Redaktor naczelny naszego serwisu, Michaił Staciuk, na krótko przed otwarciem wystawy „Rycerz Rozpaczy – Wojownik Piękna” w Państwowym Ermitażu odwiedził jej autora Jana Fabre w jego pracowni twórczej Troubleyn w Antwerpii i omawiał, co należy zrobić spodziewać się po jego dniu otwarcia w Rosji.
Gabinet artysty i jednocześnie jego pracownia z salami prób mieściły się w opuszczonym po pożarze budynku dawnego teatru. Przed wejściem wita nas tabliczka „Tylko sztuka może złamać Ci serce. Tylko kicz może uczynić cię bogatym.” W przedpokoju natykam się na właz – dzieło Roberta Wilsona, który zdaje się łączyć belgijską pracownię z jego akademią teatralną Watermill Center.
Na drugim piętrze, czekając na Iana, z jakiegoś powodu czujemy zapach świeżo przygotowanego omletu lub jajka sadzonego - za kolejną ścianą znajduje się kuchnia, której ścianę pomalowała Marina Abramowicz świńską krwią .
Sztuka jest tu dosłownie wszędzie – nawet toaletę sygnalizuje zawieszona neonowa dłoń, która mruga, pokazując dwa palce lub jeden. To dzieło artysty Mix Popes, w którym gest „V”, czyli pokój, odnosi się do kobiecości, a środkowy palec do męskości.
Kiedy Fabre pojawia się na korytarzu i zapala papierosa Lucky Strike, gdzieś z dołu słychać rozdzierający serce płacz dziecka: „Nie, to nie jest próba mojego nowego występu” – żartuje artysta.
Powiedz nam od razu, jak przekonałeś Michaiła Borysowicza?
Nie trzeba było namawiać! Sześć, siedem lat temu Michaił Borysowicz Piotrowski i szef projektu Ermitaż 20/21 Dmitrij Ozerkow obejrzeli moją wystawę w Luwrze i wydaje mi się, że im się spodobała. Po kolejnych trzech latach spotkaliśmy się z panem Piotrowskim, który zaprosił mnie do zrobienia wystawy w Ermitażu. Pojechałem do Rosji i zdałem sobie sprawę, że do tego będę potrzebował dużo miejsca. Barbara de Koninck i ja ( dyrektor artystyczny wystawy – ok. wyd.) od razu osiedliliśmy się na sali z Flamandami – obok nich wyglądam jak krasnal urodzony w krainie gigantów. Dorastałem obok domu Rubensa w Antwerpii. W wieku sześciu lat próbowałem kopiować jego obrazy. Ermitaż wydawał mi się skarbnicą wielkich Flamandów, którzy mnie fascynowali. Chciałem zbudować „dialog” z gigantami przeszłości Flandrii.
Z kim budujesz dialog?
Dla Van Dyck Hall stworzyłem serię marmurowych płaskorzeźb „Moje królowe”. Jest to swego rodzaju aluzja do jego uroczystych portretów ważnych wówczas członków rodziny królewskiej. „Moje Królowe” to patronki i patronki mojej twórczości, wykonanej z karaibskiego marmuru. Ale robię to żartobliwie, bo moi przyjaciele noszą kapelusze klaunów.
Nowa seria rysunków „Karnawał” opowiadająca o celebracji życia i zabawie - dokładnie tak, jak obrzędy kościelne, w które wprowadzała mnie moja katolicka matka w dzieciństwie - nawiązując do malarstwa Pietera Bruegla Młodszego w Ermitażu. Mieszanka pogaństwa z chrześcijaństwem jest ważnym elementem związanym z tradycjami szkoły belgijskiej, co jest dla mnie ważne. Jesteśmy małym krajem i zawsze byliśmy pod czyimś wpływem lub własnością – niemieckim, hiszpańskim, francuskim. Takie „osobliwości” są częścią naszej osobistej historii.
Moje „niebieskie” płótna ( mówimy o „Bic-art” - cyklu prac „Blue Hour”, wykonanych niebieskim długopisem Bic - Ok. wyd.), które również prezentowane są w Ermitażu, wykonane są w bardzo szczególnej technice. Fotografuję obraz, następnie tuszem nakładam około siedmiu warstw błękitu – jest to szczególna barwa chemiczna, która zmienia się pod wpływem światła i sprawia, że obraz działa.
Osobno w Sztabie Generalnym Ermitażu prezentuję projekt wideo „Miłość jest siłą najwyższą”. Globalnie cała moja wystawa powstała w kształcie motyla: jeśli prace w Pałacu Zimowym są jego skrzydłami, to wideo w budynku Sztabu Generalnego jest jego ciałem. Dzięki temu chcę połączyć budowę „nowego” Ermitażu, w którym będzie wyświetlany film, ze „starym”, w którym prezentowane są moje obrazy. Planujemy przekazać ten film i kilka innych dzieł muzeum.
W sztuce współczesnej jest dużo śmieci, ale za czasów Rubensa było dużo śmieci – gdzie są teraz „śmieci” i gdzie jest Rubens?
„Rycerz rozpaczy – wojownik piękna” – czy to o Tobie?
Tytuł wystawy ma swój romantyczny zamysł, który polega właśnie na ochronie wrażliwości i wrażliwości, jakie piękno w sobie kryje. Z drugiej strony jest to także wizerunek walecznego rycerza, który walczy w szczytnych sprawach. Ale rozpacz dotyczy mnie bardziej jako artysty. W głębi duszy zawsze boję się „porażki” lub „porażki”.
