Zmeny v každodennom živote a ich vplyv na umenie a remeslá. Vlastnosti ornamentu a dekorácie umeleckých štýlov baroka, rokoka, klasicizmu.
Výroba striebra a zlata: Petrohradská škola, moskovskí remeselníci a manufaktúry, niello striebro Veliky Ustyug. Nové druhy riadu z drahých a neželezných kovov: čajníky, kanvice na kávu, bujóny, samovary. Domáce a cirkevné náčinie. Štátne klenoty. Rády a medaily. Smalty. Smaltovaní umelci A.G. Ovsov, G.S. Musikiysky.
Vznik ruského porcelánu. D.I.Vinogradov. Cisárske a súkromné porcelánky. Majolika, fajansa. Umelecké sklo. Dekoratívne látky a tapisérie. Novinka v oblečení. Skriňový a typový nábytok. Intarzie. Drevorezby v civilných a kostolných interiéroch. Posádky. Dekoratívny kameň. Cameos.
Umelecké ľudové remeslá. Vyrezávané a vykladané dno Gorodets. Vyrezávanie kostí Kholmogory. Zlatá výšivka provincie Tver. Čipka Galicha a Vologda. Keramika Gzhel.
Hudba a divadlo v 18. storočí
Polyfónny zborový spev. Hrany. Inštrumentálna hudba a orchestre. Operné umenie. balet. Hudba na dvore, v meste a v sedliackom živote. Vznik národnej skladateľskej školy. E.I.Fomin. I.E. Khandoshkin. D.S. Bortňansky. M.S.Berezovský. A.O. Kozlovský.
Pokusy o vytvorenie prístupného verejného divadla za Petra Veľkého. Amatérske vystúpenia na súde. Školské divadlá v náboženských a svetských vzdelávacích inštitúciách. Profesionálne telesá zahraničných hercov.
Dráma ruského klasicizmu: tragédie a komédie. Vplyv sentimentalizmu na divadelný repertoár. Vznik činohry a komickej opery na ruskej scéne. A.P. Sumarokov je dramatik a divadelná osobnosť. Zakladateľ ruského profesionálneho divadla, herec a režisér F.G. Volkov. Jeho priateľ a nasledovník I.A. Dmitrevsky. Hromadné divadelné predstavenia.
Pevnostné divadlo. Skupina grófa P.B. Sheremeteva. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova a ďalší umelci. Divadlo Palace v Ostankine. Ľudové divadlo.
SKRATKY NÁZVOV HLAVNÝCH MÚZEOVÝCH ZBIEROK UVEDENÝCH V ZOZNAME KULTÚRNYCH PAMIATKOV
BAN - Knižnica Ruskej akadémie vied (St. Petersburg)
VMDPNI - Celoruské múzeum dekoratívneho, úžitkového a ľudového umenia (Moskva)
Štátne historické múzeum – Štátne historické múzeum (Moskva)
HMGS – Štátne múzeum mestskej plastiky (St. Petersburg)
GMMK - Štátne múzeá moskovského Kremľa (Moskva)
GNIMA – Štátne vedecké výskumné múzeum architektúry (Moskva)
GOP – Štátna zbrojnica (Moskva)
Štátne ruské múzeum - Štátne ruské múzeum (Petrohrad)
Tretiakovská galéria - Štátna Treťjakovská galéria (Moskva)
Štátna Ermitáž - Štátne múzeum Ermitáž (St. Petersburg)
ZIKHMZ - bývalá Zagorskij (teraz Sergiev Posad) historické a umelecké múzeum-rezervácia (Sergiev Posad, Moskovská oblasť)
MIFA - Múzeum historických pokladov Ukrajiny (Kyjev)
MPIB - Múzeum úžitkového umenia a života 17. storočia "Katedrála dvanástich apoštolov a patriarchálne komnaty v moskovskom Kremli" (Moskva)
GPS – Novgorod United State Museum-Reserve (Novgorod)
NGP – novgorodská fazetová komora (Novgorod)
SHM – Múzeum umenia Samara (Samara)
PAMIATKY RUSKEJ KULTÚRY
ODDIEL I. DEJINY RUSKEJ KULTÚRY V STAROVEKU A STREDOVEKU
(AŽ DO KONCA 17. STOROČIA)
ĽUDOVÁ DREVENÁ ARCHITEKTÚRA
KULTOVÉ STAVBY
1. Kletsky kostoly: Kostol Lazarus z kláštora Murom (14-16 storočia) - prírodná rezervácia Kizhi; Kostol uloženia rúcha z obce Borodavy (15. storočie) - Kirillo-Belozersky Museum-Reserve; Kostol Premenenia Pána z dediny Spas-Vezhi (17. storočie) - Múzeum-rezervácia Kostroma; Kostol sv. Mikuláša z obce Tukholya (17. storočie) - Novgorodské múzeum-rezervácia "Vitoslavlitsy"; Kaplnka Michala Archanjela z dediny Lelikozero (18. storočie) - Kizhi Museum-Reserve; Kostol sv. Mikuláša z obce Glotova (18. storočie) - Múzeum-rezervácia Suzdal.
2. Stanové kostoly: Kostol sv. Mikuláša v obci Lyavlya (16. storočie); Kostol sv. Juraja z dediny Vershina (17. storočie) - Archangeľské múzeum-rezervácia "Malye Korely"; Kostol vzkriesenia z obce Patakino (18. storočie) - Suzdal Museum-Reserve; Kostol Nanebovzatia Panny Márie (18. storočie) v meste Kondopoga.
Expozícia sa nachádza na druhom poschodí južnej budovy historicko-architektonického komplexu 18.-19. storočia. "Konský dvor". Návštevníkom múzea predstavuje širokú škálu exponátov reprezentujúcich tradičné ruské umenie a remeslá. Ide o diela svetoznámych centier na spracovanie dreva a kostí, maľbu lakom na papier-mâché a kov, popredné hlinené hračkárske remeslá, ako aj tlačené a zlatom vyšívané šatky ruských remeselníkov, sklo, porcelán a kameninu.
Tieto centrá sú sústredené v regiónoch Moskva, Vladimir, Vologda, Ivanovo, Nižný Novgorod a ďalšie. Zbierka začala v 20. rokoch 20. storočia, keď tých niekoľko diel ľudových umelcov, ktoré patrili medzi znárodnené poklady Trojičnej lavry, doplnili exponáty z Múzea miestneho regiónu a Múzea Optina Pustyn. V roku 1941 bola rozsiahla zbierka Múzea ľudových umeleckých remesiel (MNHR) prevedená do múzea Sergiev Posad (v tom čase Zagorského). Tvorilo ho asi štyridsaťtisíc exponátov, vrátane množstva unikátnych diel ľudových remesiel a diel experimentálneho charakteru, ktoré predviedli majstri rôznych umeleckých centier v dielňach vytvorených v Moskovskej ľudovej republike. Od 50. rokov 20. storočia začalo múzeum s cieľavedomým, systematickým získavaním zbierky ruského tradičného dekoratívneho a úžitkového umenia a táto práca sa stala jednou z prioritných oblastí jeho činnosti.
Významné miesto vo výstavných sieňach je venované dielam ľudových remeselníkov a umelcov regiónu Sergiev Posad. Hračky priniesli mestu mimoriadnu slávu. Boli z dreva – vyrezávané, sústružené, tesárske; vyrobené z papier-mâché a mastixu - s pohybom a zvukom. V múzeu sú vystavené bábiky vyrezávané z trojuholníkových klinov a maľované – dámy, husári, ošetrovateľky, slávne hniezdiace bábiky, obľúbené v druhej polovici 19. – začiatkom 20. storočia. sada architektonických hračiek vrátane „Trinity-Sergius Lavra“.
Výroba hračiek v obci je neoddeliteľne spojená s hračkárskym remeslom Sergiev Posad. Bogorodskoe. Múzejná zbierka bogorodského vyrezávaného výtvarného umenia zahŕňa hračky, sochy, sochárske kompozície a má asi štyri tisíce exponátov. Veľmi zaujímavé sú diela z 19. storočia: „Generál Skobelev na koni“ - P.F. Bardenková, „Sprievodca s medveďom“ - D.I. Púchková; zábavné viacfigurálne kompozície na témy ruských ľudových rozprávok a novej sovietskej reality, vyrobené v 30. rokoch 20. storočia. (diela A.F. Balaeva, N.E. Eroshkina, V.T. Polinova, A.G. Shishkina).
Múzeum má širokú zbierku diel od konca 19. storočia až po začiatok. XX storočia vzdelávacie hračkárske a umelecké a stolárske dielne Sergieva Posada a Abramtseva. Sú to krabice, rakvy, kusy nábytku vyrobené podľa vzoriek vyvinutých slávnymi umelcami S.V. Malyutin, E.D. Poleňová, Ap. M. Vasnetsov, N.D. Bartram, Vl.I. Sokolov a ďalší. Práca dielne Abramtsevo, ktorú viedol E.D. Polenova, mala priamy vplyv na formovanie a rozvoj drevorezbárskeho remesla Abramtsevo-Kudrinsk s jeho charakteristickým plochým reliéfnym rastlinným vzorom. Jedným zo zakladateľov rybárstva bol V.P. Vornoskov. V múzeu sa nachádza niekoľko diel majstra vrátane dekoratívneho riadu zo začiatku dvadsiateho storočia a portálu „Pohraničná stráž“ z roku 1937.
