26 listopada 2014 w galerii Mystetska Zbirka otwarta zostanie wystawa nowych prac artysty Jurija Wakulenki
W nowej serii „Tajemniczy Nocny Hem” Yuri Vakulenko ucieleśnia romantyczną atmosferę starego Kijowa. Artysta wybiera zakątki znane tylko lokalnym mieszkańcom. Spod jego pędzla wyłania się Podolska „Morechodka”, złoty dom królewski na dziedzińcu przy Jarosławskiej czy „niebieskie” wejście do Jurkowskiej. Na płótnach Vakulenki ożywają opuszczone budynki z ziejącymi czarnymi dziurami zamiast okien i drzwi.
Rąbek Jurija Wakulenki - jak w rzeczywistości - jest popękany i odrapany. Ale przez pęknięcia, strumienie deszczu i zmarszczki przebija się jasny kolor - głęboki błękit, szmaragd, jasnoniebieski lub złoty. Tajemnice Podola wychodzą na jaw artyście, gdy ludzie wracają do domu, zapalają się światła i dzwoni ostatni tramwaj... A potem, w nocnej ciszy, ulice i domy Podolska opowiadają tysiąc i jedną historię wielu pokoleń mieszkańców Kijowa.
Jurij Wakulenko: „Stosunkowo niedawno zamieszkałem na Podolu, w domu, który ma ponad stuletnią historię. Dzień po dniu, wracając do domu, poznawałem coraz więcej tajemnic starożytnego Podola. Czasami wychodziłem późno w nocy na ulicę i zaglądałem w najciemniejsze i najbardziej tajemnicze miejsca, odkrywając stare domy, które ożywają nocą i świecą wewnętrznym światłem, wypierając z mapy szkicowe i pozbawione twarzy nowe budynki i rozpuszczając się w ciemności .”
O autorze: Yuriy Vakulenko jest ukraińskim malarzem i znawcą antyków. Od 2004 r. - dyrektor Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej. Studiował w Kijowskim Instytucie Sztuki, gdzie uzyskał dyplom artysty-restauratora. Pracował w ośrodku restauracji i badań Rezerwatu Przyrody Kijów-Peczersk, którego dyrektorem został w 1995 roku. W 1988 założył stowarzyszenie artystyczne „39,2°”. Od 1990 roku wystawy indywidualne odbywają się na Ukrainie, we Włoszech, na Węgrzech i w Hiszpanii. Obrazy znajdują się w zbiorach muzealnych Rezerwatu Kijowsko-Peczerskiego, Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej oraz w kolekcjach prywatnych. Prace były wystawiane na aukcjach MacDougall's i Corners.Członek korespondent Akademii Nauk i Sztuk Pietrowskiego w Petersburgu, profesor nadzwyczajny Wydziału Ekspertyzy Akademii Kultury, Zasłużony Pracownik Kultury.
Pon. - Niedz.: od 11:00 do 18:00
Wstęp wolny
Galeria „Kolekcja Mystetska”
Kijów, ul. Tereshchenkovskaya, 13, wejście na drugi dziedziniec łukowy.
Tel.: +380501364737, +380442341427
[e-mail chroniony]/ www.artzbirka.com
Wakulenko Jurij Jewgienijewicz, ur. 19 listopada 1957 w Niżnym Tagile w Rosji – ukraiński malarz, grafik, dyrektor generalny Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej. W latach 1973–1977 studiował malarstwo na Azerbejdżańskim Uniwersytecie Artystycznym. W 1980 przeniósł się do Kijowa i kontynuował naukę w KHI pod kierunkiem W. Budnikowa i A. Kiselewa. W 1986 roku ukończył KHI, uzyskując dyplom artysty konserwatora. W 1988 założył stowarzyszenie artystyczne „39,2°”. W latach 1993 – 1995 odbyły się wystawy indywidualne we Włoszech, na Węgrzech i w Hiszpanii. Od 2007 – członek korespondent Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu.
