Od februára 1974 začali úrady vykonávať akciu za akciou smerujúcu k potlačeniu hnutia nekonformných umelcov, teda tých maliarov, sochárov a grafikov, ktorí neakceptovali princípy mŕtvo zrodeného umenia socialistického realizmu a bránili právo na sloboda tvorivosti.
A predtým, takmer dvadsať rokov, boli pokusy týchto umelcov vystavovať márne. Ich výstavy boli okamžite zatvorené a tlač označila nekonformných ľudí buď za „dirigentov buržoáznej ideológie“, alebo za „netalentovaných grázlov“, či takmer za zradcov vlasti. Možno teda len žasnúť nad odvahou a vytrvalosťou týchto majstrov, ktorí napriek všetkému zostali verní sami sebe a svojmu umeniu.
A tak v roku 1974 boli proti nim vrhnuté sily KGB. Umelcov zadržiavali na uliciach, vyhrážali sa im, odvážali ich do Lubjanky v Moskve a Veľkého domu v Leningrade, vydierali a pokúšali sa ich podplatiť.
Skupina neoficiálnych maliarov, ktorí si uvedomili, že ak budú mlčať, budú udusení, zorganizovala 15. septembra 1974 na voľnom pozemku v oblasti Beljaevo-Bogorodskoye výstavu pod holým nebom. Proti tejto výstave boli nasadené buldozéry, polievacie stroje a polícia. Tri obrazy zahynuli pod húsenicami, dva boli spálené na ohni, ktorý tam bol zapálený, a mnohé boli zohavené. Iniciátor tejto výstavy, vodca moskovských nonkonformných umelcov, Oscar Rabin, a štyria ďalší maliari boli zatknutí.
Tento buldozérový pogrom, ktorý sa zapísal do dejín ruského umenia, vyvolal na Západe výbuch rozhorčenia. Na druhý deň umelci oznámili, že o dva týždne sa vrátia so svojimi obrazmi na rovnaké miesto. A v tejto situácii tí, ktorí boli pri moci, ustúpili. 29. septembra sa v Izmailovskom parku konala prvá oficiálne povolená výstava neoficiálneho ruského umenia, na ktorej sa zúčastnilo nie dvanásť, ale vyše sedemdesiat maliarov.
Ale tí, ktorí sa rozhodli zakročiť proti slobodnému ruskému umeniu, samozrejme, nezložili zbrane. Bezprostredne po výstave Izmailovo sa v časopisoch a novinách opäť objavili ohováračské články o neoficiálnych umelcoch a represívne orgány útočili najmä na aktívnych umelcov a tých zberateľov, ktorí sa podieľali na organizovaní dvoch septembrových výstav pod holým nebom. A mimochodom, práve v období rokov 1974 až 1980 väčšina majstrov, ktorí teraz žijú na Západe, opustila krajinu. Bolo ich vyše päťdesiat, medzi nimi Ernst Neizvestnyj, Oleg Tselkov, Lydia Masterkova, Michail Roginskij, Vitalij Komar a Alexander Melamid, Alexander Leonov, Jurij Zharkikh a mnohí ďalší. Oscar Rabin bol zbavený sovietskeho občianstva v roku 1978. (V roku 1990 mu prezidentským dekrétom bolo vrátené sovietske občianstvo). Ešte skôr, začiatkom sedemdesiatych rokov, sa Michail Shemyakin a Jurij Cooper usadili v Európe.
Samozrejme, v Rusku zostala veľká skupina našich úžasných neoficiálnych maliarov (Vladimir Nemuchin, Iľja Kabakov, Dmitrij Krasnopevtsev, Eduard Steinberg, Boris Sveshnikov, Vladimir Yankilevsky, Vjačeslav Kalinin, Dmitrij Plavinskij, Alexander Kharitonov a ďalší), ale je ich prakticky viac skutočne bezplatné výstavy sa neuskutočnili a o tých, ktorí odišli, sa šírili chýry (dokonca aj listy zo Západu), vraj ich nikto v Európe a USA nepotrebuje, nikto sa o ich prácu nezaujíma, sú skoro umiera od hladu. Predstavitelia umenia varovali tých, ktorí zostali: „Ak sa začnete búriť, vykopneme vás, budete tam v chudobe.
V skutočnosti bol na Západe práve v tom čase (druhá polovica - koniec 70. rokov) veľký záujem o neoficiálne ruské umenie. Jedna za druhou sa konali obrovské výstavy ruských umelcov v múzeách a výstavných sieňach v Paríži, Londýne, Západnom Berlíne, Tokiu, Washingtone a New Yorku. V roku 1978 sa v Benátkach s veľkým úspechom konalo Bienále ruského neoficiálneho umenia. Za mesiac túto výstavu navštívilo 160 000 ľudí. "Toľko divákov sme tu už dlho nemali," povedal prezident bienále Carlo Rippe di Meanno.
Je pravda, že skeptici tvrdili, že tento záujem bol čisto politického charakteru: hovoria, že musíme vidieť, aké sú to obrazy, ktoré sú v ZSSR zakázané. Keď si však spomenuli na západných zberateľov, ktorí čoraz ochotnejšie začali nakupovať obrazy a grafiky ruských umelcov, skeptici stíchli. Pochopili, že žiadny zberateľ nebude míňať peniaze na obrazy kvôli nejakým politickým úvahám. A ešte viac, z takýchto dôvodov západné galérie nebudú spolupracovať s umelcami. A samozrejme, kvôli politike seriózni kritici umenia nebudú písať monografie ani články o žiadnych umelcoch. Ale takýchto článkov bolo publikovaných veľa. Monografie o dielach Ernsta Neizvestného, Olega Tselkova, Vitalija Komara a Alexandra Melamida, Michaila Šemjakina vyšli v rôznych krajinách. Vydali sa desiatky úctyhodných katalógov osobných a skupinových výstav.
Niekde koncom 70. rokov sa v jednom z francúzskych umeleckých časopisov objavil článok „Ruský front napreduje“. Jeho vydanie bolo spôsobené tým, že v tom čase sa v Paríži súčasne konali tri výstavy súčasného ruského umenia. Vyzerá to ako nezáujem?
V Paríži vraj žije a pracuje asi stotisíc umelcov. V New Yorku je ich ešte viac. Každý chce spolupracovať s galériami. Konkurencia je tvrdá. A zároveň mnohí ruskí emigrantskí umelci majú buď trvalé zmluvy s parížskymi a newyorskými galériami, alebo pravidelne vystavujú v rôznych galériách v Európe a USA.
Yuri Cooper, Boris Zaborov, Yuri Zharkikh, Michail Shemyakin (pred presťahovaním sa do USA) dlhé roky pracovali a naďalej spolupracujú so známymi parížskymi galériami. V New Yorku sú Vitalij Komar a Alexander Melamid, Ernst Neizvestnyj a Shemyakin viazaní zmluvami s galériami. Parížan Oleg Tselkov dlhé roky spolupracuje s newyorskou galériou Eduarda Nakhamkina. Ďalší ruský „Francúz“ Oscar Rabin podpísal zmluvu s jednou z parížskych galérií.
V európskych galériách neustále a často úspešne vystavujú Vladimír Titov, Michail Roginskij, Alexander Rabin. V USA s galériami úspešne spolupracujú Lev Mezhberg, Leonid Sokov a ďalší maliari a grafici.
V mnohých francúzskych a amerických súkromných zbierkach som sa opakovane stretol s dielami všetkých vyššie uvedených majstrov, ako aj Vladimíra Grigoroviča, Valentiny Kropivnitskej, Vitalija Dlugu, Valentiny Shapiro... Navyše je zaujímavé, že na Západe, najmä v Paríži, už v polovici 70. rokov sa začali objavovať zberatelia voľného ruského umenia.
"Ako títo umelci žijú a kde pracujú?" - môže sa spýtať čitateľ.
