Monochromatická maľba Japonska je jedným z jedinečných fenoménov východného umenia. Venovalo sa jej veľa práce a výskumov, no často je vnímaná ako veľmi konvenčná vec, niekedy až dekoratívna. Nie je to tak, duchovný svet japonského umelca je veľmi bohatý a nezáleží mu ani tak na estetickej, ako skôr na duchovnej zložke. Umenie východu je syntézou vonkajšieho a vnútorného, explicitného a implicitného.
V tomto príspevku by som chcel venovať pozornosť nie histórii monochromatickej maľby, ale jej podstate. To je to, o čom budeme hovoriť.
obrazovka "Borovice" Hasegawa Tohaku, 1593
To, čo vidíme na monochromatických maľbách, je výsledkom umelcovej interakcie so základnou triádou: papier, štetec, atrament. Preto, aby ste správne pochopili dielo, musíte pochopiť samotného umelca a jeho postoj.
"Krajina" Sesshu, 1398
Papier pre japonského majstra to nie je len materiál po ruke, ktorý podriaďuje svojmu rozmaru, ale naopak - je to „brat“, a preto sa k nemu zodpovedajúcim spôsobom vyvinul aj postoj. Papier je súčasťou okolitej prírody, ku ktorej sa Japonci vždy správali s úctou a snažili sa ju nepodmaniť, ale pokojne s ňou koexistovať. Papier je strom v minulosti, ktorý stál v určitom priestore určitý čas, niečo okolo seba „videl“ a všetko si to ukladá. Japonský umelec tak vníma materiál. Často sa majstri pred začatím práce dlho pozerali na prázdny list papiera (uvažovali o tom) a až potom začali maľovať. Aj dnes moderní japonskí umelci, ktorí praktizujú techniku Nihon-ga (tradičná japonská maľba), starostlivo vyberajú papier. Kupujú ho na objednávku z papierní. Každý umelec má určitú hrúbku, priepustnosť vlhkosti a textúru (mnohí umelci dokonca uzatvárajú dohodu s majiteľom továrne, že tento papier nepredajú iným umelcom) – preto je každý obraz vnímaný ako niečo jedinečné a živé.
"Čítanie v bambusovom háji" Xubun, 1446
Keď už hovoríme o význame tohto materiálu, stojí za zmienku také slávne pamiatky japonskej literatúry ako „Notes at the Bedside“ od Sei Shonagona a „Genji Monogotari“ od Murasaki Shikibu: v „Notes“ aj „Genji“ nájdete zápletky keď si dvorania alebo milenci vymieňajú správy . Papier, na ktorom boli tieto správy napísané, mal vhodné ročné obdobie, odtieň a spôsob písania textu zodpovedal jeho textúre.
"Murasaki Shikibu vo svätyni Ishiyama" Kyosen
Kefa- druhý komponent je pokračovaním majstrovej ruky (opäť ide o prírodný materiál). Štetce sa preto vyrábali aj na objednávku, najčastejšie však samotným umelcom. Vybral chĺpky požadovanej dĺžky, zvolil veľkosť kefy a najpohodlnejšiu rukoväť. Majster maľuje iba vlastným štetcom a žiadnym iným. (Z osobnej skúsenosti: Bol som na majstrovskom kurze od čínskeho umelca Jiang Shiluna, publikum požiadalo, aby som ukázal, čo dokážu jeho študenti, ktorí boli prítomní na majstrovskom kurze, a každý z nich, keď vzal do rúk majstrovský štetec, povedal, že výsledok by nebol taký, ako očakávali, keďže kefka nie je ich, nie sú na ňu zvyknutí a nevedia, ako ju správne používať).
Atramentová skica "Fuji" od Katsushika Hokusai
Maskara- tretí dôležitý prvok. Existujú rôzne druhy riaseniek: po zaschnutí môže dodať lesklý alebo matný efekt, možno ju zmiešať so striebornými alebo okrovými odtieňmi, preto je dôležitý aj správny výber maskary.
Yamamoto Baitsu, koniec 18. – 19. storočia.
Hlavným námetom monochromatickej maľby sú krajiny. Prečo v nich nie sú žiadne farby?
