Realizmus (francúzsky realizmus z latinského realis -
skutočný) – túžba po viac
úplné, hlboké a komplexné
odraz reality v celom jej rozsahu
prejavov. V umeleckej činnosti
– pochopenie možného, súlad
materiálne prostriedky a techniky
pridelené úlohy. Trend
realistické myslenie sa prejavuje v
v rôznej miere a v rôznych formách v tých
alebo iné formy umenia, umelecké
smery, trendy a štýly.
takzvaná barbizonská škola s umelcami, ktorí získali tituly z dejín umenia
tento názov pochádza z dediny Barbizon neďaleko Paríža. Vlastne,
Barbizoni nie sú ani tak geografickým pojmom, ako skôr historickým a umeleckým.
Niektorí z maliarov, napríklad Daubigny, do Barbizonu vôbec neprišli, ale
patrili do ich skupiny kvôli záujmu o národnú francúzsku krajinu.
Bola to skupina mladých maliarov - Theodore Rousseau, Diaz della Pena, Jules Dupre,
Constant Troyon a ďalší – ktorí prišli do Barbizonu písať skeče zo života. Obrazy
dokončili prácu v dielni na základe náčrtov, preto úplnosť a zovšeobecnenie v
zloženie a farba. Ale vždy v nich zostal živý zmysel pre prírodu. Všetky
spájala túžba starostlivo študovať prírodu a pravdivo ju zobrazovať, ale toto
nebránilo každému z nich zachovať si tvorivú individualitu.
Theodore Rousseau (1812-1867) "The Oaks". 1852 François Daubigny (1817-1878) "Dedina na brehu Oise." 1868 Jules Dupre (1811-1889) "Krajina s dobytkom v Limousine." 1837 Constant Troyon (1810-1865) „Odchod na trh“. 1859 Jean François Millet (1814 - 1875) sa narodil v r
rodina bohatého roľníka z malého
dediny Grushi na Lamanšskom prielivu
neďaleko Cherbourgu. Jeho umelecké
schopnosti vnímala rodina ako dar
cez. Rodičia mu dali peniaze a dovolili
naučiť sa maľovať. V roku 1837 prišiel k
Paris a dva roky pracoval v dielni
maliar Paul Delaroche (1797-1856). S
V roku 1840 začal mladý umelec vystavovať
ich diela v Salóne.
V roku 1849 sa umelec usadil v Barbizone a
tam žil až do konca svojich dní. Predmet
hlavným sa stal sedliacky život a príroda
pre Millet. „Som roľník a nič viac,
ako sedliak.“ povedal o sebe.
Jean Francois Millet "Autoportrét" Jean Francois Millet "Rozsievač". 1850 Jean François Millet "Zberači uší". 1857 Jean François Millet "Angelus". 1859 Camille Corot (1796-1875)
študoval u akademických maliarov
A. Michallon a V. Bertin, navštívili Taliansko, vyrobili
študijné cesty do Belgicka, Holandska a Londýna.
Spočiatku maľoval nenáročné krajiny
okolie Paríža.
V rokoch 1820-40 vytvoril vitálne priame a
poetické krajiny francúzštiny a taliančiny
prírody, ktoré sa vyznačujú jasnými
sochárske formy a prísne svetlé farby,
hustá vrstva farby materiálu,
nasýtenie priehľadným vzduchom a jasné
slnečné svetlo („Ráno v Benátkach“, 1834; „Homér a
pastieri“, 1845). Od konca 40. rokov 19. storočia žil Corot v Paríži
alebo Ville d'Avray pri Versailles. Most
jeho obrazy tejto doby vznikali v dielni
Pamäť. V Corotovom umení poetika
kontemplácia, duchovno, elegické a snové poznámky. Maľovanie sa stáva viac
rafinovaný, úctivý, ľahký („Cesta do Sèvres“, 185560; „Spomienky na Mortefontaine“, 1864). Po roku 1860
rokov maľoval Corot najmä žánrové portréty, v r
ktorým model harmonicky splýva s okolím
prostredie („Žena s perlou“, 1868-70),
náboženské a mýtické obrazy, akty. Corot je slávny
aj ako kresliar, litograf, leptač.
Camille Corot "Autoportrét". 1834 Camille Corot "A Wain of Hay". 1860 Camille Corot "Most v Mantes". 1868-1870 Camille Corot „Veža radnice v Douai“. 1871 Camille Corot "Portrét Claire Sennegon". 1837 Camille Corot "Spomienky na Taliansko". 1863
leptanie Camille Corot "Spomienky na park v pevnosti v Douai." 1870
leptanie Gustave Courbet (1819 – 1877)
narodený v roku 1819 vo Francúzsku v mestečku Ornans, o
Švajčiarska hranica. Jeho otec vlastnil vinice. V roku 1837
roku, na naliehanie svojho otca, Courbet vstúpil na právnickú fakultu
v Besançone. Súčasne so štúdiom na vysokej škole Courbet
navštevoval kurzy na akadémii, kde bol jeho učiteľom Charles Antoine Flajoulot. V roku 1839 odišiel do Paríža, kde dal svojho otca
sľúbiť, že tam bude študovať právo. V Paríži
Courbet sa zoznámil s umeleckou zbierkou Louvru. na jeho
kreativita, najmä raná, mala veľký vplyv
najmä malých holandských a španielskych umelcov
Velazquez.
V roku 1844 vznikol Courbetov prvý obraz, Autoportrét so psom,
bol vystavený na parížskom salóne (všetky ostatné obrazy
boli zamietnuté porotou). Od samého začiatku sa umelec ukázal
extrémny realista a čím ďalej, tým silnejší a vytrvalejší
nasledoval tento smer, berúc do úvahy konečný cieľ
umenie sprostredkovať nahú realitu a životnú prózu.
Koncom 40. rokov 19. storočia oficiálny smer franc
maľba bola ešte akademická a diela umelcov
realistické smerovanie bolo pravidelne odmietané
organizátori výstav.
V roku 1855 otvoril osobnú výstavu v drevenom
kasárne „Pavilón realizmu“. Katalóg výstavy, kde boli
boli sformulované princípy jeho práce a vošli do dejín
umenie ako program realizmu. V roku 1871 sa pridal Courbet
do Parížskej komúny, riadila jej verejnosť
múzeí, bol komisárom pre kultúru a viedol
zvrhnutie Vendômského stĺpu.
