Najznámejšie obrazy Clauda Moneta. Krásne a slávne obrazy od Clauda Moneta

Umenie a dizajn

15151

23.01.15 11:24

Prísny otec (nie nadarmo viedol odbor francúzskeho ministerstva spravodlivosti) Auguste Manet zakázal svojmu synovi maľovať - ​​chcel, aby jeho syn pokračoval v práci a stal sa právnikom. Ale na rozdiel od želania rodinného despotu sa Edward stal slávnym umelcom, jedným z najjasnejších predstaviteľov impresionizmu. Najznámejšie obrazy od Maneta zdobia Louvre, berlínske múzeá a ďalšie slávne zbierky obrazov.

Zátišia majstra

V Louvri sa nachádza jedno z týchto majstrovských diel s jednoduchým názvom „Biele pivonky“. Už v tomto diele je zrejmý charakteristický francúzsky štýl - široké ťahy, zdržanlivá paleta. Pár sviežich kvetov na tmavom pozadí – a nič viac, ale aké živé!

Na začiatku svojej kariéry, po ceste do Brazílie, ktorá obohatila vnútorný svet budúceho génia štetca, Edouard Manet maľoval najmä krajiny a zátišia. Na sklonku života sa k nim vrátil. „Zátišie s lososom“ sa datuje do roku 1969. Maliar bol známym gurmánom – ako mnohí jeho krajania. Pri pohľade na takéto diela sa vám zbiehajú ústa!

Tieto lákavé ženské obrázky

Majstra prilákala nielen „mŕtva príroda“, ale aj portréty. Jedným z nich je „Madame Manet na modrej pohovke“. Holanďanka Suzanne Leenhofová bola učiteľkou hudby umelcových mladších bratov. Hovorí sa, že o dievča sa začala zaujímať hlava rodiny Auguste. Do Suzanne bol blázon aj samotný Edward, ich románik trval takmer desaťročie. Po smrti otca Manea sa mohol oženiť so svojou vyvolenou. Je matkou jeho syna Leona a jeho obľúbenej modelky.

„Lola z Valencie“ je ďalším z najslávnejších Manetových obrazov. Hrbatú Španielku zobrazuje Manet na pozadí krídel. Tu veľmi starostlivo vypisuje všetky detaily – ako vzhľad pózujúcej ženy, tak aj jej zložitý outfit. Každý záhyb oblečenia, vzorovaná krivka a lesk šperkov – všetko hrá na tomto portréte svoju osobitnú úlohu.

Úplne inú náladu vyjadruje obraz obliekajúcej sa polosvetovej dámy - „Nana“. Ráno predstaviteľky najstaršej profesie začína obvyklou toaletou, stále je v negližé (v korzete a košeli). Hlučný večer je ešte ďaleko a na diablovej tvári blúdi neurčitý úsmev. Umelcovi zapózovala istá Henrieta preslávená svojimi milostnými aférami.

Obľúbené miesta v Paríži

Doterajšie umelecké preferencie Parížana postupne nahradili žánrové scény. Inšpiráciu čerpal na rôznych miestach svojho milovaného mesta. Jedným z týchto miest bola Tuilerijská záhrada, kde sa bohémovia radi prechádzali v nedeľu. Obraz „Hudba v Tuilerijskej záhrade“ zobrazuje veľa postáv, ale tváre sú rozmazané - na toto plátno sa musíte pozerať z pomerne veľkej vzdialenosti, inak uvidíte iba rozmazané škvrny.

Keď počujete slová „železnica“, pravdepodobne si predstavíte mohutnú parnú lokomotívu alebo rýchly moderný vlak rútiaci sa po koľajniciach do diaľky. Ale Edouard Manet nie je taký jednoduchý! Majstrovské obrazy sú niekedy veľmi konvenčné. Tu, v slávnom diele Francúza „Železnica“, sa dá oceľová hlavná línia len uhádnuť - tam, za ťažkým liatinovým roštom, na ktorý sa drží dieťa. A jej matka (alebo guvernantka?) sedí vedľa nej, v rukách drží knihu a psa.

Medzi kvetmi a pri prestretom stole

Zdá sa, že aj iné žánrové scény boli zachytené ostrou kamerou - tu je pár, ktorý si užíva vôňu kvitnúcich rastlín („V skleníku“).

A tu je ďalší pár - pri prestretom stole sa pokojne rozprávajú a v pozadí na týchto dvoch hľadí čašník, ktorý niekomu prináša objednávku. Obraz sa volá „V krčme otca Lathuillea“.

Manetove majstrovské diela - obrazy, ktoré vyvolali kontroverziu

Rovnaký kvíz Meurant (žena z obrazu „Železnica“), úplne nahá, sa objaví pred divákom neslávne známeho „Obeda v tráve“. Autorovi vyčítali dekadenciu a nehanebnosť. Zaujímalo by ma, čo si umelec myslel, keď zobrazil nahú dámu, ktorá sa na vás pozerá priamo, v spoločnosti mužov (ktorí sú na rozdiel od jej spoločníka oblečení)? Mimochodom, maliarkin brat a budúci švagor pózovali pre príbuzného.

Olympia svojho času (1863) vyvolala ešte väčšie kontroverzie. Francúz ho namaľoval pre Parížsky salón, kde bol obraz verejnosťou vypískaný. Akoby sa Manet stal prvým autorom, ktorý odhalil ženské telo! Renesancia je známa svojimi majstrovskými dielami v nahom štýle, ale čo Rembrandtova „Danae“?... Teraz je toto majstrovské dielo uložené v zbierke múzea Orsay v Paríži.

