Henryk MatisseHenri Matisse (1869–1954), wybitny artysta francuski. Urodzony 31 grudnia 1869 w Le Cateau w północnej Francji. W 1892 przybył do Paryża, gdzie studiował w Akademii Julianskiej, a później u Gustave’a Moreau. Poszukiwanie bezpośredniego przekazu wrażeń za pomocą intensywnego koloru, uproszczonego rysunku i płaskich obrazów znalazło odzwierciedlenie w pracach, które prezentował na wystawie „dzikości” (Fauve) w Salonie Jesiennym w 1905 roku. Wystawia szereg prac, które wywołały skandaliczną sensację i zapoczątkowały fowizm. W tym czasie Matisse odkrył rzeźbę ludów Afryki, zaczął ją kolekcjonować i zainteresował się klasycznymi drzeworytami japońskimi i arabską sztuką zdobniczą. Do 1906 roku ukończył prace nad kompozycją „Radość życia”, której fabuła inspirowana była wierszem „Popołudnie fauna” S. Mallarmégo: fabuła łączy w sobie motywy pasterskie i bachanaliowe. Pojawiły się pierwsze litografie, drzeworyty i ceramika. Grafiki Matisse'a łączą arabeskę z subtelnym oddaniem zmysłowego uroku natury. W 1907 roku Matisse podróżuje po Włoszech (Wenecja, Padwa, Florencja, Siena). W „Notatkach malarza” (1908) formułuje swoje zasady artystyczne i mówi o potrzebie „emocji prostymi środkami”. W warsztacie Henriego Matisse'a pojawiają się studenci z różnych krajów.
„Autoportret” 1918, Muzeum Matisse'a, Le Cate-Cambrai, FrancjaW 1908 roku S.I. Szczekin zamówił dla artysty trzy panele dekoracyjne do własnego domu w Moskwie. Panel „Taniec” (1910, Ermitaż) przedstawia ekstatyczny taniec inspirowany wrażeniami z rosyjskich pór roku S. Diagilewa, występami Isadory Duncan i greckim malarstwem wazowym. W Muzyce Matisse przedstawia pojedyncze postacie śpiewające i grające na różnych instrumentach. Trzeci panel – „Kąpiel, czyli medytacja” – pozostał jedynie w szkicach. Wystawione na Salonie Paryskim przed wysłaniem do Rosji kompozycje Matisse'a wywołały skandal szokującą nagością bohaterów i nieoczekiwanością interpretacji obrazów. W związku z instalacją panelu Matisse odwiedził Moskwę, udzielił kilku wywiadów dla gazet i wyraził swój podziw dla starożytnego malarstwa rosyjskiego. W obrazie „Czerwone ryby” (1911, Muzeum Sztuk Pięknych w Moskwie), wykorzystując techniki perspektywy eliptycznej i odwróconej, apel tonów oraz kontrast zieleni i czerwieni, Matisse tworzy efekt krążącej w szklance ryby naczynie. W miesiącach zimowych 1911–1913 artysta odwiedził Tanger (Maroko), stworzył marokański tryptyk „Widok z okna w Tangerze”, „Zora na tarasie” i „Wejście do Kasby” (1912, tamże), nabyty przez I. A. Morozowa. Efekty błękitnych cieni i oślepiających promieni słońca są mistrzowsko oddane.
„Naczynia i owoce” 1901 Ermitaż
John McLaughlin – „Pawie” („Obietnica”)
„Kobieta w kapeluszu” (Portret żony) 1904 - Prezentowana na Salonie 1905.
„Martwa natura z wazonem, butelką i owocami” 1903-1906 Ermitaż
„Plac w Saint-Tropez” 1904 Muzeum Sztuki w Kopenhadze
„Okno” 1916 Instytut Sztuki, Detroit
„Podniesione kolano” 1922, zbiory prywatne
Po pierwszej wojnie światowej Matisse mieszkał głównie w Nicei. W 1920 wykonał szkice scenografii i kostiumów do baletu I. Strawińskiego „Słowik” (choreografia L. Massine, inscenizacja S. Diagilewa). Pod wpływem malarstwa O. Renoira, którego Matisse poznał w Nicei, zainteresował się przedstawianiem modelek w jasnych strojach (cykl „odaliskowy”); zainteresowany mistrzami rokoko. W 1930 roku udał się na Tahiti, pracując nad dwiema wersjami paneli dekoracyjnych dla Fundacji Barnesa w Merion (Filadelfia), które miały zostać umieszczone nad wysokimi oknami głównej sali wystawowej. Tematem panelu jest taniec. Osiem postaci przedstawiono na tle składającym się z różowych i niebieskich pasków, przy czym same postacie mają szarawo-różowy odcień. Rozwiązanie kompozycyjne jest celowo płaskie i dekoracyjne.