Moja rodzina nie była zbyt bogata. Na urodziny mój ojciec podarował mi małe zamki i fortece. Dostałam od mamy stare szminki, których już nie używała, żebym mogła rysować. Wydaje mi się, że moja romantyczna dusza i chęć tworzenia zawsze czegoś własnego wyrosła z dzieciństwa. Częściowo dlatego pojawiła się definicja mnie jako „rycerza”. Ale ja sam jestem artystą, który wierzy w nadzieję, jakkolwiek by to nie brzmiało.
Jaka jest Twoja misja jako rycerza?
Popularyzować sztukę klasyczną. Jest podstawą wszystkiego, choć czasami wydaje się bardziej powściągliwy niż współczesny. Jeśli spojrzymy na historię, sztuka klasyczna zawsze była pod czyimś nadzorem, czy to kościołem, czy monarchią. To paradoks, ale jednocześnie ona – sztuka – igrając z nimi, ograniczała się.
Generalnie sztuka na świecie jest tylko jedna – dobra. Nie ma znaczenia, czy jest to klasyka, czy nowoczesność, nie ma między nimi granic. Dlatego ważne jest, aby uczyć ludzi rozpoznawania sztuki klasycznej, aby mogli lepiej zrozumieć sztukę współczesną. Oczywiście nie przeczę, że w tym ostatnim jest teraz mnóstwo śmieci, ale słuchajcie, za czasów Rubensa było mnóstwo śmieci – ale gdzie teraz są te śmieci i gdzie jest Rubens!?
Polecane dla osób powyżej 16 roku życia. Jan Fabre to jeden z najpłodniejszych i najważniejszych artystów swojego pokolenia. Specjalnie na tę wystawę stworzył wiele nowych prac, liczących ponad 200 dzieł sztuki.
Karnawałowy gigant w Brukseli
Seria
2016
20,3 x 16,8 cm
© Angelos bvba/ Jan Fabre
Gilles of Binche w pełnych regaliach w Ostatki Wtorek
FAŁSZOWANIE DE LA FĘTE SECRETE IV Seria
2016
20,3 x 16,8 cm
Ołówek HB, kredka i kredki na chromie
© Angelos bvba/ Jan Fabre
Pojawienie się i zniknięcie Antwerpii I
2016
124 x 165,3 cm
Długopis (bic) na folii Poly G (Bonjet High Gloss biała folia 200gr), dibond
© Angelos bvba/ Jan Fabre
Pojawienie się i zniknięcie Chrystusa I
2016
124 x 165,3 cm
Długopis (bic) na folii Poly G (biała folia Bonjet High Gloss 200gr), dibond
© Angelos bvba/ Jan Fabre
Lojalny przewodnik próżności (II/III)
Seria
2016
227 x 172 cm
© Angelos bvba/ Jan Fabre
Lojalna ekstaza śmierci
Vanitas vanitatum, omnia vanitas Seria
2016
227 x 172 cm
Skrzydła chrząszcza Jewel na drewnie
© Angelos bvba/ Jan Fabre
Els z Brugii
Moje królowe Seria
2016
Biały marmur z Carrary
200 x 150 x 11,5 cm
© Angelos bvba/ Jan Fabre
Iwana z Zagrzebia
Moje królowe Seria
2016
Biały marmur z Carrary
200 x 150 x 11,5 cm
© Angelos bvba/ Jan Fabre
Jan Fabre (Antwerpia, 1958), artysta wizualny, artysta teatralny i autor, wykorzystuje swoje prace do głośnych i namacalnych spekulacji na temat życia i śmierci, przemian fizycznych i społecznych, a także obecnej okrutnej i inteligentnej wyobraźni zarówno u zwierząt, jak i u ludzi.
Od ponad trzydziestu pięciu lat Jan Fabre jest jedną z najbardziej innowacyjnych i ważnych postaci na międzynarodowej scenie sztuki współczesnej. Jako artysta wizualny, twórca teatralny i autor stworzył bardzo osobisty świat, mający swoje własne zasady i prawa, a także własne postacie, symbole i powtarzające się motywy. Pod wpływem badań entomologa Jean-Henri Fabre (1823-1915) już w bardzo młodym wieku zafascynował się światem owadów i innych stworzeń. Pod koniec lat siedemdziesiątych, podczas studiów w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych i Miejskim Instytucie Sztuki Dekoracyjnej i Rzemiosła w Antwerpii, szukał sposobów rozszerzenia swoich badań na dziedzinę ludzkiego ciała. Jego własne występy i akcje, od 1976 roku do chwili obecnej, były istotne dla jego artystycznej podróży. Język Jana Fabre'a wykorzystuje różnorodne materiały i sytuuje się w jego własnym świecie, zamieszkałym przez ciała znajdujące się w równowadze pomiędzy przeciwieństwami definiującymi naturalną egzystencję. Metamorfoza to kluczowe pojęcie w każdym podejściu do myśli Jana Fabre, w której życie ludzkie i zwierzęce pozostają w ciągłej interakcji. Odsłania swój wszechświat poprzez autorskie teksty i nocne notatki, publikowane w tomach „Nocnego dziennika”. Jako artysta konsilience połączył sztukę performance i teatr. Jan Fabre zmienił idiom teatru, wprowadzając na scenę czas rzeczywisty i prawdziwą akcję. Po historycznym ośmiogodzinnym przedstawieniu „To jest teatr, jakiego można było się spodziewać i przewidzieć” (1982) i czterogodzinnym przedstawieniu „Potęga teatralnego szaleństwa” (1984) wzniósł swoją twórczość na nowy poziom w wyjątkowym oraz monumentalny „Góra Olimp. Na chwałę kultu tragedii, spektakl 24-godzinny” (2015).
