Slávni grafici 18. a 20. storočia. Slávni výtvarníci, sochári, grafici

Slávni výtvarníci, sochári, grafici

Ajvazovský Ivan Konstantinovič(1817-1900) - ruský maliar, majster prímorskej krajiny („Deviata vlna“, „Čierne more“).

Borovikovský Vladimír Lukič(1757–1825) - ruský a ukrajinský portrétista, sentimentalista (portréty M. I. Lopukhina, A. B. Kurakina).

Bosch (Bos van Aken) Hieronymus (Hieronymous)(okolo 1460–1516) – holandský maliar, jeden z najväčších majstrov severnej renesancie.

Botticelli Sandro (Alessandro di Mariano di Vani Filipepi)(1445–1510) - najväčší taliansky maliar ranej renesancie.

Bruegel starší Pieter („Roľník“)(okolo 1525–1569) - flámsky maliar a grafik, majster krajinných a žánrových scén.

Bryullov Karl Pavlovič(1799 – 1852) – ruský maliar, kresliar, majster intenzívne dramatických plátien („Posledný deň Pompejí“) a slávnostných portrétov („Jazdkyňa“).

Van Gogh Vincent(1853–1890) – holandský maliar, predstaviteľ postimpresionizmu. Jeho obrazy sa vyznačujú farebnými kontrastmi a prudkým rytmom. Tragické obrazy vytváral bolestne intenzívnym, mimoriadne expresívnym spôsobom, postavené na kontrastoch farieb, prenikavom rytme a voľnej dynamike impastných ťahov („Nočná kaviareň“, „Krajina v Auvers po daždi“).

Van Dyck Antonis (1599-1641) - Flámsky maliar, virtuóz maľby, študent Rubensa. Jeho diela sa vyznačujú ušľachtilou spiritualitou („Autoportrét“).

Wang Eyck Ian(okolo 1385 alebo 1390–1441) – flámsky maliar ranej renesancie, majster portrétovania, autor viac ako 100 kompozícií s náboženskou tematikou, jeden z prvých umelcov, ktorí ovládali techniku ​​maľby olejovými farbami.

Vasnetsov Viktor Michajlovič(1848–1926) – ruský potulný umelec. Vytvoril plátna na témy ruských eposov a rozprávok („Alyonushka“, „Traja hrdinovia“).

Watteau Antoine(1684–1721) – francúzsky umelec, majster žánrovej maľby.

Velasquez Diego (Velasquez Rodriguez de Silva)(1599–1660) – španielsky umelec. Velazquezove plátna („Raňajky“, „Vzdať sa Bredy“) sa vyznačujú zmyslom pre harmóniu, jemnosť a bohatosť farieb.

Venetsianov Alexej Gavrilovič(1780–1847) – ruský maliar. Väčšina jeho diel je na témy sedliackeho života, písané zo života.

Vereščagin Vasilij Vasilievič(1842–1904) – ruský bojový maliar. Vo svojich dielach ukázal hrôzy vojny („Apoteóza vojny“). Zahynul pri výbuchu bojovej lode Petropavlovsk v Port Arthur.

Wermeer z Delftu Jan(1632 – 1675) – holandský maliar, ktorý sa vyznačuje poetickým vnímaním každodenného života („Dievča číta list“).

Veronese (Cagliari) Paolo(1528–1588) – taliansky renesančný maliar. Obrazy, ktoré vytvoril, sa vyznačujú slávnostnosťou a sofistikovanosťou.

Vrubel Michail Alexandrovič(1856–1910) - ruský umelec strieborného veku. Priťahoval sa k filozofickej všeobecnosti, tragédii a symbolickej interpretácii deja („Princezná snov“, „Démon“).

Vuchetich Jevgenij Viktorovič(1908–1974) - ruský sovietsky sochár (postava vlasti na Mamayev Kurgan vo Volgograde).

Ge Nikolaj Nikolajevič(1831–1894) - slávny ruský maliar, majster portrétov, historických a náboženských malieb („Posledná večera“, „Peter I. vypočúva careviča Alexeja Petroviča v Peterhofe“, „Čo je pravda?“).

Gainsborough Thomas(1727–1788) - Anglický maliar, grafik, portrétista a krajinár.

Gauguin Eugene Henri Paul(1848–1903) - Francúzsky maliar, sochár, keramik a grafik. Spolu s Cezannom a Van Goghom je považovaný za najväčšieho predstaviteľa postimpresionizmu.

Goya Francisco José de(1746–1828) - Španielsky maliar a grafik, odvážny inovátor formy. Medzi jeho diela patria fresky, maľby („Maja akt“) a séria rytín („Caprichos“).

Greco (El Greco)(Domenikos Theotokopoulos) (1541–1614 ) - španielsky maliar gréckeho pôvodu, ktorého diela sa vyznačujú mystickou exaltáciou („Portrét inkvizítora“).

David Jacques Louis(1748–1825) - francúzsky maliar, zástanca klasickej maliarskej školy („Prísaha Horatii“).

Dali Salvador(1904–1989) - španielsky umelec, jeden z najvýraznejších predstaviteľov surrealizmu. Vo svojich obrazoch dával viditeľnú autentickosť neprirodzeným situáciám a kombináciám predmetov.

Degas Edgar ( 1834–1917) - francúzsky impresionistický umelec, pastelový majster („Modrí tanečníci“).

Delacroix Eugene ( 1798–1863) - francúzsky maliar a grafik, hlava francúzskeho romantizmu („Sloboda vo vedení ľudu“).

Giorgione(1477–1510) - taliansky maliar, jeden zo zakladateľov umenia vrcholnej renesancie („Spiaca Venuša“, „Judith“).

Giotto di Bondone(1266–1337) - taliansky umelec, zakladateľ moderného maliarstva („Oplakávanie Krista“).

Donatello (Donato di Niccolo di Betto Bardi) ( 1386–1466) - Taliansky sochár, jeden z „otcov“ renesancie.

Durer Albrecht(1471–1528) – nemecký maliar a grafik renesancie, výtvarný teoretik (autoportréty, Madona s dieťaťom, rytiny).

Kandinskij Vasilij Vasilievič(1866–1944) – ruský maliar a grafik, avantgardný umelec, jeden zo zakladateľov abstraktného umenia.

Canova Antonio(1757–1822) – taliansky sochár, najvýznamnejší predstaviteľ klasicizmu v európskom sochárstve.

Caravaggio Michelangelo áno (Michelangelo Merisi Caravaggio)(1571–1610) – taliansky umelec, reformátor európskeho maliarstva 17. storočia, jeden z najväčších majstrov baroka.

Kiprensky Orest Adamovič(1782–1836) – ruský maliar a kresliar, predstaviteľ romantizmu (portréty A. S. Puškina).

Klodt Petr Karlovich(1805–1867) - ruský sochár, predstaviteľ klasicizmu, maliar zvierat (kone na Aničkovom moste v Petrohrade).

Korovin Konstantin Alekseevič(1861–1939) – ruský maliar a divadelný umelec, vynikajúci majster plenérovej maľby, blízky impresionizmu.

Kramskoy Ivan Nikolajevič(1837–1887) - ruský maliar, tulák, učiteľ I. E. Repina („Májová noc“). Majster psychologického portrétovania, ktorý odhaľuje zložité mentálne pohyby („The Stranger“).

Cranach Lucas starší(1472–1553) – nemecký maliar a grafik, ktorý spojil umelecké princípy renesancie s gotickou tradíciou, brilantný portrétista.

Kuindži Arkhip Ivanovič(1841–1910) – ruský maliar krajinárov, Wanderer. Kuindzhiho diela demonštrujú dekoratívnu zvukovosť farieb a svetelných efektov, ktoré sú blízko k životu až do bodu ilúzie („Noc na Dnepri“).

Larionov Michail Fedorovič(1881–1964) – ruský maliar, avantgardný umelec, abstrakcionista, tvorca rajonizmu tzv.

Levitan Izák Iľjič(1860–1900) - ruský kočovný maliar, krajinár, tvorca „náladovej krajiny“, odhaľujúci jemné nuansy stavov prírody („Nad večným pokojom“).

Levitsky Dmitrij Grigorievič(1735–1822) – ruský portrétista 18. storočia, majster slávnostných portrétov.

Leonardo da Vinci(1452–1519) – taliansky maliar, sochár, architekt a vedec. Ideál ženskej krásy stelesnil vo svetoznámom obraze „La Gioconda“ („Mona Lisa“).

Lysippos(IV. storočie pred Kristom) - staroveký grécky sochár, dvorný umelec Alexandra Veľkého.

Masaccio (Tommaso di Giovanni di Simone Cassai)(1401–1428) – taliansky maliar, vo svojich dielach sa snažil stelesniť myšlienku ľudskej dokonalosti.

Malevič Kazimír Severinovič(1878-1935) - ruský abstraktný umelec („Čierne námestie“), zakladateľ suprematizmu.

Manet Edouard(1832–1883) - francúzsky umelec, jeden z najjasnejších predstaviteľov impresionizmu. Jeho diela sa vyznačujú sviežosťou a ostrým vnímaním reality („Koncert v Tuileries“).

Matisse Henri(1869–1954) – francúzsky maliar, grafik, ktorý založil ornamentálny štýl vitráží, rytín, litografií, zakladateľ fauvizmu.

Michelangelo Buonarroti(1475–1564) – taliansky maliar, sochár a architekt („Dávid“, obraz Sixtínskej kaplnky v Ríme).

Myron z Eleutheru(V. storočie pred Kristom) - grécky sochár éry, ktorá bezprostredne predchádzala najvyššiemu rozkvetu gréckeho umenia (koniec VI - začiatok V. storočia). Najslávnejšie Myronovo dielo je „Discobolus“.

Modigliani Amedeo(1884–1920) – taliansky maliar. Modiglianiho diela sa vyznačujú hudobnou prepracovanosťou siluety a farby a lakonickou kompozíciou.

Monet Oscar Claude(1840–1926) – francúzsky maliar, jeden zo zakladateľov impresionizmu.

Munch Edvard(1863–1944) - nórsky maliar a grafik, jeden zo zakladateľov expresionizmu („Výkrik“).

Mukhina Vera Ignatievna(1889-1953) - sovietska sochárka-monumentalistka („Robotníčka a kolchoznícka žena“).

Perov Vasily Grigorievich (Kriedener)(1834–1882) - ruský maliar, jeden zo zakladajúcich členov „Asociácie putovných umeleckých výstav“ („Trojka“, „Portrét F. M. Dostojevského“, „Poľovníci na odpočinku“).

Petrov-Vodkin Kuzma Sergejevič(1878–1939) - ruský sovietsky maliar („Kúpanie červeného koňa“), symbolista, romantik.

Picasso Pablo Ruiz(1881–1973) - francúzsky umelec, pracoval vo viacerých smeroch - kubizmus, realizmus atď. Vytvoril diela plné bolesti a protestu („Guernica“), autor slávnej „Holubice mieru“.

Pirosmani Niko(1862–1918) – gruzínsky primitivistický umelec. Maľoval skupinové portréty a znaky, ktoré ostro vyjadrujú pocit plnosti a radosti zo života.

Praxiteles(IV. storočie pred Kristom) - staroveký grécky sochár, narodený v Aténach cca. 390 pred Kr e. Autor slávnych skladieb „Hermes s dieťaťom Dionýzom“, „Apollo zabíja jaštericu“. Väčšina Praxitelových diel je známa z rímskych kópií alebo z opisov antických autorov.

Poussin Nicolas(1594–1665) - francúzsky maliar, predstaviteľ školy klasicizmu („Krajina s Polyfémom“).

Rafael Santi(1483–1520) - taliansky maliar a architekt, ktorého obrazy sa vyznačujú klasickou čistotou a majestátnou spiritualitou. Oslavoval pozemskú existenciu človeka, harmóniu jeho duševných a fyzických síl („Sixtínska Madona“).

Reynolds Joshua(1723–1792) – anglický maliar a teoretik umenia. Majstrovský portrétista („J. O. Heathfield“) písal aj na historické a mytologické témy.

Rembrandt Harmens van Rijn(1606–1669) – holandský maliar, kresliar, lept. Maľoval scény a portréty, ktoré boli komplexné vo svojej psychologickej štruktúre („Nočná hliadka“, „Danae“).

Renoir Auguste(1841–1919) – francúzsky maliar, grafik a sochár, blízky impresionistom. Spieval zmyselnú krásu a radosť z bytia.

Repin Iľja Efimovič(1844–1930) – ruský a ukrajinský maliar. Odhalil duchovnú krásu ľudí, ich lásku k slobode („Kozáci píšu list tureckému sultánovi“, „Barge dopravcovia na Volge“, „Nečakali“).

Roerich Nikolaj Konstantinovič(1874–1947) – ruský umelec, od 20. rokov 20. storočia žil v Indii, ktorej filozofia mala obrovský vplyv na jeho tvorbu.

Rodin Auguste(1840-1917) - francúzsky sochár, inovátor formy („Mysliteľ“, „Občania Calais“).

Rokotov Fedor Stepanovič(1735–1808) - vynikajúci ruský maliar. Medzi umelcovými dielami sú jemné, poetické portréty, presiaknuté vedomím duchovnej a fyzickej krásy človeka.

Rubens Peter Paul(1577–1640) – flámsky maliar. Jeho krajiny sú presiaknuté zmyslom pre silné prírodné sily. Scény roľníckeho života („Návrat žencov“) sú presiaknuté demokratickým duchom.

Rublev Andrej(okolo 1360-c. 1430) - veľký ruský maliar, maliar ikon, najväčší majster moskovskej maliarskej školy. Rublevove diela sú preniknuté hlbokou ľudskosťou a vznešenou spiritualitou („Trojica“, obrazy mnohých katedrál, ikony).

Savrasov Alexej Kondratievič(1830–1897) – ruský maliar krajinárov, Wanderer. Sprostredkoval poetickú krásu a význam každodenných motívov („The Rooks Have Arrived“).

Saryan Martiros Sergejevič(1880–1972) – arménsky umelec. Majster život potvrdzujúcich, emocionálnych krajín, jasný a dekoratívne zovšeobecnený štýl („Údolie Ararat“, „Arménsko“), ostré psychologické portréty a zátišia, ktoré majú slávnostnú farbu.

Cezanne Paul(1839-1906) - francúzsky maliar, postimpresionista („Bank of the Marne“, „Peaches and Pears“).

Serov Valentin Alexandrovič(1865–1911) – ruský maliar a grafik Wanderer. Rané diela („Dievča s broskyňami“) sa vyznačujú sviežosťou a bohatosťou farieb.

Snyders Francúzsko(1579–1657) - flámsky maliar, majster zátiší a zvieracích kompozícií v barokovom štýle („Kohútie zápasy“, „Predavač ovocia“).

Surikov Vasilij Ivanovič(1848–1916) - ruský kočovný umelec, mnohé plátna sú venované zlomovým bodom v ruskej histórii („Boyarina Morozova“ atď.). Majster portrétu.

Tintoretto (Robusti) Jacopo(1518–1594) – taliansky maliar, jeden z najväčších maliarov benátskej školy neskorej renesancie.

Tizian (Titian Vecellio)(1476–1576) – taliansky maliar, riaditeľ benátskej školy. Jeho diela sa vyznačujú veselosťou, mnohostranným vnímaním života („Venuša a Adonis“, „Danae“) a v neskorších dielach intenzívnou drámou.

Thorvaldsen Bertel(1768–1844) – dánsky sochár, predstaviteľ klasicizmu. Thorvaldsenove sochy sa vyznačujú plastickou úplnosťou, zdržanlivosťou a idealizáciou obrazov („Jason“).

Tropinin Vasilij Andrejevič(1776–1857) – ruský maliar, majster romantického portrétovania.

Henri de Toulouse-Lautrec(1864–1901) – francúzsky grafik a maliar, postimpresionista.

Phidias(V. storočie pred naším letopočtom) - starogrécky sochár vrcholného klasického obdobia. Dielo Phidias je považované za jeden z najvyšších úspechov antického umenia (sochy Atény, Olympského Zeusa).

Hokusai Katsushika(1760–1849) – japonský maliar a kresliar, majster farebných drevorezieb.

Cellini Benvenuto(1500–1571) – taliansky sochár, architekt a spisovateľ. Jeden z najznámejších predstaviteľov manierizmu.

Chagall Marc(1887–1985) – francúzsky umelec, prívrženec surrealizmu. Väčšina jeho obrazov je inšpirovaná ruskými a židovskými ľudovými motívmi.

Šiškin Ivan Ivanovič(1832–1898), ruský maliar, jeden z najväčších majstrov realistickej krajinomaľby. Akademik (1865), profesor (1873), vedúci krajinskej dielne (1894–1895) Akadémie umení. Zakladajúci člen Asociácie putovných umeleckých výstav.

Escher Maurice Cornelis(1898–1972) – holandský grafik. Preslávil sa najmä konceptuálnymi litografiami, drevorytinami a kovorytinami, v ktorých majstrovsky skúmal plastické aspekty pojmov nekonečno a symetria, ako aj osobitosti psychologického vnímania zložitých trojrozmerných objektov.

Jarošenko Nikolaj Alexandrovič(1846–1898) – ruský potulný maliar. Portréty, krajiny, žánrové scény („Stoker“, „Starý a mladý“) sa vyznačujú svojou dramatickosťou.

) vo svojich expresívnych, rozľahlých dielach dokázala zachovať priehľadnosť hmly, ľahkosť plachty a hladké hojdanie lode na vlnách.

Jej obrazy udivujú svojou hĺbkou, objemom, bohatosťou a textúrou je taká, že z nich nemožno spustiť oči.

Teplá jednoduchosť Valentina Gubareva

Primitivistický umelec z Minska Valentin Gubarev neženie sa za slávou a robí len to, čo miluje. Jeho tvorba je v zahraničí neskutočne populárna, no pre jeho krajanov takmer neznáma. V polovici 90. rokov sa Francúzi zamilovali do jeho každodenných náčrtov a podpísali s umelcom zmluvu na 16 rokov. Obrazy, ktoré, ako sa zdá, by mali byť zrozumiteľné len nám, nositeľom „skromného kúzla nerozvinutého socializmu“, oslovili európsku verejnosť a začali sa výstavy vo Švajčiarsku, Nemecku, Veľkej Británii a ďalších krajinách.

Zmyselný realizmus Sergeja Marshennikova

Sergej Marshennikov má 41 rokov. Žije v Petrohrade a pracuje v najlepších tradíciách klasickej ruskej školy realistického portrétu. Hrdinkami jeho plátien sú ženy, ktoré sú vo svojej polonahote nežné a bezbranné. Mnohé z najznámejších obrazov zobrazujú umelcovu múzu a manželku Natalyu.

Myopický svet Philipa Barlowa

V modernej dobe obrazov s vysokým rozlíšením a vzostupu hyperrealizmu dielo Philipa Barlowa okamžite upúta pozornosť. Od diváka sa však vyžaduje určité úsilie, aby sa prinútil pozrieť sa na rozmazané siluety a svetlé miesta na plátnach autora. Asi takto vidia svet ľudia trpiaci krátkozrakosťou bez okuliarov a kontaktných šošoviek.

Slnečné zajačiky od Laurenta Parseliera

Obraz Laurenta Parceliera je úžasný svet, v ktorom nie je ani smútok, ani skľúčenosť. Pochmúrne a upršané obrázky od neho nenájdete. Jeho plátna obsahujú veľa svetla, vzduchu a jasných farieb, ktoré umelec aplikuje charakteristickými, rozpoznateľnými ťahmi. To vytvára pocit, že obrazy sú utkané z tisícky slnečných lúčov.

Mestská dynamika v dielach Jeremyho Manna

Americký umelec Jeremy Mann maľuje dynamické portréty modernej metropoly olejom na drevené dosky. „Abstraktné tvary, línie, kontrast svetlých a tmavých škvŕn – to všetko vytvára obraz, ktorý navodzuje pocit, ktorý človek zažíva v dave a ruchu veľkomesta, no zároveň dokáže vyjadriť pokoj, ktorý sa nachádza pri kontemplácii tichej krásy.“ hovorí umelec.

Iluzívny svet Neila Simona

Na obrazoch britského umelca Neila Simonea nie je nič také, ako sa na prvý pohľad zdá. „Svet okolo mňa je pre mňa sériou krehkých a neustále sa meniacich tvarov, tieňov a hraníc,“ hovorí Simon. A v jeho obrazoch je všetko skutočne iluzórne a prepojené. Hranice sa stierajú a príbehy sa prelínajú jeden do druhého.

Milostná dráma od Josepha Lorasso

Súčasný americký umelec Joseph Lorusso, pôvodom Talian, prenáša na plátno námety, ktoré pozoroval v každodennom živote obyčajných ľudí. Jeho emotívne obrazy napĺňajú objatia a bozky, vášnivé výbuchy, chvíle nežnosti a túžby.

Vidiecky život Dmitrija Levina

Dmitrij Levin je uznávaným majstrom ruskej krajiny, ktorý sa etabloval ako talentovaný predstaviteľ ruskej realistickej školy. Najdôležitejším zdrojom jeho umenia je jeho pripútanosť k prírode, ktorú nežne a vášnivo miluje a ktorej sa cíti byť súčasťou.

Svetlý východ od Valeryho Blokhina

Už dlho sme plánovali urobiť hodnotenie najdrahších diel na papieri umelcov na obežnej dráhe ruského umenia. Najlepším motívom pre nás bol nový rekord ruskej grafiky – 2,098 milióna libier za kresbu Kazimíra Maleviča 2. júna

Pri zverejňovaní našich hodnotení veľmi radi pridávame rôzne druhy vylúčení zodpovednosti, aby sme predišli možným otázkam. Takže prvá zásada: iba originálna grafika. Po druhé: používame výsledky otvorených aukcií pre diela umelcov zaradených do obežnej dráhy ruského umenia podľa databázy webovej stránky (možno boli predaje galérií za vyššie ceny). Po tretie: Samozrejme, bolo by lákavé umiestniť 3,7 milióna dolárov Arshila Gorkého na prvé miesto na Housatonic. On sám, ako je známe, sa všetkými možnými spôsobmi snažil byť považovaný za ruského umelca, bez toho, aby sa vyhýbal mystifikácii, vzal si pseudonym na počesť Maxima Gorkého atď.; v roku 2009 boli Gorkove diela vystavené Ruským múzeom a Treťjakovskou galériou na výstave „Americkí umelci z Ruskej ríše“, zaradili sme ho do databázy výsledkov aukcií AI, ale začať hodnotenie ruskej grafiky s ním je nespravodlivé z formálnych dôvodov. Po štvrté: jeden hárok - jeden výsledok. Pre toto hodnotenie sme vybrali iba diela pozostávajúce z jedného listu papiera; formálny prístup by nás prinútil vziať do úvahy ďalšie tri položky, z ktorých každá bola predaná ako jedna šarža: 122 originálnych kresieb tušom pre „Knihu markízy“ od Konstantina Somova, dva šanóny s 58 kresbami a gvaše pre „Knihu markízy“ Bratia Karamazovovci“ od F. M. Dostojevského od Borisa Grigorieva a časť zbierky Jakov Peremen. Po piate: jeden autor – jedno dielo. Ak by sme formálne zobrali prvých 10 podľa ceny (okrem Gorkových výsledkov a prefabrikovaných sérií), potom by bolo päť listov Kandinského, tri Chagalla a po jednom Malevič a Serebryakova. Nudné. Po šieste: analyzujeme obdobie od roku 2001 po súčasnosť. Po siedme: cenový rating bol zostavený v dolároch, výsledky v iných menách boli prepočítané na doláre výmenným kurzom v deň obchodovania. Po ôsme: všetky výsledky sú uvedené s prihliadnutím na províziu predajcu.

