z XVIII wieku. Wprowadził na scenę atmosferę arystokratycznych salonów. Ale realistyczny styl gry coraz częściej zastępuje klasyczny styl aktorów starego pokolenia: aktorka Dumenil, z którą nikt nie mógł się równać pod względem siły wpływu na publiczność, grająca w tragediach klasycystów, w tragediach Woltera, wiedział, jak doprowadzić publiczność do płaczu, tworząc obrazy „tragicznych matek”. Ona, udając królewnę, nie szła spokojnie i miarowo, ale chroniąc syna przed ręką mordercy, natychmiast jednym skokiem znalazła się obok niego, wołając ze łzami w oczach: „Przestań, barbarzyńco, to jest mój syn!" Sala drżała. Mogła złamać wszelkie zasady dworskiej etykiety i na przykład czołgać się po schodach grobowca, ponownie bawiąc się w królową. Czołgaj się królową! I to w teatrze dworskim! Ta aktorka grała instynktownie i dlatego była doskonała we wszystkich sytuacjach i we wszystkich dramatach, w których królowała pasja. Wiedziała, jak pogrążyć publiczność w strachu i przerażeniu, w smutku i podziwie. Clairon to kolejna genialna nazwa teatru, a za nią Henri-Louis Lequesne, ulubiony aktor i uczeń Woltera, który włożył w siebie ogromną pracę, stale doskonaląc swoje umiejętności, stał się jednym z czołowych „pierwszych aktorów” teatru , chociaż jego wygląd nie sprzyjał, jak się wydaje, głównym rolom. Sztuka Lequesne’a zaprzeczała szarmanckiemu pięknu i wypieszczonemu wdziękowi. Jego żywiołem była surowa siła, energia i dynamika namiętności. Był pierwszym aktorem, który żył myślami innych (bohaterów) tak, jakby były jego własnymi. Zagrał wszystkie role Woltera. W 1759 roku Lequesne rozpoczął pracę reżyserską w Comédie Française. Dysponując w pełni rozległą sceną, Lequesne odrzucił przede wszystkim standardową dekorację „pałacu w ogóle”, w którym rozgrywały się wszystkie tragedie, niezależnie od ich treści. Wprowadził zwyczaj inscenizacji każdej nowej tragedii w specjalnej oprawie, a nawet jej zmiany, jeśli spektakl tego wymagał. Dużą wagę przywiązywał także do inscenizacji tragedii. Zwykle na pierwszy plan (proscenium) wychodzili aktorzy i tam wygłaszali swoje monologi. Lequesne zaczął umieszczać aktorów na różnych poziomach sceny w malowniczych grupach i zaczął wprowadzać przejścia. Jego śmierć 8 lutego 1778 roku była dla teatru francuskiego niezwykle tragiczną stratą. Stało się to na krótko przed śmiercią jego nauczyciela Voltaire'a. Ten ostatni przybył do Paryża po wielu latach nieobecności już w dniu pogrzebu Lequina i na wieść o jego śmierci zemdlał. Miał jednak naśladowców i uczniów.

