Wielcy kompozytorzy świata. Najsłynniejsi kompozytorzy świata Najważniejsi kompozytorzy XX wieku

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosja, wielki kraj z utalentowanym narodem i własnym dziedzictwem kulturowym, zawsze znajdowała się w czołówce lokomotyw światowego postępu i sztuki, w tym muzyki. Rosyjska szkoła kompozytorska, której kontynuacją tradycji były szkoły sowieckie i dzisiejsze szkoły rosyjskie, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy łączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdej z tych znanych osób można powiedzieć wiele, wszystkich spotkały trudne, a czasem i tragiczne losy, jednak w tej recenzji staraliśmy się podać jedynie krótki opis życia i twórczości kompozytorów.

1.Michaił Iwanowicz GLINKA (1804—1857)

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym rosyjskim kompozytorem klasycznym, który zdobył światową sławę. Jego dzieła, oparte na wielowiekowych tradycjach rosyjskiej muzyki ludowej, stały się nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.
Urodzony w województwie smoleńskim, kształcił się w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Impulsu twórczego do jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów – V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera. Sukces przyszedł M.I. Glinka po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich; po raz pierwszy w muzyce świata, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej muzyce symfonicznej i operowej praktyki zostały organicznie połączone i pojawił się bohater taki jak Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego. V.F. Odoevsky określił operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii – okres muzyki rosyjskiej”.
Drugą operą jest epicki „Rusłan i Ludmiła” (1842), utwór, który powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życia kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został przyjęty dwuznacznie przez publiczność i władze i przyniosła trudne doświadczenia M.I. Glinkie. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. Jego dziedzictwo obejmuje romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Cytat z M.I. Glinki: „Aby tworzyć piękno, sam musisz być czysty w duszy”.

Cytat o M.I. Glince: „Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w fantazji symfonicznej „Kamarinskaja”. P.I. Czajkowski

Ciekawostka: Michaił Iwanowicz Glinka nie cieszył się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może, gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języków obcych, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833—1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.
Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, pasję i zdolności na różnych polach, przede wszystkim w muzyce i chemii. A.P. Borodin to rosyjski kompozytor-samorodek, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie jego osiągnięcia muzyczne wynikały z samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania. Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (jak zresztą wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX w.), a impuls do intensywnych studiów kompozytorskich na początku lat 60. XIX w. dały dwa wydarzenia – po pierwsze jego znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopową, a po drugie – spotkanie z M.A. Bałakirewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna Garść”. Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował w Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie pod koniec XIX wieku wiek.XX wiek.
Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem narodowej epopei heroicznej w muzyce, której on sam nie miał czasu ukończyć (ukończył ją jego przyjaciele A.A. Głazunow i N.A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych odzwierciedla się główna idea całego dzieła kompozytora – odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego Naród rosyjski manifestował się w obronie swojej ojczyzny. Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie: "Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity w symfonii, operze i romansie. Jego główne cechy to gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zasięg, szybkość i porywczość, w połączeniu z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem. " V.V. Stasov

Ciekawostka: reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają chlorowcowane węglowodory, którą jako pierwszy badał w 1861 r., nosi imię Borodina.

3. Modest Pietrowicz MUSORGSKY (1839—1881)

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej Garści”. Innowacyjne dzieło Musorgskiego znacznie wyprzedzało swoje czasy.
Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne, studiował w Petersburgu i zgodnie z tradycją rodzinną był wojskowym. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie dla służby wojskowej, ale dla muzyki, było spotkanie z M.A. Bałakirewem i przyłączenie się do „Potężnej Garści”. Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” – uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe historii Rosji z radykalną nowością, której muzyka rosyjska nie znała wcześniej, pokazując w nich połączenie masowego folku sceny i różnorodne bogactwo typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach autora i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazy z wystawy”, barwnych i pomysłowych miniatur przesiąkniętych rosyjskim refrenem tematycznym i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność. Jego ostatnie lata były trudne – niespokojne życie, brak uznania dla twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko zadecydowało o jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele dzieł, z których część została ukończona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego antycypowały pewne cechy rozwoju muzycznego XX wieku i odegrały ważną rolę w kształtowaniu się stylów wielu światowych kompozytorów.

Cytat posła Musorgskiego: „Dźwięki mowy ludzkiej, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i przemocy stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Cytat o MP Musorgskim: „Oryginalne rosyjskie brzmienie we wszystkim, co stworzył Musorgski” N. K. Roerich

Ciekawostka: pod koniec życia Musorgski pod naciskiem swoich „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tercjuszowi Filippowowi

4. Piotr Iljicz Czajkowski (1840—1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykany wcześniej poziom. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.
Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, ale jego pierwsza edukacja i praca dotyczyła prawoznawstwa. Czajkowski był jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych”, studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu. Czajkowski uchodził za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do popularnych postaci „Potężnej Garści”, z którymi utrzymywał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, jednak w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest duch rosyjski, udało mu się w unikalny sposób połączyć Zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z tradycjami rosyjskimi odziedziczonymi od Michaiła Glinki.
Kompozytor prowadził aktywne życie – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce. Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie; entuzjazm, przygnębienie, apatia, gorący temperament, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często; będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.
Wybranie czegoś najlepszego z twórczości Czajkowskiego jest trudnym zadaniem, ma on na swoim koncie kilka równorzędnych dzieł z niemal wszystkich gatunków muzycznych - opery, baletu, symfonii, muzyki kameralnej. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:
"Jestem artystą, który może i powinien przynosić chwałę Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką siłę artystyczną, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co mogę. A chcę to zrobić całymi siłami duszy .”
„Życie ma piękno tylko wtedy, gdy składa się z naprzemiennych radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem – różnorodności w jedności”.
„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotowy dzień i noc stać jako warta honorowa na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – i dlatego go bardzo szanuję”. A. P. Czechow

Ciekawostka: Uniwersytet w Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go na członka korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego. Jego niepowtarzalny świat i uwielbienie odwiecznego, wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedność z naturą nie mają odpowiednika w historii muzyki.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, zgodnie z tradycją rodzinną został oficerem marynarki wojennej i podróżował na okręcie wojennym po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukację muzyczną pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille’a. I znowu, dzięki M.A. Bałakiriewowi, organizatorowi „Potężnej Garści”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.
Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność rozwiązań gatunkowych, stylistycznych, dramatycznych, kompozycyjnych kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem elementu orkiestrowego, z których główne to melodyjne linie wokalne. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.
Oprócz bezpośredniej niezależnej działalności twórczej N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako wykonawca dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina . Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze: "Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę jego pierwotnie rosyjską esencję, jego głęboką ludowo-rosyjską podstawę należy dziś szczególnie docenić." Mścisław Rostropowicz

Twórczość kompozytorów rosyjskich końca XIX i pierwszej połowy XX wieku stanowi holistyczną kontynuację tradycji szkoły rosyjskiej. Jednocześnie nazwano koncepcję podejścia do „narodowej” przynależności tej czy innej muzyki, praktycznie nie ma bezpośredniego cytatu melodii ludowych, ale intonacja pozostaje rosyjska podstawa, rosyjska dusza.