Odpoviem, že z hľadiska bývania a pracovného priestoru je všetko slušne upravené. V horšom prípade jedna z izieb v byte slúži umelcovi ako ateliér. Mnohí majú samostatné štúdiá - povedzme Komar, Melamid, Shemyakin, Zaborov, Sokov. A niektorí dokonca radšej majú byt a dielňu takpovediac na jednom mieste bez toho, aby strácali čas na cestách (Neznámy, Cooper, O. Rabin, Mezhberg).
"Je to naozaj možné," opýta sa nejaký nedôverčivý čitateľ, "je všetko také dobré pre emigrantských umelcov, neustále úspechy a úspechy?"
Samozrejme, že nie. Niektorí naši talentovaní majstri sa nevedeli ocitnúť na Západe, nevydržali konkurenciu a skrachovali. Nechcem tu menovať mená – pre ľudí je to už psychicky náročné.
Sú, prirodzene, umelci, ktorí nie sú schopní vyžiť z predaja svojich diel. Sú nútení zarábať si na živobytie inou prácou. Ale medzi západnými maliarmi a grafikmi je ich veľmi veľa. Možno sa len čudovať, koľko ruských majstrov v porovnaní so západnými maliarmi (v percentuálnom vyjadrení) žije už dlhší čas na Západe len vďaka svojej kreativite.
Ale je zaujímavé, že ani tí naši umelci, ktorí sa ocitli na Západe, nie sú na tom finančne najlepšie a sú nútení privyrábať si buď priemyselným dizajnom, alebo dizajnovaním novín či kníh, či iným spôsobom. starať sa o svoj osud bez ľútosti. prečo?
Keď som písal knihu o našich umelcoch žijúcich na Západe, ktorá vyšla v zahraničí v roku 1986, mal som možnosť urobiť pomerne veľa rozhovorov. Jeden z maliarov, ktorého osud v tom čase (v polovici 80. rokov) nebol veľmi prosperujúci, mi povedal: „Nie, nič neľutujem. ťažké? Samozrejme je to ťažké. Je nepríjemné, že sa musím odtrhnúť od stojana, aby som si zarobil na živobytie, niekedy je škoda, že sa ku mne ešte nedostali zberatelia. Ale prišli sme sem pre peniaze? Odišli sme preto, aby sme si mohli slobodne, bez strachu z kohokoľvek a z ničoho, písať, čo a ako sme chceli a slobodne vystavovať, kde sme chceli. Voľne som však písal aj v Rusku. Ale dalo by sa povedať, že nebolo možné zúčastniť sa výstav. A tu som za štyri roky vystavoval už jedenásťkrát. A niektoré veci som na týchto výstavách aj predal. To nie je to hlavné, ale z hľadiska zachovania ducha je to stále dôležité.“
S rôznymi obmenami som však počul približne to isté od iných emigrantských umelcov, ktorí na Západe nedosiahli taký úspech ako povedzme Komar a Melamid či Yuri Cooper.
A nemyslím si, že sa nikto z nich tvári dobre, ako sa hovorí, keď hrá zle. Koniec koncov, možnosť široko vystavovať je pre väčšinu umelcov nevyhnutnosťou. A pre ruských maliarov, ktorí sú o to vo svojej vlasti zbavení, je tento faktor obzvlášť významný. Od roku 1979 do roku 1986 som viedol štatistické záznamy o ruských výstavách na Západe. Zakaždým ich bolo vyše sedemdesiat ročne. To je veľa. A geografia týchto výstav bola široká. Shemyakinove osobné výstavy sa napríklad konali v Paríži, New Yorku, Tokiu a Londýne; O. Rabin - v New Yorku, Osle a Paríži; Cooper - vo Francúzsku, USA a Švajčiarsku; Zaborov - v západnom Nemecku, USA a Paríži; Komara a Melamid - v Európe a USA...
A koľko skupinových výstav súčasného ruského umenia sa za tie roky uskutočnilo, na ktorých sa títo a ďalší ruskí emigrantskí umelci zúčastnili. A ich geografia je tiež široká: Francúzsko, Taliansko, Anglicko, Kolumbia, USA, Belgicko, Japonsko, Švajčiarsko, Kanada...
A ako som už povedal, západní kritici umenia a novinári o týchto výstavách písali pomerne veľa (osobných aj skupinových). Takmer každú väčšiu výstavu sprevádzalo vydanie katalógov. Tu sú na mojej poličke: Ernst Neizvestnyj, Jurij Cooper, Oscar Rabin, Michail Šemjakin, Boris Zaborov, Leonid Sokov, Vladimir Grigorovič, Harry Fife, Vitalij Komar, Alexander Melamid, Valentina Kropivnitskaja... A tu sú katalógy skupinových výstav ; “Súčasné ruské umenie” (Paríž), “Nové ruské umenie” (Washington), “Neoficiálne ruské umenie” (Tokio), “Biennale ruského umenia” (Turín)... A tu je kniha “Neoficiálne ruské umenie z r. ZSSR“, publikovaný v roku 1977 v Londýne a znovu vydaný v New Yorku nasledujúci rok.
Takže, ako vidíte, pre ruských emigrantov možno nie pre všetkých, ale pre väčšinu, život na Západe vo všeobecnosti dopadol dobre. Nikto z nich nehladuje. Majú kde bývať. Mnohí majú dielne. Každý má možnosť zakúpiť si plátna a farby. Niektorí z nich spolupracujú s prestížnymi galériami. Všetko je vystavené.
A aké pekné je vedieť, že vaše obrazy kupujú zberatelia, najmä múzeá alebo ministerstvo kultúry povedzme vo Francúzsku. A nie je o nič menej príjemné vidieť, ako milovníci západného umenia nečinne stoja pred vašimi obrazmi. Mimochodom, na rozdiel od kritikov umenia, z ktorých značná časť okamžite neprijala ruských umelcov, ktorí na nich nečakane padli, západní diváci dokázali veľmi rýchlo oceniť slobodné ruské umenie. Viackrát som od nich počul, v Paríži, Brunswicku a New Yorku, že v tomto ruskom umení nachádzajú niečo, čo vo svojom modernom umení nájsť nemôžu. Čo presne? Živé ľudské city (bolesť, melanchólia, láska, utrpenie...), a nie studené debnenie, ktoré sa, žiaľ, tak často nachádza na mnohých výstavách v galériách v Európe a USA.
Inými slovami, vo voľnom ruskom umení nachádzajú duchovný princíp, ktorý bol vždy charakteristický pre pravé ruské umenie, dokonca aj pre to najavantgardnejšie. Nie nadarmo sa kniha veľkého Wassily Kandinského nazýva „O duchovnom v umení“.
Články prezentované vašej pozornosti predstavujú 13 umelcov. Eseje venované im nie sú zoradené podľa abecedy. Sú rozdelené do troch skupín, ktoré zodpovedajú trom generáciám majstrov neoficiálneho (ako sa to nazývalo v časoch pred perestrojkou) ruského umenia.
Dúfam, že aj vďaka iniciatíve vydavateľstva Znanie sa milovníci súčasného umenia dozvedia o osudoch tých našich maliarov, ktorí boli svojho času nútení pre tvorivú slobodu opustiť svoju vlasť.
Duchovná situácia na konci 20. storočia. predstavuje zjavný problém pochopenia sovietskeho kultúrneho dedičstva v celej rozmanitosti jeho historických a umeleckých čŕt. Tento problém je aktuálny najmä v súvislosti so zmenami v kultúrnom živote modernej civilizácie, ktoré sú tak charakteristické pre koniec 20. storočia.
Domáca kultúra sovietskeho obdobia nepochybne patrí do kategórie najunikátnejších fenoménov svetových dejín. Týka sa to nielen minulého storočia, ale týka sa to aj širšej perspektívy. Analýza vývoja sovietskej kultúry je úrodnou pôdou pre pochopenie moderných všeobecných kultúrnych procesov.
Najbežnejšie „významy“ kultúrneho priestoru konca 20. storočia. (domáci aj západoeurópski) sa spájajú s pojmom „postmodernizmus“, ktorý je akýmsi emblémom modernej kultúry. Postneklasické trendy moderných prírodných vied, „postmodernizácia“ technickej a ekonomickej sféry, šokujúce politické technológie, „oddenky“ kultúrneho priestoru tvoria len jednotlivé obrysy tohto veľkého problému.
