Hlavný pohyb smeroval k realizmu, no presadil sa v boji proti smerodajnému klasicizmu reprezentovanému Akadémiou, a preto sa dokázal presadiť oveľa neskôr ako v literatúre. Kým Puškin sa stal „básnikom reality“ už vo veku 25 – 26 rokov, ruská maľba mala problém prekonať inertný vplyv predchádzajúcej éry. Nová ruská maľba sa spočiatku spájala s romantizmom.
Orest Adamovič Kiprensky (1782 – 1836)
Tento umelec stál pri počiatkoch ruského maliarstva 19. storočia. Jeho umenie sa vyznačuje vášňou a impulzom, túžbou sprostredkovať pohyb vnútorného života. Hľadal v človeku to vznešené, zobrazoval hrdinov v ich najlepších chvíľach, sprostredkoval schopnosť cítiť, túžbu žiť duchovným životom. Najlepšou časťou jeho práce sú portréty z konca 1800-1810. Kiprensky hľadal v tvárach ľudí odrazy ideálu. Zaujíma ho človek, ktorý nemá nič spoločné s verejnou službou, ktorý žije vo sfére súkromných záujmov, vo svete pocitov.
Portréty: portrét Evgrafa Davydova (1809), portrét chlapca Čeliščeva (1808 – 1809), portrét básnika V. A. Žukovského (1816). Hlavné techniky maľovania sú nasledovné:
ostrý kontrast svetla a tieňa, niekedy úzka gradácia susedných farieb. Hlavný farebný súlad tvoria prevažne červená, modrá a biela. Každá tvár Kiprenského je jedinečná, o takomto hrdinovi môžeme povedať, že je jediný. Toto je znak romantizmu.
Najznámejší portrét od Kiprenskyho bol vytvorený v roku 1827. Toto portrét A. S. Puškina, o ktorej všetci moji blízki hovorili, že mala bližšie ako ostatní k originálu.
Sylvester Shchedrin (1791 – 1830)
Krajina romantizmu. Po ceste do Talianska sa Shchedrin zbaví akademickej patiny a získa slobodu. Strávi tam 10 rokov, zažije rozkvet svojej kreativity a zomiera skôr, ako sa bude môcť vrátiť do svojej vlasti. Maľuje talianske pohľady. Príroda na jeho plátnach pôsobí žiarivo, radostne, opojne. Farby sa lesknú. Človek a príroda tvoria základ jeho svetonázoru. Shchedrin išiel rovnakou cestou ako Constable v Anglicku a Corot vo Francúzsku. Úlohou je otvoriť vnútorný život harmónii s prírodou. Shchedrin sa stal prvým ruským umelcom, ktorý pracoval pod holým nebom – plenérom. “Nový Rím”, “Pobrežie v Sorrente s výhľadom na ostrov Capri”.
Ščedrin hľadal pravdu svetla a vzduchu, ich vzájomné pôsobenie a ovládal zákony plenéru. Vyhnal z múzea „hnedé“ tóny. Miloval som studené strieborné a sivé. Na sklonku života sa umelec vrátil k horúcim farbám. "Terasa pri mori".
Zakladateľ každodenného žánru. Alexej Gavrilovič Venetsianov (1780 – 1847).
Jednoduchý zamestnanec, zememerač, sa začiatkom 19. storočia ujal maľby. Presťahoval sa z Moskvy do Petrohradu, bral lekcie od Borovikovského. Venetsianov mal blízko k progresívnym kruhom spoločnosti. O tom hovorí jeho lept "šľachtic". Na prelome 10.-40. Venetsianov objavil každodenný žáner, získal malý majetok v provincii Tver a začal zobrazovať roľnícky svet.
Bol postavený pred úlohu zobraziť svetlo prúdiace z rôznych zdrojov, ukazujúce roľníkov v rôznych polohách. Poéziu videl v tých najobyčajnejších veciach, v živote dediny. V tomto má blízko k Puškinovi. Na Venetsianovových obrazoch sa nedeje nič zvláštne. Akcia je zvyčajne jednoslabičná. Umelec nezobrazuje konflikty. Muž na svojich plátnach je zobrazený obklopený prírodou. Venetsianov ako prvý objavuje krásu svojej rodnej prírody. Najlepšie výtvory Venetsianova „Na ornej pôde. Jar“, „Na žatve, leto“.
Karl Pavlovič Bryullov (1799 – 1852)
Bryullov v rovnakom veku ako Puškin sa vo svojej tvorbe často prekrýva s veľkým básnikom. Ak sa však Puškin rýchlo presunul od romantizmu k realistickému spôsobu, k „poézii reality“, potom Bryullov mohol skombinovať iba chladné akademické zručnosti s romantickým rozsahom, najmä vo svojom najslávnejšom obraze. Hľadal ideál, bystrý a radostný, no nešiel po ťažkých cestách v umení. Po Bryullovovej akadémii, ako vždy s najlepšími absolventmi, skončil v Taliansku. V maľbách 20. rokov na námetoch z antiky, z talianskej renesancie, z Biblie prevládajú dekoratívne prvky a vonkajší lesk. V 30. rokoch sa objavilo tragické vnímanie života. V tom čase dozrieval Bryullovov ústredný plán.
„Posledný deň Pompejí“ (1830 – 1833)
V 30. rokoch Bryullov vytvára množstvo slávnostných portrétov. Stal sa neobyčajne módnym umelcom, zaplaveným zákazkami. Bryullov sa snaží zachytiť určitý vznešený moment. Toto je "Jazdec"-Žiačkou grófky Samoilovej je Jovanina.
V 40. rokoch umelec hľadal psychologickú expresivitu. úžasné "Autoportrét" 1848 namaľoval umelec po ťažkej chorobe. Pred nami je unavený, sklamaný, svetom unavený muž. Tento portrét má ďaleko od chladného akademizmu. Je písaná voľným spôsobom, ťah štetcom je široký, nie uhladený, čo hovorí o budúcnosti ruského umenia.
Alexander Ivanov (1806 – 1858)
Bol to muž mimoriadnej myšlienkovej a charakterovej sily, „zlatá duša“, ktorá sa vedela postarať o svojich blízkych a zároveň bola veľmi prísna v domácom živote. Bol skutočným básnikom a pohŕdal všetkými vonkajšími účinkami a výhodami. Vyznačoval sa obrovskou, bezhraničnou láskou k vlasti, snom o jej vzostupe. Nekonečný smäd po sebazdokonaľovaní, neustály sebarozvoj, nespokojnosť so sebou samým - to všetko z neho urobilo výnimočne jasnú osobnosť. Alexandra Ivanova ocenili Herzen a Ogarev, Chernyshevsky, jeho priateľom bol N. V. Gogol.
Ivanov sa narodil v Petrohrade v rodine umelca. Vyštudoval akadémiu a v roku 1830 prišiel do Talianska, do Ríma. Vráti sa len mesiac a pol pred svojou smrťou a prinesie „Zjavenie Krista ľudu“. Úlohy, ktoré si Ivanov stanovil, sa neustále komplikovali. Najprv chcel pochopiť taliansku školu a jej ducha, potom spojiť náboženstvo a mytológiu s problémami dobra a zla.
"Zjavenie Krista Magdaléne"– prvý prístup k novej úlohe, stále prevažne akademickej.
"Zjavenie Krista ľuďom."
V rokoch 1836 až 1848 napísal Ivanov svoje druhé a hlavné dielo. V skutočnosti na ňom pokračoval až do svojej smrti. Toto plátno je plné úžasných výhod: zobrazenie prírody a ľudí, postáv, emocionálnych prejavov, pohybov srdca, samotná myšlienka je geniálna - zobraziť ľuďom zjavenú pravdu a nádej na spásu. Ivanov do svojich skíc nevnášal ľudské postavy ani žánrové motívy. Jeho krajiny sú filozofické a historické. Zapnuté "Appian Way" je prezentovaná cesta, na ktorej boli kríže s ukrižovanými otrokmi po Spartakovom povstaní. V jednej vetve trblietajúcej sa na slnku Ivanov dokázal vnímať vesmír. Po roku 1848, po revolúciách v Európe, peniaze z Ruska prestali prichádzať. Otec zomrel. Ivanov teraz nemohol dokončiť obraz tak, ako chcel. A jeho nové plány boli ešte veľkolepejšie: cyklus biblických malieb na stene špeciálnej budovy. Náčrty sa stávajú voľnejšími. Oslobodený od zvyškov akademizmu. Ale rovnako ako Michelangelo, Bazhenov, Rodin, Ivanov nebol schopný realizovať všetky svoje plány. Ivanov nezískal uznanie v Rusku, ale jeho dielo zohralo obrovskú úlohu vo vývoji celého ruského umenia 19. storočia.
Pavel Andrejevič Fedotov. (1815 – 1852)
Jeho rozkvet a smrť nastali v 40. rokoch. 19. storočie bolo obdobím triumfu mikulášskej reakcie. Tragický je osud umelca, ktorý zaplatil vysokú cenu za to, že ako prvý smelo nazrel do čŕt ruského života. Vyštudoval Moskovský kadetný zbor, skončil vo fínskom gardovom pluku v Petrohrade a väčšina jeho života bola spojená s ruskou armádou. Nebyť tejto znalosti armádneho prostredia, nedokázal by tak presne nakresliť podobu svojho majora na slávnom obraze. V armáde sa Fedotov začal zaujímať o kreslenie, karikatúru, skicovanie a často kreslil svojich priateľov, každodenné vojenské scény, výlety do letných vojenských táborov atď. Sám študoval maľbu a začal chodiť na hodiny na Akadémiu. Známe sú jeho nádherné kresby: „Následok Fidelkinej smrti“, „Manžel oklamanej manželky“, Dievča zvedené dôstojníkom pri lôžku chorej matky.“ Už samotné názvy týchto diel pripomínajú prírodnú školu. v literatúre, ktorej zmyslom bolo priame zobrazenie najtypickejších stránok ruského života. Fedotov však nebol súčasťou okruhu spisovateľov spojených s ideológom prírodnej školy Belinským. Kráčal svojou vlastnou cestou. V 40. rokoch Fedotov začína skúšať olejomaľbu. Ponára sa do podstaty života, jeho diela sú čoraz tragickejšie.
Fedotov vytvoril svoje najvýznamnejšie obrazy v rokoch 1846 až 1852. Každý jeho obraz bol míľnikom na ceste k novému systému umeleckého chápania reality.
"Čerstvý kavalier" 1846. Predstavuje sa odhaľujúca myšlienka.
"Majorov dohadzovanie" 1848
Toto je vrchol Fedotovovej kreativity. Podstatou slávneho obrazu je obraz sveta podvodu, klamstiev, manželstva, ktorý sa, samozrejme, javí ako obyčajná transakcia. Svet na umelcových plátnach je čoraz strašidelnejší. Objekty sú zdeformované a objavuje sa silný výraz. Satira v obraze zmizne "vdova", kde sa Fedotov predstavil na portréte zosnulého manžela ženy.
"Hráči" 1852. Scéna je takmer neskutočná, fantastická. Čoskoro Fedotov ochorel na duševnú chorobu a svoje dni skončil v psychiatrickej liečebni.Je pochovaný na cintoríne Alexandra Nevského lavry v Petrohrade. Sám Fedotov, ako napísal kritik Stasov, by bol zrejme prekvapený, keby sa dozvedel, že jeho pátrania sa uberali rovnakým smerom ako pátrania najlepších francúzskych umelcov 19. storočia, ktorí vydláždili cestu realistickému smerovaniu. Za odvahu, s akou nahliadol do Nikolajevskej reality, zaplatil vysokú cenu, no jeho úspechy, ktorých vážnosť akademici hneď nepochopili, pripravili pôdu pre ruských realistických umelcov – Wandererovcov.
Záujem o výtvarné umenie zahŕňal stále širšie vrstvy spoločnosti, čo sa prejavilo vznikom rôznych umeleckých spolkov, rastúcou popularitou výstav na Akadémii umení, zakladaním umeleckých časopisov a vytváraním umeleckých múzeí.