W latach rewolucji francuskiej (1789–1794) nazwa Comedy Francaise została zmieniona i zyskała miano Teatru Narodu. Walka polityczna w czasie rewolucji doprowadziła do rozłamu w trupie (w 1792 r.). Pod koniec 1789 roku w teatrze wyłoniły się dwie przeciwstawne grupy polityczne. Zwolennicy rewolucji i repertuaru patriotycznego skupiali się wokół młodego aktora Talma. W grupie „czarnych”, czyli aktorów rojalistycznych, którzy nie mogli znieść faktu, że widownie ich teatru były zapełnione motłochem, znalazło się wielu czołowych aktorów teatralnych. Formalnym powodem ostatecznego rozstania była historia związana ze sztuką „Karol IX”. Spektakl ten z sukcesem wystawiono na scenie 33 razy. Jego interpretacja była rewolucyjna, czyli antymonarchiczna. Aktorzy rojalistyczni zadbali o usunięcie go z repertuaru. Ale widzowie, wśród których byli Danton, Mirabeau, zastępcy departamentów i masa ludzi rewolucyjnych, gwałtownie wtrącili się w sprawy teatru. Dwa tysiące ludzi przed spektaklem krzyczało: „Karol IX!” Spektakl trzeba było wznowić, ale dyrekcja teatru wykorzystała chorobę aktorki Vestris i odejście aktora grającego kardynała. Następnie Talma przemawiał do publiczności. Stwierdził, że spektakl odbędzie się bez względu na wszystko – aktorka Vestris będzie grać z uczuć patriotycznych, mimo swojej choroby, a on sam, Talma, po prostu będzie czytał rolę kardynała z zeszytu. Owacje publiczności były burzliwe. Występ się odbył. Konflikt Talma z trupą przybrał złowieszcze rozmiary. Rozwścieczony główny aktor uderzył go i wywiązał się pojedynek. Aktorzy rojalistyczni podjęli decyzję o wyrzuceniu Talma z trupy teatralnej, co wywołało ogromny skandal na widowni, aż do interwencji władz miasta. W takiej sytuacji współistnienie było oczywiście niemożliwe. Rewolucja przeszła także przez główny teatr Francji. Aktor F.J. Talma (1763–1826), największy francuski aktor, pasjonat obywatelskich prądów w sztuce, który w swojej twórczości ucieleśniał orientację bohatersko-rewolucyjną, wraz z J.B. Dugazon, F. Vestris opuścił Comédie Française i zorganizował Teatr Republiki. W teatrze tym wykonywany był „repertuar jakobiński”. Talma wcieliła się w rolę tyrana Henryka VIII w przedstawieniu Cheniera, a także w role sprawiedliwego sędziego, bojownika przeciwko arystokracji, bohatera ludowego i patrioty. Jego bohaterowie walczyli o sprawiedliwość. Nie był jednak na tyle rewolucjonistą, aby zapomnieć o stabilnych, ochronnych tendencjach swojej sztuki. Po kontrrewolucyjnym zamachu stanu w 1794 r. na deskach Teatru Rzeczypospolitej pojawiły się sztuki antyjakobińskie.

W styczniu 1793 roku aktorzy „Teatru Narodu”, czyli „Comédie Française”, na krótko przed egzekucją Ludwika XVI, wystawili sztukę „Przyjaciel praw”. Jej głównymi obrazami były karykatury Robespierre'a i Marata. Występ został oczywiście równie entuzjastycznie przyjęty przez zwolenników monarchii. Ale jakobińska „Ulotka zbawienia publicznego” ze złością zażądała zamknięcia tego teatru jako „nieczystej jaskini” zdominowanej przez „pruskich i austriackich popleczników”.

W rezultacie Komisja Bezpieczeństwa Publicznego podjęła decyzję o zamknięciu Teatru Narodu i aresztowaniu jego aktorów. Aktorzy pozostali w Teatrze Narodu zostali aresztowani przez władze jakobińskie w 1793 r. za wystawianie „sztuk reakcyjnych” i zwolnieni dopiero po obaleniu Robespierre’a w 1794 r.

W 1799 roku obie części zespołu ponownie się zjednoczyły, a teatr otrzymał swoją dawną, historyczną nazwę. „Dekretem moskiewskim” Napoleona z 1812 r. po raz kolejny zatwierdzono strukturę wewnętrzną teatru Comedie Française, co zostało następnie potwierdzone dekretami z lat 1850, 1859, 1901, 1910, a także wzmocniło pozycję teatru jako teatru uprzywilejowanego i podporządkowanego władzom państwowym.