Spolu s drevospracujúcim remeslom bola v Rusku rozšírená keramika, hračky sa zvyčajne vyrezávali vedľa riadu. Toto umenie má svoje korene v pohanstve, keď malé hlinené figúrky zúčastňujúce sa magických rituálov zohrávali úlohu jedinečných kultových predmetov. Múzeum predstavuje zbierky hračiek Kargopol (región Arkhangelsk), Filimonovskaya (región Tula), Abashevskaya (región Penza), Skopinskaya (región Riazan). Veľmi zaujímavá je hračka Dymkovo (oblasť Kirov) z konca 19. – začiatku 20. storočia. Ide o diela neznámych autorov a A.A. Mezrina: sestričky, páni, tanečné páry a pod. Cennú časť dymkovskej zbierky tvoria diela z 30. rokov 20. storočia. Medzi dielami druhej polovice XX. Viacfigurová kompozícia „Svadba“, ktorú vytvorila skupina dymkovských remeselníkov pod vedením E.I., vyniká svojou zábavnosťou. Koss-Denshina.
Drevo bolo v Rusku jedným z najobľúbenejších materiálov a remeslá na jeho umelecké spracovanie existovali v rôznych regiónoch. Spolu so Sergievom Posadom múzeum najviac prezentuje remeslá regiónu Nižný Novgorod - Khokhloma a Gorodets. Svetlé drevené chochlomské misky, bratiny, soľné lizy, maľované pestrými kvetinovými vzormi a pripomínajúce vzácne zlaté nádoby, boli všeobecne známe už v 19. storočí. Ich výrobu tradične vykonávali roľníci v mnohých dedinách nachádzajúcich sa na území moderného okresu Koverninsky v regióne Nižný Novgorod. Medzi exponátmi muzeálnej zbierky sú ukážky sedliackeho riadu z 19. storočia. a nábytok z 30. rokov 20. storočia s nezvyčajnou maľbou pre „Khokhlomu“ na bielom a striebornom pozadí.
Gorodetské remeslo sa začalo formovať na konci 18. storočia, keď roľníci z niekoľkých malých dedín nachádzajúcich sa v blízkosti veľkej obchodnej dediny Gorodets začali vyrábať spodky kolovrátkov na predaj. Ženy na nich sedeli pri práci a vysoký hrebeň si ľanovou alebo vlnenou kúdeľou zaisťovali do špeciálneho otvoru. Napriek tomu sa snažili, aby dnu bolo pekné: pre gazdinú bol pýchou, vážili si ho a starali sa oň a po práci ho dávali na stenu ako dekoráciu do domu. Vo výzdobe Doncov použili v ruskom ľudovom umení veľmi vzácnu techniku intarzie s kúskami tmavého bahenného dubu. V 70. rokoch 19. storočia prešli od rezbárstva s intarziou k maľbe; svieže „ruže“, jazdci, scény pitia čaju a slávnosti boli zobrazované rýchlymi, malebnými ťahmi. V dvadsiatych rokoch minulého storočia potreba šišiek zmizla a umelci Gorodets začali široko využívať svoje maliarske zručnosti pri zdobení iných predmetov: škatúľ, rakiev, dekoratívnych panelov, hračiek.
Gorodetova zbierka múzea nám umožňuje nielen sledovať hlavné etapy vývoja tohto centra od konca 18. do konca 20. storočia, ale poskytuje aj predstavu o práci takmer všetkých majstrov. ktorý zanechal výraznú stopu v jej histórii. Zbierka obsahuje diela uznávané ako „klasické“ príklady gorodetského umenia: Donets A.V. a L.V. Melnikovs, G.L. Polyakov, V.K. Smirnov, panel I.K. Mazin, plátno I.K. Lebedeva a D.I. Kryukova a ďalší.
Ruské umelecké laky sú svetoznáme. Zbierka múzea vám umožní reflektovať ich históriu a predstaví vám všetky hlavné centrá lakového maliarstva. V múzeu sú vystavené maľované kovové podnosy z Nižného Tagilu a Zhostova (Moskva), „lakované“ predmety z papier-mâché z 19. - 20. storočia. dedina neďaleko Moskvy Fedoskino, ako aj centrá regiónov Ivanovo a Vladimir: Palekh, Kholuy a Mstera, kde sa umenie lakových miniatúr vyvinulo až v sovietskych časoch a bolo založené na zavedených tradíciách maľby ikon. Od 30. rokov 19. storočia sa v dielni O.F. Vishnyakov, ktorý sa nachádza v obci Zhostovo, spolu s výrobkami papier-mâché začal vyrábať kovové podnosy. Rybolov postupne nadobudol samostatný význam. Pri zdobení podnosov sa začali uprednostňovať kvetinové aranžmány maľované bohatými, malebnými ťahmi.
Mimoriadne cenná je zbierka lakových miniatúr Palekh z rokov 1920-1930, ktorá zahŕňa diela veľmi vysokej umeleckej úrovne. Medzi nimi sú diela umelcov, ktorí boli súčasťou „Palekh Artel of Ancient Painting“, ktorý vznikol v roku 1924: A.V. Kotukhina, I.V. Markicheva, I.M. Bakanová, I.P. Vakurová, I.I. Zubkovej a ďalších, vrátane virtuóznych diel zakladateľa lakového maliarstva v Palekhu, I.I. Golikovej.
História centier pri Moskve (dedina Fedoskino a obec Zhostovo) siaha až do konca 18. storočia, kedy obchodník P.I. Korobov zorganizoval v obci podnik na výrobu lakových výrobkov z papier-mâché. Danilkov, nachádzajúci sa neďaleko obce. Fedoskino. Čoskoro sa rybolov rozšíril po celej oblasti. Zbierka múzea predstavuje diela továrne Lukutin (nástupcovia P.I. Korobova) a malých roľníckych podnikov v dedinách Ostashkovo, Zhostovo, Sorokino a ďalších, ktoré sa nachádzajú v Trinity volost v moskovskom okrese. Najstaršie diela v zbierke pochádzajú z polovice 19. storočia. Výrobky týchto dielní sú štýlovo homogénne: škatuľky, rakvy, cigaretové puzdrá, peňaženky, tabatierky z papier-mâché zdobia malebné, realisticky podané miniatúry s výraznou národnou tematikou. Tradičné obrazy „trojok“, „čajových večierkov“, scén z roľníckeho života sú spravidla bezplatné kópie malieb a grafických diel ruských umelcov.
Popredné miesto na výstave má zbierka ruských šatiek a šálov. Sú to šatky vyšívané „zlatými“ niťami a ďalšie výrobky remeselníkov z Tveru a Nižného Novgorodu a elegantné šály s potlačou od popredných podnikov v Moskve a Moskovskej oblasti 19. – začiatku 20. storočia. Najväčším a v súčasnosti jediným výrobcom vlnených šálov a šálov s potlačou v Rusku je Pavlovsky Posad pri Moskve, kde bola ich výroba zvládnutá začiatkom 60. rokov 19. storočia v továrni obchodníkov Ya.I. Labzin a V.I. Gryaznov. Výroba šálov bola takmer výlučne ručná. Vzory boli aplikované na látku pomocou vyrezávaných drevených dosiek, „kvetu“ a „spôsobov“. Obľúbeným motívom v dizajnoch Pavlovských šálov, ako aj podnosov Zhostovo, boli obrázky kvetov. Medzi exponátmi múzea sú šály Pavlovo Posad z rôznych čias. Ide o šatky legendárneho kresliara z 19. storočia. S.V. Postigov „Podkova“ a „Rozvod“ a diela našich súčasníkov E.P. Regunová, K.S. Zinovieva, I.P. Dadonová a ďalší.
Umelecké remeslá sú významnou súčasťou národnej kultúry Ruska. Diela prezentované v múzeu svedčia o veľkom talente ruských majstrov, jemnom umeleckom vkuse a originalite ich talentu.
Kosť je pre ruských remeselníkov veľmi atraktívny materiál, ktorý sa líši svojimi dekoratívnymi vlastnosťami a technickými možnosťami. Už v 17. stor. Tradície umenia vyrezávania kostí sa začali rozvíjať v osade Kholmogory v provincii Archangelsk. Kholmogorskí remeselníci spolu s tarsom (obyčajnou zvieracou kosťou) používali kosť mroža a menej často mamutovinu, výrobky z ktorých boli obzvlášť cenené. Najobľúbenejším tovarom boli hrebene, škatule, rakvy a rakvy zdobené najlepšími kvetinovými vzormi, obrázkami zvierat a vtákov, vyrobenými prelamovanými rezbami a rytinami. V druhej polovici XIX - začiatkom XX storočia. Vyrezávanie kostí sa praktizovalo v kláštore Trinity-Sergius a Sergiev Posad, o čom svedčí podpisová ikona „Trojica“ z roku 1869 prezentovaná na výstave, ktorú vytvoril Ivan Ilyin (mních Jonáš), a malá ikona zo slonoviny zobrazujúca Sergeja z Radoneža od miestneho majster I .S. Chruščovová.
Tradície miniatúrneho rezbárstva z kostí a dreva, ktoré sa tu vyvinuli, ovplyvnili založenie rezbárstva v meste Chotkovo neďaleko Sergiev Posad v druhej polovici 40. rokov 20. storočia. Originalita tohto centra sa prejavila v používaní rôznych techník spracovania kostí, kombinovaní kosti s drevom a rozšírenom používaní tarzu. Tieto črty boli obzvlášť živo stelesnené v dielach 50-tych rokov, najmä v krabici V.E. Loginov „Michurin“, ktorého kostené vložky sú majstrovsky vyrobené originálnou technikou mnohostranného reliéfu. Múzejná expozícia poskytuje aj možnosť zoznámiť sa s dielami tradičných remesiel umeleckého spracovania kostí, ktoré sa rozvíjali na východe Ruska: Ťumen (Tobolsk), Jakutsko, Čukotka. Identita každého z nich vychádza z etnických a umeleckých tradícií miestneho obyvateľstva.