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Aleksander Nikołajewicz Skriabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najwybitniejszych osobistości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w życiu publicznym przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka i od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, a po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako pianista-kompozytor koncertował w Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypadł na lata 1903-1908, kiedy to ukazała się III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, poematy fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonaty oraz inne dzieła. wydany. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku obrazów tematycznych, skupił twórcze pomysły Sryabina i jest jego genialnym arcydziełem. Harmonijnie łączy zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, napowietrzonego brzmienia instrumentów solowych. Kolosalna energia życiowa, ognista pasja i siła silnej woli zawarte w „Poemacie ekstazy” robią na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowują moc swojego oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu utworowi miała towarzyszyć muzyka kolorowa , ale premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat A.N. Skriabina: „Powiem im (ludziom) – żeby… nie oczekiwali od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć… Powiem im, że nie ma nic opłakiwać, żeby nie było straty. „Aby nie bali się rozpaczy, która tylko może dać początek prawdziwemu triumfowi. Silny i potężny jest ten, kto doświadczył rozpaczy i ją pokonał”.

Cytat o A.N. Skriabinie: "Twórczość Skriabina była jego czasem wyrażonym w dźwiękach. Kiedy jednak to, co tymczasowe, przemijające, znajduje swój wyraz w twórczości wielkiego artysty, nabiera trwałego znaczenia i staje się trwałe." G. V. Plechanow

7. Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy na świecie kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy wizerunek kompozytora Rachmaninowa określany jest często mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, w wieku czterech lat rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem swojej matki. Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista oraz komponował muzykę. Katastrofalna premiera nowatorskiej I Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX wieku wyłonił się Rachmaninow z dojrzałym stylem, łączącym rosyjską pieśń kościelną, odchodzący romantyzm europejski, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm, a wszystko to w pełni o złożonej symbolice. W tym okresie twórczym narodziły się jego najlepsze dzieła, m.in. II i III koncert fortepianowy, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło – wiersz „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w USA. Przez prawie dziesięć lat po odejściu nic nie komponował, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie i został uznany za jednego z najwybitniejszych pianistów swojej epoki i głównego dyrygenta. Mimo całej swojej gorączkowej aktywności Rachmaninow pozostał osobą bezbronną i niepewną, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając irytującej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za swoją ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Nieustannie interesował się wszystkimi wydarzeniami odbywającymi się w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma oraz pomagał finansowo. Jego ostatnie dzieła – III Symfonia (1937) i „Tańce symfoniczne” (1940) były efektem jego drogi twórczej, łączącej w sobie wszystko, co najlepsze w jego niepowtarzalnym stylu oraz żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za ojczyzną.

Cytat S.V. Rachmaninowa:
„Czuję się jak duch wędrujący samotnie po obcym mi świecie”.
„Najwyższą jakością wszelkiej sztuki jest jej szczerość.”
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako naczelną zasadę muzyki. Melodia to muzyka, główna podstawa wszelkiej muzyki… Inwencja melodyczna, w najwyższym tego słowa znaczeniu, jest głównym celem życiowym kompozytor.... Oto powód, dla którego wielcy kompozytorzy przeszłości tak bardzo interesowali się melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o S.V. Rachmaninowie:
"Rachmaninow został stworzony ze stali i złota: Stal jest w jego rękach, złoto jest w jego sercu. Nie mogę o nim myśleć bez łez. Nie tylko podziwiałem wielkiego artystę, ale pokochałem osobę w nim." I. Hoffmana
„Muzyką Rachmaninowa jest Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem, unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których dochód przekazał Funduszowi Armii Czerwonej na walkę z nazistowskimi okupantami.

8. Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fedorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoki muzycznej, w jego twórczości odbija się wielość stylów, nieustannie przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i poddając własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której do perfekcji opanował technikę kompozytorską. Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wyniosła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.
W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, aż ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość podzielona jest na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja masowa”, okresy dzieli nie czas życia w różnych krajach, ale „pismo ręczne” autora.
Strawiński był osobą bardzo wykształconą, towarzyską, ze wspaniałym poczuciem humoru. Do jego grona znajomych i korespondentów należeli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni i mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego – „Requiem” (Hymny żałobne) (1966) wchłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „niepowtarzalność”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe, jednak stale powracał do projektów, w których widoczne jest rosyjskie pochodzenie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat I.F. Strawińskiego: "Całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjską sylabę. Może nie jest to od razu widoczne w mojej muzyce, ale jest w nią wpisane, ma w sobie ukrytą naturę."

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński to prawdziwie rosyjski kompozytor... Duch rosyjski jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wieloaspektowego talentu, zrodzonego na ziemi rosyjskiej i ściśle z nią związanego...” D. Szostakowicz

Ciekawostka (bajka):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał swoje nazwisko na znaku.
-Jesteś krewnym kompozytora? – zapytał kierowcę.
- Czy istnieje kompozytor o takim nazwisku? - kierowca był zaskoczony. - Słyszę to po raz pierwszy. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Nie mam nic wspólnego z muzyką - nazywam się Rossini...

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891—1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew to jeden z największych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista i dyrygent.
Urodzony w obwodzie donieckim, z muzyką związał się od dzieciństwa. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudów muzycznych”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienia jego indywidualnego, z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu; paradoksem jest to, że burząc akademickie kanony, konstrukcja jego kompozycji pozostała wierna klasycznym zasadom, by z czasem stać się powstrzymująca siła modernistycznego, zaprzeczającego wszystkiemu sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył tournée międzynarodowe, m.in. odwiedził ZSRR, by w 1936 powrócić do ojczyzny.
Kraj się zmienił, a „wolna” twórczość Prokofiewa zmuszona była ustąpić realiom nowych żądań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisał opery, balety, muzykę do filmów - muzyka ostra, silna, niezwykle precyzyjna, z nowymi obrazami i pomysłami, położyła podwaliny pod sowiecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 r. niemal jednocześnie wydarzyły się trzy tragiczne wydarzenia: jego pierwsza żona, Hiszpanka, została aresztowana pod zarzutem szpiegostwa i zesłana do obozów; wydano uchwałę Biura Politycznego KC Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików, w której zaatakowano Prokofiewa, Szostakowicza i innych i oskarżono ich o „formalizm” i szkodliwość ich muzyki; Nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora, udał się na emeryturę do swojej daczy i praktycznie jej nie opuszczał, ale nadal komponował.
Do najbardziej uderzających dzieł okresu sowieckiego należały opery „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia” oraz „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Strażnik Pokoju”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; dzieła fortepianowe.
Twórczość Prokofiewa uderza wszechstronnością i szerokością tematów, oryginalność jego myślenia muzycznego, świeżość i oryginalność stanowiły całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły potężny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Cytat z S.S. Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z boku życia?.. Trwam w przekonaniu, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służenia człowiekowi i ludowi... On przede wszystkim ma obowiązek być obywatel w swojej sztuce, aby gloryfikować życie ludzkie i prowadzić ludzi do świetlanej przyszłości…”
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę przeciwstawić się wszystkiemu, co nieduchowe”