Po páde Gúny strávil podľa verdiktu súdu šesť mesiacov v
väzenie; bol neskôr odsúdený na úhradu nákladov
obnovenie stĺpu, ktorý zničil. Toto ho spravilo
Gustave
odísť do Švajčiarska, kde v roku 1877 zomrel v chudobe.
Courbet "Autoportrét s fajkou". 1846 Gustave Courbet "Milenci na vidieku". 1845 Gustave Courbet, Autoportrét s čiernym psom. 1842 Gustave Courbet "Popoludnie v Ornans" 1849 Gustave Courbet "Pohreb v Ornans". 1849 Gustave Courbet "Dobrý deň, Monsieur Courbet." 1854 Gustave Courbet "Vlna". 1870 Honoré Daumier (1808 - 1879)
Keďže je synom marseillského sklenára, spolu s
V roku 1816 sa rodina presťahovala do Paríža. Dostať sa tam
vychoval Lenoir, študoval aj litografiu.
Čoskoro Daumier začal robiť karikatúry pre
týždenník „Karikatúry“. V roku 1832
obraz Louis Philippe slúžil ako základ
uväzniť Daumiera na šesť mesiacov.
Dve vynikajúce litografie „Transnonen Street“ a
"Legislatívne lono" naznačujú skoré
štýl, trpká, ironická vízia umelca. Po
potlačenie „Karikatúr“ jeho tvorby sa objavilo v r
"Charivari", kde sa Daumier nemilosrdne vysmieval
buržoáznej spoločnosti vo veľmi realistickom štýle.
Užite si čas robením karikatúr
(ktorých mimochodom absolvoval viac ako 4000), dnes
Daumier je považovaný za jedného z najlepších majstrov
vášho podnikania. Predviedla sa aj Honore Daumier
asi 200 malých, dramaticky silných obrazov,
štýlovo blízky litografickým výtlačkom.
Medzi nimi: „Kristus a jeho učeníci“ (1879),
"Povstanie" (1848), "Konverzácia troch právnikov"
(1843-1848), „Don Quijote“ (1868), „Auto tretieho
triedy“ (1862) a iné.
Daumier tiež dokončil asi 30 sôch -
malé, maľované busty. V posledných rokoch
umelec trpel progresívnou slepotou.
Honore Daumier "Autoportrét". 60. roky 19. storočia
Realizmus, symbolika. Prezentácia predstaví tvorbu francúzskych umelcov Courbeta, Daumiera a Milleta.
Realizmus vo francúzskej maľbe
Štýl klasicizmu, ktorý kraľoval v umení osvietenstva, bol už koncom 18. storočia vytlačený novým štýlom, čo bolo dôsledkom otrasov spôsobených buržoáznou revolúciou vo Francúzsku a sklamaním z jej výsledkov. Tento štýl sa stal romantizmom. Umeniu romantizmu som venoval niekoľko príspevkov. Dnes budeme hovoriť o realizmus, ktorá sa začala formovať v hĺbke romantického umenia. Francúzsky literárny kritik Jules François Chanfleury, ktorý prvýkrát použil termín „realizmus“, ho postavil do protikladu so symbolizmom a romantizmom. Realistické umelecké hnutie sa však nestalo absolútnym antagonistom romantizmu, ale bolo jeho pokračovaním.
Francúzsky realizmus, usilujúci sa o pravdivý odraz reality, sa prirodzene spájal s revolučným hnutím a nazýval sa „kritickým realizmom“. Hlavnou požiadavkou realizmu je apel na modernosť vo všetkých jej prejavoch, reprodukcia typických postáv v typických podmienkach na základe životnej autenticity obrazu.
„Umenie maľby nemôže byť nič iné ako zobrazovanie predmetov viditeľných a hmatateľných umelcom... realistický umelec musí sprostredkovať morálku, myšlienky a vzhľad svojej doby“
Gustave Courbet
Je nepravdepodobné, že by som mohol hovoriť o práci a osude Gustava Courbeta, ktorý je často nazývaný zakladateľom realizmus vo francúzskom maliarstve, lepšie ako to urobili tvorcovia film "Sloboda Courbet" zo série „Môj Puškinskij“
Vo vašej prezentácii "Realizmus vo francúzskej maľbe" Snažil som sa prezentovať aj tvorbu úžasných francúzskych umelcov Francois Millet A Honore Daumier. Pre tých, ktorých táto téma zaujíma, by som rád odporučil pozrieť si stránku Gallerix.ru
Ako vždy, malý zoznam kníh, v ktorej si môžete prečítať o francúzskom realizme a francúzskych realistických umelcoch:
- Encyklopédia pre deti. T.7. čl. Druhá časť. – M.: Avanta+, 2000.
- Beckett V. Dejiny maľby. – M.: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003.
- Dmitrieva N.A. Stručné dejiny umenia. Číslo III: Krajiny západnej Európy v 19. storočí; Rusko 19. storočia. – M.: Umenie, 1992
- Emokhonova L.G. Svetová umelecká kultúra: Učebnica. Manuál pre študentov. priem. ped. učebnica prevádzkarní. – M.: Vydavateľské stredisko „Akadémia“, 1998.
- Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Svetové umenie. XIX storočia. Výtvarné umenie, hudba, divadlo. ‒ Petrohrad: Peter, 2007.
- Samin D.K. Sto veľkých umelcov. – M.: Veche, 2004.
- Freeman J. Dejiny umenia. – M.: Vydavateľstvo Astrel, 2003.
V hĺbke romantického umenia začiatku 19. storočia sa začal formovať realizmus spojený s pokrokovým spoločenským cítením. Tento termín sa prvýkrát začal používať v polovici 19. storočia. Francúzsky literárny kritik J. Chanfleury na označenie umenia, ktoré je proti romantizmu a symbolizmu.“ Realizmus je však hlbšou kategóriou ako jednotlivé umelecké štýly v umení. Realizmus v širšom zmysle slova má za cieľ plne odrážať skutočný život. Ide o akési estetické jadro umeleckej kultúry, ktoré bolo cítiť už v renesancii – „renesančný realizmus“ a v dobe osvietenstva – „osvietenský realizmus“. Ale od 30-tych rokov
XIX storočia realistické umenie, ktoré sa snažilo o presné zobrazenie okolitého prostredia, nechtiac odsudzovalo buržoáznu realitu. Časom je tento prúd tzv kritický realizmus, sa zhodoval so vzostupom robotníckeho hnutia v rôznych európskych krajinách.
