Wybitni dyrygenci. Wybitni rosyjscy dyrygenci chóralni

Przemysł filmowy nie może istnieć bez reżyserów, przemysł literacki i wydawniczy bez redaktorów, a projekty modowe nie mogą istnieć bez projektantów. Lider orkiestry dba o organiczną interakcję wszystkich instrumentów podczas występu. Dyrygent jest główną postacią na scenie filharmonii, sali koncertowej lub innego miejsca muzycznego.

Wirtuozi

Spójność orkiestry symfonicznej i harmonijne brzmienie wielu instrumentów muzycznych osiąga się dzięki umiejętnościom dyrygenta. Nie bez powodu najzdolniejsi z nich zdobywają różne wysokie stopnie i tytuły, popularnie nazywani „wirtuozami”. Rzeczywiście, nienaganna kontrola batuty dyrygenta pozwala każdemu muzykowi siedzącemu w orkiestrze przekazać wszystkie niuanse twórczego impulsu. Ogromna orkiestra symfoniczna nagle zaczyna brzmieć jak jedna całość, a kompozycja muzyczna ujawnia się w całej okazałości.

Znani dyrygenci są zjednoczeni umiejętnościami, wszyscy przeszli szkołę sztuki wysokiej, popularność i uznanie opinii publicznej nie przyszły od razu. Zyskał popularność na przestrzeni lat. W większości znani dyrygenci oprócz działalności koncertowej prowadzą zajęcia dydaktyczne, szkoleniowe dla młodych muzyków, a także kursy mistrzowskie.

Samopoświęcenie

Sztuka dyrygowania orkiestrą wymaga wielu lat praktyki, ciągłego doskonalenia, co owocuje niekończącymi się próbami. Niektórzy znani dyrygenci wyróżniają się szczególną wytrwałością twórczą, graniczącą z poświęceniem, gdy życie osobiste schodzi na dalszy plan i pozostaje tylko muzyka. Taka sytuacja jest jednak dobra dla sztuki.

Najsłynniejsi dyrygenci związani są kontraktami z określonymi zespołami muzycznymi, co daje im szansę na osiągnięcie wysokiego poziomu wykonawczego, ale jednocześnie konieczne jest ogólne wzajemne zrozumienie, które później będzie kluczem do udanej działalności koncertowej.

Znani dyrygenci operowi

W światowej hierarchii muzyki są nazwiska, które znają wszyscy. Nazwiska znanych dyrygentów operowych widnieją na plakatach, billboardach, a ich imionami noszą statki wycieczkowe. Ta popularność jest w pełni zasłużona, ponieważ niewiele osób jest w stanie poświęcić całe swoje życie muzyce bez śladu. Najsłynniejsi dyrygenci podróżują po całym świecie, koncertując z różnymi zespołami muzycznymi lub czołowymi orkiestrami w największych ośrodkach muzycznych. Przedstawienia operowe wymagają szczególnej koordynacji orkiestry przy akompaniamencie partii wokalnych, arii i cavatin. We wszystkich agencjach muzycznych można dowiedzieć się o nazwiskach znanych dyrygentów operowych, których można zaprosić na sezon lub cykl przedstawień. Doświadczeni impresaria znają styl pracy i cechy charakteru każdej osoby. Pomaga im to dokonać właściwego wyboru.

Znani dyrygenci Rosji

Muzyka, zwłaszcza opera, składa się z wielu elementów. Istnieje również orkiestra, w skład której wchodzą różnorodne instrumenty: instrumenty dęte, smyczki, smyczki, perkusja. Soliści, wokaliści, chór i inni uczestnicy przedstawienia. Odmienne fragmenty spektaklu operowego łączą w jedną całość reżyser spektaklu i dyrygent orkiestry. Co więcej, ten ostatni aktywnie uczestniczy w akcji od początku do końca. W Rosji są dyrygenci, którzy swoją muzyką kierują operę jedyną prawdziwą drogą prowadzącą widza do prawdziwej sztuki.

Znani dyrygenci Rosji (lista):

• Aleksandrow Aleksander Wasiljewicz.
• Bashmet Jurij Abramowicz.
• Borysowna.
• Władimirowicz.
• Broniewicki Aleksander Aleksandrowicz.
• Wasilenko Siergiej Nikiforowicz.
• Garanyan Georgy Abramowicz.
• Gergijew Walery Abisalowicz.
• Gorenshtein Marek Borysowicz.
• Aleksandrowicz.
• Jewtuszenko Aleksiej Michajłowicz.
• Ermakowa Ludmiła Władimirowna.
• Kabalewski Dmitrij Borisowicz.
• Kazhlaev Murad Magomedowicz.
• Kogan Paweł Leonidowicz.
• Lundstrema Olega Leonidowicza
• Mrawiński Jewgienij Aleksandrowicz.
• Swietłanow Jewgienij Fiodorowicz.
• Spiwakow Władimir Teodorowicz.

Każdy znany rosyjski dyrygent może z sukcesem poprowadzić dowolną zagraniczną orkiestrę symfoniczną, wystarczy kilka prób. Profesjonalizm muzyków pomaga przezwyciężyć różnice stylistyczne.

Światowe gwiazdy

Znani dyrygenci na świecie to utalentowani muzycy cieszący się uznaniem publiczności.

Paweł Kogan

Najsłynniejszy rosyjski dyrygent, który od ponad czterdziestu lat przekazuje światu swoją sztukę. Jego popularność jest bezprecedensowa. Nazwisko mistrza znajduje się na liście dziesięciu najwybitniejszych współczesnych dyrygentów. Muzyk urodził się w rodzinie znanych skrzypków Leonida Kogana i Elizavety Gilels. Od 1989 roku jest stałym dyrektorem artystycznym, a także głównym dyrygentem Moskiewskiej Państwowej Orkiestry Symfonicznej (Moskiewskiej Państwowej Orkiestry Symfonicznej). Jednocześnie reprezentuje Rosję w najważniejszych ośrodkach muzycznych w Ameryce.

Pavel Kogan koncertuje na całym świecie z najlepszymi orkiestrami symfonicznymi, a jego twórczość uznawana jest za niedoścignioną. Maestro pochodzi z Rosji i nosi tytuł „Artysta Ludowy Rosji”. Pavel Kogan ma także wiele nagród, w tym Order Zasługi dla Ojczyzny i Order Sztuki.