Jan Fabre zyskał uznanie światowej publiczności zamkiem „Tivoli” (1990) oraz stałymi pracami publicznymi w miejscach o znaczeniu historycznym, takich jak „Niebo rozkoszy” (2002) w Pałacu Królewskim w Brukseli, „The Gaze Within (The Hour Blue)” (2011 – 2013) w Królewskich Schodach Muzeum Sztuk Pięknych w Brukseli oraz jego najnowsza instalacja w katedrze w Antwerpii „Człowiek, który niesie krzyż” (2015).
Znany z wystaw indywidualnych, takich jak „Homo Faber” (KMSKA, Antwerpia, 2006), „Hortus / Corpus” (Kröller-Müller Museum, Otterlo, 2011) czy „Stigmata. Actions and Performances”, 1976–2013 (MAXXI, Rzym, 2013; M HKA, Antwerpia, 2015; MAC, Lyon, 2016). Jako pierwszy żyjący artysta zaprezentował dużą wystawę w paryskim Luwrze („L’ange de la métamorphose”, 2008). Znany cykl „Błękitna godzina” (1977 – 1992) prezentowany był w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu (2011), w Musée d'Art Moderne w Saint-Etienne (2012) i w Busan Museum of Art (2013). ) ). Jego badania nad „najseksowniejszą częścią ciała”, czyli mózgiem, prezentowane były w wystawach indywidualnych „Antropologia planety” (Palazzo Benzon, Wenecja, 2007), „Od piwnicy do strychu, od stóp do stóp Brain” (Kunsthaus Bregenz, 2008; Arsenale Novissimo, Wenecja, 2009) i „PIETAS” (Nuova Scuola Grande di Santa Maria della Misericordia, Wenecja, 2011; Parkloods Park Spoor Noord, Antwerpia, 2012). Dwie serie mozaik wykonanych ze skrzydełek klejnotowego skarabeusza „Tribute to Hieronymus Bosch in Congo” (2011 – 2013) i „Tribute to Belgian Congo” (2010 – 2013) zostały pokazane w PinchukArtCentre w Kijowie (2013) oraz Palais des Beaux-Arts w Lille (2013), a w 2016 pojedzie do 's-Hertogenbosch na obchody 500. rocznicy Hieronima Boscha.
Jak podkreśla artysta i potwierdzają krytycy i badacze, jego twórczość nawiązuje do tradycji klasycznej sztuki flamandzkiej, którą podziwia. Ważnymi inspiracjami są Peter Paul Rubens i Jacob Jordaens, o czym zwiedzający przekonają się (lub nie) na własne oczy. Na czas wystawy dzieła Fabre'a staną się częścią stałej ekspozycji muzeum i nawiążą dialog z absolutnymi arcydziełami międzynarodowymi. Pomysł wystawy pojawił się po tym, jak Jan Fabre miał zakrojoną na szeroką skalę wystawę indywidualną Jan Fabre. L'ange de la metamorphose w salach Flandrii i Holandii w Luwrze w 2008 roku.
W salach Ermitażu ten „szkic” przekształci się w wielkie wydarzenie artystyczne, które z pewnością wywoła ogromne zainteresowanie i wiele debat, które odbędą się w ramach kolejnego maratonu dyskusji intelektualnych. Wystawie towarzyszyć będzie cykl wykładów, kursów mistrzowskich i dyskusji przy okrągłym stole. Na ekspozycji zostanie wyświetlonych osiem filmów, w tym performans „Love is the Power Supreme” (2016) z udziałem artysty, który został nakręcony w Pałacu Zimowym w czerwcu 2016 roku. Praca ta pozostanie w zbiorach Państwowego Ermitażu. Jako wnuk słynnego entomologa Jan Fabre szeroko wykorzystuje estetykę dzikiej przyrody. Wykorzystuje skorupy chrząszczy, szkielety i rogi zwierząt, a także pluszaki i wizerunki zwierząt w różnych materiałach. Lista nietypowych materiałów wykracza poza to i obejmuje krew oraz niebieski atrament BIC.
Wystawa została zorganizowana przez Dział Sztuki Współczesnej Państwowego Ermitażu w ramach Projektu Ermitaż 20/21. Jest pod patronatem V St. Międzynarodowe Forum Kulturalne w Petersburgu.
21 października w Ermitażu otwarto wystawę „Jan Fabre: Rycerz Rozpaczy – Wojownik Piękna” przygotowaną przez Dział Sztuki Współczesnej Państwowego Ermitażu w ramach projektu „Ermitaż 20/21”. Jeden z największych mistrzów współczesnej sztuki europejskiej, belgijski artysta Jan Fabre zaprezentował w Ermitażu dwieście trzydzieści dzieł: grafikę, rzeźbę, instalacje, filmy. Wystawa wywołała mieszane reakcje wśród zwiedzających muzeum, co świadczy o bezwarunkowym zainteresowaniu petersburskiej publiczności twórczymi wypowiedziami autora. Do Ermitażu wpływają listy od zwiedzających muzeum, w których krytykują prace Fabre'a i proszą o usunięcie części prac artysty z wystawy. Przygotowaliśmy odpowiedzi na najczęściej zadawane pytania.
– Dlaczego Fabre eksponowany jest nie tylko w Gmachu Sztabu Generalnego, który widzom kojarzy się już ze sztuką współczesną, ale także w Zespole Muzeum Głównego?