Yuri Vakulenko trudno zaliczyć do tradycyjnego malarza zwierząt. I widać, że celem malarza nie jest naturalistyczne odwzorowanie obrazów świata zwierzęcego. Jego „Animalizm” jest zupełnie innego rodzaju. Zwierzęta i ptaki zamieszkujące płótna artysty nie mają nic wspólnego z prawdziwą dżunglą, są mieszkańcami wyimaginowanego, baśniowo-fantastycznego świata, który malarz kreuje w swojej twórczości od wielu lat.
Na płótnach Vakulenki dwa koguty – morski i lądowy – patrzą na siebie z radosnym zdziwieniem i dobrą ciekawością. Żółw przelatuje nad swoim gniazdem w głębinach morskich. Głębiny są spokojne i spokojne. Nie ma w nich burzy, a rekiny nie klaskają w szczęki. Wydawać by się mogło, że Vakulenko zamienia najokrutniejsze zwierzę na ziemi – tygrysa – w puszystego kota, beztrosko śpiącego i uśmiechającego się przez sen. A niebezpieczna pantera staje się delikatnym i pełnym wdzięku aksamitnym pączkiem. Nawet w „Bitwach gigantów” nie chodzi o wzajemne zjadanie się, ale raczej o polowanie na sen – „złotego ptaka”.
W fantastycznym świecie stworzonym przez Vakulenkę obecne są prawie wszystkie elementy ziemskiego życia. Zawiera powietrze, wodę, ziemię, ogień. Są lasy i kwiaty. Są też motyle, trzmiele, skorpiony, żaby, słonie, żółwie, a nawet krokodyle, które nie tylko współistnieją w harmonii z żywiołami przyrody, ale tworzą z nimi jedną integralną całość. Rodzą się z wiatru lub ognia, wyłaniają się z wody lub powietrza, oddychają i wibrują razem w tym samym rytmie. W tym „tańcu” żywiołów jest miejsce tylko dla człowieka. Żadnych śladów działalności człowieka. Na zwierzęcych obrazach artysty odnajdujemy tylko jeden „materialny” ślad. Ale to są ślady Boga.
Cykl „Monoanimalizm” można interpretować jako ucieczkę w „nieziemską” alternatywną rzeczywistość. Lub jako próba „oczyszczenia” ziemi ze wszystkiego, co ludzkie i stworzenia na niej innego, pięknego i spokojnego „świata tysiąca motyli” - jasnego, kolorowego i kolorowego. I niech Vakulenko zostanie nazwany niepoprawnym romantykiem, a jego „Monoanimalizmy” niektórym wydają się „słodkie”. Artysta z rozpaczą „ostatniego Mohikanina” broni punktu widzenia, że pokój, dobro i idealna rzeczywistość istnieją, choć żyją tylko w jego wyobraźni i na jego własnym płótnie.
www.vakulenko.info
Fantastyczny świat. Wakulenko Jurij
Jurij Jewgienijewicz Wakulenko(ur. 1957, Niżny Tagil) - artysta i malarz. Od 2004 r. – dyrektor generalny Kijowskiego Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej. Przez 10 lat (1993-2004) kierował Centrum Restauracji i Ekspertyzy Rezerwy Narodowej Ławra Kijowsko-Peczerska.
Biografia
W 1977 ukończył Akademię Sztuk Pięknych w Baku. Azima Azim-zade.
W 1980 przeniósł się do Kijowa. W 1986 roku ukończył studia jako artysta-restaurator pod kierunkiem W. Budnikowa i A. Kiselewa.
W 1988 roku założył grupę twórczą „39,2°”.
Od 1988 roku prowadzi działalność wystawienniczą. W latach 1993 – 1995 odbyły się wystawy indywidualne we Włoszech, na Węgrzech i w Hiszpanii.
Nagrody i uznanie
Zasłużony Działacz Kultury Ukrainy, profesor nadzwyczajny Wydziału Ekspertyzy Narodowej Akademii Kadry Kierowniczej Kultury i Sztuki Ukrainy, członek zwyczajny Akademii Nauki i Sztuki Pietrowskiego, członek zwyczajny międzynarodowego komitetu muzeów ICOM UNESCO, od 2007 r. - członek korespondent Pietrowskiej Akademii Nauki i Sztuki. Kawaler Orderu Carla Faberge (odznaka nr 17, 2007, Fundacja Pamięci Carla Faberge).
