.
Tento umelec, ktorý v roku 1994 absolvoval umeleckú školu v Tveri v odbore grafický dizajn, udivuje predstavivosť svojim nevšedným štýlom a nádhernými kompozíciami.
Je tvorcom skutočne jedinečných ilustrácií s retro nádychom. Waldemar Kazak je umelec so zmyslom pre humor, má osobitý pohľad na každodenný život, vie sa smiať na každodennosti a často si robí srandu z významu detských rozprávok, politikov a modernej mládeže.
Moderný ilustrátor pracuje v každodennom žánri s dôrazom na karikatúru. Postavy z Kazakových diel je ťažké nevšimnúť si a zapamätať si ich. Všetky sú veľmi farebné, výrazné a svetlé.
Jeho dychberúce kompozície sú naplnené štýlom povojnovej estetiky, ktorý sa presadil v 50. rokoch dvadsiateho storočia, retro lesk sa prejavuje doslova vo všetkom: od výberu námetu obrazu až po výber farieb.
Toto hovorí o svojom štýle samotný Waldemar Kazak:
Ako každý človek (alebo umelec) mám svoj rukopis. Ale nevychovávam ho, pretože sa bojím upadnúť do manierov. Okrem toho je na trhu žiadané jasné individuálne písanie. Áno, v skutočnosti to už každý vie.
Úžasne jasné, vzrušujúce, pútavé umelecké kresby v retro štýle Waldemara Kazaka nenechajú nikoho ľahostajným!
Žánre maľby sa objavovali, získavali na popularite, zanikali, objavovali sa nové a začali sa rozlišovať podtypy v rámci existujúcich. Tento proces sa nezastaví, kým človek existuje a snaží sa zachytiť svet okolo seba, či už ide o prírodu, budovy alebo iných ľudí.
Predtým (do 19. storočia) existovalo delenie maliarskych žánrov na tzv. „vysoké“ žánre (francúzsky veľký žáner) a „nízke“ žánre (francúzsky žáner petit). Toto rozdelenie vzniklo v 17. storočí. a bol založený na tom, aký námet a zápletka boli zobrazené. V tomto smere medzi vysoké žánre patrili: bojový, alegorický, náboženský a mytologický a medzi nízke žánre portrét, krajina, zátišie, animalizmus.
Rozdelenie do žánrov je dosť ľubovoľné, pretože v obraze môžu byť súčasne prítomné prvky dvoch alebo viacerých žánrov.
Animalizmus alebo živočíšny žáner
Animalizmus, alebo animalistický žáner (z lat. animal – zviera) je žáner, v ktorom je hlavným motívom obraz zvieraťa. Dá sa povedať, že ide o jeden z najstarších žánrov, pretože... kresby a postavy vtákov a zvierat boli prítomné v živote primitívnych ľudí. Napríklad na známom obraze I.I. Shishkinovo „Ráno v borovicovom lese“, prírodu zobrazuje samotný umelec a medvede zobrazuje úplne iný umelec, ktorý sa špecializuje na zobrazovanie zvierat.
I.I. Shishkin „Ráno v borovicovom lese“ Ako možno rozlíšiť poddruh? Hipický žáner(z gréckeho hrochy - kôň) - žáner, v ktorom je stredom obrazu obraz koňa.
NIE. Sverchkov „Kôň v stajni“ Portrét
Portrét (z francúzskeho slova portrét) je obraz, na ktorom je ústredným obrazom osoba alebo skupina ľudí. Portrét vyjadruje nielen vonkajšiu podobnosť, ale odráža aj vnútorný svet a vyjadruje umelcove pocity voči osobe, ktorej portrét maľuje.
I.E. Repin Portrét Mikuláša II Portrétny žáner sa delí na individuálne(obrázok jednej osoby), skupina(obrázok niekoľkých ľudí), podľa povahy obrázku - k predným dverám, keď je človek zobrazený v plnom raste na výraznom architektonickom alebo krajinnom pozadí a komora, keď je osoba zobrazená po hrudník alebo pás na neutrálnom pozadí. Skupina portrétov, spojených nejakou charakteristikou, tvorí súbor, čiže portrétnu galériu. Príkladom môžu byť portréty členov kráľovskej rodiny.
Vyniká samostatne autoportrét, v ktorej umelec zobrazuje sám seba.
K. Bryullov Autoportrét Portrét je jedným z najstarších žánrov – prvé portréty (sochárske) boli prítomné už v starovekom Egypte. Takýto portrét pôsobil ako súčasť kultu o posmrtnom živote a bol „dvojníkom“ človeka.
Scenéria
Krajina (z francúzskeho paysage - krajina, oblasť) je žáner, v ktorom je ústredným obrazom obraz prírody - rieky, lesy, polia, more, hory. V krajine je hlavným bodom, samozrejme, dej, ale nemenej dôležité je sprostredkovať pohyb a život okolitej prírody. Príroda je na jednej strane krásna a vzbudzuje obdiv, no na druhej strane je dosť ťažké premietnuť to do obrazu.
C. Monet „Pole maku v Argenteuil“ Poddruh krajiny je prímorská krajina alebo prístav(z francúzštiny marine, taliansky marina, z latinčiny marinus - more) - obraz námornej bitky, mora alebo iných udalostí odohrávajúcich sa na mori. Významným predstaviteľom morských maliarov je K.A. Aivazovský. Je pozoruhodné, že umelec napísal veľa detailov tohto obrazu z pamäti.
I.I. Aivazovsky "Deviata vlna" Umelci sa však často snažia maľovať more zo života, napríklad W. Turner pre svoj obraz „Blizzard. Parník pri vstupe do prístavu dáva núdzový signál po tom, ako sa dostane do plytkej vody,“ strávil 4 hodiny pripútaný na kapitánskom mostíku lode plaviacej sa v búrke.
W. Turner „Blizzard. Parník pri vstupe do prístavu dáva núdzový signál po tom, čo sa dostane do plytkej vody."Vodný živel je zobrazený aj v riečnej krajine.
Samostatne prideľovať panoráma mesta, v ktorej sú hlavným námetom snímky mestské ulice a budovy. Typ mestskej krajiny je Veduta– obraz mestskej krajiny vo forme panorámy, kde mierka a proporcie sú určite zachované.