Herberta von Karajana

Światowej sławy urodzony w Austrii dyrygent Herbert von Karajan (1908-1989) urodził się w rodzinie greckich imigrantów. W wieku ośmiu lat wstąpił do Konserwatorium Mozarteum w Salzburgu, gdzie przez 10 lat studiował i zdobył podstawowe umiejętności dyrygentury. W tym samym czasie młody Karayan opanował grę na pianinie.

Debiut odbył się w 1929 roku w Teatrze Festiwalowym w Salburgu. Herbert dyrygował operą Salome. W latach 1929-1934 był głównym kapelmistrzem w teatrze niemieckiego miasta Ulm. Następnie Karajan stał przez dłuższą chwilę przy stanowisku dyrygenckim Orkiestry Filharmonii Wiedeńskiej. W tym samym czasie wykonał operę Charlesa Gounoda „Noc Walpurgii”.

Najwspanialsza godzina dyrygenta przypadła na rok 1938, kiedy opera Ryszarda Wagnera „Tristan i Izolda” w jego wykonaniu odniosła ogromny sukces, po czym Herberta zaczęto nazywać „Cudownym Karajanem”.

Leonarda Bernsteina

Amerykański dyrygent (1918-1990), urodzony w rodzinie żydowskich imigrantów. Edukacja muzyczna Leonarda rozpoczęła się już w dzieciństwie, nauczył się grać na pianinie. Chłopiec jednak stopniowo oswajał się z dyrygenturą i w 1939 roku zadebiutował – młody Bernstein wykonał z małą orkiestrą kompozycję własnego utworu pt. Ptaki.

Dzięki swojemu wysokiemu profesjonalizmowi Leonard Bernstein szybko zyskał popularność i już w młodości prowadził New York Philharmonic Orchestra. Będąc wszechstronną osobą twórczą, dyrygent studiował literaturę. Napisał kilkanaście książek poświęconych muzyce.

Walery Gergijew

Słynny dyrygent Walery Abisalowicz Gergiev urodził się 2 maja 1953 roku w Moskwie. W wieku dziewiętnastu lat wstąpił do Konserwatorium w Leningradzie. Jako student brał udział w międzynarodowym konkursie dyrygenckim w Berlinie, gdzie zajął II miejsce.

Po ukończeniu konserwatorium w 1977 roku młody dyrygent został przyjęty na stanowisko asystenta w Teatrze Kirowa. Jego mentorem został Valery Gergiev, który już w 1978 roku stanął za sterami i wykonał operę Prokofiewa „Wojna i pokój”. W 1988 zastąpił Jurija Temirkanowa po jego odejściu do Filharmonii Leningradzkiej.

Rok 1992 to powrót do Teatru Kirowa pod jego historyczną nazwą „Teatr Maryjski”. Widzowie teatru w Petersburgu, aby wziąć udział w przedstawieniach operowych, dokonują rezerwacji z wielomiesięcznym wyprzedzeniem. Dziś Valery Gergiev jest głównym dyrygentem teatru i jego dyrektorem artystycznym.

Jewgienij Swietłanow

Słynny dyrygent rosyjski i międzynarodowy Jewgienij Fiodorowicz Swietłanow (1928-2002) pozostawił zauważalny ślad w dziedzictwie kulturowym Rosji. Posiada tytuły „Bohatera Pracy Socjalistycznej” i „Artysty Ludowego ZSRR”. Jest laureatem Nagród Lenina i Państwowych ZSRR.

Kariera twórcza Swietłanowa rozpoczęła się natychmiast po ukończeniu Instytutu Gnessina w 1951 roku. Studia kontynuował w Konserwatorium Moskiewskim w klasie dyrygentury operowej i symfonicznej oraz kompozycji.

Zadebiutował w 1954 roku na scenie Teatru Bolszoj w przedstawieniu opery Rimskiego-Korsakowa „Kobieta Pskowa”. Od 1963 do 1965 był głównym dyrygentem Teatru Bolszoj. W czasie jego twórczości poziom przedstawień operowych zauważalnie wzrósł.

W latach 1965-2000 połączoną pracę dyrektora artystycznego i głównego dyrygenta Państwowej Orkiestry Symfonicznej ZSRR (później Rosja).

Władimir Spiwakow

Rosyjski dyrygent Władimir Teodorowicz Spiwakow urodził się w 1944 roku w mieście Ufa. Ukończył Konserwatorium Moskiewskie w 1968 r., a studia podyplomowe w 1970 r.

Vladimir Spivakov studiował swoje rzemiosło w Konserwatorium Gorkiego u profesora Israela Gusmana. Później odbył specjalny kurs w USA pod kierunkiem Leonarda Bernsteina i Lorina Maazela.

Obecnie jest stałym dyrektorem i dyrygentem kameralnej orkiestry symfonicznej Moskwa Virtuosi, którą osobiście założył w 1979 roku. Występował z europejskimi orkiestrami i amerykańskimi zespołami muzycznymi. Dyrygował w teatrze La Scala, Accademia Cecilia, Filharmonii niemieckiego miasta Kolonia i Radiu Francuskim. Jest prezesem Międzynarodowego Domu Muzyki w Moskwie.

Jurij Baszmet

Rosyjski dyrygent Bashmet Yuri Abramovich urodził się 24 stycznia 1953 roku w Rostowie nad Donem. Artysta Ludowy ZSRR. Laureat czterech Nagród Państwowych Federacji Rosyjskiej.

W 1976 ukończył Konserwatorium Moskiewskie. W 1972 roku, jeszcze jako student, nabył skrzypce altówki włoskiego mistrza Paolo Testore, wykonane w 1758 roku. Bashmet do dziś gra na tym wyjątkowym instrumencie.

Aktywną działalność koncertową rozpoczął w 1976 roku, a dwa lata później otrzymał stanowisko pedagoga w Konserwatorium Moskiewskim. W 1996 roku Yuri Bashmet utworzył „Eksperymentalny Wydział Altówki”, w którym kształci się partie altówki w muzyce symfonicznej, operowej i kameralnej. W tym samym czasie otrzymał tytuł profesora Konserwatorium Moskiewskiego. Obecnie zaangażowana w aktywną działalność charytatywną i społeczną.

