Znani artyści naszych czasów, którym brakowało pędzli i farb, aby wyrazić swój geniusz, zachwycają i szokują nie tylko swoimi dziełami, ale także tym, jak dokładnie je stworzyli.
Farby, ołówki, pędzle i płótno – to prawdopodobnie wszystko, czego potrzebujesz, aby stworzyć zachwycające dzieło sztuki. O tak, więcej talentu! Ci artyści bez wątpienia to mają. W końcu nie potrzebowali nawet zwykłych materiałów, aby napisać wyjątkowe arcydzieła. Zobacz, co może się wydarzyć, gdy geniusz podejmie się zadania rysowania.
1. Sztuka odrzutowa autorstwa Tarinana von Anhalta
Księżniczka z Florydy Tarinan von Anhalt w swoich obrazach nie używa pędzli. Tworzone są przy użyciu... samolotu. Jak ona to robi? Tak naprawdę artysta po prostu rzuca butelkami z farbą, a ciąg silnika samolotu „tworzy” na płótnie niepowtarzalny wzór. Musiałeś o czymś takim pomyśleć? Ale sztuka odrzutowa nie jest jej pomysłem. Księżniczka „pożyczyła” technikę sztuki odrzutowej od swojego męża Jurgena von Anhalta. Tworzenie takich zdjęć nie jest takie proste, a czasem wręcz zagraża życiu: prądy powietrza osiągają ogromne prędkości i siłę, można je porównać do wiatrów huraganowych, a temperatura takiego „huraganu” może przekraczać 250 stopni Celsjusza. Ryzyko połączone z kreatywnością pozwala księżniczce otrzymać za jedno ze swoich dzieł około 50 000 dolarów.
2. Ani Kay i artystyczna męka
Indyjska artystka Ani Kay namalowała kopię obrazu „Ostatnia wieczerza” wielkiego Leonarda da Vinci w swoim własnym języku. Stosowano najczęściej stosowane farby. W wyniku wieloletniej twórczości Ani nieustannie zatruwa swoje ciało, doświadczając objawów zatrucia: bólów głowy, nudności i osłabienia. Ale uparty Hindus jest gotowy raz po raz zgodzić się na tortury w imię sztuki.
3. Krwawe obrazy Winicjusza Quesady
Vinicius Quesada to skandaliczny brazylijski artysta, którego obrazy zostały mu wręczone dosłownie własną krwią i… moczem. Trójkolorowe arcydzieła Brazylijczyka są dla niego wiele warte: co 60 dni Vinicia wydaje 450 mililitrów krwi, aby malować obrazy, które szokują i zadziwiają publiczność.
4. Dzieła sztuki menstruacyjnej Lani Beloso
I znowu - krew. Hawajska artystka również nie akceptuje kolorów. Jej obrazy powstają z własnej krwi menstruacyjnej. Choć może to zabrzmieć dziwnie, prace Lani są naprawdę kobiece, cóż mogę powiedzieć. Wszystko zaczęło się od desperacji. Pewnego dnia młoda dziewczyna cierpiąca na krwotok miesiączkowy, chcąc dowiedzieć się, ile krwi tak naprawdę traci w czasie patologicznie obfitych okresów, zaczęła rysować obraz z własnej wydzieliny. Przez cały rok podczas każdej miesiączki robiła to samo, tworząc w ten sposób cykl 13 obrazów.
5. Ben Wilson i arcydzieła do żucia
Artysta Ben Wilson z Londynu postanowił nie używać zwykłych farb ani płótna i zaczął tworzyć swoje obrazy z gumy do żucia, którą znalazł na ulicach Londynu. Urocze dzieła „mistrza gumy do żucia” zdobią szary asfalt miasta, a portfolio Bena zawiera zdjęcia jego niezwykłych obrazów.
6. Rysunki palców autorstwa Judith Brown
Ta artystka po prostu dobrze się bawi tworząc tak niezwykłe obrazy z maleńkimi cząsteczkami węgla drzewnego i swoimi palcami, że nawet nie uważa swojej pracy za sztukę. Ale palce zamiast pędzli i węgiel zamiast farby - takie niezwykłe i, widzisz, piękne. Piękna jest także nazwa serii obrazów Judith – Diamentowy Pył.
7. Artysta samouk Paolo Troilo
Mistrz monochromatyczności maluje także palcami, używając farb akrylowych. Paolo Troilo, niegdyś odnoszący sukcesy włoski biznesmen, został wybrany najlepszym kreatywnym Włochem roku 2007. Bez jednego pędzla maluje obrazy tak realistyczne, że czasem nie do odróżnienia od czarno-białych fotografii.
8. Arcydzieła motoryzacji autorstwa Iana Cooka
Nie bez powodu mówi się, że w każdym geniuszu kryje się małe dziecko. Wyraźnym potwierdzeniem tego jest młody malarz z Wielkiej Brytanii Ian Cook. Maluje obrazy, jakby bawił się sterami samochodziku. Przy użyciu farb powstało 40 kolorowych płócien przedstawiających samochody, ale zamiast pędzli w rękach artysty znajdują się zdalnie sterowane zabawki na kółkach.
9. Otman Toma i pyszna sztuka
Chcesz po prostu zrobić te zdjęcia i polizać je. W końcu pisano je nie farbami, ale prawdziwymi lodami. Twórcą takiego „smacznego” obrazu jest mieszkaniec Bagdadu Othman Toma. Zainspirowany delikatnością artysta fotografuje swoje ukończone prace wraz z „farbami”: pomarańczową, jagodową czekoladą.
10. Elisabetta Rogai – wyrafinowanie dojrzałego wina
Włoska artystka Elisabetta Rogai również wykorzystuje w swoich kreacjach pyszne kolory. W swoim arsenale ma białe i czerwone wino oraz płótno. Co z tego wynika? Niesamowite obrazy, które z biegiem czasu zmieniają swoje odcienie, tak jak stare, starzejące się wino zmienia swój aromat i smak. Działa na żywo!
11. Nakrapiane obrazy Hong Yi
Co może być gorszego dla wzorowej gospodyni domowej niż ślady od filiżanek po kawie na białym obrusie? Ale najwyraźniej szanghajska artystka Hong Yi nie jest wzorową gospodynią domową. Tworząc swoje obrazy, co jakiś czas pozostawia na płótnie takie plamy. I nie dlatego, że lubi pić kawę podczas pracy, ale dlatego, że tak maluje, bez użycia pędzli i farb.
12. Malowanie kawą i sztuka piwa autorstwa Karen Eland
Artystka Karen Eland również próbowała malować, używając kawy zamiast farb. I zrobiła to całkiem nieźle. Reprodukcje najsłynniejszych dzieł, wykonane na płynie kawowym, wyglądają jak prawdziwe obrazy. Jedyną różnicą są brązowe odcienie i charakterystyczny znak Karen w postaci filiżanki kawy przy każdej pracy.
Eksperymentując później z likierem, piwem i herbatą (nie, nie piła ich), Eland doszła do wniosku, że jej obrazy najlepiej wychodzą z piwa. Butelka odurzającego napoju zastępuje akwarele na jednym płótnie.