Maestrova labutia pieseň

Pred svojou predčasnou smrťou maestro vytvoril svoj posledný obraz - „Bar at the Folies Bergere“. Stala sa výstavou na ďalšom parížskom salóne (1882). Dejiskom filmu je bar nachádzajúci sa na prízemí obľúbenej metropolitnej varieté. Práve tam začal maliar pracovať na svojom výtvore. Ústrednou postavou je barmanka za pultom, ktorá s túžbou v očiach hľadí na diváka a v pozadí sa raduje pestré publikum. Majstrovi sa podarilo sprostredkovať túto „osamelosť v dave“ jednoducho brilantne! V posledný aprílový deň roku 1883 zomrel Edouard Manet, ale jeho obrazy sú nesmrteľné.

Veľmi často je tento umelec zamieňaný so svojím kolegom Edouardom Manetom. Obaja sú umelci, no veľmi odlišných štýlov... Hoci sa miestami na plátnach dokonca zhodujú, predsa len sú iní. A ich spôsoby naštartovania vývoja sú rôzne. Ale stále o Claudovi Monetovi. Tento umelec začínal s karikatúrou. Áno, z azda najjednoduchšieho a najťažšieho žánru maľby. Jeho karikatúry sa objavovali zo školských čias, keď nechcel študovať a stále viac kreslil. Kreslil som spolužiakov, učiteľov, susedov. Monet nenaplnil očakávania svojich rodičov, nepokračoval v práci svojho otca, no vďaka svojim karikatúram sa preslávil v celom meste Le Havre, kde žil. Navyše na prekvapenie svojich rodičov na tom začal zarábať a predával svoje diela tým, ktorých líčil, za dvadsať frankov. Kreslených filmov bolo toľko, že v miestnom obchode boli vystavené v niekoľkých radoch vo výklade. Tam sa v tejto vitríne predávali obrazy iného umelca Eugena Boudina. Naopak, diela tohto umelca neboli docenené a boli dokonca považované za vulgárne, hoci išlo len o miestne krajinky. A mladého Moneta rozhorčilo, že Boudinove diela zaberali veľa miesta a viac svojich vlastných nemohol zobraziť. Majiteľ obchodu sa ich mnohokrát snažil predstaviť, ale stále to nevyšlo. Jedného dňa sa to však stalo a od tej doby sa verí, že Monet sa začal meniť z karikaturistu na maliara.

Bol to Boudin, ktorý sa stal Monetovým prvým učiteľom. Bol to on, kto mu dal prvé maliarske schopnosti. Naučil ma kresliť nielen karikatúry, ale aj jednoducho zobrazovať krajinu, zátišia a portréty. A objavil iný svet maľby, vnútorný, ktorý nie je viditeľný pre každého.

Nejako potom začalo takmer všetko úspešne fungovať. Bol to Boudin, kto trval na tom, aby ten chlap navštívil Paríž a pokúsil sa zistiť o prijatí na Akadémiu umení. Monetovi rodičia neboli ani proti, ani za... váhali, no napriek tomu dovolili svojmu synovi, aby sa jednoducho vydal na prieskum... A Claude Monet skončil v Paríži. A okamžite navštívil výstavu umelcov a potom sám ukázal svoje diela. Boli chválené, no stále upozorňovali na niektoré nedostatky. Monet sa rozhodne zostať v Paríži, kým to vydrží. Rodičia prestali pomáhať, pretože ich syn nemal v úmysle študovať. Je dobré, že tam bola teta, ktorá mu dodávala peniaze a potom mu vlastne zachránila život tým, že ho vyplatila z armády, kde sa mu podarilo chytiť „módnu“ chorobu - brušný týfus. Potom sa pokúsil vstúpiť na Univerzitu na Filozofickú fakultu, no tam sa nudil a odišiel. A skončí v Gleyerovom ateliéri. Tam stretáva Basila, Sisleyho a Renoira. Práve títo umelci sa neskôr stali oporou impresionistickej skupiny a umeleckého hnutia vôbec – impresionizmu, ktorého meno tomuto hnutiu dal Claude Monet. A všetko to začalo jeho plátnom – „Dojem. Vychádzajúce slnko". Toto je začiatok niečoho, čo mnohých stále udivuje a zároveň vyvoláva pomerne veľa kontroverzií. Až teraz, myslite na to.

Ďalej Moneta nezlomili osobné straty. Stratil svoju prvú manželku a potom, čo sa oženil druhýkrát, stratil aj túto. Najničivejšia vec je strata syna. A potom sám ťažko ochorel a táto choroba mu hrozila, že prestane maľovať. Ochorenie, ktoré mu stálo v ceste, bol dvojitý šedý zákal, no po dvoch operáciách svoj talent nevzdal a tvoril ďalej. A potom sa stalo neočakávané: v dôsledku operácií a zmien na oku začal vidieť niektoré farby v ultrafialovom svetle. A preto videl niektoré farby úplne inak. Monet až do posledného dňa nespustil štetec, maľoval plátna a naďalej prekvapoval svojich fanúšikov svojim talentom.

Alexej Vasin

Tvorba

Prudký rozvoj európskeho maliarstva na konci 19. storočia vyvolal mimovoľnú krízu žánru. Napriek tomu, že Európa tých rokov dala svetu veľa talentovaných umelcov, spoločnosť sa cítila unavená zo sociálnych tém, ktoré sa v maľbe stali príliš bežnými. Nespokojní sú aj samotní umelci.

Claude Monet, považovaný za zakladateľa francúzskeho impresionizmu, na začiatku svojej kariéry čelil odmietnutiu hnutia, ktoré inicioval, a nadšenému nadšeniu preň. Všetko sa to začalo po návrate z Londýna, umelec vytvoril za jeden večer krajinu, ktorá znázorňovala zapadajúce slnko osvetľujúce more červenými lúčmi. Monet obraz jednoducho nazval „Východ slnka. Dojem“.

Tým chcel zdôrazniť, že sa nesnažil presne načrtnúť prírodu, ale sprostredkovať len dojem z toho, čo zažil pri pohľade na východ slnka. Obraz vyvolal nečakanú senzáciu. Niektorí kritici boli nespokojní s takým ľahkomyseľným prístupom k maľbe, iní boli potešení, keď objavili nový spôsob sprostredkovania reality.