Na początku XIX wieku Comedie Française nadal reprezentowała wzorową dramaturgię narodową i zajmowała w sztuce stanowisko ochronne i konserwatywne. W tragediach narodowych dramaturgów Lemerciera i Renoira grali czołowi aktorzy teatralni: Talma, Duchesnoy, Georges, Lafon, Mars. Talma jest nadal jednym z największych aktorów francuskiego teatru. W tej chwili gra głównie bohaterów tragedii szekspirowskich. W ostatnich latach życia Talma aktywnie angażowała się w praktykę pedagogiczną. W przededniu rewolucji 1830 roku na scenie teatralnej wystawiono romantyczne dramaty Victora Hugo. Bohaterski temat przed rewolucją 1848 roku zabrzmiał w twórczości słynnej aktorki Racheli. Potem rozpoczął się w teatrze okres „spokoju”, kiedy na scenie wystawiano sztuki mieszczańskiego typu dramatopisarzy E. Scribe’a, E. Ogiera, lekkie i rozrywkowe sztuki A. Dumasa Syna i V. Sardou. Wybitna aktorka Agar zmuszona była po 1871 roku opuścić teatr ze względu na sympatię dla Komuny Paryskiej. W sztuce innych aktorów tragicznych końca XIX wieku – Sarah Bernhardt, J. Mounet-Sully’ego – nasiliły się cechy akademizmu i stylizacji. W tym samym czasie aktywnie wystawiano komedię, w której grało wielu utalentowanych aktorów - najświetniejsi z nich Go i Coquelin. Ich role wyróżniały się doskonałym wykończeniem, ścisłą logiką i umiejętnością ukazania szczególnego charakteru bohatera.

Pod koniec XIX wieku na scenie słynnego teatru wystawiano dzieła dramatopisarzy realistów – Becka, France’a, Renarda, a później Fabre’a. Poszerza się także repertuar klasyczny – obejmuje dzieła P. Merimee, O. Balzaca, A. Musseta i Szekspira. Koniec XIX – początek XX wieku, podobnie jak w innych kulturach europejskich, to okres kształtowania się teatru reżyserskiego – postać reżysera jako twórcy spektaklu nabiera ogromnej wagi i znaczenia. Znaczącym wydarzeniem dla Comedie Française lat 30. XX wieku było zaproszenie do inscenizacji tak czołowych reżyserów jak J. Copo, L. Jouvet, C. Dullen, G. Baty. Nazwa tego teatru związana jest z twórczością innych wybitnych aktorów i reżyserów współczesnego teatru – Zh.L. Barrot, M. Belle, J. Jonella, B.-M. Bovey, B. Bretti i in.

Najstarszy teatr narodowy we Francji nazywany jest także „Domem Moliera” – od zawsze pracowali tam czołowi francuscy aktorzy i reżyserzy. To zaszczyt i odpowiedzialność. Na jego scenie zawsze obecna jest klasyka francuska i europejska. Teatr Comedie Française można chyba porównać do naszego Teatru Małego – Domu Ostrowskich. Teatry takie na zawsze pozostają w świadomości rodaków jako wzorowe, wzorcowe, kultywujące najlepsze tradycje teatralne swojej kultury.

Przy ulicy Richelieu znajduje się narodowy teatr Comedie Française – jeden z najstarszych teatrów w Paryżu i ulubione miejsce rosyjskich turystów. Być może Rosjanie tak bardzo kochają Comédie Française za to, że jest to teatr repertuarowy i taka jest tradycja pierwotnego teatru rosyjskiego, dość trudna do ciągłego utrzymywania, ale jednocześnie o wiele ciekawsza.

W XVII wieku we Francji nastąpił gwałtowny wzrost rozwoju dramatu, jednak narodowy teatr francuski jako gatunek zawodowy znajdował się w powijakach i nie był w pełni ukształtowany. Był pod silnym wpływem zarówno władz świeckich, jak i duchownych, a wszystkie rodzaje sztuki, w ten czy inny sposób, podlegały regulacjom. Ponadto król Francji Ludwik XIV był znanym miłośnikiem teatru, a jego mecenat często przeradzał się w nadmierną, rygorystyczną kontrolę. Wyraźnym przejawem walki prawdziwej sztuki z narzuconymi ramami „mecenatu” jest tragiczna historia życia Moliera, który umiejętnie manewrował pomiędzy ambicjami trupy a wymaganiami króla, utrzymując swój teatr na bardzo wysokim poziomie profesjonalnym. poziom.