Cytat o S.S. Prokofiewie: "...wszystkie aspekty jego muzyki są piękne. Ale jest tu jedna rzecz zupełnie niezwykła. Podobno każdy z nas ma jakieś niepowodzenia, wątpliwości, po prostu zły nastrój. I w takich momentach "Nawet jeśli nie Nie gram i nie słucham Prokofiewa, ale wystarczy o nim pomyśleć, dostaję niesamowity ładunek energii, czuję ogromną chęć do życia i działania.” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo kochał szachy i wzbogacał grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wymyśloną przez siebie „dziewięcioma” szachami – planszą o wymiarach 24x24, na której ułożono dziewięć zestawów figur.

10. Dmitrij Dmitriewicz SZOSTAKOWICZ (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami jego ojczyzny.
Urodzony w Petersburgu, pierwsze lekcje muzyki pobierał u matki, ukończył Konserwatorium w Petersburgu, po wejściu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go do Mozarta - dlatego zadziwił wszystkich doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i talentem dla kompozycji. Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światową sławę zyskał Szostakowicz po zwycięstwie w I Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku.
Do pewnego okresu, a mianowicie przed wystawieniem opery „Lady Makbet z Mtsenska”, Szostakowicz działał jako artysta wolny – „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Dotkliwe rozbiórki tej opery, zorganizowane w 1936 r., i represje z 1937 r. zapoczątkowały późniejszą nieustanną walkę wewnętrzną Szostakowicza o wyrażanie własnych poglądów własnymi środkami w warunkach narzucania przez państwo kierunków w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był przez władze chwalony i prześladowany, piastował wysokie stanowiska i został z nich usunięty, on i jego bliscy zostali nagrodzeni i groziło im aresztowanie.
Jako człowiek łagodny, inteligentny, delikatny, swoją formę wyrażania zasad twórczych odnalazł w symfoniach, w których mógł możliwie otwarcie mówić prawdę o czasie. Spośród całej rozległej twórczości Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł), najbardziej dramatycznie intensywne są symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz objawia się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nigdy nie podróżował za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie i była wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej jest jeszcze przed nami.

Cytat D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka zdolna jest wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane ludzkie idee”.

Wielu z nas udało się przejść z XX do XXI wieku bez wehikułu czasu. Jak mówią, żyjemy na styku dwóch stuleci. Dlatego też mówiąc o tym, kim są współcześni kompozytorzy i do jakiego stulecia należą, musimy to wziąć pod uwagę. Niedawno nowoczesność uznawano za wiek XX. Ale kiedy nastał XXI wiek, poprzedni wiek automatycznie stał się przeszłością.

Terminologia

Zanim zaczniesz rozmawiać na zadany temat, powinieneś zdecydować się na niezbędną terminologię. Po pierwsze, czym jest muzyka klasyczna jako taka? Po drugie, kim są współcześni kompozytorzy? Zrozumienie tych zagadnień pomoże ciekawa opinia Stephena Fry’a. Jego książki o historii muzyki klasycznej są tak zachwycające, że czasami nie można się od nich oderwać. Bardzo jasno i bardzo jasno definiuje stawiane zagadnienia.

Muzyka klasyczna. Jeśli rozważymy ten termin w wąskim znaczeniu tego słowa, stanie się jasne, że odnosi się on do dość krótkiego okresu klasycyzmu, który dominował w latach 1750–1830. W szerokim znaczeniu muzyka klasyczna to każda poważna muzyka wymagająca uwagi i wysiłku emocjonalnego.

Współcześni kompozytorzy. Powszechnie przyjmuje się, że muzyka klasyczna przetrwała próbę czasu. Jak zatem może być nowocześnie? Pewna metamorfoza nastąpiła właśnie wtedy, gdy przenieśliśmy się w wiek XXI, zostawiając wiek XX w przeszłości. Okazuje się więc, że współcześni kompozytorzy klasyczni należą do XX wieku. Co zatem zrobić z muzyką klasyczną w XXI wieku? Chodzi tu o to, że jest ono używane w szerokim znaczeniu tego słowa - jako muzyka poważna, zmuszająca do myślenia i wymagająca pewnego rodzaju wysiłku emocjonalnego.

Wielcy rosyjscy kompozytorzy XX wieku. Lista

Poniższa lista nie jest chronologiczna, ale alfabetyczna. Oczywiście można wyróżnić lub wskazać te szczególnie wyróżniające się. Ale ponieważ wszyscy ci ludzie są najwybitniejszymi przedstawicielami swojego stulecia, można ich śmiało nazwać - wielkimi współczesnymi kompozytorami XX wieku. Na liście znajdują się nie tylko kompozytorzy urodzeni na przełomie XIX i XX wieku. Ich twórczość była już znana w tym okresie lub ich twórczość rozkwitła w XX wieku.

Zagraniczni kompozytorzy XX wieku. Lista

Rosyjscy kompozytorzy XXI wieku

Nie da się przypisać niektórych twórców muzycznych do konkretnego stulecia. Przecież wiele dzieł współczesnych kompozytorów zostało opublikowanych i zasługiwało na uwagę zarówno w XX, jak i XXI w. Dotyczy to szczególnie żyjących kompozytorów, którym udało się w ubiegłym stuleciu zasłynąć ze swojej wysoce artystycznej twórczości i nadal komponują muzykę w obecnym. Mówimy o Rodionie Konstantinowiczu Szczedrinie, Sofii Asgatovnej Gubajdulinie i innych.

Są jednak też mało znani rosyjscy kompozytorzy XXI wieku, którzy stworzyli wspaniałe kompozycje, ale ich nazwiska nie zyskały popularności.

• Batagow Anton.
• Bakszy Aleksander.
• Ekimowski Wiktor.
• Karmanow Paweł.
• Korowicyn Włodzimierz.
• Markiełow Paweł.
• Martynow Włodzimierz.
• Pawłowa Alla.
• Marek Pekarski.
• Sawałow Jurij.
• Savelyev Jurij.
• Siergiejewa Tatiana.

Listę tę można znacznie rozszerzyć.

O współczesnych kompozytorach

Marek Pekarski (ur. 1940). Zasłynął dzięki swojemu zespołowi instrumentów perkusyjnych. Atmosfera na jego koncertach sprzyja śmiechowi, kompozytor bowiem potrafi żartować podczas wykonywania muzyki (i w przerwach).

Martynov Władimir (ur. 1946) – kompozytor minimalistyczny. Łączy w sobie religijność i „postęp”. Współczesny mistrz muzyki poważnej jest w stanie przekazać wiele przy minimalnych środkach.