Portrét zostal vedúcim žánrom maľby, jeho vývoj bol spojený s tvorbou O.A. Kiprensky a V.A. Tropinina. V dielach týchto umelcov vidieť túžbu zachytiť jedinečnosť duchovného a emocionálneho sveta ich súčasníkov, romantizmus sa prelína s rysmi realizmu. Krajina sa vyvíjala spolu s portrétom, spojeným s menom S.F. Shchedrin, ktorý sa vyznačuje poetickým vnímaním prirodzeného vzhľadu prírody. Každodenný žáner reprezentujú diela A.G. Venetsianov, ktorý si ju zámerne zvolil ako samostatnú a plnohodnotnú formu maľby, a P.A. Fedotovej. Námet ich maľby je národný a demokratický. Historická maľba sa rozvinula pod vplyvom vojny v roku 1812, rastu vlastenectva a národného povedomia. Tento smer reprezentovala A.A. Ivanov, ktorý namaľoval slávny obraz Zjavenie Krista ľudu, A.E. Egorov a ďalší. Niektorí umelci rovnako pracovali v rôznych žánroch. Takými boli F. Bruni, K.P. Bryullov, najväčší umelec svojej doby, ktorého dielo stelesňovalo drámu, ľudskosť a brilantnú zručnosť.
Takmer celý rozvoj maliarstva v tom období prebiehal v rámci klasicizmu, ktorý sa v maliarstve nazýval akademizmus. Akademická výchova bola zameraná na najvyššie vizuálne techniky, mytologické a biblické námety a dekoratívnu kompozíciu. Vo všeobecnosti pre maľbu devätnásteho storočia. charakterizované rozširovaním žánrov, predmetov, zdokonaľovaním technických techník a umeleckých aspektov. Ruské výtvarné umenie sa vyznačovalo romantizmom a realizmom. Oficiálne uznávanou metódou bol však klasicizmus.
Klasicizmus v architektúre na začiatku 19. storočia. dosiahol najvyšší stupeň rozvoja a vytvoril úrodnú pôdu pre prejav občianskeho pátosu. Charakteristickým znakom je tvorba veľkých súborov. Ruská architektúra sa vyznačovala vysokou profesionalitou a hľadaním nových ciest.
Medzi architektmi tej doby treba vyzdvihnúť O.I. Bove, ktorý viedol obnovu Moskvy po požiari v roku 1812. Pod jeho vedením vznikli jedinečné mestské súbory: Teatralnaja, Vzkriesenie, Červené námestia; Alexandrova záhrada; Boli postavené budovy Veľkého divadla a Manege - stavby, ktoré zmenili vzhľad mesta. V Petrohrade si klasicizmus zachoval svoj oficiálny charakter a odrážal význam mesta ako hlavného mesta ríše. Medzi vynikajúce pamiatky patrí Kazaňská katedrála (1801-1811) od architekta A.N. Voronikhin; budova burzy (1804-1811) od architekta Thomasa de Thomona; mestské súbory K.I. Rossi, ktorý zmenil mesto na umelecké dielo. Podľa projektu AD. Zacharova, bola postavená budova admirality. Rozprestierali sa od neho lúče Petrohradských ulíc. Podľa projektu A.A. Montferrand bol tvorcom katedrály svätého Izáka - najvyššej budovy v Rusku v tom čase.
Namiesto klasicizmu, ktorý vyčerpal svoje možnosti a v 30. rokoch sa dostal do konfliktu s meniacimi sa estetickými potrebami doby. XIX storočia prišiel eklekticizmus. Jeho hlavným princípom je využitie prvkov rôznych architektonických štýlov minulosti vo voľnej forme. Architekt K.A. Tón je jedným z najvýraznejších predstaviteľov tohto trendu. Podľa jeho návrhu bola na počesť víťazstva vo vlasteneckej vojne v roku 1812 postavená Katedrála Krista Spasiteľa (1839-1883).
Najvýznamnejšie pokroky sa v tejto dobe dosiahli v oblasti monumentálneho sochárstva. Tak ako v iných oblastiach umeleckej kultúry, aj tu bol silný vplyv Vlasteneckej vojny z roku 1812, populárne sa stali témy hrdinstva, vlastenectva a pod. Sochárstvo sa vyvíjalo v rámci klasicistického štýlu, ale realistické črty získali pomerne silný vplyv. Charakteristickou črtou vývoja ruského sochárstva v prvej polovici storočia bola syntéza sochárstva a architektúry, ktorá sa obzvlášť zreteľne prejavila pri vytváraní mestských súborov a riešení iných urbanistických problémov.
Medzi vynikajúcimi monumentálnymi sochármi má osobitné miesto V.I. Demuth - Malinovsky a S.S. Pimenov. Spolu s architektom Voronikhinom vytvorili jedinečnú výzdobu Kazanskej katedrály, potom basreliéfy pre Banícky inštitút. Pre budovu admirality bolo vytesaných z kameňa niekoľko grandióznych sôch. Sochári pracovali aj v spolupráci s architektom Rossim, za vrchol ich tvorby sa považuje súsošie Oblúka generálneho štábu.
Medzi vynikajúce pamiatky éry patrí pamätník Minina a Pozharského na Červenom námestí, ktorý vytvoril sochár I.P. Martos. V obrazoch hrdinov 17. storočia. stelesňuje črty vlastenectva a národnej hrdosti. Veľký význam mala kreativita B.I. Orlovského, autora postavy anjela korunujúceho Alexandrov stĺp, pamätníkov poľného maršala M.I. Kutuzov a generál Barclay de Tolly pred Kazanskou katedrálou v Petrohrade. Alexandrov stĺp je menhir, jedna z najznámejších pamiatok v Petrohrade. Postavený v empírovom štýle v roku 1834 v strede Palácového námestia architektom Augustom Montferrandom na príkaz mladšieho brata cisára Alexandra I. Mikuláša I. na pamiatku víťazstva nad Napoleonom. Stĺp je monolitický obelisk, ktorý stojí na podstavci zdobenom basreliéfmi s oddaným nápisom „Vďačné Rusko Alexandrovi I. Na vrchole stĺpa je plastika anjela od Borisa Orlovského. Anjelova tvár má črty Alexandra I. Anjel drží v ľavej ruke štvorhrotý latinský kríž a pravú dvíha k nebu. Hlava anjela je naklonená, jeho pohľad je upretý na zem. Stĺp smeruje k Zimnému palácu. Je nielen vynikajúcou architektonickou pamiatkou, ale aj veľkým inžinierskym počinom svojej doby. V prvej polovici 19. stor. objavilo sa samostatné ruské hudobné umenie, hoci vplyv talianskej, nemeckej a francúzskej školy bol stále silne cítiť. Ruská národná hudobná kultúra bola vytvorená na základe ľudového umenia, o čom svedčí aj tvorba A.A. Alyabyev, tvorca ruskej národnej opery M.I. Glinka. Inovatívne opery A.S. významne prispeli k rozvoju ruského hudobného umenia. Dargomyžského. Spojenie ľudových motívov s romantizmom viedlo k vzniku špeciálneho žánru - ruskej romantiky (A.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, A.L. Gurilev). Počas tohto obdobia sa úloha činoherného divadla v kultúrnom živote Ruska výrazne zvýšila. V Moskve sa centrom tohto druhu umenia stalo divadlo Maly, kde boli veľmi silné demokratické tendencie; v Petrohrade – Alexandrinskom, ktorý si zachoval svoj oficiálny význam. Divadelné umenie tejto doby sa rozvíjalo v rámci štýlu romantizmu (najmä v diele P.S. Mochalova, ktorý hral v hrách Schillera a Shakespeara; úspešná bola najmä jeho postava Hamleta). Postupne sa realistické smerovanie etablovalo na ruskej scéne vďaka dramaturgii A.S. Gribojedová, N.V. Gogoľ, A.N. Ostrovského. Spomedzi hercov, ktorí vytvorili slávu ruskej scény, treba vyzdvihnúť M. S. Shchepkina, P.S. Mochalová, E.S. Semenova a pod. Boli tam rôzne druhy divadiel. Ešte stále boli rozšírené poddanské divadlá, ktoré patrili ruským šľachtickým rodinám (Šeremetevovci, Apraksinovci, Jusupovci atď.). Štátnych divadiel bolo málo (Alexandrijské a Mariinské v Petrohrade, Boľšoj a Malý v Moskve). Umenie baletného divadla zaujímalo osobitné miesto v kultúrnom živote Ruska. Vyvinula sa v úzkom spojení a pod vplyvom ruskej literatúry. Balety „čistého klasicizmu“ sa stali minulosťou. Nahradili ich sentimentálne melodrámy a romantické inscenácie. V repertoári sa objavili balety, ktorých dej navrhol ruská literatúra.
Kríza poddanstva spomaľuje rozvoj kapitalistického systému. Vo svetských kruhoch sa objavujú myšlienky milujúce slobodu, prebieha vlastenecká vojna z roku 1812, ale aj ruské jednotky podieľajúce sa na oslobodzovaní európskych štátov od Napoleona, povstanie dekabristov v roku 1825 proti cárizmu, to všetko má vplyv na maliarstvo.
Aký je rozdiel medzi maľbou v ére génia A.S. Puškin?
Pravdepodobne stelesnenie jasných a humánnych ideálov ľudí milujúcich slobodu...
Spolu s klasicizmom sa rozvíjalo romantické hnutie a formoval sa realizmus.
Romantický smer ruskej maľby sa stal začiatkom vývoja realizmu v nasledujúcich desaťročiach. Takto prebieha zbližovanie ruských umelcov, romantikov so skutočným životom, čo bolo podstatou umeleckého hnutia tejto doby. Široká distribúcia výstav zároveň hovorí o zblížení ruského ľudu so svetom umenia, ľudia všetkých tried sa snažia navštevovať výstavy. Predpokladá sa, že obraz K.P. Bryulov „Posledný deň Pompejí“ slúžil ako také zblíženie. Petrohradčania všetkých vrstiev sa ju snažili vidieť.
Ruská maľba sa stáva nadnárodnou, maľby nadobúdajú národné odtiene, na akadémiu sú prijímaní študenti rôznych národností. Študujú tu rodáci z Ukrajiny, Bieloruska, pobaltských štátov, Zakaukazska a Strednej Ázie.
V prvej polovici 19. storočia bola maľba zastúpená vo všetkých žánroch: portrét, krajina, zátišie, historická maľba.
Slávni ruskí umelci v prvej polovici 19. storočia:
Majstrovské diela ruskej maľby
- Obraz Bryullov K.P. "Posledný deň Pompejí"
- Obraz Aivazovského I.K. "Deviata vlna"
- Obraz Bruni F.A. "Medený had"
- Obraz Venetsianov A.G. "Podlaha stodoly"
- Obraz od Tropinina V.A. "Čipkárka"
V ruskej kultúre prvej polovice 19. storočia má romantizmus svoje špecifiká. Viera v osvietenské ideály rozumu, pokroku, základných individuálnych práv – to všetko bolo stále aktuálne v ruskom spoločenskom živote prvej polovice storočia.
Obraz človeka získal hlboké poetické stelesnenie v diele najväčšieho ruského portrétistu 1. tretiny 19. storočia.
Orest Adamovič Kiprensky. (1782-1836).
Najväčší majster romantického portrétovania.
Keď sa pozriete na Kiprenskyho portréty, zdá sa, že vidíte slobodných ľudí. Nikomu z jeho súčasníkov sa tento pocit nového človeka nepodarilo takýmto spôsobom prejaviť.
Medzi najvýznamnejšie diela Kiprenského patria portréty vojenského personálu, ktorý sa zúčastnil na protinapoleonských kampaniach na začiatku storočia.
1809. Načasovanie
Portrét A.A. Cheliščeva. 1808 - začiatok roku 1809 Tretiakovská galéria odkazuje na rané obdobie kreativity O.A. Kiprensky.
Éra romantizmu vytvára úplne zvláštny postoj k pojmu detstva. Ak portrétisti 18. storočia zvyčajne zobrazovali dieťa ako malého dospelého, potom v ňom romantici videli zvláštny, jedinečný svet osobnosti, ktorý stále zostával čistý a nedotknutý neresti dospelých.