Rzeczywiście, dzieła Fabre'a. Pomysł umieszczenia Fabre’a w Ermitażu – w dialogu z flamandzkimi mistrzami XVII wieku – zrodził się siedem lat temu, kiedy dyrektor muzeum Michaił Borysowicz Piotrowski i kierownik Działu Sztuki Współczesnej Dmitrij Ozerkow odwiedzili Muzeum Jana Fabre'a w Luwrze, gdzie instalacja artysty sąsiadowała z arcydziełami Rubensa. Zdaniem kuratora projektu D. Ozerkowa „to nie jest inwazja. Fabre, artysta nowoczesny, przychodzi do naszego muzeum nie po to, by z nim konkurować, ale by ugiąć kolano przed dawnymi mistrzami, przed pięknem. Ta wystawa nie dotyczy Fabre, ale energii Ermitażu w jego czterech kontekstach: malarstwa dawnych mistrzów, historii budynków, kolebki rewolucji i miejsca, w którym żyli carowie” (The Art Newspaper Russia ).
Zdjęcie: Alexander Lavrentyev
Połyskujące na zielono kompozycje Belga, stworzone w gatunku vanitas vanitatum (próżność marności) na motywie memento mori (pamiętaj o śmierci), wprowadzane są do ścian Nowego Ermitażu (Sali Malarstwa Flamandzkiego i Holenderskiego). Jan Fabre to subtelny kolorysta. W Sali Dwunastu Kolumn pracuje w kolorystyce szarego marmuru i ozdobnych złoceń. Jego cenne szmaragdowe panele przypominają widzowi malachitowe misy i blaty Ermitażu oraz wystrój Malachitowego Salonu Pałacu Zimowego.
Zdjęcie: Kirył Ikonnikow
Jego rysunki wykonane piórem „Bic” przypominają lapis lazuli z waz Wielkiego Świetlika Nowego Ermitażu.
Z lakonicznymi i surowymi płaskorzeźbami Fabre’a z „królowymi” sąsiadują uroczyste portrety angielskiej szlachty i dam dworu autorstwa Anthony'ego van Dycka.
Zestawienie Fabre’a ze „Sklepami” Snydersa jest trafne – współczesny artysta nie cytuje flamandzkiego mistrza, a jedynie starannie dodaje motyw czaszki – znaczenie oczywiste dla historyka sztuki: temat próżności i marności istnienia.
Zdjęcie: Valery Zubarov
Sam Fabre na spotkaniu z mieszkańcami Petersburga w atrium gmachu Sztabu Generalnego powiedział, że jego prace w salach artystycznych Flandrii mają na celu sprawić, że widzowie „zatrzymają się, znajdą czas na sztukę”. „Odwiedzający przechodzą obok Rubensa jak obok witryn dużego sklepu, nie zwracają uwagi na szczegóły” – mówi artysta.
– Apeluję do wszystkich służb Państwowego Ermitażu! Jako działaczka na rzecz praw zwierząt i wolontariuszka uważam za niedopuszczalne eksponowanie wszystkich kategorii wiekowych i destrukcyjne dla dziecięcej psychiki pluszowego psa na hakach! Wystawa Jana Fabre'a to brak kultury. Jest to szczególnie niemoralne w świetle ogromnej reakcji na przypadki mordów w Chabarowsku. Prosimy o usunięcie pluszaków z wystawy!
Jan Fabre wielokrotnie powtarzał reporterom, że psy i koty pojawiające się w jego instalacjach to bezdomne zwierzęta, które padły na drogach. Fabre stara się dać im nowe życie w sztuce i tym samym pokonać śmierć. „Wiele moich prac poświęconych jest życiu po śmierci. Śmierć jest częścią życia, szanuję śmierć” – mówi słynny Belg. Martwy pies w instalacji Fabre’a jest metaforą, rodzajem autoportretu artysty. Fabre stwierdza: „Artysta jest bezdomnym psem”.
Fabre wzywa do ostrożnego traktowania zwierząt, które towarzyszą ludzkości od wielu stuleci, wchodząc do historii i mitologii. Dzisiaj podejście ludzi do zwierząt jest konsumpcyjne. Koty zostawiane są na daczach. Stare psy są wyrzucane z domu. Kładąc nacisk na koty i psy w dawnej sztuce, Fabre pokazuje, że we wszystkich swoich cechach są one podobne do ludzi, dlatego ich miłość i radość, ich choroba i śmierć są w niegodziwy sposób wypierane z naszej świadomości.
Prezentując pluszowe zwierzaki, Fabre wraz z działaczami na rzecz praw zwierząt na całym świecie przeciwstawia się wobec nich konsumpcjonizmowi.
Często nie kochamy zwierząt, ale naszą miłość do nich. Nazywając ich naszymi młodszymi braćmi, często nie zdajemy sobie sprawy, jak okrutnie ich traktujemy. Jesteśmy gotowi się ich pozbyć przy pierwszej nadarzającej się okazji, jeśli zwierzę zachoruje lub się zestarzeje. Jan Fabre jest temu przeciwny. Odnajdywane przy autostradach ciała zwierząt potrąconych przez samochody przekształca z odpadów społeczeństwa konsumpcyjnego – w wyrzut ludzkiego okrucieństwa.
– Dlaczego Fabre nie mogło użyć sztucznych materiałów zamiast pluszowych zwierząt? Nowoczesne technologie sprawiają, że są one całkowicie nie do odróżnienia od oryginału.
„Dlaczego marmur, a nie plastik?” – pyta Fabre, odpowiadając na to pytanie podczas spotkania w Sztabie Generalnym. „Marmur to tradycja, Michał Anioł, to materiał inny w dotyku. Materiał jest treścią.” Tezę Fabre’a można porównać z myślą rosyjskich formalistów o jedności formy i treści.