Za roky svojej existencie múzeum nazhromaždilo bohatú zbierku ruského skla a porcelánu. Tieto druhy úžitkového umenia zaznamenali v Rusku rýchly rozvoj v 18. – 19. storočí. V sálach múzea môžete vidieť výrobky z vtedajších tovární, rôzneho účelu, formy, techniky a štýlu: cisársky porcelán a sklárne v Petrohrade, súkromné porcelánky Gardner, Popov, Kuznecov, Kornilov, sklo továrne - Malcov, Bachmetev atď. Medzi exponátmi sú najvzácnejšie príklady ruského skla a keramiky, ako napr. ryté sklenené poháre z 18. storočia. alebo výrobky z majoliky vyrobené v jednej z prvých keramických tovární v Rusku, ktorú v roku 1724 otvoril v Moskve obchodník A.K. Grebenshchikov. V múzeu sa nachádza nádherná zbierka porcelánových sôch vrátane rôznych žánrových sôch a celej série - „Ľudia Ruska“, ktoré v 19. storočí. bola niekoľkokrát obnovená v továrňach Gardner a Kuznecov pri Moskve.
Zbierka skla a porcelánu sovietskeho a postsovietskeho obdobia je zastúpená najmä dielami 60. – 80. rokov 20. storočia, ktoré vyrobili poprední remeselníci a umelci z najväčších tovární v Rusku. V histórii domáceho porcelánu vždy zaujímala popredné miesto Leningradská porcelánka pomenovaná po M.V. Lomonosov (predtým Imperial) a dve továrne pri Moskve: porcelánka Dmitrovský (predtým Gardner) a porcelánka Dulevo pomenovaná podľa novín „Pravda“ (predtým Kuznecovskij). Tieto podniky predstavujú dve originálne a živé školy s vlastným štýlom, vysokou kultúrou práce s materiálmi a bohatými tradíciami. Rozdiel medzi oboma porcelánovými školami je v tom, že zdedili rôzne historické vrstvy ruskej kultúry: moskovská sa riadila ľudovou tradíciou, leningradská - vysoko profesionálnym umením 18. - 19. storočia, ktoré nadväzovalo na celoeurópsky vývoj. .
Zbierka múzea obsahuje nádherné a slávnostné diela umelcov z Petrohradu (Leningrad), ktoré sa vyznačujú jemným umeleckým vkusom a klasickým zmyslom pre proporcie: A.V. Vorobievskij, A.A. Yatskevich, V.M. Gorodetsky, N.P. Slavina, I.S. Olevskoy; Forma a maľba sú v súlade s ľudským chápaním krásy, jasných, život potvrdzujúcich diel umelcov moskovského regiónu: P.V. Leonova. VC. Yasnetsova, N.N. Ropová a iné.V expozícii sa môžete zoznámiť aj so zbierkou skla a krištáľu druhej polovice 20. storočia. Formy stolového riadu, dekoratívne vázy a súpravy, objemovo-priestorové kompozície, sklenený plast boli vyrobené rôznymi technikami a technológiami poprednými umelcami najstarších sklárskych tovární v Rusku. Ide o závod v meste Gus-Khrustalny, región Vladimir (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov); sklárska továreň "Červený máj" v okrese Vyshnevolotsky v regióne Tver (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Dyatkovo Crystal Factory (M.V. Grabar, V.V. Soyver, V.Ya. Shevchenko).
Pýchou múzejnej zbierky je pomerne významná zbierka Leningradskej umeleckej sklárne, ktorej činnosť je spojená s tvorbou takých majstrov úžitkového umenia ako L.O. Jurgen, A.A. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, B.A. Eremin, Yu.M. Byakov. Väčšina diel zo skla a porcelánu je jedinečným príkladom vytvoreným pre veľké medzinárodné alebo národné výstavy. Zbierku ruského tradičného dekoratívneho a úžitkového umenia možno teda z hľadiska rozmanitosti, úplnosti zastúpenia jednotlivých centier a vysokej umeleckej úrovne v nej zaradených diel zaradiť medzi najlepšie v krajine. Diela, ktoré ho tvoria, svedčia o veľkom talente ruských majstrov, jemnom umeleckom vkuse a originalite ich talentu.
V druhej polovici 18. storočia dosiahlo ruské úžitkové umenie výrazný vzostup. Napomáhal tomu rozvoj hospodárstva, obchodu, vedy a techniky a do značnej miery aj úzke väzby s architektúrou a výtvarným umením. Rástol počet veľkých a malých tovární, tovární, dielní vyrábajúcich látky, sklo, porcelán, nábytok. Majitelia pôdy si na svojich panstvách zriaďovali rôzne dielne založené na poddanskej práci.
Humanistické myšlienky osvietenstva sa jedinečne premietli do úžitkového umenia konca 18. storočia. Remeselníci tejto doby sa vyznačovali pozornosťou k osobnému vkusu a ľudským potrebám a hľadaním pohodlia v prostredí.
Vo všetkých druhoch úžitkového umenia sa na prelome 70. – 80. rokov 18. storočia etabloval nový štýl – ruský klasicizmus. Architekti M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin vytvorili interiéry v duchu ušľachtilej jednoduchosti a zdržanlivosti s jasným delením dielov, s konštruktívne opodstatneným usporiadaním plastickej aj malebnej architektonickej výzdoby.
Nábytok, svietniky a lustre boli navrhnuté podľa rovnakých princípov pre palácové priestory. Vo výzdobe nábytku, riadu a tkanín, postavených v jasnom rytme, sa objavili antické motívy - akant, meander, iónika, živo interpretované kvety, girlandy, obrazy amorov, sfingy. Pozlátenie a farby sa stali jemnejšími a zdržanlivejšími ako v polovici 18. storočia.
Na konci 18. storočia vášeň pre starovek prinútila ľudí opustiť aj zložitý a veľkolepý kostým. Do módy prišli ľahké, voľné šaty so splývavými záhybmi a vysokým opaskom v antickom štýle (V.L. Borovikovsky. „Portrét M.I. Lopukhina.“ 1797).
Syntéza umenia v ruskom klasicizme je založená na princípe harmonickej kombinácie všetkých druhov umenia.
Nábytok. V období klasicizmu sú jeho formy jednoduché, vyvážené, prehľadne postavené, rytmy pokojné. Obrysy si ešte zachovali mäkkosť a zaoblenie, no už vynikli vertikálne a horizontálne línie. Dekorácie (nízke rezby, maľby, bronzové a mosadzné platne) zdôrazňovali výraznosť štruktúr. Bol tam väčší záujem o pohodlie. Suity boli navrhnuté do predných izieb na rôzne účely: obývačka, pracovňa, predsieň, predsieň. Vznikli nové formy nábytku: stolíky na kartové hry, ručné práce, ľahké prenosné fazuľové stolíky (s vekom v tvare fazule) a rôzne druhy komôd. Rozšírili sa pohovky av kancelárskom nábytku, sekretárky, kancelárie s valcovým zrolovacím vekom.
Rovnako ako v predchádzajúcich obdobiach je ruský nábytok v porovnaní so západným nábytkom masívnejší, zovšeobecnenejší a v detailoch jednoduchší. Materiálom na to boli miestne dreviny - lipa, breza (pozlátená a maľovaná vo svetlých farbách), orech, dub, topoľ, jaseň, hruška, bahenný dub. Koncom 18. storočia sa začala používať karelská breza a dovážané farebné drevo mahagón, amarant, palisander a iné druhy. Remeselníci vedeli ukázať ich krásu, štruktúru, farbu, lesk, umne zdôraznený leštením.
Ruskí majstri dosiahli veľké úspechy v technike typografie (intarzie). Jeho podstatou je skladanie ornamentov a celých Obrazov (väčšinou na základe rytín) z kúskov farebného dreva na povrch drevených predmetov. Tento druh práce je známy nielen od dvorných nábytkárov hlavného mesta, ale aj od bývalých nevoľníkov, ktorí pôsobili v Moskve a Moskovskej oblasti: Nikifor Vasiliev (ochor. 78), Matvey Veretennikov a bezmenní páni z Tveru a Archangeľska, ktorí predstavili mrož slonovina do súpravy. Príklady vysokého umenia rezbárskeho nábytku v paláci Ostankino patria nevoľníkom Ivanovi Mochalinovi, Gavrile Nemkovovej a ďalším. Petrohrad preslávil nábytok a rezbárske práce remeselníkov z Okhty, ktorí boli do hlavného mesta prenesení z rôznych miest za vlády Petra I. Umelecký vzhľad nábytku dotváralo čalúnenie vzorovaným hodvábom, zamatom, tlačeným chintzom, ľanové látky, čo bolo v súlade s výzdobou stien.
Tkaniny. Zo všetkých priemyselných odvetví sa v druhej polovici 18. storočia najúspešnejšie rozvíjal textil (Moskva, Ivanovo, Jaroslavľ, gubernia Vladimir). Jeho vzostup určovali nielen veľké manufaktúry, ale aj malé roľnícke podniky. Špeciálnu dokonalosť remeselníci dosiahli v nových vzorovaných ľanových látkach so zložitými väzbami, s hrou prírodných strieborno-bielych odtieňov ľanu. Odrážali sa tu tradície sedliackeho tkáčstva a hlboké porozumenie materiálu. Vyrábal sa aj lacný a sériovo vyrábaný pestrý a farbený tovar. Dekoratívne vlastnosti farebných látok a vlnených látok sa výrazne zlepšili.
Prudko sa rozvíjala výroba hodvábnych látok na šaty a dekoračné látky, šatky a stuhy (obr. 80). Do konca 18. storočia neboli kvalitou nižšie ako francúzske – najlepšie v Európe. Ruskí tkáči sa naučili používať rôzne nite a zložité vzory tkania pripomínajúce vyšívanie. Na dosiahnutie prenosu priestoru, jemnosti tónových prechodov a precíznosti kresby kvetov, vtákov a krajiny boli použité kompozičné techniky a bohatá paleta dekoračných látok. Takéto látky sa používali pri výzdobe palácov a posielali sa do zahraničia ako dary.