Spárovaná obrazovka "Pines", Hasegawa Tohaku
Po prvé, japonského umelca nezaujíma samotný predmet, ale vo svojej podstate určitá zložka, ktorá je spoločná všetkému živému a vedie k harmónii medzi človekom a prírodou. Preto je obraz vždy náznakom, je adresovaný našim zmyslom a nie zraku. Podhodnotenie je podnetom na dialóg, a teda spojenie. Línie a škvrny sú v obraze dôležité – tvoria umelecký jazyk. To nie je sloboda majstra, ktorý zanechal tučnú stopu, kde chcel, ale na inom mieste naopak podkreslil - všetko na obrázku má svoj význam a význam a nie je náhodné.
Po druhé, farba vždy nesie nejaký druh emocionálnej konotácie a rôzni ľudia ju v rôznych stavoch vnímajú odlišne, preto emocionálna neutralita umožňuje divákovi čo najprimeranejšie vstúpiť do dialógu, umiestniť ho na vnímanie, kontempláciu a myslenie.
Po tretie, ide o interakciu jin a jang, každá monochromatická maľba je harmonická z hľadiska pomeru atramentu k nedotknutej ploche papiera.
Prečo je väčšina papierového priestoru nevyužitá?
"Krajina" Xubun, polovica 15. storočia.
Po prvé, prázdny priestor ponorí diváka do obrazu; po druhé, obraz vzniká, akoby na chvíľu vyplával na povrch a chystal sa zaniknúť – to súvisí so svetonázorom a svetonázorom; po tretie, v tých oblastiach, kde nie je atrament, vystupuje do popredia textúra a odtieň papiera (nie je to vždy vidieť na reprodukciách, ale v skutočnosti ide vždy o interakciu dvoch materiálov - papiera a atramentu).
Sesshu, 1446
Prečo krajina?
"Kontemplácia vodopádu" Gayami, 1478
Príroda je podľa japonského svetonázoru dokonalejšia ako človek, preto sa z nej musí poučiť, všemožne ju chrániť a neničiť a nepodrobovať si ju. Preto v mnohých krajinách môžete vidieť malé obrázky ľudí, ale vždy sú bezvýznamné, malé vo vzťahu k samotnej krajine alebo obrázky chát, ktoré zapadajú do priestoru, ktorý ich obklopuje a nie sú vždy viditeľné - to všetko sú symboly svetonázor.
"Ročné obdobia: jeseň a zima" Sesshu. "Krajina" Sesshu, 1481
Na záver chcem povedať, že monochromatická japonská maľba nie je chaoticky rozstriekaný atrament, nie je to rozmar vnútorného ega umelca - je to celý systém obrazov a symbolov, je to úložisko filozofických myšlienok, a čo je najdôležitejšie, spôsob komunikácie a harmonizácie seba a sveta okolo nás.
Myslím, že tu sú odpovede na hlavné otázky, ktoré vyvstávajú v divákovi, keď čelí monochromatickej japonskej maľbe. Dúfam, že vám to pomôžu čo najsprávnejšie pochopiť a vnímať, keď sa stretnete.
Má veľmi bohatú históriu; jeho tradícia je obrovská, pričom jedinečné postavenie Japonska vo svete výrazne ovplyvňuje dominantné štýly a techniky japonských umelcov. Je dobre známym faktom, že Japonsko bolo po mnoho storočí dosť izolované, a to nielen vďaka geografii, ale aj dominantnému japonskému kultúrnemu sklonu k izolácii, ktorý poznačil históriu krajiny. Počas storočí toho, čo by sme mohli nazvať „japonskou civilizáciou“, sa kultúra a umenie rozvíjali oddelene od tých vo zvyšku sveta. A to je dokonca viditeľné v praxi japonskej maľby. Napríklad obrazy Nihonga patria medzi hlavné diela japonskej maliarskej praxe. Vychádza z viac ako tisícročnej tradície a maľby sú zvyčajne vytvorené štetcami buď na Vashi (japonský papier) alebo Egina (hodváb).