Portrét grófky Ekateriny Petrovna Rostopchiny. 1809. Tretiakovská galéria.
Niektoré ženské obrázky, ktoré vytvoril, sú obzvlášť očarujúce.
Nemá obdobu v celom svetovom maliarstve 19. storočia, pokiaľ ide o silu výrazu duchovnej krásy, akoby predvídal obraz Puškinovej Taťány.
Počas života v Petrohrade sa Kiprensky zblížil s najvýznamnejšími ľuďmi svojho storočia.
Romantické tendencie v Kiprenskyho diele sú stelesnené v portréte slávneho ruského básnika V.A. Žukovského.
Portrét E.S. Avdulina. 1822-1823.
- jedno z najlepších diel neskorého Kiprenského.
sa pred divákom javí ako človek veľkej duchovnej jemnosti a ušľachtilosti, vlastniaci hlboko skrytý vnútorný svet.
V portréte Puškina umelec presne vyjadruje črty vzhľadu básnika, ale dôsledne odmieta všetko bežné. Pochopenie jedinečnosti úlohy - zachytiť podobu veľkého básnika - O.A. Kiprensky harmonicky spájal ducha romantickej slobody a pátos vysokej klasiky.
Kreatívne spaľovanie.
« Vidím sa ako v zrkadle, ale toto zrkadlo mi lichotí».
O. A. Kiprensky. "Autoportrét". 1828
Tropinin, Vasilij Andrejevič(1776-1857) - ruský umelec, akademik, majster portrétu. Pôvodom - poddaný roľník. Tropininovi sa nepodarilo absolvovať akadémiu. Gróf Morkov prerušil štúdium v roku 1804, povolal Kukavku na svoje ukrajinské panstvo. Mladý umelec musel byť domáci maliar a zároveň si plniť povinnosti dvorníka. Od roku 1821 žil trvalo v Moskve, kde si získal uznanie a slávu.
Obrazy ľudí od ľudí, ktoré vytvoril Tropinin, sú všeobecne známe.
„Tropinin mal vo svojom umeleckom talente málo súperov. V roku 1818, keď bol ešte poddaným a žil so svojím pánom na panstve Kukavka na Ukrajine, napísal „Portrét syna“ – úžasný svojím malebným šarmom a voľným spôsobom maľby. Tento portrét blond, opáleného chlapca žiari, žije a dýcha. Potom Tropinin pracoval ďalších štyridsať rokov, zvečnil veľa ľudí, vyvinul viac-menej stabilné metódy portrétovania, zdokonalil sa v technike, ale portrét jeho syna zostal neprekonaný, snáď s výnimkou portrétu Puškina, maľoval v tom istom roku ako Kiprensky a nie je podriadený nemu “(Dmitrieva N.A. Stručné dejiny umenia. Číslo III: Krajiny západnej Európy 19. storočia; Rusko 19. storočia. - M.: Umenie, 1992. P. 198-200).
To najlepšie z okruhu Tropininovej portrétnej maľby 20. rokov 19. storočia
Mierne zdvihnutá horná pera dodáva básnikovej tvári nádych zdržanlivej animácie.
Lila-hnedé rúcho je zahalené do širokých voľných záhybov; Golier košele je dokorán, modrá kravata je uviazaná schválne ležérne.
Farba má sviežosť priameho pozorovania. Reflexy z košele s bielym golierom, zvýrazňujúce bradu a obnažený krk portrétovanej osoby, sú prenesené presvedčivo.
Tropinin už ako slávny umelec vytvoril typ domáceho, intímneho portrétu s prvkami žánrovej maľby. Spravidla ide o polovičný obraz osoby, ktorá vykonáva svoju obvyklú činnosť.
Pekné, prefíkané dievča je plné pôvabu, súčasníci ho chápu ako zvláštnu „príjemnosť“, ako niečo, čo „chytí za srdce“, ale „mysľou sa to nedá pochopiť“.
V roku, keď bol obraz namaľovaný, dostal slobodu Vasilij Andreevič Tropinin, poddaný umelec grófa Morkova. Mal 47 rokov. V tom istom roku vystavoval na Akadémii umení svoju „Čipkárku“, ktorá si okamžite získala obľubu, ktorá ju neopustila dodnes.
Venetsianov Alexej Gavrilovič. 1780 – 1847. prvý ruský maliar, ktorý si za základ svojej tvorby vedome vybral každodenný žáner.
Je to on, kto sa zaslúžil o založenie každodenného žánru v ruskom umení ako samostatného typu maľby.
Rozvinul formu viacfigurálnej žánrovej maľby, v ktorej často zohráva veľkú úlohu krajina či interiér. Venetsianov tiež ako prvý upozornil na jednotlivé ľudové typy. Jeho maľba je národná a demokratická.
V roku 1811 ho Akadémia umení uznala za „určeného“ pre jeho autoportrét.
Prvým základným dielom Venetsianova bol obraz „Stodola“, ktorý otvoril nové cesty v ruskej maľbe.
Umelec vytvoril idealizovaný poetický obraz roľníckeho života. Práca vonku umožnila Venetsianovovi využiť účinky denného svetla a skomplikovať paletu.
Bryullov Karl Pavlovič(1799-1852). Maliar, kresliar. Majster historickej maľby, portrétista, maliar žánrov.
Mŕtvosť kánonov klasicizmu prekonáva romantickou túžbou naplniť obraz živými pocitmi.
základ tvorili realistické princípy
Trblietavá radosť z bytia, veselý a plnokrvný životný pocit, splynutie s prostredím. Slnečné lúče prenikajú lístím vinohradu, kĺžu po rukách, tvári a šatách dievčaťa; vytvára sa atmosféra živého spojenia medzi človekom a prírodou. Dievčenská tvár s úplne pravidelnými črtami a obrovskými trblietavými očami je ideálne krásna, pôsobí takmer porcelánovo (častý efekt u Bryullova). Taliansky typ vzhľadu bol vtedy považovaný za dokonalý a umelec sa s ním rád pohráva.
Výbor Spoločnosti, ktorý dostal „Poludnie“, opatrne vyčítal umelcovi, že si vybral model, ktorý nespĺňa klasické ideály petrohradských fajnšmekrov.
Epikurejská línia
Tragická línia v kreativite
Posledný deň Pompejí. 1830-1833. Štátne ruské múzeum Olej na plátne. 465,5 x 651
Po prvýkrát sa v ruskej maľbe spojil klasicizmus s romantickým vnímaním sveta. Treba poznamenať, že pre K.P. Pre Bryullova bola dôležitá pravdivosť historickej reality. Študoval písomné pramene o tragédii v Pompejách (Plínius mladší, Tacitus), ako aj vedecký výskum archeologických vykopávok.
Jeho hrdinovia v poslednej chvíli svojho života demonštrujú ľudskú dôstojnosť a veľkosť ducha tvárou v tvár slepým živlom zla.
Na rozdiel od toho, čo vidíme na klasických obrazoch, kompozičné centrum tu nemá hlavná historická postava (ktorá jednoducho neexistuje), ale zosnulá matka, vedľa ktorej je zobrazené ešte živé dieťa zovreté hrôzou. Koncept plátna sa prejavuje v kontraste medzi životom a smrťou.
Ľud tak po prvý raz vstúpil do ruskej historickej maľby, hoci bol zobrazený skôr idealizovaným spôsobom.
Portrét veľkovojvodkyne Eleny Pavlovny s dcérou Máriou. 1830. Ruské múzeum Nakoniec Bryullov dospel k obrazu veľkovojvodkyne v pohybe. Odteraz bude pri veľkých portrétoch používať túto techniku, ktorá pomáha umocniť výraznosť obrazu.
Jazdec. Portrét Giovaniny a Amazilie Paciniových, žiakov grófky Yu.P. Samojlová. 1832. Tretiakovská galéria
Začiatkom 30. rokov 19. storočia K.P. Bryullov zaujal jedno z popredných miest v ruskom a celom západoeurópskom umení. Jeho slávu ako vynikajúceho majstra portrétovania upevnil film „The Horsewoman“ namaľovaný v Taliansku.
Bryullovova slávnostná portrétna maľba sa vyznačuje inovatívnymi prvkami. Na rozdiel od hrdinov slávnostných portrétov 18. storočia, kde bolo hlavnou úlohou zdôrazniť sociálne postavenie portrétovaného a jeho verejné prednosti, Bryullovove postavy demonštrujú predovšetkým spontánnosť, mladosť a krásu.
Portrét Jeho pokojnej výsosti princeznej Elizavety Pavlovny Saltykovej, rodenej grófky Strogonovej, manželky Jeho pokojnej výsosti princa I.D. Saltyková. 1841. Časovanie
Portrét grófky Julie Pavlovny Samoilovej, rodenej grófky Palen, odchádzajúcej z plesu so svojou adoptívnou dcérou Amaziliou Paccini. 1842. Časovanie
posledné významné dielo K.P. Bryullov a jedno z jeho najlepších diel v žánri slávnostnej portrétnej maľby, vyznačujúce sa veselou, romantickou náladou.
Umelec predstavil svoju hrdinku v maškarných šatách kráľovnej na pozadí bujnej divadelnej opony, ktorá ju oddeľuje od účastníkov plesu.
zdôrazňuje jej dominantné postavenie v dave ľudí, výlučnosť jej povahy.
Ivanov Alexander Andrejevič(1806-1858) - maliar, kresliar. Majster historickej maľby, krajinár, portrétista. Kreativita A.A. Ivanova stojí v centre duchovného hľadania ruskej kultúry 19. storočia.
Najvyšší úspech v ruskej historickej maľbe je spojený s dielom A. Ivanova. Syn profesora A.I. Ivanova študoval na Akadémii umení, skvele ovládal kompozíciu a kresbu (okrem otca boli jeho učiteľmi Egorov a Shebuev.
V roku 1824 Ivanov namaľoval svoju prvú veľkú olejomaľbu „Priam žiadajúci Achilla o telo Hektora“ (Treťjakovská galéria), za ktorú dostal malú zlatú medailu. Už v tomto ranom diele Ivanov odhaľuje túžbu po psychologickej expresívnosti a archeologickej presnosti. Keď sa obraz objavil na výstave, kritici si všimli pozorný postoj umelca k Homerovmu textu a silný výraz postáv na obraze.
Na výstave v roku 1827 Objavil sa Ivanovov druhý obraz - „Joseph Interpreting the Dreams of the Baker and Butler“ (Ruské múzeum), ktorý získal veľkú zlatú medailu od Spoločnosti na podporu umelcov. Výraz tvárí a neporovnateľná plasticita postáv tu ďaleko prevyšovala „Priam“, čo svedčí o výnimočnom talente umelca a jeho rýchlom rozvoji. Osvetlené postavy na tmavom pozadí vytvárajú dojem sôch. Splývavé záhyby Jozefovho starožitného rúcha sú spracované s ohromujúcou dokonalosťou. Jozef povie pekárovi niečo strašné, aby zvážil, ukazuje mu na reliéf zobrazujúci popravu vytesanú na stene väznice. Pohár so svetlou nádejou netrpezlivo očakáva, čo o ňom povie veštec. Pekár a pohárnik sú si podobní, ako bratia, a preto sa na ich tvárach objavujú výrazy protichodných pocitov: zúfalstvo a nádej. Egyptský reliéf, ktorý Ivanov zložil, ukazuje, že už vtedy poznal egyptskú archeológiu a mal jemný zmysel pre štýl. Vo všetkých svojich raných dielach sa Ivanov snažil o silné emocionálne hnutia, vyjadrené mimoriadne jasnou formou.
Tento obraz však takmer viedol ku kolapsu Ivanovovej kariéry, ktorá sa začala tak brilantne. Obraz (vo forme basreliéfu) popravy na stene žalára bol interpretovaný ako odvážna narážka na odvetu Mikuláša I. proti Decembristom. Hoodovi sa sotva podarilo uniknúť zo Sibíri. A napriek tomu, že Ivanov dostal veľkú zlatú medailu, otázka jeho zahraničnej služobnej cesty sa vliekla. Spoločnosť na podporu umelcov, ktorá mala v úmysle poslať Ivanova na zlepšenie do Talianska, sa rozhodla opäť otestovať jeho schopnosti stanovením novej témy: „Bellerophon ide na ťaženie proti Chimére“ (1829, Ruské múzeum).