V tkaninách na šaty, najmä v tkaninách na slnečné šaty, sa až do 80. - 90. rokov 18. storočia používali vzory zložitých, vlnitých kvetinových girland, stužiek a korálikov. Postupne však boli girlandy nahradené pruhmi, vzory sa zjednodušili, ich rytmy sa zjemnili, farby zosvetlili a zjemnili.
V rokoch 1750-1760 v Petrohrade a neskôr v Moskve, v obci. Ivanovo (dnes mesto Ivanovo) rozvinulo výrobu kaliko (bavlnená tkanina s tlačeným vzorom pomocou infúznych, neblednúcich farbív a následným leštením). V kaliko vzoroch remeselníci, najmä tí z Ivanova, jedinečne spracovali motívy hodvábnych látok. Na základe ľudovej tlačenej hmoty kombinovali bohatý obrazový bod a grafický rez (obrysy vzoru, mriežky, podkladové body). Kaliko boli spočiatku veľmi drahé. Koncom 18. storočia sa začali vyrábať lacné odrody.
Porcelán. Do konca 18. storočia sa ruský porcelán stal jedným z najlepších v Európe. Štátna továreň na porcelán v Petrohrade úspešne fungovala. Jeho výrobky sa vyznačovali mierne teplou belosťou, lesklou glazúrou a vysokou technickou kvalitou. Tvary riadu, váz a ich maľba neboli nižšie ako tie západné.
Vzniká najvýznamnejšia zo služieb - Arabeska pre súdne recepcie (1784, ill. 77). Stolová výzdoba tejto bohoslužby deviatich alegorických sôch oslavuje anexiu Gruzínska a Krymu, „cnosť“ Kataríny II. (sochár J. D. Rashet). Dominujú v ňom pokojné pózy charakteristické pre klasicizmus konca 18. storočia, ľahké zlátenie, prísne proporcie foriem podávania s maľbami v podobe arabesky, vychádzajúce z antických ornamentov.
V 80. rokoch 18. storočia vznikla séria sôch „Ruský ľud“ (tvorivé spracovanie rytín) - žiarivo dekoratívne, s charakteristickými obrazmi - predstaviteľmi jednotlivých národností (Jakut, Samojed, Tatar). Vyrábali sa sochárske postavy pouličných predavačov a remeselníkov, zobrazované v pohybe a pri práci. Porcelánová socha sa po mnoho desaťročí stala obľúbenou ozdobou noblesných interiérov.
Zo súkromných porcelániek sa ako najživotaschopnejšia ukazuje továreň Franza Gardnera (1765) (dedina Verbilki pri Moskve). Už koncom 18. storočia zhotovil kulisy pre kráľovský dom s originálnym využitím ruských rádových motívov na obrazoch. Pomerne lacný Gardner porcelán, vyznačujúci sa jednoduchosťou formy, sviežou kvetinovou maľbou, blízkou ľudovým tradíciám, mal úspech v hlavnom meste aj v provinciách (obr. 79).
sklo. Farebné sklo prinieslo pravú slávu ruskému sklu v poslednej tretine 18. storočia. M.V.Lomonosov svojou prácou o teórii farby a technológii farebného skla otvoril nové cesty ruskému sklárstvu, obohatil paletu skla a oživil ruské mozaiky. Zorganizoval továreň na výrobu smaltu, korálikov a skla v dedine Ust-Ruditsa v provincii Petrohrad. Majstri Štátnej továrne v Petrohrade Družinin a Kirillov boli vyškolení v tavení farebného skla Lomonosovom. Závod ovláda výrobu skla v hlbokých a čistých tónoch - modrá, fialová, ružovo-červená, smaragdovo zelená. Teraz v jeho výrobe už nedominuje gravírovaný krištáľ, ale tenké farebné a bezfarebné sklo. Poháre, poháre a karafy dostávajú hladké tvary, v ktorých telo plynulo prechádza do stopky a vytvára jemné, elegantné kontúry. Zlaté a strieborné maľby girlandy, mašle, hviezdy a monogramy sú pokojné v rytme a zdôrazňujú plastické objemy nádob.
Vyrába sa aj takzvané mliečne biele sklo (hrnčeky, karafy, cirkevné predmety), ktoré svojím vzhľadom a charakterom pripomína maľby drahšieho porcelánu.
Koncom 18. storočia sa súkromné sklárne Bakhmetyev v provincii Penza, Malcevovci v provinciách Vladimir a Oryol a mnohé ďalšie rozvíjali a dosahovali veľké úspechy. Ich bezfarebné a farebné sklo a krištáľ sú široko distribuované po celom Rusku.
Umelecké spracovanie kovov. Rozkvet šperkového umenia v Rusku začal v polovici 18. storočia a pokračoval počas celého storočia. Má umelecké materiály mimoriadnej krásy: diamanty, smaragdy, zafíry a iné drahokamy a polodrahokamy, maľované smalty, farebné kovy (zlato, striebro, platina, zliatiny). Umenie rezania kameňov dosahuje vysoký stupeň dokonalosti. Na zlepšenie hry kameňa nachádzajú klenotníci rôzne umelecké a technické techniky na montáž a pohyblivé upevnenie dielov. Šperkárski umelci vytvárajú zložito tvarované, viacfarebné šperky: náušnice, prstene, tabatierky, spony na topánky, gombíky na luxusné obleky pre mužov aj ženy.
V poslednej tretine 18. storočia sa tvary šperkov vyrovnali, farebnosť drahých kameňov sa sprísnila.
V tomto období dosiahli striebrotepci veľké úspechy. V súlade s novým vkusom sú tvary strieborných služieb jednoduché a jasné. Zdobia ich flauty a starožitné ornamenty. Na strieborných pohároch a tabatierkach remeselníci Veliky Ustyug reprodukujú obrazy starodávnych scén a víťazstiev ruských vojsk z rytín.
Výnimočným fenoménom v úžitkovom umení 18. storočia sú oceľové umelecké výrobky tulských majstrov: nábytok, škatule, svietniky, gombíky, spony, tabatierky. Dekoratívny efekt svojich diel stavajú na spojení hladkej ľahkej ocele a dekorácií v podobe fazetovaných kúskov, ktoré sa lesknú ako diamanty. Remeselníci používajú modranie (tepelné spracovanie v kováčskej dielni pri rôznych teplotách) kovu, ktoré dáva rôzne odtiene - zelenú, modrú, fialovú, od hrubých až po zosvetlené. Tradície ľudového umenia sa odrážajú v láske k jasným farbám a hlbokom pochopení materiálu.
Farebný kameň. V druhej polovici 18. storočia boli objavené náleziská mramorov, čerešňovo-ružových orletov na Urale, pestrofarebných jaspisov, pestrých brekcií, altajských porfýrov a modrých bajkalských lapis lazuli. Okrem Peterhofu (1722-1723) a Jekaterinburgu (začiatok 30. rokov 18. storočia) začala v roku 1787 v samom srdci Altaja fungovať továreň Loktev (od roku 1802 ju nahradila továreň Kolyvan). Možnosti využitia farebného kameňa pri dokončovaní a zdobení monumentálnych a dekoratívnych diel palácových interiérov sú široké.
Schopnosť identifikovať estetické vlastnosti materiálu vždy odlišovala ruských remeselníkov, ale bola obzvlášť jasne vyjadrená v umení rezania kameňa. Kamenári pracujúci podľa návrhov architektov umelecky odhaľujú rozprávkovú krásu kameňa, jeho prirodzenú kresbu, mimoriadne farebné odtiene, lesk a zvýrazňujú ich vynikajúcim leštením. Pozlátený bronz v podobe rúčok, hlavica len dopĺňa a zvýrazňuje tvar. Projekty pre kamenné rezbárske práce, obelisky, vázy, založené na starovekých formách, vytvorili Quarenghi a Voronikhin.
Rozkvet ruského úžitkového umenia v 18. storočí bol spojený s tvorbou architektov Kazakova, Starova, Quarenghiho, Camerona, Voronikhina a množstva vyškolených ľudových umelcov. Jeho pravú slávu však vytvorili najmä poddaní remeselníci, ktorí zostali neznámi - nábytkári, rezbári, tkáči, kamenári, šperkári, sklári, keramikári.
Rozvoj dekoratívneho a úžitkového umenia prispel k zlepšeniu technológie remeselnej a manufaktúrnej výroby, vzniku umeleckého priemyslu (výroba tapisérií, umeleckého skla, fajansy, kamenárstva, výroba hodvábu a súkna), výrobe módnych predmetov, luxusného tovaru, objaveniu a rozvoj ložísk medi, cínu, striebra, farebného kameňa, vysoko kvalitných ílov.
Významná je úloha Akadémie vied v „prosperite slobodného umenia a manufaktúr“, odrážajúcej nové prírodovedné a technické záujmy v dekoratívnom a úžitkovom umení. V prvej polovici 18. storočia sa v umeleckých manufaktúrach objavujú nové formy výchovy a vzdelávania remeselníkov; v Rusku vznikajú cechové organizácie remeselníkov, čo nepopiera široké uplatnenie zahraničných remeselníkov v rôznych oblastiach dekoratívneho a úžitkového umenia.
V dekoratívnom a úžitkovom umení (interiérové predmety, nábytok, výzdoba) móda aktívne diktuje štýl. V dôsledku toho sa objavujú nové typy predmetov a aktualizujú sa estetické nápady v dekoratívnom a úžitkovom umení. V dekoratívnom a úžitkovom umení v polovici 18. storočia existovala tendencia syntetizovať umenie, kde sa architektúra, sochárstvo, maliarstvo a úžitkové remeslá spájali do dekoratívneho celku.