Dla Jana Fabre bardzo ważna jest „erotyczna relacja z materiałem”, komponent zmysłowy. Wspomina, że flamandzcy artyści byli alchemikami, do wyrobu farb używali krwi i tłuczonych kości ludzkich. Artystka postrzega ciało jako „niesamowite laboratorium i pole bitwy”. Dla niego ciało jest „czymś pięknym i bardzo potężnym, ale jednocześnie wrażliwym”. Tworząc swoich mnichów do instalacji „Umbraculum”, Fabre wykorzystuje kości – puste, „duchowe ciała” jego bohaterów mają „zewnętrzny szkielet”, nie można ich zranić, są chronione.
Zdjęcie: Valery Zubarov
– W Ermitażu nie ma miejsca na pluszaki, powinny znaleźć się w Muzeum Zoologicznym.
W Sali Rycerskiej Nowego Ermitażu prezentowane są konie z Arsenału Carskiego Sioła Mikołaja I (są to końskie skóry naciągnięte na drewnianą podstawę). W Pałacu Zimowym Piotra I (Gabinet Piotra Wielkiego) eksponowany jest wypchany pies, czyli chart włoski, jeden z ulubieńców cesarza. Ich obecność w Ermitażu nie wydaje się zwiedzającym dziwna, prowokacyjna, nie wywołuje strachu i oburzenia.
Zdjęcie: Valery Zubarov
Artysta posługuje się pewnymi środkami, kierując się zasadą wewnętrznej konieczności i własnym ostatecznym celem. Aby dostrzec sztukę współczesną, nie wystarczy pobieżne spojrzenie, wymaga ona (od każdego z nas) wewnętrznej pracy i wysiłku duchowego. Wysiłek ten wiąże się z przełamywaniem stereotypów, uprzedzeń, lęku, klisz ideologicznych i psychologicznych oraz postaw religijnych. Wymaga odwagi i cierpliwości, zmuszając nas do poszerzania granic naszej percepcji. Sztuka współczesna to coś, na co nie można być całkowicie przygotowanym. Sam Fabre mówi, że jego twórczość „jest związana z poszukiwaniem pojednania i miłości. Miłość jest poszukiwaniem intensywnego dialogu i uprzejmości.”
Zdjęcie: Valery Zubarov
Tekst: Tsibulya Alexandra, Dmitry Ozerkov
Zapraszamy również do zapoznania się z poniższymi materiałami:
„Nasz cel został osiągnięty, ludzie mówią o ochronie zwierząt”: Dmitrij Ozerkov – o skandalu wokół pluszaków na wystawie w Ermitażu (Artykuł)
Wczoraj w Ermitażu otwarto wystawę „” najsłynniejszego belgijskiego artysty sztuki współczesnej naszych czasów, a także reżysera teatralnego Jana Fabre. Podczas otwarcia wystawy Jan Fabre ujawnił korespondentowi Fontanki tajemnicze znaczenia swoich obiektów wbudowanych w historyczne i współczesne zbiory Ermitażu.
Tego lata wielotonowe złote rzeźby Fabre'a pojawiły się obok wielkich dzieł klasycznej sztuki włoskiej we Florencji, osiem lat temu prace artysty można było oglądać w Luwrze, w zeszłym roku głośna premiera teatralna Fabre'a odbyła się w Berlinie, 24. godzinny nieprzerwany maraton „Góra Olimp”, w którym uczestniczyli wszyscy czołowi przedstawiciele światowego teatru. Wystawa „Jan Fabre: Rycerz Rozpaczy – Wojownik Piękna” w Ermitażu znalazła się w pierwszej piątce najważniejszych wydarzeń dla Rosji tej jesieni w dziedzinie sztuki współczesnej.
„To był bardzo długi projekt i długa rozmowa” – mówi kurator wystawy, kierownik Działu Sztuki Współczesnej Państwowego Ermitażu Dmitrij Ozerkov. „Początkowo rozumieliśmy, że wystawa powinna stać się dialogiem pomiędzy flamandzkim artystą a flamandzką sztuką. A jednocześnie mówimy o rycerskości, o kulturze średniowiecznej. Dlatego trasa w naturalny sposób przebiegała wzdłuż flamandzkiej części zbioru. Obrazy i rzeźby Jana Fabre są starannie zintegrowane z kolekcją Ermitażu. Wykonano piękną filigranową pracę. Stan tej wystawy był taki, że nie mogliśmy usunąć żadnego obrazu z wystawy stałej. Jan Fabre jest zbudowany pośrodku, w ścianach – to jest warunek gry, główna trudność i, moim zdaniem, główny sukces w rezultacie.”
Sam Jan Fabre, czerpiący inspirację z twórczości Petera Paula Rubensa, jak wielokrotnie stwierdzał w wywiadach, o tej technicznej konieczności tak mówi: „Starałem się nie tylko wystawiać swoje prace, ale także eksponować Rubensa”.
W pewnym sensie jesteś Napoleonem sztuki współczesnej, a nawet więcej: podbiłeś nie tylko Francję, Włochy, ale nawet Rosję. Co o tym sądzisz?