W procesie tworzenia szkiców Matisse zaczął stosować technikę wycinanek z kolorowego papieru („decoupage”), którą później szeroko stosował (np. W serii „Jazz”, 1944–47, później reprodukowanej w litografiach). Przed II wojną światową Matisse ilustrował książki produkowane w małych nakładach (ryciarstwo lub litografia). Do spektakli Diagilewa wykonuje szkice scenografii baletu „Czerwone i Czarne” do muzyki D. Szostakowicza. Zajmuje się szeroko i owocnie sztukami plastycznymi, kontynuując tradycje A. Bariego, O. Rodina, E. Degasa i A. E. Bourdelle'a. Jego styl malarski jest zauważalnie uproszczony; coraz wyraźniej ujawnia się rysunek jako podstawa kompozycji („Bluzka rumuńska”, 1940, Centrum Sztuki Współczesnej J. Pompidou). W latach 1948-53 na zlecenie Zakonu Dominikanów pracował przy budowie i dekoracji „Kaplicy Różańcowej” w Vence. Nad ceramicznym dachem unosi się ażurowy krzyż przedstawiający niebo z chmurami; nad wejściem do kaplicy znajduje się ceramiczna tablica przedstawiająca św. Dominika i Najświętszej Maryi Panny. We wnętrzu umieszczono inne panele, wykonane według szkiców mistrza; artysta niezwykle skąpi detali, niespokojne czarne linie dramatycznie opowiadają historię Sądu Ostatecznego (zachodnia ściana kaplicy); obok ołtarza znajduje się wizerunek samego Dominika. To ostatnie dzieło Matisse’a, do którego przywiązywał wielką wagę, jest syntezą wielu jego wcześniejszych poszukiwań. Matisse pracował w różnych gatunkach i rodzajach sztuki oraz stosował różnorodne techniki. W plastyce, podobnie jak w grafice, preferował pracę seryjną (np. cztery wersje płaskorzeźby „Stojąca tyłem do widza”, 1930-40, Centrum Sztuki Współczesnej J. Pompidou, Paryż).
Świat Matisse'a to świat tańców i pastorałek, muzyki i instrumentów muzycznych, pięknych wazonów, soczystych owoców i roślin szklarniowych, różnorodnych naczyń, dywanów i kolorowych tkanin, figurek z brązu i niekończących się widoków z okna (ulubiony motyw artysty). Jego styl wyróżnia się elastycznością linii, czasem przerywanych, czasem zaokrąglonych, przekazujących różnorodne sylwetki i kontury („Tematy i wariacje”, 1941, węgiel, pióro), wyraźnie rytmizując jego ściśle przemyślane, w większości zrównoważone kompozycje.
Lakonizm wyrafinowanych środków artystycznych, harmonie kolorystyczne, łączące albo jasne kontrastujące harmonie, albo równowagę lokalnych dużych plam i mas kolorów, służą głównemu celowi artysty - przekazywaniu przyjemności ze zmysłowego piękna form zewnętrznych.
Ponadto na Matisse'a duży wpływ miały dzieła sztuki islamu prezentowane na wystawie w Monachium. Dwie zimy spędzone przez artystę w Maroku (1912 i 1913) wzbogaciły go o znajomość motywów orientalnych, a długie życie na Riwierze przyczyniło się do opracowania jasnej palety. W odróżnieniu od współczesnego kubizmu twórczość Matisse’a nie miała charakteru spekulatywnego, lecz opierała się na skrupulatnym studiowaniu natury i praw malarstwa. Jego obrazy przedstawiające postacie kobiece, martwe natury i pejzaże mogą wydawać się skromne tematycznie, ale są efektem długich studiów nad formami naturalnymi i ich odważnym upraszczaniem. Matisseowi udało się harmonijnie wyrazić bezpośrednie emocjonalne odczucie rzeczywistości w najbardziej rygorystycznej formie artystycznej. Doskonały rysownik, Matisse był przede wszystkim kolorystą, uzyskując efekt skoordynowanego brzmienia w kompozycji wielu intensywnych barw. Matisse zmarł 3 listopada 1954 roku w Cimiez koło Nicei.Wczesne martwe natury Matisse’a
„Martwa natura” 1890
„Kobieta czytająca” 1894
„Studio Gustave’a Moreau” 1895
„Pokojówka” 1896
„Niebieski garnek i cytryna” 1897. Olej na płótnie. Pustelnia
„Stół obiadowy” 1897
„Owoce i dzbanek do kawy” 1899 Ermitaż
"Autoportret"
„Martwa natura z pomarańczami 1899„Warsztat na poddaszu” 1903. Olej na płótnie. Muzeum Fitzwilliama w Cambridge, Wielka Brytania
„Szczęście istnienia (radość życia)” 1905-06 Fundacja Barnesa, Lincoln University, Merion, Pensylwania
„Żeglarz” 1906
Niezwykłe portrety Matisse’a
„Autoportret” 1900 Centa. George’a Pompidou
„August Pellerin” (II) 1916
„Greta Mall” 1908, Galeria Narodowa, Londyn
„Autoportret w pasiastej koszuli” 1906 Państwowe Muzeum w Kopenhadze
„Portret żony artysty” 1912-13 Ermitaż
„Włoski” 1916
„Aicha i Lorette” 1917„Białe Pióro” 1919
„Portret Sary Stein” 1916W 1914 roku najlepsze dzieła Matisse’a, należące do Michaela i Sarah Stein, zaginęły w Niemczech podczas udziału w wystawie w Berlinie na krótko przed wybuchem I wojny światowej. Dwa lata później Matisse stworzył pary portretów Michaela i Sarah Stein, swoich najbardziej oddanych wczesnych kolekcjonerów, aby zrekompensować dzieła utracone w Berlinie.