Kresba Kazimíra Maleviča „Hlava sedliaka“, ktorá je prípravnou skicou k stratenému obrazu „Roľnícky pohreb“ z roku 1911, sa celkom očakávane stala top lotom ruskej aukcie v Sotheby’s 2. júna 2014 v Londýne. Malevichove diela sa na trhu s umením objavujú veľmi zriedkavo; „Hlava roľníka“ je prvým dielom daným do aukcie od predaja „Suprematist Composition“ za 60 miliónov dolárov v Sotheby's v roku 2008 a je jedným z posledných významných diel umelca v súkromí. zbierky. Tento náčrt bol jedným zo 70 diel, ktoré umelec vystavil v Berlíne v roku 1927, a potom ich nechal v Nemecku, aby ich zachránil pred zákazom a umelým zabudnutím, ktoré by ich v Rusku nevyhnutne čakalo. Dielo prišlo na aukciu Sotheby’s z mocnej nemeckej súkromnej zbierky ruskej avantgardy. Takmer všetky položky v tejto zbierke prekročili ich odhad, ale Malevichova kresba bola jednoducho mimo konkurencie. Dali jej trojnásobok odhadu – 2,098 milióna libier. Ide o jednoznačne najdrahšie grafické dielo ruského umelca.

Zoznam najdrahších grafických diel Wassily Kandinsky zahŕňa až 18 originálnych kresieb v hodnote viac ako milión dolárov. Jeho akvarely nie sú vo svojom abstraktnom posolstve o nič horšie ako jeho maľby. Pripomeňme si, že práve z Kandinského grafického diela - „Prvý abstraktný akvarel“ z roku 1910 - sa zvyčajne počítajú dejiny moderného abstraktného umenia. Ako hovorí legenda, jedného dňa Kandinsky, ktorý sedel v polotme svojho ateliéru v Mníchove a hľadel na svoju figuratívnu tvorbu, na nej nemohol rozoznať nič okrem farebných škvŕn a tvarov. A potom si uvedomil, že musí opustiť objektivitu a pokúsiť sa zachytiť „pohyby duše“ prostredníctvom farieb. Výsledkom bolo dielo bez akéhokoľvek spojenia s vonkajším svetom – „Prvý abstraktný akvarel“ (Paríž, Centre Georges Pompidou).

Kandinského plátna sú na trhu vzácne a sú veľmi drahé, no grafika dokonale zapadne do každej kolekcie a bude v nej vyzerať decentne. Obehovú grafiku si môžete dovoliť za niekoľko tisíc dolárov. Ale za originálnu kresbu, ktorá je napríklad náčrtom slávneho obrazu, budete musieť zaplatiť mnohonásobne viac. Doteraz najdrahší akvarel „Untitled“ z roku 1922 bol predaný počas umeleckého boomu v roku 2008 za 2,9 milióna dolárov.

Marc Chagall bol na svoju dobu nezvyčajne produktívnym umelcom. Dnes Damienovi Hirstovi a Jeffovi Koonsovi pomáha armáda asistentov a Mark Zakharovich sám vytvoril tisíce originálnych grafických diel za 97 rokov svojho života, nehovoriac o sériovo vyrábaných dielach. Naša databáza výsledkov aukcie Chagall obsahuje viac ako 2000 originálnych diel na papieri. Tento umelec neustále rastie na cene a investičné vyhliadky na kúpu jeho diel sú zrejmé – hlavné je, že pravosť diela potvrdzuje Chagallov výbor. V opačnom prípade by mohlo dielo takmer spáliť (presne tak sa Chagallov výbor vyhráža majiteľovi, ktorý nedávno poslal do Paríža na preskúmanie obraz, ktorý sa ukázal ako falošný). Voľba by sa teda mala robiť iba v prospech bezpodmienečne autentickej grafiky. Jeho cena môže dosiahnuť 2,16 milióna dolárov - toľko zaplatili v máji 2013 za kresbu „Riders“ (papier na kartóne, kvaš, pastel, farebné ceruzky).

Pastel „Ležiaci akt“ nie je len najdrahším grafickým dielom Zinaidy Serebryakovej, ale aj jej najdrahším dielom vôbec. Téma nahého ženského tela bola jednou z hlavných v tvorbe umelca. Akty Serebryakovej sa vyvinuli z obrázkov kúpajúcich sa a ruských krások v kúpeľoch v ruskom období tvorivosti k ležiacim aktom viac v duchu európskeho umenia v parížskom období. Pri pohľade na krásne, zmyselné, idealizované akty Serebryakovej je ťažké si predstaviť, aký tragický bol osud umelkyne - jej manžel zomrel na týfus a nechal ju so štyrmi deťmi v náručí; Musel som žiť z ruky do úst a nakoniec emigrovať do Paríža (ako sa neskôr ukázalo, navždy) a nechať deti v Rusku (iba dve boli neskôr transportované do Francúzska, ďalšie dve museli byť oddelené na viac ako 30 rokov).

Zinaida Serebryakova vo svojich dielach pestovala dokonalú, večnú, klasickú krásu. Pastel v niektorých ohľadoch lepšie vyjadruje ľahkosť a vzdušnosť jej ženských obrazov, v ktorých je takmer vždy niečo zo samotnej umelkyne a jej detí (dcéra Katya bola jedným z jej obľúbených modelov).

Pomerne veľký pastel, Ležiaci akt, bol zakúpený počas umeleckého boomu v júni 2008 za 1,07 milióna libier (2,11 milióna dolárov). Žiadnemu inému dielu sa odvtedy nepodarilo prekonať tento rekord. Zaujímavé je, že v top 10 aukčných predajoch Zinaidy Serebryakovej sú len akty a tri diela sú len pastely.

Na aukcii Sotheby’s v Londýne 27. novembra 2012, venovanej maľbám a grafikám ruských umelcov, nebola hlavnou časťou maľba, ale kresba ceruzkou na papieri – „Portrét Vsevoloda Meyerholda“ od Jurija Annenkova. Osem účastníkov sa o prácu dohadovalo v sále a cez telefóny. Výsledkom bolo, že kresba, ktorá sa odhaduje na 30–50 tisíc libier, stála nového majiteľa niekoľko desiatokkrát viac, ako sa odhadovalo. Výsledok 1,05 milióna libier (1,68 milióna dolárov) za noc urobil z „Portrétu Vsevoloda Meyerholda“ najdrahšiu autorovu grafiku a obsadil tretie miesto v zozname najvyšších aukčných cien za Annenkovove diela vo všeobecnosti.

Prečo bol o portrét taký veľký záujem? Annenkov je brilantný maliar portrétov, ktorý zanechal obrazy najlepších postáv éry - básnikov, spisovateľov, režisérov. Okrem toho bol veľmi talentovaný na grafiku: jeho štýl spájal techniky klasickej kresby s avantgardnými prvkami kubizmu, futurizmu, expresionizmu... Uspel ako divadelný a filmový výtvarník, ako ilustrátor kníh. Pozornosť verejnosti určite upútala aj osobnosť modelky na portréte – slávneho režiséra Vsevoloda Meyerholda. No, aby toho nebolo málo, táto kresba pochádza zo zbierky skladateľa Borisa Tyomkina, rodáka z Kremenčugu, ktorý emigroval do USA a stal sa slávnym americkým skladateľom, štvornásobným držiteľom Oscara za hudobné dielo v kinematografii.

Jeden z hlavných umelcov združenia World of Art, Lev (Leon) Bakst, samozrejme, mal byť na našom zozname komerčne najúspešnejších grafikov. Jeho sofistikované divadelné diela – návrhy kostýmov pre najlepších tanečníkov tej doby, výpravy k inscenáciám – nám dnes dávajú predstavu o tom, akým luxusným divadlom boli Diaghilevove ruské ročné obdobia.

Bakstovo najdrahšie grafické dielo, „Žltá sultána“, vzniklo v roku, keď Diaghilevov balet prvýkrát absolvoval turné v Spojených štátoch. V tom čase bol Bakst už známym umelcom, rozpoznateľný štýl jeho divadelných diel sa stal značkou a jeho vplyv bolo cítiť v móde, interiérovom dizajne a šperkoch. Zmyselný akt „Yellow Sultana“, ktorý vyrástol z jeho divadelných skečov, vyvolal na aukcii Christie ́s 28. mája 2012 urputný súboj dvoch telefónov. Výsledkom bolo, že dosiahli hodnotu 937 250 libier ( 1 467 810 dolárov) s prihliadnutím na províziu, napriek tomu, že odhad bol 350-450 tisíc libier.

V dielach Viktora Elpidiforoviča Borisova-Musatova sa objavuje svet ušľachtilých hniezd upadajúcich do zabudnutia, zahmlené parky kaštieľov a pôvabné slečny prechádzajúce sa uličkami. Niektorí jeho štýl nazývajú „elégia v maľbe“, charakterizuje ho zasnenosť, tichá melanchólia a smútok za minulou dobou. Pre Borisova-Musatova boli šľachtické majetky súčasným svetom, no v jeho úvahách o tomto svete je niečo nadpozemské, o týchto parkoch, verandách a rybníkoch akoby umelec sníval. Akoby tušil, že tento svet čoskoro prestane existovať a on sám už nebude (umelca vzala vo veku 35 rokov ťažká choroba).

Viktor Borisov-Musatov uprednostňoval pastel a akvarel pred olejomaľbou, dodávali mu potrebnú ľahkosť štetca a oparu. Vystúpenie jeho pastelu „Posledný deň“ na ruskej aukcii v Sotheby’s v roku 2006 bolo udalosťou, pretože hlavné diela Borisova-Musatova sú v múzeách a na otvorených aukciách sa v priebehu rokov ponúkal len asi tucet diel. Pastel „Posledný deň“ pochádza zo zbierky V. Nápravnika, syna ruského dirigenta a skladateľa Eduarda Nápravnika. Tento pastel bol zobrazený na „Portréte Márie Georgievny Napravnik“ od Zinaidy Serebryakovej, ktorý je teraz uložený v Chuvash Art Museum. V monografii „Borisov-Musatov“ (1916) N. N. Wrangel spomína „Posledný deň“ v zozname umelcových diel. Takže, ako sa očakávalo, nepochybne originálny predmet dosiahol pre umelca rekordnú cenu 702 400 libier alebo 1 314 760 dolárov.

Alexander Deineka bol brilantný grafik, grafika ho v počiatočných fázach jeho tvorivej kariéry lákala ešte viac ako maľba, predovšetkým pre svoj propagandistický potenciál. Umelec veľa pracoval ako ilustrátor kníh a časopisov a tvoril plagáty. Neskôr ho táto „magazínsko-plagátová práca“ unavila, začal čoraz viac pracovať v maľbe, v monumentálnom umení, ale nadobudnuté zručnosti kresliča sa ukázali ako veľmi užitočné – napríklad pri vytváraní prípravných náčrtov obrazov. „Dievča viažuce stuhu na hlavu“ - náčrt k obrazu „Bather“ (1951, zbierka Treťjakovskej galérie). Toto doteraz najdrahšie dielo Deineky sa datuje do neskorého obdobia tvorivosti, keď sa štýl umelca z avantgardných hľadaní 20. – 30. rokov 20. storočia výrazne rozvinul smerom k socialistickému realizmu. Ale Deineka bola úprimná aj v socialistickom realizme. Sila a krása zdravého ľudského tela je jednou z Deinekových obľúbených tém v jeho tvorbe. „Dievča viažuce stuhu“ nás odkazuje na jeho akty, podobné gréckym bohyniam – sovietskym Venuškám, ktoré nachádzajú šťastie v práci a športe. Ide o kresbu z učebnice Deineka, a preto niet divu, že sa na aukcii Sovcom predala za rekordných 27 500 000 rubľov (1 012 450 USD).

Boris Dmitrievich Grigoriev emigroval z Ruska v roku 1919. Stal sa jedným z najznámejších ruských umelcov v zahraničí, no zároveň bol vo svojej vlasti na dlhé desaťročia zabudnutý a jeho prvé výstavy v ZSSR sa uskutočnili až koncom 80. rokov. Dnes je však jedným z najvyhľadávanejších a vysoko cenených autorov na ruskom umeleckom trhu, jeho diela, maľby aj grafiky, sa predávajú za státisíce a milióny dolárov. Umelec bol mimoriadne výkonný, veril, že zvládne akúkoľvek tému, akúkoľvek objednávku.

Asi najznámejšie sú jeho cykly „Race“ a „Tváre Ruska“ – duchom veľmi blízke a líšia sa len tým, že prvý vznikol pred emigráciou a druhý už v Paríži. V týchto cykloch sa nám predkladá galéria typov („tvárí“) ruského sedliactva – starci, ženy a deti sa na diváka namosúrene pozerajú, priťahujú pohľad a zároveň ho odpudzujú. Grigoriev v žiadnom prípade neinklinoval k idealizácii alebo prikrášľovaniu tých, ktorých maľoval, naopak, niekedy vnáša obrazy do grotesky. Jedna z „tvárí“, vyhotovená gvašom a akvarelom na papieri, sa stala najdrahším grafickým dielom Borisa Grigorieva: v novembri 2009 za ňu na aukcii Sotheby’s zaplatili 986 500 dolárov.

A nakoniec, desiatym autorom na našom zozname najdrahších diel ruskej grafiky je Konstantin Somov. Synovi kurátora zbierok Ermitáž a hudobníkovi bola od detstva vštepovaná láska k umeniu a všetkému krásnemu.Po štúdiu na Akadémii umení u Repina sa Somov čoskoro ocitol v spolku Svet umenia, ktorý propagoval kult krásy, ktorý mu bol blízky. Táto túžba po dekoratívnosti a „kráse“ sa prejavila najmä v jeho početných kresbách založených na obrazoch galantskej éry, o ktoré sa zaujímali aj iní svetoví umelci (Lanceret, Benois). „Somovskí“ markizáci a galantní páni na tajných rande, scény spoločenských recepcií a maškarád s harlekýnmi a dámami v parochniach nás odkazujú na estetiku baroka a rokoka.

Ceny Somovových diel na trhu s umením začali od roku 2006 rásť fenomenálnym a nie vždy pochopiteľným tempom, niektoré jeho obrazy prekročili odhad 5, ba až 13-krát. Jeho obrazy stáli milióny libier. Pokiaľ ide o grafiku, Somovov najlepší výsledok je zatiaľ 620 727 dolárov - to je len jedna z kresieb „galantnej“ série „Maškaráda“.

22. apríla 2010 sa v aukčnej sieni Sotheby's v New Yorku predalo 86 diel – obrazov a grafík – od takmer dvoch desiatok autorov ako jeden diel č. 349. Tento predaj mimochodom vytvára zmätok v štatistikách aukcií tých umelcov, ktorých diela boli zaradené do tejto položky. Áno, zbierka je sama o sebe veľmi cenná, má za sebou dlhú, zložitú a tragickú históriu a na jednej strane je dobré, že sa zbierka dostala do rovnakých rúk. Ale na druhej strane, ak sa jedného dňa majiteľ rozhodne jednotlivé diela predať, tak pre väčšinu autorov jednoducho neexistuje cenová hladina. Po ohlušujúcej „umeleckej príprave“, ktorá predchádzala predaju zbierky, sa mohla objaviť, ale nie a pri ďalšom predaji by to bolo obrovské mínus.

Pozor! Všetky materiály na stránke a databáza výsledkov aukcií na stránke, vrátane ilustrovaných referenčných informácií o dielach predaných na aukcii, sú určené na použitie výlučne v súlade s čl. 1274 Občianskeho zákonníka Ruskej federácie. Použitie na komerčné účely alebo v rozpore s pravidlami ustanovenými Občianskym zákonníkom Ruskej federácie nie je povolené. stránka nezodpovedá za obsah materiálov poskytnutých tretími stranami. V prípade porušenia práv tretích osôb si správa stránky vyhradzuje právo na ich odstránenie zo stránky a z databázy na základe žiadosti oprávneného orgánu.

čl- obrazné chápanie reality; proces alebo výsledok vyjadrenia vnútorného alebo vonkajšieho (vo vzťahu k tvorcovi) sveta v umeleckom obraze; kreativita smerovaná tak, aby odrážala záujmy nielen samotného autora, ale aj iných ľudí.

Dnes vám v krátkosti povieme o najväčších umelcoch a sochároch z celého sveta a začneme ruskými umelcami.

Ajvazovský Ivan Konstantinovič(1817-1900), námorný maliar. Člen akadémie v Petrohrade, Amsterdame, Ríme, Florencii a Stuttgarte. Vytvoril asi 6 tisíc obrazov. Najznámejšie: „Deviata vlna“, „Bitka o Chesme“.

Ivan Aivazovsky „Deviata vlna“

Antropov Alexej Petrovič(1716-1795), maliar portrétov. Do širokého povedomia sa dostal svojimi dekoratívnymi maľbami palácov v Petrohrade a jeho predmestiach.

Antropov Alexej Petrovič – autoportrét

Argunov Ivan Petrovič(1729-1802), maliar portrétov. Maľoval slávnostné portréty, ktoré sa vyznačovali precíznou a jasnou kresbou a zdržanlivou farebnosťou. Autor „Portrétu neznámej roľníčky v ruskom kroji“ a ďalších.

Argunov Ivan – Portrét neznámej roľníčky v ruskom kroji

Arkhipov Abram Efimovič(1862-1930), majster plenérovej maľby, skíc a žánrových malieb. Veľa pracoval na portrétoch, najmä sedliackych žien, a vytvoril život potvrdzujúce obrazy svojich súčasníkov.

Borisov-Musatov Viktor Elpidiforovič(1870-1905), inovatívny umelec. Obrazy: „Dievča na balkóne“, „Pri rybníku“.

Borisov-Musatov Viktor Elpidiforovich – obraz „Pri priehrade“

Borovikovský Vladimír Lukič(1757-1825), maliar portrétov. Portréty ho objednávali najvyššie postavené osoby tej doby, členovia cisárskej rodiny. Najznámejšie boli portréty Arsenyeva, Lopukhina a Kurakina.

Borovikovský Vladimír Lukič – Portrét A. a V. Gagarinovcov 1802

Bruni Fedor (Fidelio) Antonovič(1799-1875). Obrazy: „Smrť Camilly, Horaceovej sestry“, „Medený had“ atď., maľby Katedrály sv. Izáka v Petrohrade.

Bryullov Karl Pavlovič(1799-1852). Písal skice a maľby na historické a mytologické témy, no preslávil sa skôr ako portrétista. Obrazy: „Jazdkyňa“, „Yu. P. Samoilova s ​​malým Arabom, „Bathsheba“, „Talianske popoludnie“ atď. Portrét Yu. P. Samojlovovej s dcérou je uznávaný ako jeden z najlepších.

Najznámejším obrazom Bryullova je Yu. P. Samoilov so svojou dcérou

Vasnetsov Viktor Michajlovič(1848-1926), Tulák, autor obrazov s historickou a rozprávkovou tematikou. Najznámejšie obrazy sú „Po masakre Igora Svyatoslavoviča s Polovtsianmi“, „Alyonushka“. Najveľkolepejším dielom je obraz „Bogatyrs“.

Vasnetsov Viktor Michajlovič - obraz „Bogatyrs“

Venetsianov Alexej Gavrilovič(1780-1847), jeden zo zakladateľov každodenného žánru v ruskej maľbe. Namaľoval mnoho portrétov roľníkov a výjavov zo života na dedine. Obrazy: „Mláť“, „Spiaci pastier“, „Na ornej pôde. Jar“, „Hlava starého sedliaka“.

Obraz „Spiaci pastier“ - Alexey Venetsianov

Vereščagin Vasilij Vasilievič(1842-1904), majster bojového žánru. Namaľoval sériu obrazov s náboženskou tematikou. Obrazy: „Apoteóza vojny“, „Na Shipke je všetko pokojné“.

„Apoteóza vojny“ – obraz ruského umelca Vasilija Vereščagina

Vrubel Michail Alexandrovič(1856-1910). Zaoberal sa maliarskym stojanom a monumentálnym maľovaním kostolov. Obrazy: „Sediaci démon“, „Veštec“, „Pán“, „Lilac“, „Porazený démon“ atď.

Vrubel Michail Alexandrovič – Porazený démon 1902

Ge Nikolaj Nikolajevič(1831-1894), jeden zo zakladateľov Spolku potulných, krajinár, portrétista. Obraz „Saul u čarodejnice Endor“, „Tajné stretnutie“, „Peter I. vypočúva careviča Alexeja Petroviča v Peterhofe“.

Kramskoy Ivan Nikolajevič(1837-1887), jeden zo zakladateľov Spolku potulných. Obrazy: „Neznámy“, „Mina Moiseev“, „Forester“, „Contemplator“.

Nesterov Michail Vasilievič(1862-1942), portrétista, majster monumentálnej maľby a lyrickej krajiny. Najznámejšie obrazy: „Obeť priateľov“, „Znalec“, „Žiadosti o cisára“, „Pustovník“.

Nesterov Michail Vasilievich - obraz „Obeť priateľov“

Repin Iľja Efimovič(1844-1930). Portréty súčasníkov (Stašov, Pisemskij, Tolstoj, Delvig). Obrazy, ktoré sa stali veľmi známymi, boli: „Nečakali“, „Dopravcovia člnov na Volge“, „Kozáci píšu list tureckému sultánovi“, „Ivan Hrozný a jeho syn Ivan“.

Repin Ilya Efimovich - obraz „Kozáci píšu list tureckému sultánovi“

Surikov Vasilij Ivanovič(1848-1916), majster historickej maľby. Obrazy: „Boyaryna Morozova“, „Ráno popravy Streltsy“, „Suvorovov prechod cez Alpy“, „Stepan Razin“.

Surikov Vasily Ivanovič - obraz „Ráno popravy Streltsy“

Chagall Marc(1887-1985), maliar a grafik. Vytváral surrealistické diela, často na folklórne a biblické námety („Nad mestom“), vitráže a ilustrácie.

Šiškin Ivan Ivanovič(1832-1898), krajinár. Obrazy: „Poludnie. V blízkosti Moskvy, „Rato“, „Lesné vzdialenosti“, „Medzi plochým údolím“, „Ráno v borovicovom lese“.

Shishkin Ivan Ivanovič – „Lodný háj“

Zahraniční umelci

Bosch (Bos van Aken) Hieronymus(okolo 1460-1516), holandský maliar. Najznámejší: „Pokušenie sv. Antonio“, triptychy „Voz na seno“ a „Záhrada rozkoší“.

Botticelli Sandro(1445-1510), taliansky umelec, majster florentskej školy. Skladby na náboženské a biblické témy: „Alegória moci“, „Návrat Judity“, „Madona s dieťaťom a anjelmi“. Mytologické kompozície: „Jar“, „Narodenie Venuše“.

Sandro Botticelli „Madona a dieťa s anjelmi“

Bruegel Peter(v rokoch 1525 až 1535-1569), holandský maliar. Obrazy: „Bitka pri Maslenici a pôst“, „Mad Greta“, „Roľnícky tanec“.

Van Gogh Vincent(1853-1890), holandský umelec, predstaviteľ postimpresionizmu. Obrazy: „Roľnícka žena“, „Jedáci zemiakov“, „Pohorie Montmartre“, „Krajina v Auvers po daždi“.