Ekimowski Wiktor (ur. 1947). Uwagę przyciągają jego prace programowe o jasnych tytułach. Są to „B” (muzyka napisana na flety i fonogram), „Koncert Syjamski” (przeznaczony na dwa fortepiany), „Sublimacje” (na orkiestrę symfoniczną), „27 Destructions” (na instrumenty perkusyjne) i wiele innych.

(ur. 1951). W jej twórczości można wyczuć wpływ muzyki A. Skriabina. Dużo lotu, wibracji, ognia. Drugi koncert fortepianowy przyciąga uwagę słuchaczy dynamicznym rozwojem i nagłym finałem, który przenosi słuchacza do średniowiecza, a następnie przenosi go z powrotem.

Alla Pavlova (ur. 1952) - kompozytorka-emigrantka. Obecnie mieszka w Ameryce. Jej muzyka jest melodyjna, smutna i bolesna jednocześnie. Napisała sześć symfonii w tonacji molowej, które są całymi tragediami.

Jak widać muzyka współczesnych kompozytorów jest różnorodna, niesamowita i atrakcyjna. Wielu twórców uwielbia eksperymenty i poszukuje nowych form. Należą do nich Bakshi Alexander (ur. 1952). Wśród jego dzieł wyróżnia się „Unanswered Call” napisany na skrzypce, 6-7 telefonów komórkowych i orkiestrę smyczkową.

Markiełow Paweł (ur. 1967). Jedną z jego ulubionych dziedzin jest muzyka sakralna. Napisał symfonie na orkiestrę, sonaty z wierszami wolnymi na fortepian i 20 symfonii dzwonowych.

Współcześni kompozytorzy dla dzieci

Wybitnymi przedstawicielami są Jurij Sawałow, Władimir Korovitsyn, Jurij Savelyev.

Jurij Sawałow był utalentowanym kompozytorem, doskonałym nauczycielem i wspaniałym aranżerem. Z zapałem prowadził orkiestrę w Dziecięcej Szkole Muzycznej. Był także dobrym wykonawcą. Grał na instrumentach klawiszowych i dętych. Każdy z dziewięciu jego utworów na fortepian ma podtytuł: „Matka”, „Spowiedź”, „Wiatr wędrówki”, „Inspiracja”, „Bal w Zamku Książęcym”, „Preludium”, „Marzec”, „Walc”, „Kołysanka” ”. Wszystkie są bardzo ciekawe, różnorodne i piękne.

Włodzimierz Korowicyn urodził się w 1955 r. Jego twórczość składa się z muzyki pisanej w różnych romansach, dzieł duchowych pisanych na chór, kameralną i orkiestrę symfoniczną. Dla dzieci napisał zbiór piosenek dziecięcych pt. ​​„Raduj się w słońcu” i „Album dziecięcy” na fortepian. Spektakle stanowią doskonałe uzupełnienie repertuaru uczniów. Nazwy spektakli wiernie oddają ich charakter i nastrój: „Calineczka”, „Drewniane buty”, „Wariacje o wieśniaku z akordeonem”, „Emelia jedzie na piecu”, „Smutna księżniczka”, „Dziewczęcy okrągły taniec” .

Piosenki dla dzieci

Piosenki dla dzieci współczesnych kompozytorów przepełnione są optymizmem i pogodą ducha. Pomimo tego, że część z nich powstała pół wieku temu, pozostają one nie tylko aktualne, ale i dość nowoczesne. Najbardziej uważani są za V. Shainsky, I. Dunaevsky, D. Kabalevsky, G. Gladkov. Z wielką przyjemnością słuchamy ich wesołych i zabawnych piosenek, śpiewamy je sami i razem z dziećmi.

Nie wszyscy wiedzą, że to G. Gładkow stworzył melodie z tak popularnych filmów i kreskówek jak „Czerwony Kapturek”, „O łuczniku Fedocie”, „Dzieci kapitana Granta”, „Na rozkazie szczupaka”, „Wrona z plasteliny” i inne.

Kolejnym legendarnym twórcą współczesnych piosenek dla dzieci jest V. Shainsky. Ma ich ponad trzysta. Wystarczy posłuchać „The Blue Carriage”, „Piggy”, „Chunga-Changa”, „Antoshka” i wielu innych, aby zrozumieć, jak utalentowanym jest kompozytorem.

Za współczesnych kompozytorów uważa się więc nie tylko żyjących lub niedawno zmarłych kompozytorów XXI wieku, ale także mistrzów XX wieku. Obaj tworzyli muzykę o odmiennych gatunkach i charakterach, godną uwagi słuchaczy i muzykologów.

Pojęcie „kompozytora” pojawiło się po raz pierwszy w XVI wieku we Włoszech i od tego czasu jest używane w odniesieniu do osoby komponującej muzykę.

kompozytorzy XIX w

W XIX wieku wiedeńską szkołę muzyczną reprezentował tak wybitny kompozytor, jak Franz Peter Schubert. Kontynuował tradycje romantyzmu i wywarł wpływ na całe pokolenie kompozytorów. Schubert stworzył ponad 600 niemieckich romansów, przenosząc gatunek na nowy poziom.

Franza Piotra Schuberta

Inny Austriak, Johann Strauss, zasłynął ze swoich operetek i lekkich muzycznych form tanecznych. To on uczynił walca najpopularniejszym tańcem w Wiedniu, gdzie do dziś odbywają się bale. Ponadto jego dziedzictwo obejmuje polki, kadryle, balety i operetki.

Johanna Straussa

Wybitnym przedstawicielem modernizmu w muzyce końca XIX wieku był Niemiec Ryszard Wagner. Jego opery do dziś nie straciły na aktualności i popularności.

Giuseppe Verdiego

Wagnera można porównać z majestatyczną postacią włoskiego kompozytora Giuseppe Verdiego, który pozostał wierny tradycjom operowym i nadał włoskiej operze nowy oddech.

Piotr Iljicz Czajkowski

Wśród rosyjskich kompozytorów XIX wieku wyróżnia się imię Piotra Iljicza Czajkowskiego. Cechuje go niepowtarzalny styl, łączący europejskie tradycje symfoniczne z rosyjskim dziedzictwem Glinki.

Kompozytorzy XX wieku

Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow słusznie uważany jest za jednego z najwybitniejszych kompozytorów końca XIX i początku XX wieku. Jego styl muzyczny opierał się na tradycjach romantyzmu i istniał równolegle z ruchami awangardowymi. To właśnie za indywidualność i brak analogii jego twórczość została wysoko oceniona przez krytyków na całym świecie.