Napriek tomu mu bola udelená zahraničná služobná cesta. V tom čase bol Ivanov už autorom niekoľkých obrazov, dokončil obrovské kresby z antických sôch - „Laocoon“, „Venuša Medicea“, „Borghesian Fighter“ (všetky v Štátnej Treťjakovskej galérii) a mnoho kresieb z akademických modelov. Jeho rané albumy obsahujú aj množstvo ceruziek a sépiových náčrtov na historické a staroveké témy, medzi ktorými je aj niekoľko náčrtov z prírody; Portréty sú ešte zriedkavejšie. Malý autoportrét (1828, Treťjakovská galéria), maľovaný olejmi, pochádza z doby pred jeho odchodom do zahraničia.
Ako poctu klasicizmu začal Ivanov v Ríme maľovať v duchu Poussina „Apollo, Hyacint a Cypress zaoberajúci sa hudbou a spevom“ (1831-1834, Treťjakovská galéria), s použitím pamiatok antického sochárstva. Obraz zostal nedokončený. Napriek tomu ide o jedno z najdokonalejších diel ruského klasicizmu. Nádherne zoskupené postavy vyzerajú ako animované sochy.
Listy stromu úžasne kontrastujú s farbou nahých tiel: jemná farba tela Hyacintu, tmavá farba cyprusu a postava Apolóna, akoby vyrezaná zo slonoviny. Obraz je hudobne harmonická, harmonická kompozícia. Porovnanie skíc ukazuje, že Ivanov vedome hľadal hudobnú krásu hladkých línií a plastickú dokonalosť formy. Úžasne inšpirovaná tvár Apolla. Ivanov vzal za základ obrazu hlavu Apolla Belvedere a vdýchol mu nový život - život pocitov. Tento spôsob spracovania starých obrazov sa stal pre Ivanova hlavnou v prvej polovici jeho práce.
Pri opätovnom čítaní evanjelií Ivanov konečne našiel zápletku, ktorú nikto predtým neprevzal: prvé zjavenie sa Mesiáša (Krista) pred ľuďmi, ktorí očakávali naplnenie svojich drahocenných túžob, ktoré predpovedal Ján Krstiteľ. Ivanov vnímal túto zápletku tak, že obsahuje celý význam evanjelia. Podľa jeho názoru by táto zápletka mohla stelesňovať vysoké morálne ideály celého ľudstva, ako ich chápali ich súčasníci. Práce na náčrtoch pre obraz sa začali na jeseň roku 1833.
Umelec od začiatku svojej tvorby koncipoval dej viac ako historický ako náboženský, čím vylúčil všetky črty jeho mystickej interpretácie. V súlade s extrémnou zložitosťou plánu vypracoval plán trvajúci desaťročie. Tento plán vystrašil Ivanovových nedôverčivých petrohradských „dobrodincov“ kvôli jeho trvaniu a vysokým nákladom. Napriek vyhrážkam Spoločnosti na podporu umelcov, že ho pripraví o všetky prostriedky na živobytie, sa Ivanov nevzdal. Hlboko študoval pamiatky antického umenia a monumentálnu maľbu talianskej renesancie. Keďže Ivanov nemal možnosť vycestovať do Palestíny, aby sa zoznámil s ľudovými typmi a krajinou miest spojených s evanjeliovou legendou, hľadal zodpovedajúcu prírodu v Taliansku.
V roku 1835 Ivanov dokončil a poslal do Petrohradu na akademickú výstavu „Zjavenie Krista Márii Magdaléne po zmŕtvychvstaní“ (Rusko-ruské múzeum); Úspech filmu prekonal umelcove očakávania: dostal titul akademik a jeho pobyt v Taliansku sa predĺžil o ďalšie tri roky.
V sochárskom charaktere postáv na tomto obraze (najmä Krista, pripomínajúceho sochu od Thorvaldsena), v konvenčných drapériách a krajine, ktorá slúži ako takmer neutrálne pozadie postáv, Ivanov vzdal posledný hold akademizmu. To plne zodpovedalo pôvodnému zámeru obrazu, v ktorom chcel umelec ukázať svoju schopnosť zobraziť nahé ľudské telo a závesy. Spolu s tým ho však zaujala úloha zobraziť plačúcu krásnu ženskú tvár a pohyb postavy. Neodvážil sa urobiť radikálnejšie zmeny v obraze, hoci kompozície Giotta, ktoré videl v Taliansku na rovnakú tému, viedli k myšlienke úplne opustiť „oficiálny kus nahoty“.
Zložitý výraz Magdaléninej tváre (úsmev cez slzy) a úspešne nájdená poloha Kristových nôh (založená na hlbokých znalostiach anatómie a dávajúc jeho postave ilúziu pohybu) sú najrealistickejšie črty obrazu v jeho všeobecnej akademickej štruktúre.
Po dokončení tejto práce sa umelec opäť úplne venoval rozvoju hlavnej myšlienky. Práca na „Zjavení sa Krista ľuďom“ (1837-1857, Treťjakovská galéria) zaberala väčšinu Ivanovovho života. Množstvo zachovaných materiálov (náčrty, náčrty, kresby) a rozsiahla korešpondencia od umelca umožňujú rekonštruovať hlavné etapy tohto obrovského diela. Prvé náčrty pochádzajú z roku 1833, preto vznikli ešte pred prvou cestou do Talianska.
V roku 1837 kompozícia obrazu bola už taká vyvinutá, že ju umelec dokázal preniesť na veľké plátno a na ďalší rok ho tieňoval a namaľoval terdesien.
K1845 „Zjavenie sa Krista ľudu“ bolo v podstate ukončené, s výnimkou niektorých detailov (tvár otroka, postavy vynárajúce sa z vody, stredná skupina).
Ďalšia práca sa uberala dvoma smermi - čo najvyššia špecifikácia charakterov postáv a druhá - štúdium krajiny na jednotlivé témy určené kompozíciou obrazu (stromy v popredí, zem, kamene, voda, stromy v pozadí a hory) . Je možné, že celej tejto práci predchádzalo hľadanie všeobecného tónu obrazu, pre ktorý Ivanov napísal v Benátkach, v tesnej blízkosti veľkých benátskych koloristov, malú skicu („Sketch in Venetian Tones“, 1839, Treťjakov Galéria), ktorá do značnej miery predurčila farbu obrazu „Zjavenie Krista ľuďom“.
Koncom roku 1838 nastala prestávka v práci. V tom čase sa Ivanov stretol s N. V. Gogolom, ktorý potom prišiel do Ríma. Stali sa priateľmi. Ich priateľstvo bolo poznačené Ivanovovou nečakanou príťažlivosťou k témam ľudského života. Ivanov pod vplyvom spisovateľa vytvoril množstvo žánrových akvarelov zobrazujúcich výjavy zo života obyčajných ľudí. Sú poetické, vitálne a presiaknuté duchovným teplom. Komplexné viacfigurálne kompozície sú zjednotené pôsobením svetla. Mesiac leje svoje pokojné svetlo na skupinu detí a dievčat, ktoré zborovo spievajú Ave Maria („Ave Maria“, 1839, Ruské ruské múzeum), teplé svetlá sviečok sa odrážajú reflexmi na ich tvárach a oblečení. Pod horiacimi lúčmi južného slnka sa odohráva sladká scéna („Ženích si vyberá náušnice pre nevestu“, 1838, Treťjakovská galéria) Postavy dievčat v akvarele „Októbrové prázdniny v Ríme“ sú plné uvoľnených pohybov. . Na Ponte Mole“ (1842, Ruské múzeum). Na akvarele „Októbrové prázdniny v Ríme. Scéna v lodžii“ (1842, Treťjakovská galéria) zobrazuje hravý tanec. Rýchle pohyby ľudí okolo chudého Angličana sú vyjadrené zložitou a krásnou siluetou. Bez Gogoľovho vplyvu je podoba týchto žánrových scén nevysvetliteľná.
Vo všetkých Ivanovových akvareloch prevažuje princíp psychologického spojenia medzi ľudskými postavami nad princípom klasickej architektonickej kompozície. Umelec sa v nich jednoznačne snažil o životnú pravdivosť pohybov postáv a ich vzťahov.
V prvých dvoch žánrových akvareloch Ivanov prakticky čelil problémom s osvetlením. Táto úloha bola obzvlášť ťažká v akvarele „Ave Maria“, v ktorom sa chladné a rovnomerné mesačné svetlo spája s teplým a chvejúcim sa svetlom sviečok a jemným svetlom lampáša pred obrazom Madony.
Problém prenosu slnečného svetla, ktorý umelca zaujímal najmä koncom 40. rokov, prvýkrát nastolil v spomínanom akvarele „Ženích si vyberá náušnice pre nevestu“. Porovnanie dvoch verzií tohto výkresu (THG a GRM) ukazuje, že Ivanov sa snažil použiť osvetlenie ako zjednocujúci princíp.
K1845 „Zjavenie sa Krista ľudu“ bolo v podstate ukončené, s výnimkou niektorých detailov (tvár otroka, postavy vynárajúce sa z vody, stredná skupina). Napravo a naľavo na obrázku sú ľudia pokrstení vo vodách Jordánu, za Jánom je skupina budúcich apoštolov, v strede a napravo sú zástupy ľudí nadšených Jánovými slovami. V popredí umelec namaľoval otroka, ktorý sa pripravuje obliekať svojho pána. Dej sa odohráva v údolí Jordánu, vzdialené kopce sú pokryté stromami. Obrovský starý strom tieni listy centrálnej skupiny.
Na vyriešenie problému: na zobrazenie ľudstva čakajúceho na oslobodenie sa Ivanov považoval za právo použiť všetko, čo predtým dosiahlo svetové umenie. Príklady plastiky čerpal zo starogréckeho sochárstva, študoval antické originály v Ríme a Florencii a študoval maľbu renesancie: Leonarda da Vinciho, Fra Bartolomea, Ghirlandaia a predovšetkým Raphaela.
Je zrejmé, že od prvých krokov práce na kompozícii obrazu Ivanov cítil potrebu organizovať ľudské postavy do skupín, ktoré sú spojené spoločným znakom alebo naopak, postavené vedľa seba v zámerných kontrastoch. Tieto skupiny boli definované nasledovne: starec a mladý muž vystupujúci z vody, skupina učeníkov vedená baptistom a uzavretá naľavo postavou skeptika, v popredí skupina boháča a otroka, a nakoniec skupina trasúceho sa otca a syna lemujúcich celú kompozíciu na pravej strane. Mnohé postavy sú navyše umiestnené v tieni, uprostred obrazu v dave ľudí, ktorí zaberajú pravú hornú stranu plátna. Tieto čísla sú tiež usporiadané do skupín.
Rozhodujúci význam má postava Jána Krstiteľa. Nachádza sa takmer v strede a svojou mohutnou silou organizuje celú kompozíciu. Ivanov vo svojom zobrazení Krstiteľa využil pamiatky talianskeho maliarstva a predovšetkým Rafaela, čím obraz v žiadnom prípade neubral na jeho osobitosti. Ján na obrázku je plný ohnivého temperamentu; svojim slovesom spaľuje srdcia ľudí. Ohromujúco silným gestom ukazuje na blížiaceho sa Mesiáša. Bol prvým, kto videl a spoznal Mesiáša. Jeho gesto určuje pohyb celej kompozičnej štruktúry obrazu.
Umelec si dal za cieľ dosiahnuť v každej z postáv mimoriadne typický výraz každého človeka. charakter. Podarilo sa mu to najmä v obrazoch Krstiteľa, apoštolov Jána, Ondreja, Natanaela a otroka, ktorých náčrty patria k tým najlepším. Niet divu, že Kramskoy považoval Ivanovského baptistu za „ideálny portrét“.