Impresionizmus (z francúzskeho „impression“) sa vyznačuje jemným prístupom k zobrazovaniu reality. Načrtnutý je len prvý dojem, dynamické ťahy sprostredkúvajú pohyb textúry oblečenia, vlasov, stromov, vody a dokonca aj vzduchu. Impresionistické obrazy sú vzdušné, pohyblivé, plné čistých farieb a jemných poltónov.

Tomuto štýlu plne zodpovedali Monetove obrazy. Na začiatku 20. storočia umelec vytvoril množstvo krajinomalieb, ktoré ho preslávili na dlhé desaťročia. Medzi takéto obrazy patria „Vodné ľalie“, „Mannaport“, „Vodné ľalie“, „Pole maku v Argenteuil“. Všetky tieto obrazy sú maľované ľahkými ťahmi, ktoré sprostredkúvajú dych a tkanivo živej a neživej hmoty. Spoločnosť, unavená vážnymi témami, reagovala s vďačnosťou a potešením na jednoduché námety na Monetových obrazoch.

Umelec sa sústreďuje na sprostredkovanie nálady toho istého miesta v rôznych obdobiach roka a dňa. Potom sa zrodila slávna séria obrazov „Haystack“. Monet opakovane opisuje tú istú tému a nachádza nové uhly pohľadu, nové riešenia pri sprostredkovaní reality.

Umelec má špeciálne vnímanie a štýl sprostredkovania bielej farby. Zdá sa, že na jeho obrazoch nie je čisto biela farba. Namiesto toho biele lekná, biela pena na vlnách a oblaky majú modrasté, modrasté a fialové odtiene. Monet sa podobne ako iní impresionisti na svojich obrazoch vyhýbal čiernej farbe. Namiesto toho použili fialové farby.

Mnohé Monetove obrazy sa vyznačujú romantickým a vzdušným vnímaním mestskej krajiny. Umelcov obraz „Parlament Buildings at Sunset“ je jedným z najdrahších obrazov na svete. Monetovi sa podarilo zachytiť tamojší londýnsky parlament, zahalený v povestnej hmle a oblakoch.

Obrazy Clauda Moneta sú akýmsi meradlom umeleckej hodnoty impresionizmu. Jeho plátna zdobia najväčšie svetové múzeá vrátane Petrohradskej Ermitáže či Puškinovho múzea v Moskve.

Igor Chergeiko

impresionizmus

Princíp optického miešania farieb, vychádzajúci z prírodných javov skutočne videných a vnímaných umelcom, používali majstri impresionizmu s veľkou umeleckou slobodou. Špeciálna expresivita textúry ich obrazov nie je samoúčelná, ale nevyhnutný spôsob vyjadrenia týchto tvorivých túžob. Impresionisti „sa snažili zanechať v maľbe stopy toho, ako to bolo vyrobené. Potrebovali, aby divák nezabudol, že stojí na hranici medzi zrkadlovou ilúziou a plátnom postriekaným farbami,“ píše M. V. Alpatov. „Až potom sa pred jeho očami odohrá „zázrak umenia“.

Zvláštny dojem nedokončenosti impresionistických malieb, ktorý súčasného diváka tak zmiatol, je dôsledkom ich túžby zachytiť dočasnosť, pohyblivosť a „nestálosť“ viditeľného sveta. Neskoršie diela neoimpresionistov (presnejšie divizionistov) s ich racionálnou teóriou farebnej separácie a neutralizácie umelcovho rukopisu boli do značnej miery zbavené takejto slobody a umenia. Túžba impresionistov „maľovať farbou“ a takmer úplné vymiznutie čiary (kresby) v niektorých dielach veľmi sťažujú a niekedy znemožňujú čiernobiele reprodukovanie ich malieb.

Impresionisti boli zásadnými odporcami akéhokoľvek teoretizovania. Podľa Monetovej definície je umenie „slobodným a citovým výkladom prírody... teórie nemôžu vytvárať obrazy“. Takzvaná teória impresionizmu vznikla neskôr; bola založená na umeleckých objavoch majstrov tohto hnutia, na ich schopnosti vidieť svet priamo, intuitívne, na figuratívnom, nekonceptuálnom myslení, ktoré je impresionizmu vlastné. Absolútna dôvera impresionistov vo svoje vizuálne vnímanie, ich túžba maľovať „iba to, čo vidia a ako vidia“20, dala vzniknúť novej hodnotovej konvencii v umení. A tu je vhodné pripomenúť slová Charlesa Baudelaira, ktoré vyslovil v roku 1859 na prahu nastupujúceho impresionizmu: „Niekedy sa ukáže, že očividne konvenčné sú nekonečne bližšie k pravde a väčšina našich krajinárov klame presne. pretože sa snažia byť príliš pravdiví."

Ako sa však impresionizmus vyvíjal, už od konca 70. rokov 19. storočia, to „zámerne konvenčné“ v ňom čoraz viac začalo inklinovať k dekorativizmu: dôsledné oslabovanie plastických aspektov v maľbe (priestor a objem), vytvorenie rovnej obrazovej plochy, nahradenie prirodzeného farebného videnia s konvenčnými tonálnymi efektmi, „filtrovanie“ farebnej rozmanitosti zobrazovaného sveta, rozdelenie kompozície podľa princípu porovnávania farebných zón – vlastnosti, ktoré spájajú impresionizmus s niektorými trendmi v umení prelomu storočia. Dekoratívnosť sa však nikdy nestala hlavným princípom impresionistického štýlu, dokonca ani v neskorom období Monetovej tvorby: miestna „planárna“ farebnosť a lineárnosť sú cudzie samotnej poetike impresionizmu.