Igor Fedorowicz Strawiński

Drugim najbardziej znanym kompozytorem XX wieku jest Igor Fedorowicz Strawiński. Z pochodzenia Rosjanin, wyemigrował do Francji, a następnie do USA, gdzie z całą mocą pokazał swój talent. Strawiński to innowator, który nie boi się eksperymentować z rytmami i stylami. W jego twórczości widać wpływ tradycji rosyjskich, elementy różnych ruchów awangardowych i niepowtarzalny, indywidualny styl, za co nazywany jest „Picasso w muzyce”.

Awangarda 1960–1980 Mówiąc o „radzieckiej awangardzie muzycznej” (lub „rosyjskiej powojennej awangardzie muzycznej”) mamy zwykle na myśli grupę kompozytorów, którzy wyszli na pierwszy plan na początku lat 60. trochę później. Chronologicznie (i ideologicznie) za pierwszego awangardowego twórcę tej fali należy uznać A.M. Wołkońskiego, który przybył z rodziną do ZSRR z emigracji (1947), mając na Zachodzie zarówno wstępne wykształcenie muzyczne, jak i ogólne pojęcie o sztuce co działo się w życiu artystycznym. Po kontynuowaniu studiów w Konserwatorium Moskiewskim zaczął komponować w technice seryjnej Schönberga i Weberna. Do grupy „awangardowej”, na czele której wkrótce stanęli trzej moskiewscy autorzy – E.V. Denisow, S.A. Gubaidulina, A.G. Schnittke, dołączyli na jakiś czas inni autorzy, np. N.N. Karetnikow (do końca pozostał zagorzałym zwolennikiem dodekafonii ), S.M. Slonimsky, R.K. Shchedrin, B.I. Tishchenko, A.S. Karamanov, na Ukrainie - V.V. Silvestrov, L.A. Grabovsky, w Azerbejdżanie - K A. Karaev, w Estonii - A. Pärt itp.

Cechą charakterystyczną awangardy muzycznej na terenie ZSRR często stawała się „folklorystyka”, gdy do opracowania melodii ludowych zastosowano nowe techniki, najlepiej w ich „surowej” formie, nagrane bezpośrednio od śpiewaków ludowych (np. , nietemperowaną strukturę rosyjskiej pieśni chłopskiej można połączyć z awangardową techniką mikrointerwału).

Chronologicznie pierwszą techniką opanowaną przez „radziecką awangardę” był serializm (w różnych postaciach), następnie sonorystyka, a także aleatoryka (kompozycja oparta na zasadzie przypadku); W tym samym czasie rozpoczął się rozwój muzyki elektronicznej. Dość szybko „czyste” systemy ustąpiły miejsca różnym technikom mieszanym: pojawiły się pojęcia „kolażu” (czyli cytowania „czyjegoś słowa”) i tzw. polistylistyka – termin Schnittkego, którego pisma najdobitniej reprezentują to zjawisko. W tym momencie, na początku lat 70., rosyjska awangarda „zbiegła się” z niektórymi trendami w sztuce zachodniej. Już w drugiej połowie lat 70., jak wynika z obserwacji krytyków, zaczęły kształtować się zjawiska zwane „nowym tradycjonalizmem”, neoromantyzmem, „nową prostotą” itp. Znalazły one także odzwierciedlenie w twórczości luminarzy awangardy muzycznej - na przykład w Gubajdulinie, której technika opiera się w zasadzie na kompozycji barwy, czy u Denisowa, w którego późniejszych dziełach poszerza się spektrum gatunkowo-stylistyczne i bardzo szczególnie u Pärta, który do sztuki religijnej podszedł z ascetyczną „nową prostotą”.

Alfreda Garievicha Schnittke(1934–1998), rosyjski kompozytor. Urodzony w Engels (Wołga Niemiecka Autonomiczna Socjalistyczna Republika Radziecka, obecnie obwód Saratowski) 24 listopada 1934 r.; ojciec jest tłumaczem z języka niemieckiego, matka nauczycielką języka niemieckiego. W 1961 ukończył Konserwatorium Moskiewskie w klasie kompozycji E.K. Gołubiewa; w latach 1961–1972 uczył tam na wydziale instrumentarium. Dzieła Schnittkego obejmują opery, balety, symfonie, muzykę kameralną i chóralną. Kompozytor pracował intensywnie w teatrze i kinie, tworząc muzykę do kilkudziesięciu filmów fabularnych, dokumentalnych i animowanych znanych reżyserów. Od początku lat 90. stale mieszkał i pracował w Niemczech (rodzina kompozytora ma niemieckie korzenie), był członkiem korespondentem szeregu zagranicznych uczelni artystycznych, laureatem wielu nagród zagranicznych, a także Nagrody Państwowej RSFSR ( 1986).

Schnittke to główna postać „radzieckiej awangardy muzycznej”, obok E.V. Denisova i S.A. Gubaiduliny. Jego styl, począwszy od drugiej połowy lat 70., charakteryzuje się łączeniem różnych współczesnych technik kompozytorskich w oparciu o zaproponowaną przez niego koncepcję „polistylistyki” (wybitny analityk muzyczny Schnittke wielokrotnie publikował swoje eseje teoretyczne, zwłaszcza na temat Szostakowicza i Strawińskiego). Zgodnie z tą koncepcją mówimy o wyrazie „nowej pluralistycznej świadomości muzycznej”, która „w swoim zmaganiu się z konwencjami konserwatywnego i awangardowego akademizmu przekracza najbardziej trwałą konwencję – koncepcję stylu jako sterylne, czyste zjawisko.” Głównymi formami przejawu tej tendencji są zasada cytowania i zasada aluzji (aluzja stylistyczna, gra styliczna). Polistylistyka dopuszcza i zakłada integrację tego, co „niskie” i „wysokie”, „banalne” i „wyrafinowane”. „Subiektywna pasja wypowiedzi autora podparta jest dokumentalną obiektywnością rzeczywistości muzycznej, prezentowanej nie tylko indywidualnie, ale także cytatowo.”

Ta wypowiedź kompozytora (z początku lat 70. XX w.) najlepiej opisuje styl, w jakim tworzył do końca swoich dni. Wyjaśnia także, dlaczego spośród wszystkich sowieckich artystów awangardowych Schnittke cieszył się największą sławą zarówno w Rosji, jak i na Zachodzie: włączenie „cudzych słów” uczyniło muzykę bardziej przystępną dla słuchacza, a dziennikarski patos wiele dzieł kompozytora jeszcze bardziej wzmocniło tę jakość. Ponadto w twórczości kompozytora często zauważalny jest element „teatralny”, wywodzący się być może z jego twórczości w gatunkach użytkowych i nadający muzyce charakter „sound designu” – jakby komentarza do określonego wydarzenia. Oczywiście wysoki poziom muzyka w zakresie dramatycznego konstruowania swoich kompozycji.