Napisz recenzję na temat artykułu „Vakulenko, Yuri Evgenievich”
Spinki do mankietów
- Walery POLISCHUK- , „Gazeta Robocza” nr 202 z dnia 16 listopada 2012 r
- Antonina TROFIMOVA- , Tygodnik 2000, nr 9 (451) 27 lutego - 5 marca 2009
- , Glavred, 22 listopada 2010 r
Fragment charakteryzujący Wakulenkę, Jurija Jewgienijewicza
„C"est bien! Faites entrer monsieur de Beausset, ainsi que Fabvier, [OK! Niech wejdzie de Beausset i Fabvier też.] - powiedział do adiutanta, kiwając głową.- Oui, Sire, [słucham, sir.] - i adiutant zniknął za drzwiami namiotu. Dwóch lokajów szybko ubrało Jego Wysokość, a on w niebieskim mundurze strażnika zdecydowanymi, szybkimi krokami wszedł do sali recepcyjnej.
W tym czasie Bosse pospieszył rękami, kładąc prezent, który przywiózł od cesarzowej, na dwóch krzesłach, tuż przed wejściem cesarza. Ale cesarz ubrał się i wyszedł tak niespodziewanie szybko, że nie zdążył w pełni przygotować niespodzianki.
Napoleon natychmiast zauważył, co robią i domyślił się, że nie są jeszcze gotowi. Nie chciał pozbawić ich przyjemności zaskakiwania go. Udał, że nie widzi pana Bosseta, i zawołał do siebie Fabviera. Napoleon słuchał z poważną miną i w milczeniu tego, co Fabvier opowiadał mu o odwadze i oddaniu swoich żołnierzy, którzy walczyli pod Salamanką po drugiej stronie Europy i mieli tylko jedną myśl – być godnymi swego cesarza i strach - nie po to, żeby go zadowolić. Wynik bitwy był smutny. Podczas opowieści Fabviera Napoleon poczynił ironiczne uwagi, jakby nie wyobrażał sobie, że pod jego nieobecność wszystko może potoczyć się inaczej.
„Muszę to poprawić w Moskwie” – powiedział Napoleon. „Tantot, [Do widzenia.]” – dodał i zawołał de Bosseta, który w tym czasie zdążył już przygotować niespodziankę, kładąc coś na krzesłach i przykrywając coś kocem.
De Bosset skłonił się nisko tym francuskim ukłonem dworskim, który umieli kłaniać się tylko dawni słudzy Burbonów, i podszedł, podając kopertę.
21 maja w galerii Soviart otwiera się osobista wystawa artysty Jurija Vakulenki „Dotiki”. Prezentuje trzy projekty artysty – „Dotiki”, „Wibracyjny Quadrum” i „Kolorowe miasta”.
Projekt „Dotiki” to cykl prac dotykowych, w których artysta prowadzi bezpośredni, dotykowy dialog z płótnem. Jak dziecko, które zaczyna odkrywać rzeczywistość dotykiem i impulsywnie dotyka wszystkiego, co go interesuje, artysta najpierw wchodzi w kontakt ze światem obrazu empirycznie – dotykając dłonią powierzchni płótna. Czuje, dotykowo „próbuje” dłonią powierzchnię roboczą płótna, zostawiając na niej kolorowy ślad dłoni i otrzymując od tego kontaktu pierwsze wrażenie, świeży impuls twórczy. Następnie malarz bierze do ręki pędzel, aby nasycić go niuansami semantycznymi i barwnymi oraz nadać rycie figuratywną kompletność. W rezultacie „Dotiki” zamieniają się w ażurowe tkane kompozycje z misternymi pętelkami, łukami, lokami, przypominające wzory i linie na ludzkich dłoniach.
Cztery duże płótna z licznymi odciskami dłoni mistrza – białym na białym, niebieskim na niebieskim, czerwonym na czerwonym i czarnym na czarnym – stanowią centralną, rytmiczną część całego projektu. Wokół tego centrum chaotycznie rozmieszczone są miniatury o różnych nastrojach, kolorach, fakturach i rozmiarach. Co ciekawe, część z tych prac powstaje na drukach, np. na zaproszeniach na wystawy sztuki. Artysta zdaje się „próbować” dotykiem różnych powierzchni, tych, które wpadną mu w ręce, także tych, które zostały stworzone i nasycone informacją przed nim.