Nie sądzę, żeby to była terminologia sztuki – uległej. Nie postrzegam sztuki w kategoriach podboju, raczej życiowej konieczności, przyjemności, energii. Cieszę się, że jestem w Ermitażu – fantastycznym, wspaniałym muzeum na świecie. Oto najlepsza kolekcja Rubensa, Van Dycka, Snailersa. Bardzo kocham rosyjską kulturę, jej głębię. Wychowałem się na tym, w młodości interesowałem się Gogolem i Dostojewskim. Dla mnie pobyt w Rosji, w Petersburgu, to wielka radość. Rubens jest wielkim artystą, jako dziecko przerysowywałem jego obrazy. W korytarzach Van Dycka, ucznia Rubensa, który malował głównie członków rodziny królewskiej i szlachty, umieściłem cykl „Moje królowe”. Na płaskorzeźbach z marmuru karraryjskiego znajdują się wizerunki moich asystentek, księżniczek i mojego zespołu. A na środku sali znajduje się rzeźbiony wizerunek obecnej księżnej Belgii Elżbiety. Wszystko to jest moim poświęceniem kobietom, kobiecej sile. Jeśli chodzi o odświętne czapki na głowach, jest to metafora korony, a jednocześnie symbol radości i triumfu. Z przedmiotu urzędowego korona zamienia się w belgijskie święto, święto. W salach Snydersa znajduje się moja nowa praca - rzeźba z łabędziem. Obrazy Snydersa przedstawiają świeżo zabite zwierzęta, patrząc na nie, można odnieść wrażenie, że czuje się ciepło istoty, która właśnie zdechła. Moje prace są kontynuacją jego twórczości, dialogiem.
W sztuce flamandzkiej oprócz triumfu i energii jest agresja i przemoc: to nie przypadek, że przedstawianie martwych zwierząt. Jaki związek ma agresja i przemoc z radością życia?
Nie sądzę, że to przemoc, myślę, że to celebracja życia. Nie zapominaj, że w Rosji nadal jedzą króliki. I to jest normalny proces, to się zdarza. W Belgii panuje szczególne podejście do zwierząt. Wierzymy, że są to najlepsi filozofowie na świecie. I najlepsi lekarze. My, ludzie, musimy ich słuchać, a w pewnym sensie nawet się uczyć.
- Kto wymyślił tak poetycki tytuł wystawy: „Rycerz Rozpaczy – Wojownik Piękna”? I co to znaczy?
Zdjęcie: Z archiwum osobistego Dmitrija Ozerkowa, kierownika działu sztuki współczesnej Ermitażu
Artysta. ME: Jestem rycerzem rozpaczy, więc czuję się jak Lancelot, który podejmuje wyzwanie. Wyzwaniem jest ochrona wrażliwego piękna naszego ludzkiego świata. I oczywiście jako artysta zawsze jestem w rozpaczy, więc zawsze jestem bliski porażki. Przynajmniej tak się czuję.
- Zatem Twoje prace, w szczególności szkielety zwierząt, czaszki - czy można je uznać za opiekunów?
W każdej sztuce zwierzęta są zawsze symbolem czegoś. Moja sztuka nie jest wyjątkiem. Każdy z nich jest strażnikiem, ale także oznaczeniem czegoś. Mamy tu do czynienia z takim splotem. Na przykład wypchane psy i koty, które widzicie na wystawie, oczywiście nie zostały przeze mnie zabite. Byli już martwi, kiedy znalazłem ich na poboczu autostrady. To są uliczne, bezdomne zwierzęta. Swoją drogą, są tacy sami jak ja. W społeczeństwie artysta istnieje na takich samych prawach jak oni. Gdy tylko wyrazimy nasze prawdziwe opinie, społeczeństwo wyrzuci nas za burtę.
- Jak powstają Twoje dzieła? Co jest pierwsze – struktura czy treść?
Treść. Ale wtedy wszystko nabiera właściwej formy. Przykładowo wystawa w Ermitażu: jej dramaturgia zrodziła się z formy, w której zobaczyłem zdjęcie muzeum z góry. Dwa pobliskie budynki, Pałac Zimowy i Sztab Generalny, przypominały mi skrzydła motyla, a Słup Aleksandryjski – igłę, na której jest przypięty. Treść wyraża się zawsze poprzez formę, a dramaturgia powstaje z treści.
- Jaka jest najbardziej kontrowersyjna recenzja Twojej wystawy?
Bardzo lubię, gdy dzieci odwiedzają moje wystawy – w Europie zdarza się to dość często. Podziwiam ich reakcje. Prawdziwy i uczciwy. Przykładowo wśród moich prac znajdują się dwie złocone rzeźby, których powierzchnia składa się z wystających igieł. Dzieci mówią więc: „Spójrzcie, ten człowiek jest jak jeż”. Mają całkowitą rację, bo artysta w momencie tworzenia i w ogóle jest bardzo wrażliwy. Wszyscy jesteśmy zmuszeni stworzyć dla siebie jakąś ochronę. Dzieci reagują i tłumaczą wszystko lepiej niż jakikolwiek krytyk sztuki. A co najważniejsze, sięgają do samej istoty.
Olesia Puszkina, Fontanka.ru
Projekt „Afisha Plus” został zrealizowany dzięki dotacji z St. Petersburga
W Ermitażu od dłuższego czasu odbywa się wystawa. Jana Fabra. Sposób organizacji tej wystawy jest dla mnie nowy: oprócz sal, w których prezentowane są wyłącznie prace autora, prace Fabre'a są włączone do wystaw stałych Muzeum Głównego Petersburga. Co więcej, dokonano tego w taki sposób, aby wystawa stała i eksponaty miały ze sobą coś wspólnego, uzupełniały się, a niektóre prace artysta stworzył wyłącznie dla Ermitażu.
Oczywiście najbardziej skandalicznymi eksponatami, najczęściej dyskutowanymi w prasie i społeczeństwie, są „Karnawał Martwych Kundli” i „Protest Martwych Kotów” - sala, w której wśród jasnych girland i świecidełek wiszą wypchane psy i koty haczyki. Szczerze mówiąc, wygląda to trochę przerażająco, szczególnie psy, a naprawdę ciekawe jest to, że w przestrzeniach muzeum zoologicznego setki pluszowych zwierząt nie wyglądają obrzydliwie i nie budzą u nikogo oburzenia. Ale jako obiekt sztuki (?) już jest denerwujący.