Japonské umenie a maliarstvo však ovplyvnili zahraničné umelecké postupy. Po prvé to bolo čínske umenie v 16. storočí a čínske maliarstvo a čínska umelecká tradícia, ktorá bola obzvlášť vplyvná vo viacerých aspektoch. Od 17. storočia bola japonská maľba ovplyvnená aj západnými tradíciami. Najmä v predvojnovom období, ktoré trvalo od roku 1868 do roku 1945, bola japonská maľba ovplyvnená impresionizmom a európskym romantizmom. Nové európske umelecké smery boli zároveň výrazne ovplyvnené japonskými umeleckými technikami. V dejinách umenia sa tento vplyv nazýva „japonizmus“ a je významný najmä pre impresionistov, kubistov a umelcov spojených s modernizmom.
Dlhú históriu japonskej maľby možno vnímať ako syntézu niekoľkých tradícií, ktoré vytvárajú súčasti uznávanej japonskej estetiky. V prvom rade budhistické umenie a maliarske metódy, ako aj náboženská maľba zanechali výraznú stopu v estetike japonských malieb; maľba krajiniek vodným tušom v tradícii čínskej literárnej maľby je ďalším dôležitým prvkom uznávaným v mnohých slávnych japonských maľbách; obrazy zvierat a rastlín, najmä vtákov a kvetov, sú to, čo sa bežne spája s japonskými kompozíciami, rovnako ako krajiny a výjavy z každodenného života. Nakoniec, staroveké predstavy o kráse z filozofie a kultúry starovekého Japonska mali veľký vplyv na japonskú maľbu. Wabi, čo znamená prechodnú a drsnú krásu, sabi (krása prirodzenej patiny a starnutia) a yugen (hlboká pôvab a jemnosť) naďalej ovplyvňujú ideály v praxi japonskej maľby.
Na záver, ak sa sústredíme na výber desiatich najznámejších japonských majstrovských diel, musíme spomenúť ukiyo-e, ktoré je v Japonsku jedným z najpopulárnejších umeleckých žánrov, aj keď patrí do grafickej tvorby. Dominovalo japonskému umeniu od 17. do 19. storočia, pričom umelci patriaci do tohto žánru tvorili drevoryty a maľby takých námetov, ako sú krásne dievčatá, herci Kabuki a zápasníci sumo, ako aj scény z histórie a ľudových rozprávok, cestovateľské scény a krajiny. flóra a fauna a dokonca aj erotika.
Zostaviť rebríček najlepších obrazov z umeleckých tradícií je vždy ťažké. Mnohé úžasné diela budú vylúčené; tento zoznam však obsahuje desať najuznávanejších japonských malieb na svete. Tento článok predstaví iba obrazy vytvorené od 19. storočia po súčasnosť.
Japonské maliarstvo má mimoriadne bohatú históriu. Japonskí umelci v priebehu storočí vyvinuli veľké množstvo jedinečných techník a štýlov, ktoré sú najcennejším príspevkom Japonska do sveta umenia. Jednou z týchto techník je sumi-e. Sumi-e doslova znamená „kresba tušom“ a spája kaligrafiu a maľbu tušom, aby vytvorila vzácnu krásu kompozícií kreslených štetcom. Táto krása je paradoxná - starodávna, ale moderná, jednoduchá, ale zložitá, odvážna, no zároveň tlmená, nepochybne odráža duchovný základ umenia v zen budhizme. Budhistickí kňazi priniesli do Japonska pevné atramentové bloky a bambusové štetce z Číny v šiestom storočí a za posledných 14 storočí Japonsko rozvinulo bohaté dedičstvo atramentovej maľby.
Prejdite nadol a pozrite si 10 majstrovských diel japonskej maľby
1. Katsushika Hokusai „Sen rybárskej manželky“
Jedným z najznámejších japonských obrazov je „Sen rybárskej manželky“. V roku 1814 ho namaľoval slávny umelec Hokusai. Podľa striktnej definície nemožno toto úžasné Hokusaiovo dielo považovať za obraz, keďže ide o drevorezbu žánru ukiyo-e z knihy Mladé borovice (Kinoe no Komatsu), čo je trojzväzková šunga kniha. Kompozícia zobrazuje mladého ama potápača sexuálne prepleteného s párom chobotníc. Tento obraz bol veľmi vplyvný v 19. a 20. storočí. Dielo ovplyvnilo neskorších umelcov ako Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff a Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro píše nostalgickú báseň pri sledovaní Mesiaca“
Tessai Tomioka je pseudonym slávneho japonského umelca a kaligrafa. Je považovaný za posledného veľkého umelca v tradícii bunjingu a jedného z prvých veľkých umelcov štýlu Nihonga. Bunjinga bola škola japonskej maľby, ktorá prekvitala na konci éry Edo medzi umelcami, ktorí sa považovali za literátov alebo intelektuálov. Každý z týchto umelcov, vrátane Tessayi, vyvinul svoj vlastný štýl a techniku, no všetci boli veľkými obdivovateľmi čínskeho umenia a kultúry.