Projekt Vakulenki „Wibracyjny Quadrum” został już zaprezentowany publiczności podczas ubiegłorocznego „Arsenału Mystetskiego” i poprzedniej osobistej wystawy artysty „Kontemplacja”. W tym roku artysta wystawia dwa nowe tryptyki z tej serii - biały na białym i złoty na szarym. W artystycznym poznaniu świata artysta posługuje się różnymi metodami, w tym suprematystyką. Surowe piękno i harmonia kwadratów, śpiewane po raz pierwszy przez Kazimierza Malewicza, przyciąga także Vakulenkę. Ale w jego interpretacji kwadraty są wielokolorowe i wibrujące. Łączą w sobie zamrożoną matematykę o wyraźnych proporcjach i żywą energię wibracji koloru i linii. Przecież wibracja jest zdaniem artysty podstawą, uosobieniem życia jako takiego. Ponadto kwadraty Vakulenko mają również ukryte, sekretne znaczenie, widoczne dla oka tylko w świetle ultrafioletowym.
Kilka prac z cyklu „Kolorowe miasta”, tworzonego przez artystę przez wiele lat, zostało zaprezentowanych na wystawie z okazji urodzin Kijowa w hołdzie artysty złożonym ukochanemu i rodzinnemu miastu. Pierwsza praca z tego cyklu, „Green City”, została przez niego napisana na początku lat 90., a dwie ostatnie powstały całkiem niedawno. Pomimo ogromnej odległości czasowej pomiędzy prezentowanymi pracami, łączy je wspólna symboliczna interpretacja tematu miasta. W miastach Vakulenko nie zobaczysz ludzi, nie rozpoznasz w nich znajomych kształtów ani słynnych budowli architektonicznych. Wygląda raczej jak kolorowe „odciski” duszy lub charakteru miasta w jego różnych stanach i nastrojach. „Miasto to żywy organizm” – mówi Jurij Wakulenko. „Zmienia nastrój i kolor wiele razy dziennie. Jak człowiek zmienia wyraz twarzy.”
Jeszcze jedna „atrakcja” z twórczego dziedzictwa artysty zostanie wystawiona w Soviart. „Energetyczny portret znanej dziewczyny”, autorska interpretacja wizerunku wielkiej Mony Lisy Leonarda, powstała przez artystę prawie 20 lat temu. W zeszłym roku praca ta z powodzeniem była wystawiana w Paryżu, w tym roku będzie uświetnieniem osobistej wystawy artysty w Kijowie.
Z zawodu artysta-restaurator i znawca malarstwa dawnych mistrzów i antyków, Jurij Wakulenko od 10 lat kieruje stołecznym Narodowym Muzeum Sztuki Rosyjskiej. Według Wakulenki zbiory kierowanego przez niego muzeum są trzecimi na przestrzeni poradzieckiej po Galerii Trietiakowskiej i Muzeum Rosyjskim w Petersburgu. Nazywa siebie opiekunem rarytasów, bezcennych dzieł, a muzeum jest domem muzealnym, bo w tym budynku znajdowała się rezydencja Tereszczenko, gdzie na galerię przeznaczono tylko dwie sale. Biuro z wiszącymi obrazami również przypomina salę muzealną – tutaj Jurij Wakulenko podzielił się z Capitalem cechami wewnętrznej kuchni muzeum, perspektywami oddziału i opowiedział, jak pomagają patroni.
— Czy można ocenić zbiory muzeum w banknotach? Jakie są najpopularniejsze prace?