Niektóre prace zaskakują, jak na przykład prace wykonane niebieskim długopisem BIC. Skala jest niesamowita, ale znaczenie pozostaje dla mnie tajemnicą.
Ale czy wiecie, dlaczego tak bardzo chciałam pójść na tę wystawę? Ze względu na kilka prac wykonanych w nietypowych technikach. Kilka lat temu opowiadałem o tym, czego nauczyliśmy się w Tajlandii. W Ermitażu wystawiono kilka „obrazów” Fabre’a wykonanych z tych samych materiałów. A kiedy dowiedziałam się, że autorem zielonego sufitu z elytry w jednej z sal brukselskiego Pałacu Królewskiego jest wciąż ten sam Fabre, koniecznie musiałam zobaczyć jego dzieło.
Kontrola, którą przeprowadzamy lekarz_watson
Zaczęło się od Sztabu Generalnego.
Tekst kursywą z tablic wystawowych.
W 1997 roku Jan Fabre i Ilya Kabakov wystawili spektakl „Spotkanie”. Fabre stworzył dla siebie kostium chrząszcza, a dla Kabakowa kostium muchy. Owady te pojawiły się jako twórcze alter ego mistrzów. Wybór nie był przypadkowy. Dla Kabakowa mucha była ważną postacią, irytującym mieszkańcem jego wspólnych przestrzeni. Fabre już od młodości interesował się owadami (...). Artysta był pod wrażeniem, że chrząszcze skarabeuszowe mają bardziej zaawansowaną budowę ciała niż ludzie. Szkielet człowieka pokryty jest miękkim i wrażliwym mięsem, natomiast u chrząszczy ukryty jest pod twardą skorupą. Fabre szyje kombinezony muszlowe do przeprowadzania metamorfozy - stworzenia superistoty, która łączy w sobie ciało owada i umysł człowieka. Przebrani w kostiumy artyści opowiadają o sztuce i historii.
Instalacje „Karnawał martwych kundli” (2006) i „Protest zdechłych kotów” (2007) można skorelować z obrazem „Gotuj przy stole do gry” XVII-wiecznych flamandzkich mistrzów Paula de Vos i Jacoba Jordaensa. Bohaterami instalacji są zmarłe zwierzęta uliczne. Fabre „przywraca” je do życia, włączając je w makabryczny karnawał w tradycji średniowiecznej alchemii, której celem zawsze było doprowadzenie do odrodzenia przedmiotu ożywionego lub nieożywionego.
W następnym pomieszczeniu znajdują się wczesne rzeźby Fabre'a.
Artysta składa hołd swojemu dziadkowi entomologowi Jean-Henri Fabre, pokazując postać pracującą za mikroskopem. W tej pracy ponownie mówi o samotności, izolacji i oderwaniu jako stanach niezbędnych artyście. Cała powierzchnia rzeźby pokryta jest gwoździami. Technika ta, szeroko rozpowszechniona w praktyce rzeźbiarskiej i instalacyjnej lat 70., daje niesamowity efekt – rozmycie, niewyraźne kontury i kształty. Ten sam bohater ze spuszczoną głową i w meloniku wisiał bezwładnie nad ziemią w pracy „Wisielec II” (1979-2003). Fascynacja śmiercią przenika całą twórczość Fabre’a.
Jedwabna kurtyna pt. „Droga z Ziemi do gwiazd nie jest wybrukowana” (1987), namalowany długopisem zdaje się oddzielać świat realny od mistycznego świata nocnych wizji.
Umbraculum to żółto-czerwony jedwabny parasol, w katolicyzmie symbolizujący Bazylikę Mniejszą, ale szerzej rozumianą jako miejsce, w którym człowiek może ukryć się przed światem materialnym, pomyśleć i pracować z dala od codzienności. Jan Fabre nadaje temu obrazowi wiele znaczeń, przedstawiając go zarówno jako miejsce poza czasem, gdzie kończy się cykliczność życia i śmierci, jak i jako świat tajemniczej duchowości, skłaniający do refleksji nad kruchością ludzkiej egzystencji. To także hołd złożony współczesnej filozofii, według której człowiek jest jedynie obrazem stworzonym przez wiedzę, niestabilnym i krótkotrwałym. Michel Foucault przewidywał, że kultura zostanie uwolniona od tego obrazu w wyniku przesunięcia przestrzeni wiedzy, a wtedy „człowiek zniknie, tak jak znika twarz narysowana na nadmorskim piasku”.
Detale instalacji, stworzone z kości, to po prostu kompleksowe muszle, które nie kryją swojej pustki. Nowy „szkielet” kostny, wyciągnięty na zewnątrz, jest analogiczny do skorupy chrząszcza, skrywającej ciało bez kości. Fabre po raz kolejny mówi, że człowiek potrzebuje solidnego „schronienia”. Wizerunek muzeum można w pewnym sensie interpretować także jako umbraculum. Stworzony przez Katarzynę Ermitaż „schronił” także kolekcję dzieł sztuki i stał się dziś prawdziwą przystanią sztuki.
Elytry są większe. Wszystkie te kule i wózki są w istocie egzoszkieletem, podobnym do twardych skorup chrząszczy.
Przejdźmy teraz do głównego budynku Ermitażu. Na dziedzińcu „Człowiek, który mierzy chmury” wzniósł ręce do nieba. Cóż, w Petersburgu zawsze będzie dla niego praca.