A. Canaletto „Piazza San Marco“Existujú aj iné typy krajiny - vidiecke, priemyselné a architektonické. V architektonickej maľbe je hlavnou témou obraz architektonickej krajiny, t.j. budovy, stavby; zahŕňa obrazy interiérov (vnútorná výzdoba priestorov). Niekedy Interiér(z franc. intérieur - interný) sa rozlišuje ako samostatný žáner. Ďalší žáner sa vyznačuje architektonickou maľbou — Capriccio(z talianskeho capriccio, rozmar, rozmar) - architektonická fantazijná krajina.
Zátišie
Zátišie (z francúzskeho nature morte - mŕtva príroda) je žáner venovaný zobrazovaniu neživých predmetov, ktoré sú umiestnené v spoločnom prostredí a tvoria skupinu. Zátišie sa objavilo v 15. – 16. storočí, no ako samostatný žáner vzniklo v 17. storočí.
Napriek tomu, že slovo „zátišie“ sa prekladá ako mŕtva príroda, na obrazoch sú kytice kvetov, ovocia, rýb, diviny, jedál – všetko vyzerá „ako živé“, t.j. ako skutočný. Od okamihu svojho vzniku až dodnes je zátišie dôležitým žánrom maľby.
K. Monet „Váza s kvetmi“ Ako samostatný poddruh môžeme rozlíšiť Vanitas(z lat. Vanitas - márnosť, márnosť) je maliarsky žáner, v ktorom ústredné miesto na obraze zaujíma ľudská lebka, ktorej obraz má pripomínať márnosť a krehkosť ľudského života.
Obraz F. de Champagne prostredníctvom obrazov tulipánu, lebky, presýpacích hodín predstavuje tri symboly krehkosti existencie - Život, Smrť, Čas.
Historický žáner
Historický žáner je žáner, v ktorom obrazy zobrazujú dôležité udalosti a spoločensky významné javy minulosti alebo súčasnosti. Je pozoruhodné, že obraz môže byť venovaný nielen skutočným udalostiam, ale aj udalostiam z mytológie alebo napríklad opísaným v Biblii. Tento žáner je veľmi dôležitý pre dejiny, ako pre dejiny jednotlivých národov a štátov, tak aj pre ľudstvo ako celok. V obrazoch je historický žáner neoddeliteľný od iných druhov žánrov – portrét, krajina, bojový žáner.
I.E. Repin „Kozáci píšu list tureckému sultánovi“ 
K. Bryullov „Posledný deň Pompejí“ Bojový žáner
Bojový žáner (z francúzskeho bataille - bitka) je žáner, v ktorom obrazy zobrazujú vrchol bitky, vojenské operácie, okamih víťazstva, výjavy z vojenského života. Bojová maľba je charakteristická zobrazením veľkého počtu ľudí na obraze.
A.A. Deineka "Obrana Sevastopolu" Náboženský žáner
Náboženský žáner je žáner, v ktorom je hlavná dejová línia na obrazoch biblická (scény z Biblie a evanjelia). Téma sa týka náboženskej a ikonomaľby, rozdiel medzi nimi je v tom, že maľby náboženského obsahu sa nezúčastňujú bohoslužieb a pre ikonu je to hlavný účel. Ikonografia preložené z gréčtiny. znamená „modlitebný obraz“. Tento žáner bol obmedzený prísnym rámcom a zákonmi maľby, pretože nemá odrážať realitu, ale sprostredkovať myšlienku Božieho princípu, v ktorom umelci hľadajú ideál. V Rusku dosahuje ikonomaľba svoj vrchol v 12.-16. storočí. Najznámejšie mená maliarov ikon sú Theophanes the Greek (fresky), Andrei Rublev, Dionýsius.
A. Rublev „Trojica“ Ako vyniká prechodné štádium od maľby ikon k portrétu Parsuna(skreslené z lat. persona - osoba, osoba).
Parsun Ivana Hrozného. autor neznámy Každodenný žáner
Obrazy zobrazujú výjavy každodenného života. Umelec často píše o momentoch života, ktorých je súčasníkom. Charakteristickými črtami tohto žánru sú realizmus obrazov a jednoduchosť deja. Obraz môže odrážať zvyky, tradície a štruktúru každodenného života konkrétneho človeka.
Maľba pre domácnosť zahŕňa také slávne obrazy ako „Barge Haulers on Volga“ od I. Repina, „Trojka“ od V. Perova, „Nerovné manželstvo“ od V. Pukireva.
I. Repin „Nákladné lode na Volge“ Epicko-mytologický žáner
Epicko-mytologický žáner. Slovo mýtus pochádza z gréčtiny. „mythos“, čo znamená tradícia. Obrazy zobrazujú udalosti legiend, eposov, tradícií, starovekých gréckych mýtov, starých príbehov, sprisahaní folklórnych diel.
P. Veronese "Apollo a Marsyas" Alegorický žáner
Alegorický žáner (z gréckeho alegoria - alegória). Obrazy sú maľované tak, aby mali skrytý význam. Nepodstatné myšlienky a koncepty, neviditeľné pre oči (sila, dobro, zlo, láska), sa prenášajú prostredníctvom obrazov zvierat, ľudí a iných živých bytostí s takými prirodzenými vlastnosťami, ktoré majú symboliku už zafixovanú v mysliach ľudí a pomáhajú pochopiť všeobecný zmysel práce.
L. Giordano „Láska a neresti odzbrojujú spravodlivosť“ Pastoračný (z francúzskeho pastorale - pastoračný, vidiecky)
Žáner maľby, ktorý oslavuje a poetizuje jednoduchý a pokojný vidiecky život.
F. Boucher „Jesenná pastorácia“ Karikatúra (z talianskeho caricare - preháňať)
Žáner, v ktorom sa pri vytváraní obrazu zámerne využíva komický efekt zveličovaním a vyostrovaním čŕt, správania, oblečenia a pod. Účelom karikatúry je uraziť, na rozdiel napr. od karikatúry (z francúzskeho náboja) , ktorej účelom je jednoducho urobiť zábavu. S pojmom „karikatúra“ úzko súvisia pojmy ako populárna tlač a groteska.
Nahý (z francúzskeho nu - nahý, vyzlečený)
Žáner, v ktorom obrazy zobrazujú nahé ľudské telo, je najčastejšie ženský.