13. Pocałunki od Natalie Irish
Musisz tak kochać sztukę, że nie przestając tworzyć, od czasu do czasu całujesz swoje dzieło! Dokładnie takich uczuć doświadcza Natalie Irish. Wielka miłość – inaczej nie można opisać jej obrazów, malowanych nie pędzlami i farbami, a ustami i szminką. Kilkadziesiąt odcieni szminki, kilkaset pocałunków - i powstają takie arcydzieła.
14. Kira Ein Warzeji - piersi zamiast dłoni
Dużo miłości do sztuki włożyła także Amerykanka Kira Ein Varzeji – jej magiczne obrazy malowane są jej piersiami. Trudno sobie nawet wyobrazić, ile kolorów artystka wylała na swoją pierś. Ale nie na próżno!
15. Sztuka seksu autorstwa Tima Patcha
Bierze płótno i farby, ale nie ma pędzli. A jak myślisz, czym australijski artysta maluje swoje płótna? Tak, to samo miejsce, którego wcale się nie wstydzi. Męskość Tima jest w sam raz. Przynajmniej jego zdjęcia namalowane z penisem są cudowne. Trzeba powiedzieć, że artysta wykorzystuje nie tylko główny męski narząd płciowy, ale także „piąty punkt” jako narzędzie do rysowania. Z jej pomocą Tim projektuje tło obrazu. Sam mistrz nie traktuje swojej pracy poważnie i nawet jego pseudonim jest niepoważny – Pricasso. Naśladując oburzenie genialnego Picassa, artysta szokuje zwiedzających wystawy nie tylko swoimi obrazami, ale także przejrzystością procesu ich powstawania.
Co dziwne, z wieloma słynnymi obrazami związane są naprawdę tajemnicze i mistyczne historie. Powiem więcej, wielu krytyków sztuki uważa, że w powstaniu wielu obrazów maczał palce niemal sam Szatan. Zbyt często zdarzały się zdumiewające fakty i niewytłumaczalne zdarzenia tym fatalnym arcydziełom - pożary, śmierć, szaleństwo autorów...
Jednym z najbardziej znanych „przeklętych” obrazów jest „Płaczący chłopiec” - reprodukcja obrazu hiszpańskiego artysty Giovanniego Bragolina. Historia jego powstania jest następująca: artysta zapragnął namalować portret płaczącego dziecka i za opiekunkę zabrał swojego synka. Ponieważ jednak dziecko nie mogło płakać na żądanie, ojciec celowo doprowadził je do łez, zapalając zapałki przed jego twarzą.
Artysta wiedział, że jego syn panicznie boi się ognia, ale sztuka była mu droższa niż nerwy własnego dziecka i nadal z niego drwił. Któregoś dnia doprowadzone do histerii dziecko nie mogło wytrzymać i krzyknęło, zalewając się łzami: „Sparz się!” Ta klątwa nie musiała długo czekać na spełnienie się – dwa tygodnie później chłopiec zmarł na zapalenie płuc, a wkrótce jego ojciec spalił się żywcem we własnym domu… Oto kulisy. Obraz, a właściwie jego reprodukcja, swoją złowrogą sławę zyskał w 1985 roku w Anglii.
Stało się to dzięki serii dziwnych zbiegów okoliczności – w północnej Anglii zaczęły jeden po drugim dochodzić do pożarów budynków mieszkalnych. Były ofiary w ludziach. Niektóre ofiary wspominały, że z całego majątku ocalała cudem jedynie tania reprodukcja przedstawiająca płaczące dziecko. A takich doniesień było coraz więcej, aż w końcu jeden z inspektorów straży pożarnej ogłosił publicznie, że we wszystkich bez wyjątku spalonych domach odnaleziono „Płaczącego Chłopca” w stanie nienaruszonym.
Natychmiast gazety zalała fala listów donoszących o różnych wypadkach, ofiarach śmiertelnych i pożarach, które miały miejsce po zakupie tego obrazu przez właścicieli. Oczywiście „Płaczącego chłopca” od razu zaczęto uważać za przeklęty, historia jego powstania wyszła na jaw i obrosła plotkami i fikcją… W rezultacie jedna z gazet opublikowała oficjalne oświadczenie, że każdy, kto posiada tę reprodukcję, musi natychmiast się go pozbądź, a władze Odtąd zabrania się kupowania i trzymania go w domu.
Do dziś „Płaczący chłopiec” cieszy się sławą, szczególnie w północnej Anglii. Nawiasem mówiąc, oryginału jeszcze nie odnaleziono. To prawda, że \u200b\u200bniektórzy wątpiący (szczególnie tutaj, w Rosji) celowo zawiesili ten portret na ścianie i wydaje się, że nikt nie został spalony. Jednak wciąż niewiele osób chce sprawdzić legendę w praktyce.
Innym znanym „ognistym arcydziełem” są „Lilie wodne” impresjonisty Moneta. Jako pierwszy ucierpiał na tym sam artysta – jego warsztat z nieznanych przyczyn niemal spłonął.
Następnie spłonęli nowi właściciele „Lilii wodnych” – kabaret na Montmartre, dom francuskiego filantropa, a nawet Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Obecnie obraz znajduje się w Muzeum Mormoton we Francji i nie wykazuje swoich właściwości „niebezpiecznych pożarowo”. Do widzenia.
Inny, mniej znany i na zewnątrz niepozorny obraz, „podpalacz”, wisi w Muzeum Królewskim w Edynburgu. Jest to portret starszego mężczyzny z wyciągniętą ręką. Według legendy czasami palce na dłoni starca namalowanego olejem zaczynają się poruszać. A ten, kto widział to niezwykłe zjawisko, z pewnością w najbliższej przyszłości umrze w wyniku pożaru.
Dwie znane ofiary portretu to Lord Seymour i kapitan morski Belfast. Oboje twierdzili, że widzieli, jak starzec poruszał palcami, po czym obaj zginęli w pożarze. Przesądni mieszczanie żądali nawet, aby dyrektor muzeum usunął niebezpieczny obraz w bezpieczne miejsce, ale on oczywiście się nie zgodził – to właśnie ten niepozorny portret, który nie ma szczególnej wartości, przyciąga większość zwiedzających.
Słynna „La Giaconda” Leonarda da Vinci nie tylko zachwyca, ale i przeraża. Oprócz przypuszczeń, fikcji, legend o samym dziele i o uśmiechu Mony Lisy, istnieje teoria, że ten najsłynniejszy portret na świecie ma niezwykle negatywny wpływ na patrzącego. Oficjalnie zarejestrowano na przykład ponad sto przypadków, w których zwiedzający, którzy przez długi czas patrzyli na obraz, tracili przytomność.
Najsłynniejszy przypadek miał miejsce w przypadku francuskiego pisarza Stendhala, który zemdlał podziwiając arcydzieło. Wiadomo, że sama Mona Lisa, która pozowała artyście, zmarła młodo, w wieku 28 lat. A sam wielki mistrz Leonardo nie pracował nad żadnym ze swoich dzieł tak długo i starannie, jak nad „La Giocondą”. Przez sześć lat, aż do śmierci, Leonardo przepisywał i poprawiał obraz, ale nigdy nie osiągnął w pełni tego, czego chciał.