Sale Ermitażu są piękne nawet bez eksponatów :)
Najpopularniejszym dziełem na wystawie jest mężczyzna, który złamał sobie nos na obrazie. Manekin stoi w kałuży sztucznej krwi, oparty o wykonaną przez Fabre'a kopię najpiękniejszego, idealnego męskiego portretu Rogiera van der Weydena. Jeśli nagle znajdzie się widz, który zwątpi w sens dzieła, tytuł rozwieje jego wątpliwości: „Pozwolę sobie krwawić (karzeł)”. Znaczenie sztuki tkwi w samej sztuce, jej tajemnica jest niezrozumiała, niezależnie od tego, jak bardzo się starasz.
Moc.
Sale, w których ekspozycja stała przeplata się z pracami Fabre'a. Prace są miniaturowe, jasne i należą do kilku serii. Czerwone tło ułatwia dostrzeżenie dzieł „obcych”, a jednocześnie skupia uwagę na obrazie.
Są też prace dziwne. „Człowiek z kijem pokrytym ptasim klejem” (1990), długopis BIC. Mężczyzna patrzący na obraz w zamyśleniu zapytał: „Gdzie jest różdżka?…”
„Pojawienie się i zniknięcie Antwerpii I”. Wciąż ten sam długopis + błyszczący papier fotograficzny. Aby obejrzeć obraz, należy podejść do niego pod ostrym kątem, wtedy z niebieskiej ciemności wyłaniają się kontury.
Sowy, bohaterki instalacji „Bezgłowi posłańcy śmierci” (2006), zaaranżowanej na wzór ołtarza, wpatrywały się w widza swoim zimnym spojrzeniem, swoją cichą i uroczystą obecnością przywołującą na myśl egzystencję graniczną w fazie bytu pośmiertnego, przejścia od życia do śmierci. Przesłanie to wzmacniają zimowe pejzaże Geisbrechta Leuthensa (1586-1656) z kolekcji Ermitażu, umieszczone po bokach kompozycji.
Oto to samo zimne spojrzenie!
I na koniec zdjęcia, po które tu przyszłam.
Pies – symbol wierności, szczerości i posłuszeństwa – jest obecny na wielu obrazach znajdujących się na wystawie stałej sali. Prezentowane tu prace Fabre'a nawiązują do tego obrazu. Osiem zielonych mozaik przedstawiających psy otoczone vanitas (czaszki, kości, zegary) umieszczono wśród czterech wybranych przez Fabre'a z kolekcji muzeum obrazów: Adam i Ewa Hendrika Goltziusa, Król Fasoli i Uczta Kleopatry Jacoba Jordensa oraz Mullet i Procris. przez Theodore’a Romouthsa.
Zdaniem Fabre’a zostaje zachwiana ich wewnętrzna równowaga psychiczna, co prowadzi do transgresji, którą artysta rozumie jako rodzaj aktu nadmiaru, prowadzącego do doświadczenia grzechu, zdrady i oszustwa. Powiązany z nim motyw vanitas odzwierciedla nie tylko niedoskonałość świata i jego przemijalność, ale także ideę kary związaną z poczuciem winy. Dwie rzeźby Fabre'a, stworzone specjalnie na wystawę, przedstawiają zdobione elytry złocistych chrząszczy i szkielety psów z papugami w pyskach – symbol „ukąszenia śmierci”, które nieuchronnie przerywa pełnię życia. (...) Kolor zielony, zdaniem Fabre'a, łączy się z zielonymi odcieniami pejzaży na obrazach sali i symbolizuje lojalność właściwą psu.
„Lojalne sfinksy metamorfozy i nietrwałości” (2016)
„Lojalności strzeże czas i śmierć” (2016) z cyklu „Marność marności, wszystko marność”
Sala została zaprojektowana przez Mikołaja I jako przedpokój Nowego Ermitażu. Miało ono na celu wprowadzenie zwiedzających w historię sztuki rosyjskiej. Przypominają o tym reliefowe portrety profilowe znanych rosyjskich artystów, które stały się dla Fabre’a źródłem inspiracji przy tworzeniu nowego cyklu „Moje królowe”. Bohaterkami cyklu są kobiety XXI wieku, przyjaciółki i patronki warsztatu Fabre’a, w których artysta postrzega je jako muzy. Majestat pełnometrażowych portretów wykonanych z marmuru kararyjskiego równoważy ironiczny trik Fabre’a – zakłada on swoim modelom błazne czapki.
Sala Mistrzów Flamandzkich, gdzie, moim zdaniem, dzieła Fabre'a wpisują się najbardziej organicznie. Zostawiłbym nawet tę wystawę na stałe. Instalacja wyraźnie pokazuje, że postrzeganie martwej natury przedstawianej i rzeczywistej znacznie się od siebie różni.
W drodze do Sali Rycerskiej wystawa trwa. Jak podoba Ci się ta sukienka?
Budzi to we mnie pewien niesmak: nie ma tu już schludnego porządku, ciała chrząszczy to bałagan.
Precyzja jubilerska ponownie pojawia się w sali rycerskiej.
Co ciekawe, pociski stworzone tutaj do ochrony zdobią broń ataku. Chociaż może o to właśnie chodzi: używać broni wyłącznie w celach ochronnych?
Po obu stronach rycerzy pojawili się nowi mieszkańcy sali:
W tej zbroi Fabre wraz z Mariną Abramowicz wystawili spektakl pt. „Dziewica/Wojownik”, w którym dwóch rycerzy odzianych w zbroję niczym chrząszcze w muszlach toczyło niekończące się rytualne bitwy w szklanej gablocie. „Dla mnie bycie rycerzem to najbardziej romantyczna rzecz, jaką mogę sobie wyobrazić” – mówi Fabre. „Nadzieja tkwi w kreatywności. Zawsze jest wiara w nadzieję, że artysta stworzy lepszy świat. Kiedy nie mogę ulepszyć otaczającego mnie świata ani ktoś Pewnego dnia przestanę być artystą”