Vincent van Gogh – „Krajina v Auvers po daždi“

Van Dyck Anthonys(1599-1641), flámsky maliar. Slávnostné šľachtické a intímne portréty („Karel I. na poľovačke“), náboženské a mytologické kompozície v barokovom duchu.

Velasquez (Rodriguez de Silva Velasquez) Diego(1599-1660), španielsky umelec. Obrazy: „Raňajky“, „Raňajky dvoch mladých mužov“, „Kristus v dome Marty a Márie“. Portréty obzvlášť kráľovského domu: Infanta Maria Teresa, Infanta Margaret.

Veronese Paolo(1528-1588), taliansky renesančný maliar, predstaviteľ benátskej školy. Maľoval fresky vo vile Barbara Volpi v Maseri. Najznámejší obraz je „Manželstvo v Káne“.

Gauguin Paul(1848-1903), francúzsky umelec, predstaviteľ postimpresionizmu. Obrazy: „Dve tahitské ženy“, „Ach, žiarliš?“, „Kráľova žena“, Odkiaľ pochádzame? Kto sme? Kam ideme?".

Paul Gauguin – Tahiťania-1891.

Goya Francisco(1746-1828), španielsky umelec. Maľoval obrazy s každodennými a historickými, mytologickými a náboženskými námetmi, portréty, maloval nástenné maľby (fresky). Obrazy: „Dáždnik“, „Predavač riadu“, Séria leptov „Caprichos“.

Holbein Hans mladší(1497 alebo 1498-1543), nemecký maliar a grafik, predstaviteľ renesancie. Diela: „Mŕtvy Kristus“ a „Morette“.

Dali Salvador(1904-1989), španielsky maliar, predstaviteľ surrealizmu. Najznámejšie fantazmagorické maľby sú „Horiaca žirafa“ a „Vytrvalosť pamäti“.

Dali Salvador – obraz „Sen“

Daumier Honore(1808-1879), francúzsky grafik, maliar a sochár, majster satirickej kresby a litografie. Známe sa stali karikatúry vládnucej elity a filistinizmu („Transnonen Street“, séria „Good Bourgeois“).

Durer Albrecht(1471-1528), nemecký umelec, predstaviteľ nemeckej renesancie. Obrazy: „Dom pri rybníku“, „Pohľad na Innsbruck“, „Portrét Oswalda Krela“.

Strážnik John(1776-1837), anglický krajinár, predstaviteľ impresionizmu. Obrazy; „Flatfordský mlyn“, „Katedrála v Salisbury z Biskupskej záhrady“, „Kukuričné ​​pole“.

Leonardo da Vinci(1452-1519), taliansky umelec. Všestrannosťou svojich talentov predčil všetkých svojich predchodcov a učiteľov. Obrazy: „Posledná večera“, „La Gioconda“, „Madonna Litta“, „Dáma s hranostajom“, „Madona v jaskyni“ a mnohé ďalšie.

Leonardo da Vinci (1452-1519) – „Posledná večera“

Masaccio(1401-1428), taliansky maliar, predstaviteľ florentskej školy, jeden zo zakladateľov renesančného umenia. Vytvoril fresky kaplnky Brancacci v kostole Santa Maria del Carmine vo Florencii.

Manet Edouard(1832-1883), francúzsky maliar a grafik, zakladateľ impresionizmu. Obrazy: „Raňajky v tráve“, Olympia, „Bar v Folies Bergere“.

Modigliani Amadeo(1840-1920), francúzsky umelec talianskeho pôvodu. Obrazy: „Pablo Picasso“, „Madame Pompadour“, „Dáma s čiernou kravatou“, „Nahý“ atď.

Monet Claude Oscar(1840-1926), zakladateľ francúzskeho impresionizmu. Obrazy: „Raňajky v tráve“, „Orgály na slnku“, „Dojem. Východ slnka“, „Gare Saint-Lazare“.

Murillo Bartolome Esteban(1618-1682), španielsky umelec, predstaviteľ barokového maliarstva. Obrazy: „Svätá rodina s vtákom“, „Útek do Egypta“, Generácia pastierov, „Madona s dieťaťom“ atď.

Picasso Pablo(1881-1973), jeden z najväčších umelcov 20. storočia. Obrazy: „Harlekýn“, „Portrét manželky“, „Jacqueline s čiernou šatkou“, „Starý gitarista“, „Večera slepého muža“, „Dievča na plese“, Traja hudobníci atď.

Poussin Nicolas(1594-1665), francúzsky maliar, predstaviteľ klasicizmu. Obrazy: „Tancred a Erminia“, „Arcadian Shepherds“.

Rafael Santi(1483-1665), taliansky umelec, jeden z najväčších majstrov florentsko-rímskej vrcholnej renesancie. V jeho tvorbe zaujíma ústredné miesto téma Madony: „Madonna Conestabile“, „Madonna Solly“, „Madonna Terranova“, „Madonna v zeleni“, „Sixtínska Madonna“. atď.

Raphael Santi - Svätý Hieronym podporujúci dvoch popravených ľudí

Rembrandt Harmens van Rijn(1606-1669), holandský umelec. Obrazy; „Anatómia doktora Tulpu“, „Danae“, „Nočná hliadka“, „Svätá rodina“, „Dievča pri okne“.

Rembrandt - „Danae“.

Renoir Pierre Augustin(1841-1919), francúzsky umelec, predstaviteľ impresionizmu. Obrazy: „Portrét Alfreda Sisleyho s manželkou“, „Plávanie v Seine“, „Cesta vo vysokej tráve“, „Koniec raňajok“, Prvý večer v opere, Portrét herečky Samari.

Saryan Martiros Sergejevič(1880-1972), arménsky maliar. Obrazy: „Arménsko“, „Údolie Ararat“, „Jesenné zátišie“.

Cezanne Paul(1839-1906), francúzsky umelec, predstaviteľ postimpresionizmu. Obrazy: „Dievča pri klavíri“, Cesta do Pontoise, „Kytica kvetov vo váze“, „Pierrot a Harlekýn“, „Dáma v modrom“ atď.

Zurbaran Francisco(1598-1664), španielsky maliar. zástupca sevillskej školy. Jeho séria obrazov zo života sv. Bonaventúra.

Turner Joseph Melord William(1775-1851), anglický umelec, predstaviteľ impresionizmu, majster romantickej krajiny. Jeho plátna odrážajú mytologické a historické námety („Hannibal prechádzajúci cez Alpy v snehovej búrke“, „Ulysses a Polyphemus“). Obrazy: „Večerná hviezda“, „Dážď, para a rýchlosť“, „Krtek a Calais“.

Tintoretto Jacopo(1518-1594), taliansky umelec, predstaviteľ benátskej školy. Obraz „Zázrak sv. Marka“, známy svojimi veľkými párovými kompozíciami „Posledná večera“, priniesol popularitu. V cykle biblických scén sú najvýznamnejšie obrazy: „Stvorenie zvierat“, „Stvorenie Adama a Evy“, Šalamún a kráľovná zo Sáby atď.

Tizian Vecellio(asi 1476/77 alebo 1489/90 - 1576), taliansky umelec, majster benátskej školy renesancie. Obrazy: „Flóra“, „Láska pozemská a nebeská“, „Madona s čerešňami“, „Kristov smútok“, „Znásilnenie Európy“.

Toulouse-Lautrec Henri Marie Raymond de(1864-1901), francúzsky umelec, predstaviteľ postimpresionizmu. Obrazy: „Grófka Toulouse-Lautrec na raňajkách v Malrome“, „Práčovňa“, „V kaviarni“, Tanec v Moulin Rouge atď.

Hals Franz(1581 alebo 85-1666), holandský umelec, najväčší reformátor židovského portrétovania. Obrazy: „Spievajúci chlapec-flautista“, „Deti s hrnčekom“, „Cigán“, „Usmiaty pán“, „Veselý spoločník pri pití“.

El Greco Domenico(1541-1614), španielsky umelec gréckeho pôvodu.

Ingres Jean Auguste Dominique(1780-1867), francúzsky umelec, jeden z najlepších portrétistov 19. storočia, zástanca tradícií klasicizmu.

Najväčší maliari, sochári, grafici po celom svete aktualizované: 18. februára 2017 používateľom: webovej stránky

Umenie grafiky je rôznorodé. Zahŕňa politické plagáty a kresby v novinách a časopisoch, knižné ilustrácie a karikatúry, priemyselnú úžitkovú grafiku a filmovú reklamu. Jeho veľkú časť tvorí stojanová grafika - kresby a rytiny vyhotovené samostatne, mimo špeciálneho praktického účelu. Nazýva sa tak analogicky s maliarskym stojanom, ktorého diela umelec vytvára na špeciálnom stroji - stojane; slovo „grafika“ pochádza z gréckeho grapho (grapho) – píšem, kreslím. Samozrejme, stojanová grafika nie je úplne bez účelu. Keď vezmete do rúk štetec, ceruzku alebo rytecké dláto, umelec má vždy konkrétny cieľ. Usiluje sa sprostredkovať ľuďom svoje myšlienky a pocity, svoje chápanie života, utvrdzovať v ňom hodných a trestať negatívne, ukázať úžasnú, skrytú krásu sveta, ktorú vidí iba on. Zároveň však autor stojanovej kresby alebo rytiny nie vždy sleduje svojou prácou propagandistický alebo obviňujúci cieľ, ako majstri plagátov a karikatúr, nevykonáva reklamné alebo úžitkové úlohy, ako umelci plagátov a priemyselných grafika, jeho obrazy sa napokon nespájajú s literárnymi hrdinami a situáciami, ako v dielach ilustrátorov.

Rovnako tak majstri maliarskeho a sochárskeho stojana, na rozdiel od nástenných maliarov a dekoratérov, vytvárajú nezávislé diela, ktoré nie sú spojené so žiadnym umeleckým súborom - budovou, miestnosťou, námestím, parkom atď.

Grafika na stojane má veľa spoločného s maľbou na stojane. Hoci ich popredné umelecké prostriedky sú odlišné, oba tieto druhy umenia majú veľké a do značnej miery podobné schopnosti zobrazovať prírodu, ľudí a celé bohatstvo materiálneho sveta. Rôzne aspekty ľudského života, ktorý bol vždy stredobodom umenia, podnietili kompozíciu jeho rôznych žánrov - portrét, krajina, každodenná alebo bojová kompozícia, zátišie atď. Tieto žánre existujú v sovietskej maľbe aj v sovietskej grafike. Svet ľudskej duše je zobrazený s osobitnou hĺbkou v početných maliarskych, sochárskych a grafických dielach. Pre túto psychologickú povahu, pre mnohostranný a veľký rozhovor s divákom o človeku si ceníme najmä stojanové umenie.

Majúc veľa spoločného s maľbou, stojanovou grafikou, zároveň sa spôsobom prevedenia - hlavne na papieri - a technikami kresby a rytia blíži všetkým ostatným druhom grafiky. Ako celá rodina grafiky sa vyznačuje porovnateľnou rýchlosťou vyhotovenia vecí, ako aj dobrými možnosťami ich reprodukcie. Vďaka tomu má grafika po prvé veľký potenciál byť aktuálnym umením, rýchlo reagujúcim na dianie vo verejnom živote, umením žijúcim v rytme moderny. Tieto možnosti vlastné grafike, ako uvidíme neskôr, jej majstri viac ako raz dokonale využili. Po druhé, keďže grafický list je vo všeobecnosti vyhotovený rýchlejšie ako maľba či socha (hoci od grafika sa vyžaduje nemenej duševná sila, talent a zručnosť), zachováva si zvláštnu bezprostrednosť komunikácie s prírodou, možnosť jej živého zachytenia. Ak k tomu pripočítame, že technika vykonávania grafických prác je veľmi rôznorodá, ideová a estetická bohatosť tohto druhu umenia sa stáva zjavnou.

Pozorného diváka grafických diel čaká množstvo zaujímavostí. Nie hneď, ale postupne sa mu odkrýva originalita a krása každej grafickej techniky – striebristá čistota kresby grafitovou ceruzkou a zamatová čiernosť talianskej ceruzky, precízna plynulosť perokresieb tušom alebo tušom, nežnosť pastelu a sangvinik. Postupne sa učíme oceňovať bohatú škálu šedých a čiernych tónov, dostupnú kresbu uhľom, omáčkou, čiernym akvarelom či tušom, priehľadnú ľahkosť farebného akvarelu a ťažšiu, vecnú reč gvaše. Teší nás pestrý a flexibilný jazyk drevorytov, zovšeobecnené a lakonické formy linorytov, výraznosť šerosvitu a hĺbka farby v lepte a voľné sýte odtiene farieb a jemná modelácia litografických kresieb ceruzou.

Umelci často pracujú so zmiešanými médiami, pričom vo svojich dielach kombinujú napríklad uhľ, kriedu a nejaký druh ceruzky alebo akvarel a pastel, akvarel a gvaš atď.

V technike litografie aj gravírovania divák vidí konečný výsledok umelcovej práce - odtlačok alebo odtlačok, inak tlač. Z jednej dosky alebo kameňa sa dá získať veľa takýchto dojmov a všetky sú rovnako originálnymi umeleckými dielami. Táto vlastnosť výtlačkov - ich pomerne veľký obeh pri zachovaní všetkých ich umeleckých predností - je pre nás obzvlášť cenná.

Širšie kruhy sovietskeho ľudu sa teraz zoznamujú s umením. V tlači nachádzajú všetku plnosť myšlienok a estetických zážitkov, ktoré prináša skutočné veľké umenie, a zároveň tlač nie je vzdialeným muzeálnym unikátom, ktorý vidíme len príležitostne, ale vecou, ​​s ktorou to krásne vstupuje do nášho domova. , do každodenného života.

Sovietska stojanová grafika je rozsiahlou oblasťou nášho umenia, ktorej zatiaľ nepísaná história zahŕňa nádherné stránky veľkých umeleckých rešerší a úspechov. Má svoje vlastné skvelé tradície v ruskom umení aj v mnohých iných národných umeleckých školách. Takmer všetci najväčší maliari minulosti boli aj veľkými majstrami kresby a akvarelu. Akvarely Alexandra Ivanova a K. Bryullova, početné kresby a akvarely od Repina, grafiky V. Serova a Vrubela sú majstrovské diela nášho umenia plné večného šarmu. Ako demokratické umenie, ktoré ľuďom prináša obrazy a myšlienky umelcov, sa litografia objavila v Rusku začiatkom 19. storočia. Kiprensky, Orlovsky, Venetsianov, neskôr Perov, Shishkin, Vl. Makovského, Levitana a ďalších umelcov. V štyridsiatych rokoch 19. storočia Shchedrovsky v albume „Tu sú naši“ ukazuje divákovi obchodovanie, remeselníkov, ľudové typy. Bola to prvá skúsenosť s vytváraním farebnej litografie v ruskom umení. Poprední umelci minulého storočia oceňujú rytecké umenie pre jeho relatívne väčšiu dostupnosť pre ľudí, pre to, že približuje ich tvorbu publiku verejného diváka. Klasik ukrajinskej poézie a výtvarník T. G. Ševčenko, ktorý pracoval v lepte, v roku 1857 napísal: "Zo všetkých výtvarných umení mám teraz najradšej rytie. A nie bezdôvodne. Byť dobrým rytcom znamená byť distribútorom krásne a poučné v spoločnosti.“ Shishkin bol tiež nadšencom leptania. I. E. Repin sa opakovane obracal k rôznym technikám rytia. V litografii, lepte a kresbe minulého storočia sa rozvíja celá rôznorodosť žánrov – každodenné, historické výjavy, portrét a krajina.

V grafike začiatku 20. storočia, tak ako v každom umení, dochádza k zložitému prelínaniu niekedy protichodných trendov. Udalosti revolúcie z roku 1905 zachytávajú grafiku časopisov s osobitnou silou, ale nachádzajú ozvenu aj v stojanových dielach - leptach S. Ivanova, v pasteloch V. Serova, šokovaného svedka cárskeho masakru robotníkov. V týchto dielach, ako aj v obrazoch baníkov, robotníkov, študentov od Kasatkina, v kresbách S. Korovina zobrazujúcich vojakov, v listoch Sergeja Ivanova venovaných chudobným migrantom, žije záujem o pracujúceho človeka a sympatie. pre jeho ťažký a ťažký život, charakteristický pre vyspelé ruské umenie.často tragický osud. Ale v harmonograme týchto desaťročí je tiež tendencia vzďaľovať sa od zložitosti a rozporov sociálnej reality. V niektorých prípadoch táto tendencia zanecháva na dielach umelcov pečať akejsi pasívnej kontemplácie, inde umelcov privádza v ich tvorbe do vzdialených, širokej verejnosti cudzích palácových sál a parkov. Možno vedúcim žánrom v predrevolučnej grafike bola krajina. Zamestnáva takých významných majstrov ako A. Ostroumova-Lebedeva, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lanceray a ďalší. Jemne vidia krásu mnohotvárnej prírody, jej rôznych stavov, poéziu architektúry v jej vzťahu ku krajine. Tento obdiv ku kráse sveta je hlavnou večnou náplňou ich diel, ktorá nás znepokojuje dodnes. Niekedy je však na ich stránkach cítiť nádych kontemplácie.

V predrevolučnej ryteckej, časopiseckej a knižnej ilustrácii sa viac ako v iných druhoch umenia prejavil vplyv spolku Svet umenia, možno aj preto, že mnohí jeho členovia boli grafici na vysokej profesionálnej úrovni. Z menovaných umelcov do tohto spolku patrili Ostroumova-Lebedeva a Lanceray. Všetky najlepšie aspekty ich práce sa však vyvinuli v rozpore s estetickými usmerneniami teoretikov „sveta umenia“, ktorí hlásali „čisté umenie“, ktoré bolo ďaleko od života. Maľby, akvarely a kresby hlavných postáv „Sveta umenia“ A. Benoisa, K. Somova a ďalších vzkriesili galantný a nezáživný svet dvorského života minulých období a boli sofistikovanou a poučenou hrou histórie. V predrevolučnej grafike tak vznikali diela presýtené všetkou drámou spoločenských rozporov, objavila sa masa komorných lyrických krajiniek a zároveň prekvital retrospektivizmus, teda odklon od moderny, estetiky tzv. svet umenia.

V prvých rokoch po revolúcii sa vzhľad stojanovej grafiky zmenil len málo. Tieto drsné roky boli časom militantného, ​​hlasného umenia plagátov, propagandistického monumentálneho sochárstva a nového umenia zdobenia masových sviatkov. Na pozadí rýchleho rozvoja týchto druhov umenia vyzerá stojanová grafika na prvý pohľad obzvlášť tradične. Pracujú tu v podstate tí istí majstri ako v predrevolučných rokoch a ich práca, ktorá je už do značnej miery determinovaná, neprechádza okamžite ani rýchlo zložitými zmenami spojenými s vplyvmi novej reality. Krajina a portrét sa stali vedúcimi žánrami stojanovej grafiky. Umelci s láskou zobrazujú starobylé zákutia miest, pozoruhodné architektonické pamiatky a večnú krásu prírody nepodliehajúcu spoločenským búrkam. Ich diela obsahujú množstvo podmanivej zručnosti a pokojného obdivu ku kráse sveta. Zdá sa však, že tento uzavretý malý svet retrospektívnej krajiny s pohľadom dozadu je chránený pred udalosťami, ktoré sa odohrávajú v krajine, neviditeľnou stenou.

Diela každodenného žánru, ktorých vzniklo málo, zobrazujú ten istý tichý a skromný život, nedotknutý žiadnymi spoločenskými otrasmi, jednoduchú domácu prácu.

Grafike týchto rokov dominujú rytiny a litografie; kresba a akvarel nie sú veľmi bežné. Krajinky a portréty často vychádzajú v albumoch rytín, pričom ide o malonákladové a drahé vydania pre pár fajnšmekrov.

Intimita odlišuje portrétne diela. Modelmi pre portrétistov sú zvyčajne umelci, spisovatelia, performeri, teda dosť úzky okruh ľudí duchovne blízkych autorovi. Ich vnútorný svet je odhalený jemne a opatrne, no ešte nie na úrovni veľkých zovšeobecnení, ktoré by boli neskôr prístupné sovietskemu umeniu.

A iba v portrétoch, ktoré vytvoril N. A. Andreev, najmä v jeho obrazoch V. I. Lenina, portrétny žáner v grafike okamžite získava nové kvality, zovšeobecňujúcu silu a spoločenskú rezonanciu. Tieto kresby sú právom zaradené medzi najlepšie úspechy sovietskeho umenia, dodnes nás tešia a podieľajú sa na našich životoch. No v rokoch svojho vzniku boli tieto listy akoby geniálnou výnimkou, ktorá len potvrdzovala pravidlo – teda všeobecný intímny charakter väčšiny portrétnych diel. Zoznámenie sa so sovietskou stojanovou grafikou začneme s Andreevovými kresbami, ktoré sa zdalo, že predbehli svoju dobu.

Pre N. A. Andreeva (1873 - 1932), slávneho sochára, autora moskovských pamätníkov Gogoľa, Ostrovského a pamätníka slobody, bola kresba nielen nevyhnutnou prípravnou fázou práce, ale aj samostatnou oblasťou tvorivosti. Začiatkom 20. rokov 20. storočia namaľoval veľké množstvo grafických portrétov Dzeržinského, Lunačarského, Gorkého, Stanislavského, umelcov umeleckého divadla a ďalších.

Muž v celej celistvosti svojho charakteru je to, čo zaujímalo portrétistu Andreeva. V jeho obliečkach je vnútorný svet modelu zobrazený jasne, sebavedomo a podrobne, ale bez poltónov alebo množstva odtieňov. Keď sa zoznámime s Andreevovými portrétmi, zdá sa, že dostávame súhrn veľmi presných, overených vedomostí o ľuďoch na nich zobrazených. Presnosť a jasnosť tohto poznania je jedinečným pátosom Andreevovej práce, čomu je podriadený aj spôsob vyhotovenia portrétov.

Veľa týmto spôsobom pochádza z umelcovej sochárskej vízie formy. Ide o zdôraznenú plasticitu dizajnu, obligátne hľadanie výraznej siluetovej línie, ale aj tuhosť farieb, chýbajúci zmysel pre vzduch. Ale hlavná vec tu bola pozitívna vec, ktorú dal Andreevov sochársky talent - schopnosť vidieť model ako celok, hlavnú vec v obryse hlavy, vidieť charakteristický vzhľad, zbavený náhodných čiar a zákrut. Táto celistvosť siluety v kombinácii s najdetailnejším vývojom tváre, najmä očí, tvorí umelcov jedinečný štýl. V Andreevových rukách jej dobre poslúžili sangvinické, pastelové a farebné ceruzky, ako aj drevené uhlie alebo talianska ceruzka, ktoré sa používali na načrtnutie hlavných zväzkov.

Rovnakým spôsobom Andreev vytvoril aj niekoľko portrétov V.I. Lenina, ktoré boli súčasťou jeho slávnej Leniniany - veľkého cyklu náčrtov, kresieb, náčrtov a sôch, ktorých vytvorenie bolo hlavným dielom Andrejevovho života v rokoch sovietskej vlády. moc. Portréty Lenina od Andrejeva sú pre nás nielen vecami talentovaného umelca, ale aj vzácnym zjavením očitého svedka, človeka, ktorý Lenina opakovane pozoroval na kongresoch a kongresoch a v jeho kremeľskej kancelárii. V procese tejto práce urobil Andreev veľa rýchlych náčrtov, ale existujú iba tri dokončené portréty; umelec dokonale pochopil zložitosť a špecifickosť ich úloh so zdanlivo možnou rýchlosťou vykonania.