Spočiatku sa realizmus stotožňoval s naturalizmom a prechod k nemu povedzme v Nemecku a Rakúsku bol biedermeier -štýlový smer, ktorý sa vyznačoval poetizáciou sveta vecí, pohodlím domáceho interiéru a dôslednou pozornosťou k rodinným každodenným scénam. Biedermeier sa pomerne rýchlo zvrhol na filistinský, sladký naturalizmus, kde boli na prvom mieste drobné každodenné detaily, ale zobrazované „presne ako v živote“.
Vo Francúzsku sa realizmus spájal s pragmatizmom, prevahou materialistických názorov a dominantnou úlohou vedy. Medzi najväčších predstaviteľov realizmu v literatúre patria O. Balzac, G. Flaubert a v maliarstve O. Daumier a G. Courbet.
Podporte deBalzac(1799-1850) už v jednom zo svojich prvých diel „Shagreen Skin“, v ktorom sa spája romantická obraznosť a symbolika s triezvou analýzou, realisticky zobrazil atmosféru Paríža po revolúcii v roku 1830. Podľa zákonov svojho umenia Balzac v sérii románov a príbehov, ktoré tvorili epos „Ľudská komédia“, ukázal sociálny prierez spoločnosťou, v ktorej žijú predstavitelia všetkých tried, stavov, profesií, psychologických typov. interact, ktorí sa stali známymi, ako napríklad Gobseck a Rastignac. Epos pozostávajúci z 90 románov a príbehov spojených spoločným konceptom a postavami zahŕňal tri časti: etudy morálky, filozofické štúdie a analytické štúdie. Náčrty mravov zobrazovali výjavy provinčného, parížskeho, vidieckeho života, súkromného, politického a vojenského. Balzac teda brilantne ukázal zákonitosti vývoja reality v špirále od faktov k filozofickému zovšeobecneniu. Podľa samotného autora sa snažil zobraziť spoločnosť, ktorá „v sebe obsahuje základ svojho pohybu“. Balzacov epos je realistickým obrazom francúzskej spoločnosti, grandióznym rozsahom, odrážajúcim jej rozpory, odvrátenú stranu buržoáznych vzťahov a morálky. Balzac zároveň viackrát tvrdil, že nemaľoval portréty konkrétnych jednotlivcov, ale zovšeobecnené obrazy: jeho literárne postavy neboli otrocky skopírované modely, ale predstavovali akýsi príklad rodiny, spájajúci najcharakteristickejšie črty konkrétny obrázok. Zovšeobecňovanie je jedným z hlavných prikázaní Balzacovej estetiky.
Estetika Gustaea Flaubertová(1821-1880) našiel svoje vyjadrenie v koncepcii, ktorú vytvoril o osobitnej úlohe a elitárstve literatúry, ktorú prirovnal k vede.Vznik románu „Madame Bovary“ znamenal novú éru v literatúre. Pomocou jednoduchej zápletky o cudzoložstve je Flaubert naším spôsobom, ako ukázať hlboký pôvod okolitej vulgárnosti, morálnu bezvýznamnosť provinčnej buržoázie, dusnú atmosféru druhej ríše, ktorá vznikla po júlovom prevrate Louisa Bonaparta v roku 1848. Román , toto majstrovské dielo francúzskej literatúry, nie je bezdôvodne nazývané encyklopédiou francúzskej provincie 19. storočia. Spisovateľ výberom charakteristických detailov obnovuje z bezvýznamných znakov doby historický obraz celej spoločnosti. Malé mestečko Yonville, v ktorom sa román odohráva, predstavuje celé Francúzsko v miniatúre: má vlastnú šľachtu, vlastné duchovenstvo, vlastnú buržoáziu, vlastných robotníkov a roľníkov, vlastných žobrákov a hasičov, ktorí zajali miesto armády. Títo ľudia, žijúci vedľa seba, sú v podstate oddelení, ľahostajní k sebe a niekedy aj nepriateľskí. Sociálna hierarchia je tu nezlomná, silná
tlačí okolo slabých: majitelia si vybíjajú hnev na sluhoch - na nevinných zvieratách. Sebectvo a bezcitnosť sa ako infekcia šíri po celom okrese, nálady beznádeje a melanchólie prenikajú do všetkých pórov života. Umelcovi Flaubertovi išlo o farebnú a zvukovú štruktúru románu, ktorý slúžil ako akýsi sprievod k smutnému príbehu Emmy Bovaryovej. "Pre mňa," napísal Flaubert, "bola dôležitá len jedna vec - sprostredkovať sivú farbu, farbu plesne, v ktorej vši vegetujú." Flaubert svojou provinčnou drámou zasadil úder buržoáznemu vkusu a falošnému romantizmu. Niet divu, že „Madame Bovary“ bola Cervantesom prirovnaná k „Don Quijotovi“, čím sa ukončilo šialenstvo po rytierskom románe. Flaubert dokázal obrovské možnosti realistického umenia a mal rozhodujúci vplyv na rozvoj realizmu vo svetovej literatúre.
Revolúcia v roku 1830 otvorila novú etapu v dejinách umeleckej kultúry vo Francúzsku, najmä prispela k rozvoju karikatúry ako silného prostriedku kritiky. V literatúre, poézii, vo výtvarnom umení najvýraznejšie reagovala grafika na revolučné udalosti. Uznávaným majstrom satirickej grafiky bol Honore Daumier(1808-1879). Ako brilantný kresliar, majster linky, vytvoril expresívne obrazy jedným ťahom, škvrnou alebo siluetou a urobil z politickej karikatúry skutočné umenie.
Daumier majstrovsky ovládajúc techniku svetelného a tieňového modelovania využíval vo svojich maľbách grafické techniky a vždy zdôrazňoval kontúru. Pokojnou, plynulou čierno-hnedou líniou načrtol obrysy postáv, profilov a pokrývok hlavy, čo bolo znakom jeho obrazovej metódy.
