IMPRESJONIZM (francuski: impression-n-nisme, od wrażenia - wrażenie) - kierunek w sztuce (przed wszystkim w życiu) -pi-si) w ostatniej trzeciej XIX - pierwszej ćwierci XX wieku.
Pojawienie się tego terminu w związku z pierwszą wystawą artystów francuskich (pod tytułem „Ano-nim-noe koo-pe-ra-tiv-noe Society of hu-dozh-ni-kov...”), zorganizowaną w latach Paryska pracownia G. Na-da-ra w 1874 roku. Jeden z obrazów przedstawionych na niej przez K. Mo-neta („Impresja-le-nie. Wschód słońca”; on-pi-sa-na w Le Hav-re wiosną 1873 r.; obecnie – w Mar-mot-tan Museum w Paryżu) pozwolił L. Le-royowi z magazynu „Le Charivari” nazwać swój artykuł przeglądowy „Stałeś się im-pres-sio-nistovem”. Samo słowo „impresja” w znaczeniu zdolności artystycznego poznania akcji-st-vi-tel-no-sti spotyka się z -Xia i wcześniej: tego używali S. Baudelaire i P. Ver-len, K. Ko-ro, T. Russo, Sh.F. Do-bi-nyi (już w latach 60. XIX w. Cry-ti-ka nazywał go „szefem szkoły wrażeń”), E. Ma-ne. Studia w press-sio-ni-stov (ostatnia, VIII, odbyła się w 1886 r.) zdaniem Mono, miałyby L.E. Bu-den, A. Guy-o-men, E. De-ga, G. Kai-bott, M. Cassett, B. Mo-ri-zo, K. Pis-sar-ro, O. Re- Nu- ar, A. Sis-ley, a także P. Se-zann, P. Go-gen i inni
Historię impresjonizmu w życiu można podzielić na okresy: przygotowania (dojrzewanie nowego ja do tak) – lata 60. XIX w.; wyścig koloru i walka o nową sztukę – lata 70. XIX w. (okres „klasycznego impresjonizmu”); na-chi-nayu-sche-go-sya kri-zi-sa (1880); późno – od lat 90. XIX w. do lat 20. XX w. Gotowe do odkrycia były innowacje impresjonizmu w dziedzinie opt-ti-ki i fizjologii wzroku, teorii kontrastów barwnych M. Chev-re-la, research-ska-mi E. De-la-roy w dziedzinie najdoskonalszych tonów, drink-live-in-pi-sue K. Ko-ro i mas-te-rov z bar-bi-zon-school, us-pe- ha-mi w regionie-las-ti fo-to-graphics. Znaczącą rolę odegrało także zbliżenie przyszłych prasjonistów z E. Ma-ne (od końca lat 60. XIX w.), który wywarł nasz wielki wpływ na młodych artystów (nie uczestnicząc w wystawach impresjonistów, sam Ma-ne składał hołd im -sio-ni-stic ma-ne-re writing), znajomość sztuki angielskiej (W. Turner, R. Bo-nington, J. Constable) w latach 1870-1871 (podczas pobytu K. Mo-ne i K. Pis-sar-ro w Londynie) i „otwarcie” Unii Europejskiej na sztukę japońską w połowie XIX wieku. Chęć uchwycenia „chwilowości” stanów at-mo-sfery i naturalnego stanu rzeczy można dostrzec już w zazh-nom Creative-che-st-ve mas-te-rov tzw. pre-dim-press-sio-niz-ma (E. Bu-den, J. Jon-gkind, F. Basil), ale dopiero w ramach impresjonizmu urządzenia te przekształciły się w cały system artystyczny. Ostatnio K. Mo-ne utrzymywał ten system w swojej pracy; w twórczości innych artystów europejskich (w tym rosyjskich) i amerykańskich różne techniki impresjonizmu on-ho-di- czy w każdym przypadku nie ma drugiego-mo-in-di-vi-du-al-nu-inter-pre -ta-cja.
Im-press-sio-ni-sty były prin-tsi-pi-al-ny-mi przeciwko-przeciw-ni-ka-mi wszystkich theo-re-ti-zi-ro-va-niya ; Teoria impresjonizmu powstała dopiero na początku XX wieku, opierała się na artystycznych odkryciach mistrza tej prawicowej niyi, na wrodzonym impresjonizmie innego, niezrozumiałego mentalność. Impresjonizm opiera się na nietradycyjnej wizji świata jako swego rodzaju „poruszającej się substancji materialnej” (B.A. Zer-nov), chęci odciskania otaczającego świata jego mobilności i zmiany -in sti, „chwilowe” przypadkowe sytuacje, ruchy, stany natury. Im-press-sio-ni-stam był bliski for-mu-li-ro-van-noe E. Zo-lya po-ni-ma-nie about-from-ve-de-art jako „narożnik budowanie świata widziane przez temp-pe-ra-ment” (czyli w subiektywnym pre-lo-le-tionie hu-doge -Nika); starali się stworzyć w „mic-ro-cos-me” pojedyncze, nierozrywające połączenie pro-from-ve-de-no w -dy i che-lo-ve-ka, in-di-vi -duu-ma i otaczające środowisko.
Impresjonizm w malarstwie
Zniszczenie akademickich can-no-nov w life-in-pi-si przez francuskich impresjonistów zakończyło się kilkoma prawicowymi le-no-yah: odmową ze strony wszystkich lit-te-ra-tur-no- sti, „plot-no-sti”, mo-ra-li-zi-ro-va-niya, own- st-ven-nyh salon-no-mu art-kus-st-vu-z tamtych czasów, od- pociąga-jest-ra-fa-elev-skaya, piękno zmarłej francuskiej klasy-si-tsiz-ma (J.O.D. Ingres i jego after-do-va-te-li), brak akceptacji jako programu - no-sti i pa-fo-sa sztuki romantycznej oraz for-ost-ryon-no-go so-ci-al-no-go real-iz-ma G. Cour-be. W rzadkich przypadkach sztuka impresjonizmu wiąże się z nowoczesnością: dominuje w tych narodzinach, „częściowym” życiu (życie codzienne, rekreacja, rozrywka), pięknie wiejskich krajobrazów. Impresjonizm zniszczył wszelkie tradycyjne wyobrażenia o hierarchii gatunków i ich specjalnościach (mieszanie gatunków) ra z port-re-tom, port-re-ta z pay-za-zhem czy inter-ter-e-rum i tym podobne), o kim-pozycji jako o śluzie-studzie-tej całej formacji-st-struktury-tu-re. Ostatni w życiu impresjonizmu zastępują obrazy jako fragment na-tu-ry, słowa „pił-den-nie-przechodź” w oknie-ale (lub nawet „pod-patrz-nie-przechodź przez -the-hole”, według op-re-de-leniyu E. De-ga). Dla zdjęć im-press-sio-ni-stov kha-rak-ter-ny „nie-dana-ność” ramy, de-cent-tra-li-za-tion obrazu-bra-zheniya (z centralnego układu formacji i statycznego, pojedynczego punktu widzenia), nietypowa liczba różnych przebiegów, przemieszczenie osi kompozycyjnych, „swobodne” przekroje części kompozycji, przede mną tov i fi-gur ra-my kar-ti-ny.
Pragnienie wzlotu do życia w stu yang, ale zmienny sposób (w de-vis-si-mo-sti z os-ve-sche-nii) pięknego raz-no-ra-zie vi-di-mo-go-world doprowadzony do nich-press-sio-nistov (dla klucza użycia- nie E. De-ha) do swego rodzaju współ-lo-rystycznej reformy - od złożonej (mieszanej ) do-nowości, czasów -zamienić je w czyste widmowe kolory, nakładane na płótno osobnymi pociągnięciami, co powinno wywołać straszliwy śmiech w oczach widza. Kolor w impresjonizmie realistycznym nabiera autonomii, która nie jest jego własną, aż do punktu odejścia od pre-meta i pojawia się obok nich lekkich porządków, które pro-niz -sha-vay-wszystko według-the-bra-same -nia. Ple-ner pre-de-la-ha-ma wielką subtelność gradacji światła, koloru-od-no-she-niy i per-re-ho-Dov, staranne rozwinięcie systemu, w którym się znajdujemy .