„Portret Michaela Steina” 1916
„Podwieczorek w ogrodzie” 1919
„Lorette z filiżanką kawy” 1917
„Postać na tle ornamentu” 1925-26. Centrum Pompidou w Paryżu
„Laurette w białym turbanie” 1916 Ch.k
„Balerina, harmonia w zieleni” 1927. Ch.k„Greta Prozor” 1916
Andre Derain „Portret Henriego Matisse’a” 1905„Portret Andre Deraina” 1905. Olej na płótnie, Tate Gallery, Londyn, Wielka Brytania
„Pani Matisse” z 1907 r
„Sen” 1935
Więcej martwych natur autorstwa Matisse'a
„Niebieski obrus” 1909
„Grecki tors z kwiatami” 1919
„Wazon z pomarańczami” 1916. Ch.k.
„Martwa natura z lustrem”„Wnętrze ze skrzypcami” 1917-18 Muzeum Państwowe w Kopenhadze
I znowu portrety
„Kobieta w kapeluszu z kwiatami” 1919„Balerina” 1927 Ze zbiorów Otto Krebsa, Holzdorf. Teraz w Ermitażu
„Dziewczyna w niebieskiej bluzce” (Portret Lidii Delectorskiej, asystentki artysty). Ermitaż z 1939 r
„Dziewczyna w różu” 1942
„Dziewczyna w zieleni z goździkiem” 1909. Ermitaż
„Portret Małgorzaty” 1906-1907
„Dziewczyna o zielonych oczach” 1908
„Trzy siostry” 1916
„Lekcja muzyki” 1917 Fundacja Barnesa, Uniwersytet Lincoln
„Laurette w czerwonej sukience” 1917„Yvonne Landsberg” 1914. Akwaforta Muzeum Sztuki w Filadelfii
„Lorette w zielonej sukience, na czarnym tle” 1916
Motywy orientalne w obrazach Matisse’a
„Harmonia w odcieniach czerwieni” 1908. X, M. Hermitage
„Mieszkaniec Tsory na tarasie” 1912 Muzeum Puszkina im. A.S. Puszkin
„Pokój mauretański” 1923„Odaliska w czerwonych spodniach” 1917
„Marabut” 1912
„Ogród Marokański” 1912
„Marokański w Grecji” 1912-13. Pustelnia
„Maurczynka z podniesionymi rękami” 1923
„Odaliska z magnolią” 1924„Rozmowa” 1909
„Odaliska z tamburynem” 1926
„Akt na niebieskiej poduszce” 1924 Ch.k.
„Azja” 1946
„Niebieski akt z włosami na wietrze” 1952
„Akt niebieski. Wspomnienia Biskry” 1907
Obraz ten powstał po wizycie w Algierii. W niezrozumiałym wykonaniu, brutalnej konfiguracji i pokrętnej pozie obraz ten jest jednym z kluczowych dzieł w jego karierze i w ogóle w sztuce zachodniej.
„Kobieta z parasolką” 1905
„Dwie dziewczyny” 1941
„Zarys Notre-Dame nocą” 1902
„Luksus, spokój i przyjemność” 1904 Centrum Georges Pompidou, Paryż
Rysunki Matisse’a
„Portret kobiety” 1945
„Portret Ilyi Erenburga”
„Portret kobiety z rozwianymi włosami”
„Kobieta z profilu”Henryk Matisse
Oryginalny post i komentarze pod adresem
), które stały się nierozerwalnie związane ze sztuką współczesną, ale żadna nie jest tak ściśle związana z cielesną przyjemnością koloru jak Henryk Matisse(1869-1954). Przyjaciel i przyjacielski rywal Picassa, temperamentem był przeciwieństwem hiszpańskiego artysty. Podczas gdy obrazy i rzeźby Picassa charakteryzowały się kątami i szokującą nowością (przynajmniej w okresie kubizmu), prace Matisse'a charakteryzowały się obecnością krętych krzywizn zakorzenionych w tradycyjnej sztuce pięknej. Z wykształcenia prawnik, Matisse zajmował się malarstwem, pracując jako urzędnik, aż w końcu został pełnoetatowym artystą. W swojej karierze stworzył jedne z największych arcydzieł XX wieku. Należą do nich rzeźba i ceramika, ale w świadomości większości ludzi Matisse zawsze będzie kojarzony z jego obrazami. Chociaż jego zmiany stylistyczne nie były tak wyraźne jak u Picassa, jego sztuka przeszła znaczącą ewolucję w miarę rozwoju. Robiąc to, zawsze skupiał się na kuszącej rozrywce za pomocą pigmentów i odcieni. „Z zasady nie jestem rewolucjonistą” – powiedział kiedyś. „Marzę o sztuce równowagi, czystości i spokoju, pozbawionej niepokojących i przygnębiających obiektów... Pocieszanie, uspokajanie umysłu, coś w rodzaju dobrego krzesła.” Chociaż takie uczucia wydają się sprzeczne z intuicją Sturm und Drang modernizmu, Matisse był na swój sposób radykalny, co pokazuje dziesięć żywych obrazów Matisse’a.
1. „Zielony pasek” („Madame Matisse”), 1905
Jako młody człowiek Matisse studiował u malarza-symbolisty Odilona Redona, ale zwracał także szczególną uwagę na twórczość impresjonistów i postimpresjonistów. Początkowo posługiwał się techniką pointylistów Georges’a Seurata i Paula Signaca, a nawet zapoznał się z tym ostatnim. Jednak z biegiem czasu Matisse przeszedł od kresek i kropek do szerszych płaszczyzn koloru, które porzuciły wszelkie pozory realizmu. Matisse używał koloru dla samego koloru, stając się wraz z nim liderem fowizmu Andre Deraina. Fowizm, być może pierwszy prawdziwy ruch awangardowy XX wieku, oburzył ówczesnych krytyków pozornie przypadkowymi zastosowaniami czystego koloru. To zdjęcie żony Matisse’a jest tego wyraźnym przykładem. Zamienia jej twarz w maskę podzieloną pośrodku zielonym paskiem, abstrahując jej rysy i ścianę za nią w chromatyczną łamigłówkę.