V dôsledku toho sa umenie interiérového dizajnu stáva osobitným druhom umeleckej činnosti v tvorbe architektov 18. storočia. Tento typ umeleckej činnosti určuje vznik nových typov priestorov (kancelárie, predné izby, spálne, obývačky, „obrazové sály“) a ich obsahovú náplň (Letný palác, Palác A.D. Menshikova, Palác Veľký Peterhof, Monplaisir).
To všetko prispieva k rozvoju výroby nábytku, objavujú sa nové typy a formy nábytku, materiály a spôsoby ich zdobenia. Vplyv anglického a holandského nábytku je tu veľmi silný. Pod vplyvom Európy sa v Rusku rozvíjal dokonca aj barokový a rokokový štýl v nábytku.
Klasicistický nábytok má charakteristický charakter a tvar. Antické motívy možno vo veľkej miere vysledovať v tvaroch a zdobení nábytku. V polovici 18. storočia sa architekti podieľali na vývoji nových typov nábytku, v Rusku sa objavilo nábytkové umenie a dizajnový nábytok (Brenna, Ľvov, Cameron, Voronikhin). V druhej polovici 18. storočia sa objavili prvé nábytkárske dielne (dielňa G. Gambsa a I. Otta). Toto obdobie v nábytkárskom umení charakterizuje Jacob štýl. V druhej polovici 18. storočia sa materiály v nábytkárskom umení zmenili: objavil sa tu mahagón, pozlátené drevo, topoľ, karelská breza; Látky a výšivky sa čoraz viac využívajú pri výrobe nábytku.
Osobitné miesto v dekoratívnom a úžitkovom umení zaujíma keramika a fajansa. K tomu dochádza spočiatku v dôsledku rozšírenia dovozu kameniny z Anglicka a Holandska. Čoskoro sa však v Moskve objavila prvá súkromná manufaktúra A. Grebenshčikova, ktorá vyrábala ruskú jemnú fajansu. Neskôr sa sformoval štýl slávnostného palácového riadu s matným rytím a rozšírila sa móda krištáľu ako interiérového predmetu. To znamená otvorenie prvej súkromnej továrne na sklo a krištáľ v Malcove v okrese Mozhaisk.
V 18. storočí vďaka rastúcej obľube dekoratívneho a úžitkového umenia a výzdoby miestností výrazne vzrástla spotreba skla, z ktorého sa vyrábali rôzne zrkadlá a svietidlá.
Sochárstvo a maliarstvo druhej polovice 18. storočia.
Zohral veľkú úlohu vo vývoji maliarstva v 18. storočí tvorba Vladimír Lukič Borovikovský. Napriek tomu, že umelec nebol oficiálne uvedený ako študent Akadémie, nepochybne využil rady jej učiteľov a predovšetkým Levitského. Prirodzený talent a železná húževnatosť mladého umelca čoskoro viedli k tomu, že Borovikovský sa stal jedným z prvých majstrov konca 18. storočia. Vytvoril sériu vynikajúcich portrétov svojich súčasníkov, medzi ktoré patria G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova a mnohí ďalší. Pre väčšinu Borovikovského diel je charakteristický neustály záujem o emocionálne zážitky človeka, zdôraznená lyrika a kontemplácia, zahalené v opare sentimentality, tak charakteristické pre éru. Umelec nikdy nešiel cestou vonkajšej, povrchnej charakterizácie obrazu, neustále sa snažil sprostredkovať najjemnejšie duchovné pohyby portrétovaných osôb.
V jeho tvorbe prevládajú komorné portréty. Borovikovsky sa snaží potvrdiť sebaúctu a morálnu čistotu človeka (portrét „Lizynky a Dashinky“, portrét E.N. Arsenyeva atď.). Borovikovského na prelome 18. – 19. storočia priťahovali silné, energické osobnosti, zameriaval sa na občianstvo, šľachtu a dôstojnosť portrétovaných. Vzhľad jeho modelov sa stáva zdržanlivejším, krajinné pozadie je nahradené obrázkami interiéru (portréty A.A. Dolgorukova, M.I. Dolgoruka atď.).
Borovikovský je tiež uznávaným majstrom portrétnych miniatúr. Zbierka Ruského múzea obsahuje diela patriace do jeho štetca - portréty A.A. Menelasa, V.V. Kapnista, N.I. Ľvova a ďalších. Umelec často používal cín ako základ pre svoje miniatúry.
Ruská portrétna maľba 18. storočia dosahuje svoj skutočný vrchol v kreativite D.G.Levitsky . Už v jednej zo svojich raných prác - portréte architekta A. Kokorinova - Levitsky ukázal vynikajúce schopnosti ako maliar. Portrét veľkého francúzskeho materialistického filozofa D. Diderota, ktorý namaľoval Levitskij v Petrohrade v roku 1773, a séria portrétov študentiek Smolného inštitútu, ktoré vytvorila umelkyňa, sa vyznačujú vysokou umeleckou hodnotou. Obrazy týchto dievčat sú poznačené úprimnosťou a vrúcnosťou a jedinečnosť každej z nich je majstrovsky vyjadrená.
Portréty z nasledujúcich rokov - Ľvova, umelcovho otca, Bakuninovcov, Anny Davie a mnohých ďalších majstrovských diel Levitského - sú jasným dôkazom jeho skvelého talentu.
Levitsky vytvoril rozsiahlu galériu portrétov svojich súčasníkov, zachytávajúc široko a úplne, ako nikto iný, živé obrazy ľudí tej doby. Levitského umenie završuje históriu vývoja ruskej portrétnej maľby v 18. storočí. Treba však poznamenať, že existujú určité historicky podmienené obmedzenia jeho práce: ako iní pozoruhodní umelci svojej doby, Levitsky nedokázal odrážať sociálne rozpory reality. Ľudia, ktorých zobrazuje umelec, v súlade s prevládajúcimi estetickými predstavami vždy trochu pózujú, akoby sa snažili ukázať divákovi v tom „najpríjemnejšom“ svetle. V mnohých svojich dielach však umelec dosahuje úžasnú jednoduchosť a vitalitu.
Odkaz Levického je obrovský a dodnes v divákoch vyvoláva pocit bezprostredného estetického potešenia. Profesionálna dokonalosť jeho diel a ich realistické zameranie zaraďuje umelca na jedno z najčestnejších miest v celých dejinách ruského umenia.
Medzi najznámejšie diela D. G. Levitského patria: „Portrét E. A. Voroncovovej“, „Portrét architekta A. F. Kokorinova“, „Portrét N. A. Ľvova“, „Portrét M. A. Dyakovej“, „Portrét Uršuly Mniszechovej“, „Portrét Agashovej dcéry v ruskom kroji“ atď.
V oblasti portrétnej tvorby povedali svoje nové slovo aj ruskí umelci druhej polovice 18. storočia. Ostrosť psychologických charakteristík, ktoré poznačili mnohé portréty tejto doby, je zarážajúca - štetec najlepších ruských majstrov čoraz viac tiahne k pravdivému zobrazeniu obrazu človeka. Je príznačné, že v tejto dobe vznikali portréty nielen šľachty a „mocných tohto sveta“, ale aj množstva pokrokových osobností verejného života. Týmto portrétom úplne chýbajú prvky pompéznosti a vonkajšieho lesku; Umelci venujú pozornosť sprostredkovaniu vnútorného obsahu človeka, odhaľovaniu sily jeho mysle, vznešenosti jeho myšlienok a túžob.
Vývoj ruského portrétovania našiel svoj výraz v diela F. Rokotova.
Fjodor Stepanovič Rokotov- jeden z najlepších ruských portrétistov. Po získaní výtvarného vzdelania pod vedením L.-J. Le Lorrain a gróf Pietro Rotari pracovali na spôsob druhého menovaného, ale ponorili sa do prírody viac ako on a boli usilovní pri vykonávaní. V roku 1762 bol prijatý ako adjunkt do novovzniknutého Petrohradu. Akadémia umení za obraz „Venuša“, ktorý jej bol odovzdaný, a za portrét cisára Petra III.
Portréty tohto umelca odlišuje jemná obrazová zručnosť. Rokotov prináša intímnu spiritualitu obrazu, najmä v ženských portrétoch, do veľkej expresivity a sily. Vysoko technická dokonalosť umelcových diel - z hľadiska povahy kresby a obrazovej zručnosti sa s ním dá porovnávať iba Levitsky. Portréty vytvorené Rokotovom sa vyznačujú prepracovanosťou dizajnu a eleganciou farieb.
Medzi najznámejšie diela Rokotova patria: „Portrét neznámej ženy v ružových šatách“, „Portrét A.I. Voroncova“, „Portrét G.G. Orlova v brnení“, „Korunovačný portrét Kataríny II“, „Portrét A.P. Struyskaja“ , „Portrét básnika V.I. Maykova“, „Portrét Surovtseva“ atď.
V druhej polovici 18. stor. sa začala rozvíjať v ruskej maľbe každodenný žáner. Žánrová maľba však bola vedením Akadémie umení a privilegovanými vrstvami spoločnosti považovaná za niečo základne, nehodné umelcovho štetca. Napriek tomu po roľníckej vojne pod vedením E. Pugačeva v literatúre, divadle a hudbe, ako aj v maliarstve 70. – 80. rokov 18. storočia. sa začal objavovať záujem o roľníctvo, jeho spôsob života a spôsob života. Často to boli sentimentálne obrazy idylických pastierov a pastierok, ktoré so skutočným sedliackym životom nemali nič spoločné. Boli však aj výnimky.
Jedným z prvých v ruskom maliarstve, ktorý rozvinul roľnícku tému, bol nevolník kniežaťa G. A. Potemkina Michail Šibanov . Maľoval obrazy „Sedliacky obed“, „Oslava svadobnej dohody“ atď. V Šibanovových obrazoch nie je výpoveď poddanstva, v týchto obrazoch však nie je žiadna idealizácia sedliackeho života. Umelec sa vyznačuje znalosťami a chápaním života a charakteru ruského roľníka.