Daumierove obrazy sú označené cyklami, z ktorých prvý bol revolučný. Dá sa celkom oprávnene povedať, že revolúcia v roku 1830 vytvorila Daumiera grafika, revolúcia v roku 1848 vytvorila Daumiera maliara. Daumier bol neochvejným republikánom a umelcove sympatie boli na strane proletariátu a demokratickej inteligencie. Najvýznamnejším dielom revolučného cyklu je „Povstanie“, kde zobrazením len niekoľkých postáv, ich diagonálnym umiestnením, Daumier dosiahol dojem a pohyb veľkého zástupu ľudí a inšpiráciu más a rozsah akcia za hranicami plátna. Dôraz bol kladený len na postavu mladého muža v svetlej košeli. Je podriadený všeobecnému pohybu a zároveň ho usmerňuje, otáča sa k tým, čo kráčajú vzadu a zdvihnutou rukou naznačuje cestu k cieľu. Vedľa neho je intelektuál, ktorého bledá tvár zmrzla od úžasu, no on, unesený všeobecným impulzom, splýva s davom.
Cyklus „Don Quijote“ možno v Daumierovom diele nazvať prierezovým cyklom. Jeho interpretácia obrazov Dona Quijota a Sancha Panzu nemá vo francúzskom umení obdoby. Na rozdiel od banálnych ilustrátorov Cervantesa, Daumiera zaujímala iba psychologická stránka obrazu a leitmotívom všetkých jeho 27 variácií je vychudnutý, neuveriteľne vysoký a vzpriamený Don Quijote, jazdiaci pochmúrnou kopcovitou krajinou na svojej obludne kostnatej postave. , ako gotická chiméra Rossinante; a za ním na somárovi je zbabelý Sancho Panza, vždy zaostávajúci. Zdá sa, že Sanchov obraz hovorí: dosť ideálov, dosť boja, je čas konečne prestať. Don Quijote však neustále napreduje, je verný svojmu snu, nezastavujú ho prekážky, nepriťahujú ho požehnania života, celý je v pohybe, hľadá.
Ak v „Don Quijote“ Daumier odrážal tragický rozpor medzi dvoma stránkami ľudskej duše, potom v sérii „Sudcovia a právnici“ vznikol desivý kontrast medzi výzorom, vonkajším vzhľadom človeka a jeho podstatou. V týchto skutočne brilantných sériách sa Daumier vyšvihol na sociálne a
Francúzske umenie 18. storočia. Realistický smer v maľbe.
V 60. a 70. rokoch predstavitelia buržoáznej kritiky na čele s Denisom vystupovali proti rafinovanému umeniu rokajlu, umeniu salónov a budoárov, „podriadených fantázii a rozmarom hŕstky bohatých, znudených, nečinných ľudí, ktorých vkus je skazený ako ich morálka.“ Diderot. Obviňujúc umenie aristokracie z jeho konvenčnosti a nedostatku prirodzenosti, požadovali tvorbu umenia, ktoré pravdivo odráža život, je oslobodené od manierov a nebojí sa všednosti. Na rozdiel od rokajového umenia, ktorého hlavnou úlohou bolo prinášať potešenie ľuďom rozmaznaným lenivosťou, Diderot a jeho priaznivci požadovali vytvorenie efektného umenia, ktorého úlohou bolo nielen reprodukovať realitu, ale aj vychovať nového človeka. Podľa ich názoru musí mať umenie okrem pravdivosti aj hlboký obsah, ktorý má spoločenský význam, musí pôsobiť blahodarne na spoločnosť a pomáhať človeku riešiť najdôležitejšie životné problémy.
Tieto názory najviac rozvinul Diderot vo svojich „Salónoch“ - recenziách umeleckých výstav v Louvri publikovaných od roku 1759.
Jean Baptiste Simeon Chardin. Výrazným kontrastom k dominantnej aristokratickej línii vývoja umenia je dielo najväčšieho majstra realizmu 18. storočia Jeana Baptistu Simeona Chardina (1699-1779). Syn parížskeho umeleckého tesára sa vyučil akademickými maliarmi, no veľmi skoro sa rozišiel s ich metódou práce – podľa vzorov iných majstrov a podľa svojich predstáv. Túto metódu postavil do protikladu k práci z prírody a jej dôkladnému štúdiu – princípu, ktorému zostal verný po celý život. V roku 1728 Chardin zaujal dvoma zátišiami, ktoré vystavil na námestí Dauphine pod holým nebom, kde raz do roka mohli mladí umelci predvádzať svoje obrazy. Úspech, ktorý sa mu dostavil, mu umožnil prezentovať svoju prácu na Akadémii. Tu jeho zátišia získali jednomyseľné uznanie a Chardin bol zvolený za akademika.
Zátišie bolo Chardinovým obľúbeným žánrom. Tento žáner prišiel do módy v 18. storočí pod vplyvom Holanďanov, ktorých vášeň odzrkadľovala túžbu po jednoduchosti a prirodzenosti objavujúcu sa v literatúre. Francúzski majstri však vo svojich zátišiach zvyčajne nevychádzali z realistických základov holandského umenia, ale z jeho dekoratívnych prvkov. Chardin postavil toto dekoratívne zátišie do kontrastu s jeho jednoduchými, nenáročnými maľbami, bez akýchkoľvek vonkajších efektov. Maľoval hlinené džbány, fľaše, poháre, jednoduché kuchynské náčinie obklopené ovocím a zeleninou, niekedy aj ryby či zabíjanú divinu. No v týchto jednoduchých predmetoch objavil úžasné bohatstvo pestrých odtieňov, ktoré mu umožnili s neobyčajnou silou vyjadrovať materiálne kvality vecí. Tieto výhody Chardinovej maľby okamžite ocenil Diderot, ktorý ho považoval za „prvého koloristu“ Salónu a možno za jedného z prvých koloristov v maľbe. "...ako sa vzduch pohybuje okolo týchto predmetov," hovorí Diderot, "to je ten, kto rozumie harmónii farieb a reflexov." Chardin je skutočne jedným z najväčších koloristov západného umenia.