Po śmierci Jeana Baptiste'a Molière'a w 1673 roku zainteresowanie teatrem francuskim zaczęło słabnąć. Wynikało to przede wszystkim z faktu, że trupa Moliera połączyła się z trupą Teatru Marais i stale konkurowała z teatrem Burgundy Hotel. Ich głównym zadaniem było zdobycie przychylności króla. Życie tych dwóch teatrów, pełne intryg i sporów, stawało się dla widzów coraz mniej interesujące.

Latem 1680 roku Ludwik XIV dekretem zjednoczył obie trupy, pozostawiając najlepszych aktorów w nowym teatrze narodowym. „Théâtre des Comediens Français”, jak pierwotnie nazywano Théâtre Comédie Française, miał teraz monopol na wystawianie przedstawień w Paryżu.

W latach dziewięćdziesiątych XVIII w. w wyniku walki politycznej, jaka wybuchła wewnątrz teatru, zespół podzielił się na dwa obozy: Republikanów, którzy opuścili główną obsadę i zorganizowali tzw. Teatr Republiki, oraz rojalistów , którzy byli w trupie Teatru Comedy Française, obecnie przemianowanego na Theatre Nations. Aktorzy Teatru Narodu, którzy brali udział w produkcji reakcyjnego dramatu, zostali ostatecznie aresztowani i skazani na gilotynę. Jednak wkrótce wszyscy otrzymali wolność po obaleniu Robespierre'a. Tak więc, po ponownym zjednoczeniu w 1799 r., obie części trupy rozpoczęły pracę w teatrze o tej samej nazwie. „Dekret moskiewski” Bonapartego, podpisany przez niego w 1812 roku podczas kampanii antyrosyjskiej, potwierdził nowo utworzoną strukturę i status Comédie Française. Dokument ten podkreśla ogromne znaczenie sztuki teatralnej dla umocnienia i rozwoju państwa francuskiego.

Druga, niemal oficjalna nazwa teatru to „Dom Moliera”, czyli inaczej – Teatr Słowa. Fakt ten wyraźnie podkreśla trendy, którymi podąża zespół twórczy, opierając się w swojej twórczości na wysokiej dramaturgii, zwiększonej dbałości o mowę i język, które Francuzi czczą jako prawdziwy skarb narodowy.
Jeśli więc pragniesz połączyć się z prawdziwą francuską kulturą, jednocześnie czerpiąc ogromną przyjemność z wirtuozowskiego występu profesjonalnych aktorów, to Teatr Komedia Frances będzie najlepszą platformą do urzeczywistnienia tych pragnień.

KOMEDIA FRANCJA (La Comédie Française)

Oficjalna nazwa to „Théâtre Français” – francuski teatr narodowy, jeden z najstarszych teatrów w Paryżu, jedyny teatr repertuarowy we Francji. Założony w 1680 roku dekretem Ludwika XIV, który zjednoczył Teatr Moliera, który wcześniej połączył się z Teatrem Marais, i Burgundy Hotel Theatre. Znani aktorzy zespołu tamtych czasów: M. Chanmele, M. Baron, C. Lagrange, C. Rosimon, A. Bejart. Teatr otrzymywał dotacje królewskie i był prowadzony przez mianowanych przez króla kuratorów, którzy ustalali repertuar, skład trupy itp.

„Comédie Française” była spółką aktorską (société), dochody dzielono na udziały, członkowie spółki, współzałożyciele, mieli prawo do całości lub części udziału. W skład trupy teatralnej wchodzili także lokatorzy i aktorzy, których zapraszano do odgrywania poszczególnych ról.