Je charakteristické, že skutočný portrét je základom každej postavy, každého typu zahrnutého na obrázku. V ďalšej fáze umenie priťahuje hlavy antických sôch, akoby ich formovalo klasickými črtami živej prírody.
„Zjavenie Krista ľuďom“ spája vznešenú myšlienku oslobodenia človeka s monumentálnou formou.
Do roku 1845 obsahuje náčrty nástennej maľby „Zmŕtvychvstanie Krista“ určenej pre Katedrálu Krista Spasiteľa, ktorú postavil K.A. Ton. Počas tohto obdobia Ivanov prišiel s myšlienkou vytvoriť celú sériu obrazov na biblické témy. Tieto maľby mali pokryť steny špeciálnej verejnej budovy (nie kostola, ako sám umelec vždy zdôrazňoval). Ich témy a postupnosť sa viac zhodovali s knihou „Život Ježiša“ od D. Straussa, ale boli založené na hĺbkovom a nezávislom štúdiu primárnych zdrojov samotným umelcom. Ivanov tu chcel predstaviť vývoj ľudských presvedčení v ich úzkom prepojení a historickom podmienení. V cykle skíc, ktoré stelesňovali tento plán, dostali problémy historických osudov ľudí, vzťah medzi ľuďmi a jednotlivcom, také typické pre romantický historizmus, najhlbšie riešenie v porovnaní s celou ruskou historickou maľbou 2. /3 storočie. Človek je ohromený množstvom a nekonečnou rozmanitosťou akvarelových náčrtov, ktoré vytvoril Ivanov na biblické témy (takmer všetky sú uložené v Treťjakovskej galérii).
Medzi náčrtmi je ťažké vybrať to najlepšie. Preto by ste sa mali zamerať len na tie charakteristickejšie. Takou je napríklad skica „Tri cudzinci oznamujú Abrahámovi narodenie Izáka“, ktorej kompozícia udivuje svojou monumentálnosťou, jednotou človeka a prírody a výraznosťou postáv. Nemenej zaujímavý je „Zber Manny v púšti“ – masová scéna, v ktorej bežiacich ľudí zachytí radostná smršť, alebo „Procesia prorokov“, plná silného, ohromujúceho rytmu. Napriek tomu, že Ivanovov plán zostal iba v náčrtoch, tieto náčrty patria k najväčším aktívam umenia.
Jeho krajiny sú úžasné. „Appian Way“ (1845, Treťjakovská galéria). „Neapolský záliv pri Castellammare“ (1846, Treťjakovská galéria). Ivanov sa rozhodne vydal cestou plenéru. Príroda v jeho maľbe nie je cez mýtus ako v dielach klasikov, ale cez realitu.
Ivanovovo dielo, ktoré ďaleko presahuje romantické ideály doby, je najsilnejším vyjadrením realistickej orientácie ruského umenia v polovici 19.
V prvých rokoch svojho odchodu do dôchodku v Taliansku, začiatkom 30. rokov 19. storočia, Ivanov namaľoval nádherný obraz „Apollo, cyprus a hyacint zaoberajúci sa hudbou a spevom“.
Brilantné náčrty obrazov pre „Chrám ľudstva“, ktoré vytvoril. V „Biblických náčrtoch“ sa Ivanov snažil organicky spojiť pravdu evanjelia s historickou pravdou, legendárno-mýtické s realitou, vznešené s obyčajným, tragické s každodennosťou. .
Umenie polovice (40. – 50. rokov) 19. storočia – „gogoľské“ obdobie ruskej kultúry
Fedotov, Pavel Andrejevič(1815-1852) - slávny ruský umelec a kresliar, zakladateľ kritického realizmu v ruskej maľbe.Vo Fedotovovej práci sa po prvýkrát v ruskom umení implementoval program kritického realizmu. „Obviňujúca orientácia“ sa prejavila aj v „Aristokratových raňajkách“.
Fedotov namaľoval obraz „Vdova“ v niekoľkých verziách a neustále smeroval k svojmu cieľu - ukázať ľudské nešťastie také, aké v skutočnosti je.
Obraz "Kotva, viac kotvy!" konzistentná vo farbe - blatovo červená a zlovestná emocionálna nálada. Plátno je skutočne tragické: vystupuje v ňom do popredia melanchólia nevkusnej každodennosti a nezmyselnosti existencie.
Kultúra 19. storočia je kultúra existujúce buržoázne vzťahy. Do konca 18. stor. kapitalizmus ako systém je plne sformovaný. Zahŕňala všetky odvetvia materiálnej výroby, čo so sebou prinášalo zodpovedajúce premeny v nevýrobnej sfére (politika, veda, filozofia, umenie, školstvo, každodenný život, spoločenské vedomie).
Kultúru tohto obdobia charakterizuje reflexia vnútorných rozporov buržoáznej spoločnosti. Stret protichodných tendencií, boj hlavných tried – buržoázie a proletariátu, polarizácia spoločnosti, prudký vzostup materiálnej kultúry a začiatok odcudzenia jednotlivca určili povahu vtedajšej duchovnej kultúry.
V 19. storočí prebieha radikálna revolúcia t, spojený s objavením sa stroja, ktorý odcudzuje človeka prírode, narúša zaužívané predstavy o jeho dominantnej úlohe a mení človeka na tvora závislého na stroji. V podmienkach silnejúcej mechanizácie človek odchádza na perifériu duchovného života, odtrháva sa od svojich duchovných základov. Miesto remeselnej práce spojenej s osobnosťou a tvorivosťou majstra zaujala monotónna práca.
Duchovná kultúra 19. storočia. sa vyvíjal a fungoval pod vplyvom dvoch dôležitých faktorov: úspechov v oblasti filozofie a prírodných vied. Popredná dominantná kultúra 19. storočia. bola tam veda.
Rôzne hodnotové orientácie vychádzali z dvoch východiskových pozícií: na jednej strane etablovanie a potvrdzovanie hodnôt buržoázneho spôsobu života a na druhej strane kritické odmietanie buržoáznej spoločnosti. Odtiaľ sa v kultúre 19. storočia objavili také odlišné javy: romantizmus, kritický realizmus, symbolizmus, naturalizmus, pozitivizmus atď.
Zvláštnosti svetonázoru Európska kultúra 19. storočia. je odrazom tých protichodných princípov, ktoré vyspelá buržoázna spoločnosť predstavuje, no napriek tomu nemá obdobu v hĺbke prieniku do existencie a duchovného sveta človeka a tvorivého napätia vo vede, literatúre, filozofii a umení.
V prvej polovici 19. stor ruský umenie rozvíja v rámci akademickej školy maľovanie. Rozširujú sa historické a bojové žánre, čo súvisí s víťazstvom vo vlasteneckej vojne v roku 1812 a vzostupom národného sebauvedomenia. Od polovice 60. rokov 19. storočia Rusi umelcov Obracajú sa k témam ľudového života, vo výtvarnom umení sa objavuje spoločenský a každodenný žáner. V posledných desaťročiach storočia ju čiastočne nahradila krajina v impresionistickom štýle, v r obrazy ruských umelcov objavujú sa črty neoklasicizmu a modernizmu.
Akademická škola maľovanie na začiatku 19. storočia mala silné postavenie ako trendsetterka umeleckých štýlov a trendov. Hlavnou metódou bol klasicizmus, hlavnými žánrami boli portrét, dekoratívna krajina a historická maľovanie. Mladý umelcov neboli spokojní s neúprosným konzervativizmom Akadémie a aby nepísali maľby o biblických a mytologických témach a obrátil sa k žánru portrétu a krajiny. Čoraz viac sa v nich objavovali črty romantizmu a realizmu.
Na výšku maľovanie O. A. Kiprensky je veľa romantických obrazov: portrét chlapca A. A. Čeliščeva (1810-1811), manželov F. V. a E. P. Rostopchina (1809), manželov V. S. a D. N. Chvostova (1814), E. S. Avduliny (1822)
Portréty V. A. Tropinina napísané realistickým spôsobom. Zobrazená osoba je v nich ústredným obrazom, všetka pozornosť sa sústreďuje na ňu. Postavy a črty tváre sú kreslené s anatomickou čistotou a autentickosťou (portréty grófov Morkov, 1813-1815; „Bulakhov“, 1823; „K. G. Ravich“, 1823).
Štetce od V. A. Tropinina patrí k jednému z najznámejších portrétov A.S.Puškina – k tej, kde básnik položil ruku na stoh papiera a zdalo sa, že počúva svoj vnútorný hlas.
IN obrázok K. P. Bryullov „Posledný deň Pompejí“, napísaný podľa všetkých kánonov akademickej školy maľovanie, odrážal vývoj ruského sociálneho myslenia, očakávanie zmien, ktoré súviselo so vzostupom národného sebauvedomenia. Maľovanie symbolizoval odvahu ľudí čeliacich hroznej katastrofe. Medzi ďalšie slávne obrazy K. P. Bryullova patrí „Talianske ráno“, „Talianske poludnie“, „Jazdkyňa“, „Bathsheba“. V týchto a mnohých ďalších maľby umelcovi Rovnako talentovaný dokázal zachytiť krásu ľudského tela a krásu prírody.
Myšlienky duchovného prebudeniaľudia sa odrazili v tvorbe A. A. Ivanova. Nad tými najznámejšími maľovanie, „Zjavenie Krista ľuďom“, pracoval asi dvadsať rokov. Ježiš na obrázok je zobrazený v diaľke a do popredia je vynesený Ján Krstiteľ, ktorý ľuďom ukazuje na prichádzajúceho Spasiteľa. Tváre ľudí čakajúcich na Ježiša sa rozjasňujú, keď sa blíži, ich duše sú naplnené radosťou.
Umelci A.G.Venecsianov a P.A.Fedotov v prvej polovici 19.storočia položili základy spoločenského žánru v r. maľovanie. A. G. Venetsianov vo svojom maľby idealizovali život roľníkov, zdôrazňovali krásu a ušľachtilosť ľudí bez ohľadu na sociálne postavenie („Mláťačka“, „Na žatve. Leto“, „Na oranici. Jar“, „Sedliacka s chrpami“
Od 50. rokov 19. storočia hlavný smer Ruské výtvarné umenie sa stáva realizmus a hlavnou témou je zobrazenie života obyčajných ľudí. Schválenie nového smeru sa uskutočnilo v tvrdohlavom boji s prívržencami akademickej školy maľovanie. Tvrdili, že umenie by malo byť vyššie ako život, nie je v ňom miesto pre ruskú prírodu a sociálne a každodenné témy. Akademici však boli nútení urobiť ústupky. V roku 1862 všetky žánre výtvarné umenie boli si rovní v právach, čo znamenalo, že sa posudzovali iba umelecké zásluhy maľby, bez ohľadu na tému.
17. Ruské umenie prvej polovice - polovice 19. storočia. Romantizmus, sentimentalizmus – smery klasicistického umenia.
Po vlasteneckej vojne v roku 1812.: zvyšujúci sa záujem o ľudový život; k ľudskej individualite viedla k vytvoreniu nového ideálu, ktorý bol založený na myšlienke duchovne nezávislého človeka, hlboko cítiaceho a vášnivého prejavujúceho svoje pocity. Tento ideál sa premietol do tvorby predstaviteľov nového tvorivého konceptu – romantizmu, ktorého etablovanie nastalo súčasne s odumieraním klasicizmu.
Pri maľbe sa to pozorovalo vädnutie klasicizmu a nastolenie romantizmu a realizmu
Romantizmus- smer v umení prvej polovice 19. storočia, ktorý vyzdvihoval individualitu a obdarovával ju ideálnymi ašpiráciami.
Ale skutočný úspech maľby spočíval, však iným smerom – romantizmom. Najlepšie túžby ľudskej duše, vzostupy a pády ducha vyjadrila vtedajšia romantická maľba a predovšetkým portrét. V žánri portrét by mal byť na poprednom mieste Orest Kiprensky (1782-1836).
Kiprensky študoval od vzdelávacej školy, na Akadémii umení, kde študoval v triede historickej maľby. Umelec využíva výrazné farebné efekty, ktoré ovplyvňujú modelovanie formy; impasto maľba podporuje vyjadrenie energie a zvyšuje emocionalitu obrazu. Je to fér povedať D.V. Sarabyanova Ruský romantizmus nikdy nebol tak silným umeleckým hnutím ako vo Francúzsku alebo v Nemecku. Nie je v tom ani extrémne vzrušenie, ani tragická beznádej. V Kiprenskyho romantizme je ešte veľa harmónie klasicizmu, jemnej analýzy „zvratov“ ľudskej duše, tak charakteristických pre sentimentalizmus. „Súčasné storočie a minulé storočie“, ktoré sa zrazilo v diele raného Kiprenského, ktorý sa ukázal ako tvorivá osobnosť v najlepších rokoch vojenských víťazstiev a jasných nádejí ruskej spoločnosti, predstavovalo originalitu a nevýslovné čaro jeho raných romantických portrétov. .
V neskorom talianskom období Kvôli mnohým okolnostiam jeho osobného života sa umelcovi zriedka podarilo vytvoriť niečo, čo by sa vyrovnalo jeho raným dielam. Ale aj tu môžeme označiť takéto majstrovské diela ako jeden z najlepších celoživotných portrétov Puškin(1827, Treťjakovská galéria), ktorú umelec namaľoval v poslednom období svojho pobytu vo vlasti, alebo portrét Avduliny (okolo 1822, Štátne ruské múzeum), plný elegického smútku.
Neoceniteľná súčasť Kiprenského tvorby- grafické portréty, robené prevažne mäkkou talianskou ceruzkou s kolorovaním pastelmi, vodovými farbami a farebnými ceruzkami.Vzhľad rýchlych ceruzkových portrétov-náčrtov je sám o sebe významný, charakteristický pre novú dobu: ľahko zaznamenajú každú letmú zmenu v tvári, akékoľvek emocionálne hnutie. Ale v Kiprenskyho grafike je tiež istý vývoj: v jeho neskorších dielach nie je spontánnosť a vrúcnosť, ale sú majstrovskejšie a rafinovanejšie v prevedení (portrét S.S. Shcherbatova, talianske umenie., Treťjakovská galéria).
Dôsledný romantik možno nazvať Poliak A.O. Orlovský(1777-1832), ktorý žil 30 rokov v Rusku a priniesol do ruskej kultúry témy charakteristické pre západných romantikov (bivaky, jazdci, stroskotanie lodí. „Vezmi si rýchlu ceruzku, kresli, Orlovského, meč a zabíjačku,“ napísal Puškin). Na ruskej pôde sa rýchlo asimiloval, čo je badateľné najmä na jeho grafických portrétoch. V nich je cez všetky vonkajšie atribúty európskeho romantizmu s jeho rebéliou a napätím viditeľné niečo hlboko osobné, skryté, intímne (Autoportrét, 1809, Treťjakovská galéria). Orlovský zohral istú úlohu pri „prerazení“ cesty k realizmu aj vďaka svojim žánrovým náčrtom, kresbám a litografiám zobrazujúcim petrohradské pouličné výjavy a typy, ktoré oživili slávne štvorveršie.
Napokon, romantizmus nachádza výraz v krajine. Sylvester Shchedrin (1791-1830) začal svoju tvorivú dráhu ako žiak svojho strýka Semyona Shchedrina klasicistickými kompozíciami: jasné rozdelenie do troch plánov (tretím plánom je vždy architektúra), po stranách scén. Ale v Taliansku, kde odišiel z Petrohradskej akadémie, sa tieto črty nestali silnejšími a nepremenili sa na vzor. Práve v Taliansku, kde Shchedrin žil viac ako 10 rokov a zomrel v rozkvete svojho talentu, sa ukázal ako romantický umelec a stal sa spolu s Constablem a Corotom jedným z najlepších maliarov v Európe. Bol prvým, kto objavil plenérovú maľbu pre Rusko. Je pravda, že podobne ako Barbizonci, Shchedrin maľoval iba náčrty pod holým nebom a obraz dokončil („vyzdobený“, podľa svojej definície) v štúdiu. Samotný motív však mení dôraz. Rím na jeho plátnach teda nie sú majestátne ruiny staroveku, ale živé moderné mesto obyčajných ľudí – rybárov, obchodníkov, námorníkov. Ale tento obyčajný život pod Shchedrinovým štetcom získal vznešený zvuk.
Prístavy Sorrento, nábrežia Neapola, Tiber pri hrade sv. Angela, ľudia na rybačke, len tak sa rozprávajú na terase alebo relaxujú v tieni stromov - všetko sa prenáša v komplexnej interakcii prostredia svetlo-vzduch, v nádhernej fúzii strieborno-sivých tónov, zvyčajne spojených dotykom červenej - v šatách a pokrývke hlavy, v hrdzavom lístí stromov, kde sa stratil jeden červený konár. V najnovších prácach Ščedrina sa čoraz viac prejavoval záujem o svetelné a tieňové efekty, čo predznamenalo vlnu nového romantizmu Maxima Vorobyova a jeho študentov (napríklad „Pohľad na Neapol za mesačnej noci“). Podobne ako maliar portrétov Kiprensky a maliar bojov Orlovský, krajinkár Shchedrin často maľuje žánrové výjavy.
O.A. Kiprensky(1782-1836), maliar portrétov, najvýraznejšie stelesňoval romantický ideál. Jeho štýl absorboval znaky klasickej harmónie a sentimentalizmu. Portréty odhaľujú všetko to najlepšie a podstatné na človeku: jeho aktívnu a romantickú povahu; namyslenosť a zanietenosť mladého muža, ktorý sa stále učí o svete. V poslednom období vznikol najlepší celoživotný portrét A.S. Puškin - portrét veľkého básnika je historicky špecifický a zároveň je tu túžba poskytnúť kolektívny obraz ideálnej tvorivej osobnosti.
S.F. Shchedrin(1791-1830), krajinár. Ako prvý objavil „plenérovú maľbu“, „Nový Rím“; "Pohľad na Sorrento neďaleko Neapola."
V.A. Tropinin, vnáša do žánrových portrétov prvky romantizmu. Vychovaný na sentimentalistických tradíciách z konca 18. storočia. Zažil romantický vplyv začiatku 19. storočia. (portréty jeho syna; A.S. Pushkin; autoportrét). Do obrazov roľníkov stelesnil nielen duchovnú čistotu, ale aj šľachtu. Detaily každodenného života a práce sú podobné žánrovej maľbe („Čipkárka“, „Zlatník“).
Historická maľba 30-40 rokov: prienik klasicizmu a romantizmu.
Ruská historická maľba 30-40-tych rokov vyvinuté v znamení romantizmu. Jeden bádateľ (M.M. Allenov) nazval Karla Pavloviča Bryullova (1799-1852) „géniom kompromisu“ medzi ideálmi klasicizmu a inováciami romantizmu. Bryullovova sláva prišla ešte na akadémii: už vtedy Bryullov premenil obyčajné náčrty na hotové maľby, ako to bolo napríklad v prípade jeho „Narcis“ (1819, Ruské ruské múzeum). Po absolvovaní kurzu so zlatou medailou umelec odišiel do Talianska. Vo svojich predtalianskych dielach sa Bryullov obracia na biblické témy („Zjavenie sa troch anjelov Abrahámovi pri dube Mamre“, 1821, Ruské múzeum) a staroveké („Oidipus a Antigona“, 1821, Regionálne múzeum miestnej tradície Tyumen ), venuje sa litografii, sochárstvu, píše divadelné kulisy a kreslí kostýmy pre inscenácie. Obrazy „Talianske ráno“ (1823, miesto neznáme) a „Talianske popoludnie“ (1827, Ruské múzeum), najmä prvý, ukazujú, ako blízko sa maliar dostal k problémom plenéru. Sám Bryullov definoval svoju úlohu takto: „Osvetlil som model na slnku, za predpokladu osvetlenia zozadu, takže tvár a hrudník sú v tieni a odrážajú sa od fontány osvetlenej slnkom, vďaka čomu sú všetky tiene oveľa väčšie. príjemné v porovnaní s jednoduchým osvetlením z okna.“
Úlohy plenérovej maľby teda Bryullova zaujali, no cesta umelca však viedla iným smerom. Od roku 1828, po výlete do Pompejí, Bryullov pracuje na svojom rovnakom diele - „Posledný deň Pompejí“ (1830-1833). Skutočnou udalosťou v dávnej histórii je smrť mesta počas erupcie Vezuvu v roku 79 nášho letopočtu. e. - dal umelcovi príležitosť ukázať veľkosť a dôstojnosť človeka tvárou v tvár smrti. Ohnivá láva sa blíži k mestu, budovy a sochy sa rúcajú, ale deti neopúšťajú svojich rodičov; matka prikryje dieťa, mladý muž zachráni svoju milovanú; umelec (v ktorom sa Bryullov zobrazil) odnáša farby, ale pri odchode z mesta sa pozerá s doširoka otvorenými očami a snaží sa zachytiť ten hrozný pohľad.
Aj v smrti zostáva človek krásny aká krásna je žena, ktorú rozzúrené kone vyhodili z voza, v strede kompozície. Bryullovova maľba jasne ukázala jednu z podstatných čŕt jeho maľby: spojenie medzi klasicistickým štýlom jeho diel a črtami romantizmu, s ktorým Bryullovov klasicizmus spája viera v ušľachtilosť a krásu ľudskej povahy. Odtiaľ pochádza úžasná „živosť“ plastickej formy, ktorá si zachováva svoju čistotu, kresba najvyššej profesionality, ktorá prevláda nad ostatnými výrazovými prostriedkami, s romantickými efektmi malebného osvetlenia. A práve téma neodvratnej smrti, neúprosného osudu je pre romantizmus tak charakteristická.
Ako istý štandard, zavedená výtvarná schéma, klasicizmus v mnohom obmedzoval romantického umelca. Konvencie akademického jazyka, jazyka „školy“, ako sa akadémie v Európe nazývali, sa v Pompeiovi naplno prejavili: divadelné pózy, gestá, mimika, svetelné efekty. Musíme však priznať, že Bryullov sa usiloval o historickú pravdu, snažil sa čo najpresnejšie reprodukovať konkrétne pamiatky objavené archeológmi a ohromujúci celý svet, aby vizuálne doplnil scény, ktoré opísal Plínius Mladší v liste Tacitovi. Obraz bol najprv vystavený v Miláne, potom v Paríži a v roku 1834 bol privezený do Ruska a mal obrovský úspech. Gogoľ o nej nadšene hovoril. Význam Bryullovho diela pre ruskú maľbu určujú známe slová básnika: „A „Posledný deň Pompejí“ sa stal prvým dňom pre ruský štetec.
K. P. Bryullov- predstaviteľ historického maliarstva, v ktorého tvorbe sa prelínali prvky klasicizmu a romantizmu. "Posledný deň Pompejí"
"Jazdkyňa", Autoportrét.
P.A.Fedotov- maliar žánrov Hlboko rozumie životu a jeho dramatickej podstate. Jeho talent sa naplno prejavil v žánrovej maľbe, kde postupoval od karikovaných námetov („Čerstvý kavalier“; „Vyberavá nevesta“) cez tragické a lakonické obrazy („Vdova“) až po metaforickosť figuratívneho systému. Jeho umenie slúžilo ako vzor niekoľkým generáciám umelcov: Putujúci prijali a rozvíjali kritický pátos jeho tvorby, umelcov prelomu 19. - 20. storočia. priťahoval drámu a metaforu;
A.A.Ivanov- „Zjavenie Krista ľuďom“ - obraz, z ktorého študovali všetky nasledujúce generácie ruských umelcov, odrážal najintímnejší význam evanjelia a podstatu duchovných túžob ľudí.
A.E. Martynov, krajinár a rytec, dokončil jednu z prvých litografovaných sérií „Kolekcia pohľadov na Petrohrad a jeho okolie“.