Nazwisko Herberta von Karajana w światowej świadomości jest nierozerwalnie związane z Salzburgiem. Dyrygent, urodzony w 1908 roku w Salzburgu, przez dziesięciolecia na swój sposób kształtował życie kulturalne miasta Mozarta i był na czele wydarzeń.

Śladami dyrygenta
Spacerując po Salzburgu nieustannie trafiamy do miejsc związanych z życiem i twórczością wybitnego dyrygenta. Naturalnej wielkości posąg z brązu, znajdujący się w centrum Starego Miasta w Salzburgu, obok mostu dla pieszych Makart, w ogrodzie Raiffeisen Bank, przypomina Herberta von Karajana. Na tablicy znajdującej się w pobliskim budynku widnieje informacja, że ​​w tym domu Karajan urodził się 5 kwietnia 1908 roku. Miasto Salzburg uhonorowało swojego słynnego syna, nazywając jeden z charakterystycznych placów w Dzielnicy Festiwalowej Herbert von Karajan Platz.

Jego grób znajduje się na cmentarzu w Anif, małej miejscowości niedaleko Salzburga, gdzie przez wiele lat mieszkał Herbert von Karajan. Z biegiem czasu grób stał się miejscem pielgrzymek wielbicieli talentu Karajana z całego świata.

Herberta von Karajana i Letniego Festiwalu w Salzburgu
W latach powojennych w Salzburgu rozpoczęła się era Herberta von Karajana. W 1948 po raz pierwszy dyrygował operą Orfeusz Glucka, w 1956 został dyrektorem artystycznym, a w 1957 zadebiutował jako reżyser w operze Fidelio Beethovena.
W 1960 roku Herbert von Karajan zainaugurował nowy budynek Wielkiej Sali Festiwalowej zespołu teatralnego inscenizacją opery Der Rosenkavalier Richarda Straussa i ogłosił początek nowej ery. Nawet gdy Karajan od września 1960 roku nie był już jedynym dyrektorem artystycznym, ale od 1964 roku zasiadał w zarządzie, to nadal zawsze pozostawał tym, który trzyma w rękach wątki przedsięwzięcia i podejmuje najważniejsze decyzje: jako „ostatniego autokratycznego „pana”, odnosząc się do powiedzenia zawartego w jednym ze swoich nekrologów po jego śmierci w 1989 r.

W 1967 roku założył Festiwal Wielkanocny w Salzburgu, którym kierował aż do śmierci: co roku wystawiał udostępnioną przez Senat Berlina inscenizację operową we współpracy z Orkiestrą Filharmonii Berlińskiej, a następnie organizował koncerty w Salzburgu podczas uroczystości Świętej Trójcy.

Era Karajana
Karajan pomógł nadać Letniemu Festiwalowi w Salzburgu status międzynarodowy. Podczas gdy w poprzednich dekadach na czele obsady stał zespół Wiedeńskiej Opery Narodowej, obecnie Salzburg stał się miejscem spotkań wielojęzycznych międzynarodowych gwiazd, które jako wolni artyści czują się jak w domu na słynnych scenach od Mediolanu po Nowy Jork.

To zaczęło przyciągać licznych gości z zagranicy.
Dyrygent przez wiele dziesięcioleci z rzędu, jak nikt inny, nie tylko personifikował scenę muzyczną, ale także przyspieszał rozwój dokumentacji muzycznej. W ostatnich latach życia z wielkim zainteresowaniem i energią – głównie pod własnym kierownictwem orkiestry – kolekcjonował i dokumentował dla świata arcydzieła muzyczne.

G. Łomakin(1811-1885). Sława utalentowanego nauczyciela śpiewu dotarła do Lomakin wcześnie i szybko rozprzestrzeniła się po północnej stolicy. Był zapraszany do nauczania w wielu instytucjach edukacyjnych: kadetach, korpusie marynarki wojennej i pazia, liceum, szkole teatralnej i szkole prawniczej (gdzie wówczas studiował P.I. Czajkowski). To właśnie w tej szkole poznał G.Ya. Lomakin z krytykiem sztuki V.V. Stasow. Wybitny rosyjski krytyk niejednokrotnie zwracał uwagę na „doskonałą szkołę”, „właściwą ścieżkę uczenia się”, „wrodzony talent”, „znaczenie i umiejętność prowadzenia chóru” charakterystyczne dla Łomakina, które odegrały zauważalną rolę w karierze naszego rodak. W 1862 roku wraz ze słynnym kompozytorem M.A. Bałakiriew Łomakin zorganizował bezpłatną szkołę muzyczną dla oświecenia i edukacji ludu. W szkole G.Ya. Lomakin nie tylko stworzył nowy wspaniały chór, ale także zorganizował kształcenie przyszłych nauczycieli muzyki. Wielu jego uczniów stało się sławnymi muzykami: śpiewakami, dyrygentami chóralnymi, nauczycielami. Gavriil Yakimovich ostatnie lata życia poświęcił twórczości kompozytorskiej: wcześniej muzykę mógł pisać jedynie sporadycznie, w krótkich godzinach przerw między zajęciami z chórami. W tym okresie stworzył wiele utworów dla chóru i napisał kilka romansów. Oraz w roku 1883, kiedy M.A. został kierownikiem Kaplicy Dworskiej. Balakirev, Lomakin również otrzymał rzadką okazję do opublikowania swoich dzieł. Ostatnie dni życia poświęcił ich finalizowaniu i redagowaniu arkuszy próbnych.

A. Archangielski (1846-1924)

Kaplica Dworska.

Chór niezależny (1880).

Kaplica hrabiego Szeremietiewa.

S.V. Smoleński (1848-1909)

Dyrektor Szkoły Synodalnej (1889-1901).

Dyrektor dworskiej kaplicy śpiewaczej (1901-1903).

Dyrektor prywatnych kursów regencyjnych (St. Petersburg)

VS. Orłow (1856-1907).

Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1878-1886).

Kaplica Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1882-1888).