2. „Młody marynarz” II, 1906
Innym przykładem fowistycznej twórczości Matisse'a jest studium 18-letniego rybaka, mniej prowokacyjne niż wykonany rok wcześniej portret jego żony. Ale jego styl jest nie mniej uderzający, a jego faliste kontury wyprzedzają bardziej znajomy styl artysty.
To jedno z pierwszych dzieł Matisse’a, w którym można go od razu rozpoznać. W nim jego pędzel staje się bardziej płaski, swobodniejszy i gładszy. Taniec (I), pierwotnie zamówiony przez rosyjskiego przemysłowca Siergieja Szczekina dla jego luksusowego domu w Moskwie, jest jednym z najbardziej znanych i popularnych dzieł artysty.
To płótno, stworzone w wiejskim domu Matisse'a, przedstawia artystę i jego żonę rozmawiających w pokoju z widokiem na ogród. Pokój może być zbyt intensywnym tłem obrazu – bogatym lazurowym polem obejmującym dwa tematy, które nie ukazuje wnętrza; wręcz przeciwnie, jest pokryty wieloma pociągnięciami pędzla. Jednak dominujące użycie koloru niebieskiego wywołuje emocjonalne wnikanie w scenę z dystansu, co pozwala przypuszczać, że ich rozmowa jest napięta lub przynajmniej pozbawiona intymności. Matisse daje kolejną wskazówkę w mowie ciała: przedstawia siebie stojącego na baczność, podczas gdy jego żona siedzi. Ona ubrana jest w miejskie ciuchy, on w pasiastą piżamę (strój wybierany nie tylko do spania, ale także do pracy w studiu). Częściowo zasłonięty dekoracyjnym okuciem, widok na podwórko rozciąga się między nimi niczym zawieszony obraz. Czy to oznacza lepsze czasy w przeszłości lub przyszłości? Matisse pozostawia odpowiedź niejednoznaczną, chociaż nie ma wątpliwości co do napięcia między nimi.
5. „Czerwona Pracownia”, 1911
Namalowane w Issy-les-Moulineaux pod Paryżem Red Studio to miniretrospektywa twórczości artysty, z obrazami, rzeźbą, a nawet fragmentem ceramiki zawieszonym lub rozrzuconym po jego pracowni. Na przykład „Młody Żeglarz” II jest niewątpliwie rozpoznawalny, zajmując niewielką przestrzeń na ścianie w prawym górnym sektorze kompozycji. Znajduje się tuż nad zegarem dziadkowym bez wskazówek, co jakby miało sugerować, że czas zatrzymuje się, gdy artysta pracuje. Podczas gdy obiekty w pomieszczeniu są bogate w szczegóły, meble mają upiorne kontury. Sam Matisse przyznał, że nie wiedział, dlaczego wybrał do kompozycji czerwień, choć jeden z wcześniejszych obrazów, Pokój czerwony (1908), także charakteryzował się przewagą karmazynu. Ale tutaj nieograniczona obecność koloru przesuwa płótno w kierunku monochromatycznego schematu, który wpływał na malarstwo abstrakcyjne przez następne 100 lat.
6. „Lekcja gry na fortepianie”, 1916 r
Obraz ten pochodzi z okresu, który częściowo zbiegł się z I wojną światową, kiedy Matisse stał się artystą bardziej odważnym i ciężkim. Porzucił swoje arabeskowe podpisy na rzecz ostrzejszych, kanciastych geometrii, obniżając tarczę kolorów na swojej palecie do ponurego spektrum szarości, czerni i brązów. Zamiast zwykłego gładkiego nakładania farby, zaczął często atakować płótno – czasem dłutem – wycinając, wycinając, nieustannie poprawiając i pozostawiając po sobie liczne ślady zmian. „Lekcja fortepianu” to jedno z najbardziej osobistych dzieł artysty z tego okresu, przedstawiające jego syna Pierre'a przy klawiaturze. To kompozycja o przestrzeni, ale i o czasie, gdyż raz po raz powtarza na fortepianie piramidalny kształt metronomu – w zielonym pasku przechodzącym przez skrzydło okna po lewej stronie, w dziwnych rysach twarzy chłopca. Umieszczona jest pomiędzy dwiema pracami ojca przedstawiającymi kobiety, solidną na wysokim krzesełku i małą rzeźbą zmysłowej, leżącej nago. Spokojna i pogodna Lekcja fortepianu jest alegorią przejścia od dzieciństwa do męskości.
7. „Różowy akt”, 1935
W latach dwudziestych Matisse zwrócił się w stronę bardziej naturalistycznego stylu, co było szczególnie widoczne w serii półnagich odalisków przedstawionych w dziwacznej scenerii przypominającej haremy z Bliskiego Wschodu lub Afryki Północnej. Jednak w latach trzydziestych XX wieku powrócił do malowania bardziej płaskich kształtów i kolorów, które były jeszcze bardziej uproszczone niż wcześniej – „Pink Nude” jest tego słynnym przykładem. Choć obraz jest stosunkowo niewielki – 25 x 36 cali – znajdujący się w pobliżu obiekt zajmuje niemal całą kompozycję, a jego faliste krzywizny grożą przepełnieniem ramy. Obraz ma leniwą, monumentalną wielkość, która przeczy jego skromnej skali. „Różowy akt” antycypuje późniejsze rysunki artysty i rzeczywiście kobieta, która była tu modelką, Lidia Delectorska, została jedną z jego asystentek, która później pomagała wątłemu i starszemu Mathisowi w tworzeniu tych dzieł.