Os-lab-le-nie plastikowej na-cha-la w impresjonizmie life-pi-si-si wiąże się z odrzuceniem światła i ciemności jako formy czynnika. Światło stało się niemal głównym „bohaterem” życia impresjonistów, najważniejszym składnikiem całych struktur obrazu, substancją form; Jasne światło słoneczne nie intensyfikuje brzmienia koloru, ale go rozjaśnia, wytrącając go z cieni. Ci o poranku nie mówią o czerni i czerni, o stawaniu się kolorowym i przezroczystym; w cieniach kolor traci jedynie swoją moc świetlną i zostaje wzbogacony o dodatkowe, zimne części widma. On-chi-naya od lat 70. XIX wieku z zhi-vo-pi-si im-press-sio-ni-stov prawie Windows-cha-tel-ale z-gna-ny ah-ro-ma-ti- czeskie kolory (czarny , szary i otwarty biały), co-lo-rit of ple-ner zdjęcia os-no-van na co-post-tav-le-ni-yah ciepłe i zimne widmowe kolory, wykorzystują możliwości „przestrzeni- kolory „ven-no-go” stacji wiejskich - obraz żywiołów wody, nieba, ob-la-kov, tu-ma-na, ducha powietrza, pół-lu- tych, którzy są ok-ra-sku należni do race-se-yan-no-go i od-ra-żony światła słońca, którego nie ma. Opanowanie języka pisania życia, zwrócenie uwagi na przenoszenie efektów os-materiału i koloru, Twoje odruchy prowadzą do ich swoistej de-ma-te-ria-li-za-lizacji przedmiotu świata , rano są gęste, ale-sti, wzajemne-za-nick-ale-ve-niy elementów obrazu. Odnalezione w procesie pracy w naturze techniki te wkrótce zaczęto stosować nie tylko w krajobrazie -noy live-in-pi-si; podobny system opracował E. De-ga z ple-ne-re.
Kolejną innowacją impresjonizmu jest późniejsza „rewizja” tradycyjnej perspektywy, odrzucenie centrum nie-wizualizacji, którego nie można i nie ma, centrum pro-ek-tion, pro-ti-vo-re- cha-che-go es-te-st-ven-no-mu (dwuogniskowe -but-mu i z części-sfery-che-sko-mu) postrzeganie kosmicznego kraju; tendencja do pogłębiania się głębin, wzmacniania dwuwymiarowości; w niektórych przypadkach użycie ac-so-no-meters, skutki gwałtownie zintensyfikowane bezpośrednio lub cri-vo-czy -no-noy per-spec-ti-you, później zamieniły się w P. Se-zan-na w kompletny system „perceptywnego” patrzenia na ciebie. Konsekwentne odrzucenie przez impresjonizm antrocentrycznej koncepcji sztuki europejskiej (człowiek nie jest centrum budowania świata, ale jego godzina -ti-tsa) nastąpiło w znacznym stopniu pod wpływem sztuki japońskiej i objawiło się w równouprawnieniu wszystkie elementy firmy -zi-tion, równe znaczenie głównego obrazu i drugiego kroku-ro-pen-noy de-ta-li, aż do prawie pełnego „glo-sche” -niy” głównego obraz, napój-dla-tworzenia, napój-dla-napoju we mgle przesuwającej się tu-ma-ny; ogólnie rzecz biorąc, w ten sposób nie ma-do-ka-zan-no-sti i „domyślnie”.
Chęć wydrukowania „jednoruchowej ma-te-rii” es-te-st-ven-ale sprowadziła je-press-sio-ni -stov (również nie bez wpływu japońskiego gr-vu) na język tworzenie serii i cykli prac, poświęconych jednemu tematowi - temu obrazowi i utrwalaniu lub obrazowi di-na-mi-ku (obraz „to-po-lei”, „in-kza” - łapanie” autorstwa K. Mo-ne , „tancerze” E. De-ha, zatłoczone paryskie bulwary itp.), teksty Bo-zmieniające się działanie substancji i koloru w ich wzajemnych relacjach, ruch im-ma-te-ri-al -tego elementu światła ( „sto-ha se-na”, „so-bo-ry” Mo-ne). Każde z dzieł takiego cyklu (lub cyklu) odsłania jakiś aspekt obrazu, a ich współcałość tworzy cały, syntetyczny obraz w przedczynnikach ogólnej idei hu-dozh-ka.
Początkowo impresjonizm spowodował ostre odrzucenie większości krytyków i publiczności; wspierać nowe is-ka-ni-yam w sztuce oka-za-li E. Zo-lya, S. Mallar-me, J.K. Gu-is-mans, cri-ti-ki T. Du-re, E. Du-ran-ti, G. Geoff-froy, zbiór-wykład-nie-ry P. Du-ran-Ru-el, G. Kaybotte, J.B. Faure i V. Sho-ke. Szerokie uznanie im-press-sio-ni-sty osiągnęło dopiero lata 90. XIX wieku, kiedy impresjonizm wszedł w ostatnią fazę. Późny impresjonizm znany jest ze swoich tendencji dekoracyjnych (wspólnych dla sztuki epoki nowożytnej), całego bólu - wyrafinowania gry kolorystycznej od cieni do tonów uzupełniających, czasem z niezwykłymi poglądami kolorystycznymi (drink-for-zhi E. De-ga z końca lat 90. XIX w., seria „pla-ku-chih willows” K. Mo-ne, późne życiorysy O. Re-nua -ra i in.), ak- tsen-ti-ro-va-ni-em sa-mo-tsen-no-sti in-di-vi-du-al-noy hu-do-destvennoy ma-ne-ry, „lich -but-st-no stylu „idź”.
W tych latach w sztuce wyznaczono już nowe kierunki ze względu na wpływ innowacji impresjonizmu w tym czy innym miejscu.re is-py-ta-li wielu hu-dozh-ki francuskiej sztuki salon-no-go , post-im-presion-sio-niz-ma i wczesna awangarda europejska dis-ma. Zatem zasada optycznego mieszania kolorów stała się podstawą teorii neo-im-press-sio-niz-ma (di-vi-zio-niz-ma); malowanie w „czystym kolorze”, sugestywna funkcja koloru (jego wrodzona emotywność i siła sugestii) w co-che-ta-nii z darmowym ex-press-si-maz-were we unus-le-do-va- ny V. Van Go-g, P. Go-gen, grupy mas-te-ra-mi fo-viz-ma i „na-bi”, a także ab-st-rak-tsio-niz-ma.
Jednocześnie poza granicami Francji wpływ impresjonizmu objawił się w rozwoju niektórych technik (efekty -riz-ma, you-light-le-nie pa-lit-ry, es-kiz-ness i wolność -of-a-living ma-ne-ry), w ra-schetion do współczesnego te-ma-ti-ke - w twórczości hu-dozh-ni-kov Ve-li-ko-bri-ta -nii (U. Sik-kert, U. Steer), Ger -ma-nii (M. Lieber-man, L. Ko-rint, M. Sle-vogt), Włochy (J. De Nit-tis), Norwegia (F. Tau-lov), Polska (L. Vychul-kovsky), USA (M. Cassett, M. Pre-der-gast, T. Robin-son, J.S. Sargent, J. G. Tu-ok-t- mężczyźni) i inne. W Rosji wpływ impresjonizmu odczuwalny jest od końca lat 80. XIX wieku - na świeżym powietrzu I.E. Re-pi-na, V.A. Se-ro-va, I.I. Le-vi-ta-na, V.D. Po-le-no-va, N.N. Dub-bov-skogo; Sztuka K.A. niemal w całości należy do tego prawa. Ko-ro-vi-na, tj. Gra-ba-rya; okresu „im-pres-sio-ni-st-sky” to samo można zrobić u przyszłych mistrzów rosyjskiej awangardy (K.S Ma-le-vi-cha, M.F. La-rio-no- va, A.D. Dre-vi-na).
Termin „impresjonizm” odnosi się także do rzeźby z lat 1880–1910. (dążenie do przeniesienia natychmiastowego ruchu, te-ku-honoru form, na-ro-chi-th plastycznej non-ver-perfekcji, interakcji rzeźby ze światłem); Najważniejsze cechy impresjonizmu w twórczości rzeźbiarskiej O. Rodena i E. Degasa (Francja), M. Russia co (Włochy), P.P. Tru-bets-ko-go i A.S. Go-lub-ki-noy (Rosja).
Zasady programowe impresjonizmu pisanego na żywo zaczęto następnie przenosić na inne sztuki: muzy -ku, li-te-ra-tu-ru, te-atr, ho-reo-grafia, ki-no, fo-to-is -kus-st-vo. Użycie w stosunku do nich terminu „impresjonizm” jest wystarczająco warunkowe i os-pa-ri -va-et-sya part-is-follow-to-va-te-lei.