Od začiatku 19. stor. v ruskom výtvarnom umení rozvíja sa taký smer ako sentimentalizmu(z angl. sentimentální – citlivý) – hnutie v umení 18. storočia. Pripravila ho kríza výchovného racionalizmu. Prvky sentimentalizmu sa však v tvorbe ruských majstrov zvyčajne spájali s prvkami klasicizmu či romantizmu. Rysy sentimentalizmu boli najplnšie stelesnené v dielach tohto pozoruhodného umelca A. G. Venetsianová, ktorý s láskou maľoval stredoruské dedinské krajinky a portréty roľníkov.
Charakteristické črty ruského sentimentalizmu:
Pozornosť na ľudskú osobu;
Kult citu a predstavivosti;
Vývoj rodinných psychologických zápletiek;
Obraz prírody.
Skutočným zakladateľom každodenného žánru bol Alexey Gavrilovič Venetsianov(1780-1847). Vyštudovaný zememerač Venetsianov opustil svoje služby kvôli maľbe, presťahoval sa z Moskvy do Petrohradu a stal sa Borovikovského žiakom. Prvé kroky v „umení“ urobil v žánri portrétu a vytvoril úžasne poetické, lyrické, niekedy romantické obrazy pastelom, ceruzou a olejom (portrét B.S. Putyatina, Treťjakovská galéria). Čoskoro však umelec opustil portrétovanie pre karikatúry a pre jednu akčnú karikatúru „The Nobleman“, úplne prvé číslo „Časopisu karikatúr pre rok 1808 v osobách“, ktoré vytvoril, bolo uzavreté. Venetsianovov lept bol v skutočnosti ilustráciou Deržavinovej ódy a zobrazoval prosebníkov, ktorí sa tlačili v prijímacej miestnosti, zatiaľ čo v zrkadle bolo vidieť šľachtica v náručí krásky (predpokladá sa, že ide o karikatúru grófa Bezborodka).
Na prelome 10. a 20. rokov odišiel Venetsianov z Petrohradu do provincie Tver, kde kúpil malú usadlosť. Tu našiel svoju hlavnú tému, venoval sa zobrazovaniu roľníckeho života. Na obraze „Mláťacia stodola“ (1821-1822, Ruské múzeum) ukázal pracovnú scénu v interiéri. V snahe presne reprodukovať nielen pózy robotníkov, ale aj osvetlenie, dal dokonca vyrezať jednu stenu mlatu. Život, taký aký je, chcel Venetsianov zobraziť, keď maľoval roľníkov, ktorí šúpali repu; statkár dávajúci úlohu dievčaťu z dvora; spiaca pastierka; dievča s malou veveričkou v ruke; roľnícke deti obdivujúce motýľa; scény žatvy, sena atď. Samozrejme, Venetsianov neodhalil najakútnejšie konflikty v živote ruského roľníka, nenastolil „ožehavé otázky“ našej doby. Toto je patriarchálny, idylický život.
Ale umelec do nej nevniesol poéziu zvonku, nevymyslel, ale čerpal zo samotného života ľudí, ktorý zobrazoval s takou láskou. Vo Venetsianovových obrazoch nie sú žiadne dramatické zápletky ani dynamické zápletky, naopak, sú statické, „nič sa v nich nedeje“. Ale človek je vždy v jednote s prírodou, vo večnej práci, a to robí Venetsianovove obrazy skutočne monumentálnymi. Je realista? V chápaní tohto slova umelcami druhej polovice 19. storočia je to málo pravdepodobné. Jeho koncepcia má veľa klasicistických myšlienok (stojí za to pripomenúť si jeho „Jar. Na poli oranom“, Treťjakovská galéria), a najmä zo sentimentálnych („Na žatve. Leto“, Treťjakovská galéria) a v chápaní priestoru sú aj romantické. A napriek tomu je Venetsianovova tvorba určitou etapou na ceste k formovaniu ruského kritického realizmu 19. storočia, a to je aj trvalý význam jeho maľby. To určuje jeho miesto v ruskom umení ako celku.
Venetsianov bol vynikajúci učiteľ. Venetsianovova škola, Venetsianovci, je celá galaxia umelcov 20-40-tych rokov, ktorí s ním pracovali v Petrohrade aj na jeho panstve Safonkovo. Toto je A.V. Tyranov, E.F. Krendovský, K.A. Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K. Zaryanko, L.K. Plakhov, N.S. Krylov a mnohí ďalší. Medzi študentmi Venetsianov mnohí pochádzali z roľníckeho prostredia. Pod štetcom benátskych umelcov sa rodili nielen výjavy roľníckeho života, ale aj mestské: Petrohradské uličky, ľudové typy, krajinky. A.V. Tyranov maľoval interiérové scény, portréty, krajiny a zátišia. Benátčania milovali najmä „rodinné portréty v interiéri“ – kombinovanie konkrétnosti obrazov s detailom rozprávania, sprostredkujúce atmosféru prostredia (napríklad Tyranovov obraz „Umelecká dielňa bratov Chernetsovcov“, 1828, ktorý spája portrét, žáner a zátišie).
18. Problém akademizmu v ruskom maliarstve druhej tretiny 19. storočia.
akademickosť- smer v európskom maliarstve 17.-19. Akademické maliarstvo vzniklo v období rozvoja umeleckých akadémií v Európe. Štýlovým základom akademickej maľby na začiatku 19. storočia bol klasicizmus av druhej polovici 19. storočia - eklektizmus. Akademicizmus rástol nasledovaním vonkajších foriem klasického umenia. Stúpenci charakterizovali tento štýl ako reflexiu umeleckej formy antického antického sveta a renesancie. Akademika pomáhala usporiadaniu predmetov vo výtvarnej výchove, dopĺňala tradície antického umenia, v ktorom sa idealizoval obraz prírody, pričom kompenzoval normu krásy.
Pre ruský akademizmus prvej polovice 19. storočia storočia sa vyznačujú vznešenou tematikou, vysokým metaforickým štýlom, všestrannosťou, mnohopočetnosťou a pompéznosťou. Obľúbené boli biblické výjavy, salónne krajinky a slávnostné portréty. Napriek obmedzenému námetu malieb sa diela akademikov vyznačovali vysokou technickou zručnosťou. Zástupca - K. Bryullov („jazdkyňa“).
V polovici 19. stor. sa začal presadzovať realizmus v tvrdohlavom boji proti akademizmu, reprezentovanému vedením Akadémie umení. Vedúci akadémie vštepovali študentom, že umenie je vyššie ako život a pre kreativitu predkladali iba biblické a mytologické témy. Štrnásť študentov z dejepisu nechcelo maľovať obrázky na navrhovanú tému zo škandinávskej mytológie a predložili petíciu za odchod z akadémie. Povstalci sa zjednotili do kamunny na čele s Kramskoyom.
A v roku 70 vznikla Spoločnosť kočovníkov. Peredvizhniki“ boli jednotní v odmietaní „akademizmu“ s jeho mytológiou, dekoratívnou krajinou a pompéznou teatrálnosťou. Chceli zobraziť živý život. Popredné miesto v ich tvorbe zaujímali žánrové (každodenné) scény. Roľníci sa tešili zvláštnym sympatiám s „putovníkmi“. Perov („Trojka“, „Starí rodičia pri hrobe ich syna“, „Čajový večierok v Mytishchi“). S. A. Korovina „Na svete“ Myasoedov „Kosačky“. Kramskoy - portréty Nekrasova, Tolstého, „Krista v púšti“, tiež Myasoedova, Savrasova, Ge.
19. Asociácia putovných výstav
V 70. rokoch progresívna demokratická maľba získava verejné uznanie. Má svojich kritikov - I.N. Kramskoy a V.V. Stašov a jeho zberateľ - P.M. Treťjakov. Nastáva čas rozkvetu ruského demokratického realizmu v druhej polovici 19. storočia.
V tomto čase v centre oficiálnej školy- Akadémia umení v Petrohrade - schyľuje sa aj boj o právo umenia obrátiť sa na skutočný, skutočný život, ktorý vyústil v roku 1863 do takzvanej „revolty 14“. Viacerí absolventi akadémie odmietli nakresliť programový obraz na jednu tému škandinávskeho eposu, keď okolo bolo toľko vzrušujúcich moderných problémov, a nedostali povolenie slobodne si vybrať tému, opustili akadémiu a založili „Petrohradský Artel umelcov“ (F. Žuravlev, A. Korzuchin, K. Makovskij, A. Morozov, A. Litovčenko atď.). „Artel“ dlho neexistoval. A čoskoro sa vyspelé umelecké sily Moskvy a Petrohradu spojili do Asociácie putovných umeleckých výstav (1870). Tieto výstavy sa nazývali putovné, pretože sa organizovali nielen v Petrohrade a Moskve, ale aj v provinciách (niekedy v 20 mestách počas roka). Bolo to ako „ísť k ľuďom“ umelcov. Partnerstvo existovalo viac ako 50 rokov (do roku 1923). Každá výstava bola obrovskou udalosťou v živote provinčného mesta. Na rozdiel od Artela mali Peredvizhniki jasný ideologický program - odrážať život so všetkými jeho akútnymi sociálnymi problémami v celej jeho relevantnosti.
Myasoedov tvrdil, že úspech prvého predstavenia mal v mnohom predurčiť budúci osud Partnerstva – a ukázalo sa, že mal pravdu. Prvé valné zhromaždenie Spolku, ktoré sa konalo 6. decembra 1870, naplánovalo otvorenie výstavy „na 15. septembra budúceho roku 1871 a najneskôr 1. októbra“. Tento termín sa však nepodarilo dodržať: prvá výstava bola otvorená až 29. novembra 1871 a ukončená 2. januára 1872. Na prezeranie bol teda dostupný niečo vyše mesiaca. Ale tento mesiac bol rozhodujúci pri hodnotení novej organizácie. Výstava okamžite priniesla uznanie, hoci len 16 umelcov na nej v Petrohrade ukázalo 47 diel. Už len toto ho odlišovalo od akademických výstav, ktoré boli počtom exponátov rozsiahlejšie.
„Partnerstvo má cieľ,“ hovorí § 1 charty, - organizovanie s náležitým povolením putovných umeleckých výstav nasledujúcimi spôsobmi: a) poskytovanie možnosti záujemcom z provincie zoznámiť sa s ruským umením a sledovať jeho úspechy, b) rozvíjať lásku k umeniu v spoločnosti, c. ), čo umelcom uľahčuje predaj ich diel.“
Umenie Peredvizhniki bolo vyjadrením revolučné demokratické myšlienky v domácej umeleckej kultúre druhej polovice 19. storočia. Sociálna orientácia a vysoké občianstvo myšlienky ju odlišujú v európskej žánrovej maľbe 19. storočia.
Partnerstvo vzniklo z iniciatívy Myasoedova, podporovaný Perovom, Ge, Kramskoyom, Savrasovom, Shishkinom, bratmi Makovskými a množstvom ďalších „zakladajúcich členov“, ktorí podpísali prvú chartu Partnerstva. V 70. – 80. rokoch sa k nim pripojili mladší umelci ako Repin, Surikov, Vasnetsov, Yaroshenko, Savickij, Kasatkin a i.. Od polovice 80. rokov sa na výstavách zúčastňujú Serov, Levitan a Polenov. Generácia „starších“ Peredvizhniki bola väčšinou rozdielna v sociálnom postavení. Jeho svetonázor sa rozvíjal v atmosfére 60. rokov. Vodcom a teoretikom hnutia Putovanie bol Ivan Nikolajevič Kramskoy(1837-1887), ktorý v roku 1863 viedol „vzburu 14“, pozoruhodný organizátor a vynikajúci umelecký kritik. Vyznačoval sa neotrasiteľnou vierou predovšetkým vo výchovnú silu umenia, ktoré má formovať občianske ideály jednotlivca a mravne ho zlepšovať. Témy vlastnej tvorby Kramskoya však neboli pre Wanderers typické.