3. Fujishima Takeji „Východ slnka nad východným morom“
Fujishima Takeji bol japonský umelec známy svojou prácou na rozvoji romantizmu a impresionizmu v umeleckom hnutí jogy (západný štýl) konca 19. a začiatku 20. storočia. V roku 1905 odcestoval do Francúzska, kde ho ovplyvnili vtedajšie francúzske hnutia, najmä impresionizmus, ako možno vidieť na jeho obraze Východ slnka nad východným morom, ktorý namaľoval v roku 1932.
4. Kitagawa Utamaro „Desať typov ženských tvárí, zbierka vládnucich krások“
Kitagawa Utamaro bol významný japonský umelec, ktorý sa narodil v roku 1753 a zomrel v roku 1806. Určite je najznámejší zo série s názvom „Desať typov ženských tvárí. Zbierka dominantných krás, veľké ľúbostné témy klasickej poézie“ (niekedy nazývaná „Zamilované ženy“, obsahujúca samostatné rytiny „Nahá láska“ a „Premyslená láska“). Je jedným z najvýznamnejších umelcov patriacich do žánru drevorezu ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai „Tiger“
Kawanabe Kyosai bol jedným z najznámejších japonských umelcov obdobia Edo. Jeho umenie bolo ovplyvnené dielom Tohakua, maliara zo školy Kano zo 16. storočia, ktorý ako jediný umelec svojej doby maľoval obrazovky celé atramentom na jemné pozadie z práškového zlata. Hoci je Kyōsai známy ako karikaturista, namaľoval niektoré z najslávnejších obrazov japonských dejín umenia 19. storočia. "Tiger" je jedným z tých obrazov, ktoré Kyosai vytvoril akvarelom a atramentom.
6. Hiroshi Yoshida „Fuji from Lake Kawaguchi“
Hiroshi Yoshida je známy ako jedna z hlavných postáv štýlu Shin-hanga (Shin-hanga je umelecké hnutie v Japonsku na začiatku 20. storočia, v období Taisho a Showa, ktoré oživilo tradičné umenie ukiyo-e, ktoré má svoje korene v období Edo a Meiji (XVII - XIX storočia)). Cvičil sa v tradícii západnej olejomaľby, ktorá bola prevzatá z Japonska v období Meidži.
7. Takashi Murakami „727“
Takashi Murakami je pravdepodobne najpopulárnejším japonským umelcom súčasnosti. Jeho diela sa na veľkých aukciách predávajú za astronomické ceny a jeho tvorba už inšpiruje nové generácie umelcov nielen v Japonsku, ale aj v zahraničí. Murakamiho umenie zahŕňa celý rad médií a zvyčajne sa označuje ako superploché. Jeho práca je známa tým, že používa farby, zahŕňa motívy japonskej tradičnej a populárnej kultúry. Obsah jeho obrazov je často označovaný ako „roztomilý“, „psychedelický“ alebo „satirický“.
8. Yayoi Kusama „Tekvica“
Yaoi Kusama je tiež jedným z najznámejších japonských umelcov. Tvorí v rôznych médiách vrátane maľby, koláže, scatovej sochy, performance, environmentálneho umenia a inštalácie, z ktorých väčšina demonštruje jej tematický záujem o psychedelickú farbu, opakovanie a vzor. Jednou z najznámejších sérií tohto veľkého umelca je séria „Pumpkin“. Pravidelná jasne žltá tekvica pokrytá bodkovaným vzorom na sieťovom pozadí. Všetky tieto prvky spoločne tvoria vizuálny jazyk, ktorý je nezameniteľne verný umelcovmu štýlu a ktorý sa vyvíjal a zdokonaľoval počas desaťročí usilovnej produkcie a reprodukcie.