Impresjonizm w muzyce
Od impresjonizmu w muzyce, który nie stanowi bezpośredniej analogii impresjonizmu w życiu i nie jest tym samym, jest z nim chro-no-lo-gi-che-ski (czas rozkwitu impresjonizmu muzycznego - lata 1890-1900 ), zwykle związane z re-da- czuję od-men-chi-vyh-nastroje, subtelne psychologiczno-logiczne niuanse, pragnienie etycznego krajobrazu programowo-informacyjnego (w tym reprezentacji w dźwiękach gry fal, blasku światła na wodzie, wiatru, chmur i tym podobnych), zgodnie z -wyższym zainteresowaniem kompozytora tematem i harmonijnym pięknem. Jednak środki artystyczne związane z wizą często współwystępują z wstępnym utworzeniem znakomitych zeskanowanych obrazów sztuki starożytnej (styl live-in-pi-si rok-ko-ko, muzyka francuskiego clave-si-ni- st.).
Preformy muzycznego impresjonizmu – w dźwiękowym-co-pi-si F. Listy, kolorystycznych schodach A.P. Bo-ro-di-na, E. Gri-ga, N.A. Roman-go-Kor-sa-ko-va, svo-bo-de go-lo-so-ve-de-niya i żywiołowy im-pro-vi-za-tsi-on-nosty M.P. Mu-sorg-sko-go. Impresjonizm znalazł swój klasyczny wyraz w muzyce francuskiej, przede wszystkim w twórczości K. Debussy'ego; Jego rysy pojawiały się także w muzyce M. Ra-ve-li, P. Du-ki, F. Schmit-ty, J. J. Ro-zhe-Du-ka-sa. Impresjonizm muzyczny unas-le-do-val wielu szczególnie-ben-no-sti późnego ro-man-tiz-ma i narodowych szkół muzycznych XIX wieku. W tym samym czasie burzliwy pat-te-tike, rel-ef-no-mu te-ma-tiz-mu, napięty chat-te-ni-yam chro-ma-ti -che-ski us-false-no- noy to-nal-noy gar-mo-nii zmarłego ro-man-ti-kova (szczególnie ben-ale R. Vag-ne-ra) im-press-sio -nie o powściągliwości emocjonalnej, zwięzłości i niezauważalnej zmianie- of-men-ness w stu-yang-ale vari-and-rue mo-ti-vov, dia-to-no-ku, mod-zakres progów symmetrycznych (w tym całe -ale-in-th), o przejrzystym fakcie. Twórczość impresjonizmu pod wieloma względami dotyczy ekspresyjnych środków muzycznych, zwłaszcza w sferze -ru gar-mo-nii, do-tig-shey Great uton-chen-no-sti. Zastosowanie kompleksów ak-kor-do-vyh z-che-ta-et-sya w harmonii impresjonizmu z arch-hai-za-tsi la-do-vo -th mysz-le-tion; Ryt-jesteśmy niestabilni, czasem ostro-ro-ha-rak-ter-ny. Wzmocnienie ekspresji fonicznej ac-cor-da (patrz F-nizm), dzięki wprowadzeniu nowego elementu os-no-ve-tov mod-dal-noy gar-mo-nii rozszerza sferę la-do-vaya, w czystych barwach or-ke-st-rovke pre-ob-la-da-yut. Szczególna świeżość muzyki francuskich impresjonistów zwróciła uwagę na gatunki pe-sen-no-tan-tse-val, na elementy, które zawierają język muzyczny Vos-ka, Is-pa-nii, sti -li-za-tion wczesnych form jazzu. Dla Francji pre-de-la-mi zasady impresjonizmu muzycznego są oryginalne, ale raz-vi-va-li M. de Falla w Hiszpanii, O. Res-pi -gi, częściowo A. Ka-zel-la i J.F. Ma-lip-e-ro we Włoszech, F. Di-li-us i S. Scott w Ve-li-ko-bri-ta-nii, K. Shi-ma-novsky w Polsce, A.K. Lyadov, N.N. Che-rep-nin (patrz Che-rep-nin), częściowo I.F. Strawińskiego w Rosji.
Impresjonizm w literaturze
Istota impresjonizmu jako „av-to-no-go on-right-le-niya in li-te-ra-tu-re” jest przedmiotem długiej dyskusji. Impresjonizm literacki jest często kojarzony z na-tu-ra-liz lub uważany jest za zwolennika pomiędzy dokładnym pojawieniem się pomiędzy na-tu-ra-liz-mom a sim-in-liz-mom, a zbliżeniem się do sima -in-liz-mama mama. Jako samodzielny ruch literacki, impresjonizm najczęściej spotyka się w literaturze francuskiej, a także austriackiej (tzw. ruch wiedeński).turf) epoki-hi-de-ka-dan-sa. Mówią także o im-press-sio-ni-stich-no-sti jako o stylu-le-voy special-ben-no-sti, nieodłącznie związanym z wieloma pi-sa-te-lyam 2 - poł. XIX - początek XX wieku. Impresjonizm literacki nie stworzył programu teoretycznego, lecz pozostawał pod wpływem życia francuskich im-pres-sio-istów, Mun-Hen-sko-go i Vienna-go se-ces-sio-nov, fi-lo-so -phy of time-me-ni A. Berg-so-na, psi-ho-lo-gyi U. James-sa (idea stworzenia), em-pi-ri-ok-ri-ti-tsiz- ma E. Ma-ha, psi-ho-ana-li-za Z. Frey -Tak. Od czasów impresjonizmu w literaturze kładzie się zwykle nacisk na sugestywność, konstruowanie obrazu na zasadzie własnych -bo-d-as-s-s-ts-ów, wzywanych do wpajania chi-ta- te-lyu-not-op-re-de-line „muzyczny” nastrój -nie, wciągający go w świat lirycznego przeżywania na nowo av-to-ra - es-te-ta-ge-do-ni- sta, so-zer-tsa – świat w jego zastępstwie-yang-od-men-chi-in-sti.
W poezji im-pres-sio-ni-stich-ness przejawia się w os-lab-le-nii metrycznej i semantycznej jedności struktury.ki (tzw. vy-bo-zh-de-nie wersetu), pre-sky-re-sam regularność rytmu i precyzyjny rym (aż do połowy rymu w ver-lib-re), with-ho-li-vyh an- jamb-ma-nah (P. Ver-len, A. Rem-bo we Francji; D. von Li-li-en-kron w Niemczech; G. von Hoffmann-stael, R. M. Rilke w Austrii; K. D. Bal-Mont, I.F. Annensky’ego w Rosji i innych); w prozie - w konwersji do małych form (fragment, cykl luźno powiązanych opowiadań, historie codzienne) ko-vye for-pi-si, es-se-istichesky on-bro-juice), bez -plot-no-sti, użycie-użycia-wagi-słowa-ale-o-wymiarze-ny leit-mo-ti-vov, styl de-ko-ra-tiv-no-sti (J.C. Gu-is- mans, M. Proust, A. Gide we Francji, P. Alten-berg w Austrii, O. Wilde w Vel-li-ko-bri-ta-nia, G. D'Annunzio we Włoszech, K. Gam- słońce w Norwegii, A. Bely w Rosji i inne). Im-pres-sio-ni-stich-ness w cri-ti-ka łączy się z gatunkami „etyu-da”, „si-lu-eta”, „pro-fi-la” poprzez ich aforyzm, sub-ektiv-no-vku-so-you-mi ha-rak-te-ri-sti-ka-mi (A. France, R. de Gourmont, A. de Re-nier we Francji; D.S. Me-rezh- kowskiego, Yu.I. Aikhen-walda, M.A. Kuz-min w Rosji).
Impresjonizm w dramacie
Impresjonizm to jeden z najsłynniejszych, jeśli nie najsłynniejszy, kierunków malarstwa francuskiego. A powstał na przełomie lat 60. i 70. XIX wieku i w ogromnym stopniu wpłynął na dalszy rozwój sztuki tamtych czasów.
Impresjonizm w malarstwie
Sama nazwa” impresjonizm„ został wymyślony przez francuskiego krytyka sztuki Louisa Leroya po wzięciu udziału w pierwszej wystawie impresjonistów w 1874 roku, gdzie skrytykował obraz Claude'a Moneta Impresja: Wschodzące słońce („wrażenie” przetłumaczone na francuski jako „impresja”).
Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, Frederic Bazille to główni przedstawiciele impresjonizmu.
Impresjonizm w malarstwie charakteryzuje się szybkimi, spontanicznymi i swobodnymi pociągnięciami. Zasadą przewodnią było realistyczne przedstawienie środowiska świetlnego.