- To trochę niepoprawne. Jeśli chodzi o pieniądze, prace są mniej lub bardziej obiektywnie oceniane przez aukcję, ale dzieł takiego poziomu jak nasz po prostu nie pojawiają się na aukcjach. W muzeum znajdują się obrazy, które mogą kosztować 10 lub 50 milionów euro, czyli wtedy, gdy sztukę można nazwać bezcenną, czyli bardzo drogą. Nawet jeśli obrazy należą do kolekcji renomowanego muzeum, koszt dzieła wzrasta o rząd wielkości. Nie można jednak ich posiadać – stanowią własność państwową. A każdy przedmiot, który nielegalnie opuszcza muzeum, trafia na listę osób poszukiwanych. Około 600 dzieł z naszego muzeum zostało w czasie wojny wywiezionych przez Niemców i do dziś nie ma po nich śladu. Ewakuowano wówczas główne dzieła – zniknęły głównie ikony i dzieła sztuki z drugiej połowy XIX wieku. Z 13 tysięcy eksponatów, dziś perłę kolekcji stanowi około 5 tysięcy. Najcenniejsze są dzieła artystów pierwszego rzutu - Szyszkina (pięć znaczących dzieł, korona jego dzieła), Vrubela, Aiwazowskiego, Wierieszczagina, Wasnetsowa, Repina.
— Z tych 13 tysięcy w salach muzeum można zobaczyć zaledwie 900 dzieł. Jak decydujesz, co pokazać ogółowi społeczeństwa?
„Nasze muzeum ma już 92 lata, stała ekspozycja krystalizuje się przez dziesięciolecia. Przy niewielkich zmianach (15‑20 %) pozostaje stabilny. Zwiększamy liczbę pokazów poprzez wystawy czasowe i częściowo zmieniamy ekspozycję, pokazując 2-3 tysiące eksponatów rocznie. Na przykład grafiki nie można eksponować dłużej niż trzy miesiące, muszą „odpocząć”. Organizujemy także rozbudowane wystawy bezpośrednio w salach, w tym roku, z okazji 170. rocznicy Repina, wzmocnimy jego salę jego własnymi arcydziełami. Niezmienna pozostaje wystawa ikon – naszej małej, ale cennej kolekcji.
— Zapewne monitorujecie sytuację na światowym rynku sztuki. Jakie są aktualne trendy w rosyjskim segmencie sztuki?
— Dzieła pierwszorzędnych artystów cieszą się niesłabnącym powodzeniem. Może z wyjątkiem Vrubela, który pomimo swojego bogatego dorobku rzadko pojawia się na aukcjach. Dzieła pierwszego rzędu, gdy tylko się pojawią, znikają. Kryzys nie wpłynął na ceny, ich koszt liczony jest w milionach i rośnie rocznie o 10‑20 %. W ostatnim czasie ucierpiał segment twórczości artystów lat 40. i 60. XX w., m.in. Siergieja Szyszki, Nikołaja Głuszczenki, a także autorów współczesnych. Do 2007 roku było nimi duże zainteresowanie zarówno na Ukrainie, jak i w Londynie i Nowym Jorku, ceny dzieł rosły, ale teraz nie ma na nie popytu. Wynika to z faktu, że głównymi nabywcami byli kolekcjonerzy z Rosji i Ukrainy, którzy nie są teraz gotowi wydawać pieniędzy. W końcu kolekcjonowanie wymaga spokoju, ciszy i stabilizacji.
— Czy prowadzone są badania dzieł znajdujących się w zbiorach muzealnych?
— Do muzeum trafia z reguły obraz ze znanych źródeł. Badamy niektóre dzieła i dokonujemy ponownej atrybucji, jeśli nie mamy pewności co do autorstwa artysty. Nie prowadzimy badań technologicznych, gdyż nie ma takiej możliwości - jedynie badania naukowe. W zbiorach wszystkich muzeów znajdują się różne dzieła i nie można powiedzieć, że wszystkie są oryginałami. Na przykład słynny kolekcjoner David Sigalov przekazał nam w spadku około 400 dzieł, z czego tylko jedna trzecia to absolutne oryginały, ale muzeum przechowuje wszystko. W funduszu głównym znajdują się jednak eksponaty, które mają jasne przeznaczenie, pochodzenie i wszystkie niezbędne cechy o znaczeniu muzealnym.
— W jakim stanie są prace? Czy wymagają renowacji?