Tizian Vecellio "Urbinská Venuša" Podvod alebo trompe l'oeil (z franc. trompe-l'œil - optická ilúzia)
Žáner, ktorého charakteristickým znakom sú špeciálne techniky vytvárajúce optickú ilúziu a umožňujúce zotrieť hranicu medzi realitou a obrazom, t.j. zavádzajúci dojem, že objekt je trojrozmerný, keď je dvojrozmerný. Niekedy sa blende rozlišuje ako podtyp zátišia, no niekedy sú v tomto žánri zobrazovaní aj ľudia.
Per Borrell del Caso „Utekanie pred kritikou“ Na dotvorenie vnímania vábničiek je vhodné uvažovať o nich v origináli, pretože reprodukcia nie je schopná plne vyjadriť efekt, ktorý umelec zobrazil.
Jacopo de Barberi "Jarabica a železné rukavice" Tematický obrázok
Zmes tradičných žánrov maľby (domáca, historická, bitka, krajina atď.). Iným spôsobom sa tento žáner nazýva figuratívna kompozícia, jeho charakteristické znaky sú: hlavnú úlohu hrá osoba, prítomnosť akcie a spoločensky významnej myšlienky, nevyhnutne sa prejavujú vzťahy (konflikty záujmov/postáv) a psychologické akcenty. .
V. Surikov „Boyaryna Morozova“ Ak si myslíte, že všetci veľkí umelci sú minulosťou, potom ani netušíte, ako veľmi sa mýlite. V tomto článku sa dozviete o najznámejších a najtalentovanejších umelcoch našej doby. A verte, že ich diela zostanú vo vašej pamäti o nič menej hlboko ako diela maestrov z minulých období.
Wojciech Babski
Wojciech Babski je súčasný poľský umelec. Štúdium ukončil na Sliezskom polytechnickom inštitúte, no spojil sa s. V poslednej dobe maľuje najmä ženy. Zameriava sa na vyjadrenie emócií, snaží sa dosiahnuť čo najväčší efekt pomocou jednoduchých prostriedkov.
Miluje farby, ale na dosiahnutie najlepšieho dojmu často používa odtiene čiernej a šedej. Nebojte sa experimentovať s rôznymi novými technikami. V poslednej dobe si získava čoraz väčšiu obľubu aj v zahraničí, hlavne vo Veľkej Británii, kde úspešne predáva svoje diela, ktoré sa už nachádzajú v mnohých súkromných zbierkach. Okrem umenia sa zaujíma o kozmológiu a filozofiu. Počúva jazz. V súčasnosti žije a pracuje v Katoviciach.
Warren Chang
Warren Chang je súčasný americký umelec. Narodil sa v roku 1957 a vyrastal v Monterey v Kalifornii. V roku 1981 s vyznamenaním promoval na Art Center College of Design v Pasadene, kde získal titul BFA. Počas nasledujúcich dvoch desaťročí pracoval ako ilustrátor pre rôzne spoločnosti v Kalifornii a New Yorku, než sa v roku 2009 vydal na dráhu profesionálneho umelca.
Jeho realistické maľby možno rozdeliť do dvoch hlavných kategórií: biografické interiérové maľby a maľby zobrazujúce ľudí pri práci. Jeho záujem o tento štýl maľby sa datuje od tvorby umelca zo 16. storočia Johannesa Vermeera a rozširuje sa na námety, autoportréty, portréty rodinných príslušníkov, priateľov, študentov, interiéry ateliérov, učebne a domovy. Jeho cieľom je vytvoriť náladu a emócie vo svojich realistických obrazoch prostredníctvom manipulácie so svetlom a použitím tlmených farieb.
Chang sa preslávil po prechode na tradičné výtvarné umenie. Za posledných 12 rokov si vyslúžil množstvo ocenení a vyznamenaní, z ktorých najprestížnejšie je Master Signature od Oil Painters of America, najväčšej komunity olejomaľby v Spojených štátoch. Iba jeden človek z 50 má možnosť získať toto ocenenie. Warren v súčasnosti žije v Monterey a pracuje vo svojom ateliéri a tiež vyučuje (známy ako talentovaný učiteľ) na San Francisco Academy of Art.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni je taliansky umelec. Narodil sa v Blair 15. októbra 1955. Diplom zo scénografie získal na Inštitúte umenia v Spolete. Ako umelec je samouk, keďže si samostatne „postavil dom poznania“ na základoch položených v škole. Olejom začal maľovať vo veku 19 rokov. V súčasnosti žije a pracuje v Umbrii.
Bruniho rané maľby sú zakorenené v surrealizme, ale postupom času sa začína zameriavať na blízkosť lyrického romantizmu a symbolizmu, pričom túto kombináciu umocňuje vynikajúcou prepracovanosťou a čistotou svojich postáv. Animované a neživé predmety nadobúdajú rovnakú dôstojnosť a vyzerajú takmer hyperrealisticky, no zároveň sa neskrývajú za oponou, ale umožňujú vám vidieť podstatu vašej duše. Všestrannosť a sofistikovanosť, zmyselnosť a osamelosť, premyslenosť a plodnosť sú duchom Aurelia Bruniho, živeného nádherou umenia a harmóniou hudby.
Aleksander Baloš
Alkasander Balos je súčasný poľský umelec špecializujúci sa na olejomaľbu. Narodil sa v roku 1970 v poľských Gliwiciach, no od roku 1989 žije a pracuje v USA, v Shasta v Kalifornii.
V detstve študoval umenie pod vedením svojho otca Jana, samouka a sochára, takže umelecká činnosť už od malička dostávala plnú podporu oboch rodičov. V roku 1989, vo veku osemnástich rokov, Balos odišiel z Poľska do Spojených štátov, kde jeho učiteľka a umelkyňa na čiastočný úväzok Cathy Gaggliardi povzbudila Alkasandera, aby sa prihlásil na umeleckú školu. Balos potom získal plné štipendium na University of Milwaukee, Wisconsin, kde študoval maľbu u profesora filozofie Harryho Rozina.
Po absolvovaní bakalárskeho štúdia v roku 1995 sa Balos presťahoval do Chicaga študovať na School of Fine Arts, ktorej metódy vychádzajú z práce Jacquesa-Louisa Davida. Figurálny realizmus a portrét tvorili väčšinu Balosovej tvorby v 90. rokoch a začiatkom 21. storočia. Dnes Balos využíva ľudskú postavu na zdôraznenie vlastností a nedostatkov ľudskej existencie, pričom neponúka žiadne riešenia.