Impresjoniści starali się uchwycić ulotne chwile na płótnie. Jeżeli w tym momencie jakiś przedmiot przybiera nienaturalną barwę, ze względu na pewien kąt padania światła lub jego odbicia, to artysta tak go przedstawia: np. jeśli słońce maluje powierzchnię stawu na różowo, to zostanie pomalowany na różowo.
Cechy impresjonizmu
Mówiąc o głównych cechach impresjonizmu, należy wymienić:
- natychmiastowy i optycznie dokładny obraz ulotnej chwili;
- wykonywanie całości prac na świeżym powietrzu – koniec ze szkicami przygotowawczymi i pracami wykończeniowymi w studiu;
- użycie czystego koloru na płótnie, bez wstępnego mieszania na palecie;
- użycie plam jasnej farby, pociągnięć o różnej wielkości i stopniu rozciągnięcia, które wizualnie składają się na jeden obraz tylko oglądany z daleka.
Rosyjski impresjonizm
Standardowy portret w tym stylu uważany jest za jedno z arcydzieł malarstwa rosyjskiego - „Dziewczyna z brzoskwiniami” Aleksandra Sierowa, dla którego impresjonizm stał się jednak tylko okresem pasji. Rosyjski impresjonizm obejmuje także dzieła Konstantina Korovina, Abrama Arkhipowa, Filipa Maliawina, Igora Grabara i innych artystów powstałych na przełomie XIX i XX wieku.
Przynależność ta jest raczej warunkowa, ponieważ impresjonizm rosyjski i klasyczny francuski mają swoją specyfikę. Rosyjski impresjonizm był bliższy materialności, obiektywności dzieł i skłaniał się ku sensowi artystycznemu, podczas gdy impresjonizm francuski, jak wspomniano powyżej, dążył po prostu do ukazywania chwil życia, bez niepotrzebnej filozofii.
W rzeczywistości rosyjski impresjonizm przejął od Francuzów jedynie zewnętrzną stronę stylu, techniki jego malowania, ale nigdy nie przyswoił sobie samego myślenia obrazowego inwestowanego w impresjonizm.
Współczesny impresjonizm kontynuuje tradycje klasycznego impresjonizmu francuskiego. We współczesnym malarstwie XXI wieku wielu artystów pracuje w tym kierunku, na przykład Laurent Parselier, Karen Tarleton, Diana Leonard i inni.
Arcydzieła w stylu impresjonizmu
„Taras w Sainte-Adresse” (1867), Claude Monet
Obraz ten można nazwać pierwszym arcydziełem Moneta. Jest to nadal najpopularniejszy obraz wczesnego impresjonizmu. Pojawia się tu także ulubiony motyw artysty – kwiaty i morze. Płótno przedstawia kilka osób wypoczywających na tarasie w słoneczny dzień. Krewni samego Moneta są przedstawieni na krzesłach tyłem do publiczności.
Cały obraz jest zalany jasnym światłem słonecznym. Wydzielono wyraźne granice pomiędzy lądem, niebem i morzem, organizując kompozycję wertykalnie za pomocą dwóch masztów, jednak kompozycja nie ma wyraźnego środka. Kolorystyka flag łączona jest z otaczającą przyrodą, podkreślając różnorodność i bogactwo barw.
„Bal w Moulin de la Galette” (1876), Pierre Auguste Renoir
Obraz przedstawia typowe niedzielne popołudnie w XIX-wiecznym Paryżu w Moulin de la Galette, kawiarni z parkietem tanecznym na świeżym powietrzu, której nazwa nawiązuje do nazwy znajdującego się nieopodal młyna i jest symbolem Montmartre. Dom Renoira znajdował się obok tej kawiarni; często uczęszczał na niedzielne popołudniowe potańcówki i lubił oglądać szczęśliwe pary.
Renoir wykazuje prawdziwy talent i łączy w jednym obrazie sztukę portretu zbiorowego, martwej natury i malarstwa pejzażowego. Użycie światła w tej kompozycji i gładkość pociągnięć pędzla najlepiej oddają ten styl dla przeciętnego widza. impresjonizm. Obraz ten stał się jednym z najdroższych obrazów, jakie kiedykolwiek sprzedano na aukcji.
„Boulevard Montmartre nocą” (1897), Camille Pissarro
Chociaż Pissarro słynie z obrazów przedstawiających życie wiejskie, namalował także wiele pięknych scen miejskich w XIX-wiecznym Paryżu. Uwielbiał malować miasto ze względu na grę świateł w dzień i wieczorem, ze względu na drogi oświetlane zarówno światłem słonecznym, jak i latarniami.
W 1897 wynajął pokój przy Boulevard Montmartre i przedstawiał go o różnych porach dnia, a praca ta była jedyną pracą w cyklu uchwyconą po zapadnięciu nocy. Płótno wypełnione jest głębokim błękitem i jasnożółtymi plamami świateł miasta. We wszystkich obrazach z cyklu „bulwar” głównym rdzeniem kompozycji jest ciągnąca się w dal droga.
Obraz znajduje się obecnie w National Gallery w Londynie, ale za życia Pissarro nie był nigdzie wystawiany.
Film o historii i warunkach twórczości głównych przedstawicieli impresjonizmu możesz obejrzeć tutaj:
Impresjonizm(francuski impresjonizm, od wrażenia - wrażenie) - ruch w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się w najbardziej naturalny sposób uchwycić prawdziwy świat w jego mobilności i zmienność, aby przekazać swoje ulotne wrażenia.
1. Wyzwolenie się od tradycji realizmu (żadnych obrazów mitologicznych, biblijnych i historycznych, tylko życie współczesne).
2. Obserwacja i badanie otaczającej rzeczywistości. Nie to, co widzi, ale jak widzi z pozycji postrzeganej „wizualnej istoty rzeczy”
3. Życie codzienne współczesnego miasta. Psychologia mieszkańca miasta. Dynamika życia. Tempo, rytm życia.
4. „Efekt przedłużonej chwili”
5. Szukaj nowych formularzy. Prace niewielkich rozmiarów (studia, oprawa). Nietypowe, ale przypadkowe.
6. Seryjność obrazów (Monet „Stogi siana”)
7. Nowość systemu malowania. Otwórz czysty kolor. Ulga, bogaty zbiór odruchów, drżenie.
8. Mieszanie gatunków.
Edwarda Maneta – nowator. Od matowych, gęstych tonów po lekkie malowanie. Fragmentacja kompozycji.
„Olimpia” – opiera się na Tycjanie, Giorgione, Goi. pozowała Wiktoria Muran. Wenus jest przedstawiana jako nowoczesna kokota. U moich stóp leży czarny kot. Czarna kobieta wręcza bukiet. Tło jest ciemne, ciepły ton ciała kobiety jest jak perła na błękitnej pościeli. Głośność jest zakłócona. Nie ma modelowania odcięcia.
„Śniadanie na trawie”- modelka i dwóch artystów + pejzaż + martwa natura. Czarne surduty kontrastują z nagim ciałem.
"Flecista"- wrażenie muzyki.
„Bar Folies Bergere” – Dziewczyna jest barmanką. Dreszcz przebłysku chwili. Samotność tętniącego życiem miasta. Iluzja szczęścia. Nakładam go na całe płótno (niedostępne w moich myślach, ale dostępne dla klientów baru). Pełna sala zwiedzających jest obrazem świata.
Claude Monet - zrezygnowano z tradycyjnej sekwencji (podmalowanie, szkliwienie itp.) - ala prima
"Wrażenie. Wschodzące słońce" - fieria żółta, pomarańczowa, zielona. Łódź jest wizualnym akcentem. Nieuchwytny, niedokończony krajobraz, bez konturów. Zmienność środowiska świetlno-powietrznego. Promienie światła zmieniają widzenie.
„Śniadanie na trawie” – skraj lasu, wrażenie pikniku , ciemnozielona kolorystyka przeplatana brązem i czernią. Liście okazują się mokre. Ubranie i obrus kobiety są oświetlone, wypełnione powietrzem, światłem przechodzącym przez liście.
„Boulevard des Capucines w Paryżu” – fragmentaryczny. Odcina dwie osoby patrzące z balkonu na bulwar. Tłum ludzi to życie miasta. Połowa w świetle zachodzącego słońca, a połowa w cieniu budynku. Brak centrum wizualnego, natychmiastowe wrażenie.
„Skały w Belle-Ile» - dominuje poruszająca się masa wody (grube uderzenia). Tęczowe odcienie zastosowane energetycznie. Skały odbijają się w wodzie, a woda odbija się w skałach. Poczucie mocy żywiołów, wrzącej zielono-niebieskiej wody. Kompozycja z wysokim horyzontem.