Na jednom z týchto portrétov jemné prižmúrenie Leninových očí a sotva badateľný úsmev vdýchli do obrazu život a vytvorili obraz plný ľudského tepla. Portrét zároveň obsahuje aj pocit spoločenského významu obrazu vodcu, a preto je tento list obsahovo taký nový pre umenie grafického portrétu tých rokov (obr. 1).

Tému Lenin – vodca más s ešte väčšou razanciou a výrazom rozvinul Andrejev v profilovom portréte V.I.Lenina, často zo začiatku 20. rokov 20. storočia. Impulz a energia tohto inšpirovaného obrazu, jeho vznešené hrdinstvo si získava srdcia. Zároveň sa tu chápanie historickej úlohy V.I. Lenina vyznačuje takou zrelosťou, že toto Andrejevovo dielo sa zdá byť ďaleko pred umením začiatku 20. rokov 20. storočia. So všetkým bohatstvom a úspechmi umenia týchto rokov v ňom nenájdeme taký zmysel pre rozsah Leninových činov, rozsah Leninovho myslenia, také historické chápanie jeho obrazu. A nedávny predpoklad bádateľky Leniniana L. Trifonovej sa zdá byť spravodlivý, že portrét, ktorý sa stal známym až v 30. rokoch 20. storočia, nebol vytvorený začiatkom 20. rokov, ale neskôr. Lakonický jazyk a vnútorný obsah dodávajú tomuto listu skutočnú monumentalitu. Nie nadarmo je tento portrét dnes širokej verejnosti známy nielen z mnohých reprodukcií: je vyrobený v mozaike, je maľovaný ako panel pri zdobení sviatkov. Kresba zväčšená do obrovských rozmerov nestráca nič na svojej lakonickej výraznosti,

G. S. Vereisky (nar. 1886) pracoval aj v oblasti portrétov od prvých rokov formovania sovietskej grafiky. Moment hodnotenia spoločenského významu človeka bude neskôr zaujímať dôležité miesto v jeho dielach, ale cesta umelca k tomuto a najmä povaha jeho prvých diel sa líšili od Andreeva. G. S. Vereisky získal prvé umenie v súkromnom ateliéri v Charkove. Štúdium na univerzite, účasť na študentskom revolučnom kruhu a revolučných udalostiach roku 1905, v súvislosti s tým väzenie a potom niekoľkoročná emigrácia - to sú niektoré momenty umelcovej biografie. Od roku 1918 Vereisky niekoľko rokov pracoval v rytecom oddelení Ermitáže. Prišiel tam už s významnými informáciami z dejín svetového umenia a jeho dlhoročné pôsobenie v Ermitáži ho v tomto smere ešte viac obohatilo. Nie knižné, ale živé znalosti majstrovských diel svetového umenia zanechali svoju stopu na tvorivom obraze umelca; veľká kultúra, noblesa, jednoduchosť, za ktorou sa skrýva náročnosť, odlišujú jeho početné diela. Vereisky začínal s portrétmi vykonávanými v litografii, a hoci ho dnes poznáme ako vynikajúceho kresliara a leptača, najviac sa mu darilo v oblasti litografie.

Vereisky sa od začiatku svojej tvorby vyznačoval vernosťou k prírode a pozorovaním. Preto sa možno dlhá cesta tohto umelca v umení zdá na prvý pohľad hladká a pokojná. V skutočnosti sa vyznačuje neustálymi questami, zlepšovaním zručností,

Bereyského prvý album „Russian Artists“ vyšiel v roku 1922. Vidíme tu plne zastúpenú skupinu umelcov zo spoločnosti World of Art, od zakladateľov až po jej druhú generáciu. Vereisky veľmi dobre pozná svoje modely a presne vystihuje duchovnú náladu a charakter každého z umelcov - pochmúrnu vážnosť a nepríjemnú osamelosť Benoisa, neradostnú koncentráciu Somova, pichľavý výraz, napätie Mitrochinovho vnútorného života atď. listov, ako z Andrejevových portrétov, sa o tu zobrazených ľuďoch môžeme veľa dozvedieť, no na Vereiského portrétoch chýba moment hodnotenia ľudí takpovediac z diaľky, charakteristika je podaná komorne, intímno-lyricky a otázka spoločenského významu ich aktivít ešte nebola nastolená. V nasledujúcich albumoch z rokov 1927 - 1928 Vereisky presnejšie nachádza prirodzenú a uvoľnenú pózu modelu, kreslí sebavedomejšie a slobodnejšie. Úspešné sú portréty umelcov Golovin, Zamirailr, architekt Shchuko, kritik Yaremich, Notgaft. Vereisky dokázal sprostredkovať vnútornú kultúru, živosť mysle a kúzlo veľkého vzdelania, ktoré je vlastné ľuďom, ktorých zobrazoval.

V tridsiatych rokoch Vereisky veľa pracoval na portrétoch pilotov, obdivoval ich odvahu a odvahu a snažil sa zdôrazniť tieto vlastnosti vo svojich popisoch. A keď na začiatku Veľkej vlasteneckej vojny vytvoril portréty statočných bojovníkov Fisanoviča, Meshcherského, Osipova a ďalších, vyzerali ako pokračovanie umelcovho príbehu o statočných sovietskych vojakoch, ktorý sa začal dielami 30-tych rokov.

Ale Vereiskyho hlavným úspechom v tomto období a neskôr boli portréty kultúrnych osobností. Zvlášť jasne mal umelec počas vojnových rokov pocit, že témou jeho portrétov je kreativita, vzácna a neodcudziteľná schopnosť umeleckého človeka pracovať s tvorivým nadhľadom aj vo chvíľach ťažkých ťažkostí. Na týchto listoch sa Vereiskyho skvelá technická zručnosť zdalo byť prvýkrát osvetlená hlbokým emocionálnym vzrušením a jeho vždy správne a presné portréty získali živú emocionalitu. Riaditeľ Ermitáže, orientalista I. A. Orbeli a básnik N. Tichonov, boli ním vykreslení v dňoch obliehania Leningradu; jeho útrapy sa podpísali na vzhľade týchto ľudí, no napriek podmienkam, v ktorých pracujú a ich tvorivá hĺbka sa prejavuje hmatateľne a jasne. Rovnaká poézia inšpirovaného hľadania je aj v portrétoch umelca E. E. Lansereho, dirigenta E. A. Mravinského, maliara T. N. Yablonskaja (obr. 2). Opäť sa tu prezentujú kultúrne osobnosti rôznych profesií, no ako sa zmenil ich vnútorný svet, ich zanietená oddanosť umeniu dostala nový význam. Niekdajšia intimita Vereiského diel sa vytráca a v jeho portrétoch zo 40. – 50. rokov 20. storočia zaznieva v plnej sile otázka spoločenskej úlohy umenia. Metódy jeho psychologického písania sa nestali odlišnými, ale iba precíznejšími, ale z bežnej svedomitej pravdivosti jeho vlastností, kontúr veľkej vnútornej blízkosti ľudí, ktorých zobrazoval, blízkosti v hlavnej veci - v pochopení významu Zdá sa, že ich práca sa objavila sama od seba.

Pri vyslovení mena G. S. Vereiského sa nám často hneď vybavia diela M. S. Rodionova (1885 - 1956) - umelca, ktorého umenie bolo v mnohom vnútorne blízke G. S. Vereiskému. A hlavné smery práce - portrét a krajina (na ktorých Vereisky tiež veľa pracoval) a prísna krása správania a premyslenosť pri štúdiu prírody boli pre týchto umelcov spoločné. Séria portrétov vedcov a umelcov - Abrikosova, Baranova, Vesnina a iných - realizovaná M. S. Rodionovom v rokoch 1944 - 1946, tiež v technike litografie, vytvára v našej grafike tú istú líniu vážnej, bez vonkajšej okázalosti, silnej vo vnútornej pravdivosti portrétneho umenia, ktorá sa črtá aj v dielach G. S. Vereiského.

Práca Vereiského a Rodionova nás zaviedla ďaleko od prvých porevolučných rokov. Keď sa k nim vrátime, musíme okruh nám už známych portrétnych diel doplniť o diela B. M. Kustodieva (1878 - 1927). Veľký maliar Kustodiev tiež veľa pracoval v grafike. Zaujímavosťou je portrét F.I. Chaliapina, ktorý namaľoval akvarelom a ceruzkou v roku 1921. Ak sa v prvej verzii tohto portrétu zdá, že pečať každodenného života zhasína vnútorné svetlo v Chaliapinovej tvári, neskôr umelec vytvorí komplexný a zároveň presvedčivý obraz; človek v ňom cíti talent, šírku, eleganciu a akúsi skrytú myšlienku (obr. 3).

Druhým rozšíreným žánrom v grafike 20. rokov bola krajina. Jedným z jeho najväčších majstrov bola A.P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955). Skorý prebudený záujem o umenie ju priviedol na Stieglitzovu školu technického kreslenia, kde študovala pod vedením vynikajúceho pedagóga a rytca V. V. Mateho, veľkého majstra tónovej reprodukcie rytiny. Kreatívny profil Ostroumovej nebol okamžite určený. Po presťahovaní sa na Akadémiu umení tam študovala u rôznych pedagógov a neskôr bola prijatá ako jedna zo žiačok I. E. Repina. Bola to udalosť, ktorá zanechala stopu v celej budúcej práci umelca. „Hlboko, v jadre nášho umenia, je Repinov veselý, svieži a večne živý realizmus základným kameňom,“ napísala neskôr Ostroumová. Postupne sa záujem umelca o rytie, a najmä o farebné drevoryty, čoraz viac určoval. Počas svojej cesty do Paríža študovala pekné príklady tohto umenia v rôznych zbierkach. Drevorez zo všetkých techník rytia mal v Rusku na začiatku 20. storočia najmenší samostatný umelecký význam a existoval najmä ako spôsob reprodukcie obrazov. Úplne sa zabudlo na farebné drevoryty. Preto, keď Ostroumová-Lebedeva predložila Akadémii na súťaž niekoľko svojich rytín a medzi nimi aj farebný drevorez z obrazu flámskeho umelca Rubensa „Perseus a Andromeda“, porota tento list pôvodne dokonca zamietla a pomýlila si ho s akvarelom. .

Počas svojho dlhého tvorivého života si Ostroumová-Lebedeva niesla svoj záväzok k drevorytom a akvarelom. O prvom z nich s láskou a poéziou píše samotná umelkyňa:

"Na tomto umení oceňujem neskutočnú výstižnosť a stručnosť jeho podania, jeho lakonickosť a vďaka tomu extrémnu ostrosť a výraznosť. Na drevoryte oceňujem nemilosrdnú jednoznačnosť a jasnosť jeho línií... Samotná technika neumožňuje na opravy a preto nie je miesto pre pochybnosti a váhanie v drevoryte ...

A aký krásny je chod nástroja na tvrdom dreve! Doska je tak vyleštená, že pôsobí ako zamat, a na tomto lesklom zlatistom povrchu sa ostré dláto svižne beží a celou úlohou umelca je udržať ho v medziach svojej vôle!

Nastáva nádherný moment, keď po náročnej a pomalej práci spojenej s neustálou intenzívnou pozornosťou – aby sa nepomýlili – valčekom valčekom valčekom nanášate farbu a všetky čiary, ktoré ste na doske nechali, sa začnú lesknúť čiernou farbou a zrazu na tabuli sa objaví kresba.

Vždy som ľutoval, že po takom brilantnom rozkvete rytiny, ktorý bol v 16. a 17. storočí, toto umenie začalo chradnúť, stalo sa službou, remeslom! A vždy som sníval o tom, že mu dám slobodu!“

Už v predrevolučných rokoch vytvorila Ostroumová množstvo nádherných diel - pohľady na Petrohrad a jeho okolie, krajiny nakreslené počas ciest po Taliansku, Španielsku, Francúzsku,

Holandsko. Už teraz sa v nich spája nemenná presnosť a vernosť prírode s veľkým darom zovšeobecňovania. Umelec maľuje Petrohrad obzvlášť oduševnene a poeticky. Mesto vo svojich listoch pôsobí majestátne, plné harmónie a krásy. Jej diela odlišuje harmónia kompozície, lineárna čistota a čistota farieb.

Po revolúcii, ktorá podľa jej spomienok spôsobila umelkyni nárast tvorivej energie a radostný vzostup, Ostroumová naďalej pracuje predovšetkým v žánri architektonickej krajiny. Mesto na svojich stránkach, tak ako predtým, nie sú ulice rušné aktívnym davom, ale predovšetkým kráľovstvom nádhernej architektúry, jej trvalej krásy.

Umelkyňa zároveň objavuje nové črty vo vzhľade mesta a zdržanlivú emocionalitu jej obrazov niekedy nahrádza búrlivejší, impulzívny pocit. V rámci jedného krajinného žánru Ostroumová vytvára veci veľmi rôznorodé a vždy vnútorne celistvé. Pripomeňme si napríklad jej akvarel z roku 1918 "Petrograd. Field of Mars." Táto plachta s rýchlym pohybom oblakov na vysokej oblohe, priestrannosťou námestia a štíhlou, dopredu hľadiacou postavou pamätníka Suvorova je plná skrytého napätia a pátosu. Postoj umelkyne je tu odvážny, veselý, rytmy života, ktoré počula, sú jasné, ako pochod a ako pochod hudobný. Ostroumová maľuje ľahkými ťahmi, generalizovanou formou, používa detaily s múdrou mierou. Zdalo by sa, že tento list je nakreslený celkom jednoducho, no za jeho jednoduchosťou sa skrýva zručnosť a skvelý umelecký vkus. Prejavuje sa to aj v ušľachtilosti skromnej a krásnej palety tejto veci.

Drevorez „Smolný“ je preniknutý divokou emóciou, ktorá je pre Ostroumovú nezvyčajná. Zdá sa, že touto krajinou sa vinie dych revolúcie a zdá sa, že budovanie pokojných klasických foriem opäť žije, ako vo vriacich vodách októbra 1917. Zdá sa, že zrážka čiernej a bielej zdvojnásobuje silu každej z týchto farieb. Stĺpy Propylaea označujúce vchod do Smolného sa hrozivo sčernajú, zem žiari jasnou bielosťou, ťahy, ktoré lemujú cestu k budove v hĺbke, sa krútia v búrlivom pohybe, strom sa ohýba pod nárazovým vetrom a šikmo padajú čiary sotva obkresľujú oblohu nad Smolným. Vzniká obraz plný impulzov, pohybu a romantického vzrušenia. Navyše, aký krásny a malebný je tento čierny drevorez, aké veľké sú jeho čisto dekoratívne prednosti.

Dekoratívny je aj cyklus drobných drevorezieb zobrazujúcich Pavlovsk. Umelec videl dekoratívnosť v obrysoch trsu stromov, siluete sochy alebo mreže, odpozorovaných v živote, a preto presvedčivých.

Klasickým príkladom skvelej zručnosti Ostroumovej-Lebedevovej je krajina „Letná záhrada v mraze“ (1929; obr. 4).

Pri pohľade na túto rytinu vás obklopí pokoj opustenej záhrady; zdá sa, že sa ocitnete v jeho uličke – takto autor rozkladá kompozíciu listu. Steh stôp v hlbokom snehu a rytmus zasneženej čiernej mriežky načrtáva pohyb do hĺbky plachty a jemne sa tam zaobľuje svetlou siluetou mosta. Pohyb a vzdialené postavy ľudí oživujú celú plachtu, ale nenarúšajú jej zasnežené čaro. Práve v spojení úžasného pokoja a ticha s pocitom veľkomestského života plynúceho niekde veľmi blízko sa rodí zvláštne čaro tejto rytiny. Poéziu zimy, jej zahmlené farby, mrazivý vzduch rozdúchajúci koruny stromov v krehkom ružovom mraze tu umelec dokonale sprostredkuje.

V dňoch Veľkej vlasteneckej vojny Ostroumova-Lebedeva, ktorá už mala viac ako sedemdesiat rokov, neopustila Leningrad. So všetkými obyvateľmi sa podelila o neuveriteľné útrapy blokády a neprestala pracovať, ako najlepšie vedela. Stránky jej spomienok na tieto roky sú nielen kronikou útrap a duševných úzkostí, ale aj dôkazom večného tvorivého ohňa a neúnavnej túžby pracovať. Takáto láska k umeniu a veľká oddanosť k nemu sú dodnes príkladom pre mladých umelcov a úspechy Ostroumovej-Lebedevovej v rytení a najmä jej oživenie umeleckých farebných drevorezieb zostávajú neotrasiteľným prínosom veľkého majstra do nášho umenia.

Diela V. D. Falilejeva (1879 - 1948) sú v mnohom rozhľadom a štýlom blízke dielam Ostroumovej-Lebedevovej. Bol tiež majstrom čiernych a farebných drevorezov, k leptu a linorytu sa priklonil v neustálom hľadaní nových technických možností pre svoje diela, najmä koloristické. Falilejevove krajiny, zobrazujúce jeho rodnú krajinu aj cudzinu, nás priťahujú rovnakou plnosťou pocitov, schopnosťou vidieť krásu v obyčajných motívoch prírody, ako diela Ostroumovej-Lebedevovej, ale harmónia a klasická čistota línií sú menej bežné. v jeho rytinách je jeho štýl kresby voľnejší a akosi nepokojnejší, sfarbenie je horúcejšie a malebnejšie. Schopnosť zovšeobecniť svoje dojmy a vytvoriť rozsiahly umelecký obraz s minimom prostriedkov robí Falileeva podobným ako Ostroumova-Lebedeva. V tomto zmysle je charakteristický napríklad Falilejevov album farebných linorytov „Taliansko“, kde sa umelec, ktorý venuje len jeden list jednému alebo druhému mestu, v extrémne lakonických kompozíciách, niekedy zobrazujúcich len fragment budovy, akoby koncentroval čo je najcharakteristickejšie na vzhľade talianskych miest.

Umelec sa zaujíma aj o búrlivú prírodu, vytvára sériu leptov „Rains“, ktoré sa menia v množstve listov, študujú premenlivý vzhľad mora, obrysy búrlivej morskej vlny. V krajinách s motívmi búrok a dažďa vidia niektorí bádatelia jedinečnú odozvu grafiky na revolučnú búrku, no takéto zblíženie sa stále zdá príliš priamočiare. A vo Falilejevovi nebudeme riskovať vytvorenie podobného vzťahu medzi jeho zápletkami a spoločenskými udalosťami. Ale v úplnosti jeho diel, v osobitnom napätí ich vnútornej štruktúry, je skutočne cítiť zložitosť sociálneho sveta a v jeho krajinných listoch je to zreteľnejšie ako napríklad v linoryte „Vojáci, “ pretože Falilejev bol predovšetkým krajinárom.

I. N. Pavlov (1872 - 1951) bol predstaviteľom krajinného žánru aj v grafike. V jeho osobe mala Moskva básnika tak oddaného a nikdy sa neunavilo ho chváliť, ako mal Leningrad v osobe Ostroumovej-Lebedevovej. Pavlov bol takmer v rovnakom veku ako Ostroumova, ale jeho cesta v umení začala v iných, ťažších životných podmienkach. Syn väzenského zdravotníka, neskôr strážca v Katedrále Krista Spasiteľa v Moskve, sa musel čoskoro „dostať na verejnosť“ a stať sa učňom v ryteckej remeselnej dielni. Reprodukčné rytiny z obrazov V. Makovského boli prvé diela, ktoré mu priniesli úspech. Následne Pavlov študoval na Stieglitzovej škole technického kreslenia a v dielni Mate, ako aj na škole Spoločnosti pre podporu umenia, no kvôli potrebe pracovať nie dlho. Umelec dosahuje veľkú zručnosť v reprodukcii obrazov a jeho rytiny sú publikované v populárnych časopisoch tých rokov, ktoré čitateľom predstavujú diela významných maliarov - od Repina po V. Makovského. Fotomechanika však tento spôsob reprodukcie ďalej nahrádza. V Pavlovových dielach sa objavuje hlavná téma jeho tvorby - starobylé zákutia Moskvy a provinčných miest, krajina Ruska ustupujúca do minulosti.

Prechod k tvorbe originálnych rytín nebol pre umelca jednoduchý, no jeho tvrdá práca a láska k námetu dokázali veľa. Od roku 1914 sa začali objavovať albumy krajinných rytín I. N. Pavlova. Jeho krajiny boli založené na dojmoch z prírody moskovského regiónu a z ciest po Volge a Oke. Komorné vnímanie prírody a hľadanie akejsi intimity v nej odlišovalo tieto prvotiny. "Snažil som sa vybrať rohy a zamýšľal som vidieť svoje rytiny ako skutočné krajiny nálady. Vo veľkom meradle, v panoramatickej povahe obrazu, sa mi zdalo, že intimita a kompozičná jasnosť, ktoré som sa snažil dosiahnuť, by mohli úplne zmiznúť." “ spomínal neskôr umelec. Počnúc veľkou sériou moskovských krajiniek, Pavlov aj tu hľadá predovšetkým komorné lyrické motívy a zachytáva antiku. „Hľadal som najvzácnejšie staré budovy, nádvoria, slepé uličky, storočné drevenice, kostoly starej architektúry, neignoroval som veľa vynikajúcich pamiatok staroveku... Občas som striedal staré s novým, aby som zdôrazniť typickosť zabratého kúska mesta,“ – čítame v jeho spomienkach.

Z roka na rok sa hromadili moskovské rytiny I. N. Pavlova, ktoré tvorili jeho početné albumy. Za relatívne krátky čas sa v Moskve veľa zmenilo, tiché zákutia, ktoré maľoval I. N. Pavlov, sa v obrovskom modernom meste zmenili na nepoznanie. A sme vďační umelcovi, ktorý nám zachoval skromné ​​pohodlie tichých uličiek a prívetivosť malých domčekov (obr. 5). A v ďalších ruských mestách - Kostroma, Uglich, Ryazan, Torzhok - Pavlov priťahuje starobylá architektúra. Veľmi dobre cítil jej výraznosť a originalitu. Vo všeobecnosti však Pavlovove diela obsahujú neporovnateľne menej umenia a plastickej krásy ako napríklad krajiny Ostroumova-Lebedeva alebo Falileev. Dokumentárna presnosť jeho diel často prechádza do fotografického štýlu.

5. I. N. Pavlov. List z albumu „Stará Moskva“. Na Varvarke. 1924

Pavlovov cyklus modernej krajiny bol rozšírený v 20. - 30. rokoch 20. storočia, keď sa po vstupe do Združenia umelcov revolučného Ruska vydal, ako mnohí majstri umenia, na tvorivé výlety do priemyselných centier krajiny. Farebný linoryt „Astrachán“ s tmavým kŕdľom lodí a svetlami veľkej budovy Ľudového komisariátu vody na brehu, krajina „Na Volge“ s ostrými čiernymi siluetami plachetníc a mierne chvejúcou sa vodou, „Baku ", "Balakhna" a niektoré ďalšie listy vyrobené v týchto rokoch boli zahrnuté do zoznamu najlepších diel umelca. Obliečka „Zvenigorod. Outskirts“, ktorú vytvoril 78-ročný majster v roku 1949, zaujme aj svojou radostnou, jasnou náladou.