Regent Chóru Synodalnego (1886-1907).

Aleksander Dmitriewicz Kastalski (1856–1926).

Chór Synodalny (regent od 1901).

Paweł Grigoriewicz Czesnokow (1877-1944).

Prywatny chór duchowy A.P. Kayutova.

Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1916-1917).

Regent kościołów moskiewskich.

Nikołaj Michajłowicz Danilin (1856-1945).

Chór Synodalny (1910-1918).

Prywatny chór Kayutowa (1915-1917).

Kaplica Akademicka w Leningradzie.

Chór Państwowy ZSRR.

Swiesznikow Aleksander Wasiljewicz(1890-1980), dyrygent chóralny, Artysta Ludowy ZSRR (1956), Bohater Pracy Socjalistycznej (1970). W latach 1936-37 dyrektor artystyczny Państwowego Chóru ZSRR, zorganizowanego na bazie utworzonego w 1928 roku zespołu wokalnego Radia Ogólnounijnego; w latach 1937-1941 - Leningrad. kaplice; od 1941 - Państwowy Rosyjski Chór Pieśniowy (później Państwowy Rosyjski Chór Akademicki ZSRR). Organizator (1944) i dyrektor Moskwy. Szkoła Chóralna (od 1991 Akademia Sztuki Chóralnej im. S.). Profesor (od 1946), rektor (1948-74) Moskwa. konserwatorium. Nagroda Państwowa ZSRR (1946).

JURŁOW Aleksander Aleksandrowicz (1927-73), dyrygent chóralny, Artysta Ludowy RFSRR (1970), Azerbejdżan. SSR (1972). Student AV Swiesznikowa. Od 1958 dyrektor artystyczny i główny dyrygent Republiki. ruski. kaplica chóralna (od 1973 nosząca jego imię). Profesor pedagogiki muzycznej. Instytut nazwany im Gnessins (od 1970). Nagroda Państwowa ZSRR (1967).

Tewlin Borys Grigoriewicz dyrygent chóralny, profesor (1981), kierownik wydziału dyrygentury chóralnej Państwowego Konserwatorium Moskiewskiego im. P. I. Czajkowskiego (1993-2007). Artysta Ludowy Federacji Rosyjskiej (1995).

Kazachkow Siemion Abramowicz (1909-2005) – pedagog, profesor, kierownik katedry dyrygentury chóralnej Państwowego Konserwatorium w Kazaniu.

Minin Włodzimierz Nikołajewicz (ur. 1929), dyrygent chóralny, Artysta Ludowy ZSRR (1988). Student V.G. Sokolova, A.V. Swiesznikowa. Od 1972 r. ręce. Założona przez niego Moskwa. chór kameralny, od 1987 (jednoczesny) dyrektor artystyczny Państwa. ruski. chór. Od 1978 profesor (w latach 1971-79 rektor) pedagogiki muzycznej. Instytut nazwany im Gnesins. Nagroda Państwowa ZSRR (1982).

Dmitryak Giennadij Aleksandrowicz - dyrygent chóralny i operowo-symfoniczny, Czczony Artysta Rosji, dyrektor artystyczny i główny dyrygent Państwowego Chóru Akademickiego Rosji im. A.A. Jurłowa i Moskiewskiej Kaplicy Kremlowskiej, profesor nadzwyczajny Wydziału Dyrygentury Chóralnej Rosyjskiej Akademii Muzycznej. Gnessin.

Wymagania dla dyrygenta chóru

Doskonała znajomość techniki dyrygenckiej;

Potrafić prawidłowo rozmieścić członków chóru w częściach zgodnie z ich głosem i zakresem śpiewania;

Z łatwością poruszaj się po różnorodności dzieł muzycznych różnych stylów, epok, ruchów, poznaj teoretyczne podstawy nagrywania i czytania partytur chóralnych;

Mają wyczulony słuch muzyczny, poczucie rytmu i rozwinięty gust artystyczny.

Gatunki muzyki chóralnej

WILLANELLA(włoska pieśń wiejska) – pieśń włoska z XV-XVI w., przeważnie 3-głosowa, z parą al. ruch głosów, żywy charakter, treść liryczna lub humorystyczna.

KANON(Norma grecka, reguła) - polifoniczna. musical. oparte na formularzu. na ścisłym, ciągłym naśladowaniu, w którym. głosy powtarzają melodię głosu wiodącego, wchodząc przed zakończeniem poprzedniego. Kanon wyróżnia się liczbą głosów, odstępami między nimi (Kanon in prima, kwinta, oktawa itp.), liczbą tematów odtwarzanych jednocześnie (Kanon prosty; podwójny, np. w nr 4 Requiem Mozarta itp. .), forma naśladownictwa (Kanon w górę, w dół). W tzw. nieskończonym kanonie koniec melodii przechodzi w jej początek, zatem głosy mogą powracać dowolną ilość razy. W kanonie ze „zmiennym wskaźnikiem” (w. Protopopow) podczas imitacji wzór melodyczny i rytm zostają zachowane, ale zmieniają się interwały. W chórach często stosuje się imitację kanoniczną, w takiej czy innej formie. op.; Istnieją sztuki napisane w formie K. („Echo” O. Lasso, „Pieśń skowronka” F. Mendelssohna, aranżacja N.A. Rimskiego-Korsakowa „I Walk with the Loaches” itp.).