8. „Bluzka rumuńska”, 1940 rok
Inspiracją dla „Rumuńskiej Bluzki” mogła być wizyta u Matisse’a starego przyjaciela i kolegi ze Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu, gdzie Matisse studiował jako artysta. Nazywał się Theodore Pallady i był rumuńskim artystą, z którym Matisse utrzymywał wieloletnią korespondencję. Matisse wykorzystywał wizerunek kobiety w chłopskiej bluzce już we wcześniejszych pracach, choć nie na pierwszym planie, jak tutaj. „Rumuńska bluzka” została namalowana w tym samym roku, w którym naziści przejęli władzę we Francji, a Matisse podobno stworzył obraz, aby poprawić sobie humor w jednym z najmroczniejszych momentów w jego kraju.
9. „Akt niebieski” II, 1952
W 1941 roku u Matisse'a zdiagnozowano raka brzucha i przeszedł operację, w wyniku której został przykuty do łóżka. Mógł także siedzieć na krześle, ale utrata mobilności oznaczała, że nie mógł już rysować. Jednak w ciągu ostatniej dekady swojego życia udało mu się stworzyć kilka ze swoich najbardziej znanych i popularnych dzieł. Wycinanki, jak je nazywano, wykonywano za pomocą nożyczek i kawałków papieru, które asystentki Matisse’a malowały na różne kolory, a następnie pod kierunkiem Matisse’a tworzyły z nich postacie na dużym tle papieru lub muślinu. Technika ta nie była dla artysty czymś nowym: stosował ją już w 1919 roku. Jednak aż do lat czterdziestych XX wieku wycinanki wykorzystywał głównie w projektach scenografii i kostiumów, jak w Baletach Rosyjskich Siergieja Diagilewa w latach 1937-1938. Podobnie zaprojektował wnętrza Kaplicy Różańcowej w Vence, zbudowanej dla sióstr dominikanek w pobliżu Riwiery Francuskiej. Jednak prace takie jak „Blue Nude” – być może epicki obraz kariery artysty – zostały zaprojektowane tak, aby wyróżniać się samodzielnie, nadając rdzeniu estetyki Matisse’a kwintesencję efektu.
10. „Pamięć Oceanii”, 1952-1953.
Jedną z ostatnich prac, które Matisse stworzył przed śmiercią, była „Pamięć Oceanii”, której prototypem była stara fotografia wykonana w 1930 roku na szkunerze na Tahiti. Chociaż zdjęcia zostały zrobione z łodzi, efekt wydaje się raczej abstrakcyjny; i biorąc pod uwagę rozmiar 9*9 stóp - imponujący. Niektórzy historycy sztuki uważają, że „Pamięć oceaniczna” (oraz inne wielkoformatowe dzieło powstałe mniej więcej w tym samym czasie, zwane „Ślimkiem”) były odpowiedzią na pojawiającą się wówczas w Stanach Zjednoczonych wielkoformatową abstrakcję, zwłaszcza „ekspresjonizm abstrakcyjny”.
Od:
Matisse Henri Emile Benois (1869-1954), francuski malarz, grafik i rzeźbiarz.
Studiował w Paryżu, w Akademii Julianskiej (od 1891) u A. V. Bouguereau, w Szkole Sztuk Zdobniczych (od 1893) i w Szkole Sztuk Pięknych (1895-1899) u G. Moreau.
Jak większość ówczesnych uczniów malarza kopiował dzieła dawnych mistrzów francuskich i holenderskich.
Był pod wpływem neoimpresjonizmu (głównie P. Signaca), P. Gauguina, sztuki arabskiego Wschodu i w pewnym stopniu starożytnego rosyjskiego malarstwa ikonowego (był jednym z pierwszych na Zachodzie, który docenił jego walory artystyczne ; w 1911 odwiedził Moskwę).
W latach 1905-1907 Matisse zostaje przywódcą nowego ruchu artystycznego – Fowizmu. Od drugiej połowy XX w. odnajduje swój własny styl, który charakteryzuje się lakonicznym designem, kontrastowym połączeniem kilku stref kolorystycznych (panele „Taniec” i „Muzyka” dla rezydencji S.I. Szczukina w Moskwie, oba 1910) lub bogatym w odcienie jednego głównego ton, przejrzysta i nie kryjąca faktura płótna („Warsztat artysty”, 1911).
W twórczości Matisse’a w drugiej połowie lat 10. zauważalny jest wpływ kubizmu („Lekcja muzyki”, 1916-1917); dzieła lat 20. natomiast wyróżniają się spontanicznością, różnorodnością kolorystyczną i miękkością pisma (cykl „Odaliski”).
W latach 30-40. artysta łączy odkrycia poprzednich okresów, dekoracyjność fowizmu z analitycznie przejrzystą kompozycją (fryz „Taniec” w Barnes Museum, 1931-1932) i subtelnie zniuansowaną kolorystyką („Gałąź śliwy”, 1948).