Predmetné kompozície jeho obrazov sú určené na samostatnú interpretáciu diváka, až potom obrazy nadobudnú svoj skutočný časový a subjektívny význam. V roku 2005 sa umelec presťahoval do severnej Kalifornie, odvtedy sa námet jeho tvorby výrazne rozšíril a teraz zahŕňa voľnejšie maliarske metódy vrátane abstrakcie a rôznych multimediálnych štýlov, ktoré pomáhajú vyjadrovať myšlienky a ideály existencie prostredníctvom maľby.
Alyssa Monksová
Alyssa Monks je súčasná americká umelkyňa. Narodil sa v roku 1977 v Ridgewoode, New Jersey. O maľovanie som sa začal zaujímať ešte ako dieťa. Študovala na The New School v New Yorku a na Montclair State University a na Boston College v roku 1999 ukončila bakalársky titul. Zároveň študovala maľbu na Akadémii Lorenza de' Medici vo Florencii.
Potom pokračovala v magisterskom štúdiu na New York Academy of Art na oddelení figuratívneho umenia, ktorú ukončila v roku 2001. Vyštudovala Fullerton College v roku 2006. Nejaký čas prednášala na univerzitách a vzdelávacích inštitúciách po celej krajine, vyučovala maľbu na New York Academy of Art, ako aj na Montclair State University a Lyme Academy of Art College.
„Pomocou filtrov, ako je sklo, vinyl, voda a para, deformujem ľudské telo. Tieto filtre vám umožňujú vytvárať veľké plochy abstraktného dizajnu, cez ktoré prenikajú ostrovčeky farieb – časti ľudského tela.
Moje obrazy menia moderný pohľad na už zabehnuté, tradičné pózy a gestá kúpajúcich sa žien. Pozornému divákovi by mohli veľa povedať o takých zdanlivo samozrejmých veciach, akými sú výhody plávania, tanca a pod. Moje postavy sa tlačia na sklo sprchového okna, deformujúc svoje vlastné telá, uvedomujúc si, že tým ovplyvňujú notoricky známy mužský pohľad na nahú ženu. Hrubé vrstvy farby sa miešajú tak, aby z diaľky napodobňovali sklo, paru, vodu a mäso. Zblízka sa však ukážu úžasné fyzikálne vlastnosti olejovej farby. Experimentovaním s vrstvami farieb a farieb nachádzam bod, v ktorom sa abstraktné ťahy štetcom stávajú niečím iným.
Keď som prvýkrát začal maľovať ľudské telo, bol som ním okamžite fascinovaný a dokonca posadnutý a veril som, že svoje obrazy musím urobiť čo najrealistickejšími. „Vyznával som“ realizmus, až kým sa nezačal odkrývať a odhaľovať protiklady v sebe. Teraz skúmam možnosti a potenciál štýlu maľby, kde sa stretáva reprezentačná maľba a abstrakcia – ak oba štýly dokážu koexistovať v rovnakom čase, urobím to.“
Antonio Finelli
taliansky umelec – “ Pozorovateľ času“ – Antonio Finelli sa narodil 23. februára 1985. V súčasnosti žije a pracuje v Taliansku medzi Rímom a Campobasso. Jeho diela boli vystavené vo viacerých galériách v Taliansku i v zahraničí: Rím, Florencia, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a nachádzajú sa aj v súkromných a verejných zbierkach.
Kresby ceruzkou" Pozorovateľ času„Antonio Finelli nás berie na večnú cestu vnútorným svetom ľudskej dočasnosti a s tým spojenú úzkostlivú analýzu tohto sveta, ktorej hlavným prvkom je prechod časom a stopy, ktoré zanecháva na koži.
Finelli maľuje portréty ľudí akéhokoľvek veku, pohlavia a národnosti, ktorých mimika naznačuje prechod v čase a umelec tiež dúfa, že na telách svojich postáv nájde dôkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svoje diela jedným, všeobecným názvom: „Autoportrét“, pretože vo svojich kresbách ceruzou zobrazuje nielen človeka, ale umožňuje divákovi kontemplovať skutočné výsledky plynutia času vo vnútri človeka.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni je 37-ročná talianska umelkyňa, dcéra diplomata. Má tri deti. Dvanásť rokov žila v Ríme a tri roky v Anglicku a Francúzsku. Vyštudovala dejiny umenia na BD School of Art. Potom získala diplom reštaurátora umenia. Predtým, ako našla svoje povolanie a začala sa naplno venovať maľbe, pracovala ako novinárka, koloristka, dizajnérka a herečka.
Flaminiaina vášeň pre maľovanie vznikla v detstve. Jej hlavným médiom je olej, pretože miluje „coiffer la pate“ a tiež sa hrá s materiálom. Podobnú techniku spoznala v dielach umelca Pascala Toruu. Flaminia je inšpirovaná veľkými majstrami maľby ako Balthus, Hopper a François Legrand, ako aj rôznymi umeleckými smermi: street art, čínsky realizmus, surrealizmus a renesančný realizmus. Jej obľúbený umelec je Caravaggio. Jej snom je objaviť terapeutickú silu umenia.
Denis Černov
Denis Chernov je talentovaný ukrajinský umelec, narodený v roku 1978 v Sambir, Ľvovská oblasť, Ukrajina. Po absolvovaní charkovskej umeleckej školy v roku 1998 zostal v Charkove, kde v súčasnosti žije a tvorí. Študoval tiež na Charkovskej štátnej akadémii dizajnu a umenia, odbor grafiky, ktorú ukončil v roku 2004.
Pravidelne sa zúčastňuje umeleckých výstav, v súčasnosti ich je na Ukrajine aj v zahraničí viac ako šesťdesiat. Väčšina diel Denisa Černova je uložená v súkromných zbierkach na Ukrajine, v Rusku, Taliansku, Anglicku, Španielsku, Grécku, Francúzsku, USA, Kanade a Japonsku. Niektoré diela sa predávali v Christie's.
Denis pracuje v širokej škále grafických a maliarskych techník. Kresby ceruzkou patria k jeho najobľúbenejším maliarskym postupom, veľmi pestrý je aj zoznam námetov v jeho kresbách ceruzou, maľuje krajinky, portréty, akty, žánrové kompozície, knižné ilustrácie, literárne a historické rekonštrukcie a fantasy.