Obraz Velazqueza „Wenus z lustrem” również zasłużenie cieszył się złą sławą. Każdy, kto go kupił, albo zbankrutował, albo umarł śmiercią gwałtowną. Nawet muzea nie bardzo chciały uwzględnić jego główną kompozycję, a obraz stale zmieniał swoją „rejestrację”. Skończyło się na tym, że pewnego dnia szalony gość zaatakował płótno i przeciął je nożem.
Innym „przeklętym” obrazem, który jest powszechnie znany, jest dzieło kalifornijskiego artysty surrealisty „Hands Resist Him” autorstwa Billa Stonehama. Artysta namalował go w 1972 roku na podstawie fotografii, na której on i jego młodsza siostra stoją przed domem. Na zdjęciu chłopiec o niewyraźnych rysach twarzy i lalka wielkości żywej dziewczynki zamarł przed szklanymi drzwiami, do których od wewnątrz przyciskane są małe rączki dzieci. Z tym zdjęciem wiąże się wiele przerażających historii. Wszystko zaczęło się od tego, że nagle zmarł pierwszy krytyk sztuki, który zobaczył i docenił dzieło.
Następnie obraz kupił amerykański aktor, który również nie żył długo. Po jego śmierci dzieło na krótki czas zaginęło, ale potem przypadkowo odnaleziono je na śmietniku. Rodzina, która odebrała koszmarne arcydzieło, pomyślała o powieszeniu go w pokoju dziecinnym. W rezultacie córeczka zaczęła co noc wpadać do sypialni rodziców i krzyczeć, że dzieci na zdjęciu kłócą się i zmieniają miejsce zamieszkania. Mój ojciec zainstalował w pokoju kamerę wykrywającą ruch, która w nocy włączała się kilka razy.
Oczywiście rodzina pospieszyła z pozbyciem się takiego daru losu i wkrótce Hands Resist Him zostało wystawione na aukcji internetowej. A potem do organizatorów napływały liczne listy ze skargami, że podczas oglądania filmu ludzie chorowali, a niektórzy nawet mieli zawał serca. Kupił go właściciel prywatnej galerii sztuki, a teraz zaczęły napływać do niego skargi. Zwróciło się do niego nawet dwóch amerykańskich egzorcystów z ofertami swoich usług. A wróżki, które widziały ten obraz, jednomyślnie twierdzą, że emanuje z niego zło.
Zdjęcie - prototyp obrazu „Ręce mu się opierają”:
Istnieje kilka arcydzieł malarstwa rosyjskiego, które mają również smutne historie. Na przykład obraz „Trojka” Perowa, znany wszystkim ze szkoły. Ten wzruszający i smutny obraz przedstawia trójkę chłopskich dzieci z biednych rodzin, które ciągną ciężki ładunek, zaprzęgniętych do niego na wzór koni pociągowych. Pośrodku stoi mały blond chłopiec. Perow szukał dziecka do zdjęcia, dopóki nie spotkał kobiety z 12-letnim synem o imieniu Wasia, którzy spacerowali z pielgrzymką po Moskwie.
Wasia pozostała jedyną pociechą swojej matki, która pochowała męża i inne dzieci. Początkowo nie chciała, aby jej syn pozował dla malarza, ale potem się zgodziła. Jednak wkrótce po ukończeniu obrazu chłopiec zmarł... Wiadomo, że po śmierci syna do Perowa przyszła uboga kobieta, prosząc go, aby sprzedał jej portret jej ukochanego dziecka, ale obraz był już wisi w Galerii Trietiakowskiej. To prawda, że \u200b\u200bPierow odpowiedział na smutek matki i specjalnie dla niej namalował portret Wasi.
Jeden z najzdolniejszych i najbardziej niezwykłych geniuszy malarstwa rosyjskiego, Michaił Wrubel, ma prace, które kojarzą się także z osobistymi tragediami samego artysty. Tym samym portret jego ukochanego syna Savvy został przez niego namalowany na krótko przed śmiercią dziecka. Co więcej, chłopiec niespodziewanie zachorował i nagle zmarł. A „Pokonany demon” miał szkodliwy wpływ na psychikę i zdrowie samego Vrubela.
Artysta nie mógł oderwać się od obrazu, nadal dodawał oblicze pokonanego Ducha, a także zmieniał kolor. „Pokonany demon” wisiał już na wystawie, a Vrubel co chwila wchodził do sali, nie zwracając uwagi na zwiedzających, siadał przed obrazem i jak opętany dalej pracował. Bliscy zaniepokoili się jego stanem, dlatego zbadał go słynny rosyjski psychiatra Bechterew. Diagnoza była straszna – urazy rdzenia kręgowego, bliskie szaleństwa i śmierci. Vrubel został przyjęty do szpitala, ale leczenie nie pomogło i wkrótce zmarł.
Ciekawa historia wiąże się z obrazem „Maslenica”, który przez długi czas zdobił hol hotelu Ukraina. Wisiał i wisiał, nikt tak naprawdę na niego nie patrzył, aż nagle stało się jasne, że autorem tego dzieła jest osoba chora psychicznie o imieniu Kuplin, która na swój sposób skopiowała obraz artysty Antonowa. Właściwie na obrazie osoby chorej psychicznie nie ma nic szczególnie strasznego ani wybitnego, ale przez sześć miesięcy ekscytowało to ogrom Runeta.
Malarstwo Antonowa
obraz Kuplina
Jeden ze studentów napisał o niej post na blogu w 2006 roku. Jej istota sprowadzała się do tego, że zdaniem profesora jednego z moskiewskich uniwersytetów na obrazie znajduje się stuprocentowy, choć nieoczywisty znak, po którym od razu widać, że artysta jest szalony. I nawet rzekomo na podstawie tego znaku możesz natychmiast postawić prawidłową diagnozę. Ale, jak napisał student, przebiegły profesor nie odkrył znaku, a jedynie dał niejasne wskazówki. I tak mówią ludzie, pomagajcie, kto może, bo sama nie mogę znaleźć, jestem cała wyczerpana i zmęczona. Nietrudno sobie wyobrazić, co się tutaj zaczęło.
Post rozprzestrzenił się po sieci, wielu użytkowników rzuciło się w poszukiwaniu odpowiedzi i zbeształo profesora. Zdjęcie zyskało ogromną popularność, podobnie jak blog studenta i nazwisko profesora. Zagadki nikt nie był w stanie rozwiązać, a na koniec, gdy już wszyscy znudzili się tą historią, zdecydowali:
1. Nie ma żadnego znaku, a profesor celowo „wprowadził” studentów w błąd, aby nie opuszczali wykładów.
2. Profesor sam jest psycholem (przytaczano nawet fakty, że faktycznie leczył się za granicą).
3. Kuplin związał się z bałwanem pojawiającym się w tle obrazu i to jest główne rozwiązanie zagadki.
4. Nie było profesora, a cała historia była genialnym flash mobem.
Nawiasem mówiąc, podano także wiele oryginalnych domysłów dotyczących tego znaku, ale żaden z nich nie został uznany za poprawny. Historia stopniowo zanikała, choć nawet teraz w RuNet można czasami natknąć się na jej echa. Jeśli chodzi o obraz, na niektórych naprawdę robi to niesamowite wrażenie i powoduje nieprzyjemne doznania.