Schnittke pozostawił po sobie bogatą spuściznę, obejmującą niemal wszystkie główne gatunki, a także ich hybrydy: opery „Życie z idiotą” (na podstawie opowiadania V. Erofeeva, 1991), „Gesualdo” (1993), „The Historia doktora Johanna Fausta” (z ludowej baśni o doktorze Fauście, 1994), baletów (m.in. „Der gelbe Klang”, „Żółty dźwięk” według V. Kandinsky’ego, 1974 i „Peer Gynt” według G. Ibsena, 1987), dziewięć symfonii (Dziewiąta - niedokończona, 1998), sześć koncertów Grossi, kilka koncertów na instrumenty solowe z orkiestrą, kilka suit orkiestrowych, szereg oratoriów i kantat (m.in. kantata „Seid nüchtern und wachet ...” - „Historia doktora Johanna Fausta”, 1983; „Requiem” z muzyki do dramatu Schillera „Don Carlos”, 1975; Koncert na chór mieszany do wierszy G. Narekatsiego, 1985; „Wiersze pokuty” na chór mieszany, do tekstów staroruskich, 1987), dużo kameralnej muzyki instrumentalnej, w tym cztery kwartety, kwintet fortepianowy, trio smyczkowe, trio sonata, cztery „Hymny” na różne kompozycje instrumentalne, trzy fortepiany sonaty itp. Schnittke jest autorem muzyki do filmów fabularnych „Agonia” (1974), „Wniebowstąpienie” (1977) i innych, do filmów telewizyjnych „Fantazje Faratyjewa” (1979), „Małe tragedie” (1980) , „Martwe dusze” (1984) itp., do spektakli „Polowanie na kaczki” (MKhAT, 1978), „Doktor Żywago” (Teatr Taganka, 1993) itp.

Gubajdulina Sofia Asgatowna(ur. 1931), rosyjski kompozytor. Urodzony w Czystopolu (Tatarska Autonomiczna Socjalistyczna Republika Radziecka) 24 października 1931 r. w inteligentnej rodzinie tatarsko-rosyjskiej; Studiował muzykę w szkole i konserwatorium w Kazaniu. Po ukończeniu Konserwatorium Kazańskiego w 1954 r. (klasa kompozycji A.S. Lemana, klasa fortepianu G.M. Kogana) wstąpiła do Konserwatorium Moskiewskiego, które ukończyła w 1959 r. w klasie kompozycji N.I. Peiko, a następnie studiowała w szkole podyplomowej u V.Ya .Szebalina. Do początku lat 90. mieszkała w Moskwie jako „wolna artystka”; w latach 1969–1970 pracowała w Moskiewskim Eksperymentalnym Studiu Muzyki Elektronicznej; współpracował z różnymi studiami filmowymi. Od początku lat 90-tych mieszka w Niemczech. Laureat wielu nagród zagranicznych i rosyjskich, członek honorowy Berlińskiej Akademii Sztuk.

Zazwyczaj Gubajdulina plasuje się w „pierwszej trójce” radzieckiej awangardy lat 60.–80., zaraz za E. Denisowem i A. Schnittke. Jej pierwszym reprezentatywnym dziełem była kantata „Noc w Memphis” na mezzosopran, chór męski i orkiestrę oparta na tekstach starożytnego Egiptu (1968). Następnie preferowała formy instrumentalne o stosunkowo małej skali, często o oryginalnym składzie instrumentów (wyjątkiem jest duża symfonia w 12 częściach pt. ​​„Słyszę… Uciszono…”, 1986). Od końca lat 80. w jej twórczości powróciły kompozycje wokalno-instrumentalne; wśród nich „Hallelujah” na chór, orkiestrę, organy, solistkę wiolinową i kolorowe projektory, 1990; kantata „Z księgi godzin” według wierszy R. M. Rilkego, 1991; kantata „Teraz zawsze jest śnieg” na podstawie wierszy G. Aigi (1993) oraz jedno z najnowszych dzieł, wielkoformatowa „Pasja według św. Jana” (2000), zamówiona przez miasto Stuttgart dla upamiętnienia 250. rocznica śmierci J. S. Bacha.

Krytycy zwracają uwagę na interakcję tradycji zachodniej i wschodniej w twórczości Gubajduliny; jej styl jest swobodny, płynny i nie przynależy do żadnego określonego kierunku. Cechami charakterystycznymi pisma Gubaiduliny jest duża koncentracja duchowa, dążenie do architektonicznej doskonałości formy, wrażliwość na barwę, na dźwięk jako taki. Jak sama mówi, muzyka XX wieku. „często zwraca się w stronę procesów nieuchwytnych, czasami osiągając próg ciszy”.

Edison Wasiljewicz Denisow(1929–1996), rosyjski kompozytor, muzykolog, osoba publiczna. Urodzony 6 kwietnia 1929 roku w Tomsku w rodzinie inżyniera, kształcił się początkowo na Wydziale Fizyki i Matematyki Uniwersytetu Tomskiego, jednocześnie studiując w miejskiej szkole muzycznej. W 1950 wysłał kilka swoich kompozycji do D. D. Szostakowicza i po otrzymaniu zachęcającej odpowiedzi wstąpił w 1951 do Konserwatorium Moskiewskiego do klasy kompozycji V. Ya Shebalina. Po ukończeniu konserwatorium i studiach podyplomowych pracował tam, głównie na wydziale instrumentarium (kiedyś prowadził klasę analizy, później kompozycję). W ostatnich latach mieszkał i pracował we Francji, nie zrywając jednak więzi z Rosją.

Denisow ogłosił się na przełomie lat 50. i 60. XX w. niekwestionowanym przywódcą ruchu (A.M. Volkonsky, S.A. Gubaidulina, A.G. Schnittke, w republikach – A. Pyart, V. Silvestrov i in.), który dążył do przejęcia osiągnięć zachodniej muzyki współczesnej. Kluczowym dziełem tego okresu jest kantata „Słońce Inków” oparta na słowach chilijskiej poetki Gabrieli Mistral (1964), napisana w dowolnie interpretowanej technice 12-tonowej, a także kantata „Lamentacje” oparta na Rosyjskie teksty ludowe (1966). Denisow do końca swoich dni pozostał czołową postacią ruchu, miał wielu uczniów i naśladowców (m.in. wśród absolwentów Konserwatorium Moskiewskiego).

Od lat 60. nawiązał silne kontakty z przedstawicielami „awangardy” w innych krajach, ułatwiając w ten sposób zarówno zapoznanie Zachodu z działalnością muzyków żyjących w ZSRR, jak i upowszechnienie wiedzy o nurtach Muzyka zachodnia w kraju; Od tego czasu utwory Denisowa często były wykonywane za granicą i publikowane w zachodnich wydawnictwach. Na przełomie lat 70. i 80. Denisow działał jako promotor rosyjskiej awangardy muzycznej lat dwudziestych (N.A. Roslavets, V.M. Deshevov, L.A. Polovinkin, A.V. Mosolov i in.); w 1989 utworzył w Moskwie Towarzystwo Muzyki Współczesnej (następcę międzynarodowej organizacji o tej samej nazwie, która w latach dwudziestych i wczesnych trzydziestych XX wieku miała swoje oddziały w Moskwie i Leningradzie).