Známy undialekticizmus a eklekticizmus postmoderny vyrastá z túžby prekonať stereotypy klasického racionalizmu, ktorý je hlavným predmetom kritiky jeho prívržencov.
Zároveň treba uznať, že jednou z čŕt sovietskej kultúry je úžasná kombinácia eklekticizmu, modernizmu, revolucionizmu a prísneho racionalizmu. Ruské revolúcie z roku 1917 len pokračujú v trende všeobecnej radikalizácie a modernizácie spoločenského a kultúrneho života. Ako píše M. Epstein, „historicky sa socialistický realizmus, podobne ako celá komunistická éra v Rusku, nachádza medzi obdobiami modernizmu (začiatok 20. storočia) a postmodernizmu (koniec 20. storočia). Táto odľahlosť socialistického realizmu – obdobia, ktoré nemá na Západe viditeľnú obdobu – nastoľuje otázku jeho vzťahu k modernizmu a postmodernizmu a kde, v špecificky ruských podmienkach, medzi nimi leží hranica. Práve Rusko je rodiskom popredných trendov modernistického umenia 20. storočia. A práve tu sa po prvý raz radikálne testujú a prispôsobujú najnovšie trendy v oblasti spoločenského života a revolučnej praxe. „Kolektívne nevedomie“ tých interpretov sovietskeho obdobia ruských dejín, ktorí z analýzy zámerne vylučujú počiatočnú fázu – fázu bratovražedných vojen a vzájomného politického teroru, napokon odhaľuje len pozitívne vlastnosti sovietskych dejín. Pri tejto forme analýzy sa prirodzene stierajú hranice konca sovietskeho obdobia. Akoby sa sovietske dejiny nikdy neskončili (a nikdy neskončia). Vždy je a bude „živšia ako všetko živé“. Nostalgia za stratený Vlasť nahrádza objektívne skutočnosti prebiehajúceho (a prirodzene ukončeného) procesu evolúcie spoločnosti a samotný pojem „Vlasť“ sa stotožňuje výlučne so sovietskym obdobím veľkých dejín Ruska.
Úžasnou vlastnosťou sovietskej kultúry je, že v nej koexistuje oficiálny totalitný priestor s najvyššími prejavmi ľudského ducha, jasne remeselnícke a ideologicky zaujaté prvky kultúry koexistujú s brilantnými náhľadmi a najvyššími tvorivými výkonmi. Paradoxne práve sovietske umenie predvojnového obdobia (a nielen ruské umenie začiatku storočia) vo svojich najzaujímavejších variantoch vyjadruje dynamiku formovania svetovej avantgardy a postavantgardy. garde. Možno predpokladať, že sovietska kultúra vo svojich rozvinutých podobách predstavuje kvalitatívnu syntézu priamo protikladných a na prvý pohľad nezlučiteľných prvkov. Inými slovami, racionalita, dovedená do svojich „nesúmerateľných“ (Feyerabendových) hraníc, charakterizuje túto jedinečnosť.
Logickou otázkou v tomto smere je, ako v sovietskej kultúre fungovali kontrakultúrne (nonkonformné) procesy, aké hybné motívy týchto procesov sú prioritou a ako pri externom zachovaní racionalistických orientácií sovietska kultúra pripravovala javy, ktoré sa v nej v 90. rokoch udiali. 20. storočia
Pochopenie postmodernej situácie v západnom filozofickom myslení viedlo k mnohým zaujímavým záverom. Západná ideológia neustále prejavuje túžbu po pred krivkou kultúrny čas a priestor Výsledkom toho je zrod rôznych modelov konca dejín (od Spenglera a Toynbeeho po Baudrillarda a Kojèva). Zároveň táto situácia objasňuje mytológiu o dobytie priestor a čas „mladí majstri Zeme“, tak charakteristické pre postsovietske vedomie. Modernosť na domácej pôde sa javí ako skutočne ojedinelý fenomén. Spája politické rekonštrukcie, ideologické mýty, umelecké postupy a filozofické diskurzy do jedného kontinua. Preto je jedným zo znakov moderného intelektuálneho života v Rusku, nie menej ako na Západe, zmes žánrov a štýlov intelektuálnej činnosti.
Uvedená situácia je dôsledkom dôležitých čŕt národného sebauvedomenia.Sovietska kultúra pociťovala svoju plnosť a úplnosť v situácii neustále prebiehajúceho zápasu protichodných tendencií. Teda hnutie šesťdesiatych rokov v 20. storočí. bol súčasne kultúrnym aj kontrakultúrnym procesom. Práve na tomto protikladnom priereze vznikli také jedinečné a spočiatku zdanlivo vnútorne nezlučiteľné kultúrne fenomény ako kinematografia 50-70-tych rokov (Kalatozov, Tarkovskij, Ioseliani, Parajanov, Čukhrai, Danelia), divadelná réžia (Efros, Tovstonogov, Lyubimov), hudba (Shostakovič) sa stala možnou , Sviridov, Schnittke, Babajanyan, Chačaturjan, Gavrilin, Solovjov-Sedoy), celá galaxia úžasných hercov (Urbanskij, Demidova, Smoktunovskij, Bondarčuk, Dal), literatúra a dráma (Nekrasov, Vladimov, Vampilov, Volodin, Solženicyn), umelecká pieseň (Okudžava, Vizbor, Vysockij, Dolský), filozofická tvorivosť (Ilyenkov, Batiščev, Mamardašvili, Lotman) a mnoho ďalších.
V retrospektíve na konci 20. storočia. počiatočná vnútorná nesúmerateľnosť sa mení na vzorec. Slávne riadky B. Okudžavu o „komisároch v zaprášených prilbách“ či neklasické „prechádzky s Puškinom“ od A. Sinyavského, ktoré boli opakovane predmetom ideologických špekulácií, presne vyjadrujú túto jedinečnú kompatibilitu v domácom kultúrnom priestore protichodné trendy, ktoré v skutočnosti tvoria jej jedinečnú identitu.
V literatúre o ruskom postmodernizme je dnes veľmi silná kritika šesťdesiatych rokov ako ľudí, ktorí si úplne nesplnili svoju povinnosť transformovať totalitnú ideológiu sovietskeho typu. Šesťdesiate roky sú zároveň kritizované aj z iných pozícií, a to za rozpad sovietskej ideológie. Oba kritické trendy však nezohľadňujú zjavný fakt, že domáca kontrakultúra (vrátane fenoménu 60. rokov) mala iné úlohy. Tieto úlohy vyplynuli z originality, niekedy až tragickej, evolúcie tak ruskej kultúry vo všeobecnosti, ako aj jej sovietskeho štádia zvlášť. Išlo o skonštruovanie špeciálneho modelu posttotalitného priestoru, pre ktorý bola cesta revolučného renovácie neprijateľná. V tomto ohľade domáci nonkonformizmus prehodnotil aj ciele západnej kontrakultúry, v ktorej bol nonkonformizmus a revolucionizmus 60. rokov takmer nebadateľne nahradený zmierením a „novým buržoázizmom“. Jedným z aforistických vyjadrení tohto, možno utopického modelu sovietskej kontrakultúry sú poetické línie Ju. Ševčuka: „ Revolúcia, naučila si nás / Veriť v nespravodlivosť dobra...».
Najnovšie trendy v ruskej kultúre (hudba, divadlo, kino, humanitné vedy) nám umožňujú povedať, že ide o dedičstvo veľkej ruskej kultúry 19.-20. nie stratené. Rovnako ako sa nestratili hlavné protichodné črty jeho originality. V tejto perspektíve sovietska kultúra zaujíma úplne dôstojné miesto a paradoxne a harmonicky zapadá do situácie postmoderny.