Stałymi motywami w jego twórczości są taniec, sceny idylliczne, wzory dywanów i tkanin, owoce, wazony i figurki („Czerwone ryby”, 1911; „Martwa natura z muszlą”, 1940 i in.). Matisse woli operować kreską – cienką, czasem przerywaną, czasem długą i okrągłą, przecinającą białe lub czarne tło (cykl „Tematy i wariacje”, 1941; ilustracje do „Wierszy” S. Mallarmégo, dla „Pasiphae” de Monterlanta, za „Wiersze o miłości” P. de Ronsarda).
W latach 40 artysta często sięga po technikę aplikacji z kolorowego papieru (cykl „Jazz”, 1944-1947). Matisse zainteresował się rzeźbą już na początku XX wieku, ale szczególnie często w latach 20. i 30. XX wieku. (relief „Naga postać kobieca od tyłu”, 1930).
Jego ostatnim dziełem był projekt wnętrz (wraz z witrażami) „Kaplicy Różańcowej” w miejscowości Vannes koło Nicei (1953).
„W malarstwie znalazłem nieograniczone pole działania, w którym mogłem dać swobodę mojej niespokojnej twórczości”
© Henri Matisse, 25 maja 1852
Artysta francuski Henryk Matisse przeszedł do historii jako uznany geniusz malarstwa światowego, który w dużej mierze zdeterminował rozwój sztuki XX wieku. W poszukiwaniu artystycznego siebie udało mu się spróbować swoich sił w kilku stylach i kierunkach na raz, przerósł każdy z nich i założył własną szkołę malarstwa zwaną „Fowizmem” (francuski fauve – „dziki”).
Jednak w przeciwieństwie do swoich kolegów w sklepie, sam Matisse nie zdradzał żadnej „dzikości”, ale był osobą skromną i spokojną. I podczas gdy inni artyści awangardy dosłownie robili rewolucję, próbując odzwierciedlić na swoich płótnach buntowniczego ducha czasu, Matisse szukał „spokoju i przyjemności”, nieustannie eksperymentując z farbami i zastanawiając się nad znaczeniem koloru.
„Marzę o sztuce zrównoważonej, pełnej czystości i spokoju, o sztuce bez próżnych i niespokojnych tematów… która mogłaby dać spokój umysłowi… tak jak wygodne krzesło daje odpoczynek zmęczonemu człowiekowi.”– powiedział Matisse.
Wielu wciąż jest zaskoczonych, jak osobie o tak spokojnym credo twórczym udało się stać jedną z kluczowych postaci sztuki XX wieku. Co dziwne, takie pytania nie od razu zaczęły martwić Matisse'a, ponieważ historia wielkiego artysty nie zaczęła się w świecie malarstwa.
Przepowiadano, że młody Henri, syn odnoszącego sukcesy handlarza zbożem, zrobi karierę prawnika, a jako posłuszny syn Matisse rozpoczął studia prawnicze w jednej z prestiżowych szkół paryskich. Po ukończeniu studiów wrócił do rodzinnego miasta, gdzie wkrótce znalazł pracę jako urzędnik adwokata przysięgłego. Wydawało się, że przyszłość młodego człowieka została już przesądzona, ale los wkroczył w jego życie, radykalnie zmieniając wszystkie jego plany.
Matisse znalazł się na stole operacyjnym. Atak ostrego zapalenia wyrostka robaczkowego na długi czas przykuł młodego człowieka do łóżka, pozbawiając go jakiejkolwiek rozrywki. Chcąc w jakiś sposób rozjaśnić „szpitalną” codzienność syna, kochająca matka podarowała mu przybory do rysowania, otwierając przed młodym Matisse’em nowy, nieznany świat. Młody człowiek był tak zafascynowany malarstwem, że wbrew woli ojca postanowił na zawsze porzucić prawo i wrócić do stolicy, aby zostać artystą.
Pierwszy nauczyciel Matisse’a, francuski artysta Gustave Moreau, symbolista do szpiku kości i uznany mistrz gry kolorem, uwielbiał wysyłać uczniów do Luwru, aby kopiowali dzieła zasłużonych mistrzów, doskonaląc techniki malarstwa klasycznego. „O kolorze trzeba marzyć”, powtarzał swoim uczniom, a Matisse jak nikt inny został przesiąknięty tym stwierdzeniem, zamieniając swoje życie w poszukiwanie idealnego sposobu na przekazanie emocji poprzez kolor.
Później Matisse napisał:
„Wyrazistą stronę koloru odbieram wyłącznie intuicyjnie. Przekazując jesienny pejzaż, nie będę pamiętał, jakie odcienie kolorów są odpowiednie dla tej pory roku, inspiruję się jedynie uczuciami jesieni... Wybieram kolory nie według jakiejś naukowej teorii, ale zgodnie z uczuciem, obserwacja i doświadczenie”
Zainteresowanie kolorem widoczne jest już we wczesnych pracach Matisse’a. Są to z reguły próby młodego artysty malowania w duchu uznanych mistrzów malarstwa. Jednym z takich dzieł jest martwa natura zwana „Butelką Schiedama” (Nature Morte à la Bouteille de Schiedam): klasyczna kompozycja, ciemne i niejednorodne odcienie, szczególna dbałość o półtony ujawniają podobieństwo do płótna. Tymczasem bogactwo czerni i srebra oraz szerokość pociągnięć świadczą o obeznaniu Matisse’a z kreatywnością.