Roľnícka téma sa odrazila v tvorbe umelca I. M. Tankova (1739 - 1799), autora obrazu „Dovolenka na dedine“ a I. A. Ermeneva (1746 - po roku 1792), ktorý namaľoval akvarely „Sedliacky obed“, „ Žobráci speváci“ a pod.). Po prvýkrát v histórii ruského umenia umelec sprostredkoval pochmúrne aspekty života ľudí, biedu chudoby.
V druhej polovici 18. stor. začína skutočný rozkvet ruského sochárstva. Rozvíjalo sa pomaly, ale ruské vzdelávacie myslenie a ruský klasicizmus boli najväčšími podnetmi pre rozvoj umenia veľkých občianskych myšlienok a rozsiahlych problémov, ktoré determinovali záujem o sochárstvo v tomto období. Shubin, Gordeev, Kozlovský, Shchedrin, Prokofiev, Martos - každý bol sám o sebe bystrým jedincom a zanechal svoju stopu v umení. Všetkých však spájali spoločné tvorivé princípy, ktoré sa naučili od profesora Nicolasa Gilleta, ktorý v rokoch 1758 až 1777 viedol triedu sochárstva na Akadémii, všeobecné myšlienky občianstva a vlastenectva a vysoké ideály staroveku.
Hľadanie všeobecne krásneho nevylučuje plnú hĺbku pochopenia ľudského charakteru, túžbu sprostredkovať jeho všestrannosť. Táto túžba je citeľná v monumentálnej dekoratívnej plastike a stojanovej plastike druhej polovice storočia, ale najmä v žánri portrétu.
Jeho najvyššie úspechy sú spojené predovšetkým s kreativitou Fedot Ivanovič Šubin (1740-1805), krajan Lomonosov, ktorý prišiel do Petrohradu už ako umelec ovládajúci zložitosť vyrezávania kostí. Šubinovým prvým dielom v jeho domovine je busta A.M. Golitsyn už svedčí o plnej zrelosti majstra. Všetka všestrannosť charakteristík modelu sa ukáže pri jeho skúmaní dookola, aj keď nepochybne existuje hlavný uhol pohľadu na sochu.
Šubin pôsobil nielen ako maliar portrétov, ale aj ako dekoratér. Zhotovil 58 oválnych mramorových historických portrétov pre palác Chesme (nachádza sa v zbrojnici), plastiky pre Mramorový palác a pre Peterhof sochu Kataríny II. - zákonodarkyne (1789-1790). Niet pochýb, že Shubin je najväčším fenoménom ruskej umeleckej kultúry 18. storočia. Spolu s domácimi majstrami pôsobil v Rusku francúzsky sochár Etienne-Maurice Falconet, ktorý v pamätníku Petra I. na Senátnom námestí v Petrohrade vyjadril pochopenie osobnosti Petra a jej historickej úlohy v osudoch Ruska.
Fedor Fedorovič Ščedrin(1751-1825). Prešiel rovnakými fázami školenia na akadémii a odchodom do dôchodku v Taliansku a Francúzsku ako Shubin. „Marsyas“, ktorý predviedol v roku 1776, je plný násilného pohybu a tragického postoja. Ako všetci sochári éry klasicizmu, aj Shchedrin je fascinovaný starovekými obrazmi („Spiaci Endymion“; „Venuša“), ktoré ukazujú mimoriadne poetický pohľad do ich sveta.
K dejinám Ruska na konci 17. – prvej štvrtiny 18. storočia neodmysliteľne patrí meno jednej z najväčších politických osobností Ruska – Petra I. Významné inovácie vtrhli v tejto dobe nielen do oblasti kultúry a umenia, ale aj priemysel - hutníctvo, stavba lodí a pod.. Začiatkom 18. storočia sa objavili prvé mechanizmy a stroje na spracovanie kovov. Veľa v tejto oblasti urobili ruskí mechanici Nartov, Surnin, Sobakin a ďalší.
Zároveň sú položené základy štátneho systému všeobecného a špeciálneho školstva. V roku 1725 bola založená Akadémia vied s otvoreným oddelením umeleckých remesiel.
A. Nartov. Sústruh. Petrova éra. XVIII storočia
V 18. storočí sa formovali nové princípy architektúry a urbanizmu.Toto obdobie bolo poznačené posilňovaním charakteristických čŕt západoeurópskeho baroka (Holandsko, Anglicko) pri tvorbe produktov.
V dôsledku iniciatív Petra I. výrobky tradičných ruských foriem rýchlo miznú z kráľovského a šľachtického života v paláci, hoci stále zostávajú v domoch más vidieckeho a mestského obyvateľstva, ako aj v kostoloch. . Práve v prvej štvrtine 18. storočia sa prejavil výrazný rozdiel v slohovom vývoji, ktorý zostal dlho charakteristický pre profesionálnu tvorivosť a ľudové umelecké remeslá. V tom poslednom sa priamo a organicky rozvíjajú stáročné tradície ruského, ukrajinského, estónskeho atď. úžitkového umenia.
Normy ušľachtilého života vyžadujú demonštráciu bohatstva, sofistikovanosti a nádhery v živote suverénneho človeka. Formy starého spôsobu života, vrátane života Petra Veľkého (stále obchodného a prísneho), boli nakoniec v polovici 18. storočia vytlačené. Dominantné postavenie v ruskom umení zaujíma takzvaný rokokový štýl, ktorý logicky dotváral trendy neskorého baroka. Slávnostné interiéry tejto doby, napríklad niektoré miestnosti palácov Peterhof a Carskoye Selo, sú takmer celé zdobené prepracovanými rezbami.
Všeobecné znaky rokajovej výzdoby (zakrivenie línií, bohaté a asymetrické usporiadanie štylizovaných alebo prírode blízkych kvetov, listov, mušlí, očí atď.) sú plne reprodukované v ruskej architektúre a nábytku tej doby, keramike, odevoch, kočoch, obradné zbrane atď. atď. Ale vývoj ruského úžitkového umenia sa napriek tomu uberal úplne samostatnou cestou. Napriek bezvýhradnej podobnosti foriem vlastných výrobkov so západoeurópskymi nie je ťažké postrehnúť rozdiely medzi nimi. Takže, ale v porovnaní s francúzskymi, ruské nábytkárske výrobky majú oveľa voľnejšie tvary a sú mäkšie v obryse a kresbe. Majstri si stále zachovali zručnosti ľudového rezbárstva, väčšie a zovšeobecnené ako na Západe. Nemenej charakteristická je polychrómovaná povaha ruských výrobkov a kombinácia zlacenia a maľby, ktorá sa vo Francúzsku zriedka vyskytuje, ale v Rusku je akceptovaná všade.
Od 60. rokov 18. storočia sa v ruskej architektúre začal prechod ku klasicizmu s lakonickými a prísnymi formami, ktoré sa obrátili k staroveku a vyznačujú sa veľkou zdržanlivosťou a milosťou. Rovnaký proces prebieha aj v úžitkovom umení.
V usporiadaní, vybavení a výzdobe mestských kaštieľov a palácov (architekti Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov atď.) sa objavuje jasná symetria a proporčná prehľadnosť. Steny izieb (medzi oknami alebo oproti nim) sú skryté so zrkadlami a panelmi z hodvábneho damašku, dekoračných bavlnených látok, látky.
.
Sedačka - rokokový štýl. Rusko (fragment). Polovica 18. storočia
Stolička v klasickom štýle. Rusko. Druhá polovica 18. storočia.
Podlahy sú vyrobené z dreva rôznych druhov a niekedy pokryté plátnom alebo látkou; stropy sú maľované (napr. technikou grisaille, imitujúcou reliéfnu modeláciu). Namiesto skladaných parkiet sa používajú smrekové dosky „pod voskom“. Steny a stropy sú často pokryté látkou alebo pokryté tapetami. Ak sú v hlavných miestnostiach inštalované impozantne veľké mramorové krby, potom v intímnych miestnostiach sú tradičnejšie kachle postavené na stoloch alebo nohách, obložené kachličkami. Rozdiel v lampách je rovnako viditeľný: v sálach sú šperky vyrobené a drahé lustre, svietniky, svietniky, v komorách sú oveľa skromnejšie svietniky a lampy. Ešte väčší kontrast je v tvaroch formálneho a bytového nábytku. To všetko nehovorí ani tak o túžbe majiteľov palácov a kaštieľov ušetriť peniaze, ale o ich zohľadnení predmetného prostredia ako dôležitého faktora v psychologicky vhodnej atmosfére.
Väčšina nábytku a množstvo iných výrobkov na konci 18. a prvej polovice 19. storočia nebolo neustále potrebné; ak to nebolo potrebné, boli odstránené alebo premiestnené do neaktívne využívaných častí priestorov. Sedací nábytok musí byť zakrytý. V rovnakom ohľade zaznamenal veľký vývoj transformovateľný nábytok s pracovnou plochou - čajové a kartónové stolíky, rozkladací jedálenský stôl, stôl na vyšívanie, systém nerovnomerne vysokých stolov, ktoré zapadajú pod seba atď. To všetko sa výrazne zvýšilo komfort života, jemné rozlíšenie jeho funkčnej podpory a rôznorodosť vzhľadu priestorov v rôznych každodenných situáciách. Zároveň bolo osobitne vyzdvihnuté množstvo každodenných procesov, ktoré sa v teplom období odohrávali mimo budovy – na terase a v parku. V dôsledku toho sa rozšírili nové druhy výrobkov - záhradný nábytok, dáždnikové markízy, parkové lampy atď. V 18. storočí sa na jednotlivých usadlostiach organizovali poddanské dielne, ktoré vyrábali pomerne veľké série nábytku, porcelánu, kobercov a iných výrobkov.