9. Tenmyoya Hisashi „Japonský duch č. 14“
Tenmyoya Hisashi je súčasný japonský umelec, ktorý je známy svojimi neo-nihonga maľbami. Podieľal sa na oživení starej tradície japonskej maľby, ktorá je úplným opakom modernej japonskej maľby. V roku 2000 vytvoril aj svoj nový štýl butouha, ktorý prostredníctvom svojich obrazov demonštruje silný postoj k autoritatívnemu umeleckému systému. "Japonský duch č. 14" bol vytvorený ako súčasť umeleckej schémy "BASARA", ktorá sa v japonskej kultúre interpretuje ako rebelantské správanie nižšej aristokracie počas obdobia bojujúcich štátov, s cieľom odoprieť tým, ktorí sú pri moci, dosiahnuť ideálny životný štýl obliekať sa do honosných a luxusných odevov a konať slobodne.vôľa, ktorá nezodpovedala ich spoločenskej vrstve.
10. Katsushika Hokusai „Veľká vlna z Kanagawy“
Nakoniec, Veľká vlna z Kanagawy je pravdepodobne najznámejším japonským obrazom, aký bol kedy namaľovaný. Je to vlastne najznámejšie umelecké dielo vytvorené v Japonsku. Zobrazuje obrovské vlny ohrozujúce lode pri pobreží prefektúry Kanagawa. Aj keď sa niekedy mýlia s cunami, vlna, ako naznačuje názov obrazu, je s najväčšou pravdepodobnosťou jednoducho abnormálne vysoká. Obraz je vyrobený v tradícii ukiyo-e.
Od:
Japonská maľba je absolútne jedinečným hnutím vo svetovom umení. Existuje už od pradávna, no ako tradícia nestratila na obľúbenosti a schopnosti prekvapiť.
Pozor na tradície
Východ nie je len o krajine, horách a vychádzajúcom slnku. Aj to sú ľudia, ktorí vytvorili jeho príbeh. Práve títo ľudia po mnoho storočí podporovali tradíciu japonskej maľby, rozvíjali a zveľaďovali svoje umenie. Tí, ktorí sa výrazne zapísali do histórie, sú japonskí umelci. Vďaka nim si moderné zachovali všetky kánony tradičnej japonskej maľby.
Spôsob vyhotovenia obrazov
Japonskí umelci na rozdiel od Európy uprednostňovali maľovanie bližšie ku grafike ako k maľbe. Na takýchto obrazoch nenájdete hrubé, neopatrné olejové ťahy, ktoré sú pre impresionistov také charakteristické. Aká je grafická povaha takého umenia, ako sú japonské stromy, skaly, zvieratá a vtáky - všetko na týchto obrazoch je nakreslené čo najjasnejšie, s pevnými a sebavedomými atramentovými líniami. Všetky objekty v kompozícii musia mať obrys. Vyplnenie vnútri obrysu sa zvyčajne vykonáva vodovými farbami. Farba sa vymyje, pridajú sa ďalšie odtiene a niekde zostane farba papiera. Dekoratívnosť je presne to, čo odlišuje japonské maľby od umenia celého sveta.
Kontrasty v maľbe
Kontrast je ďalšou charakteristickou technikou používanou japonskými umelcami. Môže to byť rozdiel v tóne, farbe alebo kontraste teplých a studených odtieňov.
Umelec sa uchyľuje k tejto technike, keď chce zvýrazniť nejaký prvok predmetu. Môže to byť žila na rastline, samostatný okvetný lístok alebo kmeň stromu oproti oblohe. Potom je znázornené svetlo, osvetlená časť objektu a tieň pod ním (alebo naopak).
Prechody a farebné riešenia
Pri maľovaní japonských obrazov sa často používajú prechody. Môžu byť rôzne: napríklad z jednej farby do druhej. Na okvetných lístkoch lekien a pivoniek si môžete všimnúť prechod od svetlého odtieňa k bohatej, svetlej farbe.