„Gare Saint-Lazare” – pokazane jest wnętrze stacji, ale bardziej interesuje mnie lokomotywa i para, która jest wszędzie (fascynacja mgłą, liliową mgłą).
Pierre'a Augusta Renoira- artysta radości, znany przede wszystkim jako mistrz portretu świeckiego, niepozbawiony sentymentalizmu.
"Huśtać się"- przesiąknięty ciepłym kolorem, ukazana jest młodość, dziewczyna jest pod wrażeniem.
„Bal w Moulin de la Gallette” – scena rodzajowa. Dzień. Młodzi ludzie, studenci, sprzedawczynie itp. Przy stołach pod akacjami znajduje się platforma do tańca. Zabawa światłem (promienie słońca na plecach).
„Portret Joanny Samary” – kobiety-kwiaty. Urocza, kobieca, pełna wdzięku, wzruszająca, spontaniczna aktorka. Głębokie oczy, lekki, słoneczny uśmiech.
„Portret Madame Charpentier z dziećmi”- elegancka towarzyska kobieta w czarnej sukience z trenem i dwie dziewczyny w niebieskim. Gobeliny, stół, pies, parkiet – wszystko mówi o zamożności rodziny.
Edgara Degasa– nie malował w plenerze, kult linii i rysunku. Kompozycje po przekątnej (od dołu do góry)); Figury w kształcie litery S, spiralne + okno z którego oświetlenie + oświetlenie punktowe. Olej, potem łóżko.
„Baletnice”, „Tancerze”- wkracza w życie baletnic. Pociągnięcia łączą rysunek i malarstwo. Stały rytm treningu.
„Niebiescy tancerze”- żadnej indywidualności - pojedynczy wieniec ciał. W jednym rogu widać jeszcze światło z ramp, w drugim cień kulis. Ten moment jest także dla aktorek i zwykłych ludzi. Wyraziste sylwetki, chabrowe sukienki. Fragmentacja – bohaterowie nie patrzą na widza.
„Nieobecny” – mężczyzna i kobieta siedzą w kawiarni. Zakres popiołu. Mężczyzna z fajką patrzy w jedną stronę, a pijana kobieta z dystansem - dotkliwa samotność.
Kamil Pissarro – interesuje się krajobrazami, a także znajdującymi się w nich ludźmi i wozami. Motyw drogi, po której chodzą ludzie. Kochałam wiosnę i jesień.
„Wjazd do wsi Voisin„- ciemny, miękki krajobraz, drzewa wzdłuż drogi - otaczają wejście, ich gałęzie mieszają się, rozpuszczając na niebie. Koń chodzi powoli i spokojnie. Domy to nie tylko obiekty architektoniczne, ale mieszkania dla ludzi (ciepłe gniazda).
„Pasaż Opery w Paryżu”(seria) – szary, pochmurny dzień. Dachy są lekko przysypane śniegiem, chodniki mokre, budynki toną w zasłonach śniegu, przechodnie z parasolami zamieniają się w cienie. Kolor wilgotnego powietrza jest otaczający. Liliowo-niebieskie, oliwkowe odcienie. Małe pociągnięcia.
Alfreda Sisleya– starał się dostrzec piękno przyrody, niesamowity spokój nieodłączny od wiejskiego krajobrazu.
„Mróz w Louveciennes” – poranek, stan świeży, przedmioty skąpane w świetle (połączenie). Żadnych cieni (subtelnych niuansów), kolory żółto-pomarańczowe. Spokojny zakątek, a nie ruchliwe miasto. Poczucie czystości, kruchości, miłości do tego miejsca
Impresjonizm w Rosji. rozwija się później i w szybszym tempie niż we Francji
V.A. Serow – obojętny na rysunek akademicki, pragnie pokazać piękno natury w kolorze.
„Dziewczyna z brzoskwiniami”" - portret Verochki Mamontowej. Wszystko jest naturalne i zrelaksowane, każdy szczegół jest ze sobą powiązany. Piękno twarzy dziewczyny, poezja obrazu życia, nasycone światłem kolorowe malarstwo. Piękno i świeżość szkicu, dwa trendy, dwie siły organicznie zjednoczone, tworzące jedną formę obrazowej wizji. Wszystko wydaje się takie proste i naturalne, ale w tej prostocie jest tyle głębi i integralności! Z największą wyrazistością V. Serov przekazał światło wylewające się jak srebrny strumień z okna i wypełniające pokój. Dziewczyna siedzi przy stole i nie jest niczym zajęta, jakby naprawdę na chwilę usiadła, mechanicznie podniosła brzoskwinię i trzyma ją, patrząc na ciebie prosto i szczerze. Ale ten spokój jest tylko chwilowy i przez niego widać pasję do energicznego ruchu.
"Dzieci"- ukazuje duchowy świat dzieci (synów). Starszy patrzy na zachód słońca, młodszy twarzą do widza. Różne spojrzenie na życie.
„Mika Morozow”- siedzi na krześle, ale przewraca się w stronę widza. Przekazuje się emocje dzieci.
"Tancerka rewiowa"- szkicowość. Maluje bogatymi pociągnięciami pędzla, szerokimi pociągnięciami liści, pociągnięciami czasem pionowymi, czasem poziomymi i o różnej fakturze ⇒ dynamizmie, powietrzu i świetle. Połączenie natury i dziewczyny, świeżości, spontaniczności.
"Paryż. Boulevard des Capucines” – pstrokaty kalejdoskop kolorów. Sztuczne oświetlenie - rozrywka, dekoracyjna teatralność.
I.E.Grabar – początek wolicjonalny, emocjonalny.
« lazur lutego”- Zobaczyłem brzozę z poziomu gruntu i byłem zszokowany. Dzwonki tęczy łączy lazurowe niebo. Brzoza jest monumentalna (w całym płótnie).
„Marcowy śnieg”- dziewczyna niesie wiadra na jarzmie, cień drzewa na roztopionym śniegu.
Impresjonizm otworzył nową sztukę – ważne jest to, jak artysta widzi, nowe formy i sposoby prezentacji. Oni mają chwilę, my mamy trochę czasu; Mamy mniej dynamiki, więcej romantyzmu.
Mane Śniadanie na trawie Mane Olympia
Manet „Bar Folies Bergere” Maneta Flecista"
monet "Wrażenie. Wschodzące słońce Monet „Obiad na trawie” – „Boulevard des Capucines w Paryżu”
Monet „Skały w Belle-Ile”" Monet „Gare Saint-Lazare”
Monet „Boulevard des Capucines w Paryżu”Renoira"Huśtać się"
Renoira „Bal w Moulin de la Gallette” Renoir „Portret Joanny Samary”
Renoir „Portret Madame Charpentier z dziećmi”
Odgazować „Niebiescy tancerze” Odgazować „Nieobecny”
Pissarro –„Pasaż Opery w Paryżu”(seria) Pissarro „Wjazd do wsi Voisin»
Sisleya „Mróz w Louveciennes” Serow „Dziewczyna z brzoskwiniami”
Sierow „Dzieci” Sierow „Mika Morozow”
Korovin „Dziewczyna z chóru” Korovin „Paryż. Bulwar des Capucines”
Grabar „Lutowy Błękit” Grabar „Marcowy Śnieg”
Impresjonizm (fr. impresjonizm, z wrażenie- impresja) - ruch w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się opracować metody i techniki umożliwiające jak najbardziej naturalne i żywe uchwycenie realny świat w jego mobilności i zmienności, aby przekazać swoje ulotne wrażenia. Zwykle termin „impresjonizm” odnosi się do kierunku w malarstwie (ale jest to przede wszystkim grupa metod), choć jego idee znalazły swoje ucieleśnienie także w literaturze i muzyce, gdzie impresjonizm pojawił się także w pewnym zestawie metod i techniki tworzenia dzieł literackich i muzycznych, w których autorzy starali się przekazać życie w zmysłowej, bezpośredniej formie, jako odzwierciedlenie swoich wrażeń
Zadaniem artysty w tamtym czasie było jak najbardziej wiarygodne przedstawienie rzeczywistości, bez ukazywania subiektywnych odczuć artysty. Jeśli zamówiono mu portret ceremonialny, konieczne było pokazanie klienta w korzystnym świetle: bez deformacji, głupiej mimiki itp. Jeśli był to spisek religijny, należało wywołać uczucie podziwu i zdumienia. Jeśli jest to krajobraz, pokaż piękno natury. Jeśli jednak artysta gardził bogaczem, który zamówił portret, lub był niewierzący, wówczas nie było innego wyjścia i pozostało tylko wypracować własną, unikalną technikę i nadzieję na szczęście. Jednak w drugiej połowie XIX wieku fotografia zaczęła się aktywnie rozwijać, a malarstwo realistyczne zaczęło stopniowo odchodzić na dalszy plan, gdyż już wtedy niezwykle trudno było oddać rzeczywistość tak wiarygodnie, jak na fotografii.