Koncom 18. storočia vo vybavení veľkých palácov došlo k oddeleniu samotného dizajnu výrobkov (nábytok, lampy, hodiny, gobelíny a iné náčinie a bytové zariadenie) ako osobitnej oblasti tvorivej činnosti od ich remeselnej výroby. už citeľne ovplyvňovala. Úlohu dizajnérov zohrávajú najmä architekti a profesionálni výtvarníci. Výroba produktov pre masový trh využíva stroje a mechanické metódy spracovania materiálov, vďaka čomu sa z inžiniera stáva vedúca osobnosť vo výrobe. To vedie k narušeniu a strate vysokých estetických kvalít, ktoré sú vlastné spotrebným výrobkom, k oddeleniu priemyslu od umenia. Tento trend bol prirodzený v podmienkach kapitalistického rozvoja spoločnosti a jeden z hlavných pre celé 19. storočie.
Počas intenzívneho rozvoja kapitalistických vzťahov v Rusku v 19. storočí sa zvýšila kapacita priemyselnej výroby. V polovici 19. storočia už bola naliehavá potreba umelecky profesionálneho personálu vývojárov produktov a remeselníkov. Pre ich výcvik boli otvorené špecializované vzdelávacie inštitúcie v Moskve (gróf Stroganov) a Petrohrade (barón Stieglitz). Ich samotný názov - „školy technického kreslenia“ - hovorí o vzniku nového typu umelca. Od roku 1860 sa rozvíjalo špeciálne remeselné vzdelávanie pre umelcov. Vychádza veľa kníh o technológii spracovania rôznych materiálov: dreva, bronzu, železa, zlata atď. Vydávajú sa obchodné katalógy, ktoré nahrádzajú doteraz vydávaný časopis Hospodársky obchod. Od polovice 19. storočia sa formujú vedy súvisiace s problematikou hygieny práce a používania predmetov v domácnosti. Počas celého 19. storočia však všetky masové továrenské výrobky umelecky zostali úplne podriadené jednoznačne dominantnej myšlienke krásy ako dekoratívneho a ornamentálneho dizajnu výrobkov. Dôsledkom toho bolo zavedenie štýlových prvkov klasicizmu do tvaru väčšiny výrobkov: zložité profilové úpravy, kanelované stĺpy, rozety, girlandy, ornamenty na antické motívy atď. V mnohých prípadoch boli tieto prvky zavedené. do tvarov aj priemyselných zariadení - obrábacích strojov.
V slohovom vývoji úžitkového umenia a výrobkov pre domácnosť v 19. storočí sa chronologicky konvenčne rozlišujú tri hlavné obdobia: pokračovanie trendov klasicizmu v súlade s tzv. empírovým štýlom (prvá štvrtina storočia); neskorý klasicizmus (okolo 1830-1860) a eklektizmus (po 60. rokoch 19. storočia).
Prvá štvrtina 19. storočia bola v ruskej architektúre poznačená všeobecným vzostupom ideologického ducha a stavebného rozsahu, čo spôsobilo výrazné oživenie úžitkového umenia.
Kreslo v empírovom štýle. Prvá štvrtina 19. storočia.
Víťazstvo vo vojne v roku 1812 do určitej miery urýchľuje a završuje proces formovania ruskej národnej kultúry, ktorý nadobúda celoeurópsky význam. Aktivity najslávnejších architektov - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, úzko spojené s klasicizmom predchádzajúcej éry, sa vyskytli až v prvej dekáde storočia. Nahrádza ich plejáda takých úžasných majstrov ako Rossi, Stasov, Grigoriev, Bove, ktorí vniesli do ruského umenia nové nápady a iného štýlového ducha.
Prísnosť a monumentálnosť sú charakteristické črty architektúry a foriem rôznych domácich potrieb v empírovom štýle. V druhom z nich sa dekoratívne motívy citeľne menia, resp. ich typológia sa rozširuje používaním dekoratívnych symbolov starovekého Egypta a Ríma - gryfov, sfingy, fasces, vojenské atribúty („trofeje“), vence prepletené girlandou a pod. s príkladmi raného klasicizmu vo všeobecnosti narastá množstvo dekoru, jeho „vizuálna váha“ v kompozičnom dizajne výrobkov. K monumentalizácii, niekedy akoby hrubnutiu foriem, dochádza v dôsledku väčšieho zovšeobecňovania a geometrizácie klasických ornamentálnych motívov – lemoviek, vencov, lýr, brnení a pod., ktoré sa čoraz viac vzďaľujú od svojich skutočných predobrazov. Maľovanie predmetov (scény, krajiny, kytice) takmer úplne zaniká. Ornament má tendenciu byť fľakatý, kontúrovací a aplikačný. Väčšina produktov, najmä nábytku, sa stáva veľkými, masívnymi, ale líši sa celkovou konfiguráciou a siluetou. Ťažkosť empírového štýlu v nábytku takmer vymizla už v 30. rokoch 19. storočia.
Od polovice 19. storočia sa začali nové rešerše v oblasti architektúry, úžitkovej a priemyselnej tvorivosti.
Zrodilo sa celoeurópske umelecké hnutie s názvom „Biedermeier“, pomenované podľa buržoázie jednej z postáv nemeckého spisovateľa L. Eichrodta (dielo vyšlo v 70. rokoch 19. storočia) s jeho ideálom pohodlia a intimity.
Továrensky vyrobené železo. Rusko. Druhá polovica 11. storočia.
V druhej polovici 19. storočia sa z výroby úžitkových výrobkov pre domácnosť ďalej vytláča ručná práca. Postupy a techniky ich výtvarného riešenia, stáročia sa vyvíjajúce princípy formovania sa v priebehu storočí dostávajú do konfliktu s novými ekonomickými trendmi v masovej produkcii a rentabilite výroby vecí pre trh. Reakcia na meniacu sa situáciu je dvojaká. Niektorí majstri – väčšina z nich – robí kompromisy. Vzhľadom na nedotknuteľnosť tradičného pohľadu na všetko každodenné ako predmety dekoratívneho a úžitkového umenia začínajú ornamentálne motívy klasicizmu prispôsobovať schopnostiam strojových a sériových technológií. Objavujú sa „efektívne“ typy dekorácie a povrchovej úpravy produktov. V 30. rokoch 19. storočia v Anglicku Henry Kuhl predložil zdanlivo reformný slogan, aby ozdobil továrenské výrobky prvkami „zo sveta umeleckých foriem“. Mnohí priemyselníci ochotne preberajú tento slogan a snažia sa maximálne využiť pripútanosť masy spotrebiteľov k zvonka zdobeným, ornamentálne obohateným formám bytového zariadenia.
Iní teoretici a praktici úžitkového umenia (D. Ruskin, W. Morris) naopak navrhujú zorganizovať bojkot priemyslu. Ich krédom je čistota tradícií stredovekého remesla.
V krajinách západnej Európy a v Rusku po prvý raz upútali pozornosť teoretikov a profesionálnych umelcov remeselníci a majstri, v ktorých tvorbe sa ešte zachovali hlboké ľudové tradície. V Rusku veľtrhy v Nižnom Novgorode v rokoch 1870-1890 demonštrujú životaschopnosť týchto tradícií v nových podmienkach. Mnoho profesionálnych umelcov - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich a ďalší - sa s nadšením obracia k ľudovému pôvodu dekoratívneho umenia. V rôznych regiónoch a provinciách Ruska, v mestách ako Pskov, Voronež, Tambov, Moskva, Kamenec-Podolsk atď., vznikajú remeselné podniky, ktorých základom je manuálna práca. Pre oživenie tvorivých, zanikajúcich remesiel bola dôležitá najmä práca dielní v Abramcove pri Moskve, v Talaškine pri Smolensku, podnik P. Vaulina pri Petrohrade a keramický artel Murava v Moskve.
Samovar. XIX storočia
Rusko. Druhá polovica
Priemyselné čerpadlo. XIX storočia
Výrobky všetkých týchto dielní však tvorili tak zanedbateľnú časť celkovej spotreby, že nemohli mať citeľný vplyv na sériovú výrobu, hoci dokázali oprávnenosť existencie popri sériovej strojovej výrobe predmetov dekoratívneho umenia, ktoré uchovávajú ľudové tradície. To sa neskôr potvrdilo aj inváziou strojovej techniky do takých oblastí dekoratívneho a úžitkového umenia, ako je šperkárstvo, tkanie kobercov a krajčírstvo, čo viedlo k prudkému poklesu ich umeleckej kvality.
Vo formách väčšiny vyrábaných produktov v druhej polovici 19. storočia sa ešte nevyvinulo prakticky nič nové. Novosť všeobecnej situácie však už v tejto dobe prispieva k formovaniu vnútorných predpokladov pre inovatívne hľadanie - uvedomenie si štýlových rešerší ako dôležitej tvorivej potreby, ako prejav umeleckej individuality majstra. Ak sa doteraz slohové smery (gotika, renesancia, barok, klasicizmus atď.) rodili a šírili spravidla v dôsledku všeobecných, takmer „globálnych“, spontánne vykryštalizovaných trendov v estetickom vývoji sveta, potom od r. v polovici 19. storočia sa štýlová originalita považuje za priamy tvorivý výkon individuálneho umelca alebo architekta. V tomto smere prudko narastá záujem o dedičstvo umenia všetkých čias a národov. Toto bohaté dedičstvo sa stáva zdrojom napodobenín, priamych výpožičiek alebo je vystavené bizarnému kreatívnemu spracovaniu.