Prechody sa používajú aj v obraze vodnej hladiny a oblohy. Plynulý prechod od západu slnka do tmavého, prehlbujúceho sa súmraku vyzerá veľmi krásne. Pri kreslení oblakov sa používajú aj prechody z rôznych odtieňov a reflexov.
Základné motívy japonskej maľby
V umení je všetko prepojené so skutočným životom, s pocitmi a emóciami tých, ktorí sú v ňom zainteresovaní. Rovnako ako v literatúre, hudbe a iných formách kreativity, aj v maľbe existuje niekoľko večných tém. Sú to historické námety, obrazy ľudí a prírody.
Japonské krajiny prichádzajú v mnohých variantoch. Na obrazoch sú často obrazy rybníkov - obľúbený kus nábytku pre Japoncov. Ozdobné jazierko, niekoľko lekien a bambus v blízkosti – tak vyzerá typický obrázok 17. – 18. storočia.
Zvieratá v japonskej maľbe
Zvieratá sú tiež často sa opakujúcim prvkom ázijskej maľby. Tradične je to tiger alebo mačka domáca. Vo všeobecnosti majú Aziati veľmi radi, a preto sa ich zástupcovia nachádzajú vo všetkých formách orientálneho umenia.
Svet fauny je ďalšou témou, ktorou sa japonská maľba riadi. Vtáky - žeriavy, ozdobné papagáje, luxusné pávy, lastovičky, nenápadné vrabce a dokonca aj kohúty - to všetko sa nachádza na kresbách orientálnych majstrov.
Ryby sú rovnako relevantnou témou pre japonských umelcov. Koi kapor je japonská verzia zlatej rybky. Tieto stvorenia žijú v Ázii vo všetkých rybníkoch, dokonca aj v malých parkoch a záhradách. Koi kapor je akousi tradíciou, ktorá patrí vyslovene Japonsku. Tieto ryby symbolizujú boj, odhodlanie a dosiahnutie vášho cieľa. Nie nadarmo sú zobrazené ako plávajúce prúdom, vždy s ozdobnými hrebeňmi vĺn.
Japonské maľby: zobrazenie ľudí
Ľudia v japonskej maľbe sú špeciálnou témou. Umelci zobrazovali gejše, cisárov, bojovníkov a starších.
Gejše sú zobrazené obklopené kvetmi, vždy oblečené v prepracovaných róbach s množstvom záhybov a prvkov.
Mudrci sú zobrazení, ako sedia alebo niečo vysvetľujú svojim študentom. Obraz starého vedca je symbolom histórie, kultúry a filozofie Ázie.
Bojovník bol zobrazený ako impozantný, niekedy desivý. Dlhé boli detailne nakreslené a vyzerali ako drôt.
Zvyčajne sú všetky detaily brnenia objasnené pomocou atramentu. Nahých bojovníkov často zdobia tetovania zobrazujúce východného draka. Je to symbol japonskej sily a vojenskej sily.
Panovníci boli zobrazovaní pre cisárske rodiny. Krásne oblečenie a ozdoby v mužských vlasoch sú tým, čím takéto umelecké diela oplývajú.
Krajinky
Tradičná japonská krajina - hory. Ázijským maliarom sa podarilo zobraziť rôzne krajiny: dokážu zobraziť ten istý vrchol v rôznych farbách, s rôznymi atmosférami. Jediná vec, ktorá zostáva nezmenená, je povinná prítomnosť kvetov. Zvyčajne spolu s horami umelec zobrazuje nejaký druh rastliny v popredí a podrobne ju kreslí. Krásne vyzerajú hory a čerešňové kvety. A ak maľujú padajúce okvetné lístky, obraz vyvoláva obdiv nad jeho smutnou krásou. Kontrast v atmosfére obrazu je ďalšou úžasnou kvalitou japonskej kultúry.
hieroglyfy
Kompozícia obrazu v japonskej maľbe je často kombinovaná s písaním. Hieroglyfy sú usporiadané tak, aby kompozične vyzerali krásne. Zvyčajne sú nakreslené vľavo alebo vpravo od maľby. Hieroglyfy môžu predstavovať to, čo je zobrazené na obraze, jeho názov alebo meno umelca.