KANT(z łac. cantus - śpiew, pieśń) - rodzaj starożytnej pieśni chóralnej lub zespołowej o czapce. Powstał w XVI wieku. w Polsce, później na Ukrainie, z II piętra. XVII w. – w Rosji rozpowszechniona jako wczesny rodzaj pieśni miejskiej; do początku XVIII wiek – ulubiony gatunek muzyki domowej, codziennej. Cant ma początkowo charakter pieśni-hymnu o treści religijnej, później zostaje przesiąknięty tematyką świecką; pojawiają się krawędzie. liryczne, pastoralne, stołowe, komiczne, obozowe itp. W epoce Piotra Wielkiego zaczęto śpiewać pieśni panegiryczne, tzw. wiwat; wykonywany przez chóry śpiewaków podczas świąt i procesji triumfalnych, przy akompaniamencie wystrzałów armatnich, fanfar i bicia dzwonów. Cechy stylistyczne cant: forma kupletu, podporządkowanie rytmu muzycznego rytmowi poetyckiemu; klarowność rytmiczna i gładkość melodii, dominuje struktura 3-głosowa z równoległym ruchem 2 głosów wyższych, bas jest często rozwinięty melodycznie; zdarza się również naśladownictwo. W chorcie występuje naturalny związek melodii z harmonią, równowaga funkcji harmonicznych – subdominanty, dominanty, toniki. B. Asafiew zwraca uwagę, że „w ewolucji muzyki drugiej połowy XVIII i początków XIX wieku. Kant staje się rodzajem krótkiej encyklopedii triumfującego stylu homofonicznego” („Forma muzyczna jako proces”, Leningrad, 1963, s. 288). Kuchy rozpowszechniano w zbiorach rękopiśmiennych, bez wskazania autorów tekstu i muzyki, choć często sięgano po wiersze współczesnych poetów Trediakowskiego, Łomonosowa, Sumarokowa i innych. Pierwsze wizerunki wykonano według rodzaju przechwałki. przysł. piosenki. Stopniowo przechwałka stawała się coraz bardziej złożona, nabierając cech romansu. Później (w XIX w.) na bazie pieśni tworzono pieśni żołnierskie, pijackie, studenckie i częściowo rewolucyjne. Wpływ Kanta można znaleźć także w języku rosyjskim. muzyka klasyczna, Glinka („Chwała” z opery „Iwan Susanin”) itp.

KANTATA(włoski cantare – śpiewać) – utwór na śpiewaków solowych, chór i orkiestrę, o charakterze uroczystym lub liryczno-epickim. Kantaty mogą być chóralne (bez solistów), kameralne (bez chóru), z towarzyszeniem fortepianu lub bez, jednoczęściowe lub składać się z kilku pełnych numerów. Kantata różni się od oratorium (podobnego pod względem środków wyrazu) mniejszym rozmiarem, jednolitością treści i mniej rozwiniętą fabułą. Kantata powstała we Włoszech (XVII w.), początkowo jako utwór do śpiewu (w przeciwieństwie do sonaty). Oznacza to, że kantata zajmuje swoje miejsce w twórczości J. S. Bacha, który pisał kantaty o tematyce duchowej, mitologicznej i codziennej. W Rosji kantata pojawiła się w XVIII wieku i osiągnęła rozwój w XIX i XX wieku: solowa kantata teatralna („Czarny szal” Wierstowskiego), pozdrowienia, rocznice, kantaty liryczne, liryczno-filozoficzne („Pieśni pożegnalne uczniów Instytuty Katarzyny i Smolnego” Glinki; „Moskwa”, „Do radości” Czajkowskiego; „Świtezianka” Rimskiego-Korsakowa; „Jan z Damaszku”, „Po czytaniu Psalmu” Tanejewa; „Wiosna”, „ Dzwony” Rachmaninowa, „Kantata na otwarcie pomnika Glinki” Bałakiriewa i in. d.).

Gatunek kantata rozwinął się w twórczości kompozytorów radzieckich, zwłaszcza w utworach o tematyce historycznej, patriotycznej i współczesnej („Aleksander Newski” Prokofiewa, Symfonia-kantata „Na polu Kulikowo” Shaporina, „Kantata o ojczyźnie” Harutyunyana itp.). Współczesny niemiecki kompozytor K. Orff pisał kantaty sceniczne (Carmina Burana i inne).

MADRIGAŁ(włoski) - piosenka liryczna w języku ojczystym. (w przeciwieństwie do śpiewów w języku łacińskim), początkowo monofoniczny. We wczesnym renesansie (XIV w.) wykonywano go na 2-3 głosy. W późnym renesansie (XVI w.) zajmował centralne miejsce w muzyce świeckiej, reprezentując jednogłosową lub wielogłosową kompozycję wokalną o charakterze polifonicznym na 4-5 głosów; był także dystrybuowany poza granicami Włoch. Gatunek madrygałowy ma charakter przeważnie liryczny, ściśle powiązany z tekstem poetyckim (nawet do tego stopnia, że ​​ilustruje poszczególne słowa). Rozwinięty w kręgach arystokratycznych madrygał melodyczny (w przeciwieństwie do frotolla, villanelle, chanson itp.) jest daleki od muzyki ludowej i często jest zbyt wyrafinowany; Miało przy tym także znaczenie postępowe, poszerzające zakres obrazów i środków wyrazu. Madrygał angielski z XVI-XVII wieku jest prostszy, kojarzony z folklorem i bardziej emocjonalny. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Do XVII wieku Madrygał odchodzi od wokalnej polifonii, akcentując głos solowy z towarzyszeniem instrumentów. Wybitnymi mistrzami madrygału (na różnych etapach jego rozwoju) byli Arkadelt, Willart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTET(z francuskiego mot - słowo) - gatunek wokalny. polifoniczny. muzyka. Początkowo we Francji (XII-XIV w.) kilka motetów łączono w jeden motet. (najczęściej 3) niezależne melodie z różnymi tekstami: w głosie dolnym (tenor) - kościelny. śpiew na tekście łacińskim, środkowy (motet) i górny (triplum) - pieśni miłosne lub komiczne w mówionym języku francuskim. Kościół katolicki zwalczał tego typu „wulgarne motety”, przeciwstawiając się im (od XV w.) pieśniami polifonicznymi, opartymi na jednym tekście łacińskim. Madrygały pisane były na chór w formie czapki. (z końca XVI w. i z akompaniamentem), składał się z kilku (2, 3 lub więcej) odcinków, o strukturze polifonicznej, często akordowej. W XVII wieku powstały motety na solistów z towarzyszeniem instrumentów.