Totalita postmoderny nastavila zuby na ostrie. Dnes je oveľa jednoduchšie byť naňho ironický, ako si lámať hlavu s vedeckou kritikou: bolestivé body takmer porazeného nepriateľa sú príliš zrejmé. Tento druh pátosu ignoruje (vedome alebo nie) potenciálnu neagresívnosť postmoderny ako možnej ideológie. Agresiu a „tajné úmysly“ do nej zaraďujú kritici, ktorí sú zvyknutí existovať v paradigme násilia (vrátane duševného násilia). Najjednoduchšie je systematicky a logicky-súčinne kritizovať to, čo sa nehodí do prokrustovského lôžka raz a navždy zavedeného akademizmu. A je úplne jedno, že kultúrne gestá pripomínajúce postmodernu najčastejšie v histórii napĺňali a prehlbovali rytmus civilizačného pohybu. Nezáleží na tom, že „imaginárne svety“ postmodernizmu sú krehké a neschopné odvetného násilia. Samotný kritik si vyberá svoje komplexy a útočí na ne. Známy spôsob: „kto bolí, o tom hovorí“.
Ale to nie je hlavný problém. Globálny útok na postavenie modernej kultúry zo strany postkomunizmu na pozadí všeobecnej porážky postmoderny sa nezdá byť taký nebezpečný, celkom triviálny. Prečo za to kritizovať postkomunizmus? Nejako sa s takouto kritikou zmierime. Alebo iná možnosť: komunizmus zmizne sám od seba – načo si všímať ideologický výkon, ktorý rozohráva.
Nezhodneme sa. A nezmizne. Syntéza a asimilácia, samozrejme, môžu na chvíľu veľa zladiť, ale situácia „výzvy a odpovede“ v konečnom dôsledku pred každým z nás nastolí otázku globálnej zodpovednosti pred postmodernou, v súlade s ktorou je dnes komunistická myšlienka napreduje, často nenápadne a nepostrehnuteľne. Zároveň je veľmi dôležité pochopiť, že koniec komunizmu v Rusku bude znamenať aj koniec éry postmoderny. Čo nahradí jeden a druhý, prečo sa tieto dva procesy môžu skončiť takmer súčasne - to je iná téma.
Nonkonformizmus. Pod týmto názvom je zvykom združovať predstaviteľov rôznych umeleckých hnutí vo výtvarnom umení Sovietskeho zväzu v 50. – 80. rokoch 20. storočia, ktorí nezapadali do rámca socialistického realizmu – jediného oficiálne povoleného smeru v umení.
Nekonformní umelci boli vlastne vytlačení z verejného umeleckého života krajiny: štát predstieral, že jednoducho neexistujú. Zväz výtvarníkov neuznával ich umenie, boli zbavení možnosti vystavovať svoje diela vo výstavných sieňach, kritici o nich nepísali, múzejníci nenavštevovali ich dielne.
1. Dmitrij Plavinský „Shell“, 1978
„Stvorenie ľudského myslenia a rúk je skôr či neskôr pohltené večnými prvkami prírody: Atlantídou – oceánom, egyptskými chrámami – pieskom púšte, palácom a labyrintom Knossos – sopečnou lávou, Aztékmi pyramídy - pri viniciach džungle. Pre mňa nie je najväčším záujmom rozkvet tej či onej civilizácie, jej smrť a moment zrodu ďalšej..."
Dmitrij Plavinský, umelec
2. Oscar Rabin "Zátišie s rybami a novinami Pravda", 1968
"Čím ďalej, tým akútnejšie som cítil, že sa bez maľovania nezaobídem, nebolo pre mňa nič krajšie ako osud umelca. Pri pohľade na obrazy oficiálnych sovietskych umelcov som však úplne nevedome cítil, že nikdy vedieť tak maľovať. A už vôbec nie preto, že „že som ich nemal rád – obdivoval som ich zručnosť, niekedy som im otvorene závidel – ale celkovo sa ma nedotkli, nechali ma ľahostajným. pre mňa medzi nimi chýba."
"Nepocítil som na sebe žiadne vplyvy, nezmenil som štýl, nezmenené zostalo aj moje tvorivé krédo. Rozmanitosť ruského života som vedel sprostredkovať cez symbol - sleď v novinách Pravda, fľaša vodky, pas - to je každému jasné. Alebo som namaľoval cintorín Lianozovsky a nazval obraz "Cintorín pomenovaný po Leonardovi da Vinci". V mojom umení sa podľa mňa neobjavilo nič nové, neokázalé, povrchné. Čím som bol, zostáva to isté,ako sa píše v pesničke.Nemám vlastnú galériu,ktorá ma živí a vedie mojou kreativitou.Nechcel by som byť domácim králikom.Radšej byť voľným zajacom.Behám kam chcem! “
Oscar Rabin, umelec
3. Lev Kropivnitsky "Žena a chrobáky" 1966
"Abstraktná maľba umožňuje čo najviac sa priblížiť realite, preniknúť do podstaty vecí, pochopiť všetko dôležité, čo nevnímame našimi piatimi zmyslami. Modernosť som cítil ako kombináciu dramatických výdobytkov, psychologického napätia, intelektuálneho presýtenosť. Snažil som sa a snažím na základe svojich skúseností a pocitu vytvoriť obrazovú formu, ktorá zodpovedá duchu doby a psychológii storočia.“
Lev Kropivnitsky, umelec.
4. Dmitrij Krasnopevtsev „Pipes“, 1963
"Maľba je aj autogram, len zložitejší, priestorový, viacvrstvový. A ak z autogramu, tak z rukopisu určia (a nie neúspešne) charakter, stav a takmer choroby spisovateľa, ak to nezistia ani kriminalisti. zanedbávajte toto dekódovanie, potom obraz poskytuje neporovnateľne viac materiálu na dohady a závery o identite autora.Už dávno sa zistilo, že portrét namaľovaný umelcom je zároveň jeho autoportrétom – to siaha ďalej – na akúkoľvek kompozície, krajiny, zátišia, k akýmkoľvek žánrom, ako aj k neobjektívnemu abstraktnému umeniu - k "všetkým, čo umelec zobrazuje. A bez ohľadu na jeho objektivitu, nezaujatosť, ak sa chce dostať preč od seba, stať sa neosobným, nebude sa môcť skryť, jeho výtvor, jeho rukopis prezradia jeho dušu, jeho myseľ, jeho srdce, jeho tvár.“
Dmitrij Krasnopevtsev, umelec.
5. Vladimir Nemukhin „Nedokončený solitaire“, 1966
"Inventár prvkov figuratívneho jazyka pozostáva predovšetkým z predmetov. Existovali už predtým - stromy, banky, krabice, noviny, teda jednoduché, rozpoznateľné predmety. Koncom 50. rokov sa to všetko zmenilo na abstrakciu a čoskoro "Toto veľmi abstraktná forma ma začala unavovať. Toto je stav, ktorý obnovuje záujem o objekt, a ten sa to zase opätuje. Domnievam sa, že objekt je pre videnie veľmi dôležitý, pretože cez neho sa pozerá na videnie samo."
"V roku 1958 som začal robiť svoje prvé abstraktné diela. Čo je abstraktné umenie? Umožnilo okamžite preraziť so všetkou tou sovietskou realitou. Stal si sa iným človekom. Abstrakcia je na jednej strane ako umenie podvedomia a na druhej strane nová vízia. Umenie musí byť víziou, nie úvahou.“
Vladimír Nemukhin, umelec.
6. Nikolaj Vechtomov „Cesta“, 1983
"Môj život je vytvorením vlastného umeleckého priestoru, ktorý som sa vždy snažil obohatiť a veľa som sa o to snažil. Uvedomil som si, že každý z nás je vždy sám s kataklizmou dvadsiateho storočia."
"Žijeme v tme a už sme si na ňu zvykli, dokážeme plne rozlíšiť predmety. A predsa odtiaľ čerpáme svetlo, zo žiarenia západu slnka Kozmos, práve to nám dáva energiu videnia. Preto pre mňa , nie sú dôležité predmety, ale ich odrazy, pretože obsahujú dych cudzieho elementu.“
Nikolay Vechtomov, umelec.