Ta struktura organizacyjna teatru pozostała praktycznie niezmieniona. Poważne, tymczasowe zmiany wprowadzano dopiero w rewolucyjnych okresach historii. Szczególna pozycja teatru pozwoliła przyciągnąć do trupy najlepszych aktorów z Francji. Prawie wszyscy czołowi aktorzy francuscy są w ten czy inny sposób związani z Comédie Française: M. Duclos, A. Lecouvreur, A. Lequesne, M. Dumenil, I. Clairon, Talma, J.B. Brisard, Mars, C. Duchesnoy, Georges, E. Rachel, S. Bernard, J. Mounet-Sully, C. Coquelin i in.. Dotyczy to także dramatopisarzy francuskich. Wśród nich jest Zh.B. Moliere, P. Corneille, J. Racine, J.F. Regnard, A.R. Lesage, P. Marivaux, F. Voltaire, D. Diderot, P. Beaumarchais, V. Hugo, E. Scribe, A. Dumas son, V. Sardu i inni .

Teatr Comedie Française przeżywał pewne trudności na przełomie XIX i XX w., kiedy przyszedł czas na ukształtowanie się teatru reżyserskiego, co wywarło wpływ na życie głównego teatru we Francji. Godnym uwagi wydarzeniem było zaproszenie do teatru w latach trzydziestych XX wieku reżyserów Jacques’a Copeau, Louisa Jouveta, Charlesa Dullina, Gastona Baty’ego, którzy próbowali odejść od archaicznego stylu i przekształcić trupę gwiazd w zespół twórczy. W latach 40. XX w. w teatrze pracował Jean-Louis Barrault, który wystawił „Satynowy pantofelek” P. Claudela.

Radykalna reforma teatru wiąże się z nazwiskiem J. Meyera, ucznia Jouveta, absolwenta Paryskiego Konserwatorium Sztuki Dramatycznej, instytucji edukacyjnej pod patronatem Comedie Française. Pierwsze przedstawienia wystawiał w 1944 r. oraz w 1946 r., po odejściu J.-L. Barrot zostaje dyrektorem produkcji klasycznych. Meyer pracował w teatrze przez około 20 lat, stopniowo wprowadzając nową estetykę, kształcąc młodych aktorów w teatrze w oparciu o żywą praktykę sceniczną. Odnosił sukcesy wśród widzów i krytyków, jednak chęć jedności dowództwa w twórczym przywództwie doprowadziła do konfliktu ze społeczeństwem, w wyniku którego został zmuszony do opuszczenia teatru. Jednak okres jego kierownictwa nie minął bez pozostawienia śladu na przyszłości teatru.
Dziś Comedie Française to teatr, który nie boi się eksperymentów. W latach 70. wystawiano tu sztuki E. Ionesco i S. Becketta. Teatr poszedł jeszcze dalej. Zaczął zapraszać do spektakli zagranicznych reżyserów: R. Wilsona (Bajki La Fontaine'a), A. Wasiljewa (Maskarada, 1992, Amfitrion, 2002), P. Fomenko (Las, 2003). Spektakle stworzone przez tych reżyserów odznaczały się rozpoznawalnym stylem reżyserskim każdego z nich oraz grą aktorską, która wyróżnia słynną na całym świecie szkołę Comédie Française.
Obecnie Comedie Française utrzymuje swoją strukturę organizacyjną. Kieruje nim Dyrektor Generalny (obecnie Muriel Mayette), którego pracę nadzorują Towarzystwa (obecnie jest ich 40. Ponadto pensjonariuszy jest 20. Każdy pensjonariusz chciałby zostać Soceterem, ale decyzja o status aktora ustalany jest na corocznym zebraniu Soceters.Nie każdy musi głosować na to mniej niż 21 stowarzyszeń.
Teatr koncertował w naszym kraju w 1954 (Moskwa, Leningrad, Kijów), 1969 (Moskwa, Leningrad, Ryga), 1973 (Moskwa, Leningrad, Wilno), 1985 (Moskwa, Leningrad, Kijów). W 2005 roku wystawiono spektakl Comedy Francaise „Las” A. Ostrowskiego w reżyserii P.N. Fomenko pokazywany był na VI Międzynarodowym Festiwalu Teatralnym. AP Czechow.