Neprimeraná chvála Pavlovovho diela kritikmi koncom 40. a začiatkom 50. rokov zakrývala nedostatky jeho diel a paradoxne zabránila odhaleniu ich skutočných predností. S úplným popretím jeho práce sa dnes stretávame často. Oceňujeme však skvelú prácu umelca a jeho bohaté skúsenosti, ktoré veľkoryso zdieľal s mnohými majstrami sovietskej grafiky na začiatku ich tvorivej cesty.

Pavlovovou zásluhou – spolu s V.D. Falilejevom – je zavedenie linorytu do používania sovietskymi umelcami a vynález nového spôsobu tlače akvarelom – akvatypu.

Medzi žiakmi I. N. Pavlova úspešne pôsobí ako umelec a pedagóg M. V. Matorin, majster farebných drevorezieb a krajinár.

Vo svojom apele na architektonickú krajinu a antické pamiatky nebol I. N. Pavlov v 20. rokoch 20. storočia sám. Vl. Iv. Sokolov, študent Levitana, ktorého ten istý I.N. Pavlov dokázal zaujímať o techniky rytia, vydal v rokoch 1917 - 1925 niekoľko albumov venovaných Sergievovi Posadovi, starej Moskve a Rostovu. To všetko sú dobré príklady starovekej krajiny. V albumoch litografií Yuona a Kustodieva z 20. rokov možno vidieť aj Sergieva Posada, ruské krajiny, obrazy nedotknutého starého provinčného života. Klasické budovy Petrohradu stoja v prenasledovaných líniách drevorezieb P. A. Shillingovského, ktorého album krajiny vydaný v roku 1923, hoci nazvaný „Petersburg. Ruiny a renesancia“, obsahoval väčšinou len smutné obrázky ruín – ničenie spôsobené Petrohrad vojenskou devastáciou. Po príchode do Arménska Schillingovsky opäť videl iba črty staroveku a v roku 1927 vydal album leptov „Starý Erivan“. Staroveká krajina v grafike prvého desaťročia teda nie je náhodným koníčkom jednotlivých majstrov, ale celým fenoménom.

Až okolo roku 1927 záujem o ňu vyschol a ten istý Shillingovsky, veľký obdivovateľ architektonického staroveku, vytvoril v nasledujúcom roku 1928 album „New Armenia“, akoby vo svojej tvorbe zaznamenal charakteristický zlom, ktorý nastal v r. grafika.

Nové, samozrejme, rastie v hĺbke starého a diela venované modernej krajine sa objavili v grafike takpovediac v jej hĺbke, medzi nám už známymi vecami. Ich autormi boli umelci, ktorí včera venovali svoju kreativitu kontemplácii večných krás architektúry a prírody. Napríklad I. I. Nivinskij (1881 -1933), najväčší majster sovietskeho leptu, v albume „Crimea“, vydanom v roku 1925, umelecky a ľahko, hoci s nádychom kontemplácie, sprostredkúva každodennú veselosť nádhernej južnej prírody. Na 10. výročie októbra vytvoril Nivinskij na príkaz Rady ľudových komisárov niekoľko veľkých leptov „Zages“, kde zobrazujúci elektráreň v Gruzínsku nielenže vnáša nový námet do svojej krajiny, ale tiež aktívne hľadá nové formy vyjadrenia pre to.

Vydarený je lept „Pamätník V. I. Lenina v Zagese“, so starostlivou kresbou a pamätníkom V. I. Lenina prirodzene dominujúcim industriálnej krajine - výtvor sochára I. D. Shadru (obr. 6). Krása tejto pamiatky, jej majestátne veľkolepá silueta sa tu stáva hlavnou zložkou obrazu krajiny. Prírodu dnes umelec poníma nielen ako objekt obdivného rozjímania, ale aj ako pole veľkej ľudskej činnosti. V grafickej krajine po prvý raz zreteľne zazneli tóny aktívneho postoja k životu.

Nové motívy sa objavili v druhej polovici 20. rokov v tvorbe umelca I. A. Sokolova (nar. 1890). Študent a veľký obdivovateľ V.D. Falileeva, I.A. Sokolov, od samého začiatku svojej tvorby zobrazoval scény práce v rytinách. Spočiatku je to ťažká a problematická domáca práca ženy okolo domu, ručné práce - stiesnený a obmedzený svet, zobrazený s vrúcnosťou a láskou. Obuvník sklonený nad prácou, práčovňa, babička s vnúčatami v stiesnenej, neopísateľnej izbe večer, štíhla silueta čipkárky na pozadí svetlej látky so zložitým vzorom, zjavne ňou pletená - to sú Sokolove prvé práce (obr. 7).

Svojím charakterom sú veľmi blízke dielam I. Pavlova, Vl. Sokolov a ďalších umelcov, ktorí nám ukázali neokázalé zákutia veľkých miest, ich nedotknutú starobylosť. „Zdá sa, že život, ktorý sa odráža v rytinách I. A. Sokolova, sa odohrával za stenami tých malých domov, ktoré I. N. Pavlov zobrazoval,“ správne píše životopisec I. A. Sokolova M. Z. Kholodovskaya.

Keďže mal umelec vždy blízko k maľbe práce, bol jedným z prvých, ktorí rozšírili úzky rámec svojej témy a začali zobrazovať nový svet priemyselnej práce - prácu vo veľkom hutníckom závode. Jeho prvé listy, zobrazujúce moskovský závod na kladivo a kosák, pochádzajú z roku 1925. V tom čase už umelec ovládal techniku ​​farebného viacdoskového linorytu a presne a detailne reprodukoval pohľady na dielne, prepletanie mohutných oceľových väzníkov a zložité nasvietenie scén oslnivým horúcim kovom. Neskôr, už ako zrelý majster, Sokolov opäť prišiel do svojej známej továrne a v roku 1949 vytvoril sériu rytín venovaných jemu. Tentoraz zavádza do série portrétne listy; jeden z nich, zobrazujúci oceliara F.I.Sveshnikova, bol pre umelca obzvlášť úspešný. V maske Sveshnikova, ktorý pozorne sledoval tavenie, sa mu podarilo sprostredkovať skromnosť, jednoduchosť a šarm muža s rozsiahlymi životnými a pracovnými skúsenosťami. Ale Sokolovove prvé „továrne“ listy si pre nás zachovávajú svoj význam; obsahujú svedomitú precíznosť prvých krokov na ceste, ktorú sám autor a ďalší umelci ešte nepoznali.

Počas svojho života I. Sokolov veľa pracoval v oblasti krajiny. Jeho krajinky z 20. a 30. rokov sa stali všeobecne známymi; studená sviežosť skorej jari a ohnivé rúcho jesene je v nich vždy zachytené jasnou, precíznou kresbou, jasnými, čistými farbami. Zdokonaľovaním techniky farebného linorytu, dosiahnutím voľného prenosu bohatej škály farieb, umelec používa veľké množstvo dosiek a niekedy sa na dosku valí nielen jeden, ako obvykle, ale niekoľko farieb. Jeho slávna rytina „Kuzminki, Autumn“, uchvacujúca napríklad svojimi horúcimi malebnými farbami, bola vyhotovená na siedmich doskách v deviatich farbách.

Udalosti vojny reflektoval umelec vo veľkom seriáli „Moskva v roku 1942“ a „Čo zničil nepriateľ“. V prvej z nich, kreslenie tankov odchádzajúcich na front po moskovských uliciach, stád zahnaných do úzadia, zeleninové záhradky na dvoroch a pod., umelec nasýti svoje listy žánrovými motívmi, no stále zostáva predovšetkým krajinárom pri riešení zloženie ako celok. V druhej – krajinárskej – sérii sa zámerne dostáva do popredia dokumentárna úloha, no smútok sfarbuje aj tieto listy, zobrazujúce bolestnú deštrukciu nádherných celkov predmestia Leningradu. Rovnaká dokumentárna úloha stojí pred umelcom v jeho sérii povojnových rokov, v ktorej pracne a starostlivo reprodukoval pamätné miesta spojené so životom a dielom V. I. Lenina a A. M. Gorkého.

Prvých diel o novom živote, ako sú listy Nivinského alebo Sokolova, bolo málo. Ich počet sa však postupne zvyšuje. V rokoch prvej päťročnice sa organizovali zájazdy maliarov a grafikov do najvýznamnejších novostavieb, priemyselných gigantov a do prvých JZD. Umelci na tieto nové zadania reagovali s nadšením. A hoci medzi dielami, ktoré vznikli ako výsledok týchto ciest, bolo ešte málo vecí vysokej umeleckej hodnoty, týmto dielom vstúpil do grafiky nový svieži prúd, závan veľkého života krajiny.

Zložitosť tohto diela spočívala v nedostatočnej znalosti umelcov o každodennom živote socialistického staviteľstva a v diskutabilnosti mnohých otázok umeleckej formy charakteristickej pre tie roky. Mnohé umelecké skupiny často vystupovali s protichodnými teoretickými platformami a v sporoch, ktoré vtedy vznikli, sa niekedy spochybňovalo samotné právo na existenciu stojanového umenia. Nemali by sme zabúdať, že tieto roky boli obdobím rozporuplného hľadania v oblasti výtvarnej výchovy. Neraz ich nevhodná príprava na vysokých školách pripravila o pevné základy profesionálnej zručnosti a mladý grafik si musel neskôr veľa vymýšľať. Pravda, veľmi poučné boli pre nich diela množstva vynikajúcich majstrov staršej generácie, ako aj rady, ktoré dávali mladým ľuďom, často aj mimo oficiálnych múrov univerzity. Existovali aj také ateliéry, ako napríklad Kardovského ateliér, v ktorom umelci absolvovali plodnú školu realistickej kresby a kompozície. Pracovné podmienky pre umelcov však boli ťažké. Zlepšili sa až likvidáciou umeleckých skupín začiatkom 30. rokov a zjednotením všetkých zdravých tvorivých síl na jednotnú realistickú platformu.

Keď sa grafika zmenila na moderné témy, rýchlo sa objavilo niekoľko hlavných smerov tvorby umelcov. Jedna z nich bola, ako sme videli na rytinách I. Sokolova, cez presnú, trochu popisnú, takmer dokumentárnu reprodukciu prevažne priemyselnej pracovnej situácie. V dielach tohto typu bolo veľa dômyselnej a úprimnej túžby autorov povedať divákovi čo najpresnejšie a najúplnejšie o nových budovách a továrňach. Nie nadarmo sa umelci často neobmedzujú len na jeden list, ale zachytávajú pohľady na továreň, stavbu a pod. v celej sérii.

Druhý smer možno nazvať lyrickým cítením zohriaty, lakonický, zachovávajúci živosť skice, ale aj jej neprehľadnosť, umenie industriálnej krajiny, ktorú vytvoril koncom 20. – začiatkom 30. rokov N. N. Kupreyanov (1894 - 1933), študent takých rôznych umelcov, ako Kardovskij, Petrov-Vodkin, Ostroumova-Lebedeva, Kupreyanov prešli krátku, ale náročnú cestu v umení, plnú neustáleho hľadania. Zaujímavo pracoval nielen v stojanovej grafike, ale aj v knižnej ilustrácii. Kupreyanov bol jedným z prvých, ktorí sa vo svojich dielach venovali revolúcii a jeho drevoryty „Ozbrojené auto“ (1918) a „Cruiser „Aurora“ (1923), trochu zámerne v zdôraznenej hranatosti alebo rýchlom pohybe línií, niesli v sebe čiastočka skutočného duchovného povznesenia, živá odozva na októbrové udalosti. Čoskoro opúšťa drevoryty, Kuprejanov pracuje najmä v štýle voľného, ​​plného svetla a tajomných svetelných a tieňových prechodov kresby tušom a akvarelom. Komorné krajiny a výjavy „ Selishchensky séria“, v ktorej je vrúcnosť a úzka izolácia rodinného sveta, tvoria jeden z aspektov jeho tvorby. Ale Kuprejanovovo umenie sa čoskoro dostáva do rozľahlej krajiny. V sérii „Železničné trate“ (1927) , jeho rýchly štetec zapĺňa hárok po hárku ozvenou pohybu vlakov a v jeho uponáhľanom rytme počuť ozvenu obchodného života krajiny.Cykly „Baltic“, ktoré sa začali vytvárať v roku 1931, a „Rybolov v Kaspické“, ktoré vznikli v dôsledku umelcových ciest tam, vykazujú rovnakú ľahkosť navonok nedbalého útržkového spôsobu kresby. Cítiť za tým zďaleka nedokončené hľadanie obrazov modernosti, spájajúce výraz prchavosti a objemný obsah charakteristiky.

Predčasná smrť prerušila umelcovu prácu uprostred nej.

Tretí smer v tvorbe grafikov na moderných témach vznikol s raným trendom romanticky povýšenej prezentácie zápletky. Industriálne motívy mení na majestátne, miestami očarujúce divadlo. Zdalo by sa, že práve toto sú diela, ktoré majú najkreatívnejší, najemotívnejší prístup k prírode. A skutočne, medzi nimi sú často významné a veľmi krásne prevedené veci. Ich romantické vzrušenie má však najčastejšie trochu abstraktný a subjektívny charakter, je, podobne ako popisná presnosť iných diel, výsledkom iba prvého kontaktu umelca s témou. Nie nadarmo, unesení všeobecnými typmi stavieb, továrenskými dielňami atď., autori všetkých raných priemyselných diel stále venujú ľuďom v nich veľmi skromné ​​miesto. Príkladom diel romantického charakteru je list N. I. Dormidontova „Dneprostroy“ (1931; ill. 8). Dormidontov (nar. 1898) je tiež jedným z prvých umelcov moderných námetov v grafike. Už od polovice 20. rokov 20. storočia sa objavil jeho pracovný list venovaný práci – najskôr nútizne presnej a suchej, neskôr voľnejšej a kompozične založenej. Na kresbe „Dneprostroy“ je umelec uchvátený obrovskou mierkou štruktúry a očarujúcim charakterom obrazu nočných diel, osvetlených ostrým svetlom mnohých žiaroviek. V jeho kresbách sa práca mení na ohromujúce divadlo, tajomné, grandiózne a mierne fantastické.

Podobnú interpretáciu práce možno vidieť v sérii rytín A. I. Kravčenka (1889 - 1940), venovaných tiež výstavbe vodnej elektrárne Dneper (1931). Vytvoril ju umelec už v zrelom období tvorivosti a zreteľne sa v nej prejavila jeho veľkolepá zručnosť,

Na rytinách tohto cyklu sú nahromadené obrovské priehradné stavby, ktoré stúpajú, žeriavové ramená sa zdvíhajú tesne okolo nich, vysoká obloha víri mraky a slnko vysiela svoje oslnivé lúče nahor. Kontrasty čiernej a bielej farby vytvárajú jasnú, nepokojnú škálu rytín. Pohľad na Kravčenkovu stavbu je veľkolepý a pôsobivý. A ľudia, ktorí v ťažkých podmienkach vytvárajú nového priemyselného giganta, sú uvedení len ako rytmicky sa opakujúce skupiny identických siluetových postáv, ako abstraktní nositelia pohybu. Mnohých umelcov však vtedy priťahovala predovšetkým všeobecná panoramatická expresivita staveniska, dielne atď. A na Kravčenkových rytinách je to vyjadrené len najtalentovanejšie.

Kravčenkovo ​​dielo vo všeobecnosti predstavuje jasnú a originálnu stránku v histórii našej grafiky. Majster drevotlače, leptu a kresby, veľmi citlivý na témy akútnej sociálnej konotácie v stojanových objektoch, spisovateľ sci-fi a čarodejník ilustrácií, Kravchenko rýchlo získal širokú slávu doma iv zahraničí. Pochádzal z roľníckej rodiny, vzdelanie získal na Moskovskej škole maľby, sochárstva a architektúry. Jeho učiteľmi boli známi ruskí maliari S. Ivanov, V. Serov, K. Korovin, A. Arkhipov. Kravčenko začínal svoju kariéru ako maliar, no v oblasti kresby a rytiny, ku ktorej sa dostal v rokoch sovietskej moci, je zaujímavá najmä jeho tvorba. Početné cesty do Indie, Francúzska, Talianska, Ameriky a Sovietskeho zväzu zavŕšili Kravčenkovo ​​umelecké vzdelanie a rozšírili jeho obzory. Kravčenko pracoval veľmi tvrdo. V knižných ilustráciách vytvoril bizarný svet obrazov, kombinujúcich fantáziu a grotesku, chvejúcu sa mágiu pocitov a energiu posadnutosti. Neustále pracoval v oblasti krajiny, jeho rôzne listy zachytávajú harmóniu, krásu skromnej prírody moskovského regiónu a slávnych miest Európy. Je jedným z prvých grafikov, ktorí vytvorili príbehové série, reagujúce na sociálne témy. Séria rytín venovaných pohrebu V. I. Lenina, vyhotovených v tom istom roku 1924, bola smutným svedectvom očitého svedka a teraz nadobudla význam historického diela. Umelec sa následne opäť vrátil k leninskej téme a v roku 1933 dokončil strohú a slávnostnú rytinu „Mauzóleum“. Vytvoril tiež sériu rytín „Život ženy v minulosti a súčasnosti“ pre sovietsky pavilón na medzinárodnej výstave v Paríži. V kontrastných obrazoch umelkyňa reprodukovala osud ženy-matky v cárskom a sovietskom Rusku; vystupoval tu ako rozprávač, ktorého reč bola emotívna a živá, no v jeho obrazoch chýbala veľká vnútorná a plastická expresivita. Po sérii „Dneprostroy“ Kravchenko neopustil priemyselnú tému a v roku 1938 pomocou materiálov z kreatívnej pracovnej cesty vytvoril kresby a lepty venované závodu Azovstal.

V lepte s vyliatou oceľou (obr. 9) zostáva umelec uchvátený silou obrovských technických stavieb a majestátnosťou obrazu práce. Voľne komponuje komplexnú scénu, efektne ju osvetľuje prúdmi svetla a iskier. Okrem toho sa tu objavuje skutočný pracovný rytmus a s ním aj účelnosť všetkého, čo sa deje, namiesto trochu abstraktného pátosu „Dnepra“. Okrem veľkolepej zábavy získava list aj skvelý obsah.

Tento monumentálny lept vytvoril Kravčenko pre celozväzovú výstavu „Priemysel socializmu“. Táto výstava v sovietskom umení je spojená s masívnym odvolaním sa umelcov na modernu. Diela pre ňu vznikali niekoľko rokov, počnúc rokom 1936. Krátko pred začiatkom týchto prác 1500 bubeníkov z jednej z najväčších fabrík napísalo na stránky Pravdy a oslovilo umelcov:

"Očakávame od vás veľké plátna. Chceme, aby boli viac než len jednoduchými fotografiami. Chceme, aby boli naplnené vášňou. Chceme, aby vzrušovali nás a naše deti. Chceme, aby v nás vzbudzovali radosť z boja a smäd po nových víťazstvách. Chceme, aby ste ľuďom v našej krajine ukázali hrdinov a obyčajných účastníkov nášho stavebného projektu.“

Tieto zanietené slová nielen dobre formulovali úlohy nášho umenia, ale odrážali aj atmosféru náročnej lásky ľudí k umeniu, vznešeného záujmu pracujúceho človeka, ktorý pomáhal umelcom v ich práci. Výstava, zorganizovaná z iniciatívy Serga Ordzhonikidzeho a otvorená počas XVIII. zjazdu strany, široko pokrývala život sovietskej krajiny. Bolo tu vystavených vyše 1000 diel, z toho asi 340 v oddelení grafiky (okrem satirických). Medzi týmito listami bolo málo diel veľkej zručnosti a len málo z nich sa zachovalo dodnes. Ale nové námety, ktoré priniesli a ktoré umelci videli v reálnom živote – na lešení nových budov, v dielňach továrne – boli veľkým úspechom pre umenie grafiky. Dneprostroj a práca v draselných baniach Solikamsk, výstavba metra a rozvoj Arktídy, ťažba zlata v tajge a práca baníka - aké odlišné sú tieto témy zo začarovaného kruhu životných javov, ktoré sa obmedzovali na tzv. svet stojanovej grafiky skôr, ako málo priľnavosť k staroveku, základné princípy zostáva v ňom retrospektivizmus! Stále tu bolo veľa priemyselných krajín. Ale okrem nich sa objavujú aj scény práce; a človek pracujúci v továrni, na poli, v laboratóriu, v bani sa po prvý raz stáva hrdinom grafických prác. Umelci ešte dobre nepoznajú jeho vnútorný svet, najprv sa cítia dobre a dokážu v jeho tvorbe preniesť jeho sebavedomé vystupovanie, plasticitu jeho profesionálnych pohybov. Preto môže byť namáhavé gesto v kresbách presvedčivejšie ako výraz tváre a niektoré dobré diela kazí vonkajšia drsnosť postáv.

Umelec A. Samokhvalov (nar. 1894) napríklad v sérii akvarelov dobre ukázal energiu a optimizmus „Dievčat z metra“, ale zdôraznil aj ich drsnosť. Zdá sa, že takýto dôraz obmedzuje naše znalosti o Samochvalovových hrdinkách a ochudobňuje jeho dielo, hoci v jeho samotnom tóne sú v jeho atmosfére črty, ktoré bolo skutočne vidieť v živote. Pracujúceho človeka premyslenejšie charakterizuje akvarel S. M. Shora (nar. 1897) „Kozia žena“ zo série „Stará a nová kvalifikácia Donbasu“ (1936; il. 10). Tu sa vytvára obraz inteligentnej a energickej ženy, citlivo sa odhaduje jej mentálne zloženie a morálna sila. Nie nadarmo sa potom S. Shor stal majstrom grafických portrétov, vykonávaných najčastejšie technikou leptu.

V predvojnových rokoch sa objavili pracovné listy venované I. A. Lukomskému (nar. 1906). V jeho sépiovej kresbe Robotník (1941; obr. 11) sa dôraz prenáša z individuálneho a charakteristického na typické, prezentované zdôraznené, akoby zblízka. V tvári pracovníka je vidieť vnútornú slobodu a hrdosť na svoju prácu.

Významnou udalosťou pre grafiku v 30. rokoch bola príprava výstavy ilustrácií k dejinám strany. Zamerala záujem mnohých umelcov na historické témy a prinútila ich prehodnotiť cestu, ktorou náš štát prešiel. Historicko-revolučná téma začala svoj život v grafike už začiatkom 20. rokov 20. storočia. V tom čase však išlo len o jednotlivé práce, najmä rytiny, v ktorých sa abstraktná dekoratívnosť a schematizmus často ešte považovali za integrálny aspekt techniky rytia. Neskôr, v roku 1927, ako úplný kontrast k týmto dielam, sa pod dlátom ukrajinského umelca V. I. Kasiyana objavuje obraz hrdinu perekopských bojov pokrytý revolučným pátosom. V. I. Kasiyan (nar. 1896) - rodák zo západnej Ukrajiny, vzdelanie na pražskej Akadémii výtvarných umení - umelec hľadajúcej duše, bystrého temperamentu. Jeho práca je jasná a emotívna, ale stále zostáva sám v rebríčku týchto rokov.