7. Anatolij Zverev Portrét ženy. 1966
"Anatolij Zverev je jedným z najvýznamnejších ruských portrétistov narodených na tejto zemi, ktorý dokázal vyjadriť pietnu dynamiku okamihu a mystickú vnútornú energiu ľudí, ktorých portréty maľoval. Zverev je jedným z najexpresívnejších a najspontánnejších umelcov našej doby.Jeho štýl je natoľko individuálny,že na každom jeho obraze je okamžite poznať rukopis autora.Niekoľkými ťahmi dosahuje obrovský dramatický efekt,spontaneitu a okamžitosť.Umelec dokáže sprostredkovať pocit priameho spojenia medzi ním a jeho modelom ."
Vladimír Dlugi, výtvarník.
"Zverev je prvý ruský expresionista 20. storočia a prostredník medzi ranou a neskorou avantgardou v ruskom umení. Tohto úžasného umelca považujem za jedného z najtalentovanejších v sovietskom Rusku."
Gregory Costakis, zberateľ.
8. Vladimir Yankilevsky „Prorok“, 70. roky 20. storočia
„Nekonformizmus“ je konštitutívnou črtou skutočného umenia, pretože odoláva banalite a puncu konformizmu, poskytuje nové informácie a vytvára novú víziu sveta. Osud skutočného umelca je často tragický, bez ohľadu na spoločnosť, v ktorej žije. Je to normálne, keďže osud umelca je osudom jeho vhľadu, jeho výpovede o svete, ktorá búra zaužívané stereotypy vnímania a myslenia vytvorené „masovou kultúrou“ a intelektuálnym snobstvom. Byť tvorcom a byť „v pravý čas“ kanonizovaným „hrdinom“ spoločnosti, superstar, je takmer neprekonateľný paradox. Pokusy prekonať to sú cestou ku kariére konformistu.“
Vladimír Yankilevsky, umelec.
9. Lýdia Masterková "Kompozícia", 1967
"Po celý čas, s neutíchajúcou silou v jej abstraktných kompozíciách, magické farby buď horia, alebo sa iskria, alebo blikajú dohasínajúcim ohňom. Zdá sa, že sa k magickému povrchu plátna vždy približuje z rôznych strán. Niekedy veselý jas plameňov zvuky, zvíjajúce sa a rútiace sa nahor podivné tvary nútia zapamätať si organové akordy Bacha a niekedy sa zeleno-sivé, prepletené roviny spojené s biologickými formami spájajú s „Stvorením sveta“ od Milhauda. Masterkovova kresba hovorí veľa. Organizuje škvrny na rovine a povaha farebných akcentov. Je to originálne a veľmi výrazné od autora.“
Lev Kropivnitsky, umelec.
10. Vladimir Jakovlev „Mačka a vták“, 1981
"Umenie je prostriedkom na prekonanie smrti."
Vladimír Jakovlev, umelec.
"Obrazy Vladimíra Jakovleva sú ako nočná obloha plná hviezd. V noci nie je žiadne svetlo, svetlo je hviezda. Toto je obzvlášť viditeľné, keď Jakovlev zobrazuje kvety. Jeho kvet je vždy hviezda. Z toho vyplýva zvláštny smútok radosti, keď sme kontemplovať obrazy“.
Ilya Kabakov, umelec.
11. Ernst Neizvestny "Srdce Krista", 1973-1975
"Umelecké aktivity (písanie, hudbu a výtvarné umenie) delím na dva typy: túžbu po majstrovskom diele a túžbu po plynutí. Túžba po majstrovskom diele je, keď umelec čelí určitému konceptu krásy, ktorý chce stelesniť." , vytvorte kompletné, priestranné majstrovské dielo. Túžba po flow je existenciálnou potrebou kreativity, keď sa stáva analogickým dýchaniu, tlkotu srdca, práci celej osobnosti. Pre umelcov flow je umenie zhmotnenou existenciou, hýbu sa, vstávam a umieram každú sekundu. A keď si chcem vybudovať svoj „život stromu“, som si plne vedomý takmer klinickej, patologickej nemožnosti tohto plánu. Potrebujem ho však, aby som mohol fungovať. A multiplicita nezastrašuje mne, lebo ho drží pohromade matematická jednota, je uzavretý do seba. To všetko je pokus o spojenie viacerých princípov, pokus o spojenie večných základov umenia a jeho dočasného obsahu. Základné, žalostné, bezvýznamné sa spájajú neustále a večne vo viere, aby sa stal vznešeným, majestátnym, zmysluplným.“
Ernst Neizvestny, umelec.
12. Eduard Steinberg "Kompozícia s rybami", 1967
"Nemôžem povedať, že som na správnej ceste. Ale čo je pravda? Toto je slovo, obraz. Camus má nádherný "Mýtus o Sizyfovi", keď umelec vytiahne kameň do hory a potom spadne, on ho znova zdvihne, znova vlečie – toto je približne kyvadlo môjho života.“
"Neobjavil som prakticky nič nové, len som dal ruskej avantgarde iný pohľad. Ktorý? Pravdepodobnejší náboženský. Svoje priestorové geometrické štruktúry zakladám na starých nástenných maľbách v katakombách a, samozrejme, na maľbe ikon."
Eduard Steinberg, výtvarník.
13. Michail Roginsky "Červené dvere". 1965
"Prinútil som sa znovu vytvoriť realitu na základe mojej predstavy o nej. Stále to robím."
Michail Roginsky, umelec.
"Červené dvere" sú vynikajúce dielo, ktoré zohralo rozhodujúcu úlohu v dejinách ruského umenia dvadsiateho storočia. Spolu s následným cyklom fragmentov a interiérových detailov (steny so zásuvkami, vypínače, fotografie, komody, dláždené podlahy) toto dielo znamenalo začiatok nového objektového realizmu. „Dokumentarizmus“ (ako Roginskij radšej nazýval svoje smerovanie) predurčil vznik nielen pop artu, ale aj novej avantgardy všeobecne v sovietskom „undergroundovom“ umení zameranom na svetový umelecký proces. "Červené dvere" vytriezveli a priviedli späť na zem mnohých sovietskych umelcov, unesených utopickými a metafyzickými hľadaniami obklopenými komunitným životom. Táto práca prinútila umelcov starostlivo analyzovať a opísať estetické aspekty každodenného sovietskeho života. Toto je hranica obrazovej ilúzie, most z obrazu k objektu.
Andrey Erofeev, kurátor, umelecký kritik
14. Oleg Tselkov "Kalvária" 1977
"Teraz absolútne nepotrebujem vystavovať. O pol storočia bude pre mňa mimoriadne zaujímavé vystavovať svoje diela. Dnes som obklopený bláznami ako ja. Nerozumejú viac ako ja. Ľudia píšu, aby niečo pochopili. ruku umelca nepoháňa túžba vystavovať, ale túžba rozprávať o tom, čo som zažil. Keď je obraz namaľovaný, už nad ním nemám žiadnu kontrolu. Môže zostať nažive alebo zomrieť Moje obrazy sú môj list vo fľaši hodený do mora. Možno túto fľašu nikto nikdy nechytí a ona bude odbitá o kameň."
Oleg Tselkov, umelec.
15. Hulot Sooster "Červené vajce", 1964
"V jeho pohľade na prírodu niet spontánnosti, prekvapenia, obdivu. Je to skôr pohľad vedca, ktorý sa snaží preniknúť do tajomstva vecí. Zdá sa, že umelec hľadá nejaký ideálny vzorec prírody, jej centrickosť, vzorec taký úplný a zložitý ako forma vajec“.
1. septembra 2012 zomrel vo veku 75 rokov vynikajúci nonkonformný umelec, jeden z najznámejších predstaviteľov sovietskeho neoficiálneho umenia Dmitrij Plavinský. Na jeho pamiatku predstavuje „Hlas Ruska“ novú kapitolu „Dejiny ruského umenia v 15 obrazoch“
Nonkonformizmus. Pod týmto názvom je zvykom spájať predstaviteľov rôznych umeleckých hnutí vo výtvarnom umení Sovietskeho zväzu 50. – 80. rokov 20. storočia, ktorí nezapadali do rámca socialistického realizmu – jediného oficiálne povoleného smeru v umení.
Nekonformní umelci boli vlastne vytlačení z verejného umeleckého života krajiny: štát predstieral, že jednoducho neexistujú. Zväz výtvarníkov neuznával ich umenie, boli zbavení možnosti vystavovať svoje diela vo výstavných sieňach, kritici o nich nepísali, múzejníci nenavštevovali ich dielne.
„Stvorenie ľudského myslenia a rúk je skôr či neskôr pohltené večnými prvkami prírody: Atlantídou – oceánom, egyptskými chrámami – pieskom púšte, palácom a labyrintom Knossos – sopečnou lávou, Aztékmi pyramídy - pri džungľových viničoch. Pre mňa nie je najväčším záujmom rozkvet tej či onej civilizácie a jej smrť a moment zrodu ďalšej..."
Dmitrij Plavinský, umelec
"Čím ďalej, tým akútnejšie som cítil, že sa bez maľovania nezaobídem, nebolo pre mňa nič krajšie ako osud umelca. Pri pohľade na obrazy oficiálnych sovietskych umelcov som však úplne nevedome cítil, že nikdy vedieť tak maľovať. A už vôbec nie preto, že „že by som ich nemal rád – obdivoval som ich remeselnú zručnosť, niekedy som im otvorene závidel – ale celkovo sa ma nedotkli, nechali ma ľahostajným. pre mňa medzi nimi chýba."
"Nepocítil som na sebe žiadne vplyvy, nezmenil som štýl, nezmenené zostalo aj moje tvorivé krédo. Rozmanitosť ruského života som vedel sprostredkovať cez symbol - sleď v novinách Pravda, fľaša vodky, pas - to je každému jasné.Alebo som namaľoval cintorín Lianozovsky a nazval obraz "Cintorín pomenovaný po Leonardovi da Vinci". V mojom umení sa podľa mňa neobjavilo nič nové, novodobé, povrchné. Čím som bol, zostáva to isté,ako sa píše v pesničke.Nemám vlastnú galériu,ktorá ma živí a vedie mojou kreativitou.Nechcel by som byť domácim králikom.Radšej byť voľným zajacom.Behám kam chcem! “
Oscar Rabin, umelec
"Abstraktná maľba umožňuje čo najviac sa priblížiť realite, preniknúť do podstaty vecí, pochopiť všetko dôležité, čo nevnímame našimi piatimi zmyslami. Modernosť som cítil ako kombináciu dramatických výdobytkov, psychologického napätia, intelektuálneho presýtenosť. Snažil som sa a snažím na základe svojich skúseností a pocitu vytvoriť obrazovú formu, ktorá zodpovedá duchu doby a psychológii storočia.“
Lev Kropivnitsky, umelec.
"Maľba je aj autogram, len zložitejší, priestorový, viacvrstvový. A ak z autogramu, tak z rukopisu určia (a nie neúspešne) charakter, stav a takmer choroby spisovateľa, ak to nezistia ani kriminalisti. zanedbávajte toto dekódovanie, potom obraz poskytuje neporovnateľne viac materiálu na dohady a závery o identite autora.Už dávno sa zistilo, že portrét namaľovaný umelcom je zároveň jeho autoportrétom – to siaha ďalej – na akúkoľvek kompozície, krajiny, zátišia, k akýmkoľvek žánrom, ako aj k neobjektívnemu abstraktnému umeniu - k "všetkým, čo umelec zobrazuje. A bez ohľadu na jeho objektivitu, nezaujatosť, ak sa chce dostať preč od seba, stať sa neosobným, nebude sa môcť skryť, jeho výtvor, jeho rukopis prezradia jeho dušu, jeho myseľ, jeho srdce, jeho tvár.“
Dmitrij Krasnopevtsev, umelec.
"Inventár prvkov figuratívneho jazyka pozostáva predovšetkým z predmetov. Existovali aj predtým - stromy, banky, krabice, okná z PVC, noviny, t.j. zdanlivo jednoduché, rozpoznateľné predmety. Koncom 50. rokov sa to všetko zmenilo na abstrakciu ", a čoskoro ma táto veľmi abstraktná forma začala unavovať. Toto je stav, ktorý obnovuje záujem o objekt a on sa mu zase opláca. Domnievam sa, že objekt je pre videnie veľmi dôležitý, pretože cez neho sa pozerá na samotnú víziu."
"V roku 1958 som začal robiť svoje prvé abstraktné diela. Čo je abstraktné umenie? Umožnilo okamžite preraziť so všetkou tou sovietskou realitou. Stal si sa iným človekom. Abstrakcia je na jednej strane ako umenie podvedomia a na druhej strane nová vízia. Umenie musí byť víziou, nie úvahou.“
Vladimír Nemukhin, umelec.
"Môj život je vytvorením vlastného umeleckého priestoru, ktorý som sa vždy snažil obohatiť a veľa som sa o to snažil. Uvedomil som si, že každý z nás je vždy sám s kataklizmou dvadsiateho storočia."
"Žijeme v tme a už sme si na ňu zvykli, dokážeme plne rozlíšiť predmety. A predsa odtiaľ čerpáme svetlo, zo žiarenia západu slnka Kozmos, práve to nám dáva energiu videnia. Preto pre mňa , nie sú dôležité predmety, ale ich odrazy, pretože obsahujú dych cudzieho elementu.“
Nikolay Vechtomov, umelec.
"Anatolij Zverev je jedným z najvýznamnejších ruských portrétistov narodených na tejto zemi, ktorý dokázal vyjadriť pietnu dynamiku okamihu a mystickú vnútornú energiu ľudí, ktorých portréty maľoval. Zverev je jedným z najexpresívnejších a najspontánnejších umelcov." našej doby. Jeho štýl je natoľko individuálny, "že na každom jeho obraze je okamžite poznať rukopis autora. Niekoľkými ťahmi dosahuje obrovský dramatický efekt, spontánnosť a okamžitosť. Umelcovi sa darí sprostredkovať pocit priameho spojenie medzi ním a jeho modelom."
Vladimír Dlugi, výtvarník.
"Zverev je prvý ruský expresionista 20. storočia a sprostredkovateľ medzi ranou a neskorou avantgardou v ruskom umení. Tohto úžasného umelca považujem za jedného z najtalentovanejších v sovietskom Rusku."
Gregory Costakis, zberateľ.
„Nekonformizmus“ je konštitutívnou črtou skutočného umenia, pretože odoláva banalite a puncu konformizmu, poskytuje nové informácie a vytvára novú víziu sveta. Osud skutočného umelca je často tragický, bez ohľadu na spoločnosť, v ktorej žije. Je to normálne, keďže osud umelca je osudom jeho vhľadu, jeho výpovede o svete, ktorá búra zaužívané stereotypy vnímania a myslenia vytvorené „masovou kultúrou“ a intelektuálnym snobstvom. Byť tvorcom a byť „v pravý čas“ kanonizovaným „hrdinom“ spoločnosti, superstar, je takmer neprekonateľný paradox. Pokusy prekonať to sú cestou ku kariére konformistu.“
Vladimír Yankilevsky, umelec.
"Po celý čas, s neutíchajúcou silou v jej abstraktných kompozíciách, magické farby buď horia, alebo sa iskria, alebo blikajú dohasínajúcim ohňom. Zdá sa, že sa k magickému povrchu plátna vždy približuje z rôznych strán. Niekedy veselý jas plameňov zvuky, zvíjajúce sa a rútiace sa nahor podivné tvary nútia zapamätať si organové akordy Bacha a niekedy sa zeleno-sivé, prepletené roviny spojené s biologickými formami spájajú s „Stvorením sveta“ od Milhauda. Masterkovova kresba hovorí veľa. Organizuje škvrny na rovine a povaha farebných akcentov. Je to originálne a veľmi výrazné od autora.“
Lev Kropivnitsky, umelec.
"Umenie je prostriedkom na prekonanie smrti."
Vladimír Jakovlev, umelec.
"Obrazy Vladimíra Jakovleva sú ako nočná obloha plná hviezd. V noci nie je žiadne svetlo, svetlo je hviezda. Toto je obzvlášť viditeľné, keď Jakovlev zobrazuje kvety. Jeho kvet je vždy hviezda. Z toho vyplýva zvláštny smútok radosti, keď sme kontemplovať obrazy“.
Ilya Kabakov, umelec.
"Umelecké aktivity (písanie, hudbu a výtvarné umenie) delím na dva typy: túžbu po majstrovskom diele a túžbu po plynutí. Túžba po majstrovskom diele je, keď umelec čelí určitému konceptu krásy, ktorý chce stelesniť." , vytvorte kompletné, priestranné majstrovské dielo. Túžba po flow je existenciálnou potrebou kreativity, keď sa stáva analogickým dýchaniu, tlkotu srdca, práci celej osobnosti. Pre umelcov flow je umenie zhmotnenou existenciou, hýbu sa, vstávam a umieram každú sekundu. A keď si chcem vybudovať svoj „život stromu“, som si plne vedomý takmer klinickej, patologickej nemožnosti tohto plánu. Potrebujem ho však, aby som mohol fungovať. A multiplicita nezastrašuje mne, lebo ho drží pohromade matematická jednota, je uzavretý do seba. To všetko je pokus o spojenie viacerých princípov, pokus o spojenie večných základov umenia a jeho dočasného obsahu. Základné, žalostné, bezvýznamné sa spájajú neustále a večne vo viere, aby sa stal vznešeným, majestátnym, zmysluplným.“
Ernst Neizvestny, umelec.
"Nemôžem povedať, že som na správnej ceste. Ale čo je pravda? Toto je slovo, obraz. Camus má nádherný "Mýtus o Sizyfovi", keď umelec vytiahne kameň do hory a potom spadne, on ho znova zdvihne, znova vlečie – toto je približne kyvadlo môjho života.“
"Neobjavil som prakticky nič nové, len som dal ruskej avantgarde iný pohľad. Ktorý? Pravdepodobnejší náboženský. Svoje priestorové geometrické štruktúry zakladám na starých nástenných maľbách v katakombách a, samozrejme, na maľbe ikon."
Eduard Steinberg, výtvarník.
"Prinútil som sa znovu vytvoriť realitu na základe mojej predstavy o nej. Stále to robím."
Michail Roginsky, umelec.
"Červené dvere" sú vynikajúce dielo, ktoré zohralo rozhodujúcu úlohu v dejinách ruského umenia dvadsiateho storočia. Spolu s následným cyklom fragmentov a interiérových detailov (steny so zásuvkami, vypínače, fotografie, komody, dláždené podlahy) toto dielo znamenalo začiatok nového objektového realizmu. „Dokumentarizmus“ (ako Roginskij radšej nazýval svoje smerovanie) predurčil vznik nielen pop artu, ale aj novej avantgardy všeobecne v sovietskom „undergroundovom“ umení zameranom na svetový umelecký proces. "Červené dvere" vytriezveli a priviedli späť na zem mnohých sovietskych umelcov, unesených utopickými a metafyzickými hľadaniami obklopenými komunitným životom. Táto práca prinútila umelcov starostlivo analyzovať a opísať estetické aspekty každodenného sovietskeho života. Toto je hranica obrazovej ilúzie, most z obrazu k objektu.
Andrey Erofeev, kurátor, umelecký kritik
"Teraz absolútne nepotrebujem vystavovať. O pol storočia bude pre mňa mimoriadne zaujímavé vystavovať svoje diela. Dnes som obklopený bláznami ako ja. Nerozumejú viac ako ja. Ľudia píšu, aby niečo pochopili. ruku umelca nepoháňa túžba vystavovať, ale túžba rozprávať o tom, čo som zažil. Keď je obraz namaľovaný, už nad ním nemám kontrolu. Môže zostať nažive alebo zomrieť Moje obrazy sú môj list vo fľaši hodenej do mora. Možno túto fľašu nikto nikdy nechytí a ona bude narazená na kameň.“
Oleg Tselkov, umelec.
"V jeho pohľade na prírodu niet spontánnosti, prekvapenia, obdivu. Je to skôr pohľad vedca, ktorý sa snaží preniknúť do tajomstva vecí. Zdá sa, že umelec hľadá nejaký ideálny vzorec prírody, jej centrickosť, vzorec taký úplný a zložitý ako forma vajec“.
20. decembra sa v Jeľcinovom centre konalo stretnutie-prednáška so známymi Ruský konceptuálny umelec Georgy Kiesewalter, autor umeleckých objektov a inštalácií, spisovateľ, jeden zo zakladateľov tvorivej skupiny „Collective Actions“, účastník hnutia Apt-Art. Prednáška bola zorganizovaná v rámci vzdelávacieho programu venovaného výstave prezentovanej Moskovským múzeom moderného umenia, ktorá spojila diela umelcov patriacich do neoficiálnej vlny.
Kiesewalter podrobne vysvetlil, ako sa neoficiálne umenie vyvíjalo od 50. rokov minulého storočia. Pozoruhodná nuansa: od roku 1996 do roku 2006 žil Kiesewalter v Kanade, ale vrátil sa. Podľa jeho slov prežil niekoľko životov: v sovietskom Rusku, prekypujúcom umeleckými trendmi, no ohraničenom železnou oponou, potom v prosperujúcej, no nudnej Kanade a jeho tretí život sa začal v novom Rusku. Takže hodnotenie vývoja ruského konceptualizmu očami umelca s takým zložitým a mnohostranným osudom je dvojnásobne cenné a zaujímavé. Kiesewalter zhrnul svoje dojmy zo svojho „prvého života“ v knihách, vrátane „Tieto podivné sedemdesiate roky alebo strata nevinnosti“ a „Kľúčové osemdesiate roky v neoficiálnom umení ZSSR“.
Foto Lyubov Kabalinova
01 /07
Prednáška Georgyho Kiesewaltera
„Jedným z „priekopníkov“ neoficiálneho hnutia v umení bola skupina Lianozovo (koniec 50. rokov – polovica 70. rokov 20. storočia), hovorí Kiesewalter. – Názov je spôsobený skutočnosťou, že veľa umelcov skupiny žilo v Lianozove. Jadrom skupiny bol básnik a umelec Lev Kropivnitsky. Patrili sem Genrikh Sapgir, Vsevolod Nekrasov, Igor Kholin, Yan Satunovsky, Oscar Rabin, Lydia Masterkova a ďalší. Zároveň tu bola veľká skupina individuálnych umelcov, ktorí sa kamarátili s Lianozovcami. Existovala aj skupina Neoficiálnych vyvrheľov, pôvodných umelcov, ktorí nezapadali do žiadnej skupiny, boli neoficiálni, ale nepatrili do Lianozova. Bolo tiež možné rozlíšiť skupiny ľavicových oficiálnych a knižných umelcov. Boli to oni, ktorí nakoniec tvorili hnutie 70. a 80. rokov.
Diela umelcov 60. rokov sa vyznačovali kvalitou toho, čo maľovali, no zároveň to bolo svojím spôsobom nadčasové umenie, formované mimo procesov, ktoré prebiehali na Západe.
V 70. rokoch sa objavil konceptualizmus a sociálne umenie. Jedného dňa sa umelec Ivan Chuikov zúčastnil výstavy Ilya Kabakova. Ničomu som nerozumel a odišiel. Spomenul si však na to, že ničomu nerozumel, a to ho „chytilo“. Mimochodom, keď sa začala archivačná kampaň, Kabakov chcel svoje diela preniesť do zahraničia zadarmo, ale ... nikto ich nezobral.
Aj 70. roky sa vyznačovali témou emigrácie. Ak umelec neemigroval, neustále o tom premýšľal. Boli aj interní emigranti a „tu-sidenti“, ktorí nikdy neodišli. V prvej polovici tohto desaťročia sa neudialo nič pozoruhodné: umelci maľovali, tí, čo boli spojení, svoje obrazy predávali. V roku 1975 sa objavil Gorkom - nezávislý odborový zväz umelcov, grafikov a fotografov. Pozostávala z umelcov, pre ktorých bolo dôležité byť niekde zaradení, aby ich neobvinili z parazitizmu.
V roku 1974 sa konala slávna „Výstava buldozérov“: avantgardní umelci vystavovali svoje diela pod holým nebom, ale obrazy rozdrvili údajne nahnevaní robotníci pomocou buldozérov. To vyvolalo široký ohlas, takže čoskoro bolo umelcom dovolené usporiadať výstavu v Izmailove, kde prišlo veľa ľudí. Potom sa vo Včelárskom pavilóne konala rozsiahla výstava.
Zároveň existovala skupina Knižných umelcov, ktorí sa vyznačovali tým, že aktívne diskutovali o jazyku umenia, čo predtým nebolo. Spolu s Alexandrom Monastyrským a Levom Rubinsteinom sme organizovali mini-happeningy a začali sme sa zaujímať o zenbudhizmus. Surrealizmus bol obľúbený aj v umeleckej obci. Stretnutia v kuchyni boli obľúbené a sen o synkretickom umení sa konečne zrealizoval. Obľúbení boli nielen umelci, ale aj spisovatelia - Lev Sorokin, Dmitrij Prigov, Lev Rubinstein, ktorí boli s umelcami priateľmi. (7. januára sa v Jeľcinovom centre uskutoční tvorivý večer básnikov Leva Rubinsteina, Michaila Aizenberga, Sergeja Gandlevského, Yuliho Gugoleva, Viktora Kovala - Ed.)
Na jeseň roku 1975 sa vo VDNKh konala výstava diel 150 umelcov, kde sa tvorili rady. Objavili sa skupiny nových umelcov, ako napríklad „Nest“. Objavil sa akcionizmus. Napríklad sa konala akcia „Sell the Soul“, počas ktorej bol kontaktovaný New York a niektorí ľudia museli „kúpiť“ duše iných. Nechýbala napríklad ani akcia, počas ktorej jej účastníci pálili vlajky svojich nepriateľov a vlajky víťazov ukladali do záveja.
Bol som súčasťou skupiny „Kolektívne akcie“, ktorá často organizovala akcie v prírode. Boli to pokusy vymaniť sa z monotónnej existencie a estetizovať realitu. Z jednoduchej bezvýznamnej udalosti sa tak stalo umelecké dielo. Uskutočnili sme napríklad kampaň „Ball“: naplnili sme kaliko guľu, umiestnili sme do nej zvonček a poslali sme ju dolu riekou. Alebo iná akcia - “Slogan”: v lese sme medzi stromy vyvesili transparent s heslom “NA NIČ SA NESŤAŽUJEM A VŠETKO SA MI PÁČI, NAPRIEK TOMU, ŽE SOM TU NIKDY NEBOL A NIE SOM VEDETE O TÝCHTO MIESTACH ČOKOĽVEK.“ Pamätám si, že slogan bol zakrytý handrou a ja som vytrhol rybárske vlasce, ktoré zaisťovali transparent.
Potom nastal prechod z halcyon 60. a 70. rokov 20. storočia k postmodernizmu. Jednou z najjasnejších udalostí bolo predstavenie pozlátenej Sokratovej busty v skupine „Nest“.
V 70. rokoch minulého storočia prepukla skupina Mukhomor do umenia. Členovia skupiny rýchlo prešli k „horúcim“ témam a vyjadrili sa proti neutrónovej bombe. Výsledkom bolo, že Mukhomor dostal zákaz koncertovania, na ktorom sa však skupina nezúčastnila. „Nest“ a „Amanita“ sa stali základom galérie Apt-Art. V tom istom čase prišli do Moskvy umelci z Odesy, Charkova a ďalších miest.
Inštalácie sa stali dôležitým fenoménom 80. rokov 20. storočia. Izby v apartmánoch boli pokryté papierom, bol vymaľovaný špeciálnym spôsobom, napríklad z čiernej na bielu. Fotografoval som autorov s dáždnikmi, jedným z nich bol Vladimír Sorokin.
Trendom je všetko archivovať. Začali sme zbierať encyklopédie nového umenia. A potom sa umelci začali usadzovať v domoch a inštitúciách a organizovať tam výstavy, napríklad vzniklo združenie „Materská škola“.
V 80. rokoch sa uskutočnilo množstvo výstav, v decembri 1986 sa konala 17. výstava mládeže na Kuzneckom moste, kde boli pozvaní ľavicoví liberálni umelci a konali sa hudobné večery. Vo všeobecnosti sa toho stalo veľa, nie je možné uviesť všetko.
Prednáška umelca Georgyho Kiesewaltera. "Neformálny umelecký život Moskvy v 70. a 80. rokoch"
Video: Alexander Polyakov
Po prednáške Georgy Kiesewalter odpovedal na množstvo otázok.
– Ako si členovia tvorivých združení našli priateľa? Bol váš vzťah pozitívny, alebo ste sa hádali?
– Umelci sa najčastejšie združovali podľa veku. Ak máte 20 rokov, prirodzene sa snažíte byť priateľmi s tými, ktorí majú tiež 20–30 rokov. Výstavy ľudí staršej generácie vzbudzovali, samozrejme, úctu, ale pocit, že to bolo v istom zmysle včera. Ale v 80. rokoch som sa spriatelil s umelcami staršej generácie. A niekedy ste mali pocit, že ste „pod kapotou“. Každý sa niečoho bál, ale spolu, v skupine to nebolo strašidelné.
– Ako ste našli „svojich“, podobne zmýšľajúcich umelcov?
– V tých dňoch sa z nejakého dôvodu všetci stretli v Estónsku. Pamätám si sedemdesiate roky, Lev Rubinstein stál v skupine mladých ľudí, prešiel som okolo neho a bolo mi to jedno, ale potom sme sa stretli a začali sme komunikovať. A on zasa povedal, že išiel po ulici a náhodou stretol Gerlovinovcov. Potom si povedali, že ak sa na jarmoku pustia z oboch strán dva čajníky, určite sa stretnú a nájdu sa. Aj v tých rokoch aktívne fungoval samizdatový systém, knihy sa odovzdávali priateľom na čítanie, najčastejšie v noci. Takto čítame „Hru so sklenenými perlami“ a „100 rokov samoty“.
– Prečo sa dnes, v ére slobody, keď vychádzajú akékoľvek knihy, aj tie, ktoré boli kedysi zakázané, keď si môžete pozrieť akýkoľvek film a navštíviť akékoľvek výstavy, znehodnotili umelecké diela? A v noci si určite nikto nevezme knihu na čítanie?
– Zvláštna hodnota umenia vzniká tam, kde existuje „napriek“. A keď sa objaví tolerantnosť, kritériá na hodnotenie umenia sa vymažú. Nastalo obdobie, keď bola čiara úplne vymazaná. Cudzinci jednoducho povedali: „Obrázok je z Ruska? Áno? Dobre, beriem to." Kvalita nebola hodnotená. Vo všeobecnosti do roku 1988 existovala určitá jednota umelcov, potom sa za umenie začali platiť peniaze a priatelia sa stali rivalmi. Kolaps predpovedala v roku 1974 jedna z manželiek Ernesta Hemingwaya. Toto opisuje Shklovskaya: v kuchyni Nadezhda Mandelstam diskutovali o nákupe galoše a mäsa. A dáma, ktorá bola prítomná počas rozhovoru, povedala: "Teraz máte lásku a teplo, ale toto skončí, keď budete mať všetko."
– Takže umelec musí byť hladný?
"Nemal by byť hladný, ale nemal by byť ani sýty." V 70. a 80. rokoch 20. storočia umelec maľoval to, čo bolo radikálne nové. Keď od neho začali v zahraničí žiadať 2-3 diela mesačne a on sa ocitol v podmienkach, kde sa všetko rozbehlo, ukázalo sa, že naši umelci jednoducho nie sú pripravení na trh a stratili kontakt so zemou. Tak bol jeden zo zakladateľov Lianozova, Oscar Rabin, zvyknutý maľovať kasárne v Lianozove. A tak dostane povolenie pracovať v Európe, no ďalej maľuje... tie isté pochmúrne domy – len tentoraz v Paríži.