Žánrová maľba zaujíma v Chardinovej tvorbe najdôležitejšie miesto. Venuje sa zobrazovaniu jednoduchých výjavov každodenného života francúzskeho tretieho stavu – malomeštiaka a pracujúceho ľudu. Samotný Chardin pochádzal z tohto prostredia a neprerušil s ním väzby až do konca svojich dní. Prvýkrát v umení 18. storočia je život tretieho stavu stredobodom umelca, ktorý ho sprostredkúva s hlbokým citom. Námety Chardinových žánrových obrazov sú obyčajné a jednoduché, sú bez drámy či rozprávania. Vo väčšine prípadov je to obraz pokojného domáceho života: matka s deťmi čítajúca modlitbu pred skromným jedlom („Modlitba pred večerou“, 1744, Ermitáž); práčka perú bielizeň a dieťa sediace pri vani fúkajúce mydlové bubliny („The Laundress“, cca 1737, Ermitáž), chlapec usilovne skladá domček z kariet („House of Cards“, Louvre) – to sú typické námety majstrove obrazy. Všetko je na nich prirodzené a jednoduché a zároveň plné skvelej poézie. Chardinove žánrové diela sú úplne zbavené literárnych a didaktických tendencií, ako aj sentimentality a anekdotalizmu, ktoré sú vlastné podobným dielam väčšiny jeho súčasníkov. Ale tak ako Chardin objavil krásu jednoduchého kuchynského náčinia vo svojich zátišiach, dokázal pod skromným vzhľadom každodenných domácich výjavov objaviť celý svet ľudských citov, ktoré v jeho obrazoch nadobúdajú skutočný morálny význam. Úprimnosť a hlboká pravdivosť sa v týchto Chardinových dielach spája s jeho neodmysliteľným umením, vkusom a vynikajúcou maliarskou a koloristickou zručnosťou. Rovnako ako zátišia sú maľované jemne a všeobecne a ich nedostatok jasu je postavený na najjemnejších nuansách tlmených tónov.
Vo francúzskom umení 18. storočia bol Chardin tiež jedným z tvorcov realistického portrétu. Medzi najkrajšie portréty umelca patria jeho autoportréty a portrét jeho manželky, vyhotovený pastelom (Louvre, 70. roky 18. storočia).
Chardinovo realistické umenie okamžite získalo podporu pokročilej umeleckej kritiky. Diderot si Chardina mimoriadne vážil a vo svojich „Salónoch“ viackrát chválil jeho obrazy za ich pravdivosť k životu a vysoké obrazové zásluhy. Chardinovo umenie však neuspokojilo nových kritikov vo všetkých ohľadoch. Teraz, keď sa od umenia vyžadovalo, aby sa podľa Diderotových slov stalo „školou morálky, tichým rečníkom, ktorý nás poučuje o cnostiach a vznešených činoch“, títo umelci sa začali tešiť mimoriadnemu úspechu, v ktorých tvorbe sa objavili didaktické črty.
Jean Baptiste Greuze. Hlavou sentimentálneho a moralizujúceho hnutia vo francúzskom umení druhej polovice 18. storočia bol Jean Baptiste Greuze (1725-1805). Greuzeove diela, venované najmä zobrazovaniu života malomeštiactva, sa vyznačujú silnými idealizujúcimi tendenciami a presiaknuté sentimentálnou citlivosťou. Svojou povahou majú blízko k sentimentálnej dráme, ktorá v tomto období vznikla – literárnemu žánru, v ktorom Diderot písal.
Greuze bol prvým medzi francúzskymi umelcami, ktorý sa stal kazateľom buržoáznej morálky, čo do značnej miery vysvetľuje úspech jeho diel, ako napríklad „Otec rodiny vysvetľujúci svojim deťom Bibliu“, ktorý sa objavil na Salóne v roku 1755 (Paríž, súkromná zbierka), alebo „The Country Bride“ (Salón 1761, v súčasnosti v Louvri). Na týchto obrazoch Greuzeových súčasníkov priťahovali citlivé témy a sentimentálna chvála rodinných cností.
Vysoko ocenil prácu Greuzea a Diderota. „Skutočne mojím umelcom je Greuze,“ napísal Diderot a skúmal Greuzeov obraz „Ochromený“ (Pustovňa) v jeho „Salóne“ z roku 1763. Diderot obdivuje tento obraz, pretože je to „morálna maľba“, ktorá by sa nás mala spolu s dramatickou poéziou „dotknúť, poučiť nás, napraviť a povzbudiť k cnosti“.
Z hľadiska umeleckej hodnoty sú však Greuzeove diela nižšie ako Chardinove diela. Kompozície jeho obrazov sú často umelé a teatrálne, typ je monotónne idealizovaný a chýba mu skutočná expresívnosť, gestá postáv sú namyslené a opakujúce sa v podobných situáciách, pózy sú efektné a premyslené. Sfarbenie Greuzeových obrazov je často konvenčné. Ale jeho početné kresby majú veľké zásluhy. Sú to kompozičné náčrty alebo štúdie figúrok, zvyčajne vyhotovené talianskou ceruzkou alebo sangvinikom, vo voľnom štýle, živo a priamo vyjadrujúce model.
Popri scénach z malomeštiackeho života Grez maľoval portréty (portrét mladého muža, 50. roky 18. storočia, Ermitáž), ako aj idealizované obrazy pekných dievčat, v ktorých sa jeho inherentná sentimentalita výrazu často mení na nepríjemnú kryciu kvalitu. Boli to však tieto takzvané „Grezské hlavy“, ktoré boli vo svojej dobe obzvlášť populárne.
Greuzeho umenie však malo len dočasný úspech. Čím viac sa blížila chvíľa vstupu buržoázie do obdobia triednych bojov, tým menej sa mohla uspokojiť so sentimentálnymi Greuzovými maľbami s námetmi obmedzenými na otázky rodinného života, najmä preto, že Greuzov sentimentalizmus býva presiaknutý erotikou.
V predvečer revolúcie v roku 1789 nahradil klasicizmus didaktické každodenné umenie.
Jean Opore Fragonard. Vo francúzskom umení druhej polovice 18. storočia naďalej žijú tradície rokokového štýlu, do ktorého však v súčasnosti prenikajú realistické výpravy. Najväčším predstaviteľom tohto smeru bol Jean Honore Fragonard (1732-1806), brilantný majster kresby a subtílny kolorista. Slávne boli najmä galantné scény a obrazy parkov v podaní Fragonarda.