Ako už bolo spomenuté, impresionizmus nevznikol náhle. Mnohé z jeho objavov pripravilo umenie 19. storočia, akoby sa vznášali vo vzduchu. Spomeňme si aspoň na úžasné slová, ktoré O. Balzac vložil do úst starého umelca z príbehu „Neznáme majstrovské dielo“: „Prísne povedané, kresba neexistuje! Nesmej sa, mladý muž... Čiara je spôsob, akým si človek uvedomuje vplyv osvetlenia na vzhľad predmetu. Ale v prírode, kde je všetko konvexné, neexistujú žiadne čiary: iba modelovanie vytvára kresbu, teda zvýraznenie objektu v prostredí, kde existuje. Len distribúcia svetla dáva telám viditeľnosť!... Nepracuje takto slnko, božský maliar sveta? Ach príroda, príroda! Komu sa kedy podarilo chytiť tvoju nepolapiteľnú formu? Balzac vytvoril príbeh v roku 1830; Zároveň v dynamickej, farebnej maľbe E. Delacroixa, v romantických obrazoch J. M. W. Turnera, v krajinách R. P. Boningtona a J. Constabla s ich neustále sa meniacou oblohou, čo si neskôr osvojil nastupujúci impresionizmus. K bezprostredným predchodcom Moneta, C. Pissarra a A. Sisleyho patria C. Corot, krajinári barbizonskej školy (najmä najpoetickejšia z nich C. Daubigny), ako aj budúci Monetovi učitelia E. Boudin a I. B. Yonkind.

A predsa bol impresionizmus zásadne novým slovom v európskom umení. Teraz, pri pohľade z veľkej diaľky, sama nadobudla charakter „klasickej“ éry francúzskej maľby. Nesmieme však stratiť zo zreteľa, že impresionizmus v maliarstve prešiel pomerne zložitým vývojom: postupne sa kryštalizovalo nové umelecké videnie sveta, jednotlivé (vyššie uvedené) črty poetiky impresionizmu mali relatívne väčšiu či menšiu mieru význam v rôznych časoch a medzi rôznymi majstrami. Dejiny obrazového impresionizmu možno tradične rozdeliť na obdobia príprav (dozrievania novej metódy) – 60. roky 19. storočia, rozkvet a zápas o nové umenie – 70. roky 19. storočia, počnúc 80. rokmi 19. storočia, roky krízy a tvorivých rozdielov ( posledná, 8. výstava impresionistov 1886 sa zhodovala s kolapsom skupiny) a neskoro - od 90. rokov 19. storočia až do konca života Degasa, Renoira, Moneta.

V žiadnom z týchto období jeho vývoja nebol impresionizmus absolútne dominantným smerom vo francúzskom umení. Zároveň J. O. D. Ingres, C. Corot, G. Courbet, J. F. Millet - predstavitelia staršej generácie - pokračovali v práci s mladými umelcami; dejiny impresionizmu chronologicky zahŕňajú celé dejiny takzvaného postimpresionizmu (Van Gogh, Cezanne, Gauguin, aj Seurat, Signac, Toulouse-Lautrec). Takmer súčasne s impresionizmom sa v umení zrodila symbolika, za života najstarších impresionistov, fauvistov a zrod kubizmu. Preto sú dnes niektoré aspekty impresionizmu oveľa jasnejšie vnímané v zrkadle súčasných a neskorších pohybov v umení: vplyvu impresionizmu neunikol takmer žiadny z významných francúzskych umelcov konca 19. storočia. Títo umelci tvorivo prehodnotili lekcie impresionizmu a zásadne z nich mnohé odmietli a zašli ešte ďalej a položili základ pre umenie nášho storočia.

V tejto „dvojitej perspektíve“ impresionizmu má Claude Monet veľmi prominentné, ale nie exkluzívne miesto v samotnom hnutí. Keďže bol predovšetkým krajinárom, snažil sa obnoviť stratené predstavy o jednote sveta, kde je človek nerozlučne spätý s prírodou a životným prostredím. Monet objavil a takmer úplne vyčerpal niektoré zvláštne kvality impresionistického vnímania prírody, prvky svetla a vzduchu, inými slovami plenérovú stránku impresionizmu, a nechal iných majstrov rozvíjať iné aspekty impresionistickej poetiky.

Monet sa stal uznávaným vodcom impresionistov vďaka výnimočným vlastnostiam svojej povahy: silný, energický a cieľavedomý, ocitol sa v centre boja za nové umenie, aktívne sa podieľal na organizovaní väčšiny výstav umelcov tohto druhu. hnutia a viedol boj o posmrtné uznanie diela Edouarda Maneta. Monet vždy pochyboval o svojich schopnostiach a vždy hľadal, no vždy vedel, ako rozveseliť svojich priateľov a vštepiť im vieru v ich schopnosti. Dokonca aj pre nedôverčivého, uzavretého Cézanna, ktorý sa vo svojej neskorej tvorbe tak vzdialil od všetkých ostatných, zostal Monet jedinou autoritou, ktorej názor vždy počúval.

Svetlana Murina

Paradox Monetovej tvorby

V dvoch krajinách namaľovaných v Paríži v deň štátneho sviatku 30. júna 1878 nám Monet akoby obnažoval samotný proces tvorby obrazu. Horúčkovito sa ponáhľa, aby zachytil pohľad, ktorý sa náhodou otvorí z okna - more trikolórových vlajok vlajúcich vo vetre, slávnostný jasot davu.

Sotva načrtnuté vertikálne línie domov pripomínajú obrysy ulice tiahnucej sa do diaľky, kresba je celá rozpustená vo víre sýtych ťahov červenej, modrej a bielej. Monetov temperamentný rukopis v týchto dielach anticipuje neskorého Van Gogha, ale aké odlišné je toto umelcove vzrušenie, zachytené krásou motívu, od vnútorného nepokoja, ktorý sa číta v dielach holandského majstra! Opäť ako v krajine „Dojem. Východ slnka,“ môžeme konštatovať paradox Monetovej tvorby: čím väčšia je spontánnosť vnímania, dôvera umelca svojmu oku a prvému vnemu, čím je ďalej od objektívneho vnímania reality, tým je subjekt jeho obrazu viac deformovaný.