Matisse przez lata studiów konsekwentnie przechodził wszystkie etapy ewolucji sztuki klasycznej i próbował swoich sił na każdym z nich. Jednak pomimo całego znaczenia tradycji minionych epok w kształtowaniu stylu artysty, Matisse czuł, że to wszystko nie jest dla niego. Luwr wydawał mu się ogromną biblioteką pełną starych książek, które wprawiają zmęczonego studenta w senność i melancholię. Matisse tęsknił za czymś nowym, niezwykłym, niepodobnym do tego, co zostało stworzone przed nim.
„Wydawało mi się, że wchodząc do Luwru, straciłem poczucie swojej epoki, a obrazy, które namalowałem pod bezpośrednim wpływem dawnych mistrzów, nie wyrażają tego, co czułem”.– wspomina artysta.
Jednym z najważniejszych etapów rozwoju artystycznego Matisse’a było zapoznanie się z twórczością impresjonistów, a zwłaszcza z mało znaną wówczas twórczością. Matisse zawdzięczał to australijskiemu artyście Johnowi Russellowi, swemu przyjacielowi i mentorowi, który po raz pierwszy po Moreau skłonił Matisse'a do poważnego zastanowienia się nad znaczeniem i znaczeniem koloru w malarstwie.
„Russell był moim nauczycielem, wyjaśnił mi teorię koloru”.– przyznał Matisse.
Impresjonizm i własne eksperymenty z kontrastami kolorystycznymi wywarły ogromny wpływ na pierwsze „niezależne” prace artysty. Są to na przykład martwe natury „Naczynia i owoce” (Vaisselle et Fruits), „Owoce i dzbanek do kawy” (Fruits et Cafetière). Obejmuje to także pierwsze krajobrazy Matisse'a - „Bois du Boulogne” (Bois du Boulogne) i „Ogród Luksemburski” (Jardin du Luxembourg).
Kilka lat później Matisse porzucił swoją pasję do impresjonizmu i poświęcił się badaniu dzieł swoich zwolenników. W tym okresie artysta założył rodzinę, jednak pomimo trudnej sytuacji materialnej nadal poszukiwał własnego stylu. Jego obrazy praktycznie się nie sprzedawały, Matisse nie przestawał jednak eksperymentować z kolorem, analizując znaczenie różnych odcieni i ich kombinacji.
„Urok, lekkość, świeżość - to wszystko są doznania ulotne... Dla artystów impresjonistów... subtelne doznania były sobie bliskie, więc ich płótna były do siebie podobne. Wolę, ryzykując pozbawieniem krajobrazu uroku, podkreślić jego charakterystyczne cechy i osiągnąć większą spójność.”, napisał Matisse wiele lat później.
Matisse poznał swoją przyszłą żonę Amelie Pareire na ślubie przyjaciela. Amelie była druhną i ona i Matisse przez przypadek usiedli obok siebie. Dziewczyna zakochała się do szaleństwa w wysokim brodaczu, starannie susząc każdy bukiet fiołków, który jej dawał podczas spotkań. Matisse’a dręczyły wówczas wątpliwości i nie mógł się zdecydować, czy w końcu poświęcić swoje życie sztuce. Amelia stała się osobą, która uwierzyła w artystę, naprawdę uwierzyła i na długi czas stała się jego wierną przyjaciółką i pierwszą muzą. A jednak, pomimo uczuć Matisse'a do dziewczyny, już wtedy zrozumiał, że nikt i nic nie jest w stanie uchwycić jego serca bardziej niż malarstwo. Zbierając się na odwagę, przyznał:
„Mademoiselle, bardzo cię kocham, ale zawsze bardziej będę kochać malowanie”.
Pierwsza osobista wystawa artysty nie odniosła większego sukcesu i nie spotkała się z właściwym odzewem krytyków. Następnie Matisse zdecydował się opuścić stolicę na południe Francji w towarzystwie pointylisty Paula Signaca. Pod wrażeniem swoich obrazów Matisse zaczął pracować w podobnej technice kropkowanych pociągnięć i po pewnym czasie spod jego pędzla wyszło pierwsze arcydzieło zatytułowane „Luxe, Calme at Volupté”.
Obraz był wewnętrznie sprzeczny i na swój sposób nie wpisywał się w ramy wyznaczone przez pointylistów. W przeciwieństwie do swoich kolegów, którzy porzucili fizyczne mieszanie farb na rzecz odrębnych pociągnięć, Matisse ponownie skupił się na kolorze. Wybierając świadomie jasną paletę barw – czerwień, fiolet, pomarańcz – artysta odszedł od realistycznej interpretacji fabuły. Nasycone odcienie wydawały się nienaturalne, tworząc napięcie i zakłócając zwykły „spokój” klasycznych elementów. Jednak właśnie dzięki tej niekonsekwencji – połączeniu form klasycznych i nowatorskich – Matisse’owi po raz pierwszy udało się naprawdę pokazać widzowi własną wizję rzeczywistości.
Film odniósł sukces i został pozytywnie przyjęty przez krytykę. Jednak wkrótce Matisse porzucił pointylizm, zdając sobie sprawę, że ta ścieżka też nie jest dla niego.
Rok 1905 był punktem zwrotnym w twórczości Matisse’a. Po wielu poszukiwaniach i eksperymentach z kolorem artyście udało się maksymalnie ożywić swoje „poczucie natury”. Wraz z grupą podobnie myślących osób wziął udział w Salonie Jesiennym, prezentując na wystawie dwie nowe prace – „Otwarte okno” (La Fenêtre Ouverte) i „Kobieta w kapeluszu” (La Femme au Chapeau). .