W czasach Puszkina portret Marii Łopuchiny był jedną z głównych „horrorów”. Dziewczyna żyła krótko i nieszczęśliwie, a po namalowaniu portretu zmarła na gruźlicę. Jej ojciec Iwan Łopukhin był znanym mistykiem i mistrzem loży masońskiej. Dlatego rozeszły się pogłoski, że udało mu się zwabić do tego portretu ducha swojej zmarłej córki. I że jeśli młode dziewczyny spojrzą na zdjęcie, wkrótce umrą. Według plotek salonowych portret Marii zniszczył co najmniej dziesięć szlachcianek w wieku małżeńskim...
Pogłoski rozwiał filantrop Tretiakow, który w 1880 roku kupił portret do swojej galerii. Nie stwierdzono istotnej śmiertelności wśród odwiedzających płci żeńskiej. Rozmowy ucichły. Ale pozostałość pozostała.
Dziesiątki osób, które w ten czy inny sposób zetknęły się z obrazem Edvarda Muncha „Krzyk”, którego wartość eksperci szacują na 70 milionów dolarów, spotkał zły los: zachorowali, pokłócili się z bliskimi, popadli w ciężką depresję lub nawet nagle zmarł. Wszystko to sprawiło, że obraz zyskał złą sławę, dlatego odwiedzający muzeum patrzyli na niego ostrożnie, pamiętając straszne historie opowiadane o arcydziele.
Pewnego dnia pracownik muzeum przez przypadek upuścił obraz. Po pewnym czasie zaczął mieć straszne bóle głowy. Trzeba powiedzieć, że przed tym incydentem nie miał pojęcia, co to jest ból głowy. Ataki migreny stawały się coraz częstsze i dotkliwsze, a zakończyły się samobójstwem biednego człowieka.
Innym razem pracownik muzeum upuścił obraz zawieszany na ścianie. Tydzień później miał straszny wypadek samochodowy, w wyniku którego miał połamane nogi, ręce, kilka żeber, złamaną miednicę i poważny wstrząs mózgu.
Jeden z zwiedzających muzeum próbował dotknąć obrazu palcem. Kilka dni później w jego domu wybuchł pożar, w wyniku którego mężczyzna spłonął żywcem.
Życie samego Edvarda Muncha, urodzonego w 1863 roku, było pasmem niekończących się tragedii i wstrząsów. Choroba, śmierć bliskich, szaleństwo. Jego matka zmarła na gruźlicę, gdy dziecko miało 5 lat. Dziewięć lat później ukochana siostra Edwarda, Sophia, zmarła na poważną chorobę. Potem zmarł brat Andreas, a lekarze zdiagnozowali u jego młodszej siostry schizofrenię.
Na początku lat 90. Munch doznał ciężkiego załamania nerwowego i przez długi czas poddawany był leczeniu elektrowstrząsami. Nigdy się nie ożenił, bo przerażała go myśl o seksie. Zmarł w wieku 81 lat, pozostawiając miastu Oslo ogromne dziedzictwo twórcze: 1200 obrazów, 4500 szkiców i 18 tysięcy dzieł graficznych. Ale szczytem jego twórczości pozostaje oczywiście „Krzyk”.
Holenderski artysta Pieter Bruegel Starszy malował „Pokłon Trzech Króli” przez dwa lata. „Skopiował” Dziewicę Maryję od swojego kuzyna. Była kobietą bezpłodną, za co otrzymywała ciągłe ciosy ze strony męża. To ona, jak plotkował prosty średniowieczny Holender, „zainfekowała” obraz. „Mędrcy” czterokrotnie kupowani byli przez prywatnych kolekcjonerów. I za każdym razem powtarzała się ta sama historia: przez 10-12 lat w rodzinie nie urodziło się żadne dziecko...
Ostatecznie w 1637 roku obraz kupił architekt Jacob van Kampen. W tym czasie miał już troje dzieci, więc klątwa go szczególnie nie przestraszyła.
Prawdopodobnie najsłynniejszy zły obraz przestrzeni Internetu z następującą historią: Pewna uczennica (często wspomina się Japonkę) narysowała ten obrazek przed podcięciem sobie żył (wyrzuceniem się przez okno, zażyciem tabletek, powieszeniem się, utonięciem w wannie ).
Jeśli będziesz na nią patrzeć przez 5 minut z rzędu, dziewczyna się zmieni (jej oczy zmienią kolor na czerwony, włosy staną się czarne, pojawią się kły). W rzeczywistości jasne jest, że obraz wyraźnie nie został narysowany ręcznie, jak twierdzi wiele osób. Chociaż nikt nie daje jasnych odpowiedzi na pytanie, jak pojawił się ten obraz.
Poniższy obraz wisi skromnie bez ramy w jednym ze sklepów w Winnicy. „Rain Woman” jest najdroższym ze wszystkich dzieł: kosztuje 500 dolarów. Według sprzedawców obraz był już trzykrotnie kupowany i zwracany. Klienci tłumaczą, że o niej marzą. I ktoś nawet mówi, że zna tę panią, ale nie pamięta gdzie. A każdy, kto kiedykolwiek spojrzał w jej białe oczy, na zawsze zapamięta uczucie deszczowego dnia, ciszy, niepokoju i strachu.
Jego autorka, winnicka artystka Svetlana Telets, opowiedziała, skąd wziął się niezwykły obraz. „W 1996 roku ukończyłem Uniwersytet Artystyczny w Odessie. Grekova” – wspomina Swietłana. „A sześć miesięcy przed narodzinami „Kobiety” zawsze wydawało mi się, że ktoś mnie ciągle obserwuje. Odpędziłem od siebie takie myśli i pewnego dnia, nawiasem mówiąc, wcale nie deszczowego, usiadłem przed czystym płótnem i myślałem, co narysować. I nagle wyraźnie zobaczyłem kontury kobiety, jej twarz, kolory, odcienie. W jednej chwili zauważyłem wszystkie szczegóły obrazu. Najważniejsze napisałem szybko – skończyłem w około pięć godzin. Wydawało mi się, że ktoś prowadził moją rękę. A potem skończyłem malować przez kolejny miesiąc.
Po przybyciu do Winnicy Swietłana wystawiła obraz w lokalnym salonie sztuki. Co jakiś czas podchodzili do niej koneserzy sztuki i dzielili się tymi samymi przemyśleniami, jakie ona sama towarzyszyła jej podczas swojej pracy.
„Ciekawie było obserwować” – mówi artysta – „jak subtelnie dana rzecz może urzeczywistnić myśl i zainspirować ją u innych ludzi”.
Kilka lat temu pojawił się pierwszy klient. Samotna bizneswoman długo chodziła po korytarzach, przyglądając się uważnie. Kupiwszy „Kobietę” powiesiłam ją w sypialni.