V umení sú večné témy. Jednou z nich je téma žien, téma materstva. Každá doba má svoj ideál ženy, celá história ľudstva sa odráža v tom, ako ľudia videli ženu, aké mýty ju obklopovali a pomáhali pri jej stvorení. Jedno je isté – vo všetkých storočiach a dobách Ženská postava lákala, láka a bude pútať mimoriadnu pozornosť umelcov.
Obrazy žien vytvorené v portrétnom umení nesú poetický ideál v harmonickej jednote jeho duchovných kvalít a vonkajšieho vzhľadu. Z portrétov môžeme usúdiť, ako sú vzhľad ženy a jej mentálne zloženie ovplyvnené spoločenskými udalosťami, módou, literatúrou, umením a maľbou samotnou.
Predstavujeme vám rôzne obrázky žien v obrazoch rôznych smerov
REALIZMUS
Podstatou smeru je čo najpresnejšie a najobjektívnejšie zachytiť realitu. Zrod realizmu v maľbe sa najčastejšie spája s tvorbou francúzskeho umelca Gustava Courbeta, ktorý v roku 1855 otvoril v Paríži svoju osobnú výstavu „Pavilón realizmu“. Opakom romantizmu a akademizmu. V 70. rokoch 19. storočia sa realizmus rozdelil na dva hlavné smery – naturalizmus a impresionizmus. Prírodovedci boli umelci, ktorí sa snažili čo najpresnejšie a fotograficky zachytiť realitu.
Ivan Kramskoy „Neznámy“
Serov "Dievča s broskyňami"
AKADEMIZMUS
Akademicizmus rástol nasledovaním vonkajších foriem klasického umenia. Akademicizmus stelesňoval tradície starovekého umenia, v ktorom bol obraz prírody idealizovaný. Ruský akademizmus prvej polovice 19. storočia sa vyznačuje vznešenou tematikou, vysokým metaforickým štýlom, všestrannosťou, mnohopočetnosťou a pompéznosťou. Obľúbené boli biblické výjavy, salónne krajinky a slávnostné portréty. Napriek obmedzenému námetu malieb sa diela akademikov vyznačovali vysokou technickou zručnosťou.
Bouguereau "Plejády"
Bouguereau "Nálada"
Cabanel "Narodenie Venuše"
IMPRESSIONIZMUS
Predstavitelia štýlu sa snažili čo najprirodzenejším a nezaujatým spôsobom zachytiť skutočný svet v jeho pohyblivosti a variabilite a sprostredkovať svoje prchavé dojmy. Francúzsky impresionizmus nenastolil filozofické otázky. Namiesto toho sa impresionizmus zameriava na povrchnosť, plynulosť okamihu, náladu, osvetlenie alebo uhol pohľadu. Ich obrazy predstavovali len pozitívne stránky života, nenarúšali sociálne problémy a vyhýbali sa problémom ako hlad, choroby a smrť. Biblické, literárne, mytologické a historické predmety, ktoré sú súčasťou oficiálneho akademizmu, boli vyradené. Boli preberané predmety flirtovania, tanca, pobytu v kaviarni a divadle, plavby loďou, na plážach a v záhradách. Súdiac podľa obrazov impresionistov, život je séria malých prázdnin, večierkov, príjemných zábav mimo mesta alebo v priateľskom prostredí.
Boldini "Moulin Rouge"
Renoir "Portrét Jeanne Samary"
Manet "Raňajky v tráve"
Mayo "RosaBrava"
Lautrec "Žena s dáždnikom"
SYMBOLIZMUS
Symbolisti radikálne zmenili nielen rôzne druhy umenia, ale aj samotný postoj k nemu. Ich experimentálny charakter, túžba po inováciách a kozmopolitnosť sa stali vzorom pre väčšinu moderných umeleckých hnutí. Používali symboly, podceňovanie, narážky, tajomstvo, záhadu. Hlavnou náladou bol často pesimizmus, siahajúci až do zúfalstva.Na rozdiel od iných hnutí v umení symbolizmus verí vo vyjadrenie „nedosiahnuteľných“, niekedy až mystických predstáv, obrazov Večnosti a Krásy.
Redon "Ophelia"
Franz von Stuck "Salome"
Watt "Nádej"
Rosseti "Persephone"
MODERNÝ
Modernizmus sa snažil spojiť umeleckú a úžitkovú funkciu vytvorených diel, zapojiť všetky sféry ľudskej činnosti do sféry krásy. V dôsledku toho je záujem o úžitkové umenie: interiérový dizajn, keramika, knižná grafika. Secesní umelci čerpali inšpiráciu z umenia starovekého Egypta a starovekých civilizácií. Najvýraznejšou črtou secesie bolo upustenie od pravých uhlov a línií v prospech hladších, zakrivených línií. Secesní umelci si často za základ svojich kresieb brali ornamenty zo sveta rastlín.
Klimt "Portrét Adele Bloch-Bauer I"
Klimt "Danae"
Klimt „Tri veky ženy“
Fly "Ovocie"
EXPRESSIONIZMUS
Expresionizmus je jedným z najvplyvnejších umeleckých hnutí 20. storočia. Expresionizmus vznikol ako reakcia na akútnu krízu prvej štvrtiny 20. storočia, prvú svetovú vojnu a následné revolučné hnutia, škaredosť buržoáznej civilizácie, ktorá vyústila do túžby po iracionalite. Boli použité motívy bolesti a kriku, nad obrazom začal prevládať princíp výrazu.
Modigliani. Pomocou tiel a tvárí žien sa snaží preniknúť do duší svojich postáv. „Zaujímam sa o ľudskú bytosť. Tvár je najväčším výtvorom prírody. Neúnavne ho používam,“ zopakoval.
Modigliani "Spiaci akt"
Schiele "Žena v čiernych pančuchách"
KUBIZMUS
Kubizmus je modernistické hnutie vo výtvarnom umení (hlavne maliarstve) 1. štvrtiny 20. storočia, ktoré zvýraznilo formálnu úlohu konštrukcie trojrozmernej formy na rovine, minimalizujúcej vizuálne a kognitívne funkcie umenia. Vznik kubizmu sa tradične datuje do rokov 1906-1907 a spája sa s dielom Pabla Picassa a Georgesa Braquea. Vo všeobecnosti bol kubizmus prelomom s tradíciou realistického umenia, ktoré sa vyvinulo počas renesancie, vrátane vytvorenia vizuálnej ilúzie sveta v rovine. Tvorba kubistov bola výzvou pre štandardnú krásu salónneho umenia, nejasné alegórie symbolizmu a nestálosť impresionistickej maľby. Kubizmus, ktorý vstúpil do kruhu rebelských, anarchistických, individualistických hnutí, medzi nimi vynikal svojou príťažlivosťou k asketizmu farieb, k jednoduchým, ťažkým, hmatateľným formám a elementárnym motívom.