— Mamy bardzo stabilny stan zbiorów. W ciągu 10 lat, jak pamiętam, ani jedno dzieło nie zostało odrestaurowane w stanie opłakanym. W muzeum działa zespół konserwatorski, który okresowo dokonuje przeglądu dzieł. Uważa się, że raz na pięć lat prace mogą wymagać renowacji. Część prac ze zbiorów wprowadzamy w formę wystawienniczą: powielamy je na nowej podstawie, usuwamy zniekształcenia, aby można je było pokazać - na nowych wystawach lub w zaktualizowanej wystawie.
- Od 2009 roku muzeum posiada oddział - Dom Czekolady. Dlaczego nie pokażecie tam dzieł z kolekcji?
„W tej chwili nie ma niezbędnych warunków bezpieczeństwa, aby można było eksponować stałą wystawę ze zbiorów. Jeśli mamy w muzeum siedem linii bezpieczeństwa, to są tylko trzy – to nie wystarczy. Dom Czekoladowy odziedziczyliśmy jako galerię sztuki dziecięcej, ale obecnie nie ma porządku społecznego dla tego kierunku. Dlatego przekształciliśmy go w centrum sztuki - organizujemy wystawy, koncerty, powoli podnosząc poprzeczkę i zmieniając ideologię. Ale kierowanie dziećmi pozostało priorytetem. Chcemy stworzyć konserwatywny, nowoczesny ośrodek edukacyjny, kulturalny i artystyczny – rozbudować sale wykładowe i działalność koncertową, gdyż wiele zespołów twórczych nie posiada własnych sal do występów. Najważniejsze, że oni już o tym wiedzą. W dobrych czasach Dom Czekoladowy odwiedza rocznie około 11 tysięcy osób.
— Jaki jest budżet muzeum i główne koszty?
— Ogólnie rzecz biorąc, budżet wynosi około 4 milionów hrywien. Są to media (ok. 1 mln hrywien), ochrona (ponad 700 tys. hrywien) oraz wynagrodzenia dla 100 pracowników. Te chronione obiekty finansuje państwo, chociaż część środków własnych przeznaczyliśmy już na opłacenie rachunków, bo inaczej ogrzewanie mogłoby nam nie zostać włączone. W 2012 roku istniał już precedens: wyłączono nas dwa tygodnie wcześniej z powodu długów, pracownicy i goście zamarli.
— Na jaką najważniejszą rzecz potrzebujesz dzisiaj pieniędzy?
— Musimy naprawić budynek muzeum - stare szklane dachy, które znajdują się nad Salą Szyszkina i na których gromadzi się kondensacja. Wymaga to około 1 miliona hrywien. Również w Domu Czekoladowym trzeba zbudować dach i fundamenty, na co potrzeba około 5 milionów hrywien. Ponadto potrzebne są pieniądze na instalację systemu alarmowego - około 700 tysięcy hrywien. A na własny koszt, biorąc pod uwagę dzisiejsze realia, chcemy wyposażyć muzeum w ufortyfikowany magazyn schronów przeciwbombowych.
— Jaka jest frekwencja w muzeum i jak na nią wpływa sytuacja w kraju?
— We wszystkich muzeach liczba zwiedzających spadła nawet o 50%. W zeszłym roku gościliśmy 70 tysięcy gości. W tej chwili mamy już około 42 tysiące koneserów sztuki. W lecie było więcej ludzi niż zwykle – sytuacja nieco się ustabilizowała i otworzyliśmy wystawę „W jednej przestrzeni”. Nie zamykano ich nawet zimą, z wyjątkiem dosłownie kilku dni, kiedy metro było zamknięte. Na przykład w udanych latach, kiedy odbywała się rocznicowa wystawa Aiwazowskiego, muzeum odwiedziło 100 tysięcy osób. Jednak w przypadku naszego muzeum, mieszczącego się w starym budynku, obowiązuje limit zwiedzających – nie możemy pozwolić na więcej niż 120 tys.
— Teraz w muzeum można zobaczyć obrazy Anatolija Krivolapa. Co jeszcze masz w planach na ten rok?