W 2010 roku Comedy Française zaprezentowało sztukę Beaumarchais w reżyserii Christophe'a Rocka na V Międzynarodowym Festiwalu Teatralnym „Alexandrinsky”. (17 i 18 października 2010).

Uderzającym eksperymentem teatralnym można nazwać inscenizację „Kwartetu” H. Müllera, która została zaprezentowana na Festiwalu Aleksandryjskim w 2007 roku z udziałem „Comédie Française”. W przedstawieniu wystąpiła aktorka Muriel Mayet, dyrektor generalna Comedie Française.

W 1981 roku słynny reżyser eksperymentalny i dramaturg Heiner Müller napisał sztukę na podstawie powieści Choderlosa de Laclosa „Niebezpieczne związki”. Müller umieścił wzorowych bohaterów „epoki waleczności” w absurdalnej przestrzeni „bunkra po III wojnie światowej” i „salonu przed rewolucją francuską” i rzucił ich w brutalną „walkę na śmierć i życie”. Valmont i markiza Merteuil, z uwodzicieli i intrygantów, z woli dramatopisarza przekształcili się w ostatnich ludzi na świecie, stali się fragmentami kultury. 25 lat później rodak Müllera, reżyser Matthias Langhoff, wystawił „Kwartet” z aktorami głównego teatru Francji, Comédie Française: François Chatto i Muriel Mayette, która właśnie została dyrektorką Comédie Française.

Wyjątkowość spektaklu Matthiasa Langhoffa polega na tym, że aktorzy, reżyser, a nawet autor spektaklu okazali się „podobnie myślący”, mówią tym samym językiem – językiem sceny, łączącym absurd i tragedię, „waleczny wiek” i dystopia.

Matthias Langhoff i Heiner Müller pracowali razem przez jakiś czas w teatrze Berliner Ensemble, a ich losy były pod wieloma względami podobne: żyjąc w NRD, w swojej ojczyźnie, nigdy nie mogli zrealizować swoich talentów. Langhoff koncertuje w całej Europie: w Paryżu, Rouen, Rzymie, Madrycie i wszędzie wnosi swój niepowtarzalny styl i zamiłowanie do eksperymentów. Połączenie niestosowności, absurdu i hiperrealizmu, piękna i brudu – to ulubione techniki Langhoffa. Langhoff nazywa swoich nauczycieli (jest to szczególnie pochlebne dla rosyjskich widzów) Meyerholdem i Stanisławskim, których nazywa niczym innym jak „największymi mistrzami świata”.

Wcześniej Langhoff wystawił już w Theatre de la Ville inną sztukę H. Müllera – „Misję”. Zarówno Muriel Mayette, jak i François Chateau współpracowali już z Langhoffem: Mayette zagrała w jego Danse Macabre według Strindberga oraz Leonce i Lena według G. Büchnera; Shatto – w „Księciu Homburgu” na podstawie tego samego G. Buchnera i „Makbecie”. Połączenie reżyserskiego stylu Langhoffa i gry aktorskiej słynnej szkoły francuskiej jest samo w sobie wyjątkowe, połączenie niemieckiej awangardy i wielowiekowej francuskiej aktorstwa jest podwójnie wyjątkowe. „Kwartet” porównywany jest jednocześnie do „Madam Julie” A. Strindberga i „Czekania na Godota” S. Becketta, spektakl łączy w sobie pasję i zmysłowość bohaterów oraz absurdalność „zaproponowanych okoliczności”.

Z biegiem czasu powstał już tandem Langhoff-Mayette-Chatto, reżyser i aktorzy doskonale się rozumieją, co można odczuć na scenie - krytycy zauważają, że połączenie „aktorów na najwyższym poziomie” i „reżysera eksperymentalnego” jest niezwykle harmonijne, a ich wspólna praca odniosła niezwykle spektakularny sukces.

Francuska komedia