Picasso "Plačúca žena"
Picasso "Hra na mandolínu"
Picasso "Les Demoiselles d'Avignon"
SURREALIZMUS
Základný koncept surrealizmu, surrealita- spojenie sna a reality. Na dosiahnutie tohto cieľa navrhli surrealisti absurdnú, protirečivú kombináciu naturalistických obrazov prostredníctvom koláže a presunu objektu z neumeleckého priestoru do umeleckého, vďaka čomu sa objekt odhalí z neočakávanej strany, vlastnosti, ktoré si nikto nevšimol. objavuje sa v ňom umelecký kontext. Surrealisti sa inšpirovali radikálnou ľavicovou ideológiou, no navrhli začať revolúciu s vlastným vedomím. Umenie považovali za hlavný nástroj oslobodenia. Tento smer sa vyvinul pod veľkým vplyvom Freudovej teórie psychoanalýzy. Surrealizmus mal korene v symbolizme a spočiatku bol ovplyvnený symbolistickými umelcami ako Gustave Moreau a Odilon Redon. Mnohí z populárnych umelcov boli surrealisti, vrátane René Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti.
Gil Elvgren (1914-1980) bol významným umelcom 20. storočia. Počas svojej profesionálnej kariéry, ktorá sa začala v polovici tridsiatych rokov a trvala viac ako štyridsať rokov, sa stal jasným favoritom medzi zberateľmi a fanúšikmi pin-up po celom svete. A hoci je Gil Elvgren považovaný predovšetkým za pin-up umelca, zaslúži si byť považovaný za klasického amerického ilustrátora, ktorý dokázal obsiahnuť rôzne oblasti komerčného umenia.
25 rokov práce pre reklamu Coca-Coly mu pomohlo presadiť sa ako jeden z veľkých ilustrátorov v tejto oblasti. Reklamy na Coca-Cola obsahovali obrázky „Elvgren Girls“, z ktorých väčšina zobrazovala typické americké rodiny, deti, tínedžerov – obyčajných ľudí, ktorí sa venujú svojim každodenným záležitostiam. Počas druhej svetovej vojny a kórejskej vojny Elvgren dokonca kreslil ilustrácie s vojenskou tematikou pre Coca-Colu, z ktorých niektoré sa stali „ikonami“ v Amerike.
Elvgrenova práca pre Coca-Colu zobrazovala americký sen o bezpečnom a pohodlnom živote a niektoré ilustrácie jeho časopisov odrážali nádeje, obavy a radosti ich čitateľov. Tieto obrázky boli publikované v 40. a 50. rokoch minulého storočia v mnohých slávnych amerických časopisoch, ako napríklad McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping a Woman's Home Companion. Spolu s Coca-Colou Elvgren spolupracoval aj s Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania a Napa Auto Parts.
Elvgren vynikal nielen svojimi maľbami a reklamnou grafikou – bol aj profesionálnym fotografom, ktorý ovládal fotoaparát rovnako obratne ako štetec. Jeho energia a talent sa tam však nezastavili: okrem toho bol učiteľom, ktorého žiaci sa neskôr stali slávnymi umelcami.
Už v ranom detstve sa Elvgren inšpiroval obrázkami známych ilustrátorov. Každý týždeň vytrhával stránky a obálky z časopisov s obrázkami, ktoré sa mu páčili, v dôsledku čoho zhromaždil obrovskú zbierku, ktorá zanechala stopy na tvorbe mladého umelca.
Elvgrenovo dielo bolo ovplyvnené mnohými umelcami, ako napríklad Felix Octavius Carr Darley (1822-1888), prvý umelec, ktorý spochybnil nadradenosť anglických a európskych škôl ilustrácie nad americkým komerčným umením; Norman Rockwell (1877-1978), s ktorým sa Elvgren stretol v roku 1947, a toto stretnutie znamenalo začiatok dlhého priateľstva; Charles Dana Gibson (1867-1944), z ktorého štetca vzišlo ideálne dievča, ktoré spájalo „susedku“ (dievča od vedľa) a „dievča-svojich snov“, Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister ( 1870-1945) a ďalšie.
Elvgren dôkladne študoval diela týchto klasických umelcov, v dôsledku čoho vytvoril základ, na ktorom bol založený ďalší vývoj pin-up artu.
Gil Elvgren sa teda narodil 15. marca 1914 a vyrastal v St. Paul Minneapolis. Jeho rodičia, Alex a Goldie Elvgrenovci, vlastnili obchod v centre mesta, kde sa predávali tapety a farby.
Po skončení strednej školy sa Gil chcel stať architektom. Jeho rodičia túto túžbu schválili, pretože si všimli jeho talent na kreslenie, keď chlapca v ôsmich rokoch vyhodili zo školy, pretože kreslil na okraje učebníc. Elvgren nakoniec navštevoval Minnesotskú univerzitu, aby študoval architektúru a dizajn a zároveň navštevoval umelecké kurzy na Minneapolis Institute of Art. Tam si uvedomil, že kreslenie ho zaujíma oveľa viac ako navrhovanie budov.
Na jeseň toho istého roku sa Elvgren oženil s Janet Cummins. A tak sa na Nový rok mladomanželia presťahovali do Chicaga, kde bolo veľa príležitostí pre umelcov. Samozrejme, mohli si vybrať New York, ale Chicago bolo bližšie a bezpečnejšie.
Po príchode do Chicaga sa Gil snažil urobiť všetko pre rozvoj svojej kariéry. Navštevoval prestížnu Americkú akadémiu výtvarných umení v centre mesta, kde sa spriatelil s Billom Mosbym, uznávaným umelcom a učiteľom, ktorý bol vždy hrdý na Gilov rozvoj pod jeho vedením.