Pod wieloma względami wraz z pojawieniem się impresjonistów stało się jasne, że sztuka może mieć wartość jako subiektywna reprezentacja autora. Przecież każdy człowiek inaczej postrzega rzeczywistość i reaguje na nią na swój własny sposób. Tym bardziej interesujące jest zobaczyć, jak rzeczywistość odbija się w oczach różnych ludzi i jakie emocje im towarzyszą.
Artysta ma teraz niesamowitą liczbę możliwości wyrażania siebie. Co więcej, samo wyrażanie siebie stało się znacznie swobodniejsze: weź niestandardową fabułę, temat, opowiedz coś innego niż tematy religijne lub historyczne, użyj własnej, unikalnej techniki itp. Na przykład impresjoniści chcieli wyrazić ulotne wrażenie, pierwszą emocję. Dlatego ich twórczość jest niejasna i pozornie niedokończona. Robiono to, aby oddać natychmiastowe wrażenie, kiedy przedmioty nie miały jeszcze kształtu w umyśle i widoczne były jedynie lekkie przebłyski światła, półtony i rozmyte kontury. Krótkowzroczni mnie zrozumieją) wyobraź sobie, że nie widziałeś jeszcze całego obiektu, widzisz go z daleka lub po prostu nie przyglądasz się z bliska, ale masz już o nim pewne wrażenie. Jeśli spróbujesz to zobrazować, prawdopodobnie otrzymasz coś w rodzaju obrazów impresjonistycznych. Jakiś szkic. Dlatego okazało się, że dla impresjonistów ważniejsze było nie to, co zostało przedstawione, ale jak.
Głównymi przedstawicielami tego gatunku w malarstwie byli: Monet, Manet, Sisley, Degas, Renoir, Cezanne. Osobno należy zwrócić uwagę na Umlyama Turnera jako ich poprzednika.
Mówiąc o fabule:
Ich obrazy przedstawiały jedynie pozytywne aspekty życia, nie dotykając problemów społecznych, w tym głodu, chorób i śmierci. Doprowadziło to później do rozłamu wśród samych impresjonistów.
Schematy kolorów
Impresjoniści przywiązywali dużą wagę do koloru, zasadniczo porzucając ciemne odcienie, zwłaszcza czerń. Taka dbałość o kolorystykę ich dzieł sprawiła, że sam kolor zajął bardzo ważne miejsce w obrazie i skłonił kolejne pokolenia artystów i projektantów do zwrócenia uwagi na kolor jako taki.
Kompozycja
Kompozycja impresjonistów przypominała malarstwo japońskie, stosowano złożone schematy kompozycyjne i inne kanony (nie złoty podział i środek). Ogólnie rzecz biorąc, struktura obrazu staje się coraz częściej asymetryczna, bardziej złożona i interesująca z tego punktu widzenia.
Kompozycja wśród impresjonistów zaczęła nabierać bardziej samodzielnego znaczenia, stała się jednym z tematów malarstwa, w przeciwieństwie do malarstwa klasycznego, gdzie częściej (choć nie zawsze) pełniła rolę schematu, według którego budowane było każde dzieło. Pod koniec XIX wieku stało się jasne, że jest to ślepy zaułek, a sama kompozycja może nieść pewne emocje i wspierać fabułę obrazu.
Poprzednicy
El Greco – ponieważ stosował podobne techniki nakładania farby, a kolor nabrał dla niego symbolicznego znaczenia. Wyróżniał się także bardzo oryginalną manierą i indywidualnością, do czego dążyli także impresjoniści.
Grawerowanie japońskie – bo zyskało w tamtych latach ogromną popularność w Europie i pokazało, że obraz można budować według zupełnie innych zasad niż klasyczne kanony sztuki europejskiej. Dotyczy to kompozycji, użycia koloru, detali itp. Również na rysunkach i rycinach japońskich i ogólnie orientalnych znacznie częściej przedstawiano sceny codzienne, których w sztuce europejskiej prawie nie było.
Oznaczający
Impresjoniści pozostawili jasny ślad w sztuce światowej, rozwijając unikalne techniki pisania i mając ogromny wpływ na wszystkie kolejne pokolenia artystów swoimi jasnymi i zapadającymi w pamięć dziełami, protestem przeciwko szkole klasycznej i wyjątkowej pracy z kolorem.Dążąc do maksymalnej bezpośredniości i dokładności w przekazywaniu świata widzialnego zaczęli malować głównie w plenerze i podnieśli wagę szkiców z życia, które niemal zastąpiły tradycyjny rodzaj malarstwa, starannie i powoli tworzony w pracowni.
Konsekwentnie doprecyzowując swoją paletę, impresjoniści uwolnili malarstwo od ziemistych i brązowych lakierów i farb. Konwencjonalna, „muzealna” czerń w ich płótnach ustępuje miejsca nieskończenie różnorodnej grze refleksów i kolorowych cieni. Niezmiernie poszerzyli możliwości sztuk pięknych, odsłaniając nie tylko świat słońca, światła i powietrza, ale także piękno londyńskich mgł, niespokojną atmosferę wielkomiejskiego życia, rozproszenie nocnych świateł i rytm nieustannego ruchu.
Ze względu na sam sposób pracy w plenerze, odkryty przez nich krajobraz, w tym także miejski, zajmował bardzo ważne miejsce w sztuce impresjonistów. Nie należy jednak zakładać, że ich malarstwo charakteryzowało się jedynie „pejzażowym” postrzeganiem rzeczywistości, za co często im zarzucano. Zakres tematyczny i fabularny ich twórczości był dość szeroki. Zainteresowanie ludźmi, a w szczególności szeroko pojętym życiem współczesnym we Francji, było charakterystyczne dla wielu przedstawicieli tego nurtu. Jego afirmujący życie, zasadniczo demokratyczny patos wyraźnie sprzeciwiał się burżuazyjnemu porządkowi świata.
Jednocześnie impresjonizm i, jak zobaczymy później, postimpresjonizm to dwie strony, a raczej dwa kolejne etapy czasowe tej zasadniczej zmiany, która wyznaczyła granicę między sztuką czasów Nowego i Współczesnego. W tym sensie impresjonizm z jednej strony dopełnia rozwój wszystkiego po sztuce renesansu, której wiodącą zasadą było odbicie otaczającego świata w wizualnie wiarygodnych formach samej rzeczywistości, a z drugiej strony jest to początek największej rewolucji w historii sztuk pięknych po renesansie, która położyła podwaliny pod jakościowo nową scenę artystyczną -
sztuka XX wieku.
Impresjonizm to kierunek w sztuce, który pojawił się w drugiej połowie XIX wieku. Jego głównym celem było przekazywanie ulotnych, zmiennych wrażeń.
Pojawienie się impresjonizmu wiąże się z nauką: z najnowszymi odkryciami optyki i teorii koloru.
Trend ten dotknął niemal wszystkie rodzaje sztuki, jednak najdobitniej objawił się w malarstwie, gdzie podstawą twórczości artystów impresjonistów była transmisja koloru i światła.
Znaczenie terminu
Impresjonizm(francuski Impressionnisme) od impresja - impresja). Ten styl malarstwa pojawił się we Francji pod koniec lat sześćdziesiątych XIX wieku. Reprezentowali go Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Ale sam termin pojawił się w 1874 roku, kiedy obraz Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” (1872). W tytule obrazu Monet miał na myśli, że przekazuje jedynie ulotne wrażenie krajobrazu.
K. Moneta „Wrażenie. Wschód słońca” (1872). Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu
Później termin „impresjonizm” w malarstwie zaczęto rozumieć szerzej: uważne studiowanie natury pod kątem koloru i oświetlenia. Celem impresjonistów było ukazanie chwilowych, pozornie „przypadkowych” sytuacji i ruchów. Aby to zrobić, zastosowali różne techniki: złożone kąty, asymetrię, fragmentaryczne kompozycje. Dla impresjonistów obraz staje się zamrożonym momentem stale zmieniającego się świata.