Žánrové obrazy maľoval len zriedka, obrátil sa k evanjeliovým príbehom. Ale on" Kristus v púšti“ - myšlienka hlboko osamelého človeka sediaceho na pozadí opustenej skalnatej krajiny Kristus, jeho ochota obetovať sa v mene najvyššieho cieľa – to všetko bolo pre populistickú inteligenciu 70. rokov pochopiteľné. V žánri portrétu ho zamestnáva aj exaltovaná, vysoko duchovná osobnosť. Kramskoy vytvoril celú galériu obrazov najväčších postáv ruskej kultúry - portrétov Saltykova-Shchedrina, Nekrasova, L. Tolstého. Pre Kramskoyov umelecký štýl je charakteristická určitá protokolárna suchosť a monotónnosť kompozičných schém. Najlepšie z hľadiska svetelných charakteristík je portrét L.N. Tolstého, napísaný na objednávku Treťjakova, v ktorom diváka zasiahne bystrý, vševediaci a vševidiaci pohľad pokojných sivomodrých očí. Portrét A. G. Litovčenka sa vyznačuje malebným bohatstvom. Kramskoy bol umelec-mysliteľ. Vo svojej kreativite je konzervatívny.
Okrem Kramskoya medzi tými, ktorí podpísali Chartu partnerstva, bol ďalší umelec, ktorý sa zaujímal o kresťanské témy - Nikolaj Nikolajevič Ge(1831-1894). Vyštudoval akadémiu a získal veľkú zlatú medailu za obraz „Saul u čarodejnice z Endoru“. V roku 1863 uviedol svoje prvé veľké nezávislé dielo „Posledná večera“. Svetlo a tieň, dobro a zlo, kolízia dvoch rôznych princípov leží v srdci Geovej práce. Zdôrazňujú to kontrasty svetla a tieňov a dynamika výrazných póz. „Posledná večera“ vyjadrila umelcovu túžbu po zovšeobecnenej umeleckej forme, po jej monumentalizácii, po veľkom umení založenom na tradíciách veľkých majstrov minulosti. Nie náhodou mu bol za tento obraz udelený titul profesor.
Ge veľa maľoval portréty. Jeho portréty sa líšia od Kramskoyových diel svojou emocionalitou, niekedy dramatizmom, ako napríklad Herzenov portrét: na tvári modelky je možné čítať horkosť pochybností, trápenie myšlienok, dosahujúce bod bolesti. Portrét historika N.I. Kostomarova je nezvyčajne temperamentný, svieži a voľne napísaný. Ge, rovnako ako Kramskoy, je jedným z organizátorov Partnerstva. Na prvej výstave v roku 1871 ukázal historický obraz „Peter I. vypočúvajúci cára Alexeja Petroviča v Peterhofe“. Umelec sa snažil vyjadriť čo najväčšiu konkrétnosť situácie. Všetky Geove diela z posledných rokov sú preniknuté morálnou a náboženskou myšlienkou reštrukturalizácie sveta. Jedinečným, novým spôsobom rieši aj formálne problémy – hľadanie farby, svetla, textúry. Odvážne porušuje akademické kánony, často využíva fragmentárne kompozície, ostré svetelné a farebné kontrasty, píše emotívne a expresívne. („Kalvária“, „Čo je pravda? Kristus a Pilát“)
Organizátori Kramskoy's Peredvizhniki a Ge vo svojej tvorbe idú inou cestou ako ich súdruhovia v združení, žánroví umelci. Obracajú sa na kresťanské námety, majú inú figuratívnu a obrazovo-plastickú štruktúru, skôr inklinujú k tradíciám umenia prvej polovice 19. storočia: v Ge - k romantickému, v Kramskoy - k racionálno-klasickému .
Vasilij Maksimovič Maksimov(1844-1911) už v prvej viacfigurálnej kompozícii – „Príchod čarodejníka na sedliacku svadbu“ – prichádza k svojej hlavnej téme – k zobrazeniu sedliackeho života, ktorý on sám, rodený sedliacky, dokonale poznal. dobre. Následným maľbám chýba slávnostný pocit. V nich sa v celej ich nahote vynára obraz zbedačeného poreformného Ruska („Rodinné rozdelenie“, „Dochabujúca svokra“, „Všetko je v minulosti“).
The Wanderers of the 70s in frameworkžánru dokázali nastoliť najdôležitejšie a najpálčivejšie problémy verejného života, ako to urobili Grigorij Grigorievič Mjasoedov(1834-1911) vo filme Zemstvo obeduje. Úprimnosť viery ruských roľníkov ukázal Konstantin Apollonovich Savitsky (1844-1905) vo veľkom obraze „Stretnutie ikony“. Majster viacfigurových kompozícií. „Opravné práce na železnici“, „Do vojny“.
Nikolaj Alexandrovič Jarošenko(1846-1898): „Stoker“ a „Väzeň“, z ktorých „Stoker“ je prvým obrazom robotníka v ruskom maliarstve a „Väzeň“ je najdôležitejším obrazom počas rokov búrlivého populistického revolučného hnutia. „Študent“ je typový portrét.
Vladimír Egorovič Makovský- „V čakárni u doktora“, „Návšteva chudobných“, „Čakanie“, „Odsúdený“, „Kolaps banky“, „Rande“, „Na bulvári“. Makovský stihol reagovať na mnohé témy. Jeho obrazy odhaľujú dramatické osudy nielen jednotlivých ľudí, ale celých vrstiev a generácií. Makovský sa nie vždy vyhýbal sentimentálnym a melodramatickým situáciám (napr. jeho „Nepustím ťa!“), no vo svojich najlepších dielach zostal verný pravde života a udivoval úplnosťou obrazového príbehu, úplnosť obrazu, ktorý vyrastal z každodenných každodenných scén, ktoré si všimol jeho bystrý zrak.
20. Každodenný žáner
Žánrové scény v stredovekom umení, špecifické postrehy každodenného života vznikali spravidla s rozvojom sekulárnych humanistických tendencií v rámci dominantného náboženského svetonázoru a boli často votkané do náboženských a alegorických kompozícií. Sú bežné v obrazoch, reliéfoch a miniatúrach - ruských maľbách 17. storočia.
V Rusku rozvoj každodenného žánru v 2. polovici 18. stor. spojený (s výnimkou „domácej scény“ I. Firsova „Mladý maliar“) so záujmom o roľníka; a tu proti idylickosti idealizovaných vidieckych výjavov (I. M. Tankov) stálo láskavé a presné zobrazenie tradičného roľníckeho života na obrazoch M. Šibanova, drsná, nekompromisná pravdivosť zobrazenia sedliackej chudoby v akvareloch I. A. Ermeneva.
V 19. storočí oslovili demokratických umelcov k žánru každodennosti ako k programovému umeniu, ktoré umožňovalo kriticky hodnotiť a odhaľovať spoločenské vzťahy a mravné normy panujúce v meštianskej šľachtickej spoločnosti a ich prejavy v každodennom živote, brániť práva pracujúcich, utláčaných ľudí, divák priamym očitým svedkom spoločenských rozporov, ktoré napĺňali každodenný život a konflikty. V 1. polovici 19. storočia pravdivé, no jednostranné, s poetickou nevinnosťou a dojímavou úprimnosťou stvárnené svetlé, bezoblačné stránky života roľníckych a mestských demokratických vrstiev (A.G. Venetsianov a benátska škola v Rusku). ) zohralo dôležitú úlohu v estetickej afirmácii každodenného života.
V každodennom žánri ruského kritického realizmu satirickú expozíciu poddanstva a sympatií k znevýhodneným dopĺňal hlboký a presný prienik do duchovného sveta postáv, detailné rozprávanie a detailný dramatický vývoj deja a vzťahov postáv. Tieto črty sa jasne objavili v polovici 19. storočia. v obrazoch P. A. Fedotova, plných spaľujúceho výsmechu a bolesti, v kresbách A. A. Agina a ukrajinského umelca T. G. Ševčenka, ktorý spájal priamu a ostrú publicistiku s hlbokým lyrickým prežívaním životných tragédií roľníkov a mestskej chudoby.
Na tomto základe rástla formuje novú etapu, každodenný žáner kočovníkov, ktorý zohral vedúcu úlohu v ich umení, ktoré výlučne plne a presne odzrkadľovalo život ľudu 2. polovice 19. storočia, pričom intenzívne chápalo jeho základné zákonitosti. Podrobný, typizovaný obraz o živote všetkých vrstiev ruskej spoločnosti podali G. G. Mjasoedov, V. M. Maksimov, K. A. Savitskij, V. E. Makovskij a – s osobitnou hĺbkou a rozsahom – I. E. Repin, ktorí ukázali nielen barbarský útlak ľudu, ale aj mocné vitálne sily v ňom ukryté a hrdinstvo bojovníkov za jeho oslobodenie. Takáto šírka úloh pre žánrovú maľbu ju často priblížila k historickej kompozícii. V obrazoch N. A. Yaroshenka, N. A. Kasatkina, S. V. Ivanova, A. E. Arkhipova koncom 19. - začiatkom 20. storočia. odrážal rozpory kapitalizmu, stratifikáciu vidieka, život a boj robotníckej triedy a vidieckej chudoby.
Domáce žáner zo 60. – 70. rokov 19. storočia. bol schválený aj nový typžánrová maľba, v mnohom spojená s impresionizmom a vo Francúzsku ju rozvinuli E. Manet, E. Degas, O. Renoir, A. Toulouse-Lautrec. Do popredia sa dostáva krása každodennosti pretvorená umením, výraznosť zdanlivo náhodného, fragmentárneho, nečakaného aspektu života, okamžite zachytené situácie, premenlivé nálady a stavy, akútna špecifickosť vzhľadu a zaužívaných pohybov postáv, a záujem o ľudí, ktorí stoja mimo spoločenských noriem. Množstvo štýlových čŕt tohto druhu žánrovej maľby si v mnohých krajinách osvojili majstri každodenného žánru, ktorí sa snažili spojiť šírku vnímania ľudového života so sviežosťou a nečakanými aspektmi (V. A. Serov, F. A. Malyavin, K. F. Yuon v Rusku ).
V sovietskom umení nadobudol každodenný žáner nové črty, podmienené formovaním a rozvojom socialistickej spoločnosti - historickým optimizmom, potvrdením nezištnej slobodnej práce a nového spôsobu života, založeného na jednote sociálnych a osobných princípov. Už od prvých rokov sovietskej moci sa umelci (B. M. Kustodiev, I. A. Vladimirov) snažili zachytiť zmeny, ktoré do života krajiny priniesla revolúcia. V tvorbe A. A. Deineka a Yu.I. Pimenova, ktorí boli súčasťou združenia OST, sa začala určovať charakteristická a neskôr pre nich veselá, energická štruktúra obrazov venovaných stavebníctvu, priemyselnej práci a športu. Hľadanie majstrov AHRR a OST organicky vstúpilo do radostného, život potvrdzujúceho umenia 30. rokov 20. storočia. Maliari S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, T. G. Gaponenko, V. G. Odintsov, F. G. Kričevskij, sochár I. M. Čajkov zachytili svetlé, farebné stránky mestského a kolektívneho farmárskeho života.
V sovietskom každodennom žánri. Odzrkadlil sa aj ťažký frontový a zadný život vojnových rokov so svojimi strasťami a radosťami (obrazy Ju. M. Neprintseva, B. M. Nemenského, A. I. Laktionova, V. N. Kostetského; grafiky A. F. Pakhomova, L. V. . Soyfertisa) a duchovné. ašpirácia, nadšenie pre kolektívnu prácu a spoločenský život, typické znaky každodenného života v povojnových rokoch (obrazy T. N. Yablonskaya, S. A. Čujkov, F. P. Rešetnikov, S. A. Grigoriev, U. M. Japaridze, E. F. Kalnynya, rytiny L. A. Ilyina) . Od 2. polovice 50. rokov 20. storočia. Sovietski majstri. B.f. Usilujú sa rozšíriť okruh pozorovaní moderného života, ukázať odvahu a vôľu sovietskeho ľudu, ktorý je silnejší v tvorivej práci, pri prekonávaní ťažkostí. Na obrazoch G. M. Korževa, V. I. Ivanova, E. E. Moiseenka, Yu. P. Kugacha, T. T. Salachova, G. S. Khandžjana, E. K. Iltnera, I. A. Zarina, I. N. Klyčeva, V. každodenný život V. V. To. ľudí sa javí ako bohaté a zložité, plné skvelých myšlienok a skúseností.