Fragonard ešte ako dôchodca v Ríme spolu s krajinárom Hubertom Robertom rád kreslil náčrty rímskych víl. Spolu s Robertom Fragonardom žije vo vile d'Este na Tiberi, ktorú mu poskytol filantrop Saint Non, obklopený malebným parkom v oblasti úžasnej krásy. Fragonard a Robert tu napísali množstvo náčrtov a podieľali sa na publikácii venovanej Neapolu a Sicílii, ktorú vykonal Saint Non, pričom kreslil pre rytiny.
V zobrazovaní milostných scén Fragonard rozvíja zmyselné a erotické prvky ešte odvážnejšie ako Boucher. Tieto tóny znejú obzvlášť silne v dielach ako „Ukradnutá košeľa“ (Louvre), „Swing“ (Londýn, Wallace Collection), „Ukradnutý bozk“ (Hermitage) a iné. Bohatá predstavivosť, ľahké písanie, výrazné ťahy a brilantné remeselné spracovanie sú charakteristické pre Fragonardovu prácu. Fragonard má úspech aj v dielach zobrazujúcich výjavy každodenného, miestami ľudového života, ako napríklad „Deti farmára“ (Pustovňa) a iné. Sú presiaknuté hrejivým citom a vyznačujú sa vitalitou svojich obrazov, veľkou zručnosťou v prenose svetla, jemnosťou farieb a voľným, širokým spôsobom písania. Majú chuť študovať diela holandských maliarov 17. storočia. Vplyv toho druhého sa odráža v brilantne podaných charakteristikách vecí a záujme o zobrazenie zvierat. Ako všetci umelci svojej doby, Fragonard sa vyznačoval veľkou všestrannosťou; maľoval portréty, náboženské obrazy, ozdobné panely, ilustroval knihy a robil miniatúry.
Realizmus (z latinského „realis“ - skutočný, materiálny) je smer v umení, ktorý vznikol koncom 18. storočia, svoj vrchol dosiahol v 19. storočí, ďalej sa rozvíja na začiatku 20. storočia a stále existuje. Jeho cieľom je reálna a objektívna reprodukcia predmetov a predmetov okolitého sveta pri zachovaní ich typických čŕt a vlastností. V procese historického vývoja celého umenia vo všeobecnosti realizmus nadobudol špecifické formy a metódy, v dôsledku čoho sa rozlišujú tri etapy: edukačná (obdobie osvietenstva, koniec 18. storočia), kritická (19. storočie) a socialistický realizmus ( začiatok 20. storočia).
Pojem „realizmus“ prvýkrát použil francúzsky literárny kritik Jules Jeanfleury, ktorý vo svojej knihe „Realizmus“ (1857) interpretoval tento pojem ako umenie vytvorené proti hnutiam ako romantizmus a akademizmus. Pôsobil ako forma odpovede na idealizáciu, ktorá je charakteristická pre romantizmus a klasické princípy akademizmu. S ostrou sociálnou orientáciou sa to nazývalo kritické. Tento smer odrážal akútne spoločenské problémy vo svete umenia a posudzoval rôzne javy v živote vtedajšej spoločnosti. Jej hlavnými princípmi bola objektívna reflexia podstatných stránok života, ktorá zároveň obsahovala výšku a pravdivosť autorových ideálov, v reprodukcii charakteristických situácií a typických postáv pri zachovaní plnosti ich umeleckej individuality.
(Boris Kustodiev "Portrét D.F. Bogoslovského")
Realizmus začiatku 20. storočia bol zameraný na hľadanie nových súvislostí medzi človekom a realitou okolo neho, nových tvorivých spôsobov a metód a originálnych prostriedkov umeleckého vyjadrenia. Často to nebolo vyjadrené vo svojej čistej forme, je charakterizované úzkym spojením s takými pohybmi v umení dvadsiateho storočia, ako je symbolizmus, náboženská mystika a modernizmus.
Realizmus v maľbe
Vznik tohto trendu vo francúzskej maľbe sa spája predovšetkým s menom umelca Gustava Courbiera. Po odmietnutí viacerých obrazov, pre autora obzvlášť významných, ako exponátov na svetovej výstave v Paríži, otvoril v roku 1855 vlastný „Pavilón realizmu“. Deklarácia umelca hlásala princípy nového smeru v maľbe, ktorého cieľom bolo vytvoriť živé umenie, ktoré sprostredkúva morálku, zvyky, myšlienky a vzhľad jeho súčasníkov. „Courbierov realizmus“ okamžite vyvolal ostrú reakciu spoločnosti a kritikov, ktorí tvrdili, že „schováva sa za realizmus, ohovára prírodu“, nazval ho maliarskym maliarom, robil z neho paródie v divadle a všemožne ho očierňoval.
(Gustave Courbier "Autoportrét s čiernym psom")
Realistické umenie je založené na vlastnom osobitom pohľade na okolitú realitu, ktorý kritizuje a analyzuje mnohé aspekty spoločenského života. Odtiaľ pochádza názov realizmu 19. storočia „kritický“, pretože kritizoval v prvom rade neľudskú podstatu krutého vykorisťovateľského systému, ukázal strašnú chudobu a utrpenie urazených obyčajných ľudí, nespravodlivosť a povoľnosť tých, ktorí sú pri moci. . Realistickí umelci, ktorí kritizovali základy existujúcej buržoáznej spoločnosti, boli ušľachtilými humanistami, ktorí verili v dobro, najvyššiu spravodlivosť, všeobecnú rovnosť a šťastie pre každého bez výnimky. Neskôr (1870) sa realizmus rozdelil na dve vetvy: naturalizmus a impresionizmus.
(Julien Dupre "Návrat z polí")
Hlavnými témami umelcov, ktorí maľovali svoje plátna v štýle realizmu, boli žánrové výjavy mestského a vidieckeho života obyčajných ľudí (roľníkov, robotníkov), výjavy pouličných udalostí a incidentov, portréty štamgastov v pouličných kaviarňach, reštauráciách a nočných kluboch. Pre realistických umelcov bolo dôležité sprostredkovať momenty života v jeho dynamike, čo najvierohodnejšie zdôrazniť individuálne vlastnosti účinkujúcich postáv, realisticky ukázať ich pocity, emócie a prežívanie. Hlavnou charakteristikou obrazov zobrazujúcich ľudské telá je ich zmyselnosť, emocionalita a naturalizmus.