Rozpiętość gatunkowa twórczości Denisowa jest dość szeroka: za jego główne dzieło uważa się operę „Piana dni” według Borisa Viana (1981), a także szereg utworów na orkiestrę, a zwłaszcza na instrumenty solowe z orkiestrą (koncerty dla wiolonczela, fortepian, flet, skrzypce, flet i obój z orkiestrą, tworzone głównie na zamówienia znanych wykonawców). W latach 80.–90. Denisowa pociągały duże formy wokalne i instrumentalne (na przykład „Requiem” na solistów, chór i orkiestrę, w którym wielojęzyczne wiersze Francisco Tanzera łączą się z tradycyjnymi tekstami łacińskimi, 1980; kompozycja z gatunku namiętności „Dzieje życia i śmierci Pana naszego Jezusa Chrystusa”, 1992). W latach 90. Denisov ukończył i zaaranżował wczesną operę C. Debussy’ego „Rodrigo i Ximena” (1993), a także rekonstrukcję duchowej opery-oratorium F. Schuberta „Wskrzeszenie Łazarza” (1994).

W przeciwieństwie do większości sowieckich „awangardystów” Denisow od początku był twórczo zorientowany nie na kulturę niemiecką (Schoenberg, Webern i ich zwolennicy), ale na kulturę francuską, największym autorytetem wśród jemu współczesnych był P. Boulez; twórczość instrumentalna i orkiestrowa, ogólnie dźwięczny wygląd muzyki Denisowa oraz kultura dźwięku ujawniają ciągłość z tradycją francuskiego impresjonizmu. Jego dojrzałą technikę charakteryzuje swobodne łączenie technik serializmu, aleatoryki, sonoryzmu itp. Sam kompozytor uważał pojęcie „plastyczności” za kluczową kategorię swojej estetyki.

Sviridov Georgy (Yuri) Wasiljewicz(1915–1998), rosyjski kompozytor. Urodzony 3 (16) grudnia 1915 r. w Fateżu (województwo kurskie) w rodzinie pracownika poczty. Ojciec zginął podczas wojny secesyjnej. Po ukończeniu szkoły muzycznej w Kursku studiował w I Szkole Muzycznej w Leningradzie, a od 1936 na wydziale kompozycji Konserwatorium Leningradzkiego, które ukończył w 1941 w klasie D. D. Szostakowicza. Od 1956 mieszkał w Moskwie; pracował w teatrze i kinie, w latach 1968–1973 stał na czele Związku Kompozytorów RFSRR.

Jako kompozytor Sviridov zadebiutował cyklem romansów na podstawie wierszy Puszkina (1935) – utworem uderzającym, wciąż znajdującym się w repertuarze; w jego wczesnych dziełach instrumentalnych (trio fortepianowe, kwartet smyczkowy, różne dzieła fortepianowe itp.) zauważalny był wpływ Szostakowicza. Jednak od połowy lat pięćdziesiątych, począwszy od wspaniałego „Poematu ku pamięci Siergieja Jesienina” (1956), ustalił się indywidualny styl kompozytora, będący raczej przeciwieństwem Szostakowicza i jego szkoły. Przede wszystkim Sviridov skupił się na gatunkach kojarzonych z rosyjskim słowem poetyckim - kantacie, oratorium, cyklu wokalnym (granice między gatunkami często się dla niego zacierają), a wszystkie jego najwyższe osiągnięcia wiążą się właśnie z tym obszarem, choć wśród nielicznych kompozytora w muzyce instrumentalnej znajdują się prawdziwe arcydzieła, wśród nich „Mały Tryptyk” na orkiestrę (1966) i „Zamieć” (ilustracje muzyczne do opowiadania Puszkina, 1974).

Ponadto nazwisko Sviridova kojarzone jest z charakterystycznym dla lat 60. nurtem w muzyce rosyjskiej, nazywanym czasem „nową falą ludową”. Głównymi kamieniami milowymi w tym ruchu były wspomniany „Poemat ku pamięci Siergieja Jesienina”, cykl wokalny „Mój ojciec jest chłopem” (1957), kantata „Drewniana Rosja” (1964) i wiersz „Rosja rozbitka” ( 1977) na podstawie wierszy Jesienina, a także – w bardzo dużej mierze – kantata „Pieśni kurskie” (1964) oparta na autentycznych melodiach i tekstach ludowych oraz szereg utworów opartych na wierszach Bloka (w szczególności wokal cykle „Pieśni petersburskie”, 1964 i „Sześć pieśni”, 1977), Niekrasow („Kantata wiosenna”, 1972), Puszkin („Wieniec Puszkina”, 1979). Sviridov pisał także o wierszach Majakowskiego (np. „Oratorium żałosne”, 1959), Pasternaka („mała kantata” „Padnie śnieg”, 1965), Lermontowa, Chlebnikowa, A.A. Prokofiewa, M.V. Isakowskiego, A.T. Twardowskiego oraz w tłumaczeniu teksty Szekspira, Burnsa, Isahakyana.

Za główną cechę stylu kompozytora można uznać oparcie się na pierwotnych gatunkach narodowych (prawie wszystkie jego dzieła w taki czy inny sposób opierają się na pieśni) oraz na intonacji narodowej, mowie i pieśni (w tym sensie Sviridov jest następcą Musorgski); Wtedy możemy mówić o lakonizmie i mądrej prostocie form, przejrzystości faktury itp. „Prostota Sviridova”, która nie ma nic wspólnego z „uproszczeniem”, jest w rzeczywistości zjawiskiem złożonym: we współczesnych studiach porównuje się ją czasami z tendencjami do minimalizmu w kulturze zachodniej, a ciągłą chęć pracy ze słowem kompozytora odbiera się jako nostalgię za pierwotną nierozłączność muzyki i wiersza; Na „neofolkloryzm” Sviridova można spojrzeć w tym samym duchu – na odnajdywanie korzeni. Z jeszcze większym uzasadnieniem można mówić o nostalgii w powiązaniu z figuratywnym światem jego muzyki, która często brzmi jak krzyk za utraconą ojczyzną, pożegnanie z odeszłą („odpływającą”) Rosją.

Przenikliwość intonacji Sviridova objawia się wyjątkowo w tej warstwie jego twórczości, która wiąże się z motywami duchowymi (rozumienie przez to nie „kościelność” w czystej postaci, ale raczej stan „przy murach kościoła”). Jako jeden z pierwszych, bardzo wcześnie, zwrócił się ku tej warstwie, tworząc w 1973 roku trzy wspaniałe chóry na tragedię A.K. Tołstoja „Cara Fiodora Ioannowicza” oraz koncert chóralny ku pamięci A.A. Jurłowa (wspaniałego chórmistrza, który wcześnie zmarł, jeden z najlepszych wykonawców muzyki Sviridov). W ostatniej dekadzie swojego życia Sviridov stale pracował nad chórami opartymi na tekstach cerkiewno-słowiańskich: niektóre z nich zostały włączone do dużego cyklu chóralnego „Pieśni i modlitwy”, ale większość tego, co napisał, nie została jeszcze opublikowana ani wykonana.