Ak by fotograf zachytil pohľad na ulicu Saint-Denis v ten istý deň, všetko roztrhané, roztrieštené, v procese stávania sa, čo je na Monetovom obraze také nápadné, by vyzeralo zastavené, usporiadané a pravdepodobne ešte viac. prozaický. Monet najmenej zo všetkých dosahuje ilúziu reality: rozkladom vizuálneho obrazu na jednotlivé farebné prvky, emancipáciou farby oddelenej od predmetov, dematerializáciou hmotného sveta vedie diváka k syntéze, celostnému vnímaniu toho, čo je zobrazené. Táto „sugestívna premena“ obrazu vyžaduje od dnešného diváka, zvyknutého na mnohé extrémy moderného výtvarného umenia, pri oboznamovaní sa s Monetovými maľbami zvláštne napätie.

Na jeseň roku 1878 si Monet prenajal dom v malom mestečku Vétheuil neďaleko hlavného mesta. Spolu s ním, jeho ťažko chorou manželkou a dvoma deťmi sa tu usadila rodina skrachovaného bankára a zberateľa Hoschedeho. Camille Monet zomrel v septembri 1879; naposledy si umelkyňa namaľuje tvár, no tentoraz sa Camillin vzhľad umelcovi vyhýba, je ponorený do nepokojného mora pretínajúcich sa ťahov vyblednutých odtieňov fialovej, modrej, žltej. Ich svetelná sieť je ako tajomný obal oddeľujúci život od smrti. Oveľa neskôr Monet povedal Georgesovi Clemenceauovi: „Raz, keď som stál na čele zosnulej ženy, ktorá mi bola vždy veľmi drahá, som sa pristihl, ako sa pozerám na jej tragické čelo a mechanicky hľadám stopy neustále rastúcej degradácie farby. spôsobil v tejto nehybnej tvári. Odtiene modrej, žltej, šedej - ako môžem vedieť, čo sú zač! To je to, k čomu som dospel... Takto pod vplyvom nášho prirodzeného automatizmu najskôr reagujeme na vplyv farby a potom nás naše reflexy, bez ohľadu na našu vôľu, opäť zahrnú do nevedomého procesu monotónne plynúci život. Ako šelma, ktorá obracia mlynský kameň."

Toto rozpoznanie nám umožňuje vidieť skrytú drámu Monetovho diela. Umelcovi bola často a nespravodlivo vyčítaná nezaujatosť, absolútna prevaha optického vnímania nad citovým. Pritom samotná estetizácia obrazu, v tomto prípade obrazu smrti, je aktom vôle, ktorý premieňa prvotný hybný impulz na umelecký zážitok. Pocit je základom Monetovej práce nie menej ako vizuálny dojem; aj v pokojnej kontemplácii neskorého cyklu „lekná“ (o ktorom sa hovorí nižšie) zaznievajú tóny skutočnej elegickej poézie. Jasná a optimistická nálada väčšiny Monetových diel je tá stránka, ktorá je adresovaná divákovi, ako aj zdržanlivé, pokojné spôsoby umelca, ktoré vždy priťahovali sympatie jeho súčasníkov. Pre impresionistických umelcov (predovšetkým Moneta a Renoira) predstavuje takáto vnútorná disonancia medzi životom a tvorivosťou najvnútornejšiu podstatu ich umenia, ktorú treba mať stále na pamäti: bez toho sa hodnotenie diela majstrov impresionizmu stáva jedným. jednostranné a zjednodušené.

Monetove bolestné zážitky, ktoré zatemnili prvý rok jeho pobytu vo Vétheuil, boli vyjadrené s nečakanou silou v ponurých a melancholických zimných krajinách tejto doby („Snow Effect at Vétheuil“, 1878, Louvre, Paríž; „Entering Vétheuil“, 1879 , Art Museum, Göteborg ) so svojimi pocitmi osamelosti a otupenia. Monetova finančná situácia sa skomplikovala najmä po smrti Camille, keď mal v rukách veľkú rodinu – jeho dvoch malých synov vychovávali spolu s piatimi deťmi Alice Hoschede, ktorá sa stala ich druhou matkou (Monetovo manželstvo s Alicou bolo formalizované až v roku 1892). Až po usporiadaní malej osobnej výstavy v roku 1880 v priestoroch redakcie časopisu La Vie Moderne získal Monet s podporou Durand-Ruela a vydavateľa Charpentiera dôveru vo svoje finančné záležitosti. Odteraz bol oslobodený od starostí s predajom svojich diel a mohol sa naplno venovať kreativite.

Od začiatku 80. rokov 19. storočia sa Monetov maliarsky štýl postupne menil. Stále častejšie pracuje v ateliéri; v jeho obrazoch sa občas objavuje „madeness“, čo možno považovať za kompromis medzi prácou podľa prvého dojmu a reflexným vedomím umelca pracujúceho naspamäť. Príkladom tohto prístupu k tvorbe krajiny je veľký obraz „Lavacourt“ (1880, Museum of Fine Arts, Dallas), určený pre Salón. Napriek tomu, že táto krajina bola na výstave mimoriadne zle umiestnená (vo výške takmer šesť metrov od podlahy, v tesnej blízkosti iných diel – takéto absurdné vešanie obrazov sa v Salónoch vždy praktizovalo), zaznamenali kritikov. Jeden z nich (Chenneviere) dokonca napísal, že „svetlá a jasná atmosféra spôsobila, že všetky ostatné susedné krajiny v tejto galérii salónu vyzerali čierne“. V tom čase však impresionizmus už získal pevné miesto - aspoň v mysliach kritikov.

Aj taký zásadný „podvracač“ Moneta, akým je slávny symbolistický spisovateľ J.C. Huysmans, po siedmej výstave impresionistov (1882) zmenil svoj postoj k umelcovi: „Aká pravdivá je pena na vlnách zachytená lúčom svetla , rieky trblietajúce sa v tisíckach odtieňov predmetov, ktoré odrážajú; chladný dych mora na jeho plátnach pripomína trepotanie lístia, ľahké šumenie trávy... práve jemu a jeho kolegom impresionistom, majstrom krajiny, by sme mali byť vďační za oživenie maliarskeho umenia. Z ťažkého zápasu napokon vyšli víťazne páni Pissarro a Monet. Dá sa povedať, že komplexný problém svetla je vyriešený na ich plátnach...“

Huysmansovu charakteristiku možno pripísať tej etape Monetovej tvorby, ktorú samotný umelec považoval za prekonanú. Hľadanie nových tém a obrazov ho privádza k vytvoreniu celého radu zátiší, realizovaných začiatkom 80. rokov 19. storočia; ako krajina, aj tento žáner bol Monetovou obľúbenou oblasťou kreativity. „Torty“ (1882, súkromná zbierka, Paríž) sú príkladom typicky impresionistickej kompozície, kde spojenie predmetov a dokonca aj ich umiestnenie pôsobí náhodne (niektoré sú odrezané okrajom rámu). Pri pohľade z blízka je tento fragment neživej prírody vnímaný ako krajina s nedefinovanou (a teda nekonečnou) hĺbkou, kde biely obrus so studenými modrými odleskami pôsobí ako zasnežený priestor. Najlepšie zátišia tejto doby sú obrazy kvetov a ovocia. Ich dekoratívna lineárnosť, vpísaná do úzkeho vertikálneho formátu („Dahlias“ a „White Poppy“, 1883, súkromné ​​zbierky), predvída zrod secesného štýlu vo francúzskom umení.

V 80. rokoch 19. storočia sa Monet často obracal na „čistý“ portrét – zvyčajne k obrázku busty na neutrálnom pozadí. Monet nebol majstrom psychologického portrétovania v zmysle slova, ktoré sa vzťahuje na E. Maneta alebo E. Degasa. Presnejšie by bolo povedať, že sa nikdy nesnažil prekročiť hranicu, ktorá by viedla k prieniku do vnútorného sveta iného človeka. Monetove portréty sa vyznačujú predovšetkým vlastnou vnútornou izoláciou a citovou zdržanlivosťou; obdarúva portrétovaných vlastnou náladou, a to im dodáva nádych chladnej odľahlosti. Modely Monetových portrétov sú nevyhnutne pohltené sebou samým, sú neaktívne (napriek živosti umelcovho štetca), odpojené od prostredia a pôsobia ako v nepodstatnom svete. Skvelým príkladom takejto sebacharakterizácie je „Autoportrét s baretkou“ (1886, súkromná zbierka, Paríž).

Claude Monet – národná hrdosť Francúzska, sa narodil v Paríži v roku 1840, 14. novembra. Umelec zomrel na svojom panstve, dedine Giverny, v roku 1926 (5. decembra). Jeden zo zakladateľov nového smeru v maľbe – impresionizmu, ovplyvnil vývoj umelcov po celom svete. Niektoré Monetove obrazy si popíšeme v tomto článku.

Etapy tvorivosti

V Paríži umelec vstupuje na Imperial School of Fine Arts, ale rýchlo ju opúšťa, pretože tam vládne rutina. Monetove obrazy sú prirodzené a zobrazujú hru svetla. V rokoch 1865 - 1870 maľoval plátna „Žena v zelených šatách“, „Ženy v záhrade“, „Raňajky v tráve“, „Prístav Trouville“. Ale tieto obrazy od Moneta nie sú úspešné na výstavách a predávajú sa zle.

„Dojem. Svitanie"

V roku 1872 umelec vytvoril ikonický obraz, ktorý sa dnes nachádza v Marmontant-Mont v Paríži. Bol napísaný v prístave Le Havre a dal názov hnutiu lʹimpresionizmus, ktorý neskôr prijali kritici aj verejnosť. Medzitým sú Monetove obrazy kritikmi zosmiešňované. Verejnosť ich ochotne nakupuje za veľmi nízke ceny.

Popis obrazu od Moneta

Fotografiu umelcovej maľby je možné podrobne preskúmať v tomto článku. Celé plátno pokrýva sivomodrá hmla. V popredí sú stále celkom jasne viditeľné siluety rybárskych člnov a v pozadí sú sotva viditeľné žeriavy na móle, plachetnice a dym vychádzajúci z komínov. More a obloha sú vyrobené v modrozelených, jemných farbách. Neexistuje žiadny kontrastný prechod medzi líniou horizontu a morom. Z hmly sa vynára malý oranžový kotúč slnka. Jeho svetlo sa odráža na oblakoch a vedie pozdĺž vody ako cesta.

1877, séria obrazov stanice Saint-Lazare

Umelec namaľoval 12 obrazov z tejto série v rôznych poveternostných podmienkach a z rôznych uhlov pohľadu. V tom čase Claude Monet, neúnavne a tvrdo, vytváral nové plátna. Obrazy s názvami: „Jean Monet na koni“, „Most v Argenteuil“, „Prechádzka“. Následne budú „Hacks“ a „Lekná“ napísané v sérii.

"Gare Saint-Lazare" (1877)

Toto je tretí obrázok zo série. Nachádza sa v Inštitúte umenia v Chicagu. Na vymaľovanie celej série si umelec zriadil dielňu priamo na stanici. Monet bol inšpirovaný tým, že bol svedkom priemyselnej revolúcie. Zaujala ho ako samotná budova pozostávajúca z kovových konštrukcií a skla, tak aj lokomotívy vypúšťajúce paru a cestujúci, ktorí sa k nim rútili. Modro-zelenkastá farba naznačuje, že obloha je zatiahnutá a slnečné lúče nevidno. Mohutné obrysy parnej lokomotívy stojacej v diaľke, pripravenej na odchod, dokonale vyjadrujú ducha modernosti.

Vášeň pre japonské umenie

Výtlačky privezené z Japonska sa začali šíriť po celom Paríži. Ich nezvyčajná technika, Hokusaiove kompozičné riešenia v sérii „Pohľady na horu Fuji“ zanechali svoju stopu v Monetovej sérii „Stacks“. Tieto Monetove obrazy rôzne umiestnených kôp sena, osvetlené ráno, popoludní a večer, jasne sledujú obrysy hory Fudži. Z trochu inej perspektívy sa o toto umenie začala zaujímať umelcova manželka Camilla.

Portrét Madame Monet

Claude Monet maľoval výlučne v plenéri. Toto je jeden z mála kúskov vytvorených v interiéri na dekoratívne a komerčné účely (na predaj). Pozornosť sa sústreďuje na ženu s blond parochňou a šarlátovým kimonom, ktoré púta pozornosť nielen žiarivou farbou, ale aj zlatým vyšívaným dizajnom. Obzvlášť dobrý je starostlivo zobrazený samuraj v modrom kimone s mečmi. Statický charakter pózy modelu je vyvážený dynamikou ventilátorov pripevnených na stene a rozptýlených po podlahe. Prenikajú do nich aj orientálne námety: bociany, portréty japonských žien, ryby.

Posledné roky

Monet stále maľuje v sériách. Môžete pomenovať „Topoly“, „Katedrály v Rouene“, „Temža v Londýne“, „Lekná“. Po roku 1900 vidíme všeobecne uznávaný meter, ktorý už nemá hmotné starosti. Výstavy prinášajú úspech a peniaze. Kúpi si malý kúsok zeme v Normandii. Jeho majetok sa volá Givenchy. V ňom upravuje jazierko a chová lekná. Ale po operácii očí, pretože mal šedý zákal, umelec začína vidieť všetko v fialovo-modrých tónoch.

Pozývame vás pozrieť sa na jednu z posledných Monetových prác s nymfami. Zmena farby neovplyvnila krásnu vodnatú krajinu. Lekná nie sú biele, ale modrasté, s ružovkastými odtieňmi a voda má bohatú fialovú farbu.

Umelec v strednom veku mal veľký záujem o pestovanie rastlín vo svojej záhrade a rád sa po nej prechádzal. Na konci svojho života si všeobecne uznávaný maliar, ktorý spôsobil revolúciu v klasickom umení, mohol dovoliť pracovať a relaxovať, ako sa mu zachcelo.

Monet na vlastné oči v Rusku aj v iných krajinách. Jeho zimné krajinky som si však všimol len nedávno. Nie je ich veľa: Monet najradšej maľoval pestré farby leta – maky, vodu, plachetnice, rozkvitnuté záhrady.

4. Ľadové kryhy. Hmlisté ráno. 1893

Teplota bola nad nulou, takže ľad sa už prelomil a objavila sa hmla. Biele a modré farby sa riedia sivou a hnedou.

Táto krajina rieky Seiny nie je jediná - Monet rád maľoval v sériách, ktoré ukazujú, ako sa to isté miesto môže líšiť v závislosti od dennej doby a počasia.

Obrazy od Clauda Moneta zo série „Ice Floats“. 1893 Súkromné ​​zbierky.

Za jeden mesiac od konca januára do konca februára 1893 sa Monetovi podarilo vytvoriť až 13 obrazov tejto krajiny na Seine!

5. Lavacourt. Sneh a slnko. 1881

Dedinka Lavacourt sa nachádza na brehu Seiny a oproti je dedina Vétheuil, v ktorej Monet žil so svojou rodinou a kde sa narodil jeho syn a pochovaná manželka. Práve z tohto pobrežia zobrazil krajinu dediny Vétheuil na 150 svojich obrazoch.

Tlmené zimné slnko na obraze „Lavacourt“ - nevidíme ho, ale cítime ho zo žltkasto-zelenkastého odtieňa snehu na vzdialenom pozadí. Zdá sa, že Monet chcel ukázať blížiacu sa jar.
Fotografia dediny Vétheuil (neďaleko Paríža)

Tieto miesta si samozrejme pamätajú svojho slávneho obyvateľa. Na brehu obce Lavacourt sú tak informačné tabule vyrobené v podobe stojanov s obrazmi od Moneta.

6. Cesta do Giverny v zime. 1885

Umelec žil v Giverny 43 rokov. V tomto meste je jeho dom-múzeum so známou záhradou s leknami a japonským mostom. Giverny samozrejme namaľoval nespočetne veľakrát. Ide väčšinou o kvitnúce, letné práce. Zima je tu však aj veľmi malebná.

Claude Monet 1840-1926 Jeden zo zakladateľov a popredných umelcov obdobia impresionizmu. Životopis a maľby.

Už vo veku 16 rokov sa Claude Monet rozhodol, že skutočné umenie sa rodí pod holým nebom, odmietajúc klasické princípy. Jeho život bol bohatý na udalosti – miloval aj trpel, prekonával nedorozumenia a plával na vlnách úspechu. Zanechal po sebe bohaté dedičstvo, vyskúšal mnoho námetov, aby na konci života mohol donekonečna vystavovať na plátne lekná zo svojho obľúbeného jazierka.

Ešte nikdy predtým nevidelo výtvarné umenie subtílnejšieho a odvážnejšieho tvorcu, pozorne sa pozerajúceho na prírodu, čo mu umožnilo vytvoriť množstvo obrazov tak zmyselných a úprimných vo svojej kráse, že to bolo akýmsi zjavením pre nasledujúce generácie, ktoré si zvolili impresionizmus ako ich vodiaca hviezda.

Pohyb k úspechu, cesta impresionizmu.

Claude Monet skončil v Paríži vo veku 19 rokov. V hlavnom meste najskôr študoval na Suisse Academy a potom pokračoval vo vzdelávaní v dielni Charlesa Gleyra. Nie je až také dôležité, aký silný vplyv mal tento vtedy populárny umelec na technický a štýlový vývoj mladého Moneta, ale fakt, že okolo seba sústredil viac než pozoruhodných ľudí, je fakt. V dielni sa Claude Monet stretol so Sisleym, Renoirom, Basilom, s ktorými čoskoro vytvoril nový umelecký štýl.

V roku 1863 vypukol obrovský škandál v súvislosti s mimoriadne odvážnym a úprimným obrazom „Obed na tráve“ od Edouarda Maneta. Claude, inšpirovaný týmto dielom, sa rozhodol napísať svoju vlastnú verziu. „Obed na tráve“ od Clauda Moneta jasne demonštruje hľadanie štýlu mladého majstra - odmietnutie obrysu, zanedbávanie línie modelovaním foriem pomocou farebných škvŕn, experimenty s prenosom prirodzeného svetla na plátno. Na viacfigurovú kompozíciu použil majster iba dve prirodzenia - všetky dámy namaľoval jeho milovaný Camilla a muži jeho priateľ Basil. Je pozoruhodné, že v tomto diele Monet zobrazil niekoľko postáv otočených chrbtom k divákovi, čím zničil jeden z hlavných kánonov klasickej maľby - takýto obraz bol predtým neprijateľný.

Ale mladý Monet sa vydal vlastnou cestou, ochutnal farby, námety, plasticitu a kompozíciu. Dielo „Ženy v záhrade“ sa vyznačuje rovnakou inováciou, ktorej vzorom bola aj milovaná Camilla, „znásobená“ štyrikrát na plátne.

Monetove rané diela sú v drvivej väčšine venované Camille. „Dáma v záhrade“, „Žena v zelených šatách“ - divák uvidí Camille na všetkých týchto plátnach a posledná práca priniesla Claudovi slávu. Následne by mal Monet ďalšieho obľúbeného opatrovateľa - jeho syna Jeana.

Práca na štýle.

60. roky boli pre Monetu poznačené ťažkou finančnou situáciou. Existujú dôkazy, že maliar dokonca uvažoval o samovražde. Claudea však pred týmto zúfalým krokom zachránila práca - Renoir prišiel na svoje panstvo v Bougival a jeho priatelia veľa pracovali na mieste, zdokonaľovali svoje zručnosti a hľadali nové výrazové prostriedky. Hlavným cieľom ich hľadania bol moment – ​​umelci sa snažili zachytiť moment, zachytiť tú istú krajinu v rôznych časových obdobiach, dokázať svetu, že jediný moment nie je podobný tomu predchádzajúcemu ani nasledujúcemu, je jedinečný a krásna svojou nenapodobiteľnou krásou.

Monet začal praktizovať novú techniku ​​nanášania farieb na plátno – nemiešal farby na palete, ako to robili umelci predchádzajúcich rokov, radšej nanášal čisté farby, čo umožnilo oku diváka miešať farby nezávisle, pozerať sa na hotové dielo .
V roku 1872 vytvoril Claude Monet legendárny obraz „Impression. Svitanie". Jeho jedinečnosť nie je len v technike a farebnosti, ale aj v tom, že toto plátno dalo meno celému smeru. Od tejto chvíle bude celý svet vedieť, že ak na plátne dominujú malé ťahy miestnych farieb, nie je tam žiadna čiara a priestor je naplnený svetlom - to je impresionizmus z francúzskeho „dojmu“.
Legendárne dielo bolo začiatkom umelcovho úspechu, po ňom nasledovali jeho najlepšie diela – „Pole maku v Argenteuil“, „Boulevard des Capucines“, „Gare Saint-Lazare“ atď. verejnosť nie vždy vítala majstrove obrazy s nadšením.

Rok 1879 dal Monetovi ďalší dôvod na zachytenie prechádzajúceho momentu - jeho milovaná Camilla umierala a umelec s trochou bolestivej pozornosti maľoval jej tvár a strácal farbu.

Uznanie a pokoj.

Po strate milovanej ženy Monet konečne získa uznanie - kritici píšu pochvalné recenzie, verejnosť sympatizuje s jeho dielami a jeho finančná situácia sa výrazne zlepšuje.

Monet začína maľovať cykly – sériu diel venovaných rovnakému námetu, realizovaných v rôznych prostrediach, ktoré sa líšia časovými charakteristikami: umelec maľuje krajinu v rôznych obdobiach roka alebo dňa, či poveternostných podmienok. Príkladmi takýchto diel sú série „Rouenská katedrála“, „Topoľ na Epte“, „Topoly“, „Houses of Parliament in London“ atď.

V roku 1892 sa Monet druhýkrát oženil a veľa cestoval, čím obohatil svoju galériu o nádherné morské scenérie.

A na konci rokov prichádza majster do Givarny, kde vytvára záhradu s jazierkom a mostom, pričom celú túto prírodnú nádheru považuje za svoje najlepšie umelecké dielo. Majster, ktorý čerpal inšpiráciu zo svojej záhrady, vytvoril viac ako jednu sériu obrazov, z ktorých mal najradšej ten venovaný leknám.

Koniec Monetovho života nemožno nazvať šťastným - zomrela jeho druhá manželka a potom jeho syn Jean, umelec, bol premožený šedým zákalom, ktorý viedol k skutočnej slepote. Ako však Beethoven, ktorý ohluchol, neprestal skladať, ani Monet nezahodil štetce a maľoval až do svojej smrti vo svojom milovanom Givarnom. V decembri 1926 Monet zomrel. Po skončení svojho života práve začal svoje umelecké storočie - jeho obrazy sa stali inšpiráciou pre mnohých umelcov, či už pre tých, ktorí boli priamymi stúpencami impresionizmu, ako aj pre tých, pre ktorých sa stal východiskovým bodom, čo dalo vznik mnohým novým štýlovým „izmom“.