Realizmus ako smer v maľbe sa rozvinul v mnohých krajinách sveta ako Francúzsko (barbizonská škola), Taliansko (bolo známe ako verismo), Veľká Británia (figurálna škola), USA (škola Edwarda Hoppera na odpadky, umelecká škola Thomasa Eakinsa) , Austrália (Heidelberg School, Tom Roberts, Frederick McCubbin), v Rusku to bolo známe ako hnutie potulných umelcov.
(Julien Dupre "Pastier")
Francúzske obrazy, písané v duchu realizmu, často patrili do krajinného žánru, v ktorom sa autori snažili sprostredkovať prírodu okolo seba, krásu francúzskej provincie, vidiecke krajiny, ktoré podľa ich názoru dokonale demonštrovali „skutočnú “Francúzsko v celej svojej kráse. Obrazy francúzskych realistických umelcov nezobrazovali idealizované typy, boli tam skutoční ľudia, bežné situácie bez prikrášľovania, neexistovala bežná estetika a vnucovanie univerzálnych právd.
(Honoré Daumier "Kočík tretej triedy")
Najvýznamnejšími predstaviteľmi francúzskeho realizmu v maľbe boli umelci Gustav Courbier („Umelcova dielňa“, „Drvič kameňa“, „Pletiar“), Honoré Daumier („Auto tretej triedy“, „Na ulici“, „ Práčovňa") a François Millet ("Práčovňa"), Rozsievač, "Zberači", "Angelus", "Smrť a drevorubač").
(François Millet "Zberači uší")
V Rusku je rozvoj realizmu vo výtvarnom umení úzko spojený s prebúdzaním povedomia verejnosti a rozvojom demokratických myšlienok. Pokrokoví občania spoločnosti odsúdili existujúci politický systém a prejavili hlboké sympatie k tragickému osudu obyčajného ruského ľudu.
(Alexey Savrasov "Veže dorazili")
Skupina potulných umelcov, ktorá vznikla koncom 19. storočia, zahŕňala takých veľkých ruských majstrov štetca, akými boli krajinári Ivan Šiškin („Ráno v borovicovom lese“, „Žito“, „Borovicový les“) a Alexej Savrasov ( „Veže dorazili“, „Pohľad na vidiek“, „Dúha“), majstri žánru a historických obrazov Vasily Perov („Trojka“, „Poľovníci na odpočinku“, „Vidiecky sprievod na Veľkú noc“) a Ivan Kramskoy („Neznámy“ ““, „Neútešný smútok“, „Kristus na púšti“), vynikajúci maliar Iľja Repin („Nákladní člny na Volge“, „Nečakali“, „Náboženský sprievod v provincii Kursk“), majster zobrazovania veľkých -veľké historické udalosti Vasilij Surikov („Ráno popravy Streltsy“, „Boyaryna Morozova“, „Suvorovov prechod cez Alpy“) a mnoho ďalších (Vasnetsov, Polenov, Levitan),
(Valentin Serov "Dievča s broskyňami")
Začiatkom dvadsiateho storočia boli tradície realizmu pevne zakorenené vo výtvarnom umení tej doby a pokračovali v nich takí umelci ako Valentin Serov („Dievča s broskyňami“, „Peter I“), Konstantin Korovin („V zime“ ““, „Pri čajovom stole“, „Boris Godunov“ . Korunovácia“), Sergej Ivanov („Rodina“, „Príchod vojvodstva“, „Smrť migranta“).
Realizmus v umení 19. storočia
Kritický realizmus, ktorý sa objavil vo Francúzsku a dosiahol svoj vrchol v mnohých európskych krajinách v polovici 19. storočia, vznikol v opozícii k tradíciám predchádzajúcich hnutí v umení, akými boli romantizmus a akademizmus. Jeho hlavnou úlohou bolo objektívne a pravdivo zobrazovať „pravdu života“ špecifickými umeleckými prostriedkami.
Vznik nových technológií, rozvoj medicíny, vedy, rôznych odvetví priemyselnej výroby, rast miest, zvýšený vykorisťovateľský tlak na roľníkov a robotníkov, to všetko nemohlo ovplyvniť vtedajšiu kultúrnu sféru, čo neskôr viedlo k tzv. rozvoj nového hnutia v umení - realizmu, navrhnutého tak, aby odrážal život novej spoločnosti bez prikrášľovania a skresľovania.
(Daniel Defoe)
Anglický spisovateľ a publicista Daniel Defoe je považovaný za zakladateľa európskeho realizmu v literatúre. Vo svojich dielach „Denník morového roku“, „Roxana“, „Radosti a strasti Krtka Flámska“, „Život a úžasné dobrodružstvá Robinsona Crusoa“ reflektuje rôzne spoločenské rozpory tej doby, vychádzajú z tzv. výrok o dobrom začiatku každého človeka, ktorý sa môže pod tlakom vonkajších okolností zmeniť.
Zakladateľom literárneho realizmu a psychologického románu vo Francúzsku je spisovateľ Frederic Stendhal. Jeho slávne romány „Červená a čierna“ a „Červená a biela“ ukázali čitateľom, že opis obyčajných životných scén a každodenných ľudských skúseností a emócií možno vykonať s najväčšou zručnosťou a povýšiť ho na úroveň umenia. Medzi vynikajúcich realistických spisovateľov 19. storočia patria aj francúzsky Gustave Flaubert („Madame Bovary“), Guy de Maupassant („Bielorusko“, „Silný ako smrť“), Honoré de Balzac (séria románov „Ľudská komédia“). a Angličan Charles Dickens („Oliver Twist“, „David Copperfield“), Američania William Faulkner a Mark Twain.
Pri počiatkoch ruského realizmu stáli takí vynikajúci majstri pera ako dramatik Alexander Gribojedov, básnik a spisovateľ Alexander Puškin, rozprávkar Ivan Krylov a ich pokračovatelia Michail Lermontov, Nikolaj Gogoľ, Anton Čechov, Lev Tolstoj, Fjodor Dostojevskij.
Pre maľbu z obdobia realizmu 19. storočia je charakteristické objektívne zobrazenie skutočného života. Francúzski umelci na čele s Theodorom Rousseauom maľovali vidiecke krajiny a výjavy z pouličného života, čím dokázali, že aj obyčajná neprikrášlená príroda môže byť jedinečným materiálom na vytváranie majstrovských diel výtvarného umenia.