Dwa tygodnie później w mieszkaniu Swietłany zadzwonił nocny telefon: „Proszę ją odebrać. Nie mogę spać. Wygląda na to, że w mieszkaniu jest ktoś oprócz mnie. Nawet zdjąłem go ze ściany i schowałem za szafą, ale nadal nie mogę.
Potem pojawił się drugi kupujący. Wtedy młody człowiek kupił obraz. I też nie mogłam tego długo znieść. Sam przyniósł go artyście. I nawet nie wziął pieniędzy.
„Śnię o niej” – poskarżył się. - Każdej nocy pojawia się i krąży wokół mnie jak cień. Zaczynam wariować. Boję się tego zdjęcia!
Trzeci kupujący, dowiedziawszy się o sławie „Kobiety”, po prostu machnął ręką. Powiedział nawet, że według niego twarz tej złowrogiej kobiety jest urocza. I prawdopodobnie będzie się z nim dogadywać. Nie dogadywaliśmy się.
„Na początku nie zauważyłem, jak białe były jej oczy” – wspomina. - A potem zaczęli pojawiać się wszędzie. Zaczęły się bóle głowy, bezprzyczynowe zmartwienia. Czy tego potrzebuję?!
Zatem „Rain Woman” ponownie wróciła do artysty. Po mieście rozeszła się wieść, że obraz ten jest przeklęty. Potrafi doprowadzić Cię do szaleństwa w ciągu jednej nocy. Sama artystka nie jest już szczęśliwa, że namalowała taki horror. Jednak Sveta nie traci jeszcze optymizmu:
- Każdy obraz rodzi się dla konkretnej osoby. Wierzę, że znajdzie się ktoś, dla kogo „Kobieta” została napisana. Ktoś jej szuka – tak jak ona szuka jego.
Tekst żądania: "Cześć!
Podobał mi się twój magazyn!
Jestem „wizualistą”, ponieważ fotografuję i najbardziej interesują mnie obrazy wizualne. Obciążenie semantyczne nie jest tak ważne.
Jeśli czytam, szczególnie interesuje mnie wszystko, co dotyczy historii sztuk pięknych, nie tylko fotografii. Mam ogromne luki w edukacji.
Wydaje mi się jednak, że takie materiały zmniejszyłyby kierunek, a nawet ruch Twojego magazynu. Jestem więc całkiem zadowolony z tego, co u ciebie widzę.
Całkiem poważnie :)"
_______________________________________
Nie sądzę, że taki post zmniejszy ruch w magazynie :)...
ale niektóre fakty są naprawdę bardzo interesujące - radzę przeczytać
Niezupełnie zwyczajne fakty z życia legendarnych talentów.
Można znaleźć ogromną ilość informacji o znanych artystach - jak żyli, jak tworzyli swoje nieśmiertelne dzieła. Wiele osób zwykle nie myśli o cechach charakteru i stylu życia artysty. Ale niektóre fakty z biografii lub historii powstania tego czy innego obrazu są czasami bardzo zabawne, a nawet prowokujące.
Pablo Picasso
Dobrzy artyści kopiują, świetni artyści kradną.
Kiedy urodził się Pablo Picasso, położna uznała go za martwego. Dziecko uratował wujek, który palił cygara i widząc dziecko leżące na stole, dmuchnął mu dymem w twarz, po czym Pablo zaczął ryczeć. Można zatem powiedzieć, że palenie uratowało życie Picassa.
Najwyraźniej Pablo urodził się jako artysta – jego pierwszym słowem było PIZ, skrót od LAPIZ (po hiszpańsku „ołówek”).
W pierwszych latach pobytu w Paryżu Picasso był tak biedny, że czasami zmuszony był palić swoje obrazy zamiast drewna na opał.
Picasso nosił długie ubrania i miał długie włosy, co było wówczas niespotykane.
Pełne imię Picassa składa się z 23 słów: Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan N epomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Mártir Patricio Clito -Ruiz y Picasso.
Vincent van Gogh
Nie bój się popełniać błędów. Wielu ludzi wierzy, że staną się dobrzy, jeśli nie zrobią nic złego.
Uważa się, że obfitość żółtych i żółtych plam o różnych odcieniach na jego obrazach jest spowodowana intensywnym zażywaniem leków na padaczkę, która powstała w wyniku nadmiernego spożycia absyntu. „Gwiaździsta noc”, „Słoneczniki”.
W swoim burzliwym życiu Van Gogh odwiedził więcej niż jeden szpital psychiatryczny z diagnozami od schizofrenii po psychozę maniakalno-depresyjną. Jego najsłynniejszy obraz „Gwiaździsta noc” powstał w 1889 roku w szpitalu w miejscowości San Remy.
Popełnił samobójstwo. Postrzelił się w brzuch, ukrywając się na podwórku za stertą nawozu. Miał 37 lat.
Przez całe życie Van Gogh cierpiał na niską samoocenę. W ciągu swojego życia sprzedał tylko jedno ze swoich dzieł – Czerwoną Winnicę w Arles. A sława przyszła do niego dopiero po śmierci. Gdyby tylko Van Gogh wiedział, jak popularna stanie się jego twórczość.
Van Gogh nie odciął sobie całego ucha, a jedynie kawałek płatka ucha, co prawie nie bolało. Jednak nadal istnieje powszechna legenda, że artysta amputował całe ucho. Legenda ta znalazła nawet odzwierciedlenie w zachowaniu pacjenta, który sam operuje lub nalega na określoną operację - nazywano to zespołem Van Gogha.
Leonardo da Vinci
Kto żyje w strachu, umiera ze strachu.
Leonardo jako pierwszy wyjaśnił, dlaczego niebo jest niebieskie. W książce „O malarstwie” napisał: „Błękit nieba powstaje dzięki grubości oświetlonych cząstek powietrza, które znajduje się pomiędzy Ziemią a czernią nad nami”.
Leonardo był oburęczny – równie dobrze radził sobie prawą i lewą ręką. Mówi się nawet, że różnymi rękami potrafił pisać różne teksty jednocześnie. Jednak większość swoich dzieł pisał lewą ręką, od prawej do lewej.
Po mistrzowsku grał na lirze. Kiedy sprawa Leonarda toczyła się w sądzie w Mediolanie, pojawił się tam właśnie jako muzyk, a nie jako artysta czy wynalazca.
Leonardo był pierwszym malarzem, który rozczłonkował zwłoki, aby zrozumieć położenie i strukturę mięśni.
Leonardo da Vinci był surowym wegetarianinem i nigdy nie pił mleka krowiego, uważając to za kradzież.
Salvador Dali
Gdybym nie miał wrogów, nie byłbym tym, kim jestem. Ale, dzięki Bogu, było wystarczająco dużo wrogów.
Przybywając do Nowego Jorku w 1934 roku, jako dodatek niósł w rękach 2-metrowy bochenek chleba, a zwiedzając wystawę twórczości surrealistycznej w Londynie ubrał się w kostium nurka.
Dali napisał obraz „Trwałość pamięci” („Miękkie godziny”) pod wrażeniem teorii względności Einsteina. Pomysł zrodził się w głowie Salvadora, gdy pewnego upalnego sierpniowego dnia patrzył na kawałek sera Camembert.