Keď Gil Elvgren prišiel na Akadémiu, samozrejme, bol talentovaný, ale nevyčnieval od väčšiny študentov, ktorí tam študovali. Iba jedna vec ho však odlišovala od ostatných: presne vedel, čo chce. Najviac zo všetkého sníval o tom, že sa stane dobrým umelcom. Za dva roky štúdia zvládol kurz určený pre tri a pol: navštevoval hodiny v noci, v lete. Vo voľnom čase vždy kreslil.
Bol dobrým študentom a pracoval tvrdšie ako ostatní. Gil navštevoval každý kurz, v ktorom mohol získať aspoň nejaké vedomosti o maľbe. Za dva roky urobil fenomenálny pokrok a stal sa jedným z najlepších absolventov akadémie.
Gil je neuveriteľný umelec, ktorému sa len málokto môže rovnať. Silnej postavy, vyzerá ako futbalista; jeho veľké ruky vôbec nie sú ako ruky umelca: ceruzka sa do nich doslova „zaborí“, ale presnosť a náročnosť jeho pohybov možno porovnávať iba so zručnosťou chirurga.
Počas vysokej školy Gil nikdy neprestal pracovať. Jeho ilustrácie už zdobili brožúry a časopisy akadémie, kde študoval.
Gil sa tam stretol s mnohými umelcami, ktorí sa stali jeho celoživotnými priateľmi, napríklad: Harold Anderson, Joyce Ballantyne.
V roku 1936 sa Gil a jeho manželka vrátili do rodného mesta, kde si otvorili vlastný ateliér. Krátko predtým prevezme svoju prvú vyplatenú províziu: obálku módneho časopisu, na ktorej je pekný muž oblečený v dvojradovom saku a ľahkých letných nohaviciach. Hneď po tom, ako Elvgren poslal svoje dielo zákazníkovi, mu zavolal riaditeľ spoločnosti, aby mu zablahoželal a objednal ďalších pol tucta krytov.
Potom prišla ďalšia zaujímavá zákazka, ktorou bolo namaľovanie Dionne Quintuplets, ktorých zrod sa stal mediálnou senzáciou. Klientom bol Brown and Biglow, najväčšie vydavateľstvo kalendárov. Toto dielo bolo vytlačené v kalendároch z rokov 1937-1938, ktorých sa predali milióny kópií. Odvtedy začal Elvgren kresliť najslávnejšie dievčatá v Amerike, čo mu prinieslo obrovský úspech. Elvgren začal byť pozývaný na spoluprácu s inými spoločnosťami, napríklad s Brownovým a Biglowovým konkurentom, Louis F. Dow Calendar Company. Umelcove diela sa začali tlačiť na brožúry, hracie karty a dokonca aj zápalkové škatuľky. Potom sa v obchodoch s potravinami objavilo mnoho jeho obrazov v životnej veľkosti vyrobených pre Royal Crown Soda. Tento rok sa stáva obzvlášť dôležitým aj pre Elvgrena, keďže s manželkou privítali svoje prvé dieťa Karen.
Elvgren pokračuje v prijímaní rozkazov a rozhodne sa vrátiť so svojou rodinou do Chicaga. Čoskoro stretol Haddona H. Sundbloma (1899-1976), ktorý bol jeho idolom. Sandblom má obrovský vplyv na Elvgrenovu tvorbu.
Vďaka Sundblom sa Elvgren stal umelcom reklám na Coca-Colu. Dodnes sú tieto diela ikonami v histórii americkej ilustrácie.
Bezprostredne po bombardovaní Pearl Harbor bol Elvgren požiadaný, aby namaľoval obrazy pre vojenskú kampaň. Jeho prvá kresba pre túto sériu bola uverejnená v roku 1942 v časopise Good Housekeeping pod titulkom „Ona vie, čo skutočne je „sloboda“ a zobrazovala dievča oblečené v uniforme dôstojníka Červeného kríža.
V roku 1942 sa narodil Gil Jr. a v roku 1943 už jeho manželka čakala tretie dieťa. Elvgrenova rodina sa rozrástla, rovnako ako jeho podnikanie. Jill pracuje na reklamných projektoch a tiež predáva svoje staré diela. Užíval si život, keďže sám už bol uznávaným umelcom a šťastným rodinným príslušníkom. Keď sa narodilo tretie dieťa v jeho rodine, Elvgren už dostával asi 1000 dolárov za obraz, t.j. približne 24 000 dolárov ročne, čo bola na tú dobu obrovská suma. To znamenalo, že Gil sa mohol stať najlepšie plateným ilustrátorom v Spojených štátoch a prirodzene mať špeciálne miesto v Brown a Bigelow.
Predtým, ako začal pracovať výhradne pre Browna a Bigelowa, prijal svoju prvú (a jedinú) zákazku od Philadelphiskej firmy Josepha Hoovera. Aby sa vyhol problémom s Brownom a Bigelowom, prijal ponuku pod podmienkou, že obraz nebude podpísaný. Za túto prácu s názvom „Dream Girl“ dostal 2 500 dolárov, pretože... bola najväčšia, akú kedy namaľoval (101,6 cm x 76,2 cm).
Spolupráca s Brownom a Bigelowom umožnila Elvgrenovi pokračovať v kreslení pre Coca-Colu, ale mohol pracovať pre akékoľvek iné spoločnosti, ktoré nemali konflikty s Brownom a Bigelowom. V roku 1945 tak Elvgren, Brown a Bigelow začali spoluprácu, ktorá trvala viac ako tridsať rokov.
Režisér Brown a Bigelow Charles Ward urobil z Elvgrena meno domácnosti. Pozval Gil, aby urobil pin-up v nahom štýle, s čím umelec s veľkým nadšením súhlasil. Tento obraz zobrazoval nahú blond nymfu na pláži pod fialovo-modrým mesačným svetlom vo farbách orgovánu. Táto ilustrácia bola vydaná v balíčku kariet spolu s dielom iného umelca - ZoÎ Mozert. Nasledujúci rok si Ward objednal od Elvgrena ďalší nahý pin-up pre ďalšie karty, ale tentoraz ho kompletne urobil sám Elvgren. Tento projekt zlomil predajné rekordy Browna a Bigelowa a bol nazvaný „Mais Oui od Gila Elvgrena“.
Prvé tri pin-up projekty pre Brown a Bigelow sa stali najpredávanejšími spoločnosti už po niekoľkých týždňoch. Tieto obrázky sa čoskoro začali používať na hranie kariet.