Jedným z najškandalóznejších realistických umelcov tej doby, ktorý vyvolal búrku kritiky a odsúdenia, bol Gustav Courbier. Jeho zátišia, krajinomaľby („Jeleň pri napájadle“), žánrové scény („Pohreb v Ornans“, „Drvič kameňov“).
(Pavel Fedotov "Major's Matchmaking")
Zakladateľom ruského realizmu je umelec Pavel Fedotov, jeho slávne obrazy „Major's Matchmaking“, „Fresh Cavalier“, vo svojich dielach odhaľuje zhubnú morálku spoločnosti a vyjadruje svoje sympatie k chudobným a utláčaným ľuďom. Pokračovateľmi jeho tradícií možno nazvať hnutie umelcov Peredvizhniki, ktoré v roku 1870 spolu s ďalšími maliarmi založilo štrnásť najlepších umeleckých absolventov cisárskej akadémie umení v Petrohrade. Ich prvá výstava, otvorená v roku 1871, mala u verejnosti obrovský úspech, ukázala odraz skutočného života obyčajných ruských ľudí žijúcich v hrozných podmienkach chudoby a útlaku. Sú to slávne obrazy Repina, Surikova, Perova, Levitana, Kramskoya, Vasnetsova, Polenova, Ge, Vasilieva, Kuindzhiho a ďalších vynikajúcich ruských realistických umelcov.
(Konstantin Meunier "Priemysel")
Architektúra, architektúra a súvisiace úžitkové umenie boli v 19. storočí v stave hlbokej krízy a úpadku, čo predurčilo nepriaznivé podmienky pre rozvoj monumentálneho sochárstva a maliarstva. Dominantný kapitalistický systém bol nepriateľský k tým druhom umenia, ktoré priamo súviseli so spoločenským životom kolektívu (verejné budovy, súbory širokého občianskeho významu), realizmus ako smer v umení sa mohol naplno rozvinúť vo výtvarnom umení a čiastočne v sochárstve. Vynikajúci realistickí sochári 19. storočia: Constantin Meunier („Nakladač“, „Priemysel“, „Puddler“, „Kladivo“) a Auguste Rodin („Mysliteľ“, „Chodec“, „Občania Calais“ ).
Realizmus v umení 20. storočia
V porevolučnom období a počas vzniku a rozkvetu ZSSR sa dominantným smerom v ruskom umení stal socialistický realizmus (1932 – vznik tohto termínu, jeho autorom bol sovietsky spisovateľ I. Gronsky), ktorý bol estetickou reflexiou socialistickej koncepcie sovietskej spoločnosti.
(K. Yuon "Nová planéta")
Základnými princípmi socialistického realizmu, zameraného na pravdivé a realistické zobrazenie okolitého sveta v jeho revolučnom vývoji, boli princípy:
- národnosti. Používajte bežné rečové vzory a príslovia, aby bola literatúra zrozumiteľná pre ľudí;
- ideológie. Identifikujte hrdinské činy, nové nápady a cesty potrebné pre šťastie obyčajných ľudí;
- Špecifiká. Zobrazte okolitú realitu v procese historického vývoja, zodpovedajúcu jej materialistickému chápaniu.
V literatúre boli hlavnými predstaviteľmi sociálneho realizmu spisovatelia Maxim Gorkij („Matka“, „Foma Gordeev“, „Život Klima Samgina“, „V hlbinách“, „Pieseň petrela“), Michail Sholokhov („“ Panenská pôda obrátená“, epický román „Ticho“) Don), Nikolaj Ostrovskij (román „Ako sa temperovala oceľ“), Alexander Serafimovič (príbeh „Železný prúd“), básnik Alexander Tvardovskij (báseň „Vasily Terkin“), Alexander Fadeev (romány „Zničenie“, „Mladá garda“) atď.
(M. L. Zvyagin "Do práce")
Aj v ZSSR sa objavili diela takých zahraničných autorov ako pacifistický spisovateľ Henri Barbusse (román Oheň), básnik a prozaik Louis Aragon, nemecký dramatik Bertolt Brecht, nemecká spisovateľka a komunistka Anna Seghers (román „ Siedmy kríž") bol považovaný za socialistických realistických spisovateľov. , čilský básnik a politik Pablo Neruda, brazílsky spisovateľ Jorge Amado ("Kapitáni piesku", "Donna Flor a jej dvaja manželia").
Významní predstavitelia trendu socialistického realizmu v sovietskej maľbe: Alexander Deineka („Obrana Sevastopolu“, „Matka“, „Budúci piloti“, „Fyzické dievča“), V. Favorskij, Kukryniksy, A. Gerasimov („Lenin na Tribúna“, „Po daždi“, „Portrét baletky O. V. Lepeshinskej“), A. Plastov („Kúpanie koní“, „Večera traktoristov“, „Črieda kolektívnej farmy“), A. Laktionov („List spredu“), P. Končalovskij („Orgál“), K. Yuon („Komsomolskaja pravda“, „Ľudia“, „Nová planéta“), P. Vasiliev (portréty a známky zobrazujúce Lenina a Stalina), V. Svarog („Hrdinovia v Kremli pred letom“, „Prvý máj – priekopníci“), N. Baskakov („Lenin a Stalin v Smolnom“) F. Rešetnikov („Znova Deuce“, „Prišiel na dovolenku“), K. Maksimov a ďalší.
(Pamätník Vera Mukhina „Robotníčka a žena z kolektívnej farmy“)
Vynikajúcimi sovietskymi sochármi-monumentalistami éry socialistického realizmu boli Vera Mukhina (pamätník „Robotníčka a kolchoznícka žena“), Nikolaj Tomskij (basreliéf 56 postáv „Obrana, práca, voľný čas“ na Dome sovietov na Moskovskom prospekte v r. Leningrad), Evgenia Vuchetich (pamätník „Bojovník“ osloboditeľ“ v Berlíne, socha „Vlasť volá!“ vo Volgograde), Sergej Konenkov. Na veľkorozmerné monumentálne sochy sa spravidla vyberali najmä odolné materiály ako žula, oceľ či bronz, ktoré sa inštalovali na otvorených priestranstvách, aby zvečnili obzvlášť významné historické udalosti alebo hrdinsko-epické činy.