Cała twórcza biografia Sviridova jest niesamowitym przykładem wewnętrznej wolności niepodległościowej z zewnętrznym pełnym przystosowaniem do istniejących warunków politycznych i społecznych: otrzymał tytuł Artysty Ludowego ZSRR, gwiazdę Bohatera Pracy Socjalistycznej, był zastępcą Rada Najwyższa RFSRR, laureat nagród państwowych, jego muzyka (z filmu „Czas, naprzód!”) zabrzmiała (i brzmi) w wygaszaczu ekranu informacyjnego pierwszego państwowego kanału telewizyjnego; jednocześnie często można usłyszeć melodie Sviridova w wykonaniu ulicznych muzyków (zwłaszcza „Walc” i „Romance from the Blizzard”).

Rodion Konstantinowicz Szczedrin(ur. 1932), rosyjski kompozytor. Urodzony 16 grudnia 1932 roku w Moskwie w rodzinie zawodowych muzyków. W 1955 roku, po studiach w Moskiewskiej Szkole Chóralnej (obecnie im. A.V. Swiesznikowa), ukończył Konserwatorium Moskiewskie w klasie kompozycji Yu.A. Shaporina i gry na fortepianie Y.V. Fliera. W latach 1965–1969 wykładał w konserwatorium, następnie piastował stanowiska kierownicze w Związku Kompozytorów. Często wykonywał własne utwory, m.in. jako pianista.

Szczedrin zyskał sławę bardzo wcześnie, przede wszystkim w gatunkach teatralnych: jego balet „Mały garbaty koń” (1960), „Carmen Suite” (1967) i opera „Nie tylko miłość” (1961) wystawiane były w Teatrze Bolszoj. Następnie wydano tam balet „Anna Karenina” (1972), „Mewa” (1980), „Dama z psem” (1986) i opera „Martwe dusze” (1977). W latach 60. powstały takie dzieła, jak koncert na orkiestrę „Psotne Ditties” (1963) i oratorium „Lenin w sercu ludu” (1969; za które autor otrzymał Nagrodę Państwową), a także „Poezja” oparta na materiał folklorystyczny, cieszył się dużym powodzeniem na czytelnika, głos żeński, chór i orkiestrę, na podstawie wierszy A.A. Wozniesienskiego (1968; jako lektor występował sam poeta). W tym okresie styl Szczedrina, początkowo nastawiony na raczej tradycyjny folkloryzm, zaczął charakteryzować się połączeniem elementów sztuki ludowej i technik „awangardowych” (elementy dodekafonii, sonoryzmu itp.). Jego liczne dzieła fortepianowe charakteryzują się mocnym, ale konstruktywnym i wirtuozowskim stylem: pięć koncertów na fortepian i orkiestrę, cykl „24 preludia i fugi” (1970) i ​​inne. Kompozytor tworzył i tworzy w różnorodnych gatunkach: utwory o charakterze koncertowym na różne kompozycje instrumentalne, suity orkiestrowe (często oparte na własnej muzyce teatralnej), utwory o charakterze kantatowym (w tym kojarzące się z wizerunkami tradycyjnej sztuki rosyjskiej lub staroruskiej) ); w 1993 napisał operę „Lolita” według V.V. Nabokowa.

Współcześni kompozytorzy. Zobacz katalog współczesnych kompozytorów na stronie musikaneo.com Muzyka klasyczna przetrwała próbę czasu i zgadzamy się, że jeśli dzieło ma mniej niż 100 lat, to nie może być muzyką klasyczną. Czym jednak zajmują się absolwenci konserwatorium, gdzie znajdują się ich dzieła i jak mogą odnieść się do muzyki klasycznej?

Muzyka klasyczna. W wąskim znaczeniu termin ten odnosi się do okresu klasycyzmu, który dominował w latach 1750–1830. W szerokim znaczeniu muzyka klasyczna to każda poważna muzyka, która zmusza do myślenia, wymaga uwagi i wysiłku emocjonalnego.

Okresy muzyczne. Na musikaneo.com doskonale prezentowane są epoki muzyczne i autorzy tworzący muzykę w różnych okresach

Wielcy rosyjscy kompozytorzy XX wieku. Wszystkie te osobistości są najwybitniejszymi przedstawicielami swojego stulecia, można je śmiało nazwać wielkimi współczesnymi kompozytorami XX wieku. Na liście znajdują się nie tylko kompozytorzy urodzeni na przełomie XIX i XX wieku. Ich twórczość była już znana w tym okresie lub ich twórczość rozkwitła w XX wieku.

• Pakhmutova Aleksandra Nikołajewna. Prokofiew Siergiej Siergiejewicz. Rachmaninow Siergiej Wasiliewicz. Sviridov Georgy Wasiljewicz. Skriabin Aleksander Nikołajewicz. Słonimski Siergiej Michajłowicz. Strawiński Igor Fiodorowicz.

• Chaczaturyan Aram Iljicz. Szostakowicz Dmitrij Dmitriewicz. Schnittke Alfreda Garriewicza. Szczedrin Rodion Konstantinowicz.

Zagraniczni kompozytorzy XX wieku.

• Albana Brega. Antona Weberna. Arnolda Schönberga. Bela Bartok. Villa-Lobos Heitor. Witolda Lutosławskiego. Gyorgy Ligeti. Johna Cage’a. George'a Gershwina.

• Leonarda Bernsteina. Luigi Nono. Mikalojus Ciurlionis. Nadii Boulanger. Oliviera Messiaena

• Paula Hindemitha. Charlesa Ivesa. Edwarda Benjamina Brittena. Edgarda Varese. Yannisa Xenakisa.

Rosyjscy kompozytorzy XXI wieku Nie da się przypisać niektórych twórców muzycznych do konkretnego stulecia. Przecież wiele dzieł współczesnych kompozytorów zostało opublikowanych i zasługiwało na uwagę zarówno w XX, jak i XXI w. Dotyczy to szczególnie żyjących kompozytorów, którym udało się w ubiegłym stuleciu zasłynąć ze swojej wysoce artystycznej twórczości i nadal komponują muzykę w obecnym. Mówimy o Rodionie Konstantinowiczu Szczedrinie, Sofii Asgatovnej Gubajdulinie i innych.

Są jednak też mało znani rosyjscy kompozytorzy XXI wieku, którzy stworzyli wspaniałe kompozycje, ale ich nazwiska nie zyskały popularności.

• Batagow Anton. Bakszy Aleksander. Ekimowski Wiktor. Karmanow Paweł. Korowicyn Włodzimierz. Markiełow Paweł. Martynow Włodzimierz. Pawłowa Alla. Marek Pekarski. Sawałow Jurij. Savelyev Jurij. Siergiejewa Tatiana.