Impresjonistyczna metoda artystyczna
Najpopularniejszymi gatunkami impresjonistów są pejzaże i sceny z życia miejskiego. Malowano je zawsze „w plenerze”, czyli tzw. bezpośrednio z natury, w naturze, bez szkiców i wstępnych szkiców. Impresjoniści zauważyli i potrafili przekazać na płótno kolory i odcienie, które zwykle były niewidoczne gołym okiem i nieuważnemu widzowi. Na przykład renderowanie koloru niebieskiego w cieniach lub różowego o zachodzie słońca. Rozłożyli złożone tony na składowe czyste kolory widma. Dzięki temu ich obrazy wydawały się jasne i żywe. Artyści impresjoniści nakładali farby osobnymi pociągnięciami, w sposób swobodny, a nawet niedbały, dlatego ich obrazy najlepiej oglądać z daleka - właśnie z tego punktu widzenia powstaje efekt żywego migotania kolorów.
Impresjoniści porzucili kontur, zastępując go małymi, odrębnymi i kontrastującymi pociągnięciami.
C. Pissarro, A. Sisley i C. Monet preferowali pejzaże i sceny miejskie. O. Renoir uwielbiał przedstawiać ludzi na łonie natury lub we wnętrzu. Francuski impresjonizm nie budził problemów filozoficznych i społecznych. Nie zwracali się do tematów biblijnych, literackich, mitologicznych i historycznych, które były nieodłącznie związane z oficjalnym akademizmem. Zamiast tego na obrazach pojawił się obraz codzienności i nowoczesności; obraz ludzi w ruchu, podczas relaksu lub zabawy. Ich głównymi tematami są flirty, taniec, ludzie w kawiarniach i teatrach, przejażdżki łodzią, plaże i ogrody.
Impresjoniści starali się uchwycić ulotne wrażenie, najmniejsze zmiany w każdym przedmiocie w zależności od oświetlenia i pory dnia. Pod tym względem cykle obrazów Moneta „Stogi siana”, „Katedra w Rouen” i „Parlament Londynu” można uznać za najwyższe osiągnięcie.
C. Monet „Katedra w Rouen w słońcu” (1894). Muzeum Orsay w Paryżu, Francja
„Katedra w Rouen” to cykl 30 obrazów Claude'a Moneta, które przedstawiają widoki katedry w zależności od pory dnia, roku i oświetlenia. Cykl ten artysta namalował w latach 90. XIX w. Katedra pozwoliła mu pokazać związek pomiędzy stałą, solidną konstrukcją budowli a zmiennym, łatwo grającym światłem, zmieniającym naszą percepcję. Monet koncentruje się na poszczególnych fragmentach gotyckiej katedry i wybiera portal, wieżę św. Marcina i wieżę Albana. Interesuje go wyłącznie gra światła na kamieniu.
K. Monet „Katedra w Rouen, portal zachodni, mglista pogoda” (1892). Muzeum Orsay w Paryżu
K. Monet „Katedra w Rouen, portal i wieża, efekt poranka; biała harmonia” (1892-1893). Muzeum Orsay w Paryżu
K. Monet „Katedra w Rouen, portal i wieża w słońcu, harmonia błękitu i złota” (1892-1893). Muzeum Orsay w Paryżu
Po Francji artyści impresjonistyczni występowali w Anglii i USA (James Whistler), w Niemczech (Max Liebermann, Lovis Corinth), w Hiszpanii (Joaquin Sorolla), w Rosji (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).
O twórczości niektórych impresjonistów
Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet, fotografia 1899
Malarz francuski, jeden z twórców impresjonizmu. Urodzony w Paryżu. Od dzieciństwa lubił rysować, a w wieku 15 lat dał się poznać jako utalentowany karykaturzysta. Do malarstwa pejzażowego wprowadził go Eugene Boudin, francuski artysta, poprzednik impresjonizmu. Później Monet wstąpił na uniwersytet na Wydziale Sztuki, ale rozczarował się i opuścił go, zapisując się do pracowni malarskiej Charlesa Gleyre'a. W studiu poznał artystów Auguste'a Renoira, Alfreda Sisleya i Frédérica Bazille'a. Byli praktycznie rówieśnikami, mieli podobne poglądy na sztukę i wkrótce stworzyli kręgosłup grupy impresjonistów.
Monet zasłynął dzięki portretowi Camille Doncieux, namalowanemu w 1866 roku („Kamille, czyli portret damy w zielonej sukni”). Camilla została żoną artysty w 1870 roku.
C. Monet „Camille” („Dama w zieleni”) (1866). Kunsthalle w Bremie
C. Monet „Spacer: Camille Monet z synem Jeanem (Kobieta z parasolką)” (1875). Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie
W 1912 roku lekarze zdiagnozowali u C. Moneta podwójną zaćmę i musiał przejść dwie operacje. Straciwszy soczewkę w lewym oku, Monet odzyskał wzrok, ale zaczął widzieć światło ultrafioletowe jako niebieskie lub fioletowe, przez co jego obrazy nabrały nowych kolorów. Na przykład malując słynne „Lilie wodne” Monet widział w ultrafiolecie lilie niebieskawe, dla innych były one po prostu białe.
C. Monet „Lilie wodne”
Artysta zmarł 5 grudnia 1926 roku w Giverny i został pochowany na miejscowym cmentarzu kościelnym.
Kamil Pissarro (1830-1903)
C. Pissarro „Autoportret” (1873)
Malarz francuski, jeden z pierwszych i najkonsekwentniejszych przedstawicieli impresjonizmu.
Urodzony na wyspie St. Thomas (Indie Zachodnie), w mieszczańskiej rodzinie sefardyjskiego Żyda pochodzącego z Dominikany. Do 12 roku życia mieszkał w Indiach Zachodnich, a w wieku 25 lat wraz z całą rodziną przeprowadził się do Paryża. Tutaj studiował w Szkole Sztuk Pięknych i Académie de Suisse. Jego nauczycielami byli Camille Corot, Gustave Courbet i Charles-François Daubigny. Zaczął od wiejskich krajobrazów i widoków Paryża. Pissarro wywarł silny wpływ na impresjonistów, niezależnie rozwijając wiele zasad, które stanowiły podstawę ich stylu malarskiego. Zaprzyjaźnił się z artystami Degasem, Cezanne’em i Gauguinem. Pizarro był jedynym uczestnikiem wszystkich 8 wystaw impresjonistów.
Zmarł w 1903 roku w Paryżu. Został pochowany na cmentarzu Père Lachaise.
Już w swoich wczesnych pracach artysta zwracał szczególną uwagę na przedstawienie oświetlonych obiektów w powietrzu. Od tego czasu światło i powietrze stały się wiodącym tematem twórczości Pissarro.
C. Pissarro „Boulevard Montmartre. Słoneczne popołudnie” (1897)
w 1890 roku Pizarro zainteresował się techniką pointylizmu (oddzielne stosowanie pociągnięć). Ale po chwili wrócił do swojego zwykłego zachowania.
W ostatnich latach życia wzrok Camille'a Pissarro zauważalnie się pogorszył. Kontynuował jednak swoją pracę i stworzył cykl widoków Paryża, przepełnionych artystycznymi emocjami.
C. Pissarro „Ulica w Rouen”
Niezwykły kąt niektórych jego obrazów tłumaczy się faktem, że artysta namalował je z pokoi hotelowych. Seria ta stała się jednym z najwyższych osiągnięć impresjonizmu w przekazywaniu efektów świetlnych i atmosferycznych.
Pissarro malował także akwarelami oraz stworzył serię rycin i litografii.
Oto kilka jego ciekawych wypowiedzi na temat sztuki impresjonizmu: „Impresjoniści są na dobrej drodze, ich sztuka jest zdrowa, opiera się na doznaniach i jest szczera”.
„Szczęśliwy jest ten, kto potrafi dostrzec piękno w zwykłych rzeczach, tam gdzie inni nie widzą nic!”
C. Pissarro „Pierwszy przymrozek” (1873)
Rosyjski impresjonizm
Rosyjski impresjonizm rozwijał się od końca XIX do początku XX wieku. Wpływ na to miała twórczość francuskich impresjonistów. Ale rosyjski impresjonizm ma wyraźną specyfikę narodową i pod wieloma względami nie pokrywa się z podręcznikowymi wyobrażeniami o klasycznym francuskim impresjonizmie. W malarstwie rosyjskich impresjonistów dominuje obiektywizm i materialność. Jest bardziej naładowany znaczeniem i mniej dynamiczny. Rosyjski impresjonizm jest bliższy realizmowi niż francuski. Francuscy impresjoniści skupili się na wrażeniu tego, co zobaczyli, a Rosjanie dodali także odzwierciedlenie wewnętrznego stanu artysty. Prace należało ukończyć w ciągu jednej sesji.