— 30 września otwiera się ciekawy projekt artysty o wyjątkowym kierunku satyrycznym, Władysława Szereszewskiego, którego prace znajdują się również w naszych zbiorach. W listopadzie przygotowujemy wystawę z okazji rocznicy Lermontowa, na której zaprezentujemy obraz Szyszkina „Na dzikiej północy” – będący ilustracją wiersza poety.
Średni roczny budżet Kijowskiego Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej wynosi 4 miliony hrywien
— Jaki powinien być budżet wystawy muzealnej, aby odniosła sukces?
— Zrealizowaliśmy dobry prywatny projekt „Dwa stulecia” wraz z publikacją albumu. Jego budżet wynosi około 100 tysięcy dolarów, to nawet dużo. Aby przygotować wysokiej jakości projekt muzealny, wystarczy średnio 50-70 tysięcy hrywien.
— Czy udział w projektach międzynarodowych jest korzystny dla muzeum?
— Biorąc pod uwagę element finansowy, tak. Otrzymujemy tantiemy. W szczególności za publikację Kijowa-Wrubla wykorzystano jedną z zagranicznych tantiem. Z punktu widzenia popularyzacji niewiele to daje, praktycznie nie ma wpływu na uznanie za granicą i frekwencję w kraju. Współpracowaliśmy głównie z instytucjami rosyjskimi, chociaż ostatnio pojawiły się problemy ze zwrotem eksponatów. Z tego powodu po wystawie Szyszkina w Galerii Trietiakowskiej nie braliśmy udziału w dwóch kolejnych wystawach. Współpracujemy także z partnerami zachodnimi – Finlandią, gdzie planowana jest wystawa Shishkina, oraz krajami bałtyckimi. Przygotowanie projektu zagranicznego zajmuje zwykle sporo czasu – od dwóch do trzech lat.
— Czy ma Pan osobistą kolekcję dzieł sztuki?
— Kiedy jeszcze pracowałem w Ławrze Kijowsko-Peczerskiej, zebrałem niewielką kolekcję o charakterze sakralnym - są to spersonalizowane ikony św. Jerzego Zwycięskiego. Znając moją małą słabość, przyjaciele często mi je dają. W moim biurze wisi moja ulubiona ikona – ten George przemieszcza się ze mną od biura do biura. Jakoś niespodziewanie zauważyłem ikonę w sklepie z antykami i powiedziałem znajomym. I całkiem niespodziewanie dali mi go na 40. urodziny. Ta rosyjska ikona z początku XIX wieku jest oryginalna, ponieważ Jerzy jest przedstawiany w połowie długości, podczas gdy zwykle jest malowany albo w pełnej wysokości, albo na koniu. To mój rodzaj talizmanu. A tak na marginesie, ta ikona została wykorzystana do poświęcenia kościoła św. Jerzego w pobliżu dworca Kijowskiego. Moje dorosłe dzieci zajmują się także zarządzaniem sztuką, organizują aukcje, komunikują się ze współczesnymi artystami i kolekcjonują ich dzieła, a także dzieła ukraińskich artystów z lat 60. i 70. XX wieku.
Yuriy Vakulenko jest ukraińskim malarzem i znawcą antyków. Od 2004 r. - dyrektor Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej. Studiował w Kijowskim Instytucie Sztuki (obecnie Narodowa Akademia Sztuk Pięknych i Architektury), który ukończył z dyplomem artysty-restauratora. Pracował w ośrodku restauracji i badań Rezerwatu Przyrody Kijów-Peczersk, którego w 1995 roku został dyrektorem. W 1988 utworzył stowarzyszenie artystyczne „39,2°”. Od 1990 roku wystawy indywidualne odbywają się na Ukrainie, we Włoszech, na Węgrzech i w Hiszpanii. Obrazy znajdują się w zbiorach muzealnych Rezerwatu Kijowsko-Peczerskiego, Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej oraz w kolekcjach prywatnych. Prace można było oglądać na aukcjach MacDougall’s i Corners. Członek korespondent Pietrowskiej Akademii Nauk i Sztuk w Petersburgu, profesor nadzwyczajny Wydziału Ekspertyzy Akademii Kultury, Honorowy Pracownik Kultury.