CHÓR OPEROWY- jeden z głównych elementów współczesnego przedstawienia operowego. W związku z epoką, gatunkiem i osobowością kompozytora chór w operze pełni inną rolę niż tworzenie codziennego tła, element dekoracyjny, uczestnik prologu, przerywniki do rozdziałów. działająca osoba. W operze seria („opera poważna”, XVII–XVIII w.) chór był prawie nieobecny, w operze buffa („opera komiczna”, XVIII w.) pojawiał się sporadycznie (np. w finale). Wzmocniła się rola chóru jako nośnika wizerunku ludu w operach Glucka i Cherubiniego, choć często chór. zawarte w nich sceny mają charakter oratoryjno-statyczny. Większe znaczenie dramatyczne nadano chórowi w operach zachodnioeuropejskich pierwszej tercji XIX w., u Rossiniego („William Tell”), Verdiego („Nabucco”, „Bitwa pod Legnano”), z ich wizerunkami bohaterskich ludzi ; w operze Meyerbeera udział chóru podkreśla dramatyczne kulminacje.W operze lirycznej XIX w. chór przyczynia się do stworzenia odpowiedniej atmosfery, barwy narodowej, nastroju (op. Bizet, Verdi, Gounod); w operze ludowej chóry mają charakter gatunkowy, zbliżony do pieśni i tańca ludowego (op. Monyushko, Smetana). Rus. świecką sztukę chóralną reprezentowały najpierw chóry operowe (XVIII w., op. Fomin, Paszkiewicz i in.); aw przyszłości chóry zajmują duże miejsce w języku rosyjskim. opery, będące „kamieniem węgielnym dogmatu i afirmacji narodowości i demokracji” (B. Asafiew). Twórczość operowa i chóralna języka rosyjskiego. kompozytorów jest wyjątkowo różnorodna.

W operach historycznych i patriotycznych („Iwan Susanin” Glinki, „Książę Igor” Borodina, „Kobieta Pskowa” Rimskiego-Korsakowa i in.) głównym bohaterem staje się chór wraz z bohaterami. Zwłaszcza (chór zyskał duże znaczenie w ludowych dramatach muzycznych Musorgskiego („Borys Godunow”, „Khovanshchina”), gdzie wizerunek ludu prezentowany jest wieloaspektowo, w rozwoju. W rosyjskich operach codziennych Wierstowskiego („ Grób Askolda”), Dargomyżski („Rusałka”) , Serow („Wróg mocy”), Czajkowski („Czerewiczki”, „Czarodziejka”) itp. istnieje ścisły związek z pieśnią ludową. Oryginalność narodowa znajduje odzwierciedlenie w chórze sceny z oper o tematyce orientalnej („Rusłan i Ludmiła” Glinki, „Demon” Rubinsteina, „Książę Igor” Borodina itp.). W przedstawieniu baśniowych, fantastycznych wątków wykorzystuje się środki chóralne (op. Glinka, Wierstowski, Rimski-Korsakow).Chór jest również używany w oratorium, zwykle w prologu, epilogu (opery Glinka, Serow, Rubinstein, Borodin itp., W wykonaniu hymnów itp. („Dziewica Orleańska ” Czajkowskiego, „Khovanshchina” Musorgskiego itp.) Tradycje aktywnego udziału chóru w rosyjskiej operze klasycznej są kontynuowane w radzieckiej twórczości muzycznej: opery rosyjskich kompozytorów radzieckich „Wojna i pokój”, „Siemion Kotko” Prokofiewa , „Dekabryści” Shaporina, „Katerina Izmailova” Szostakowicza, „Emelyan Pugaczow” Kovala, „Cichy Don” i „Virgin Soil Upturned” Dzierżyńskiego, „Październik” Muradeli, „Wirineja” Słonimskiego i innych, wiele opery narodowe zawierają oddzielne chóry i rozwinięte sceny chóralne. Chór operowy ma swoje specyficzne cechy wykonawcze: przede wszystkim dużą jasność, wyraziste niuanse (podobne do wzoru dekoracyjnego), wyrazisty tekst, zdolność „przelatywania przez orkiestrę” do widowni. Ponieważ chór operowy jest często w ruchu, od każdego członka wymagana jest szczególna pewność siebie i niezależność. Aby rozwinąć te cechy, w niektórych grupach śpiewacy uczą się wyczucia rytmu podczas studiowania swoich partii. Obecność mise-en-scenes, w których chór nie widzi dyrygenta, wymusza tzw. audycje (tempo dyrygenta) prowadzone zza kulis przez chórmistrzów; jednocześnie, aby uzyskać synchroniczność wykonania, poczyniono pewne postępy w „punktach” dyrygenta (mniej więcej, w zależności od głębokości chóru).

ORATORIUM(z łaciny, wow - mówię, modlę się) - duże dzieło muzyczne na chór, solistów, orkiestrę; komp. z zespołów wokalnych, arii, recytatywów, całych numerów orkiestrowych. Oratorium powstało we Włoszech na przełomie XVI i XVII wieku, niemal równocześnie z kantatą i operą i jest do nich zbliżone strukturą. Od kantaty różni się większym rozmiarem, rozbudowaną fabułą, charakterem epickodramatycznym, a od opery przewagą elementu narracyjnego nad rozwojem dramatycznym. Oratorium rozwinęło się z udramatyzowanych laud (duchowych hymnów pochwalnych) wykonywanych w specjalnych pomieszczeniach kościoła – oratoriach. Szczególnym rodzajem oratorium jest Pasja; pod względem struktury i typu oratorium obejmuje także mszę, requiem, „Stabat Mater” itp. Gatunek oratoryjny osiąga swój szczyt w dziełach Bacha, a zwłaszcza Handla, który stworzył typ oratorium heroiczno-epickiego; Oratoria Haydna charakteryzują się cechami gatunkowymi codziennymi i liryczno-filozoficznymi. W 19-stym wieku szturchać. Gatunek oratoryjny został stworzony przez Mendelssohna, Schumanna, Berlioza, Brahmsa, Dvoraka, Liszta, Verdiego i innych w XX wieku. - Honegger, Britten i inni.Pierwszy oznacza rosyjskie oratorium „Minin i Pożarski” Degtyariewa; A. Rubinstein stworzył wiele oratoriów („Babilońskie pandemonium”, „Raj utracony” itp.). W operach klasyki rosyjskiej szeroko wykorzystuje się techniki oratoryjne w postaci dużych scen chóralnych („Iwan Susanin”, „Rusłan i Ludmiła” Glinki, „Judyta” Sierowa, „Książę Igor” Borodina, „Sadko” Rimskiego- Korsakowa itp.). Gatunek oratoryjny jest szeroko stosowany przez kompozytorów radzieckich, ucieleśniając tematy historyczne i współczesne („Emelian Pugaczow” Kowala, „Opowieść o bitwie o ziemię rosyjską” Szaporina, „Pieśń lasów” Szostakowicza, „Na straży Świat” Prokofiewa, „Requiem” Kabalewskiego, „Mahoń” Zarina i in.).