Stôl so stoličkou v secesnom štýle. Koniec 19. storočia
Výsledkom je, že prevažná časť výrobkov predstavuje nezvyčajne pestrý obraz, v ktorom sa mihajú zjavné alebo jemné reminiscencie na starovek, románsku éru, gotiku, taliansku alebo francúzsku renesanciu, umenie Byzancie a starovekého Ruska, baroko atď. často eklekticky zmiešané do dizajnu jedného produktu, interiéru, budovy. Preto sa toto obdobie v dejinách architektúry a úžitkového umenia nazývalo eklektické. Výrobky (lampy, kovové vedrá, korýtka, riad, taburetky a pod.), ktoré sú relatívne lacné, no bez umeleckého zámeru vyrobené, často v škaredých podobách a nízkej kvality, sa stále začínajú dostávať do každodenného života ľudí.
Hľadanie nového štýlu sa uskutočňuje s prihliadnutím na skutočnú potrebu v podmienkach strojovej výroby, zásadne nový prístup k tvarovaniu výrobkov na jednej strane a zachovanie dekoratívnych tradícií minulosti na jednej strane. iné. Buržoázia, ktorá mala koncom 19. storočia v ruskej ekonomike silné postavenie, sa usilovala o vlastnú umeleckú ideológiu v architektúre a dizajne – kult racionálneho, relatívneho oslobodenia od archaizmov ušľachtilej kultúry, povzbudzujúceho v umení všetko, čo mohlo konkurovať štýlom minulosti. Takto sa objavil secesný štýl na konci 19. storočia – „nové umenie“ v Belgicku, Veľkej Británii a USA, „Jugendstil“ v Nemecku, „secesný štýl“ v Rakúsku, „voľný štýl“ v Taliansku. Jeho názov – „moderný“ (z francúzskeho moderne) znamenal „nový, moderný“ – z lat. modo - "práve teraz, nedávno." Vo svojej čistej forme, doznievajúcej a zmiešanej s inými štýlovými smermi, vydržala pomerne krátko, asi do roku 1920, t.j. asi 20-25 rokov, ako takmer všetky slohové smery 17.-20.
Secesia je rôznorodá v rôznych krajinách a v tvorbe jednotlivých majstrov, čo komplikuje pochopenie problémov, ktoré riešili. Charakteristickým sa však stalo takmer úplné vykorenenie všetkých dovtedy používaných dekoratívnych a ornamentálnych motívov a techník a ich radikálna obnova. Tradičné rímsy, rozety, hlavice, flauty, opasky „vlnových vĺn atď. sú nahradené štylizovanými miestnymi rastlinami (ľalie, kosatec, klinčeky atď.), ženskými hlavami s dlhými kučeravými vlasmi atď. , a umelecký efekt je dosiahnutý vďaka expresívnosti siluety, členenia formy, čiary, zvyčajne jemne nakreslené, akoby voľne plynúce, pulzujúce. V podobách secesných produktov je takmer vždy cítiť akúsi rozmarnú vôľu umelca, napätie napnutej struny a prehnané proporcie. V extrémnych prejavoch je to všetko prudko vyhrotené, povýšené na princíp. Niekedy dochádza k ignorovaniu konštruktívnej logiky formy, takmer predstieranému nadšeniu pre veľkolepú stránku úlohy, najmä v dizajne interiérov, ktoré sú často okázalo teatrálne.
Napriek všetkým slabým stránkam - náročnosť, miestami hlasitosť foriem, vznikol nový prístup k riešeniu stavby, interiéru, zariadenia s logikou funkčného, konštrukčného a technologického riešenia.
Svietnik v secesnom štýle. Začiatok 20. storočia
Sada riadu. Koniec 19. storočia
Toaletný stolík z obdobia secesie. Začiatok 20. storočia
Secesia v drvivej väčšine svojich ukážok neopustila výzdobu výrobkov, len nahradila staré výzdobné motívy a techniky novými. Už začiatkom 20. storočia, v čase triumfov nového štýlu, sa móda starých štýlov opäť vrátila, najskôr nesmelo, potom široko, čo malo známu súvislosť so začiatkom príprav osláv. stého výročia vlasteneckej vojny z roku 1812. Výstava „Moderné umenie“, usporiadaná v Petrohrade v roku 1903, jasne ukázala zrod „klasifikujúcej moderny“.
Výsledky modernosti sú zložité. Toto je očista úžitkového umenia od eklekticizmu a od „antimachinizmu“ šampiónov ručných prác a od neúspešných pokusov obnoviť štýly minulosti. To sú prvé príznaky architektúry a úžitkového umenia, ktoré vstupujú na cestu funkcionalizmu a konštruktivizmu, cestu moderného dizajnu. V rovnakom čase, keď secesia čoskoro odhalila tendenciu znárodňovať štýl, vyvolala novú vlnu čisto dekoratívnych hľadaní. Mnoho maliarov sa obracia k úžitkovému umeniu a interiérovému dizajnu (S. Maljutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin atď.), inklinujúc k farebnosti ruských rozprávok, „perníkov“ atď. následného historického procesu, riešenia naliehavých problémov masovej priemyselnej výroby, takéto experimenty nemohli mať vážny ideologický a umelecký význam, hoci dali impulz rozvoju ďalšieho odvetvia úžitkového umenia - umeleckého remesla a najmä divadelného a dekoratívneho umenia.
Moderna akoby uvoľnila a pripravila cestu pre nastolenie nových estetických a tvorivých princípov v umení tvorby každodenných vecí a urýchlila vznik novej umeleckej profesie – umeleckého dizajnu.
Formovanie funkcionalizmu a konštruktivizmu do osobitných smerov v architektúre a umeleckom dizajne západných krajín nastalo koncom 10. rokov v súvislosti so stabilizáciou života a hospodárskych úspechov po prvej svetovej vojne. No zásadné základy novej modernej architektúry určili v predvojnovom období takí architekti ako T. Garnier a O. Perret (Francúzsko), H. Berlaga (Holandsko), A. Loos (Rakúsko), P. Behrens (Nemecko), F. Wright (USA), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rusko) atď. Každý z nich prekonal vplyv moderny a bojoval po svojom.
V roku 1918 boli vytvorené špeciálne oddelenia pre architektúru a umelecký priemysel pod oddelením výtvarných umení Ľudového komisariátu pre vzdelávanie. Vážna pozornosť sa venuje problematike tréningových špecialistov. V roku 1920 podpísal V.I. Lenin dekrét o vytvorení Vyšších štátnych umeleckých a technických dielní (VKHUTEMAS). Absolventi vytvorili nové vzorky látok, nábytku, riadu atď.
Školenie v dielňach (v roku 1927 pretransformované na Všesväzový umeleckotechnický inštitút VKHUTEIN) prebiehalo na fakultách: architektúra, keramika, textil atď. Na fakulte spracovania dreva a kovov pod vedením A. Rodčenka, D. . Lisitsky, V. Tatlin a ďalší majstri hľadali nové formy a dizajny rôznych predmetov. Všetky aktivity VKHUTEMAS smerovali k tomu, aby sa u študentov rozvíjali zručnosti integrovaného prístupu k navrhovaniu predmetného prostredia každodenného života a výroby.
V 20. rokoch 20. storočia vzniklo hnutie „priemyselného umenia“, rozvíjajúce princípy funkcionalizmu a konštruktivizmu, ktoré sa snažilo v mysliach umelcov zaviesť estetický ideál racionálne organizovanej materiálovej produkcie. Akékoľvek predchádzajúce formy umenia boli vyhlásené za buržoázne „producenty“ a pre proletariát neprijateľné. Preto odmietali nielen „prakticky zbytočné“ výtvarné umenie, ale aj všetku čisto dekoratívnu kreativitu, napríklad šperk.V 20. rokoch u nás ešte neboli zrelé technické a ekonomické podmienky na realizáciu ich nápadov.
VKHUTEMAS a „výrobní robotníci“ 20. rokov boli ideovo a esteticky úzko spätí s Bauhausom a vo viacerých dôležitých momentoch s ním predstavovali v podstate jediný pohyb vo vtedajšom výtvarnom dizajne. V rámci tohto nového hnutia sa formovala estetika moderného dizajnu, prekonávajúca rozpory v úžitkovom umení predchádzajúceho obdobia. Praktickou umeleckou činnosťou zakladateľov dizajnu bol aj rozvoj arzenálu výtvarných a výrazových prostriedkov umenia vytvárať veci. V ich dielach (nábytok, lampy, riad, látky atď.) sa najväčšia pozornosť venovala takým vlastnostiam materiálov a formy, ako sú textúra, farba, plastická výraznosť, rytmická štruktúra, silueta atď., ktoré nadobudli rozhodujúci význam v kompozičných produktov, bez toho, aby boli v rozpore s požiadavkami konštruktívnej logiky a vyrobiteľnosti formy. Ďalším smerom, ktorý sa u nás v 20. rokoch úspešne rozvíjal, bol inžiniersky dizajn. V roku 1925 bola v Moskve podľa návrhu vynikajúceho inžiniera V. Shukhova postavená slávna rádiová veža, ktorej prelamovaná silueta sa na dlhý čas stala symbolom sovietskeho rádia. O rok skôr vytvoril J. Gakkel na základe najnovších technologických výdobytkov prvý sovietsky dieselový rušeň, ktorého tvar aj dnes pôsobí celkom moderne. V 20. rokoch sa realizovala potreba vedeckého výskumu zákonitostí ľudskej činnosti v umelo vytvorenom prostredí. Organizuje sa Ústredný ústav práce, v jeho stenách prebieha výskum v otázkach vedeckej organizácie práce a výrobnej kultúry. Pozornosť vedcov a konštruktérov púta problematika biomechaniky, organoleptiky a pod. K pozoruhodným prácam tých rokov patrí návrh pracoviska vodiča električky (N. Bernstein).
Áno, Gakkel. Lokomotíva. Začiatok 30. rokov 20. storočia