Malowane z całkowitym lekceważeniem wszelkich zasad obrazy wywoływały niemałe zamieszanie, oburzały nawet przyzwyczajonych do egzotyki paryżan. Krytycy nazywali ich „garnkiem farby rzuconym w twarz publiczności”, a autorów nazywano nawet „fowistami” lub „dzikusami”.
Pomimo ostrej krytyki i oburzenia opinii publicznej „Kobieta w kapeluszu” została zakupiona przez słynną pisarkę i koneserkę sztuki Gertrudę Stein. Według jednego naocznego świadka, „Odwiedzający parskali na obraz, a nawet próbowali go zburzyć”. Gertrude Stein nie mogła zrozumieć, dlaczego ten obraz wydawał jej się całkowicie naturalny.
Tym samym w malarstwie pojawił się nowy kierunek, który wszedł do historii sztuki pod nazwą „fowizm”. Matisse został uznany za przywódcę Fauwów, wśród których byli byli koledzy z klasy Moreau. Porzucając tradycyjne metody przedstawiania przedmiotów i konstruowania obrazu, artyści ci zaczęli malować w czystym, otwartym kolorze, upraszczając i schematyzując formę. Jasna, czasem agresywna kolorystyka i wysoki kontrast stały się podstawą kompozycji i stały się głównym sposobem „wyrażania uczuć” artystów.
„Fragmentacja koloru doprowadziła do fragmentacji kształtu i konturu. Efekt: wibrująca powierzchnia... Zacząłem malować kolorowymi płaszczyznami, starając się osiągnąć harmonię w relacjach wszystkich płaszczyzn barwnych.”, Matisse wspominał pół wieku później.
Francja dała światu ogromną plejada wybitnych artystów, z których jednym jest największy i najbystrzejszy przedstawiciel ruchu artystycznego fowizmu, Henri Matisse. Jego kariera rozpoczęła się w 1892 roku, kiedy przyszły artysta pomyślnie zdał egzaminy w paryskiej Akademii Julian. Tam przyciągnął uwagę Gustave'a Moreau, który przewidział świetlaną karierę Matisse'a na polu artystycznym.
Od początku XX wieku Matisse zaczął szukać siebie. Przeżywa intensywne lata kopiowania i pożyczania, malując wiele kopii słynnych obrazów z Luwru, próbując znaleźć swój własny styl. Panująca wówczas pasja do impresjonizmu dała Matisse'owi możliwość wypracowania sposobu przekazania formy i palety barw.
Krytycy sztuki tamtych lat zauważyli, że Matisse ma na swoich płótnach wyjątkową prezentację koloru, wykonaną w stylu impresjonistycznym. Artystę cechowało użycie jasnych, mocnych, lekko łukowatych kresek z przewagą wyjątkowo jasnej, nasyconej barwy.
Podobnie jak słynny mistrz impresjonizmu Paul Signac, Matisse interesuje się pointylizmem, rodzajem impresjonizmu wykorzystującego liczne rozpadające się kropki do przekazania obrazu. To właśnie ten styl pomógł artyście ostatecznie wybrać fowizm jako najodpowiedniejszy dla niego sposób odzwierciedlenia otaczającej rzeczywistości.
W rzeczywistości Matisse był faktycznym założycielem fowizmu. Francuskie tłumaczenie tego terminu to „dziki”. Słowo to koreluje z pojęciem „wolnego”, czyli niepodlegającego ogólnie przyjętym zasadom.
Za początek triumfu Matisse’a można uznać obraz „Kobieta w zielonym kapeluszu”, wystawiony przez artystę w 1904 roku. Na płótnie widz zobaczył niemal płaski obraz kobiety z twarzą przedzieloną zielonym paskiem. Tym samym Matisse maksymalnie uprościł obraz, pozwalając na dominację tylko jednego koloru.
Główną zasadą fowizmu stała się przewaga koloru nad formą i treścią. Na istotę tego stylu duży wpływ miała fascynacja Matisse'a egzotycznymi formami sztuki. Artysta dużo podróżował, m.in. na kontynent afrykański. Prymitywna, ale wyjątkowa sztuka plemion zrobiła na nim wrażenie i dała impuls do dalszego upraszczania obrazu na obrazach.
Bogactwo kolorów na płótnach Matisse'a zostało zapożyczone z jasnych orientalnych arabesek. Stąd wzięła się fascynacja artystów odaliskami – arabskimi konkubinami-tancerzami, których wizerunki ukazywał w swoich obrazach aż do ostatnich lat życia. Wiadomo również, że po spotkaniu z rosyjskim filantropem Siergiejem Szczukinem Matisse zainteresował się starożytnym rosyjskim malarstwem ikon.
Na zaproszenie Szczukina Matisse przyjeżdża do Rosji, a następnie na jego zamówienie maluje swoje najsłynniejsze płótno „Taniec”. „Muzyka” jest swego rodzaju „bliźniakiem” tego obrazu. Obydwa obrazy oddają istotę fowizmu – naturalność ludzkich uczuć, czystość przekazu emocji, szczerość bohaterów, jasność koloru. Artysta praktycznie nie posługuje się perspektywą, preferując jasne odcienie czerwieni i pomarańczy.
Matisse przeżył dwie wojny światowe, ale pomimo trudów, jakich doświadczył, nie stracił szczerości, którą starał się ucieleśnić w swoich obrazach. To właśnie za dziecięcą spontaniczność, szczerość i entuzjastyczną jasność płócien artysta jest nadal kochany przez koneserów malarstwa.