Japonsko je jednou z najbohatších krajín na históriu a kultúru. Na celom svete sú Japonci všeobecne považovaní za pedantských ľudí, ktorí nachádzajú estetiku absolútne vo všetkých prejavoch života. Preto sú japonské maľby vždy veľmi harmonické vo farbe a tóne: ak sú nejaké svetlé farby, je to len v sémantických centrách. Pomocou obrazov ázijských umelcov ako príkladu môžete študovať teóriu farieb, správne znázornenie formy pomocou grafiky a kompozície. Technika vykonávania japonských malieb je taká vysoká, že môže slúžiť ako príklad pre prácu s akvarelom a vykonávanie „umývania“ grafických prác.
Čo zahŕňa mnoho techník a štýlov. Počas svojej histórie prešiel veľkým množstvom zmien. Pribudli nové tradície a žánre a ostali pôvodné japonské princípy. Spolu s úžasnou históriou Japonska je obraz pripravený predstaviť aj mnoho jedinečných a zaujímavých faktov.
Staroveké Japonsko
Prvé štýly sa objavujú v najstaršom historickom období krajiny, dokonca pred naším letopočtom. e. Vtedy bolo umenie dosť primitívne. Najprv v roku 300 pred Kr. pred Kristom sa objavili rôzne geometrické tvary, ktoré sa vyrábali na keramike pomocou paličiek. Takýto objav archeológov ako ozdoba na bronzových zvonoch sa datuje do neskoršej doby.
O niečo neskôr, už v roku 300 po Kr. objavujú sa skalné maľby, ktoré sú oveľa rozmanitejšie ako geometrické vzory. Toto sú už plnohodnotné obrázky s obrázkami. Našli sa v kryptách a ľudia, ktorí sú na nich namaľovaní, boli pravdepodobne pochovaní na týchto pohrebiskách.
V 7. storočí nášho letopočtu e. Japonsko preberá písmo pochádzajúce z Číny. Približne v rovnakom čase odtiaľ pochádzali prvé obrazy. Potom sa maľba javí ako samostatná sféra umenia.
Edo
Edo zďaleka nie je prvým a ani posledným obrazom, no do kultúry priniesol veľa nového. Po prvé, je to jas a farebnosť, ktoré boli pridané k bežnej technike, vykonávanej v čiernych a šedých tónoch. Sotasu je považovaný za najvýznamnejšieho umelca tohto štýlu. Vytváral klasické obrazy, no jeho postavy boli veľmi pestré. Neskôr prešiel k prírode a väčšina jeho krajiniek bola namaľovaná na pozlátenom pozadí.
Po druhé, v období Edo sa objavila exotika, žáner namban. Využívala moderné európske a čínske techniky, ktoré sa prelínali s tradičnými japonskými štýlmi.
A do tretice sa objavuje škola Nanga. Umelci v ňom najskôr úplne napodobňujú alebo dokonca kopírujú diela čínskych majstrov. Potom sa objaví nová vetva, ktorá sa nazýva bunjing.
Obdobie modernizácie
Obdobie Edo ustupuje Meiji a japonská maľba je teraz nútená vstúpiť do novej etapy vývoja. V tejto dobe sa po celom svete stávali populárne žánre ako western a podobne, takže modernizácia umenia sa stala bežným stavom vecí. Avšak v Japonsku, krajine, kde všetci ľudia uctievajú tradície, bol stav vecí v tomto čase výrazne odlišný od toho, čo sa stalo v iných krajinách. Konkurencia medzi európskymi a miestnymi technikmi je tu tvrdá.
Vláda v tejto fáze uprednostňuje mladých umelcov, ktorí sú veľkým prísľubom zlepšenia svojich zručností v západných štýloch. Posielajú ich teda do škôl v Európe a Amerike.
Ale to bolo len na začiatku obdobia. Faktom je, že slávni kritici dosť silne kritizovali západné umenie. Aby sa predišlo veľkému rozruchu okolo tohto problému, európske štýly a techniky sa začali na výstavách zakazovať, ich vystavovanie prestalo, rovnako ako ich popularita.
Vznik európskych štýlov
Nasleduje obdobie Taisho. V tomto čase sa mladí umelci, ktorí odišli študovať na zahraničné školy, vracajú do vlasti. Prirodzene, prinášajú so sebou nové štýly japonskej maľby, ktoré sú veľmi podobné tým európskym. Objavuje sa impresionizmus a postimpresionizmus.