Do konca dekády sa Elvgren stal najúspešnejším umelcom Browna a Bigelowa, vďaka médiám bola jeho tvorba široko známa verejnosti, časopisy o ňom dokonca publikovali články. Spoločnosti, s ktorými spolupracoval, zahŕňajú Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Roses Blended Whisky, General Electric Appliance a Pangburn's Chocolates.
Tvárou v tvár takémuto dopytu po svojej práci Elvgren uvažoval o otvorení vlastného ateliéru, pretože už bolo veľa umelcov, ktorí obdivovali jeho prácu a takzvanú „maľbu majonézy“ (takzvaný štýl Sundbloma a Elvgrena, pretože farby na diela vyzerali „krémovo“ a hladké ako hodváb). Ale po zvážení všetkých pre a proti od tejto myšlienky upustil.
Gil Elvgren veľa cestoval a stretol sa s mnohými vplyvnými ľuďmi. Jeho plat v spoločnosti Brown and Bigelow sa zmenil z 1 000 dolárov za plátno na 2 500 dolárov za produkciu 24 obrazov ročne plus percento z časopisov, ktoré publikovali jeho ilustrácie. Presťahoval svoju rodinu do nového domova na predmestí Winnetka, kde si začal stavať vlastný ateliér v podkroví, čo mu umožnilo byť ešte produktívnejší.
Gil mal vynikajúci vkus a bol aj vtipný. Jeho diela sú vždy zaujímavé kompozíciou, farebnými schémami a starostlivo premyslenými pózami a gestami sú živé a vzrušujúce. Jeho obrazy sú úprimné. Gil cítil vývoj ženskej krásy, čo bolo veľmi dôležité. Preto bol Elvgren zákazníkmi vždy žiadaný.
V roku 1956 sa Gil presťahoval so svojou rodinou na Floridu. S novým bydliskom bol úplne spokojný. Tam si otvoril vynikajúce štúdio, kde študoval Bobby Toombs, ktorý sa právom stal uznávaným umelcom. Povedal, že Elvgren bol vynikajúci učiteľ, ktorý ho naučil používať všetky svoje schopnosti premyslene.
Na Floride Gil namaľoval obrovské množstvo portrétov, medzi jeho modely patrili Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. V rokoch 1950-1960 by každá začínajúca modelka alebo herečka chcela, aby Elvgren nakreslil dievča v jej podobe, ktorá by sa potom tlačila na kalendáre a plagáty.
Elvgren vždy hľadal nové nápady pre svoje obrazy. Hoci mu s tým pomáhali mnohí jeho priatelia-umelci, najviac sa spoliehal na rodinu: o svojich nápadoch diskutoval s manželkou a deťmi.
Elvgren pôsobil v okruhu umelcov, ktorých učil alebo, naopak, u ktorých študoval; ktorí boli jeho priateľmi, s ktorými mal veľa spoločného. Boli medzi nimi Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham a ďalší.
Gil Elvgren žil život naplno. Ako vášnivý outdoorsman rád chytal ryby a lovil. Dokázal stráviť hodiny v bazéne, mal rád pretekárske autá a tiež zdieľal vášeň svojich detí pre zbieranie starožitných zbraní.
V priebehu rokov mal Elvgren veľa asistentov v štúdiu, z ktorých väčšina sa stala úspešnými umelcami. Keď bol Elvgren nútený odmietnuť spoluprácu od spoločností kvôli obrovskému množstvu práce, umeleckí riaditelia súhlasili, že počkajú rok alebo aj viac, ak pre nich bude pracovať iba Gil.
Celý Gilov úspech však v roku 1966 zatienila hrozná tragédia, ktorá postihla jeho rodinu: Gilova manželka Janet zomrela na rakovinu. Potom sa ešte viac vrhol do práce. Jeho obľúbenosť zostáva nezmenená, okrem výsledku svojej práce sa nemusí o nič starať. Toto bolo najlepšie obdobie Elvgrenovej kariéry, ak nie smrť jeho manželky.
Elvgrenova schopnosť sprostredkovať ženskú krásu bola neprekonateľná. Pri maľovaní zvyčajne sedel v kresle na kolieskach, aby sa mohol ľahko pohybovať a pozerať sa na kresbu z rôznych uhlov a veľké zrkadlo za ním mu umožňovalo mať prehľad o celom obraze. Hlavnou vecou v jeho práci boli dievčatá: uprednostňoval modely vo veku 15 - 20 rokov, ktoré práve začínali svoju kariéru, pretože mali spontánnosť, ktorá sa so skúsenosťami vytráca. Keď sa ho pýtali na svoju techniku, povedal, že pridáva svoje vlastné dotyky: predĺženie nôh, zväčšenie hrudníka, zúženie pása, plnšie pery, výraznejšie oči, zúžený nos, čím model dodáva väčšiu atraktivitu. Elvgren vždy starostlivo prepracoval svoje nápady od začiatku do konca: vybral model, rekvizity, osvetlenie, kompozíciu, dokonca aj účes bol veľmi dôležitý. Po všetkom odfotil scénu a začal maľovať.
Charakteristickým rysom Gilových diel bolo, že pri pohľade na obrazy sa zdalo, že dievčatá v nich ožijú, pozdravia sa alebo ponúknu šálku kávy. Vyzerali roztomilo a plní nadšenia. Vždy očarujúce, vyzbrojené priateľským úsmevom, aj počas vojny dodávali vojakom silu a nádej vrátiť sa domov k svojim dievčatám.
Mnoho umelcov snívalo o maľovaní tak, ako to robil Elvgren, každý obdivoval jeho talent a úspech.
Každý rok maľoval s väčšou ľahkosťou a profesionalitou, jeho rané obrazy sa javili „tvrdšie“ v porovnaní s neskoršími. Vo svojom odbore dosiahol vrchol dokonalosti.
29. februára 1980 zomrel na rakovinu vo veku 65 rokov Gil Elvgren, muž, ktorý sa zasvätil tomu, že svojou kreativitou prináša ľuďom radosť. Jeho syn Drake našiel v otcovom ateliéri posledný nedokončený, no napriek tomu veľkolepý obraz pre Browna a Bigelowa. Od Elvgrenovej smrti uplynuli tri desaťročia, no jeho umenie stále žije. Elvgren sa bezpochyby zapíše do histórie ako umelec, ktorý výrazne prispel k americkému umeniu dvadsiateho storočia.