PIOSENKA- najprostsza i najbardziej rozpowszechniona forma muzyki wokalnej, łącząca obraz poetycki z muzycznym. Cechą charakterystyczną pieśni jest obecność kompletnej, samodzielnej, melodyjnej melodii, prostota konstrukcji (zwykle kropka lub forma 2-, 3-głosowa). Muzyka pieśni odpowiada ogólnej treści tekstu, bez jej uszczegółowienia (na przykład w bardzo popularnej piosence wierszowanej). Istnieją pieśni ludowe i profesjonalne (produkowane przez kompozytorów), różniące się gatunkiem, pochodzeniem, kompozycją itp. Powszechnym gatunkiem pieśni chóralnej są: pieśń ludowa (chłopska i miejska), radziecka pieśń masowa, departamentowa. chóry kompozytorów rosyjskich i radzieckich. W muzyce zachodnioeuropejskiej pieśń chóralną kultywowali kompozytorzy romantyczni (Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). W sensie przenośnym termin ten jest piosenką. lub piosenka (dla podkreślenia epopei, powagi, poetyckiej wzniosłości dzieła) są używane w tytułach najważniejszych dzieł muzycznych, kantat (na przykład „Song of Fate”, „Triumphal Song” Brahmsa).

CHÓRALNY- śpiew religijny w kościołach katolickich i protestanckich. Protestancki śpiew polifoniczny (wprowadzony w XVI wieku przez przywódców reformacji) był wykonywany przez całą gminę w języku niemieckim (w przeciwieństwie do chóru gregoriańskiego, który śpiewali po łacinie specjalni śpiewacy płci męskiej). Melodie chorału charakteryzują się siedzącym rytmem. Chorał (lub po prostu chorał) jest zwykle nazywany. prezentacja akordów o jednakowym czasie trwania w zwolnionym tempie.

1. Cześć! Jestem pedagogiem wykształcenie dodatkowe, nauczyciel klasy chóru, śpiewu i fortepianu. Pracuję w centrum kreatywności dziecięcej w dzielnicy Avtozavodsky w Niżnym Nowogrodziena podstawie szkoły nr 63z dogłębnymi studiami muzycznymi.
2. Pozwolę sobie przedstawić Państwu prezentację komputerową „Rosyjscy dyrygenci naszych czasów”
3. Najpierw powiem ci, kto jest dyrygentem.
   „Dyrygent” to francuskie słowo, które oznacza „prowadzić”. W związku z tym dyrygent jest liderem grupy orkiestrowej, operowej, a także chóralnej.Dyrygentura to jeden z najtrudniejszych rodzajów wykonawstwa muzycznego. Dyrygent jest właścicielem artystycznej interpretacji dzieła. Dyrygent chóru musi monitorować formację chóru, poprawną i jednoczesną wymowę tekstu, prawidłowy początek i wejście. Dyrygentura jako samodzielny zawód pojawiła się w drugiej połowie XIX wieku. Dyrygent jest duszą zespołu!
4. Dyrygent może prowadzić zespół chóralny, operowy i symfoniczny. Inna nazwa dyrygenta chóru to chórmistrz.
5. Chciałbym przedstawić Państwu niektórych rosyjskich dyrygentów naszych czasów.
6. Pavel Kogan to jeden z najsłynniejszych dyrygentów w naszym kraju. Jego kariera twórcza rozpoczęła się ponad 40 lat temu. Kogan urodził się w muzycznej rodzinie. Jego rodzice, Leonid Kogan i Elizavet Gilels, są skrzypkami. Kogan zadebiutował jako dyrygent w 1972 roku z Państwową Orkiestrą Symfoniczną ZSRR. Od 1989 roku jest dyrektorem artystycznym i głównym dyrygentem Moskiewskiej Państwowej Orkiestry Symfonicznej (MGSO). Kogan współpracuje także z najlepszymi orkiestrami na świecie. Dyrygent jest laureatem Państwowej Nagrody Rosji i nosi tytuł „Artysta Ludowy Rosji”. Oprócz nagrody Kogan ma wiele nagród rosyjskich i międzynarodowych.
7. Gergiev Valery Abisalovich urodził się 2 maja 1953 roku w Moskwie. Dorastał w Osetii Północnej. W wieku dwunastu lat wstąpił do Konserwatorium w Leningradzie, aby studiować dyrygenturę. Jako student brał udział w międzynarodowym konkursie dyrygenckim im. Herberga von Karajana w Berlinie. Tam zajął zaszczytne drugie miejsce. Po ukończeniu konserwatorium Gergiev został przyjęty na stanowisko asystenta w Teatrze Kirowa. W 1978 dyrygował operą Prokofiewa Wojna i pokój. Gergiev później prowadził Państwową Orkiestrę Symfoniczną Armenii. W 1988 roku objął stanowisko głównego dyrygenta Teatru Kirowa. Gergiev zorganizował własny festiwal poświęcony operom Musorgskiego, a później tradycją stały się festiwale tematyczne pod kierunkiem dyrygenta. Gergiev jest także głównym dyrygentem Londyńskiej Orkiestry Symfonicznej. Jest zdobywcą nagród międzynarodowych i rosyjskich.
8. Spivakov Władimir Teodorowicz urodził się w 1944 roku w mieście Ufa. Jego matka, Ekaterina Osipovna Weintraub, ukończyła Konserwatorium Moskiewskie w klasie fortepianu. W 1955 roku Spivakov studiował w szkole muzycznej Konserwatorium Moskiewskiego. W 1968 ukończył konserwatorium, a w 1970 ukończył studia podyplomowe pod kierunkiem Jurija Jankelewicza. W 1979 roku założył orkiestrę kameralną „Moskwa Virtuosi” i prowadzi ją do dziś. Spivakov jest także dyrektorem festiwalu muzycznego w Colmar. W 2001 roku Władimir Teodorowicz zorganizował w Moskwie Międzynarodowy Festiwal Moskiewski. Współpracował z wieloma orkiestrami amerykańskimi i europejskimi. W 1994 roku założyłMiędzynarodowa Fundacja Charytatywna Władimira Spivakowa . Jest Zasłużonym Artystą RSFSR, Artystą Ludowym ZSRR, Artystą Ludowym Ukrainy itp.
9. Bashmet Jurij Abramowicz urodził się 24 stycznia 1953 roku w Rostowie nad Donem. Uczył się we Lwowskiej Specjalnej Szkole Muzycznej. Ukończył Konserwatorium Moskiewskie w 1976 roku. Jest założycielem orkiestry kameralnej Moskiewskich Solistów. Yuri Bashmet jest także altowiolistą. Od 1996 roku jest profesorem Konserwatorium Moskiewskiego. W 1996 rtworzy i kieruje „Eksperymentalną Katedrą Altówki” w Konserwatorium Moskiewskim. Od 2002 roku kieruje i dyryguje Państwową Orkiestrą Symfoniczną „Nowa Rosja”. Współpracował z Orkiestrą Symfoniczną w Berlinie, Nowym Jorku, Chicago i Londynie. Jest Artystą Ludowym ZSRR i laureatem czterech Nagród Państwowych Federacji Rosyjskiej.
10. Mój raport metodologiczny chciałbym zakończyć cytatem z Walerija Filatowa: „Jeśli chór nie ma dyrygenta, wszyscy starają się „przekrzyczeć” drugiego”.
    Dyrygent jest jak wskazówka, jest jak magiczna różdżka, która gestami mówi, gdzie i kto ma wejść, gdzie się zatrzymać, jakby pomagał orkiestrze (chórowi), inspirował ją i dawał swoją pozytywną energię.
11. Dziękuję za uwagę!