Salvador Dali często kładł się spać z kluczem w dłoni. Siedząc na krześle, zasnął z ciężkim kluczem ściskanym w palcach. Stopniowo chwyt słabł, klucz spadł i uderzył w leżący na podłodze talerz. Myśli, które pojawiły się podczas drzemek, mogą być nowymi pomysłami lub rozwiązaniami złożonych problemów.
Wielki artysta za życia zapisał się na pochówek w taki sposób, aby ludzie mogli chodzić po grobie, dlatego jego ciało zamurowano w ścianie w Muzeum Dali w Figueres. W tym pomieszczeniu nie wolno fotografować z lampą błyskową.
Pseudonim Salvadora Dali brzmiał „Avida Dollars”, co w tłumaczeniu oznacza „pasjonat dolarów”.
Logo Chupa Chups zostało narysowane przez Salvadora Dali. W nieco zmodyfikowanej formie przetrwał do dziś.
Prawie każde dzieło Dalego zawiera jego portret lub sylwetkę.
Henryk Matisse
Kwiaty kwitną wszędzie i każdy, kto chce je zobaczyć.
W 1961 roku obraz Henriego Matisse’a „Łódź” (Le Bateau), wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej, wisiał do góry nogami przez czterdzieści siedem dni. Obraz wisiał w galerii 17 października i dopiero 3 grudnia ktoś zauważył pomyłkę.
Henri Matisse cierpiał na depresję i bezsenność, czasami płakał przez sen i budził się z krzykiem. Któregoś dnia bez powodu nagle przestraszył się, że oślepnie. Nauczył się nawet grać na skrzypcach, żeby po utracie wzroku móc zarabiać na życie jako muzyk uliczny.
Przez wiele lat Matisse żył w biedzie. Miał około czterdziestu lat, kiedy w końcu był w stanie samodzielnie utrzymać rodzinę.
Henri Matisse nigdy nie malował skał, domów z przezroczystego kryształu, pól uprawnych.
W ciągu ostatnich 10 lat życia zdiagnozowano u niego raka dwunastnicy i musiał poruszać się na wózku inwalidzkim.
Edvard Munch
W swojej sztuce próbowałam sobie wytłumaczyć życie i jego sens, ale także pomagałam innym w wyjaśnianiu ich życia.
Munch miał zaledwie pięć lat, gdy jego matka zmarła na gruźlicę, a potem stracił starszą siostrę. Od tego czasu motyw śmierci pojawiał się w jego twórczości nie raz, a droga życiowa artysty od pierwszych kroków deklarowała się jako życiowy dramat.
Jego obraz „Krzyk” jest najdroższym dziełem sztuki sprzedanym na aukcji publicznej.
Miał obsesję na punkcie pracy i sam tak mówił: „Pisanie to dla mnie choroba i odurzenie. Choroba, której nie chcę się pozbyć, i upojenie, w którym chcę pozostać.”
Paul Gauguin
Sztuka jest abstrakcją, wydobądź ją z natury, fantazjuj na jej podstawie i myśl bardziej o procesie tworzenia niż o rezultacie.
Artysta urodził się w Paryżu, ale dzieciństwo spędził w Peru. Stąd jego miłość do krajów egzotycznych i tropikalnych.
Gauguin łatwo zmieniał techniki i materiały. Interesował się także rzeźbą w drewnie. Często doświadczając trudności finansowych, nie mógł kupić farb. Potem wziął nóż i drewno. Ozdobił drzwi swojego domu na Markizach rzeźbionymi panelami.
Paul Gauguin pracował jako robotnik na Kanale Panamskim.
Artysta malował martwe natury głównie bez uciekania się do modela.
W 1889 r., po dokładnym przestudiowaniu Biblii, namalował cztery płótna, na których przedstawił siebie na obraz Chrystusa.
Częste i rozwiązłe relacje z dziewczynami doprowadziły do tego, że Gauguin zachorował na kiłę.
Renoira Pierre’a Augusta
W wieku czterdziestu lat odkryłem, że królem wszystkich kolorów jest czarny.
Około 1880 roku Renoir po raz pierwszy złamał prawą rękę. Zamiast się zmartwić i użalać nad tym, bierze pędzel lewą ręką i po chwili nikt już nie wątpi, że obiema rękami będzie mógł malować arcydzieła.
W ciągu 60 lat udało mu się namalować około 6000 obrazów.
Renoir był tak zakochany w malarstwie, że nie przestawał pracować nawet w starszym wieku, cierpiąc na różne formy zapalenia stawów, i malował pędzlem przywiązanym do rękawa. Któregoś dnia jego bliski przyjaciel Matisse zapytał: „Auguste, dlaczego nie rzucisz malowania, tak bardzo cierpisz?” Renoir ograniczył się do odpowiedzi: „La douleur passe, la beauté reste” (Ból mija, ale piękno pozostaje).
Jest taka strona w sztuce, o której zwykle się nie dyskutuje. Od morderstw jubilerów po ojcobójstwa, od seksu z nastolatkami po zdobywanie skradzionych towarów – historia sztuki jest pełna zbrodni i wykroczeń. Porozmawiamy o znanych artystach - przestępcach.Zacznę od Caravaggia. Po prostu nie da się stworzyć TOPu bez rozpoczęcia od Michelangelo Merisi, zwanego Caravaggio.
Był Mistrzem, supermistrzem, był geniuszem. Malował w surowym, wręcz kinowym realizmie, patrząc na jego płótna widz trafia na ulice Rzymu z początku XVII wieku.
A na tych skromnych, zubożałych ulicach Caravaggio był niebezpiecznym człowiekiem. Agresywny i wściekły, nie rozstając się z mieczem, ciągle wpadał w kłopoty - cios kelnera, oszczerstwa rywali. W końcu, co było nieuniknione, w bójce na placu zabił człowieka i zmuszony był uciekać do Rzymu. Podczas podróży malował dzieła pełne poczucia winy, m.in. autoportret z odciętą głową Goliata. Spójrz mu w oczy: jest w nich rozpacz i świadomość winy. Zawierają tragedię morderstwa.
Ale reputacja Caravaggia jako przestępcy może nie być taka zła. W każdym razie nie był on tym, co obecnie nazywa się recydywistą.)) Bójki uliczne nie były wówczas rzadkością, a skrucha, którą wywołał, jest dziełem wielkiego artysty.
2. Benvenuto Cellini
Ale nie Benvenuto Cellini, który w XVI wieku wielokrotnie zabijał bez wyrzutów sumienia i bez kary.
Dźgnął zabójcę swojego brata. Zabił także rywala jubilera i opisał te zbrodnie w swojej autobiografii. Uciekł oczywiście w obawie przed zemstą, ale chronił go podziw społeczeństwa dla jego talentu. W tamtych czasach geniusze mogli uciec z miejsca zbrodni.
3. Banksy'ego
Graffiti jest z definicji niezgodne z prawem, a Banksy w Wielkiej Brytanii zrobił błyskotliwą karierę w miejscach całkowicie niedostępnych. Częścią jego sukcesu jest fenomenalna umiejętność unikania aresztowania i słynna anonimowość. Jego dzieła, niegdyś zmyte i zamalowane przez wściekłych funkcjonariuszy policji i pracowników, są obecnie postrzegane jako cenne skarby, które zostaną zachowane dla potomności.
4. Egona Schiele
W 1912 roku ten niebezpiecznie erotyczny austriacki artysta został aresztowany za rzekomy seks z nastolatką. A prawdziwym motywem aresztowania był horror małego mieszczańskiego miasteczka, które widziało prace mistrza, gdzie modelki leżały w bieliźnie.
5. Picasso
Kradzież stulecia - Mona Lisa zostaje skradziona z Luwru, a w sprawę zamieszany jest Picasso. Podejrzewa się o udział w nim on i Apollinaire'a, ponieważ w 1907 roku Picasso za pośrednictwem Apollinaire'a nabył od poszukiwacza przygód dwie figurki iberyjskie skradzione z Luwru. Przerażony perspektywą więzienia i deportacji z kraju (oboje nie mają obywatelstwa francuskiego).
Przyjaciele zwracają figurki za pośrednictwem gazety, przechodzą przez aresztowanie Apollinaire'a i przesłuchanie Picassa, ale ostatecznie zostaje im usunięte podejrzenie o udział w kradzieży Mony Lisy i wypuszczeni z cenzurą. Picasso jednak od jakiegoś czasu wciąż cierpi na lekką paranoję – wyobraża sobie, że jest nieustannie obserwowany przez policję.
6. Fra Filippo Lippi
Karmelitański mnich i geniusz renesansu Filippo Lippi uwiódł młodą zakonnicę Lukrecję Buti. Mieli syna i córkę. W XV wieku cała Florencja była zszokowana tym skandalicznym zachowaniem artysty, który naruszył prawa kościelne. Ale to nie jest takie proste. Lippi był ulubionym artystą Cosimo de' Medici, najpotężniejszego człowieka w mieście, przez co nigdy nie został postawiony przed sądem, a jego nieślubny syn Filippino wyrósł na wielkiego artystę.
7. Oliwkowy Wharry
Ta brytyjska artystka z początku XX wieku została osadzona w więzieniu po podpaleniu i spaleniu herbaciarni w Kew Gardens. Wharry była sufrażystką i jest pamiętana bardziej ze względu na swoje przestępcze zachowanie niż ze względu na sztukę. Delikatne akwarele zaskakująco kontrastują z jej czynami: podpaleniami i strajkami głodowymi – artystka ma na swoim koncie wiele.
8. Shepard Fairey
Najsłynniejszy współczesny amerykański artysta Street i twórca plakatu „Nadzieja”, który pomógł w wyborze Obamy. Fairey wykonała go w 2008 roku podczas kampanii Obamy.
Plakat nie tylko gloryfikował swojego twórcę, ale także wpłynął na nastroje wyborców. Motywy „nadziei” wykorzystano przy tworzeniu plakatów politycznych po wyborach. Wszystko w porządku, ale Fairey miał starcia z policją, która nie chciała postrzegać jego sztuki jako... No cóż, jako sztuki.
Zamiast tego pociągnęli artystę do odpowiedzialności za szkody w mieniu, a sąd nałożył karę w zawieszeniu. Ale generalnie starał się stworzyć wizerunek bohatera partyzanckiego: artysty ulicznego, który w pojedynkę walczy z potężnymi korporacjami.
9. Carlo Crivelli
Ten XV-wieczny artysta słynął z ołtarzy, delikatnych postaci świętych kobiet i wizerunków owoców. Jego sztuka wydaje się bardziej światowa niż boska. Tak naprawdę jedynym powodem, dla którego Crivelli pojawiał się we wszystkich tych małych miasteczkach, zdobiąc ołtarze katedr, był fakt, że w Wenecji był persona non grata oskarżony o przestępstwa na tle seksualnym: cudzołóstwo i uwodzenie żony innego mężczyzny.
10. Ryszard Tatuś
I na koniec najstraszniejsza zbrodnia. (pisałem o nim kiedyś).
Ojcobójstwo. Znakomicie utalentowana młoda wiktoriańska artystka zostaje tragicznie dotknięta chorobą psychiczną. Został zbadany przez psychiatrę, jednak ojciec nie uwierzył w postawioną diagnozę, co można uznać za los, gdyż ojciec miał wiele powodów, aby wezwać lekarza i zaufać jego wnioskom.
Po pierwsze dziwne, bardzo dziwne zachowanie syna. Warto przechowywać 300 jaj w pokoju! Po drugie, dziedziczność, o której mój ojciec wiedział bardzo dobrze. Richard Dadd resztę życia spędził w więzieniach i szpitalach psychiatrycznych, gdzie malował fantastyczne, baśniowe sceny o niezwykłej intensywności. Zmarł w Broadmoor.
Taki właśnie był, geniusz z Bedlam.
Są młodzi, obiecujący, niesamowicie utalentowani i po prostu zachwyceni swoją pracą. Ich rodzicom nawet nie marzyło się, że ich dzieci w tak młodym wieku staną się prawdziwymi gwiazdami. Kim są, najmłodsi i najciekawsi artyści świata?
Kierona Williamsona. Anglia
Ten chłopiec nazywany jest „małym Monetem”, jego obrazy po wystawach są natychmiast wyprzedawane i z roku na rok stają się coraz droższe; Połowę życia poświęcił rysowaniu, a jego rodzice mieszkali w wynajętym mieszkaniu, dopóki nie kupili domu za dochody z obrazów Kierona.Kieron Williamson urodził się w Anglii, w małym miasteczku Norfolk. Jego ojciec jest budowniczym, matka jest lekarzem rodzinnym. Rodzice nie mogli sobie nawet wyobrazić, że ich syn będzie rysował. Kieron, jak wszyscy chłopcy, kochał piłkę nożną, aktywny wypoczynek i gry z przyjaciółmi. Jedyne, co potrafił rysować, to kolorowe szkice, i to niezbyt starannie. Ale jak zawsze wszystko było dziełem przypadku.
Pewnego dnia rodzina wybrała się na wakacje do Kornwalii. Kieron był absolutnie zachwycony łodziami i żaglówkami zacumowanymi do brzegu. Namalował to piękno. Od tego dnia rozpoczęła się jego kariera artystyczna.
Po powrocie do domu nie przestawał pisać. Wręcz przeciwnie, brałem udział w kursach malarstwa akwarelowego i odwiedzałem pracownię. W tym samym roku otworzył swoją pierwszą wystawę. Jego obrazy wyprzedały się w 14 minut.
Właściciel galerii sztuki w Norfolk twierdzi, że Kieron nie ma sobie równych w umiejętnościach, ponieważ równie dobrze maluje różnymi kolorami i niesamowicie łączy kolory. Jego obrazy zachowują proporcje i cienie. Styl pisania Kierona przypomina impresjonizm.
Przepowiadają wspaniałą przyszłość dla Kirona, ponieważ jego obrazy gromadzą kolekcjonerzy w wielu krajach na całym świecie, wierząc, że w najbliższej przyszłości będą kosztować znacznie więcej.
Dusan Krtolica. Serbia
W wieku dwóch lat wziął do ręki ołówek, a w wieku ośmiu lat miał już dwie wystawy; nazywany jest „chłopcem łzawiących oczu” ze względu na niesamowitą dokładność wszystkich szczegółów jego prac.
Dusan Krtolica stał się prawdziwą dumą Serbii, choć uważa się za zwykłego chłopca. Pierwszą pracą Dusana był dokładnie narysowany wieloryb, choć jego rodzice nie przywiązywali żadnej wagi do rysunku chłopca. Ale z każdym dniem dziecko prosiło o coraz więcej papieru do pracy.
Dziś Dusan maluje około 500 prac tygodniowo. Jego pasją jest przedstawianie świata zwierząt i roślin. Ale zaskakujące jest nie tylko to, że chłopiec wykonuje niezrównane rysunki za pomocą prostego długopisu lub markera, ale wszystkie jego zwierzęta są przedstawiane z niesamowitą dokładnością anatomiczną. Ale Dusan przedstawia nie tylko współczesne zwierzęta, ale także przedstawicieli fauny, która zamieszkiwała Ziemię miliony lat temu.
Rodzice zaniepokojeni pasją syna zabrali go do psychiatry. Ale specjalista zauważył wysoki poziom inteligencji chłopca i zapewnił go: „geniusz” dziecka w żaden sposób nie wpływa na jego rozwój, a rysowanie działa jako swego rodzaju uwolnienie emocjonalne. Dusan dobrze dogaduje się z kolegami z klasy, uwielbia wszelkie chłopięce zabawy i, co zaskakujące, marzy o zostaniu nie artystą, ale zoologiem.
Aelita Andre. Australia
Ta dziewczynka kończy dziś osiem lat. W wieku czterech lat miała już własne wystawy, obecnie jest członkiem Krajowego Stowarzyszenia Artystów Australii, a sprzedaż jej obrazów sięga 800 tysięcy dolarów.
Aelita Andre zaczęła rysować, gdy nie miała jeszcze roku. Jak zawsze wszystko potoczyło się przez przypadek. Ojciec dziewczynki jest także artystą. Któregoś dnia zostawił na podłodze płótno z farbami i odkrył, że jego córeczka szczęśliwie maluje. Oczywiście był tylko szczęśliwy – dla dziecka wszystko, pod warunkiem, że nie płakał.
Ale od tego dnia zaczęła się miłość Aelity do rysowania. W wieku dwóch lat miała już własną wystawę.
W pracach dziewcząt obserwują surrealistyczny styl malarski, a ich styl rysowania porównywany jest do techniki Salvadora Dali.
Oczywiście wielu widzi w pracach dziewczynki jedynie „dziecięce bazgroły”. Ale krytycy mówią po prostu, że jej obrazy nie wyglądają jak rysunki dzieci. Podziwiają połączenie kolorów, własny styl, fakturę i kompozycję.
Xing Yao Cen. Tajwan, USA
Zaczął rysować w wieku 10 lat. Przeniósł się z rodzinnego kraju do USA, aby studiować na Akademii Sztuk Pięknych w San Francisco. Jego krajobrazy są po prostu hipnotyzujące, a nauczyciele przepowiadają mu wspaniałą przyszłość.
Xing Yao po prostu zakochał się w San Francisco. Wielokrotnie rysuje te same miejsca, tylko pod różnymi kątami. Szczególnie lubi malować wczesnym rankiem lub wieczorem, gdy jest niewielu przechodniów.
Jego panoramy miast są po prostu niesamowite.
Xing Yao posiada niesamowitą technikę „pływającego” malarstwa olejnego. Można odnieść wrażenie, że maluje akwarelami.
Teraz ma 29 lat i z każdą pracą jego technika staje się coraz doskonalsza. Kto wie, jakie umiejętności Xing Yao osiągnie za, powiedzmy, dziesięć lat?
Shorio Mahano. Indie
Emu nie ma jeszcze dziesięciu lat, a jego prace prezentowane są na wystawach w rodzinnych Indiach i Nowym Jorku. Obrazy Shorio Mahano zachwyciły krytyków.
Shorio Mahano tworzy w stylu abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Jego pasja do rysowania rozpoczęła się w wieku czterech lat, kiedy naśladował hobby swoich starszych sióstr. Ale rodzice od razu zdali sobie sprawę, że to nie tylko rysunki dzieci, ale coś więcej.
Zostało to potwierdzone na wystawie sztuki, na której wykonano prace.
Shorio wykorzystuje specjalną technikę nakładania farby w kilku warstwach. Wykonanie jednego zadania zajmuje mu kilka dni.
Shorio jest zachwycony swoim zajęciem i bez wahania odpowiada na pytanie, kim chce zostać – oczywiście artystą!
Alicja Zaharko. Ukraina
Ta dziewczynka nie ma jeszcze trzech lat, ale już jest wpisana do Księgi Rekordów Ukrainy jako najmłodsza artystka, która ma własną wystawę.Alicia Zakharko urodziła się i mieszka w Tarnopolu. Zaczęła rysować, gdy nie mogła nawet chodzić. Jej rodzice są zawodowymi artystami. Dali dziewczynie płótno i farby, gdy miała 9 miesięcy. Wspominając, jak dziewczynka malowała po raz pierwszy, matka uśmiecha się, ponieważ jej córka w całości mieści się na płótnie.
Rodzice sugerowali, aby dziecko rysowało wyłącznie dla ogólnego rozwoju. Nie mieli pojęcia, że pasja ich córki już wkrótce uczyni z nich lokalnych celebrytów.
Któregoś dnia obraz Alicii zobaczył miejscowy, profesjonalny artysta. Uznał je za ciekawe i godne uwagi. Kiedy usłyszał, że namalowała go dwuletnia dziewczynka, pomyślał, że żartują, bo obraz został wykonany poprawnie kompozycyjnie, a kolory zostały połączone po prostu fantastycznie.
Co jest takiego interesującego w obrazach Alicii? Styl jej twórczości określany jest mianem ekspresjonizmu abstrakcyjnego, a technikę jej twórczości porównywano do twórczości Jacksona Pollocka.
Łączy jasne kolory, a ta kombinacja nie jest typowa dla rysunków dzieci.
Alicia mówi, że bardzo lubi rysować morze, drzewa i ludzi. Tylko morze na jej obrazach eksploduje różnymi kolorami. Co więc oznacza, że artysta tak go widział?
Rodzice dają dziewczynie całkowitą swobodę twórczą. Nie uczą jej rysować, żeby nie „przestraszyć” jej talentu. Matka Alicji twierdzi, że córka sama zdecyduje, czy otrzyma wykształcenie artystyczne. Dla rodziców najważniejsze jest to, żeby ich dziecko było szczęśliwe. I sądząc po nastroju pracy, jest bardzo szczęśliwa.
Wszystkie te dzieci zaczęły rysować samodzielnie, rodzice nie pomagali im ani nie zmuszali do rozwijania swoich umiejętności. Kto wie, może Twoje dziecko ma drzemiący talent, wystarczy tylko wykorzystać moment, aby go odkryć.