Pewna niekompletność rosyjskiego impresjonizmu tworzy charakterystyczny dla nich „drewnik życia”.
Impresjonizm obejmuje twórczość rosyjskich artystów: A. Arkhipova, I. Grabara, K. Korovina, F. Malyavina, N. Meshcherina, A. Murashko, V. Serova, A. Rylova i innych.
V. Serow „Dziewczyna z brzoskwiniami” (1887)
Obraz ten uważany jest za standard rosyjskiego impresjonizmu w portrecie.
Walentin Sierow „Dziewczyna z brzoskwiniami” (1887). Płótno, olej. 91×85 cm Państwowa Galeria Trietiakowska
Obraz został namalowany w majątku Savvy Iwanowicza Mamontowa w Abramcewie, który nabył od córki pisarza Siergieja Aksakowa w 1870 roku. Portret przedstawia 12-letnią Wierę Mamontową. Narysowana jest dziewczyna siedząca przy stole; ma na sobie różową bluzkę z ciemnoniebieską kokardką; na stole jest nóż, brzoskwinie i liście.
„Wszystko, do czego dążyłem, to świeżość, ta wyjątkowa świeżość, którą zawsze czujesz w naturze, a której nie widać na obrazach. Malowałem ponad miesiąc i wymęczyłem ją, biedactwo, bardzo chciałem zachować świeżość obrazu, będąc jednocześnie całkowicie kompletnym, jak dawni mistrzowie” (W. Sierow).
Impresjonizm w innych formach sztuki
W literaturze
W literaturze impresjonizm jako odrębny ruch nie rozwinął się, ale jego cechy znalazły odzwierciedlenie naturalizm I symbolizm .
Edmonda i Julesa Goncourtów. Zdjęcie
Zasady naturalizm można prześledzić w powieściach braci Goncourt i George'a Eliota. Ale Emile Zola jako pierwszy użył terminu „naturalizm” w odniesieniu do swojej własnej twórczości. Pisarze Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans i Paul Alexis skupili się wokół Zoli. Po wydaniu zbioru „Wieczory Medan” (1880), zawierającego szczere opowieści o katastrofach wojny francusko-pruskiej (m.in. opowiadanie Maupassanta „Kluska”), nadano im nazwę „Grupa Medan”.
Emil Zola
Zasada naturalizmu w literaturze była często krytykowana za brak artyzmu. Na przykład I. S. Turgieniew napisał o jednej z powieści Zoli, że „dużo grzebania w nocnikach”. Gustave Flaubert był także krytyczny wobec naturalizmu.
Zola utrzymywał przyjazne stosunki z wieloma artystami impresjonistycznymi.
Symboliści użyte symbole, niedopowiedzenie, wskazówki, tajemnica, zagadka. Głównym nastrojem uchwyconym przez symbolistów był pesymizm, sięgający punktu rozpaczy. Wszystko „naturalne” było przedstawiane jedynie jako „pozor” niemający samodzielnego znaczenia artystycznego.
Tym samym impresjonizm w literaturze wyrażał się poprzez prywatną impresję autora, odrzucenie obiektywnego obrazu rzeczywistości i przedstawienie każdej chwili. W rzeczywistości doprowadziło to do braku fabuły i historii, zastąpienia myśli percepcją, a rozumu instynktem.
G. Courbet „Portret P. Verlaine’a” (ok. 1866 r.)
Uderzającym przykładem poetyckiego impresjonizmu jest zbiór Paula Verlaine’a „Romanse bez słów” (1874). W Rosji Konstantin Balmont i Innokenty Annensky doświadczyli wpływu impresjonizmu.
V. Serov „Portret K. Balmonta” (1905)
Innokenty Annensky. Zdjęcie
Nastroje te wpłynęły także na dramaturgię. Spektakle zawierają pasywne postrzeganie świata, analizę nastrojów i stanów psychicznych. Dialogi skupiają ulotne, rozproszone wrażenia. Cechy te są charakterystyczne dla twórczości Arthura Schnitzlera.
W muzyce
Impresjonizm muzyczny rozwinął się we Francji w ostatniej ćwierci XIX wieku. - początek 20 wieku Najdobitniej wyraził się w twórczości Erika Satie, Claude'a Debussy'ego i Maurice'a Ravela.
Erika Satie
Impresjonizm muzyczny jest bliski impresjonizmowi w malarstwie francuskim. Mają nie tylko wspólne korzenie, ale także związki przyczynowo-skutkowe. Kompozytorzy impresjonistyczni poszukiwali i odnajdywali nie tylko analogie, ale także środki wyrazu w twórczości Claude'a Moneta, Paula Cezanne'a, Puvisa de Chavannesa i Henriego de Toulouse-Lautreca. Oczywiście środki malarskie i środki sztuki muzycznej można ze sobą połączyć jedynie za pomocą specjalnych, subtelnych paraleli skojarzeniowych, które istnieją tylko w umyśle. Jeśli spojrzeć na rozmazany obraz Paryża „w jesiennym deszczu” i te same dźwięki, „przytłumione hałasem spadających kropli”, to tutaj możemy mówić jedynie o właściwości obrazu artystycznego, ale nie obrazu rzeczywistego.
Claude'a Debussy'ego
Debussy pisze „Chmury”, „Printy” (z których najbardziej przenośny, akwarelowy szkic dźwiękowy - „Ogrody w deszczu”), „Obrazy”, „Refleksje na wodzie”, które budzą bezpośrednie skojarzenia ze słynnym obrazem Claude'a Monet „Impresja: wschód słońca” „ Według Mallarmégo impresjonistyczni kompozytorzy nauczyli się „słyszeć światło”, przekazywać dźwiękami ruch wody, wibracje liści, podmuch wiatru i załamanie światła słonecznego w wieczornym powietrzu.
Maurycego Ravela
Bezpośrednie powiązania malarstwa z muzyką występują u M. Ravela w jego dźwiękowo-wizualnej „Grach wody”, cyklu spektakli „Refleksje” i kolekcji fortepianów „Szmery nocy”.
Impresjoniści tworzyli dzieła sztuki wyrafinowanej, jednocześnie jasnej w środkach wyrazu, powściągliwej emocjonalnie, bezkonfliktowej i surowej stylistycznie.
W rzeźbie
O. Rodin „Pocałunek”
Impresjonizm w rzeźbie wyrażał się w swobodnej plastyczności miękkich form, co tworzy złożoną grę światła na powierzchni materiału i wrażenie niekompletności. Pozy rzeźbiarskich postaci oddają moment ruchu i rozwoju.
O. Rodin. Zdjęcie z 1891 roku
W tym kierunku znajdują się prace rzeźbiarskie O. Rodina (Francja), Medardo Rosso (Włochy), P.P. Trubeckoj (Rosja).
V. Serow „Portret Paolo Trubetskoya”
Paweł (Paolo) Trubieckoj(1866-1938) – rzeźbiarz i artysta, działający we Włoszech, USA, Anglii, Rosji i Francji. Urodzony we Włoszech. Nieślubny syn rosyjskiego emigranta, księcia Piotra Pietrowicza Trubieckiego.
Od dzieciństwa samodzielnie zajmuję się rzeźbą i malarstwem. Nie miał żadnego wykształcenia. W początkowym okresie swojej twórczości tworzył popiersia portretowe, dzieła małej rzeźby, brał udział w konkursach na wykonanie dużych rzeźb.
P. Trubetskoy „Pomnik Aleksandra III”, Petersburg
Pierwsza wystawa prac Paolo Trubetskoya odbyła się w USA w 1886 roku. W 1899 roku rzeźbiarz przybył do Rosji. Bierze udział w konkursie na pomnik Aleksandra III i niespodziewanie dla wszystkich otrzymuje pierwszą nagrodę. Pomnik ten budził i budzi sprzeczne oceny. Trudno wyobrazić sobie pomnik bardziej statyczny i ociężały. I dopiero pozytywna ocena rodziny cesarskiej pozwoliła pomnikowi zająć właściwe miejsce – w rzeźbiarskim obrazie znaleźli podobieństwa z oryginałem.
Krytycy uważali, że Trubetskoy działał w duchu „przestarzałego impresjonizmu”.
Wizerunek Trubeckiego genialnego rosyjskiego pisarza okazał się bardziej „impresjonistyczny”: widać tu wyraźny ruch - w fałdach koszuli, falującej brodzie, obrocie głowy, jest nawet wrażenie, że rzeźbiarzowi udało się uchwycić napięcie myśli L. Tołstoja.
P. Trubetskoy „Popiersie Lwa Tołstoja” (brąz). Państwowa Galeria Trietiakowska