Byłoby rzeczą niesłychaną arogancją z mojej strony, gdybym mówił o sławnych dyrygentach wszystkich czasów i narodów. W tej kwestii mogę jedynie podać link do opinii bardziej autorytatywnych ekspertów ode mnie :). Ale moja własna opinia też ma jakąś wartość, jak każda niezależna opinia myślącej osoby, prawda? Dlatego postępuję następująco: postaram się wskazać główne etapy rozwoju sztuki reżyserskiej oraz nazwiska znanych dyrygentów związanych z tymi etapami. Będzie sprawiedliwie ze wszystkich stron :)

• Jeden z wczesnych etapów dyrygentury

związany z bardzo nieporęcznym przedmiotem zwanym battuta. Rodzaj pałki, którą główny dyrektor muzyczny uderzał o podłogę, mierząc rytm. I właśnie ta trampolina kojarzy się z najbardziej absurdalnym tragicznym wydarzeniem w muzycznym świecie. Kompozytor, muzyk i dyrygent Jean-Baptiste Lully zmarł na gangrenę w 1687 r. A powodem była kontuzja nogi podczas dyrygowania na trampolinie...

• W XVII wieku rola dyrygenta

bardzo często wykonywany przez czołowych muzyków orkiestry. Czasem byli to organiści lub klawesyniści, ale częściej byli to skrzypkowie. Prawdopodobnie z tej tradycji wzięło się określenie „pierwsze skrzypce”? I tutaj chciałbym wymienić następującą, dość współczesną nazwę: Williego Boskowskiego. Skrzypek i dyrygent, przez kilkadziesiąt lat XX wieku był koncertmistrzem słynnej Orkiestry Filharmonii Wiedeńskiej. A ta orkiestra tradycyjnie nigdy nie miała głównego dyrygenta. Boskowski często dyrygował na wzór samego Straussa – ze skrzypcami w ręku.

• Pod koniec XVIII, w XIX wieku powstały dzieła muzyczne

stało się na tyle skomplikowane, że kolejnym logicznym krokiem było ukształtowanie się zawodu „wyzwolonego” dyrygenta. Teraz wykonują dzieła nie tylko własnych kompozycji, ale także innych kolegów z pracowni. I z biegiem czasu następuje wyraźny podział na rodzaje działalności: dyrygent nie jest już koniecznie kompozytorem! Jednymi z pierwszych zawodowych dyrygentów, którym udało się zdobyć międzynarodową renomę byli m.in Hansa von Bulowa I Hermana Leviego.

• Nie sposób nie wspomnieć o takim wydarzeniu – pojawieniu się batuty dyrygenckiej.

Stało się to w XIX wieku i ustalona wówczas forma tego ważnego instrumentu pozostaje do dziś tradycyjna. A wynalazca uważany jest za niemieckiego kompozytora i dyrygenta Ludwika Spohra.

• W historii dyrygentury nastąpił moment prawdziwie rewolucyjny.

Mianowicie: dyrygent odwraca się twarzą do orkiestry i z powrotem do opinii publicznej! Szczerze mówiąc: nie mam pojęcia, ale jak to było wcześniej? Maestro nie mógł dyrygować twarzą do publiczności, ale tyłem do muzyków?! Tak czy inaczej, to wydarzenie jest obchodzone jako wyjątkowe. I w związku z tym pamiętam najbardziej szczery, chwytający za serce fragment: całkowicie głuchy Beethovena dyryguje prawykonaniem swojej IX symfonii. Wykonanie zakończone. Kompozytor nie słyszy żadnych dźwięków. Stojąc tyłem do publiczności, nie widzi jej reakcji. A potem muzycy odwracają go twarzą do publiczności i Beethoven widzi triumf, jaki spowodowało jego nowe dzieło.

• Na koniec pozwolę sobie wyrazić swoje osobiste uczucia :).

Jak niespodziewanie przekonałem się sam: trudno mi ocenić profesjonalizm dyrygenta, dlatego w swoich ocenach „dodaję” takie cechy, jak kunszt i poczucie humoru. Pewnie dlatego wśród dyrygentów XX wieku wyróżniam dwóch: Giennadij Rozhdestvensky I Daniela Barenboima. Zakończę ten wpis nagraniem przemówienia tego ostatniego: