"Knihy mi dávajú veľký pocit osobného a tvorivého uspokojenia. Keď pracujem na knihe, prajem si, aby mi nikdy nezazvonil telefón. Moje uspokojenie pochádza z toho, že na papier dávam značky."
Americký ilustrátor detských kníh Pinkney Jerry sa narodil 22. decembra 1939 v Germantown. Na strednej škole si jeho lásku a talent na kreslenie všimol karikaturista John Liney, ktorý ho povzbudil v kariére umelca. Po absolvovaní Dobbinsovej odbornej školy dostal Pinkney plné štipendium na štúdium na Philadelphia Museum College of Art. Neskôr sa presťahoval do Bostonu, kde sa venoval dizajnu a ilustrácii, nakoniec si otvoril vlastné štúdio Jerry Pinkney Studio a neskôr sa presťahoval do New Yorku. Pinkney Jerry stále žije a pracuje v New Yorku, za roky svojej tvorivej kariéry viedol semináre na univerzite a umeleckých školách po celej krajine.
"Chcel som ukázať, čo dokáže afroamerický umelec v tejto krajine na národnej úrovni vo výtvarnom umení. Chcem byť silným vzorom pre svoju rodinu a pre ostatných Afroameričanov."
V roku 1776 Amerika vyhlásila svoju nezávislosť a od tej doby sa vlastne začal rozvoj národného výtvarného umenia, ktoré bolo navrhnuté tak, aby odrážalo históriu krajiny.
Umelci 18. storočia Väčšina z nich bola samouk a vychádzala zo štýlu britského umenia.
A v 19. storočí. Už bola vytvorená prvá maliarska škola - Hudson River School.
Hudson River School
Hudson River School bol názov skupiny amerických krajinárov. Ich tvorba sa vyvíjala v štýle romantizmu. Obrazy zobrazovali údolie rieky Hudson a jeho okolie. Umelci najčastejšie zobrazovali americkú divočinu a spochybňovali realizovateľnosť technologického pokroku.
Thomas Cole "Oxbow" (1836). Metropolitné múzeum umenia (New York)
Hudson River School nebola v tom čase v maliarstve homogénnym fenoménom: existovala napríklad odnož v štýle impresionizmu, ktorá bola tzv. luminizmus. Luminizmus venoval veľkú pozornosť umelcovmu vnímaniu svetla. Luminizmus sa líši od impresionizmu tým, že sa tu viac dbá na detaily a robí sa skrytý ťah štetcom. Ale vo všeobecnosti sú tieto dva štýly podobné.
Fitz Henry Lane "Loď v hmle" (1860)
Zakladateľom školy bol umelec Thomas Cole. Na rieku Hudson sa vydal na jeseň roku 1825. Potom sa k nemu pridal jeho blízky priateľ Asher Brown Durant. Ďalší umelci školy:
Albert Bierstadt
John William Casilier
Kostol Frederica Edwina
Thomas Cole
Samuel Coleman
Jasper Francis Cropsey
Thomas Doty
Robert Scott Duncanson
Sanford Robinson Gifford
James McDougal Hart
William Hart
William Stanley Haseltine
Martin Johnson Hedy a kol.
Obrazy umelcov Hudson School sa vyznačovali jednoduchosťou a spontánnosťou.
Thomas Cole (1801-1848)
Thomas Cole sa narodil v Anglicku. V roku 1818 jeho rodina emigrovala do Spojených štátov amerických. Cole sa naučil základy svojej profesie od cestujúceho portrétistu Steina. Ale portrétovanie sa mu nevydarilo a začal maľovať krajinky. Bol úspešný aj v alegorických maľbách, napríklad v sérii „Cesta života“, ktorá pozostávala z obrazov o štyroch obdobiach života človeka: detstvo, mladosť, zrelosť a staroba. Tento cyklus je uložený v Národnej galérii umenia (Washington, USA)
T. Cole "Detstvo"
Na prvom obraze umelec zobrazil dieťa v člne plávajúcom po rieke života. Túto loď riadi anjel, pretože... Dieťa ešte nie je schopné samostatnosti. Jeho obzory, podobne ako v maľbe, sú obmedzené. Postava na prove lode drží presýpacie hodiny, symbolizujúce čas.
T. Cole "Mládež"
Tá istá loď, ale už je v nej mladý muž. Loďku už ovláda sám, no anjel ho stále neopúšťa – sleduje ho z brehu.
Anjel muža ďalej pozoruje, no on je ponorený do vlastných problémov, ktoré ho premáhajú – to zdôrazňuje pochmúrne sfarbenie obrazu, stromy popadané víchricou...
T. Cole "Staroba"
A teraz sa životná cesta človeka blíži ku koncu. Postava s presýpacími hodinami už nie je na lodi - čas pozemského života sa skončil. A loď úplne zchátrala...
Zostúpil k nemu anjel strážny, aby viedol jeho ďalšiu cestu do iného sveta, a v diaľke boli viditeľní ďalší anjeli. Cole o tomto obrázku povedal: „Puta telesnej existencie odpadávajú a myseľ je už schopná vidieť záblesky večného života.
Winslow Homer (1836-1910)
Fotografia z roku 1880
Americký výtvarník a grafik, zakladateľ realistickej maľby. Najznámejší pre svoje morské scenérie. Maľoval olejom a akvarelom. Jeho tvorba ovplyvnila celý ďalší vývoj americkej maľby.
Homer bol ovplyvnený rôznymi umeleckými smermi, no vychádzal predovšetkým z čisto amerických námetov.
Jeho maľba raného obdobia je svetlá a pokojná, zatiaľ čo posledné obdobie je charakteristické tmavými tónmi a tragickými námetmi.
W. Homer „Hmlový signál“. Boston Museum of Fine Arts (USA)
Témou obrazu je boj človeka s morom, vzťah medzi krehkým ľudským životom a večnou prírodou.
Thomas Cowperthwaite Eakins (Akins) (1844-1916)
Americký umelec, fotograf, pedagóg, popredný predstaviteľ americkej realistickej maľby.
T. Eakins. Autoportrét (1902)
Vyštudoval Pensylvánsku akadémiu výtvarných umení a svoje zručnosti ďalej zdokonaľoval v Európe, hlavne v Paríži pod vedením Jeana Leona Geroma. Učil na Vysokej škole výtvarných umení a bol jej riaditeľom.
Veľkú pozornosť venoval štúdiu a zobrazovaniu nahoty, prejavoval voľnomyšlienkárstvo, za čo ho vyhodili. V Eakinsových obrazoch a fotografiách zaujíma ústredné miesto nahé a polonahé telo. Vlastní veľa obrázkov športovcov. Eakins sa obzvlášť zaujímal o sprostredkovanie pohybov ľudského tela.
T. Eakins "Plávanie" (1895)
Portréty maľoval v mnohofigurálnom prostredí.
Najznámejším dielom je „Klinika Gross“.
T. Eakins "Gross Clinic" (1875)
Obraz zobrazuje slávneho filadelfského chirurga Samuela Grossa, ktorý vedie operáciu pred študentmi lekárskej akadémie. Umelec zobrazuje Dr. Grossa ako génia ľudského myslenia, ale obraz šokoval súčasníkov svojou realizmom.
T. Eakins je známy aj množstvom významných portrétov, vrátane portrétu amerického básnika a publicistu Walta Whitmana (1887-1888), ktorý sám básnik považoval za najlepší.
T. Eakins. Portrét Whitmana (1887)
James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)
Anglo-americký umelec, portrétista, lept a litograf. Predchodca impresionizmu a symbolizmu.
D. Whistler. Autoportrét. Inštitút umenia (Detroit)
Narodil sa v Lowell, Massachusetts. Jeho otec, George Washington Whistler, slávny železničný inžinier, bol v roku 1842 pozvaný postaviť cesty v Rusku; navrhol Nikolajevskú železnicu. V Rusku navštevoval James Akadémiu umení. V USA študoval na vojenskej škole, no pre slabé študijné výsledky ho vyhodili.
D. Whistler „Aranžmán v šedej a čiernej farbe. Umelcova matka (1871). Múzeum Orsay (Paríž)
Toto je najznámejšie dielo Jamesa Whistlera.
Študoval maľbu v Paríži, potom v Benátkach (študoval akvarelové skice a lepty).
V prvom období Whistlerovej tvorby mal blízko k impresionizmu v túžbe zachytiť prvý dojem z objektu – krajiny alebo človeka. V mnohých otázkach však nesúhlasil s impresionistami: neschvaľoval kult plenéru a vopred premýšľal o farebnej tonalite. Whistler vo svojich neskorších dielach používa extrémne zriedené, akvarelom podobné transparentné farby, ktoré sprostredkúvajú pocit nestálej pohyblivosti atmosférického prostredia.
D. Whistler „Symfónia v sivom a zelenom oceáne“ (1866-1872)
Každodenný žáner
Veľký rozvoj americkej maľby 19. storočia. dostal domáci žáner. Spočiatku bol tento žáner založený na zobrazovaní provinčného života kartami, tancami atď.
Eastman Johnson, Šťastie opusteného dostavníka (1871)
Ale po začatí priemyselnej revolúcie a urbanizácie v Spojených štátoch začali umelci zobrazovať život obyvateľov veľkých miest.
John Gast "Americký pokrok" (okolo 1872)
Obraz zobrazuje alegorickú Kolumbiu s učebnicou v rukách. Vedie civilizáciu na západ spolu s americkými osadníkmi a pozdĺž cesty naťahuje telegrafnú linku. Na obrázku sú rôzne druhy hospodárskych aktivít prvých osadníkov, história dopravy. Indiáni a divoké zvieratá sú zobrazené na úteku pred osadníkmi.
"Škola smetného koša"
Na prelome 19. a 20. stor. Spojené štáty americké zaznamenali rýchly rast veľkých miest. Vtedajšie fotoaparáty sa ešte nedali použiť na rýchle fotografovanie incidentov, a tak si spravodajské noviny najímali umelcov na ilustrácie. Vznikla tak Škola odpadkového koša, do ktorej patrili Robert Henry, Glenn Coleman, Jerome Myers a George Bellows. Hlavnými námetmi ateliérových skečov boli ulice s ich typickými predstaviteľmi: deťmi ulice, prostitútkami, pouličnými umelcami a prisťahovalcami. Pôvod, vzdelanie a politické názory týchto umelcov boli rôzne. Ale Robert Henry veril, že život a aktivity chudobných, proletariátu a strednej triedy sú hodné stelesnenia v maľbe - to je realita doby.
George Bellows "Pomoc sestry Edith Cavell" (1918)
„Škola na odpadky“ spôsobila revolúciu vo výtvarnom umení Spojených štátov, bola predchodcom
Americkí umelci sú veľmi rôznorodí. Niektorí boli jasne kozmopolitní, ako napríklad Sargent. Pôvodom Američan, no takmer celý svoj dospelý život prežil v Londýne a Paríži.
Sú medzi nimi aj autentickí Američania, ktorí zobrazovali životy iba svojich krajanov, ako Rockwell.
A sú tu aj umelci, ktorí nie sú z tohto sveta, ako Pollock. Alebo tí, ktorých umenie sa stalo produktom konzumnej spoločnosti. Reč je, samozrejme, o Warholovi.
Všetci sú však Američania. Slobodomilný, odvážny, bystrý. Prečítajte si o siedmich z nich nižšie.
1. James Whistler (1834-1903)
James Whistler. Autoportrét. 1872 Inštitút umenia v Detroite, USA. Whistler len ťažko možno nazvať skutočným Američanom. Keď vyrastal, žil v Európe. A detstvo prežil... v Rusku. Jeho otec postavil železnicu v Petrohrade.
Práve tam sa chlapec James zamiloval do umenia, navštívil Ermitáž a Peterhof vďaka otcovým vzťahom (v tom čase to boli ešte paláce pre verejnosť uzavreté).
Čím je Whistler známy? Bez ohľadu na štýl, v ktorom píše, od realizmu po tonalizmus*, ho možno takmer okamžite rozpoznať podľa dvoch charakteristík. Nezvyčajné farby a hudobné mená.
Niektoré z jeho portrétov sú imitáciou starých majstrov. Ako napríklad jeho slávny portrét „Matka umelca“.
James Whistler. Umelcova matka. Aranžmán v šedej a čiernej farbe. 1871 Umelec vytvoril úžasné dielo pomocou farieb od svetlosivej po tmavosivú. A trochu žltej.
To však neznamená, že Whistler miloval takéto farby. Bol to výnimočný človek. Pokojne by sa mohol objaviť v spoločnosti so žltými ponožkami a žiarivým dáždnikom. A to bolo vtedy, keď sa muži obliekali výlučne do čiernej a šedej.
Má tiež oveľa ľahšie diela ako „Matka“. Napríklad „Symfónia v bielom“. Obraz tak nazval jeden z novinárov na výstave. Whistlerovi sa tento nápad páčil. Odvtedy takmer všetky svoje diela pomenoval hudobne.
James Whistler. Symfónia v bielom č. 1. 1862 Národná galéria Washington, USA Potom, v roku 1862, sa však verejnosti Symfónia nepáčila. Opäť kvôli Whistlerovým zvláštnym farebným schémam. Ľudia si mysleli, že je zvláštne maľovať ženu v bielom na bielom pozadí.
Na obrázku vidíme Whistlerovu ryšavú milenku. Celkom v duchu prerafaelitov. Koniec koncov, umelec bol v tom čase priateľom s jedným z hlavných zakladateľov prerafaelizmu, Gabrielom Rossettim. Krása, ľalie, nezvyčajné prvky (vlčia koža). Všetko je ako má byť.
Whistler sa však rýchlo vzdialil od prerafaelizmu. Keďže pre neho nebola dôležitá vonkajšia krása, ale nálada a emócie. A vytvoril nový smer - tonalizmus.
Jeho krajinné nokturná v štýle tonalizmu sú skutočne ako hudba. Jednofarebné, viskózne.
Sám Whistler povedal, že hudobné tituly pomáhajú zamerať sa na samotný obraz, línie a farby. Zároveň bez premýšľania o mieste a ľuďoch, ktorí sú vyobrazení.
James Whistler. Nokturno v modrej a striebornej: Chelsea. 1871 Tate Gallery, Londýn 
Mary Cassattová. Spiace dieťa. Pastel, papier. 1910 Dallas Museum of Art, USA Svojmu štýlu však zostala verná až do konca. impresionizmus. Jemný pastel. Matky s deťmi.
Kvôli maľovaniu Cassatt opustil materstvo. Ale jej ženská stránka sa čoraz viac prejavovala v takých nežných dielach ako „Spiace dieťa“. Škoda, že ju konzervatívna spoločnosť raz postavila pred takúto voľbu.
3. John Sargent (1856-1925)
John Sargent. Autoportrét. 1892 Metropolitné múzeum umenia, New York John Sargent si bol istý, že bude portrétistom celý život. Moja kariéra išla dobre. Aristokrati sa postavili na objednávku od neho.
Jedného dňa však podľa spoločnosti umelec prekročil hranicu. Teraz je pre nás ťažké pochopiť, čo je na filme „Madame X“ také neprijateľné.
Je pravda, že v pôvodnej verzii mala hrdinka jeden z popruhov stiahnutý. Sargent ju „vychoval“, ale nepomohlo to. Objednávky vyschli.
John Sargent. Madame H. Metropolitné múzeum umenia z roku 1878, New York Akú obscénnu vec videla verejnosť? A to, že Sargent stvárnila modelku v príliš sebavedomej póze. Navyše priesvitná koža a ružové ucho sú veľmi výrečné.
Zdá sa, že obrázok hovorí, že táto žena so zvýšenou sexualitou sa nebráni akceptovať pokroky iných mužov. Navyše byť ženatý.
Žiaľ, súčasníci za týmto škandálom majstrovské dielo nevideli. Tmavé šaty, svetlá pokožka, dynamická póza - jednoduchá kombinácia, ktorú nájdu len tí najtalentovanejší remeselníci.
Ale každý oblak má strieborný okraj. Sargent na oplátku dostal slobodu. Začal som viac experimentovať s impresionizmom. Napíšte deťom v bezprostredných situáciách. Takto sa objavila práca „Karafiát, Lily, Lily, Rose“.
Sargent chcel zachytiť konkrétny moment súmraku. Preto som pracoval len 2 minúty denne, keď bolo vhodné osvetlenie. Pracovalo sa v lete a na jeseň. A keď kvety zvädli, nahradila som ich umelými.
John Sargent. Karafiát, ľalia, ľalia, ruža. 1885-1886 Tate Gallery, Londýn V posledných desaťročiach Sargent vyvinul takú chuť slobody, že začal úplne opúšťať portréty. Hoci jeho povesť už bola obnovená. Jednu klientku dokonca sprosto prepustil s tým, že by bol radšej, keby jej namaľoval gate ako tvár.
John Sargent. Biele lode. 1908 Brooklynské múzeum, USA Súčasníci zaobchádzali so Sargentom s iróniou. Považujúc to za zastarané vo veku modernizmu. Čas však dal všetko na svoje miesto.
Teraz jeho diela nemajú menšiu hodnotu ako diela najslávnejších modernistov. No, nie je čo povedať o láske verejnosti. Výstavy s jeho dielami sú vždy vypredané.
4. Norman Rockwell (1894-1978)
Norman Rockwell. Autoportrét. Ilustrácia k vydaniu The Saturday Evening Post z 13. februára 1960. Je ťažké si predstaviť populárnejšieho umelca počas jeho života ako Normana Rockwella. Na jeho ilustráciách vyrastalo niekoľko generácií Američanov. Milujem ich celou svojou dušou.
Rockwell totiž stvárnil obyčajných Američanov. Ale zároveň ukázať svoj život z tej najpozitívnejšej stránky. Rockwell nechcel ukazovať ani zlých otcov, ani ľahostajné matky. A nestretnete s ním žiadne nešťastné deti.
Norman Rockwell. Celá rodina na dovolenke aj z dovolenky. Ilustrácia v časopise Evening Saturday Post, 30. augusta 1947. Múzeum Normana Rockwella v Stockbridge, Massachusetts, USA Jeho diela sú plné humoru, sýtych farieb a veľmi umne zachytenej mimiky zo života.
Je však ilúziou, že práca bola pre Rockwella ľahká. Aby vytvoril jeden obraz, mohol by najprv urobiť až sto fotografií svojich predmetov, aby zachytil správne gestá.
Rockwellove diela mali obrovský vplyv na myslenie miliónov Američanov. Koniec koncov, často sa vyjadroval prostredníctvom svojich obrazov.
Počas 2. svetovej vojny sa rozhodol ukázať, za čo bojovali vojaci jeho krajiny. Vytvoril aj obraz „Freedom from Want“. V podobe Dňa vďakyvzdania, kde sa všetci členovia rodiny dobre najedení a spokojní tešia z rodinného sviatku.
Norman Rockwell. Sloboda od chcenia. 1943 Múzeum Normana Rockwella v Stockbridge, Massachusetts, USA Po 50 rokoch v Saturday Evening Post Rockwell odišiel do demokratickejšieho magazínu Look, kde mohol vyjadrovať svoje názory na sociálne otázky.
Najvýraznejším dielom tých rokov je „Problém, s ktorým žijeme“.
Norman Rockwell. Problém, s ktorým žijeme. 1964 Múzeum Normana Rockwella, Stockbridge, USA Toto je skutočný príbeh čierneho dievčaťa, ktoré chodilo do bielej školy. Od prijatia zákona, že ľudia (a teda vzdelávacie inštitúcie) by sa už nemali oddeľovať podľa rasy.
Ale hnev mešťanov nemal hraníc. Cestou do školy dievča strážila polícia. Toto je „rutinný“ moment, ktorý ukázal Rockwell.
Ak chcete poznať život Američanov v trochu prikrášlenom svetle (ako ho chceli vidieť oni sami), určite si pozrite Rockwellove obrazy.
Možno zo všetkých maliarov prezentovaných v tomto článku je Rockwell najamerickejší umelec.
5. Andrew Wyeth (1917-2009)
Andrew Wyeth. Autoportrét. 1945 Národná akadémia dizajnu, New York Na rozdiel od Rockwella nebol Wyeth taký pozitívny. Od prírody samotár, nesnažil sa nič prikrášľovať. Naopak, zobrazoval tie najobyčajnejšie krajiny a nevšedné veci. Len pšeničné pole, len drevený domček. Dokonca sa mu v nich podarilo zahliadnuť niečo magické.
Jeho najznámejším dielom je „Christina's World“. Wyeth ukázal osud jednej ženy, jeho susedky. Od detstva paralyzovaná sa plazila po svojej farme.
Na tomto obrázku teda nie je nič romantické, ako by sa na prvý pohľad mohlo zdať. Ak sa pozriete pozorne, žena bolestivo chudne. A s vedomím, že hrdinkine nohy sú paralyzované, so smútkom chápete, ako ďaleko to má od domova.
Wyeth napísal na prvý pohľad to najobyčajnejšie. Tu je staré okno starého domu. Ošúchaný záves, ktorý sa už začal meniť na črepy. V lese je za oknom tma.
Ale v tom všetkom je nejaké tajomstvo. Nejaký iný pohľad.
Andrew Wyeth. Vietor od mora. 1947 Národná galéria vo Washingtone, USA Deti sa tak vedia pozerať na svet s otvorenou mysľou. Wyatt vyzerá rovnako. A my sme s ním.
Všetky Wyethove záležitosti riešila jeho manželka. Bola dobrá organizátorka. Práve ona kontaktovala múzeá a zberateľov.
V ich vzťahu bolo málo romantiky. Musela sa objaviť múza. A stala sa z nej jednoduchá, no s neobyčajným vzhľadom Helga. To je presne to, čo vidíme v mnohých zamestnaniach.
Andrew Wyeth. Vrkoče (zo série „Helga“). 1979 Súkromná zbierka Zdalo by sa, že vidíme len fotografický obraz ženy. Ale z nejakého dôvodu je ťažké sa od nej odtrhnúť. Jej pohľad je príliš komplikovaný, ramená napäté. Akoby sme boli spolu s ňou vnútorne napätí. Snažím sa nájsť vysvetlenie tohto napätia.
Wyeth zobrazoval realitu v každom detaile a magicky ju obdaril emóciami, ktoré nemôžu nikoho nechať ľahostajným.
Umelec nebol dlho uznávaný. Svojím realizmom, aj keď magickým, nezapadal do modernistických trendov 20. storočia.
Keď pracovníci múzea kupovali jeho diela, snažili sa to urobiť potichu, bez toho, aby vzbudzovali pozornosť. Výstavy sa organizovali zriedka. Ale na závisť modernistov mali vždy obrovský úspech. Ľudia prichádzali húfne. A stále prichádzajú.
6. Jackson Pollock (1912-1956)
Jackson Pollock. 1950 Fotografia Hansa Namutha Jacksona Pollocka nemožno ignorovať. V umení prekročil určitú hranicu, po ktorej už maľba nemohla byť rovnaká. Ukázal, že v umení sa vo všeobecnosti dá zaobísť bez hraníc. Keď som plátno položil na zem a postriekal ho farbou.
A tento americký umelec začal s abstraktným umením, v ktorom sa ešte dalo vystopovať figuratívnosť. V jeho diele zo 40. rokov „Stenografická postava“ vidíme obrysy tváre aj rúk. A dokonca aj symboly, ktoré chápeme v podobe krížikov a núl.
Jackson Pollock. Skratka postava. Múzeum moderného umenia z roku 1942 v New Yorku (MOMA) Jeho práca bola chválená, no ľudia sa s kúpou neponáhľali. Bol chudobný ako kostolná myš. A bez hanby pil. Napriek šťastnému manželstvu. Jeho žena obdivovala jeho talent a urobila všetko pre úspech svojho manžela.
Ale Pollock bol spočiatku zlomená osobnosť. Od mladosti bolo z jeho činov zrejmé, že predčasná smrť bola jeho osudom.
Táto zlomenosť nakoniec povedie k jeho smrti vo veku 44 rokov. Ale bude mať čas urobiť revolúciu v umení a stať sa slávnym.
Jackson Pollock. Jesenný rytmus (číslo 30). 1950 Metropolitné múzeum umenia v New Yorku, USA A urobil to počas obdobia dvoch rokov triezvosti. V rokoch 1950-1952 mohol plodne pracovať. Dlho experimentoval, až prišiel k technike odkvapkávania.
Rozložil obrovské plátno na podlahu svojej stodoly a obišiel ho, akoby bol na samotnom obraze. A postriekaná alebo jednoducho naliata farba.
Ľudia od neho začali ochotne kupovať tieto nezvyčajné obrazy pre ich neuveriteľnú originalitu a novosť.
Jackson Pollock. Modré stĺpy. 1952 Národná galéria Austrálie, Canberra Pollocka zachvátila sláva a upadol do depresie, nechápal, kam sa posunúť ďalej. Smrteľná zmes alkoholu a depresie mu nenechala žiadnu šancu na prežitie. Jedného dňa si sadol za volant veľmi opitý. Naposledy.
7. Andy Warhol (1928-1987)
Andy Warhole. 1979 Fotografia Arthur Tress Len v krajine s takým kultom konzumu ako v Amerike sa mohol zrodiť pop-art. A jeho hlavným iniciátorom bol, samozrejme, Andy Warhol.
Preslávil sa tým, že bral tie najobyčajnejšie veci a premieňal ich na umelecké dielo. Toto sa stalo s plechovkou Campbellovej polievky.
Výber nebol náhodný. Warholova matka kŕmila svojho syna touto polievkou každý deň viac ako 20 rokov. Dokonca aj vtedy, keď sa presťahoval do New Yorku a vzal so sebou aj matku.
Andy Warhole. Campbellove plechovky polievky. Polymér, ručná tlač. 32 obrazov, každý 50x40. 1962 Múzeum moderného umenia v New Yorku (MOMA) Po tomto experimente sa Warhol začal zaujímať o sieťotlač. Odvtedy fotil popové hviezdy a maľoval ich rôznymi farbami.
Takto sa objavila jeho slávna maľovaná Marilyn Monroe.
Takýchto kyslých kvetov Marilyn sa vyrobilo nespočetné množstvo. Warhol dal umenie do prúdu. Tak ako to má byť v konzumnej spoločnosti.
Andy Warhole. Marilyn Monroe. Sieťotlač, papier. 1967 Múzeum moderného umenia v New Yorku (MOMA) Warhol neprišiel s pomaľovanými tvárami z ničoho nič. A opäť to nebolo bez vplyvu matky. Ako dieťa, počas dlhotrvajúcej choroby svojho syna, mu nosila balíčky omaľovánok.
Táto detská záľuba prerástla do toho, čo sa stalo jeho vizitkou a urobilo ho rozprávkovo bohatým.
Maľoval nielen popové hviezdy, ale aj majstrovské diela svojich predchodcov. Dostal som to tiež.
„Venuša“, podobne ako Marilyn, urobila veľa. Exkluzivitu umeleckého diela „vymazal“ do prášku Warhol. Prečo to umelec urobil?
Popularizovať staré majstrovské diela? Alebo sa ich naopak pokúsiť znehodnotiť? Zvečniť popové hviezdy? Alebo okoreniť smrť iróniou?
Andy Warhole. Botticelliho Venuša. Sieťotlač, akryl, plátno. 122x183 cm, 1982. Múzeum E. Warhola v Pittsburghu, USA Jeho farebné diela Madonny, Elvisa Presleyho či Lenina sú niekedy rozpoznateľnejšie ako pôvodné fotografie.
Ale majstrovské diela boli sotva zatienené. Napriek tomu zostáva nedotknutá „Venuša“ na nezaplatenie.
Warhol bol vášnivým párty zvieraťom a priťahoval veľa marginalizovaných ľudí. Narkomani, neúspešní herci alebo jednoducho nevyrovnaní jedinci. Jeden z nich ho raz zastrelil.
Warhol prežil. Ale o 20 rokov neskôr na následky rany, ktorú kedysi utrpel, zomrel sám vo svojom byte.
Americký taviaci kotol
Napriek krátkej histórii amerického umenia je rozsah široký. Medzi americkými umelcami sú impresionisti (Sargent), magickí realisti (Wyeth), abstraktní expresionisti (Pollock) a priekopníci pop artu (Warhol).
Američania milujú slobodu voľby vo všetkom. Stovky denominácií. Stovky národov. Stovky umeleckých štýlov. To je dôvod, prečo je to taviaci kotol Spojených štátov amerických.
V kontakte s
"Hráči kariet"
Autor
Paul Cezanne
Krajina Francúzsko
Roky života 1839–1906
Štýl postimpresionizmu
Umelec sa narodil na juhu Francúzska v malom mestečku Aix-en-Provence, no maľovať začal v Paríži. Skutočný úspech sa mu dostavil po osobnej výstave, ktorú zorganizoval zberateľ Ambroise Vollard. V roku 1886, 20 rokov pred odchodom, sa presťahoval na okraj svojho rodného mesta. Mladí umelci nazvali výlety k nemu „púťou do Aix“.
Rozmer 130 x 97 cm
1895
cena
250 miliónov dolárov
predané v roku 2012
na súkromnej aukcii
Cezannova práca je ľahko pochopiteľná. Jediným pravidlom umelca bol priamy prenos objektu alebo zápletky na plátno, takže jeho obrazy nespôsobujú divákovi zmätok. Cezanne spojil vo svojom umení dve hlavné francúzske tradície: klasicizmus a romantizmus. Pomocou farebných textúr dodal tvaru predmetov úžasnú plasticitu.
Séria piatich obrazov „Hráči kariet“ bola namaľovaná v rokoch 1890–1895. Ich zápletka je rovnaká – niekoľko ľudí nadšene hrá poker. Diela sa líšia len počtom hráčov a veľkosťou plátna.
Štyri obrazy sú uložené v múzeách v Európe a Amerike (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation a Courtauld Institute of Art) a piaty bol donedávna ozdobou súkromnej zbierky gréckeho miliardára. Georg Embirikos. Krátko pred smrťou, v zime 2011, sa ho rozhodol dať na predaj. Potenciálnymi kupcami Cezannovho „bezplatného“ diela boli obchodník s umením William Acquavella a svetoznámy majiteľ galérie Larry Gagosian, ktorí zaň ponúkli približne 220 miliónov dolárov. V dôsledku toho sa obraz dostal do kráľovskej rodiny arabského štátu Katar za 250 miliónov.Najväčší obchod s umením v histórii maľby bol uzavretý vo februári 2012. Informovala o tom novinárka Alexandra Pierce vo Vanity Fair. Zistila cenu obrazu aj meno nového majiteľa a následne informácia prenikla do médií po celom svete.
V roku 2010 bolo v Katare otvorené Arabské múzeum moderného umenia a Katarské národné múzeum. Teraz sa ich zbierky rozrastajú. Možno piatu verziu The Card Players získal šejk práve na tento účel.
Najviacdrahé maľovanievo svete
Vlastník
Šejk Hamad
bin Khalifa al-Thani
Dynastia al-Thani vládne Kataru už viac ako 130 rokov. Asi pred polstoročím tu boli objavené obrovské zásoby ropy a plynu, vďaka ktorým sa Katar okamžite stal jedným z najbohatších regiónov sveta. Vďaka exportu uhľovodíkov má táto malá krajina najväčšie HDP na obyvateľa. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani prevzal moc v roku 1995, keď bol jeho otec vo Švajčiarsku, s podporou rodinných príslušníkov. Zásluha súčasného vládcu je podľa odborníkov v jasnej stratégii rozvoja krajiny a vo vytváraní úspešného obrazu štátu. Katar má teraz ústavu a premiéra a ženy majú právo voliť v parlamentných voľbách. Mimochodom, bol to katarský emír, ktorý založil spravodajský kanál Al-Džazíra. Orgány arabského štátu venujú veľkú pozornosť kultúre.
2
"Číslo 5"
Autor
Jackson Pollock
Krajina USA
Roky života 1912–1956
Štýl abstraktný expresionizmus
Jack the Sprinkler – tak volala Pollocka americká verejnosť pre jeho špeciálnu techniku maľovania. Umelec opustil štetec a stojan a počas nepretržitého pohybu okolo nich a vo vnútri nalial farbu na povrch plátna alebo drevovláknitej dosky. Od útleho veku sa zaujímal o filozofiu Jiddu Krishnamurti, ktorej hlavným posolstvom je, že pravda je odhalená počas voľného „výlevu“.
Rozmery 122 x 244 cm
1948
cena
140 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na aukcii Sotheby's
Hodnota Pollockovej práce nespočíva vo výsledku, ale v procese. Nie je náhoda, že autor svoje umenie nazval „akčnou maľbou“. S jeho ľahkou rukou sa stala hlavným majetkom Ameriky. Jackson Pollock zmiešal farbu s pieskom a rozbitým sklom a namaľoval kusom kartónu, paletovým nožom, nožom a lopatkou. Umelec bol taký populárny, že v 50. rokoch 20. storočia sa našli imitátori aj v ZSSR. Obraz „Číslo 5“ je uznávaný ako jeden z najpodivnejších a najdrahších na svete. Jeden zo zakladateľov DreamWorks, David Geffen, ho kúpil do súkromnej zbierky a v roku 2006 ho predal na aukcii Sotheby's za 140 miliónov dolárov mexickému zberateľovi Davidovi Martinezovi. Advokátska kancelária však čoskoro vydala v mene svojho klienta tlačovú správu, v ktorej uviedla, že David Martinez nie je vlastníkom obrazu. Len jedna vec je istá: mexický finančník skutočne nedávno zbieral diela moderného umenia. Je nepravdepodobné, že by mu ušla taká „veľká ryba“, ako je Pollockovo „Číslo 5“.
3
"Žena III"
Autor
Willem de Kooning
Krajina USA
Roky života 1904–1997
Štýl abstraktný expresionizmus
Rodák z Holandska emigroval do Spojených štátov v roku 1926. V roku 1948 sa uskutočnila osobná výstava umelca. Umeleckí kritici ocenili zložité, nervózne čiernobiele kompozície, uznávajúc ich autora ako veľkého modernistického umelca. Väčšinu života trpel alkoholizmom, no radosť z tvorby nového umenia je cítiť v každom diele. De Kooning sa vyznačuje impulzívnosťou svojej maľby a širokými ťahmi, a preto niekedy obraz nezapadá do hraníc plátna.
Rozmer 121 x 171 cm
1953
cena
137 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na súkromnej aukcii
V päťdesiatych rokoch sa na de Kooningových obrazoch objavili ženy s prázdnymi očami, mohutnými prsiami a škaredými črtami tváre. „Žena III“ bola posledným dielom z tejto série, ktoré sa dražilo.
Od 70. rokov bol obraz uchovávaný v teheránskom múzeu moderného umenia, no po zavedení prísnych morálnych pravidiel v krajine sa ho pokúsili zbaviť. V roku 1994 bolo dielo vyvezené z Iránu a o 12 rokov neskôr jeho majiteľ David Geffen (ten istý producent, ktorý predal „Číslo 5“) Jacksona Pollocka predal obraz milionárovi Stevenovi Cohenovi za 137,5 milióna dolárov. Zaujímavosťou je, že v priebehu jedného roka začal Geffen svoju zbierku obrazov rozpredávať. To vyvolalo veľa klebiet: napríklad, že sa producent rozhodol kúpiť noviny Los Angeles Times.
Na jednom z umeleckých fór bol vyjadrený názor na podobnosť „Ženy III“ s obrazom „Dáma s hranostajom“ od Leonarda da Vinciho. Za zubatým úsmevom a neforemnou postavou hrdinky videl znalec maľby milosť človeka kráľovskej krvi. Svedčí o tom aj zle nakreslená koruna korunujúca hlavu ženy.
4
„Portrét AdeleBloch-Bauer I"
Autor
Gustav Klimt
Krajina Rakúsko
Roky života 1862–1918
Štýl moderné
Gustav Klimt sa narodil v rodine rytca a bol druhým zo siedmich detí. Traja synovia Ernesta Klimta sa stali umelcami, no po celom svete sa preslávil iba Gustav. Väčšinu svojho detstva prežil v chudobe. Po smrti otca sa stal zodpovedným za celú rodinu. V tom čase Klimt vyvinul svoj štýl. Každý divák zamrzne pred jeho obrazmi: pod tenkými zlatými ryhami je jasne viditeľný úprimný erotizmus.
Rozmer 138 x 136 cm
1907
cena
135 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na aukcii Sotheby's
Osud obrazu, ktorý sa volá „rakúska Mona Lisa“, by sa ľahko mohol stať základom bestselleru. Dielo umelca spôsobilo konflikt medzi celým štátom a jednou staršou dámou.
Takže „Portrét Adele Bloch-Bauer I“ zobrazuje aristokratku, manželku Ferdinanda Blocha. Jej posledným želaním bolo darovať obraz Rakúskej štátnej galérii. Bloch však dar vo svojom závete zrušil a nacisti obraz vyvlastnili. Neskôr galéria s ťažkosťami kúpila Zlatú Adelu, ale potom sa objavila dedička - Maria Altman, neter Ferdinanda Blocha.
V roku 2005 sa začal vysokoprofilový proces „Maria Altmann proti Rakúskej republike“, v dôsledku čoho s ňou film „odišiel“ do Los Angeles. Rakúsko prijalo bezprecedentné opatrenia: rokovalo sa o pôžičkách, obyvateľstvo darovalo peniaze na kúpu portrétu. Dobro nikdy neporazilo zlo: Altman zvýšil cenu na 300 miliónov dolárov. V čase konania mala 79 rokov a do histórie sa zapísala ako osoba, ktorá zmenila Bloch-Bauerov závet v prospech osobných záujmov. Obraz kúpil Ronald Lauder, majiteľ New Gallery v New Yorku, kde je dodnes. Nie pre Rakúsko, pre neho Altman znížil cenu na 135 miliónov dolárov.
5
"kričať"
Autor
Edvard Munch
Krajina Nórsko
Roky života 1863–1944
Štýl expresionizmus
Munchova prvá maľba, ktorá sa preslávila po celom svete, „The Sick Girl“ (existuje päť kópií) je venovaná umelcovej sestre, ktorá zomrela na tuberkulózu vo veku 15 rokov. Muncha vždy zaujímala téma smrti a osamelosti. V Nemecku jeho ťažká, maniakálna maľba dokonca vyvolala škandál. Napriek depresívnym témam však jeho obrazy majú zvláštny magnetizmus. Vezmite si napríklad „Scream“.
Rozmer 73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 milióna dolárov
predaný v 2012
na aukcii Sotheby's
Celý názov obrazu je Der Schrei der Natur (v preklade z nemčiny ako „výkrik prírody“). Tvár človeka alebo mimozemšťana vyjadruje zúfalstvo a paniku – rovnaké emócie, aké zažíva divák pri pohľade na obraz. Jedno z kľúčových diel expresionizmu varuje pred témami, ktoré sa stali akútnymi v umení 20. storočia. Podľa jednej verzie ho umelec vytvoril pod vplyvom duševnej poruchy, ktorou trpel celý život.
Obraz bol dvakrát ukradnutý z rôznych múzeí, ale bol vrátený. Mierne poškodený po krádeži bol The Scream obnovený a bol opäť pripravený na vystavenie v Munchovom múzeu v roku 2008. Pre predstaviteľov popkultúry sa dielo stalo zdrojom inšpirácie: Andy Warhol vytvoril sériu jeho tlačených kópií a maska z filmu „Scream“ bola vyrobená podľa obrazu a podoby hrdinu obrázka.
Munch napísal štyri verzie diela pre jeden predmet: ten, ktorý je v súkromnej zbierke, je vyrobený v pasteloch. Nórsky miliardár Petter Olsen ho dal 2. mája 2012 do aukcie. Kupujúcim bol Leon Black, ktorý na „Scream“ nešetril rekordnou sumou. Zakladateľ Apollo Advisors, L.P. a Lion Advisors, L.P. známy svojou láskou k umeniu. Black je patrónom Dartmouth College, Múzea moderného umenia, Lincoln Art Center a Metropolitného múzea umenia. Má najväčšiu zbierku obrazov súčasných umelcov a klasických majstrov minulých storočí.
6
"Nahá na pozadí busty a zelených listov"
Autor
Pablo Picasso
Krajina Španielsko, Francúzsko
Roky života 1881–1973
Štýl kubizmus
Pôvodom je Španiel, ale duchom a miestom bydliska je skutočným Francúzom. Picasso si otvoril vlastné umelecké štúdio v Barcelone, keď mal iba 16 rokov. Potom odišiel do Paríža a strávil tam väčšinu svojho života. Preto má jeho priezvisko dvojitý prízvuk. Štýl, ktorý vynašiel Picasso, je založený na popretí myšlienky, že objekt zobrazený na plátne je možné vidieť iba z jedného uhla.
Rozmer 130 x 162 cm
1932
cena
106,482 milióna dolárov
predané v roku 2010
na aukcii Christie's
Počas svojej práce v Ríme sa umelec stretol s tanečnicou Olgou Khokhlovou, ktorá sa čoskoro stala jeho manželkou. Skoncoval s potulkami a nasťahoval sa k nej do luxusného bytu. V tom čase uznanie našlo hrdinu, ale manželstvo bolo zničené. Jeden z najdrahších obrazov na svete vznikol takmer náhodou – z veľkej lásky, ktorá, ako vždy u Picassa, mala krátke trvanie. V roku 1927 sa začal zaujímať o mladú Marie-Therese Walterovú (ona mala 17 rokov, on 45). Tajne od svojej manželky odišiel so svojou milenkou do mesta neďaleko Paríža, kde namaľoval portrét zobrazujúci Máriu Teréziu v podobe Daphne. Plátno kúpil newyorský obchodník Paul Rosenberg a v roku 1951 ho predal Sidneymu F. Brodymu. Brodyovci ukázali svetu obraz iba raz a to len preto, že umelec mal 80 rokov. Po smrti svojho manžela dala pani Brodyová dielo v marci 2010 do aukcie v Christie’s. Za šesť desaťročí sa cena zvýšila viac ako 5000-krát! Neznámy zberateľ ho kúpil za 106,5 milióna dolárov. V roku 2011 sa v Británii konala „výstava jedného obrazu“, kde bol vydaný už druhýkrát, no meno majiteľa je stále neznáme.
7
"Osem Elvisov"
Autor
Andy Warhole
Krajina USA
Roky života 1928-1987
Štýl
pop art
„Sex a párty sú jediné miesta, kde sa musíte objaviť osobne,“ povedal kultový pop art umelec, režisér, jeden zo zakladateľov magazínu Interview, dizajnér Andy Warhol. Spolupracoval s Vogue a Harper's Bazaar, navrhoval obaly platní a navrhoval topánky pre spoločnosť I.Miller. V 60. rokoch sa objavili maľby zobrazujúce symboly Ameriky: Campbellovu a Coca-Cola polievku, Presleyho a Monroea – vďaka čomu sa stal legendou.
Rozmer 358 x 208 cm
1963
cena
100 miliónov dolárov
predané v roku 2008
na súkromnej aukcii
Warhol 60s bol názov pre éru pop artu v Amerike. V roku 1962 pracoval na Manhattane v štúdiu Factory, kde sa zišli všetci bohémovia New Yorku. Jeho prominentní predstavitelia: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote a ďalšie známe osobnosti sveta. Warhol zároveň otestoval techniku sieťotlače – opakované opakovanie jedného obrázka. Túto metódu použil aj pri tvorbe filmu „Osem Elvisov“: zdá sa, že divák vidí zábery z filmu, kde hviezda ožíva. Tu je všetko, čo umelec tak miloval: obojstranne výhodný verejný obraz, strieborná farba a predtucha smrti ako hlavné posolstvo.
V súčasnosti na svetovom trhu propagujú Warholovo dielo dvaja obchodníci s umením: Larry Gagosian a Alberto Mugrabi. Prvý z nich minul v roku 2008 200 miliónov dolárov na získanie viac ako 15 diel od Warhola. Druhý kupuje a predáva svoje obrazy ako vianočné pohľadnice, len za vyššiu cenu. Ale neboli to oni, ale skromný francúzsky umelecký poradca Philippe Segalot, ktorý pomohol rímskemu znalcovi umenia Annibale Berlinghieri predať „osem Elvisov“ neznámemu kupcovi za rekordnú sumu pre Warhola – 100 miliónov dolárov.
8
"Oranžová,Červená žltá"
Autor
Mark Rothko
Krajina USA
Roky života 1903–1970
Štýl abstraktný expresionizmus
Jeden z tvorcov farebnej maľby sa narodil v ruskom Dvinsku (dnes Daugavpils, Lotyšsko) do veľkej rodiny židovského lekárnika. V roku 1911 emigrovali do USA. Rothko študoval na umeleckom oddelení Yale University a získal štipendium, ale antisemitské nálady ho prinútili zanechať štúdium. Napriek všetkému kritici umenia zbožňovali umelca a múzeá ho prenasledovali celý život.
Rozmer 206 x 236 cm
1961
cena
86,882 milióna dolárov
predané v roku 2012
na aukcii Christie's
Prvé Rothkove výtvarné pokusy boli surrealistického zamerania, no postupom času zjednodušil dej na farebné škvrny, čím ich zbavil akejkoľvek objektivity. Najprv mali svetlé odtiene a v 60. rokoch sa zmenili na hnedú a fialovú, ktorá v čase umelcovej smrti zhustla na čiernu. Mark Rothko varoval pred hľadaním akéhokoľvek významu v jeho obrazoch. Autor chcel povedať presne to, čo povedal: iba farba rozpúšťajúca sa vo vzduchu a nič viac. Diela odporúčal pozerať zo vzdialenosti 45 cm, aby bol divák „vtiahnutý“ do farby ako do lievika. Buďte opatrní: pozeranie podľa všetkých pravidiel môže viesť k efektu meditácie, teda k uvedomeniu si nekonečna, úplného ponorenia sa do seba, uvoľnenia a postupne prichádza očista. Farba v jeho obrazoch žije, dýcha a má silný emocionálny vplyv (hovoria, že niekedy aj liečivý). Umelec vyhlásil: „Divák by mal pri pohľade na ne plakať,“ a takéto prípady sa skutočne stali. Podľa Rothkovej teórie ľudia v tejto chvíli prežívajú rovnakú duchovnú skúsenosť ako on pri práci na obraze. Ak ste to dokázali pochopiť na takej subtílnej úrovni, nebudete prekvapení, že tieto diela abstraktného umenia kritici často prirovnávajú k ikonám.
Dielo „Oranžová, červená, žltá“ vyjadruje podstatu maľby Marka Rothka. Jeho počiatočná cena na aukcii Christie’s v New Yorku je 35 – 45 miliónov dolárov. Neznámy kupec ponúkol cenu dvojnásobok odhadu. Meno šťastného majiteľa obrazu, ako sa často stáva, nie je zverejnené.
9
"triptych"
Autor
Francis Bacon
Krajina
Veľká Británia
Roky života 1909–1992
Štýl expresionizmus
Dobrodružstvá Francisa Bacona, úplného menovca a tiež vzdialeného potomka veľkého filozofa, sa začali, keď sa ho jeho otec zriekol a nedokázal akceptovať homosexuálne sklony svojho syna. Bacon šiel najprv do Berlína, potom do Paríža a potom sa jeho stopy po celej Európe zamotali. Počas jeho života boli jeho diela vystavené v popredných kultúrnych centrách sveta vrátane Guggenheimovho múzea a Treťjakovskej galérie.
147,5 x 198 cm (každý)
1976
cena
86,2 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's
Prestížne múzeá sa snažili vlastniť Baconove maľby, ale prvotriedna anglická verejnosť sa neponáhľala s hľadaním takéhoto umenia. Legendárna britská premiérka Margaret Thatcherová o ňom povedala: „Muž, ktorý maľuje tieto desivé obrazy.
Sám umelec považoval povojnové obdobie za východiskové obdobie vo svojej tvorbe. Po návrate zo služby sa opäť chopil maľby a vytvoril veľké majstrovské diela. Pred účasťou na „Triptychu, 1976“ bola Baconova najdrahšia práca „Štúdia portrétu pápeža Inocenta X“ (52,7 milióna dolárov). V „Triptychu, 1976“ umelec zobrazil mýtickú zápletku prenasledovania Oresta Fúriemi. Samozrejme, Orestes je sám Bacon a Fúrie sú jeho trápením. Viac ako 30 rokov bol obraz v súkromnej zbierke a nezúčastňoval sa na výstavách. Táto skutočnosť mu dáva osobitnú hodnotu, a preto zvyšuje náklady. Čo je však pár miliónov pre znalca umenia, a ešte k tomu štedrého? Roman Abramovich začal vytvárať svoju kolekciu v 90. rokoch, v ktorej ho výrazne ovplyvnila jeho priateľka Dasha Zhukova, ktorá sa stala módnou galeristkou v modernom Rusku. Podľa neoficiálnych údajov podnikateľ osobne vlastní diela Alberta Giacomettiho a Pabla Picassa zakúpené za sumy presahujúce 100 miliónov dolárov. V roku 2008 sa stal majiteľom Triptychu. Mimochodom, v roku 2011 bola získaná ďalšia cenná práca Bacona - „Tri náčrty pre portrét Luciana Freuda“. Skryté zdroje hovoria, že kupcom sa opäť stal Roman Arkadyevič.
10
"Jazierko s leknami"
Autor
Claude Monet
Krajina Francúzsko
Roky života 1840–1926
Štýl impresionizmus
Umelec je uznávaný ako zakladateľ impresionizmu, ktorý si túto metódu „patentoval“ na svojich plátnach. Prvým významným dielom bol obraz „Obed v tráve“ (pôvodná verzia diela Edouarda Maneta). V mladosti kreslil karikatúry a skutočnej maľbe sa venoval na cestách po pobreží a pod holým nebom. V Paríži viedol bohémsky životný štýl a neopustil ho ani po službe v armáde.
210 x 100 cm
1919
cena
80,5 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Christie's
Okrem toho, že bol Monet veľkým umelcom, bol aj horlivým záhradníkom a zbožňoval divokú prírodu a kvety. V jeho krajinách je stav prírody momentálny, objekty akoby rozmazané pohybom vzduchu. Dojem umocňujú veľké ťahy, od určitej vzdialenosti sa stávajú neviditeľnými a spájajú sa do textúrovaného, trojrozmerného obrazu. V obrazoch neskorého Moneta zaujíma téma vody a života v nej osobitné miesto. V mestečku Giverny mal umelec vlastný rybník, kde pestoval lekná zo semienok, ktoré si špeciálne priviezol z Japonska. Keď odkvitli ich kvety, začal kresliť. Séria „Lekná“ pozostáva zo 60 diel, ktoré umelec maľoval takmer 30 rokov až do svojej smrti. Jeho zrak sa vekom zhoršoval, no neprestával. V závislosti od vetra, ročného obdobia a počasia sa vzhľad jazierka neustále menil a Monet chcel tieto zmeny zachytiť. Starostlivou prácou pochopil podstatu prírody. Niektoré z obrazov zo série sú uložené v popredných svetových galériách: Národné múzeum západného umenia (Tokio), Orangerie (Paríž). Verzia nasledujúceho „Jazierka s leknami“ sa dostala do rúk neznámeho kupca za rekordnú sumu.
11
Falošná hviezda t
Autor
Jasper Johns
Krajina USA
Rok narodenia 1930
Štýl pop art
V roku 1949 Jones vstúpil na dizajnérsku školu v New Yorku. Spolu s Jacksonom Pollockom, Willemom de Kooningom a ďalšími je uznávaný ako jeden z hlavných umelcov 20. storočia. V roku 2012 dostal Prezidentskú medailu slobody, najvyššie civilné vyznamenanie v USA.
137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na súkromnej aukcii
Podobne ako Marcel Duchamp aj Jones pracoval so skutočnými predmetmi, zobrazoval ich na plátne a v sochách plne v súlade s originálom. Pre svoje diela používal jednoduché a zrozumiteľné predmety: fľašu od piva, vlajku či karty. Vo filme Falošný štart nie je jasná kompozícia. Zdá sa, že umelec sa hrá s divákom, často „nesprávne“ označuje farby na obraze a prevracia samotný koncept farby: „Chcel som nájsť spôsob, ako zobraziť farbu, aby sa dala určiť inou metódou.“ Jeho najvýbušnejší a „neistý“ obraz podľa kritikov získal neznámy kupec.
12
"Sediacnahána gauči"
Autor
Amedeo Modigliani
Krajina Taliansko, Francúzsko
Roky života 1884–1920
Štýl expresionizmus
Modigliani bol od detstva často chorý, počas horúčkovitého delíria spoznal svoj umelecký osud. Študoval kresbu v Livorne, Florencii, Benátkach a v roku 1906 odišiel do Paríža, kde jeho umenie prekvitalo.
65 x 100 cm
1917
cena
68,962 milióna dolárov
predané v roku 2010
na aukcii Sotheby's
V roku 1917 sa Modigliani zoznámil s 19-ročnou Jeanne Hebuterne, ktorá sa stala jeho modelkou a potom manželkou. V roku 2004 sa jeden z jej portrétov predal za 31,3 milióna dolárov, čo je posledný záznam pred predajom „Nude Seated on a Sofa“ v roku 2010. Obraz kúpil neznámy kupec za momentálne maximálnu cenu pre Modiglianiho. Aktívny predaj diel sa začal až po umelcovej smrti. Zomrel v chudobe, chorý na tuberkulózu a na druhý deň spáchala samovraždu aj Jeanne Hebuterne, ktorá bola v deviatom mesiaci tehotenstva.
13
"Orol na borovici"
Autor
Qi Baishi
Krajina Čína
Roky života 1864–1957
Štýl Guohua
Záujem o kaligrafiu priviedol Qi Baishi k maľbe. Vo veku 28 rokov sa stal žiakom umelca Hu Qingyuana. Čínske ministerstvo kultúry mu udelilo titul „Veľký umelec čínskeho ľudu“ a v roku 1956 dostal Medzinárodnú cenu mieru.
10x26 cm
1946
cena
65,4 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii China Guardian
Qi Baishi sa zaujímal o tie prejavy okolitého sveta, ktorým mnohí nepripisujú dôležitosť, a to je jeho veľkosť. Z človeka bez vzdelania sa stal profesor a vynikajúci tvorca v histórii. Pablo Picasso o ňom povedal: „Bojím sa ísť do vašej krajiny, pretože v Číne je Qi Baishi. Kompozícia „Eagle on a Pine Tree“ je uznávaná ako najväčšie dielo umelca. Okrem plátna obsahuje dva hieroglyfické zvitky. Pre Čínu predstavuje suma, za ktorú bolo dielo zakúpené, rekord – 425,5 milióna jüanov. Len zvitok starovekého kaligrafa Huang Tingjian sa predal za 436,8 milióna.
14
"1949-A-No. 1"
Autor
Clyfford Still
Krajina USA
Roky života 1904–1980
Štýl abstraktný expresionizmus
Vo veku 20 rokov som navštívil Metropolitné múzeum umenia v New Yorku a bol som sklamaný. Neskôr sa prihlásil na kurz Študentskej umeleckej ligy, ale 45 minút po začiatku hodiny odišiel – ukázalo sa, že to „nie je pre neho“. Prvá osobná výstava vyvolala ohlas, umelec našiel sám seba a s ním aj uznanie
Rozmer 79 x 93 cm
1949
cena
61,7 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii Sotheby's
Všetky svoje diela, viac ako 800 plátien a 1600 diel na papieri, stále odkázal americkému mestu, kde bude otvorené múzeum pomenované po ňom. Takýmto mestom sa stal Denver, ale samotná výstavba bola pre úrady drahá a na jej dokončenie sa do dražby dostali štyri diela. Stillove diela sa pravdepodobne nebudú opäť dražiť, čo vopred zvýšilo ich cenu. Obraz „1949-A-No.1“ sa pre umelca predal za rekordnú sumu, hoci odborníci predpovedali predaj maximálne za 25–35 miliónov dolárov.
15
"Suprematistické zloženie"
Autor
Kažimír Malevič
Krajina Rusko
Roky života 1878–1935
Štýl Suprematizmus
Malevich študoval maľbu na Kyjevskej umeleckej škole, potom na Moskovskej akadémii umení. V roku 1913 začal maľovať abstraktné geometrické obrazy v štýle, ktorý nazval suprematizmus (z latinčiny pre „dominanciu“).
Rozmery 71 x 88,5 cm
1916
cena
60 miliónov dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's
Obraz bol asi 50 rokov uchovávaný v amsterdamskom mestskom múzeu, no po 17-ročnom spore s Malevichovými príbuznými ho múzeum vydalo. Umelec namaľoval toto dielo v tom istom roku ako „Manifest suprematizmu“, takže Sotheby’s ešte pred aukciou oznámil, že nepôjde do súkromnej zbierky za menej ako 60 miliónov dolárov. A tak sa aj stalo. Je lepšie sa na to pozerať zhora: postavy na plátne pripomínajú letecký pohľad na zem. Mimochodom, pred niekoľkými rokmi tí istí príbuzní vyvlastnili ďalšiu „suprematistickú kompozíciu“ z múzea MoMA, aby ju predali na aukcii Phillips za 17 miliónov dolárov.
16
"kúpajúci sa"
Autor
Paul Gauguin
Krajina Francúzsko
Roky života 1848–1903
Štýl postimpresionizmu
Do siedmich rokov žil umelec v Peru, potom sa s rodinou vrátil do Francúzska, no spomienky z detstva ho neustále tlačili k cestovaniu. Vo Francúzsku začal maľovať a spriatelil sa s Van Goghom. Strávil s ním dokonca niekoľko mesiacov v Arles, kým mu Van Gogh počas hádky neodrezal ucho.
93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 miliónov dolárov
predané v roku 2005
na aukcii Sotheby's
V roku 1891 Gauguin zorganizoval predaj svojich obrazov, aby výťažok použil na cestu hlboko na ostrov Tahiti. Tam vytvoril diela, v ktorých je cítiť jemné prepojenie prírody a človeka. Gauguin žil v slamenej chatrči a na jeho plátnach kvitol tropický raj. Jeho manželkou bola 13-ročná Tahitčanka Tehura, čo umelcovi nebránilo v promiskuitných vzťahoch. Po ochorení na syfilis odišiel do Francúzska. Pre Gauguina tam však bolo plno a vrátil sa na Tahiti. Toto obdobie sa nazýva „druhý Tahiťan“ - práve vtedy bol namaľovaný obraz „Bathers“, jeden z najluxusnejších v jeho tvorbe.
17
"Narcisy a obrus v modrých a ružových tónoch"
Autor
Henri Matisse
Krajina Francúzsko
Roky života 1869–1954
Štýl fauvizmus
V roku 1889 utrpel Henri Matisse záchvat zápalu slepého čreva. Keď sa zotavoval po operácii, mama mu kúpila farby. Matisse najskôr z nudy kopíroval farebné pohľadnice, potom kopíroval diela veľkých maliarov, ktorých videl v Louvri, a začiatkom 20. storočia prišiel so štýlom – fauvizmom.
65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 milióna dolárov
predané v roku 2009
na aukcii Christie's
Obraz „Narcisy a obrus v modrej a ružovej farbe“ dlho patril Yvesovi Saint Laurentovi. Po smrti návrhára prešla celá jeho umelecká zbierka do rúk jeho priateľa a milenca Pierra Bergera, ktorý sa ju rozhodol dať do aukcie v Christie’s. Perlou predávanej kolekcie bol obraz „Narcisy a obrus v modrých a ružových tónoch“ namaľovaný na obyčajný obrus namiesto plátna. Ako príklad fauvizmu je naplnený energiou farieb, farby akoby explodovali a kričali. Zo slávnej série obrazov maľovaných na obrusoch je dnes toto dielo jediné, ktoré sa nachádza v súkromnej zbierke.
18
"Spiace dievča"
Autor
RoyLee
htenstein
Krajina USA
Roky života 1923–1997
Štýl pop art
Umelec sa narodil v New Yorku a po skončení školy odišiel do Ohia, kde absolvoval umelecké kurzy. V roku 1949 Lichtenstein získal titul Master of Fine Arts. Jeho záujem o komiks a schopnosť používať iróniu z neho urobili kultového umelca minulého storočia.
Rozmer 91 x 91 cm
1964
cena
44,882 milióna dolárov
predané v roku 2012
na aukcii Sotheby's
Jedného dňa sa Lichtensteinovi do rúk dostala žuvačka. Obraz z prílohy prekreslil na plátno a stal sa slávnym. Tento príbeh z jeho životopisu obsahuje celé posolstvo pop-artu: konzum je nový boh a v obale od žuvačky nie je o nič menej krásy ako v Mona Lisa. Jeho obrazy pripomínajú komiksy a karikatúry: Lichtenstein hotový obraz jednoducho zväčšil, nakreslil rastre, použil sieťotlač a sieťotlač. Obraz „Spiace dievča“ patril takmer 50 rokov zberateľom Beatrice a Philipovi Gershovým, ktorých dedičia ho predali na aukcii.
19
„Víťazstvo. Boogie Woogie"
Autor
Piet Mondrian
Krajina Holandsko
Roky života 1872–1944
Štýl neoplasticizmus
Umelec si zmenil svoje skutočné meno, Cornelis, na Mondrian, keď sa v roku 1912 presťahoval do Paríža. Spolu s umelcom Theom van Doesburgom založil hnutie neoplasticizmus. Programovací jazyk Piet je pomenovaný po Mondrianovi.
Rozmer 27 x 127 cm
1944
cena
40 miliónov dolárov
predané v roku 1998
na aukcii Sotheby's
„Najhudobnejší“ umelci 20. storočia sa živili akvarelovými zátišiami, hoci sa preslávil ako neoplastický umelec. V 40. rokoch sa presťahoval do USA a tam strávil zvyšok života. Najviac ho inšpiroval jazz a New York! Maľba „Víťazstvo. Boogie-Woogie“ je toho najlepším príkladom. Charakteristické úhľadné štvorce boli dosiahnuté pomocou lepiacej pásky, Mondrianovho obľúbeného materiálu. V Amerike ho nazývali „najslávnejším prisťahovalcom“. V šesťdesiatych rokoch Yves Saint Laurent uviedol na trh svetoznáme „Mondrian“ šaty s veľkými kockovanými potlačami.
20
"Zloženie č. 5"
Autor
BazalkaKandinsky
Krajina Rusko
Roky života 1866–1944
Štýl avantgarda
Umelec sa narodil v Moskve a jeho otec pochádzal zo Sibíri. Po revolúcii sa snažil spolupracovať so sovietskou vládou, ale čoskoro si uvedomil, že zákony proletariátu neboli vytvorené pre neho a nie bez problémov emigroval do Nemecka.
Rozmer 275 x 190 cm
1911
cena
40 miliónov dolárov
predané v roku 2007
na aukcii Sotheby's
Kandinsky bol jedným z prvých, ktorí úplne opustili objektové maľovanie, za čo získal titul génia. Počas nacizmu v Nemecku boli jeho obrazy klasifikované ako „degenerované umenie“ a neboli nikde vystavené. V roku 1939 Kandinsky prijal francúzske občianstvo a v Paríži sa slobodne zúčastnil umeleckého procesu. Jeho obrazy „znejú“ ako fúgy, a preto sa mnohé nazývajú „kompozície“ (prvá bola napísaná v roku 1910, posledná v roku 1939). „Kompozícia č. 5“ je jedným z kľúčových diel tohto žánru: „Slovo „kompozícia“ mi znelo ako modlitba,“ povedal umelec. Na rozdiel od mnohých svojich nasledovníkov plánoval, čo zobrazí na obrovskom plátne, akoby si písal poznámky.
21
"Štúdia ženy v modrom"
Autor
Fernand Léger
Krajina Francúzsko
Roky života 1881–1955
Štýl kubizmus-postimpresionizmus
Léger získal architektonické vzdelanie a potom navštevoval Ecole des Beaux-Arts v Paríži. Umelec sa považoval za stúpenca Cezanna, bol apologétom kubizmu av 20. storočí bol úspešný aj ako sochár.
Rozmery 96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's
David Norman, prezident medzinárodného oddelenia impresionizmu a modernizmu v Sotheby's, považuje obrovskú sumu zaplatenú za „Dámu v modrom“ za úplne opodstatnenú. Obraz patrí do slávnej Légerovej zbierky (umelec namaľoval tri obrazy na rovnakú tému, posledný z nich je dnes v súkromných rukách. - pozn. red.) a povrch plátna sa zachoval v pôvodnej podobe. Toto dielo dal sám autor do galérie Der Sturm, potom skončilo v zbierke nemeckého zberateľa moderny Hermanna Langa a dnes patrí neznámemu kupcovi.
22
„Pouličná scéna. Berlín"
Autor
Ernst LudwigKirchner
Krajina Nemecko
Roky života 1880–1938
Štýl expresionizmus
Pre nemecký expresionizmus sa Kirchner stal ikonickou osobou. Miestne úrady ho však obvinili z dodržiavania „degenerovaného umenia“, čo tragicky ovplyvnilo osud jeho obrazov a život umelca, ktorý v roku 1938 spáchal samovraždu.
Rozmer 95 x 121 cm
1913
cena
38,096 milióna dolárov
predané v roku 2006
na aukcii Christie's
Po presťahovaní do Berlína vytvoril Kirchner 11 náčrtov pouličných scén. Inšpiroval ho ruch a nervozita veľkomesta. Na obraze, ktorý sa predal v roku 2006 v New Yorku, je obzvlášť ostro cítiť umelcov úzkostný stav: ľudia na berlínskej ulici pripomínajú vtáky - pôvabné a nebezpečné. Bolo to posledné dielo zo slávnej série predané na aukcii, zvyšok je uložený v múzeách. V roku 1937 nacisti zaobchádzali s Kirchnerom tvrdo: 639 jeho diel bolo odstránených z nemeckých galérií, zničených alebo predaných do zahraničia. Umelec to nemohol prežiť.
23
"dovolenkár"tanečník"
Autor
Edgar Degas
Krajina Francúzsko
Roky života 1834–1917
Štýl impresionizmus
História Degasa ako umelca sa začala jeho prácou prepisovača v Louvri. Sníval o tom, že sa stane „slávnym a neznámym“ a nakoniec sa mu to podarilo. 80-ročný Degas na konci svojho života, nepočujúci a slepý, naďalej navštevoval výstavy a aukcie.
Rozmer 64 x 59 cm
1879
cena
37,043 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's
"Baleríny boli pre mňa vždy len zámienkou na zobrazovanie látok a zachytávanie pohybu," povedal Degas. Zdá sa, že scény zo života tanečníkov boli špehované: dievčatá nepózujú pre umelca, ale jednoducho sa stávajú súčasťou atmosféry, ktorú zachytil Degasov pohľad. „Resting Dancer“ sa predal za 28 miliónov dolárov v roku 1999 a o necelých 10 rokov neskôr bol kúpený za 37 miliónov dolárov – dnes je to najdrahšie dielo umelca, aké kedy bolo zaradené do aukcie. Degas venoval rámom veľkú pozornosť, sám ich navrhol a zakázal ich meniť. Zaujímalo by ma, aký rám je nainštalovaný na predávanom obraze?
24
"maľovanie"
Autor
Joan Miro
Krajina Španielsko
Roky života 1893–1983
Štýl abstraktné umenie
Počas španielskej občianskej vojny bol umelec na republikánskej strane. V roku 1937 utiekol pred fašistickým režimom do Paríža, kde žil v chudobe so svojou rodinou. V tomto období Miro namaľoval obraz „Pomôž Španielsku!“, čím upriamil pozornosť celého sveta na dominanciu fašizmu.
Rozmer 89 x 115 cm
1927
cena
36,824 milióna dolárov
predané v roku 2012
na aukcii Sotheby's
Druhý názov obrazu je „Modrá hviezda“. Umelec ho namaľoval v tom istom roku, keď vyhlásil: „Chcem zabiť maľbu“ a nemilosrdne sa posmieval plátnam, škrabal farbu klincami, lepil perie na plátno, pokrýval diela odpadkami. Jeho cieľom bolo vyvrátiť mýty o tajomstve maľby, no keď sa s tým vyrovnal, vytvoril si svoj vlastný mýtus – surrealistickú abstrakciu. Jeho „Maľba“ patrí do cyklu „maľieb snov“. Na aukcii oň bojovali štyria kupci, ale jeden inkognito telefonát spor vyriešil a „Maľba“ sa stala najdrahším obrazom umelca.
25
"Modrá ruža"
Autor
Yves Klein
Krajina Francúzsko
Roky života 1928–1962
Štýl monochromatická maľba
Umelec sa narodil v rodine maliara, no študoval orientálne jazyky, navigáciu, remeslo pozlacovača rámov, zenbudhizmus a mnoho ďalšieho. Jeho osobnosť a drzé huncútstva boli mnohokrát zaujímavejšie ako monochromatické maľby.
Rozmery 153 x 199 x 16 cm
1960
cena
36,779 milióna dolárov
predaný v roku 2012
na aukcii Christie's
Prvá výstava monochromatických žltých, oranžových a ružových diel záujem verejnosti nevzbudila. Klein sa urazil a nabudúce predstavil 11 rovnakých plátien, natretých ultramarínom zmiešaným so špeciálnou syntetickou živicou. Túto metódu si dokonca nechal patentovať. Farba vošla do histórie ako „medzinárodná Kleinova modrá“. Umelec tiež predával prázdnotu, tvoril obrazy vystavovaním papiera dažďu, podpaľovaním kartónu, vytváraním odtlačkov ľudského tela na plátne. Jedným slovom, experimentoval som, ako som najlepšie vedel. Na vytvorenie „Blue Rose“ som použil suché pigmenty, živice, kamienky a prírodnú špongiu.
26
"Pri hľadaní Mojžiša"
Autor
Sir Lawrence Alma-Tadema
Krajina Veľká Británia
Roky života 1836–1912
Štýl neoklasicizmus
Sám Sir Lawrence si k priezvisku pridal predponu „alma“, aby mohol byť uvedený na prvom mieste v umeleckých katalógoch. Vo viktoriánskom Anglicku boli jeho obrazy také žiadané, že umelec získal rytiersky titul.
213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii Sotheby's
Hlavnou témou Alma-Tademovej tvorby bola antika. Vo svojich obrazoch sa snažil do najmenších detailov zobraziť éru Rímskej ríše, preto dokonca robil archeologické vykopávky na Apeninskom polostrove a vo svojom londýnskom dome reprodukoval historický interiér tých rokov. Ďalším zdrojom inšpirácie sa pre neho stali mytologické námety. Umelec bol počas svojho života mimoriadne žiadaný, no po smrti sa na neho rýchlo zabudlo. Teraz záujem ožíva, o čom svedčia náklady na obraz „Hľadám Mojžiša“, ktoré sú sedemkrát vyššie, ako sa odhadovalo v predpredaji.
27
"Portrét spiaceho nahého úradníka"
Autor
Lucian Freud
Krajina Nemecko,
Veľká Británia
Roky života 1922–2011
Štýl figuratívna maľba
Umelec je vnukom Sigmunda Freuda, otca psychoanalýzy. Po nastolení fašizmu v Nemecku jeho rodina emigrovala do Veľkej Británie. Freudove diela sú vo Wallace Collection Museum v Londýne, kde doteraz nevystavoval žiadny súčasný umelec.
219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Christie's
Zatiaľ čo módni umelci 20. storočia vytvárali pozitívne „farebné škvrny na stene“ a predávali ich za milióny, Freud maľoval mimoriadne naturalistické obrazy a predával ich za ešte viac. "Zachytávam výkriky duše a utrpenie blednúceho tela," povedal. Kritici veria, že toto všetko je „dedičstvo“ Sigmunda Freuda. Obrazy boli tak aktívne vystavované a úspešne predávané, že odborníci začali pochybovať: majú hypnotické vlastnosti? Portrét nahého spiaceho úradníka, predaný v aukcii, podľa Slnka kúpil znalec krásy a miliardár Roman Abramovič.
28
"Husle a gitara"
Autor
Xjeden Gris
Krajina Španielsko
Roky života 1887–1927
Štýl kubizmus
Narodil sa v Madride, kde vyštudoval Školu umeleckých remesiel. V roku 1906 sa presťahoval do Paríža a vstúpil do kruhu najvplyvnejších umelcov tej doby: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger a spolupracoval aj so Sergejom Diaghilevom a jeho súborom.
5x100 cm
1913
cena
28,642 milióna dolárov
predané v roku 2010
na aukcii Christie's
Gris sa podľa vlastných slov zaoberal „rovinnou, farebnou architektúrou“. Jeho obrazy sú precízne premyslené: nezanechal jediný náhodný ťah, vďaka čomu je kreativita podobná geometrii. Umelec vytvoril svoju vlastnú verziu kubizmu, hoci veľmi rešpektoval Pabla Picassa, zakladateľa hnutia. Nástupca mu dokonca venoval svoje prvé dielo v kubistickom štýle „Pocta Picassovi“. Obraz „Husle a gitara“ je v diele umelca uznávaný ako vynikajúci. Počas svojho života bol Gris známy a obľúbený medzi kritikmi a umeleckými kritikmi. Jeho diela sú vystavené v najväčších svetových múzeách a sú uložené v súkromných zbierkach.
29
„PortrétEluardove polia"
Autor
Salvador Dalí
Krajina Španielsko
Roky života 1904–1989
Štýl surrealizmus
„Surrealizmus som ja,“ povedal Dalí, keď ho vylúčili zo surrealistickej skupiny. Postupom času sa stal najznámejším surrealistickým umelcom. Dalího práca je všade, nielen v galériách. Bol to napríklad on, kto vymyslel obal pre Chupa Chups.
25 x 33 cm
1929
cena
20,6 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii Sotheby's
V roku 1929 prišiel básnik Paul Eluard a jeho ruská manželka Gala navštíviť veľkého provokatéra a bitkára Dalího. Stretnutie bolo začiatkom milostného príbehu, ktorý trval viac ako pol storočia. Počas tejto historickej návštevy bol namaľovaný obraz „Portrét Paula Eluarda“. „Cítil som, že mi bola zverená zodpovednosť zachytiť tvár básnika, z ktorého Olympu som ukradol jednu z múz,“ povedal umelec. Pred stretnutím s Galou bol panna a bol znechutený myšlienkou na sex so ženou. Milostný trojuholník existoval až do Eluardovej smrti, po ktorej sa z neho stal duet Dali-Gala.
30
"výročie"
Autor
Marc Chagall
Krajina Rusko, Francúzsko
Roky života 1887–1985
Štýl avantgarda
Moishe Segal sa narodil vo Vitebsku, ale v roku 1910 emigroval do Paríža, zmenil si meno a zblížil sa s poprednými avantgardnými umelcami tej doby. V 30. rokoch, počas uchopenia moci nacistami, odišiel s pomocou amerického konzula do USA. Do Francúzska sa vrátil až v roku 1948.
Rozmer 80 x 103 cm
1923
cena
14,85 milióna dolárov
predané 1990
na aukcii Sotheby's
Obraz „Výročie“ je uznávaný ako jedno z najlepších diel umelca. Obsahuje všetky znaky jeho diela: fyzikálne zákony sveta sú vymazané, v kulisách meštianskeho života sa zachováva pocit rozprávky a v centre deja je láska. Chagall nekreslil ľudí zo života, ale len z pamäti či predstáv. Obraz „Výročie“ zobrazuje samotného umelca a jeho manželku Belu. Obraz bol predaný v roku 1990 a odvtedy sa nedražil. Zaujímavé je, že v New York Museum of Modern Art MoMA sa nachádza presne to isté, len pod názvom „Narodeniny“. Mimochodom, bolo to napísané skôr - v roku 1915.
pripravila projekt
Tatiana Palašová
hodnotenie bolo zostavené
podľa zoznamu www.art-spb.ru
tmn časopis číslo 13
(máj – jún 2013)
Každá krajina má svojich hrdinov súčasného umenia, ktorých mená sú známe, ktorých výstavy lákajú davy fanúšikov a zvedavcov a ktorých diela sa predávajú do súkromných zbierok.
V tomto článku vám predstavíme najpopulárnejších súčasných umelcov v Spojených štátoch.
Iva Morrisová
Americká umelkyňa Iva Morris sa narodila do veľkej rodiny ďaleko od umenia a umelecké vzdelanie získala po škole. V roku 1981 získala bakalársky titul v odbore umenia na Univerzite v Novom Mexiku. Dnes sa Iva venuje umeniu už viac ako 20 rokov, jej diela sú známe doma aj v zahraničí a opakovane jej prinášajú ceny a ocenenia. Možno ich vidieť v galériách v Albuquerque, Sante Fe, Novom Mexiku a Madride.
Warren Chang
Urren Cheng sa narodil v roku 1957 v Kalifornii a získal BFA v odbore maľba na Pasadena College of Design a nasledujúcich 20 rokov pracoval ako ilustrátor pre rôzne spoločnosti, pričom svoju kariéru profesionálneho umelca začal až v roku 2009. Chengov maliarsky štýl je zakorenený v diele umelca zo 16. storočia Johannesa Vermeera – Warren Cheng pracuje realistickým spôsobom a vytvára dve hlavné kategórie: biografické interiérové maľby a maľby zobrazujúce ľudí pri práci. V súčasnosti vyučuje na Akadémii umení v San Franciscu.
Christopher Traedy Ulrich
Umelec Christopher Ulrich z Los Angeles je surrealista s ikonografickým sklonom. Jeho tvorba bola výrazne ovplyvnená antickou mytológiou. Ulrichova prvá samostatná výstava (spoločná s umelcom Billym Shireom) sa uskutočnila v júni 2009.
Michael DeVore
Mladý umelec a rodák z Oklahoma City Michael DeVore pracuje v klasickej realistickej tradícii. K umeniu sa dostal s pomocou a podporou svojej rodiny a pred štúdiom výtvarného umenia na Pepperdine University v Malibu získal vo svojom rodnom štáte množstvo ocenení. Potom umelec pokračoval v štúdiu v Taliansku. V súčasnosti sú jeho diela vystavované po celom svete a sú v súkromných zbierkach. Michael DeVore je členom Oil Painters of America, International Guild of Realism, National Society of Oil and Acrylic Painters a Society of Portrait Painters of America.
Mary Carol Kenney
Mary Carol Kenny sa narodila v Indiane v roku 1953. Vzdelaním má veľmi nejasný vzťah k výtvarnému umeniu, ale od roku 2002, poháňaná túžbou stať sa umelkyňou, začala navštevovať kurzy sochárstva a keramiky na Santa Barbara City College a potom začala študovať u Rickyho Shtrikha. Dnes je členkou The Santa Barbara Art Ass, spolku sochárov Santa Barbara a víťazkou mnohých ocenení v sochárstve a maľbe.
Patricia Watwoodová
Realistická umelkyňa Patricia Watwood sa narodila v roku 1971 v Missouri. Vyštudovala s vyznamenaním Akadémiu výtvarných umení, študovala v dielni Jacoba Collinsa a Teda Setha Jacobsa. Umelkin štýl je moderný klasicizmus: v jej obrazoch sa prelína mytológia, alegórie a moderný život. V posledných rokoch Patricia prednášala o klasicizme po celej krajine a teraz žije so svojou rodinou v Brooklyne.
Paula Rubino
Paula Rubino, súčasná americká umelkyňa a spisovateľka, sa narodila v roku 1968 v New Jersey a vyrástla na Floride. Má doktorát z práva. V 90. rokoch sa presťahovala do Mexika a zamerala sa na maľovanie. Študovala umenie kresby v Taliansku, kde dokončila svoj prvý román. Vyšla aj séria jej poviedok. V súčasnosti žije na Floride.
Patssi Valdezová
Patssy Valdez sa narodila v Los Angeles v roku 1951 a študovala výtvarné umenie na Otis Art Institute, kde bola v roku 1980 vyhlásená za významnú absolventku triedy. V roku 2005 získal Valdez cenu Latina Award a titul „Latina of Excellence in the Cultural Arts“ od Kongresového hispánskeho fóra Spojených štátov amerických. Preslávila sa na začiatku svojej kariéry počas spolupráce s avantgardnou umeleckou skupinou ASCO. Je držiteľom mnohých prestížnych ocenení, vrátane tých, ktoré udeľuje J. Paul Getty Trust for the Visual Arts a National Endowment for the Arts. Získala Brody Fellowship in Visual Arts. Valdezove obrazy sú súčasťou niekoľkých veľkých zbierok.
Cynthia Grilli
Umelkyňa Cynthia Grilli získala BFA na Rhode Island School of Design v roku 1992 a MFA v odbore maľba na New York Academy of Art do roku 1994. Jej práce boli publikované v mnohých publikáciách v USA, vystavované po celej krajine a sú zahrnuté v súkromných a podnikových zbierkach v Amerike a Európe. Cynthia je dvojnásobnou držiteľkou nadácie Elizabeth Greenshields Foundation.
Eric Fischl
Eric Fischl sa narodil v New Yorku v roku 1948. V roku 1972 promoval na California Institute of the Arts a získal bakalársky titul. Po ukončení štúdia nejaký čas pracoval ako ochrankár v Chicagskom múzeu súčasného umenia. Po presťahovaní sa do Škótska začal Fischl vyučovať na Vysokej škole umenia a dizajnu v Novom Škótsku a začal priamo maľovať. Jeho prvá osobná výstava sa konala v Škótsku. Žánre jeho diel sú veľmi rôznorodé, ale hlavne figuratívna maľba, epizódy z moderného amerického života.