V tejto fáze sa formujú mnohé školy, v ktorých sa oživujú staré japonské štýly. No úplne sa zbaviť západných tendencií je nemožné. Preto musíme skombinovať niekoľko techník, aby sme potešili milovníkov klasiky aj fanúšikov modernej európskej maľby.
Niektoré školy sú financované štátom, vďaka čomu je možné zachovať mnohé z národných tradícií. Súkromní vlastníci sú nútení nasledovať spotrebiteľov, ktorí chceli niečo nové, sú unavení z klasiky.
Obraz z druhej svetovej vojny
Po začiatku vojny zostala japonská maľba nejaký čas mimo diania. Vyvíjal sa samostatne a nezávisle. Ale takto to nemohlo pokračovať donekonečna.
Postupom času, keď sa politická situácia v krajine zhoršuje, vysoké a rešpektované osobnosti priťahujú mnohých umelcov. Niektorí začali tvoriť vo vlasteneckom štýle ešte na začiatku vojny. Zvyšok začína tento proces iba na príkaz úradov.
Japonské výtvarné umenie sa preto nemohlo rozvíjať najmä počas druhej svetovej vojny. Preto sa pre maľovanie dá nazvať stagnujúcim.
Večná Suibokuga
Japonská maľba sumi-e alebo suibokuga doslova znamená „maľovanie atramentom“. To určuje štýl a techniku tohto umenia. Pochádzal z Číny, no Japonci sa ho rozhodli nazvať svojím vlastným. A spočiatku táto technika nemala žiadnu estetickú stránku. Používali ho mnísi na sebazdokonaľovanie pri štúdiu zenu. Navyše si najskôr kreslili obrázky a následne si trénovali koncentráciu pri ich prezeraní. Mnísi verili, že prísne línie, rozmazané tóny a tiene - všetko, čo sa nazýva monochromatické - pomáhajú zlepšovať.
Japonská maľba tušom, napriek širokej škále malieb a techník, nie je taká zložitá, ako by sa na prvý pohľad mohlo zdať. Je založený iba na 4 parcelách:
- Chryzantéma.
- Orchidea.
- Slivkový obor.
- Bambus.
Malý počet zápletiek neumožňuje rýchle zvládnutie techniky. Niektorí majstri veria, že učenie trvá celý život.
Napriek tomu, že sumi-e sa objavilo už dávno, je vždy žiadané. Navyše, majstrov tejto školy dnes môžete stretnúť nielen v Japonsku, je rozšírená aj ďaleko za jeho hranicami.
Moderné obdobie
Po skončení druhej svetovej vojny umenie v Japonsku prekvitalo len vo veľkých mestách, dedinčania a dedinčania mali dosť starostí. Umelci sa väčšinou snažili odvrátiť od vojnových strát a na plátne zobraziť moderný mestský život so všetkými jeho ozdobami a črtami. Európske a americké myšlienky boli úspešne prijaté, ale tento stav netrval dlho. Mnohí majstri sa od nich začali postupne vzďaľovať smerom k japonským školám.
Vždy zostal v móde. Preto sa moderná japonská maľba môže líšiť iba v technike prevedenia alebo v materiáloch použitých v procese. Väčšina umelcov ale rôzne inovácie nevníma dobre.
Nemožno nespomenúť módne moderné subkultúry, akými sú anime a podobné štýly. Mnoho umelcov sa snaží stierať hranice medzi klasikou a tým, čo je dnes žiadané. Z veľkej časti je tento stav spôsobený obchodom. Klasika a tradičné žánre sa prakticky nekupujú, preto je nerentabilné pracovať ako umelec vo svojom obľúbenom žánri, musíte sa prispôsobiť móde.
Záver
Japonská maľba je nepochybne pokladnicou výtvarného umenia. Možno, že táto krajina bola jediná, ktorá nenasledovala západné trendy a neprispôsobila sa móde. Napriek mnohým úderom počas nástupu nových techník boli japonskí umelci stále schopní brániť národné tradície v mnohých žánroch. Pravdepodobne aj preto sú dnes na výstavách vysoko cenené obrazy vyrobené v klasických štýloch.