Väčšina diel vytvorených pre spomínanú výstavu získala skôr stojanový ako ilustračný charakter. Bola otvorená v roku 1941, pred vojnou, nazvaná „Výstava nových diel sovietskej grafiky“ a obsahovala množstvo dobrých diel. Mnohí z nich patrili k majstrom knižnej grafiky. Ilustrátori priniesli do oblasti stojanovej kresby psychologickú povahu obrazov a presnosť historických prostredí, ktoré boli vtedy nedávnymi a pozoruhodnými úspechmi ich umenia. Boli to listy umeleckého kolektívu Kukryniksy - „Na barikádach“, „Chkalov na ostrove Udd“, „Politické vedenie“, Kibrik – „Khalturin a Obnorsky“, Shmarinov „Baumanov pohreb“ a ďalšie.

Záujem grafikov o historické námety mal v 20. a 30. rokoch 20. storočia aj ďalší aspekt súvisiaci s literatúrou.

Inšpirované obrazy Puškina a Lermontova dlhé roky priťahovali tvorivú pozornosť umelcov. N. P. Uljanov (1875 - 1949) dal veľa práce do svojej Puškinovej série. Jeden z najvýznamnejších sovietskych maliarov staršej generácie, blízky žiak V. A. Serova, Uljanov bol majstrom historickej maľby a portrétu, ako aj divadelným umelcom.

Uljanovove kresby rozprávajú o rôznych obdobiach života veľkého básnika - od lýceových dní až po posledné tragické mesiace; sú dokončené v rôznej miere - niektoré sú úplnejšie, iné vyzerajú ako náčrty, ako stránky intenzívnych a nedokončených hľadaní, ale vo všetkých je pre umelca hlavnou vecou ohnivý život Puškinovej duše. Jednou z najlepších je kresba vytvorená v súvislosti s obrazom „Puškin s manželkou pred zrkadlom na súdnom plese“. Hrdý, krásny vzhľad Puškina sa tu objavuje v lakonických líniách kresby inšpirovanej Serovom.

Puškinova téma dostáva inú interpretáciu v grafike – v krajine pamätných miest. V tomto žánri pracuje umelec L. S. Khizhinsky (nar. 1896). Vo svojich šperkoch, zručne prevedených drevorezoch zobrazujúcich Puškinove a Lermontovove výjavy dosahuje neľahkú kombináciu dokumentárnej presnosti a emotívnej poézie. Bez tejto kombinácie je úspech pamätnej krajiny, ktorá je vždy postavená na jemnom podtexte a jednotlivých asociáciách, nemožný.

V 30. rokoch boli veľmi silno cítiť nové momenty vo vývoji grafiky. Spočívajú nielen v nových smeroch v tvorbe umelcov, ktoré, ako sme videli – podporované výstavnou činnosťou! – získavajú veľký rozsah, ale aj v novom obsahu tradičných žánrov portrétu a krajiny a vo vzhľade. významných diel umelcov zväzových republík. Tak už vyššie spomínaný V.I. Kasiyan vytvoril v týchto rokoch, plné vážnych myšlienok, rytiny venované Ševčenkovi. Umelec vložil veľa duchovného ohňa aj do svojho neskoršieho diela o veľkom kobzarovi, ktorý zobrazuje nezlomeného rozhnevaného Ševčenka na pozadí epizód ľudového boja (obr. 12).

K najvýznamnejším dielam týchto rokov patria krajinky a portréty od arménskeho majstra M. Abegyana, litografie venované Moldavsku od Ukrajinca G. Pustoviita, monumentálny lept gruzínskeho umelca D. Kutateladzeho zobrazujúci S. Ordžonikidzeho a S. M. Kirova. V tomto období slávny azerbajdžanský umelec A. Azimzade, karikaturista, kresliar a výtvarník plagátov, vytvoril to najzaujímavejšie z oblasti stojanovej grafiky. Obrazy minulosti sú v jeho listoch reprodukované originálnym, detailným spôsobom s nádychom ornamentálneho dizajnu. Čo nové sa objavuje v portréte a krajine 30. rokov? Niekdajšia intimita týchto žánrov sa vytráca a ich páni čoraz odvážnejšie smerujú k životu, spoznávaniu nových ľudí, rozširujú geografický záber krajinárskej tvorby. To posledné platí nielen pre majstrov priemyselnej, ale aj bežnej krajiny. Ak sa predtým iba E. E. Lanceray, ktorý neúnavne študoval prírodu a život národov Kaukazu, a Shillingovsky, ktorý maľoval Arménsko, odklonili od zavedenej moskovsko-leningradskej tradície v krajine, teraz celá plejáda majstrov vytvára svoje diela mimo jej úzkej hranice. Umelci zobrazujú prírodu stredného Ruska, severu, Krymu, Kaukazu a Strednej Ázie. Krajina sa stáva oblasťou brilantného využitia akvarelovej techniky. Diela grafikov L. Bruniho, A. Ostroumovej-Lebedevovej, maliarov S. Gerasimova, A. Deineku, P. Konchalovského svedčia o skutočnom rozkvete akvarelovej krajiny. Aktivita autorovho svetonázoru je novou črtou týchto diel. Možno je to obzvlášť zreteľne viditeľné v krajinách tých umelcov, ktorí počas týchto rokov navštívili zahraničie.

Bystrá vízia kontrastov cudzej reality je vlastná napríklad parížskej a rímskej krajine A. A. Deineka (obr. 13). Umelec sa nevie poddať pokojnému kúzlu majestátnej architektúry a sôch, ako tomu bolo neraz v predrevolučnej zahraničnej sérii grafík; na tomto krásnom pozadí si jeho oko všíma tak postavu nezamestnaného muža, ako aj zlovestné, sebavedomé postavy cirkevníkov. Práve v okruhu diel, akými sú Deinekove listy, sa rodí novinárska vášeň a politická neústupnosť charakteristická pre sovietsku grafiku.

Tieto kvality sa s veľkou silou prejavili aj v „Španielskej sérii“ kresieb Leningradera Yu. N. Petrova (1904 - 1944). Petrovova séria bola príspevkom stojanovej grafiky k boju proti fašizmu, ktorý už v tých rokoch aktívne viedli majstri karikatúry aj umelci politického plagátu. Umenie Yu.Petrova, kresliča a ilustrátora, bolo umením veľkej kultúry a hlbokých citov. Petrov bol účastníkom boja proti fašizmu v Španielsku, poznal a miloval túto krajinu, jej ľudí, jej veľkých spisovateľov a umelcov minulosti a jeho kresby odrážali túto lásku a úctu. Španielsko, jeho hornatá krajina, domy zničené bombami, jeho rezervovaní, hrdí a zanietení ľudia – vojaci ľudovej armády, ženy a deti, ktoré prišli o svoje domovy – sú zachytené v lakonických, trochu smutných a odvážnych kompozíciách. Niektoré stránky Petrovovej série vyzerajú ako náčrty, ale jemná kresba s mäkkým modelovaním tak presne načrtáva plasticitu foriem a krajinných plánov, že ich napĺňa taký úctivý život, že sa prejavuje veľká premyslenosť každého listu. Táto séria stále zostáva jednou z najskúsenejších a najúprimnejších vecí v našej grafike. Jeho autor následne zomrel na bojovom poste počas Veľkej vlasteneckej vojny a jeho umenie, ktoré veľa sľubovalo, nestihlo dosiahnuť svoj zenit.

Veľká vlastenecká vojna, ktorá sa začala v roku 1941, dramaticky zmenila povahu a tempo rozvoja všetkých druhov umenia. Spôsobilo to aj veľké zmeny v grafike stojanov. Efektívnosť grafiky a porovnateľná jednoduchosť jej techník sa teraz stali obzvlášť vzácnymi vlastnosťami. Horúca potreba vyjadriť sa v hodine ľudských skúšok, rýchlo reagovať na horkosť a hrdinstvo dňa, ktorý prišiel, priviedla mnohých umelcov ku kresbe, akvarelu a niekedy aj rytiu. Spolu s jej uznávanými majstrami sa v súčasnosti začali tvorbe stojanovej grafiky venovať aj niektorí maliari a tiež veľmi úspešne ilustrátori.

Od prvého roku vojny sa stojanová grafika spolu s plagátmi a karikatúrami stala jednou z najaktívnejších foriem umenia, ktorá hlboko zasiahla srdcia divákov. Majstri kresby a rytia vytvorili veľa krásnych vecí, ktoré sa zrodili z hnevu a inšpirácie. V tomto reťazci diel sú jednotlivé vrcholy, ktoré sa vyznačujú osobitnou plastickou zručnosťou. Ale všeobecná úroveň vojenskej grafiky je vysoká. Kresby tvorili umelci v radoch Červenej armády a v obkľúčenom Leningrade, v mestách, ktorými prechádzala silná vlna ústupu, v tyle, kde bolo všetko podriadené úlohám frontu, aj mimo hraníc nášho krajiny v poslednom období boja s fašizmom. Grafika nám ukázala rôzne stránky vojny, rôzne stránky života v tomto rozhodujúcom období v dejinách našej vlasti – od letmého snívania unavenej sestry až po panorámu obrovskej bitky. Zároveň sa zreteľne prejavil aj rozdiel v talentoch a nápaditom myslení umelcov. V dielach jedného z nich sa vojna javí ako dlhé vojenské cesty, často nepríjemné a niekedy tak náramne lahodiace oku nečakanou krásou prežitého lesa. V listoch iného sleduje sériu jednoduchých scén vojenského života, načrtnutých narýchlo, ale presne. Na kresbách tretieho je to v osobitom výraze očí bojovníka či partizána, ktorý sa neraz stretol so smrťou. Odvaha a vlastenectvo sovietskeho ľudu, ktoré sa tak jasne prejavili počas vojnových rokov, boli umelcami oslavované v týchto dielach rôzneho charakteru. Grafické diela sú plné toho zvláštneho pocitu krásy nášho sovietskeho života, umocneného vojnou, ktorá poznamenala to najlepšie vo všetkých druhoch umenia.

Charakteristickým znakom grafiky bol vzhľad veľkého množstva náčrtov. Umelci ich niekedy predvádzali v najťažších bojových situáciách, snažiac sa ľuďom presnejšie a úplnejšie povedať o vojne a zbierať materiál pre budúce kompozície. V predslove k albumu kresieb „Predný denník“ moskovského grafika P. Ya. Kirpičeva, Hrdina Sovietskeho zväzu S. Borzenko, píše: „Jedna za druhou sa míňajú obrazy, načrtnuté v čerstvých stopách vojny. ako ich umelec videl v čase udalostí... "Žiadne nebezpečenstvá ani ťažkosti ho nezastavili. Prešiel k svojim obľúbeným cieľom medzi mínovými poľami a pracoval tam od rána do večera, bál sa premeškať ten moment, bál sa, že vyhasli požiare a zajaté tímy by odniesli poškodené zbrane a tanky." Tento opis umelcovej frontovej práce je veľmi typický, pretože mnohí maliari stojanov pracovali ako Kirpichev počas vojny. Náčrty tvoria vzácny fond nášho umenia, ktorý nie je ani zďaleka zverejnený. Ich autormi sú N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Japaridze, N. N. Žukov, P. Ya. Kirpičev, A. V. Kokorii, D. K-Mochalsky, E. K. Okas, U. Tansykbaev, S. S. Uranova a ďalší vytvorili celú ťažkú ​​chronológiu Uranovej vojenská každodennosť, báseň o mužovi vo vojne, ktorý bráni svoju vlasť pred fašizmom.

Napriek plynulosti, ktorou sa skice vyznačujú, už naznačujú osobitosti talentu každého umelca – a nielen jeho majstra kresby, ale aj isté spektrum javov, ktoré sa ho dotýkajú najviac.

Tak napríklad A. V. Kokorin (nar. 1908) nikdy neprejde okolo malebného výjavu, ktorý nečakane uvidel, vo svojom grafickom denníku načrtáva sedlá zavesené na zbrani a rozbitý nákladiak, spod ktorého na troch stranách trčia čižmy. vojakov, ktorí to opravujú, a vojak z kolóny, ktorý pokojne niečo šije na šijacom stroji priamo v poli, a postava kňaza s veľkým batohom, ktorý sa rozpráva so sovietskym vojakom. Všeobecnú charakteristiku výzoru ľudí presne vystihuje Kokorin a za jeho jednoduchými scénami vždy cítiť mierny úsmev a náklonnosť k jeho hrdinom. Práve v týchto náčrtoch Kokorin nazbieral svoje skúsenosti ako majster architektonickej krajiny, ktorý dokázal načrtnúť vzhľad mesta, hlavné obrysy jeho architektúry a život ulice - vlastnosti, ktoré sa vyvinuli v umelcovom povojnovom období. Indické kresby.

Vrúcnosť a lyrika odlišujú náčrty a kresby D. K. Mochalského. Aj v na to najnevhodnejšej situácii, v zhone frontových ciest vedúcich priamo do Berlína v poslednej fáze vojny, alebo už v Berlíne - citadele fašizmu, ktorú naše jednotky práve obsadili - teplo život, jeho radostný lúč, v nežnej podobe sa určite mihne v Mochalského plachtách, dievčence, v pohľade bojovníka upretého na ženu s detským kočíkom.

N. N. Žukov (nar. 1908) vystupuje ako fyziognomický umelec, ktorý v človeku vo vojenských náčrtoch vidí veľa. Neustály záujem o vnútorný svet človeka robí aj jeho najzdanlivejšie povrchné kresby zmysluplnými. V jeho obliečkach sa striedajú krajiny, náčrty vojakov a žánrové výjavy. Zdá sa, že Žukovov štýl kresby ceruzkou, bez akéhokoľvek vonkajšieho odtieňa, odráža pohltenie tohto umelca prírodou, jeho premyslený prístup k nej. Žukovove diela získali slávu ešte pred vojnou, keď namaľoval sériu ilustrácií k životopisu Karla Marxa. Následne Žukov neopustil svoju prácu na tejto dôležitej téme. Dal si veľa práce s vytvorením série kresieb „V.I. Lenin“. Jej najúspešnejšie listy sú navrhnuté vo forme svetelnej skice, zachytávajúcej krátky okamih v reťazci iných, vo forme akejsi portrétnej skice. Ale práve pri vytváraní vojenských náčrtov sa posilnili umelcove pozorovacie schopnosti a jeho zručnosť v rýchlom skicovaní, ktoré sa mu neskôr hodili - ako v rozsiahlej sérii kresieb venovaných deťom, populárnych u divákov, ako aj v portrétoch. Skúsenosti z vojnovej tvorby sa odzrkadlili predovšetkým v ilustráciách „Príbeh skutočného muža“ od B. Polevoya, ktoré Žukov vytvoril krátko po vojne.

Treba povedať, že skúsenosti z vojenskej práce zohrali úlohu aj v ilustračnej tvorbe iných umelcov. Táto skúsenosť pomohla O. G. Vereiskému vytvárať kresby pre „Vasilija Terkina“ od A. Tvardovského a na dlhý čas približovala A. V. Kokorina, neskoršieho ilustrátora „Sevastopolských príbehov“ L. N. Tolstého, bližšie k vojenskej tematike. Logická bola aj cesta A.P. Livanova zo série „Partizáni“, ktorú vytvoril krátko po vojne, k ilustrácii „Čapajev“ od D. A. Furmanova.

Ďalšou charakteristickou črtou vojnovej grafiky bol obrat umelcov k forme série, teda série listov spojených jednotným konceptom a spôsobom prevedenia. Mohli sme vidieť, že série tvorili umelci už skôr, no počas vojnových rokov sa stali popredným fenoménom v grafike. Séria je dobrá len vtedy, keď sa divák každou stránkou dozvie niečo nové, keď umelec usmerňuje svoje dojmy, listy určitým spôsobom strieda, čiže dáva sérii jasnú kompozíciu. S pojmom „kompozícia“ sa stretávame vždy pri analýze samostatného umeleckého diela. Ale v skutočnosti existuje aj kompozícia celej grafickej série ako vnútorný vzor striedania jej listov, medzi ktorými vznikajú rôzne súvislosti. Jasným vybudovaním kompozície série v nej umelec nachádza nový prostriedok veľkej expresivity. Autor série v podstate predvádza viacslabičné, mnohostranné dielo, ktorého každá strana musí vyznieť celistvo a silno a zároveň byť integrálnou súčasťou vytvoreného celku akoby jedným nádychom. Samozrejme, táto úloha nie je jednoduchá. A často súčet listov, ktoré umelec nazýva séria, nie je v podstate jeden.

Zloženie seriálu je rôzne. Séria tak môže byť postavená na kontrastnom porovnaní plechov, alebo naopak na ich rovnomernom, identickom zvuku. V inom prípade môže autor začať svoj sériový príbeh, postupne zvyšovať jeho emocionálne napätie, vytvárať na jednej alebo viacerých stranách akési vyvrcholenie akcie a pocitov a uzavrieť ho koncom.

Takto bol zostavený napríklad veľký cyklus litografií A. F. Pakhomova „Leningrad v dňoch obliehania a oslobodenia“, vydaný s textom básnika N. S. Tichonova v roku 1946. Tento cyklus bol prvým veľkým predstavením v stojanovej grafike A. F. Pakhomova (nar. 1900), majstra detskej knihy, známeho ilustráciami k dielam N. A. Nekrasova a I. S. Turgeneva. Pakhomovove litografie sú výpovede očitých svedkov a dotýkajú sa nás pravdou toho, čo sme videli, svetlom veľkej ľudskej solidarity a odvahy.

Séria sa otvára listom „Uzdravenie ľudových milícií.“ Okamžite nás prenesie do atmosféry úzkosti, zmätku narušeného šťastného života. Ďalšie udalosti sa rýchlo rozvíjajú, život mesta sa mení, ostreľovanie a bombardovanie sa stáva jeho neoddeliteľnou súčasťou. Leningradčania stavajú bunkre na uliciach, počas poplachov strážia strechy a zachraňujú zranených zo zničených domov. To všetko je zobrazené v litografiách, ktoré sa rýchlo striedajú, sú detailné, ako príbeh, ale plné vnútorného napätia. V nich je čas zhutnený a nasýtený, ľudia konajú bez straty minúty a statočne bojujú s nepriateľom.

Ďalšia strana albumu – „To the Neva for Water“ (obr. 14) nás vytrhne z rýchleho rytmu týchto epizód. Čas tu plynie pomaly - je to ťažký beh chladných a hladných dní Leningradskej blokády. Po schodoch sa pomaly pohybuje dievča s neznesiteľne ťažkým vedrom. Táto hrdinka Pakhomova je jedným z najsilnejších obrázkov nielen série, ale aj celej vojenskej grafiky. Pohľad diváka sa v prvom rade zastaví na tvári dievčaťa - tak je štruktúrovaná kompozícia litografie, tak diktuje výnimočná výraznosť tejto tváre. Umelec do detailov rozvinul svoju mimiku – tmavé oči vyjadrujúce hlbokú únavu sa zdajú byť na chudšej tvári obzvlášť veľké, zamračené obočie sa prudko stiahne k sebe, bezkrvné pery pootvorených úst sú také bledé, že skoro až blednú. nevystupujú na tvári a umelec ich obrys mierne obkreslí čiarou. Zdalo by sa, že obraz tohto dievčaťa by bol stelesnením únavy a utrpenia. Najpozoruhodnejšia vec na ňom je však kombinácia týchto čŕt fyzickej únavy a vyčerpania s duševnou pevnosťou.

Stálosť a neposlušnosť Pakhomovovej hrdinky je komplexnou fúziou mnohých aspektov jej duchovného života, jej vnútorných vlastností a zároveň je to jej hlavná kvalita, ktorá prevláda nad všetkými ostatnými. Tu sa spolu s Pakhomovovou obvyklou jednoduchosťou a umelou čistotou obrazu rodí jeho všestrannosť a hĺbka. Pakhomov má vždy obzvlášť blízko k obrazom detí. A v tejto litografii dokázal veľa povedať, ukazuje, ako dievča nalieva vodu z kanvice; Je to pre ňu záležitosť, ktorá ju úplne pohltí – nutnosť a zároveň hra. Táto kombinácia obsahuje boľavú bolesť, obsahuje skutočný život v obkľúčení s tónmi akútnej tragédie uprostred každodenného života. Zasnežená rozloha rieky a mrazivý čistý zimný vzduch sú dobre sprostredkované v litografii. Tento list, rovnako ako ďalšia kresba „Do nemocnice“, je najsilnejší, naplnený citom. Tvoria akoby vyvrcholenie série. Ďalej sa príbeh umelca rozpráva pokojnejšie a v súlade s tempom udalostí sa jeho plachty stávajú ľahšími a radostnejšími: „Krovelitsytsy“, „Silvester“ a ďalšie. Séria sa logicky končí obrázkom ohňostroja z 27. januára 1944 na počesť sovietskej armády, ktorá prelomila blokádu mesta, ohňostrojom, ktorý tak hlboko a radostne vzrušuje ľudí, vyvoláva celý reťazec spomienok a nádejí. Pod svetlami ohňostroja sa ľudia radujú rôznymi spôsobmi: hlučne, úplne sa poddávajú jasnému triumfu tohto okamihu a zamyslene, mierne sa sťahujú do spomienok a hlboko, celým svojím srdcom, cítia bezpečnosť svojich detí. Spája ich vzrušenie a radosť a úzka kompozícia obliečky robí túto pevnosť viditeľnou a viditeľnou.

Mnoho diel iných umelcov je venovaných vojnovému Leningradu. Spomeňme aj sériu linorytov S. B. Yudovina (1892 - 1954). Videli sme, ako v Pakhomovovej sérii litografická technika umožnila umelcovi podrobne prezentovať každý obraz, ktorý vytvoril, ponoriť sa do detailov a spojiť ich lineárnu jemnosť s malebnosťou topiacich sa plôch zimnej krajiny. Yudovinova séria je vyhotovená v linoryte. Yudovin sa vyznačuje zvýšenými pocitmi, v jeho listoch silne znejú tragické tóny. A tomuto pocitu tragiky toho, čo sa deje, je podriadená celá obrazová štruktúra jeho listov a spôsob prevedenia. V jeho rytinách vládne ťažká čierna farba a studená žiara snehu. V mrazivom tichu mesta sa ľudia s ťažkosťami plahočia, ohýbajú sa pod ťarchou bremena, pod ťarchou problémov obliehania. Na pozadí zasnežených ulíc sa ostro vynímajú ich postavy, ktoré sa zvyčajne pozerajú akoby zhora. Hranatý dizajn, nemilosrdné svetlo, vytrhnutie sien z tmy; každodenný život, ktorý sa stal rámcom tragédie - to sú Yudovinove rytiny. Márne je umelcovi vyčítať ich drsnú pravdivosť, nedostatok optimizmu. Povaha Yudovinovho talentu mu umožnila s osobitnou citlivosťou vyjadriť tragické aspekty boja Leningradov s nepriateľom.

Ale grafika ako celok sa vyznačovala svetlejším pohľadom na svet, a to aj pri zobrazení skúšok, ktoré postihli sovietsky ľud. Mohli sme to vidieť už v Pakhomovovej sérii a nové potvrdenie toho nájdeme zoznámením sa so sériou kresieb D. A. Shmarinova „Nezabudneme, neodpustíme!“ Šmarinov (nar. 1907) je jedným z tých umelcov, vďaka ktorým sovietska knižná ilustrácia dosiahla v 30. rokoch veľký úspech. Dobré odborné vzdelanie získal v umeleckých ateliéroch Prahov v Kyjeve a Kardovskij v Moskve. Jeho knižné diela sa vyznačujú talentom psychológa a veľkou vnútornou kultúrou. Počas vojnových rokov vytvoril Shmarinov plagáty a kresby stojanov. Séria "Nezabudneme, neodpustíme!" ho vykonal v roku 1942 v krátkom čase, no jeho koncepcia sa formovala počas prvého vojnového roku.

Umelcov príbeh sa nezačína postupne, ale od začiatku - okamžite nás šokuje vysokou tragédiou kresby „Poprava“. Obrazy vojnových skúšok a útrap nasledujú jeden za druhým, ale jasná téma odvahy sovietskeho ľudu, ktorá vyplynula z prvej strany seriálu, víťazí aj na tých najtrpkejších stránkach. Jednou z najlepších kresieb tohto cyklu je list „Návrat“ (obr. 15). Tisíce sovietskych kolektívnych farmárov poznali vo svojom živote situáciu, v ktorej sa žena, ktorú umelkyňa zobrazuje, nachádza. Šmarinov ju namaľoval vo chvíli, keď sa jej prvýkrát otvoril pohľad na jej zničený, zničený domov a prinútil ju zastaviť sa v akejsi strnulosti žalostných a rozhorčených myšlienok. Jej hlboké vzrušenie sa navonok takmer neprejavuje. To je zdržanlivosť silného človeka, ktorý si nepripúšťa výbuch citov, chvíľku zúfalstva. A koľko toho tu divákovi povie krajina! Priehľadná čistota vzduchu, jas slnečného žiarenia a tiene kĺzajúce po rozmrznutej zemi - tento obraz skorej jari, plný šarmu, prináša radosť do zložitého podtextu scény. Liszt začína znieť ako lyrický príbeh a to je veľmi charakteristické pre Šmarinovov talent. Shmarinovove kresby, vyhotovené dreveným uhlím a čiernym akvarelom, prechádzajú mnohými fázami v procese práce. Ale s radosťou sa vyhýbajú suchej vonkajšej úplnosti, zachovávajúc pietnu živosť ťahov, akoby ich práve položil umelec.

Iba na posledných dvoch stránkach série - „Návrat“ a „Stretnutie“ - nie sú žiadne obrázky fašistov, a hoci je tu radosť stále veľmi ďaleko, atmosféra sa stáva jasnejšou, hrdinovia ľahšie dýchajú. Drsný život prvého roka vojny, udalosti, ktoré umelec zhrnul, mu navrhol zloženie série - neutíchajúce tragické napätie na väčšine jej stránok a jasné tóny posledných kresieb.

Vo vojnových rokoch sa V. A. Favorskij (nar. 1886), jeden z najstarších sovietskych umelcov a veľký majster drevoryt, venoval aj stojanovej grafike. Počas celej kariéry ho v najväčšej miere zaujala knižná ilustrácia. A teraz sovietski a zahraniční diváci obdivujú predovšetkým harmonický epický svet jeho rytín „Príbeh Igorovej kampane“, tragédiu a hĺbku ilustrácií „Boris Godunov“, viacslabičné, plné filozofických zovšeobecnení a niekedy drsné, niekedy podmanivé odtiene života v sérii rytín pre „Malé tragédie“ Puškina. Ale už na konci 20. rokov Favorsky vytvoril nádherný portrét F. M. Dostojevského - úplne nezávislú vec, aj keď, samozrejme, úzko súvisiacu s knihami spisovateľa. Svetlo a tieň sú v tomto rušivom liste v rozpore; obraz muža zavaleného vírom bolestivých myšlienok je starostlivo a mohutne vytvarovaný. Tu sa dostávame do kontaktu s duchovným životom mimoriadnej intenzity, spoznávame vnútorný svet plný protikladov a zápasov. Veľká zručnosť je cítiť vo voľnej rozmanitosti ťahov a múdrom používaní farieb.

V štyridsiatych rokoch minulého storočia vytvoril Favorsky listy „Minin a Pozharsky“, „Kutuzov“. Umelec nebol sám vo svojej tvorivej príťažlivosti k slávnym stránkam histórie našej vlasti; Prirodzene vzbudzovali počas vojnových rokov mimoriadnu pozornosť maliarov a grafikov. V sérii rytmicky jemných linorytov realizovaných súčasne v Samarkande je tok každodenného života zachytený s neunáhlenou gráciou a lakonizmom. Biele pozadie, ktoré hrá veľkú rolu vo všetkých jej obliečkach, zvýrazňuje ladnosť siluet a muzikálnosť jednoduchých, no premyslených kompozícií.

Umelec sa neskôr viackrát venoval stojanovej grafike (list „Flying Birds“, 1959; pozri frontispis a i.), ale knižná ilustrácia ho zamestnávala v nezmerateľnej miere.

Popredné miesto vo vojnovej grafike patrí dielam L. V. Soifertisa (nar. 1911). Soyfertis predtým pôsobil v oblasti časopiseckej satirickej grafiky a teraz sa často objavuje na stránkach časopisu Krokodil. Počas vojny sa zúčastnil bojov v Sevastopole, Novorossijsku a Odese. Soyfertis musel vo vojne vidieť veľa ťažkých vecí, smrť mu bola blízka viac ako raz, ale jeho jasný a ľahký talent vyťažil z týchto nie zúrivých bojových scén, nie tragédie a smrti, ale úsmevu života, ktorý zostal sám sebou. pod bombardovaním. Situácie, ktoré zobrazuje, charakterizuje zvláštny vtip a pobavenie. Námorník sa ponáhľa na frontovú líniu v obkľúčenom Sevastopole a chlapci – spoločne na rýchlosť – mu usilovne lesknú topánky. „Kedysi dávno“ je názov tohto listu. Nad mestom na slnečnej oblohe prebieha letecká bitka, ženy to sledujú a starenka pokojne niečo šije, sedí rovno tam na stoličke pri bráne. Námorníci pri výklade novín čítajú najnovšie správy, stoja v úzkej skupine, naježenej bajonetmi z pušiek (obr. 16), námorník a fotograf sa nachádzajú v kráteri po bombe – potrebujú fotku na stranícku listinu. Toto všetko sa, samozrejme, dá nazvať každodennými epizódami, ale toto je každodenný život založený dva kroky od prvej línie a tie najnenáročnejšie, dokonca na prvý pohľad vtipné scény sú naplnené dychom veľkej odvahy a hrdinstva. Soifertisove kresby odlišuje pravá milosť. A ak vo Favorského „Samarkandskej sérii“ boli prenasledované línie a siluety linorytov pôvabné, v Soyfertis sú ľahké, krehké, zdanlivo nedbalé línie obrysovej kresby a živá, dýchajúca, mierne farebná transparentná akvarelová výplň elegantná a krásna.

Soifertis zostáva vo svojich kresbách 50. rokov umelcom letmých úsmevov a veľkých sympatií k ľuďom. Jeho séria „Metro“ je sériou žánrových scén zaznamenaných v zhone moskovských podzemných palácov a kresby a lepty venované deťom sú stále prekvapivo ostražité, stále osvetlené náročným záujmom o človeka. Niekedy dojemné a vtipné, niekedy posmešné a dokonca mierne groteskné, naberajú na vážnosti v porovnaní, tieto listy nám vždy odhalia nejaké nové črty života, niečo nové v bežnom toku každodenného života.

Veľké množstvo materiálu nahromadeného počas vojny sa pokojne nezmestilo do archívov umelcov. Mnohí z nich pokračovali v práci na vojenských témach aj po skončení vojny. Najmä veľa kresieb a rytín o vojne bolo vystavených na výstavách v prvých mierových rokoch. Práca grafikov sa zároveň prirodzene uberala cestou zovšeobecňovania ich vedomostí a vizuálnych dojmov, cestou od skice a skice k stojanovému listu a celej grafickej sérii. V rokoch 1946 - 1950 tak vytvoril výtvarník V. V. Bogatkin (nar. 1922) niekoľko sérií litografií podľa materiálov z jeho vojenských náčrtov. Počas vojnových rokov Bogatkin práve začínal svoju tvorivú prácu. Veľa kreslil; značnú slávu získala jedna z jeho kresieb, zobrazujúca mladého vojaka na brehu Tisy (1945). Ale hlavnou oblasťou jeho práce bola krajina. Ticho opustených ulíc obliehaného Leningradu, potemnenú Moskvu, Berlín v dňoch kolapsu fašizmu, hory rozbitej techniky na jeho uliciach, sovietske tanky pri Brandenburskej bráne zachytáva Bogatkin vo svojich litografiách. V priebehu rokov stále viac oceňujeme presnosť toho, čo sme videli na týchto listoch, vytvorených počas horúcej vojny.

Koncom 40. a začiatkom 50. rokov 20. storočia bol obraz vývoja stojanovej grafiky zložitý a do značnej miery rozporuplný. Umelcom sa podarilo všimnúť a sprostredkovať niektoré veľmi významné stránky nášho života a predovšetkým ukázať človeka, ktorý prešiel vojnou, radosť z návratu do práce a jeho vášnivý smäd po tvorbe. Bolo to zjavné najmä v niektorých prácach venovaných kolektívnej farmárskej práci; krása pokojných polí našej vlasti bola v nich cítiť ako novoobjavené, dobyté dedičstvo. Zároveň sa v prúde kresieb zobrazujúcich sovietskych ľudí a ich prácu zreteľne odrážali črty ilustratívnosti a chudoby myšlienok a pocitov. Prozaická dokumentácia zabránila mnohým umelcom v týchto dielach postúpiť na úroveň poetického zovšeobecňovania nášho života. Objavilo sa množstvo kresieb a rytín na historické a revolučné námety, umelci pri ich tvorbe venovali svoju silu a talent, no obzvlášť tvrdo na nich doliehal vplyv kultu osobnosti. Bránilo umelcom vytvárať diela veľkej ideologickej intenzity a v niektorých dielach viedlo k nesprávnemu pokrytiu úlohy ľudu ako tvorcu dejín.

Grafika týchto rokov sa po technickej stránke vyvíjala jednostranne. Mnohé grafické techniky sa takmer nepoužívali, prevládali kresby tušom, uhľom a čiernymi akvarelmi. Iba v oblasti krajiny boli bežné skutočné akvarelové maľby a niektoré typy rytín. Rozmanitosť techník však v krajine často koexistovala s vnútornou pasivitou vecí.

Na druhej strane v týchto rokoch vznikli aj diela veľkej umeleckej hodnoty. Tak sa v tomto období rozvinul originálny a silný talent B. I. Prorokova, dnes jedného z popredných majstrov sovietskej grafiky. Prorokovova tvorba je úzko spätá s vojnovými rokmi, s tým, čo umelec v tom čase videl a zažil. Ale Prorokov nielenže vrátil všetky tie roky so spomienkou svojho srdca do vojny, dokázal svojim umením povedať tie najpotrebnejšie slová o mieri.

B.I. Prorokov sa narodil v roku 1911 v Ivanove-Voznesensku. Jeho náklonnosť ku kresleniu začala skoro, na strednej škole. Jeho školské kresby zaslané do súťaže novín Komsomolskaja pravda boli ocenené prvou cenou. To dalo ich autorovi právo získať vstupenku do Vyššieho umeleckého a technického inštitútu (Vkhutein). Štúdium tam však dalo Prorokovovi málo a trvalo necelé dva roky. Len rady najväčšieho majstra politickej grafiky D. S. Moora, ktorý vyučoval litografiu, boli pre Prorokova veľmi cenné. Bez akéhokoľvek špeciálneho vzdelania prešiel Prorokov dobrou školou - politickou a umeleckou - počas práce v Komsomolskej Pravde a následne v časopise Krokodil. Pri úlohách pre noviny veľa cestoval po krajine; ako novinár sa naučil robiť veľké zásoby náčrtov pre budúce použitie, aby mohol rýchlo dokončiť akúkoľvek úlohu. Väčšina Prorokovových predvojnových diel sú karikatúry na domáce a medzinárodné témy. Už jednotlivé ním realizované plagáty a najmä hárok odhaľujúci beštiálny antihumanistický charakter fašizmu predznamenali novinársku intenzitu, vášeň a ostrosť jeho budúcich prác.

Od prvých mesiacov vojny Prorokov pracoval v novinách posádky polostrova Hanko, ktoré hrdinsky odolali obliehaniu nepriateľa.

„Niekedy sa hanbíme hovoriť o výkone muža umenia tak nahlas ako o výkone vojaka alebo veliteľa, kým spisovateľ alebo umelec náhodou nenahradí zabitého veliteľa v boji a nevedie obranu výšky,“ napísal. účastník obhajoby Hanka, ktorý o tom hovoril v príbehu „Ganguťania.“ Vl. Rudny. - Ale vytrvalý boj námorníkov z Gangutu si nepredstavujem * ( * Polostrov Hanko sa za čias Petra I. nazýval Gangut) v štyridsiatom prvom roku bez prorockého smiechu a satiry, bez jeho každodenných obrazových fejtónov, rytín, portrétov, vystrihnutých pre nedostatok zinku na klišé na linoleu, vytrhané z podláh domov zničených vojnou.“ Umelec odišiel Hanko s poslednými oddielmi „námorníkov. Kronštadt a Leningrad v obkľúčení, Malajská zem pri Novorossijsku, Berlín a Port Arthur – to sú míľniky jeho vojenskej cesty. A všade, aj v tých najťažších podmienkach a priamo v prvej línii, umelec veľa maľoval.

Prorokovov prvý povojnový seriál „V Kuomintangu v Číne“ vytvoril na základe toho, čo videl na Ďalekom východe bezprostredne po porážke japonských militaristov. Svojím malým objemom len načrtáva niektoré črty života čínskeho ľudu, ktorý stále zažíva koloniálny útlak a bojuje za svoje národné oslobodenie. Ale už tu sa naplno prejavuje autorova vášeň pre život. Umelec so súcitom zobrazuje čínskeho partizána – jednoduchého, skromného a statočného mladého muža, s nenávisťou a výsmechom – elegantných Američanov, ktorí organizovali neľudské preteky rikší; zdieľa, zdá sa nám, aj šialenstvo zbesilého rečníka na porade, ako aj ťažkú ​​únavu rikšu, ktorý sa krčí pod páliacim slnkom vedľa koča. V ďalších Prorokovových dielach budeme akoby cítiť jeho autorský hlas, jeho vždy vrúcne rozhorčenie či lásku, a preto nás jeho diela uchvátia zvláštnou silou.

V nasledujúcich cykloch kresieb "Tu to je, Amerika!" a "Za mier!" Hlas publicistu Prorokova zosilnel. Každodenný život na jeho stránkach nadobúda nahnevanú silu politického odhalenia imperializmu. V kresbe „Nádrže agresora ku dnu“ umelec v dojemnom, žalostnom obraze ukazuje vôľu robotníkov po mieri, silu ich solidarity. Závan rozhorčenia uvoľnil sily a zhromaždil monolitickú skupinu ľudí, ktorí hádzali tank do vody. Liszt je lakonický v kompozícii, plný pátosu boja; bez problémov znesie veľké zväčšenie a nejeden priaznivci mieru za hranicami našej krajiny ho nosili ako plagát na demonštráciách. Séria "Tu je, Amerika!" bola vykonaná Prorokovom ako ilustrácia ku knihe brožúr a esejí o Amerike. V podstate sa však zmenil na stojanový cyklus - obsah jeho listov je taký samostatný, jasný a bez textu. Rovnako aj neskoršie ilustrácie Prorokova pre knihu „Majakovskij o Amerike“ získali stojanové črty. Výzva na Mayakovského bola v Prorokovovej práci hlboko logická. Umelec má veľmi blízko k vášnivej intenzite Mayakovského básní a ich charakteristickému striedaniu hnevu a sarkazmu, odvážnych alegorických obrazov a povinného politického hodnotenia javov.

Prorokov vo všetkých svojich dielach po vojne bojuje za mier, odhaľuje imperializmus, neľudskosť jeho koloniálnej politiky a jeho militaristické plány. Najsilnejším vyjadrením umelca k mieru však bola jeho séria „Toto sa už nesmie opakovať!“, v ktorej sa po odznení bojov po prvý raz dotkol vojnových vízií, ktoré neopustili jeho srdce.

V jeho sérii sú zvýraznené dva listy opačné nálady: na jednom - „Hirošima“ - odsúdená tvár, ktorá sa na nás stále pozerá z pekla atómového výbuchu, na druhom - mladá matka so zbraňou v rukách chrániacou dieťa. , brániť svetlý život na zemi. Medzi týmito dvoma listami, akoby v ráme, je reťaz vojnových obrázkov. Ľudia v nich zápasia so smrťou, ktorú fašizmus prináša; a v hodine smrti pohŕdajú nepriateľom, tak ako mladá žena pohŕda katmi, v ktorých očiach je krvavá vízia Babyn Yar (och. 17). Neexistujú žiadne detaily, ktoré by rozptýlili obrovské napätie, každý list sú pocity prijaté v ich najvyššom momente, toto je bolesť, ktorá ešte nie je predurčená skončiť. Ako povinné umelecké techniky sú tu zvolené ostré siluety a zábery zblízka. Len umelec s veľkou odvahou a zanietenou vierou v ľudí nám mohol s takou ohromujúcou silou zopakovať krutú pravdu o minulej vojne. Jeho stránky plné bolesti, hnevu a utrpenia nenechajú nikoho ľahostajným. Testament českého komunistu J. Fučíka „Lidé, bdejte!“ znie pre nás opäť v tejto sérii od sovietskeho umelca.

Medzi dielami venovanými V.I.Leninovi vynikajú kresby najväčšieho majstra knižnej ilustrácie E.A.Kibrika (nar. 1906). V jednotlivých listoch série umelec, ktorý starostlivo študoval materiály súvisiace s Leninovými aktivitami v roku revolúcie, nielenže osvojil prvú pravdu o vonkajšej podobnosti, ale posunul sa aj ďalej do hĺbky vnútorných charakteristík.

List „V.I. Lenin v podzemí“ (obr. 18) reprodukuje júlové dni roku 1917, keď bol Lenin žijúci v Petrohrade nútený skrývať sa pred krvavými psami dočasnej vlády. Ako si samotný umelec predstavoval zápletku tejto kresby? Podľa neho tu chcel ukázať Leninovi teoretika, vedca, mysliteľa, ktorý v tých časoch denne hovoril článkami, ktoré vyzbrojovali stranu v boji za diktatúru proletariátu; umelec opísal konkrétny moment, ktorý bolo potrebné vykresliť takto: „...Lenin, ako bolo preňho typické, chodil po miestnosti a premýšľal nad obrovským materiálom, ktorý život každý deň prinášal a v ktorom musel uchopiť to najdôležitejšie vec, čo "Musíme zacieliť na stranu ďalším článkom v Pravde. Keď našiel túto hlavnú vec, rýchlo si sadol za stôl, okamžite zabudol na všetko na svete a ponoril sa do práce." Je charakteristické, že Kibrik si predstavuje obraz v pohybe a pri kreslení jediného momentu v reťazci iných berie do úvahy predchádzajúci. Ticho malej, odľahlej miestnosti je plné napätia veľkej práce. Umelec dokázal dobre sprostredkovať Levinovu zaneprázdnenosť a pohltenie svojou prácou prostredníctvom sústredeného výrazu jeho tváre a jeho pózy ako muža, ktorý rýchlo píše.

Kresba „V.I. Lenin v Razliv“ má inú náladu: má vzrušenie, zdržanlivý impulz. Tok Leninových myšlienok je ďaleko od okolia a zdá sa, že aj rozlohy krajiny pri jazere rozširujú hranice stránky. Vo vyššie citovanej knihe Kibrik podrobne opisuje proces svojej práce na týchto kompozíciách a každý, kto pozná jeho kresby, bude mať záujem prečítať si tieto stránky,

V polovici 50. rokov sa v grafike objavili úžasné veci o našej modernosti. Umelec Yu.I. Pimenov - maliar, grafik a divadelný dekoratér - nám so svojou veľkou sériou "Moskovský kraj" otvoril celý veľký svet, plný žiarivej radosti zo života. Pimenov má vzácny dar poetického opisu každodenného života, schopnosť vidieť krásu každodenného života. A krása, ktorú si človek všimne v obyčajnosti, si vždy nájde svoje mimoriadne blízke cesty k srdcu diváka. Ohriaty vzduch horúceho dňa v moskovskom regióne a postava dievčaťa na doskovom moste, energickí robotníci na stavbe nových domov a lesk dažďa na námestí na predmestí Moskvy - to sú jednoduché námety Pimenovových kresieb. a akvarely. „Pre žánrového umelca sa mi zdá,“ napísal, „najvzácnejšie nálezy sú tie autentické kúsky videného života, kde sa v bežných, nepredstaviteľných, skutočných prípadoch každého dňa odhaľuje veľká pravda o krajine.“ Rýchly pracovný rytmus našej doby, jej zvláštna, energická a obchodná krása žije v dielach umelca (pozri obálku). Aktivita, aktivita môže byť hlavným kúzlom Pimenovových obrazov, a najmä jeho stálych hrdiniek - žien pracujúcich na staveniskách, zaneprázdnených renováciou bytov, šitím a domácimi prácami. Svetlá, svetlá farebnosť jeho akvarelov dodáva slávnostný nádych aj tým zdanlivo obyčajným scénam a veciam. Veľkú malebnosť vnáša umelec aj do techniky čierneho akvarelu a uhlíka. S gradáciou čiernej farby dokáže sprostredkovať hĺbku tieňov vrhaných stromami na vodu a priehľadný chlad skorej jari, sviežosť dažďa na nástupišti stanice a živicový komfort lesnej cesty. Pimenov je veľmi kompletný umelec. Jeho uhol pohľadu na svet, okruh jeho obľúbených námetov zostáva rovnaký v sérii malebných vecí zo 40. - 50. rokov - žánrových výjavov, zátiší, ktoré tak jednoducho a poeticky vypovedajú o jeho súčasníkovi, a v jeho grafikách, a dokonca aj v próze - v knihe o moskovskom regióne, ktorú napísal s vrúcnym zanietením, rýchlo, pôvabne a ľahko, s čisto umeleckou víziou života v jeho skutočne krásnych, pestrofarebných podobách.

Život v pohybe, nový a radostný, narodený každý deň, sa Pimenov ponáhľa zachytiť vo svojej neskoršej sérii „Nové štvrte“.

Pimenov, ktorý v 50. rokoch viackrát navštívil zahraničie, vytvoril na základe dojmov z týchto ciest alebo priamo počas ciest celý rad malých plátien a skíc. Jeho pohľad tu zostáva predovšetkým pohľadom človeka zamilovaného do krásy, žurnalistika preňho nie je charakteristická. No smútkom zahalené texty niektorých jeho zahraničných diel mimovoľne vyznievajú ako kontrast k zvonivému šťastiu jeho listov, venovaných bežným dňom a záležitostiam nášho života.

Pimenovove zahraničné diela neboli v našom rozvrhu osamotené. V 50. rokoch a neskôr, keď sa medzinárodné kultúrne väzby našej krajiny rozšírili a mnohí umelci navštívili rôzne krajiny sveta, sa na základe dojmov z týchto ciest objavila celá skupina sérií. Zvyčajne obsahovali scény z pouličného života, krajiny a jednotlivé listy portrétov. Umelci rozprávali o tom, čo videli, ukazovali malebné zákutia prírody, slávne pamiatky architektúry a sochárstva, črty každodenného života, s ktorými sa ľudia stretávajú na cestách. Nútená plynulosť charakterizovala väčšinu týchto diel. No v dôsledku cestovania vznikli ucelené série, v ktorých reportáž a útržkovitosť vystriedalo skutočné umelecké zovšeobecnenie. Zo spoznávania takýchto cyklov si divák odniesol nielen reťazec živých turistických dojmov, ale aj nové poznatky o konkrétnej krajine a estetické potešenie.

Jednou z týchto vecí bola séria N. A. Ponomareva (nar. 1918) „Severný Vietnam“, vytvorená v roku 1957. Obraz tejto krajiny, ktorý vidí umelec, je plný šarmu: sivomodrá vysoká obloha, rozlohy pokojných vôd, ryžové polia a reťaz fialových skál na obzore, niekedy jasne viditeľné, niekedy sa rozplývajúce v perleťovom oparu . V týchto listoch žije pokojná, mierne kontemplatívna poézia každodenného života. Ľudia sú zobrazovaní s hlbokým súcitom - skromní, pracovití ľudia Vietnamu - rybári, baníci, ženy idúce na trh (ochor. 19), čakajúce na prechod v zálive. Jemné a jemné sfarbenie dodáva kresbám výraznosť. Séria Vietnam bola pre jej autora v mnohých smeroch zlomová. Umelec začal svoju kariéru kresbami dreveným uhlím a čiernym gvašom venovaným baníkom z Donbasu (1949-1950). Mali veľa svedomitosti a práce a menej tvorivej inšpirácie. Umelec pri maľbe Vietnamu objavil vo svojej tvorbe nielen nové poetické noty, ale aj schopnosti kolorista, ktorý vie vidieť harmóniu a dekoratívnosť zmiešaných techník gvaše a pastelu.

Zo sérií hraných na základe zahraničných impresií zaujali aj diela O. G. Vereiského (nar. 1915). O. Vereisky, dnes významný ilustrátor kníh sovietskych spisovateľov a stojanový grafik, vďačí za prvé znalosti umenia svojmu otcovi G. S. Vereiskému. Študoval aj na Akadémii umení v Leningrade. S rovnakou voľnosťou ovláda O. Vereisky ako jemný maliarsky tón kresby čiernym akvarelom alebo tušom, tak aj svetlé kontrasty jasnej, definovanej techniky perokresby. V poslednej dobe sa umelec začal zaujímať o niektoré techniky rytia a niektoré zo svojich kresieb, ktoré vytvoril ako výsledok ciest do Egypta, Sýrie a Libanonu, zopakoval v grafikách. Jedným z najlepších z nich je list s názvom „Odpočinok na ceste. Sýria“ (obr. 20). Je krásna vo farbe a lakonickom zložení, ale jej hlavné kúzlo je v obraze ženy. Nádhernú krásu a mierny smútok tváre, zdržanlivú nežnosť gesta a prirodzenú milosť ženy reprodukuje umelec so skutočným estetickým potešením. Stránky „Americkej série“ O. Vereiského, ktorý videl nielen obradné, ale aj tieňové, každodenné črty amerického života, sú tiež plné presných postrehov.

Naše poznatky o tejto krajine dopĺňajú aj elegantné lineárne skice V. Goryaeva, umelca s ostrým, trochu sarkastickým spôsobom, ilustrátora Marka Twaina a pravidelného prispievateľa do časopisu Krokodíl.

Povojnová grafika sa vyznačovala veľkými úspechmi umelcov zo zväzových republík. Najsilnejšie grafické tímy sa teraz vytvorili na Ukrajine, v Estónsku, Litve a Lotyšsku. Kresba aj akvarel majú v týchto republikách svojich veľkých umelcov a umenie grafiky sa tu a potom rozvíjalo, keď koncom 40. a začiatkom 50. rokov v RSFSR upadalo.

Ako príklad ukrajinskej stojanovej grafiky je možné uviesť sériu „Ukrajinské národné dumy a piesne“ od M. Deregusa. Široko koncipovaný, vrátane listov rôznych nálad a tém, tento cyklus charakterizuje vyspelosť ukrajinskej grafiky, hoci v tvorbe samotného Deregusa - krajinára a ilustrátora par excellence - stojí trochu mimo. Smútok a nádej stránky „Myšlienka Marusa Boguslavku“ a tragédia osamelosti, oklamaná viera v ľudí na stránke „Myšlienka troch bratov Azov“ sú nahradené odvážnou poéziou našich dní v skladbe „ Myšlienka partizánov“ s ústredným obrázkom Kovpaka. V grafike úspešne pracujú mladí ukrajinskí umelci V. Panfilov, ktorý svoje rytiny venoval oceliarom, a I. Selivanov, ktorý tvoril listy na historické a revolučné témy. Typickým žánrom pre ukrajinskú grafiku je priemyselná krajina, ktorá sa zvyčajne vykonáva technikami rytia. Jej majstrami sú V. Mironenko, A. Paščenko, N. Rodzin a ďalší.

V pobaltských republikách je krajinná grafika veľmi rôznorodá. Je tu silný prúd komornej lyrickej krajiny, emotívnej a s veľkým šarmom. Jeho tvorcami sú estónski výtvarníci, rytci R. Kaljo, A. Kaerend, L. Ennosaar, akvarelista K. Burman (junior), lotyšskí grafici A. Junker, Litovčan N. Kuzminskis a ďalší. Ich diela obsahujú lyrické úvahy, dušu obohacujúcu úzku komunikáciu s prírodou a zakaždým nové chápanie krásy ich rodných polí, malebného starobylého Tallinnu atď.

V tvorbe najstaršieho estónskeho kresliara G. Reindorfa nadobúdajú krajinárske obrazy filozofickejší nádych. Teraz je pre nás ťažké úplne si predstaviť dlhú tvorivú cestu tohto umelca, pretože takmer všetky jeho predvojnové diela boli stratené počas Veľkej vlasteneckej vojny. No plodné bolo aj povojnové obdobie jeho činnosti. Reindorf sa narodil v roku 1889 v Petrohrade. Po úspešnom absolvovaní Stieglitzovej školy technického kreslenia získal právo cestovať do zahraničia a odišiel do Francúzska. Krátke obdobie odchodu do dôchodku v zahraničí prerušila prvá svetová vojna. Po návrate do vlasti pracuje Reindorf v oblasti úžitkovej a krajinnej grafiky a venuje sa pedagogickej činnosti. Jeho hlavným tvorivým záujmom v 40. - 50. rokoch bola krajina a čiastočne knižná ilustrácia. Svoje diela v týchto rokoch predvádzal najmä vo forme kresieb; Predtým umelec vytvoril aj expresívne gravírovacie listy. Reindorfova túžba po objektívnej presnosti zobrazenia ide niekedy na úkor emocionálnej bohatosti jeho listov, no v jeho najlepších dielach sa tieto dva princípy spájajú. Najcharakteristickejšie sú v tomto smere jeho listy „Na horúce dni augusta“ (1955). Zvláštna harmónia spája všetko živé v tejto vidieckej krajine a majstrovská technika kresby grafitovou ceruzkou dodáva obliečkam tónovú bohatosť a osobitý filigrán prevedenia.

V pobaltskej grafike je aj línia romantickej krajiny, nasýtená pátosom búrlivých, nepokojných ľudských citov. V rytinách lotyšských umelcov P. Upitisa, O. Abelite a v jednotlivých listoch M. Ozoliņša sú obrazy prírody zafarbené akútnou emocionalitou a sú plné vnútorného napätia.

V leptoch obyvateľa Rigy E. Andersona sa krajina stáva prostredím, v ktorom sa odohráva majestátne pôsobenie práce.

Mnohí pobaltskí umelci pôsobia ako krajinári aj ako autori tematických diel a to ich diela len obohacuje. Vo všestrannej tvorbe estónskeho umelca E. K. Okasa (nar. 1915) možno nájsť napríklad krajinomaľby, portréty a tematické veci. Okas sa narodil v Tallinne v robotníckej rodine a študoval tam – najprv na Štátnej umelecko-priemyselnej škole a potom na Štátnej vyššej umeleckej škole. Počas Veľkej vlasteneckej vojny pôsobil ako frontový umelec. Okas je maliar a zároveň majster knižnej ilustrácie. Ak sú však obrazy, ktoré vytvoril pre stránky kníh, od nás niekedy oddelené desaťročiami a storočiami, hrdinovia jeho stojanových diel vždy žijú v modernosti a dýchajú jej ďaleko od pokojnej atmosféry. Pocit zložitosti moderného sveta s jeho akútnymi sociálnymi rozpormi napĺňajú napríklad listy holandskej a talianskej série cestopisných náčrtov Okasa, ktoré zásadne realizoval rôznymi technikami rytia. Ostražité a brutálne pravdivé, tieto rytiny znejú ako skutočná žurnalistika. Litovský umelec V. Jurkunas (nar. 1910) sa venuje aj knižnej a stojanovej grafike. V roku 1935 absolvoval umeleckú školu v Kaunase a neustále sa venuje pedagogickej činnosti. V jeho rytinách sa zdá, že ľudia sú obzvlášť úzko spätí so svojou rodnou prírodou, svojou rodnou krajinou. Toto sú hrdinovia básne Maironisa (1960; chor. 21), ktorú reprodukoval, taký je malý kolchozník, ktorý si získal sympatie mnohých divákov - obraz mládeže kráčajúcej po krásnej krajine, dômyselne jednoduchej a energickej , ohromujúci jedinečnou integritou pocitov ("Budem dojičkou", 1960). Technika linorytu v listoch V. Jurkunasa je lakonická a flexibilná, prirodzene slúži na vytváranie jeho jasných, optimistických obrazov.

Pobaltskí obchodníci s vášňou pracujú v oblasti portrétu, a ak medzi dielami umelcov RSFSR máme dnes okrem vždy úspešných, no už vzácnych výkonov G. S. Vereiského, len ostro charakteristické leptané portréty M. Feigin, v Pobaltí nás poteší jemným a pestrým remeselným spracovaním množstvo portrétistov.

Estónsky umelec E. Einmann (nar. 1913) dosiahol v tomto žánri veľa. Vzdelanie získal na Štátnej umeleckopriemyselnej škole a Vyššej umeleckej škole v Talline, jeho tvorivá cesta sa začala počas Veľkej vlasteneckej vojny. Teraz v dlhej sérii jeho diel sú rysy jeho talentu jasne viditeľné. Postoj umelca k vnútornému svetu jeho modelov je premyslený a starostlivý. Charakteristickým znakom jeho tvorby je úcta k ľuďom. Objaví sa vždy, či už umelec maľuje starého rybára alebo mladú študentku učilišťa, zdravotnú sestru alebo herečku. Priama skúsenosť autora a hodnotenie modelu zároveň zostávajú niekde bokom, hlavnou vecou sa stáva zdržanlivý a objektívny príbeh o ňom. Einmannove portréty upútajú jemnosťou grafického štýlu, cudzieho vonkajším efektom. Táto jemnosť odlišuje jeho listy, vyhotovené grafitovou alebo talianskou ceruzkou, akvarelom a litografiou.

Portrétne dielo estónskeho umelca A. Bacha-Liimanda, ktorý vie najmä stvárňovať ženy a deti, pôsobí emotívne a lyricky. Portréty a autoportrét litovskej výtvarníčky A. Makunaite, ktorá pracuje v linoryte, sú plné vážnych myšlienok. Uhľové portréty, ktoré vytvorila mladá lotyšská kresliarka F. Pauluk, sú expresívne.

Grafika na Ukrajine a v pobaltských štátoch má dlhú tradíciu, a preto sú jej úspechy v mnohých smeroch prirodzené. Ale aj v takých republikách, ako je napríklad Kirgizsko alebo Kazachstan, kde je grafika veľmi mladá, už urobila citeľný pokrok.

Popredným grafikom v Kirgizsku je absolvent Moskovského polygrafického inštitútu, ktorý dlhé roky pôsobí v meste Frunze, L. Ilyina (nar. 1915). Monumentálnosť, veľké formy, lakonicizmus sú charakteristické črty jej linorytov. V posledných rokoch Ilyina, ktorá sa trochu vzdialila od knižnej ilustrácie, vytvorila množstvo stojanových diel, najmä krajinársku sériu drevorytov „Native Lands“ (1957) a veľkú sériu farebných linorytov venovaných žene z jej republiky. Črty nového, ktoré odlišujú naše životy, možno badať najmä v ženských osudoch, ktoré ukazuje kirgizská umelkyňa. Práca teraz ženy neohýba, ale dáva ich polohe majestátnosť a význam. Voľný, uvoľnený postoj odlišuje tak dievča, ktoré pestuje repu (1956), tak aj delegátov vzdialeného Tien Shan, ktorí pozorne počúvajú rečníka (1960). Linoryty L. Ilyinu sú plastické, objem je v nich voľne vyrytý živým, hrubým ťahom, veľkými farebnými škvrnami. Zároveň je vždy zachovaná siluetová dekoratívnosť plachty (obr. 22).

V Azerbajdžane umelec M. Rahman-zadeh (nar. 1916) zaujímavo pracuje v oblasti farebnej litografie, zobrazujúci pobrežné ropné polia v Kaspickom mori. Do svojich sérií vie vniesť rôzne motívy, ktoré sa zdajú byť podobné a zároveň zakaždým odhalia niečo nové v industriálnej krajine. List „Nadchod“ z jej diel z roku 1957 vyniká medzi ostatnými harmóniou kompozície, zvučnou kombináciou žiarivo žltého tónu vody a čierneho prelamovania štruktúr. Toto sú niektoré z úspechov republikánskych rytcov a kresliarov.

Dnešná grafika je veľmi odlišná od grafiky prvej povojnovej dekády. Čo nové, také odlišné od predošlého, sa v ňom objavilo? Ak skoršia moderna bola zachytená so skutočným poetickým zovšeobecnením iba v jednotlivých veciach, teraz sú jej živé črty rozptýlené v mnohých grafických dielach. Masívny obrat umelcov smerom k modernite prináša výsledky. Modernosť sa osvojuje vo svojich nie vonkajších, hlbokých črtách, umelci objavujú akoby novú tvár našej krajiny, sovietskeho ľudu. V mnohom má grafika posledných rokov niečo spoločné s maľbou. Umelci tohto umenia vidia drsnú a rýchlu tvár doby, do ich tvorby preniká zvláštny aktívny svetonázor. A túžba po nových, nevyskúšaných umeleckých formách sa im tiež ukazuje ako spoločná. V grafike sa to všetko týka predovšetkým tlače. Jeho vzostup začal v polovici 50. rokov 20. storočia a teraz môžeme hovoriť o jeho skutočnom rozkvete. Tento rozkvet je spojený predovšetkým s prílevom nových mladých síl do stojanového gravírovania. No prispeli k nemu aj už skúsení umelci. Napríklad v krajinách A. Vedernikova sa Leningrad, zaťažený mnohými tradíciami svojho zobrazovania, nečakane objavuje v takom novom vzhľade, žiariacom čistými farbami, že sa zdá byť videný po prvý raz. Vedernikovova technika farebnej litografie nenapodobňuje ani kresbu farebnou ceruzkou, ani detailnú akvarelovú maľbu. Umelec pracuje so zovšeobecnenými formami, odvážnymi kombináciami niekoľkých čistých tónov. Jeho hľadanie dekoratívnosti vo farebnej litografii je jedným z mnohých, ktoré sú dnes charakteristické pre grafiku.

K úspechom grafickej tvorby zaraďujeme drevorezby F. D. Konstantinova o vidieckej robote, najmä jeho krajinársky list „Jar na kolchoze“ (1957; il. 23) a krajinky arménskeho umelca M. M. Abegyana – „Skalnaté pobrežie“. of Zangi“, „V horách Bjni“ (1959) a mnohé ďalšie diela umelcov staršej a strednej generácie.

Ale to nové, čím sa vyznačuje moderná grafika, je obzvlášť zreteľne cítiť vo veciach mladých ľudí. I. Golitsyn, A. Ushin, G. Zacharov, Y. Manukhin, I. Resets, L. Tukačev, K. Nazarov, V. Popkov, D. Nodia, I. Nekrasov, V. Volkov - celá galaxia mladých ľudí ktorý sa vynikajúco predviedol v tlači. Obyčajnú prímestskú krajinu vidíme v „Suite Seeing Off Suite“ od A. Ushina (nar. 1927), študenta Leningradskej umelecko-pedagogickej školy (24. obr.). Na jej stránkach sa nedejú žiadne udalosti, len elektrické vlaky sa v tichosti rútia a zároveň sa tu veľa deje - oceľové nosníky podopierajúce drôty sa dvíhajú, zväzky svetla z okna vlaku sa trhajú hustou tmou noci, biela pretínajú ho blesky dažďa a na čiernej oblohe sa hromadia oblaky v oslnivej hromade - život ide ďalej, jedinečný, živý, cítim sa veľmi živo, vo svojom najaktívnejšom, najintenzívnejšom stave. Práve toto akútne, aktívne vnímanie života v jeho neustálej dynamike odlišuje mnohé diela mladých. Spája ich diela. Ale okrem toho sú mladí ľudia vo svojej kreativite veľmi individuálni. Každý z menovaných umelcov má už v umení svoju tvár, svoj úsudok o živote, svoje chápanie ryteckého jazyka.

Jedinečne vyznievajú priestranné krajiny a lyrické scény G. Zacharova so zdôrazneným rytmom veľkých čiernobielych ťahov a škvŕn. Premyslené, mierne ironické krajinomaľby-romány I. Golitsyna sú detailne prepracované, kde každý dom je celým príbehom o živote obrovského mesta a križovatka ulíc sa nám odvíja v okamžitom a trochu pesimistickom videní zvitok ľudskej každodennosti. . Golitsynovu flexibilnú techniku ​​rytia do striebra do značnej miery ovplyvnil Favorskij. Jemnosť drevorytov, ich tónová bohatosť, taká podriadená Favorskému, akoby rozširovala obzory Golitsyna, umelca väčšej, mužskejšej techniky linorytu (obr. 25),

Trochu drsný, výrazný a vo svojich najobyčajnejších prejavoch život plynie 24. A. A. Pri pneumatikách. Dážď. 1960 veľkého mesta v leptoch od Leningradera V. Volkova. Jeho plachty, oslobodené od zhonu maličkostí, monumentalizujú realitu, akoby odhaľovali jej odvážny, majestátny rytmus v toku každodenného života. A ľudí ukazuje umelec v jednom, ale podstatnom aspekte – sú to prísni, mlčanliví robotníci.

Gruzínsky umelec D. Nodia aktívne a dynamicky vidí priemyselnú krajinu a scény práce. Jasný svet mladosti, nádherné spojenie detskej jasnosti duše a dospeláckej jemnosti duševných pohybov, odhaľuje Ya. Manukhin v krehkom obraze svojho obľúbeného „Blaade of Grass“.

Ten istý umelec na rytine venovanej boju za mier dosahuje zvláštne vyjadrenie obrazu, ktorý stelesňuje hnev a bolesť Hirošimy. Zároveň sa Manukhin veľa naučil z blízkosti jeho stojana k umeniu plagátov (obr. 26).

V. Popkov (ochor. 27), ktorý sa v posledných rokoch zaujímavo vyjadruje ako maliar, podrobne a s nadšením rozpráva o práci dopravných robotníkov v sérii rytín a gvašov. Vo všetkých týchto dielach nám mladí umelci odhaľujú rôzne stránky našej moderny, videné po svojom a veľmi sviežo.

Samozrejme, nie všetko v polygrafii je teraz úspešné. Nachádza sa tu aj drobné každodenné písanie a ilustračné umenie. Často sa s nimi stretávame v sériách venovaných práci, ako aj s nudným protokolom v priemyselnej krajine. Sú aj veci, ktorých celý význam je vyčerpaný ich vonkajšou dekoratívnosťou. Na druhej strane, nové veci, ktoré sa objavili v posledných rokoch v grafike, sa zrodili aj v kresbe, hoci sa tu neobjavila taká silná skupina mladých ľudí. Príznačná je v tomto smere tvorivá cesta V. E. Tsigala (nar. 1916). Začalo to v prvých povojnových rokoch sériou kresieb tušom a akvarelom, v ktorých bol autenticky, často lyricky a vrúcne, no stále bez veľkých umeleckých objavov, zobrazený život a dielo sovietskeho ľudu. Tsigalovi v tom sčasti prekážala prílišná aktivita, túžba pokryť svojím umením príliš široké spektrum životných javov. Tsigal pracoval rýchlo, veľké série jeho listov sa objavovali takmer na všetkých veľkých výstavách. Ozajstné tvorivé sústredenie sa mu však dostalo až vtedy, keď začal cestovať a študovať život roľníkov v horských dedinách Dagestanu a na pomerne dlhú dobu ho zaujala táto jediná téma, čo bolo, samozrejme, veľmi obohacujúce. umelec. Takto sa objavil jeho seriál „Dagestan“ (1959 - 1961), ktorý bol pre Tsigala veľkým krokom vpred. V tomto cykle sa umelcovi odhaľuje nestrácané čaro novosti života horalov a niektoré veľmi skryté každodenné črty, ktoré si všimol priateľský pohľad, a zvláštny pocit harmónie medzi človekom a prírodou. Jeho stránky sú postavené na jemnom porovnaní motívov, ktoré sú v Dagestane bežné, no zrazu nám jasne odhaľujú špecifiká spôsobu života a vzťahov medzi ľuďmi, večného a zároveň tak trochu neuchopiteľného moderného (obr. 28).

V súčasnom vzostupe stojanovej grafiky si svoje miesto našlo aj zložité/jemné umenie akvarelu. Pri akvarele potrebujete najmä správne oko a rýchlu precíznu ruku. Úpravy sú takmer nemožné a pohyb štetca s farbou a vodou je klamlivo ľahký a vyžaduje od umelca prísnu disciplínu. Ale koloristické možnosti akvarelu sú bohaté a priesvitnosť papiera pod priehľadnou vrstvou farby mu dodáva jedinečnú ľahkosť a pôvab. "Akvarel je maľba, ktorá by sa tajne chcela stať grafikou. Akvarel je grafika, ktorá sa stáva maľbou zdvorilo a jemne, pričom svoje úspechy stavia nie na vražednom papieri, ale na nezvyčajnom odhalení svojho pružného a nestabilného povrchu," jeden z nich písali kedysi najväčší odborníci na sovietsku grafiku A. A. Sidorov. Majstrami akvarelu sú dnes, podobne ako v 30. rokoch 20. storočia, predovšetkým krajinári. Diela S. Boyma, N. Volkova, G. Khrapaka, S. Semenova, V. Alfeevského, D. Genina, A. Mogilevského a mnohých ďalších ukazujú život moderného mesta, prírody v bohatosti jej farieb, v r. jeho krásna rozmanitosť. A pasívna popisnosť nachádza v krajine svoj domov čoraz menej.

To sú niektoré z vlastností modernej sovietskej grafiky. Jeho obraz je však taký zložitý a bohatý, že si určite zaslúži samostatný popis. Naším cieľom bolo iba zoznámiť sa s tvorbou najznámejších majstrov stojanovej grafiky a niektorými momentmi jej histórie.

Umelec Yu. I. Pimenov, o ktorého kresbách sme hovorili vyššie, napísal: "Cesta umelca je cestou očarenia životom a cestou jeho vyjadrenia, plná sklamaní a neúspechov. Ale v každej úprimnej veci sa objavuje zrno, mikročastica želaného a niekde to nájde – potom ozvenu, niekde sa vlna tohto pocitu prijme a rozkvitne.“ Kvôli tomuto „zrnku toho, čo je žiaduce“, kvôli vlne odozvy, ktorá je pre umelca absolútne nevyhnutná, sa vykonáva všetka jeho tvrdá a radostná práca.