DIVADELNÝ KOSTÝM, prvok dizajnu výkonu. V histórii divadla sú známe tri hlavné typy divadelného kostýmu: postava, hra a oblečenie postavy. Tieto tri hlavné typy kostýmov existujú vo všetkých štádiách divadelného umenia - od rituálnych a folklórnych preddivadiel až po modernú umeleckú prax.

Kostým postavy je akousi vizuálno-plastickou kompozíciou na postave umelca, ktorú sám uvádza do pohybu a vyjadruje (vyslovovaním textu alebo spevom), pričom niekedy úplne skrýva postavu, podobne ako maska ​​zakrývala jeho tvár. Príklady kostýmov postáv v rituáloch a obradoch po celom svete. Zvonovitá silueta indického kostýmu bola parafrázou vežovo-stanového chrámu Nagara Shakhara a posvätnej hory Menu (stred a os sveta v hinduistickej mytológii). Číňan - svojou formou, dizajnom, ornamentikou a farbou vyjadruje starodávnu kozmologickú symboliku prirodzeného striedania Svetla a Tmy, splynutia Neba a Zeme v akte stvorenia sveta. Šamanský kostým národov Severu stelesňuje obrazy fantastického vtáka spojeného s „horným svetom“ a šelmou (obyvateľom „dolného sveta“). Južná ruština je akýmsi modelom vesmíru. V tradičných predstaveniach pekinskej opery kostým predstavoval obraz impozantného draka, v japonskom divadle No - motívy prírody a v barokovej ére 17. storočia. – Spravodlivosť alebo mier. Ak pre rituálne rituály a folklórne akcie boli charakterové kostýmy (ako všetky ostatné prvky scénografie) ovocím tvorivosti anonymných ľudových umelcov, potom ich v 20. storočí od samého začiatku začali skladať umelci: I. Bilibin - v r. opera Zlatý kohútik N. Rimskij-Korsakov (1909), K. Frych - in Bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - v cár Maximilián, P. Filonov - v tragédii Vladimír Majakovskij nakoniec je v projekte K. Malevich Víťazstvo nad slnkom(všetky tri inscenácie 1913). A potom, koncom 10. rokov – prvá polovica 20. rokov 20. storočia. celý rad kostýmov postáv vytvorili talianski futuristi E. Prampolini, F. Depero a ďalší, O. Schlemmer z nemeckého Bauhausu a v balete P. Picasso, ktorý predviedol groteskných Manažérov v r. Paráda E. Satie a F. Leger – černošské božstvá v Stvorenie sveta D.Millo. Napokon kubistická kostýmová „architektúra“ A. Vesnina nadobudla charakterový význam v predstaveniach A. Tairova – v r. Zvestovanie, vlastné suprematistické kompozície na postavách hrdinov Phaedra. Zapnuté ďalšie scény - „škrupinové obleky“ od Yu.Annenkova v hre Plyn G. Kaiser a A. Petrickij - v Viy, ako aj fantastické koláže ako kostýmy postáv pre hru inšpektor, ktoré vytvorili žiaci P. Filonova (N. Evgrafov, A. Landsberg a A. Sashin) na námet známok, erbov, pečatí, obálok a pod.- postava prepošta, recepty, podpisy, injekčné striekačky, klystíry, teplomery - postava Doktora, fľaše, klobásy, šunky, melóny atď. - postava Krčmára. V druhej polovici 20. stor. kostýmy ako samostatné vizuálne postavy, zobrazené oddelene od hercov, ako prvok scénografie, vytvorili M. Kitaev a S. Stavceva, a ako rôzne druhy kompozícií na postavách hercov - K. Shimanovskaya, D. Mataiten, Y Charikov.

Herecký kostým je prostriedkom na premenu hercovho vzhľadu a jedným z prvkov jeho vystúpenia. V rituálnych a folklórnych aktoch mala premena najčastejšie groteskný parodický charakter, keď sa muži prezliekali za ženy, ženy za mužov, mládenci za starcov, krásky za čarodejnice, alebo keď stvárňovali rôzne zvieratá. Zároveň sa použilo všetko, čo bolo po ruke: bunda, kabát z ovčej kože, puzdro, ovčia koža - vždy obrátená naruby, zábavnejšia a zábavnejšia, ako aj akékoľvek iné, trochu smiešne, „obrátené“ oblečenie, napríklad extrémne skrátené nohavice, príliš široká košeľa, dierkové pančuchy, rôzne handry, handry, handry, tašky, povrazy; Využilo sa všetko, čo príroda poskytla: tráva, kvety, slama, lístie. Nakoniec sa na prezliekanie používali aj rôzne umelé ozdoby: farebný papier, brezová kôra, fólia, sklo, stuhy, zrkadielka, zvončeky, pierka atď. Techniky groteskných prevlekov prešli do predstavení starogréckych komédií i do tradičného divadla Východu, kde sa spojili s pestrým hercovým prejavom s prvkami jeho kostýmu: dlhé rukávy a bažantie perá v Pekingskej opere, vlaky, uterák a fanúšikovia v japonskom č. Predstavenia talianskej commedia dell'arte, hry Shakespeara a Lope de Vega boli založené na nekonečných prevlekoch a prevlekoch. Koncom 18. stor. Emma Hart (Lady Hamilton) založila svoj slávny tanec na hre so šatkou, po ktorej sa podobné techniky (manipulácie so šatkami, prikrývkami, závojmi a inými podobnými prvkami kostýmu) hojne využívali v baletnom divadle 19. storočia a dosiahli svoj vrchol. umelecké výšky v tvorbe L. .Baksta, ktorého náčrty choreografických obrazov obsahovali dynamiku rôznych lietajúcich látok, opaskov, šatiek, sukní, šatiek, plášťov, pelerín, príveskov, podväzkov. Na činohernej scéne pokračoval v tradícii kostýmovej hry spolu s pohybmi herca - pomocou kubofuturistickej expresivity - A. Exter v predstaveniach Komorného divadla. Salome O. Wilde a Rómeo a Júlia W. Shakespeare a po nej jej žiak P. Čeliščev a ďalší majstri začiatku 20. rokov: V. Chodasevič a I. Nivinskij, I. Rabinovič a G. Jakulov, S. Ejzenštejn a G. Kozincev, konečne opäť na baletnej scéne. , v inscenáciách K. Goleizovského - B. Erdmana. Ak v tomto období tvorili herné kostýmy celý trend v scénografii, tak v druhej polovici 20. storočia. umelci a režiséri ich používali pomerne široko, ale z núdze ako prvok „palety“ výrazových prostriedkov, ktoré mali k dispozícii. Medzi autorov moderných divadelných kostýmov patria gruzínski umelci Sameuli, G. Alexi-Meskhishvili a N. Ignatov, príklady podobného druhu nájdeme aj v divadlách iných krajín: v Poľsku, Česku, Nemecku, Taliansku.

Kostým, podobne ako odev postavy, je často základom pre tvorbu vyššie diskutovaných druhov kostýmu (postava a hra), vo všetkých obdobiach historického vývoja divadla vo väčšej či menšej miere ide o tzv. stelesnenie toho, čo ľudia nosili v danom období na javisku. Bolo to tak v antickej tragédii a zostáva to tak aj v predstaveniach našich dní. Všeobecný vývoj tohto typu kostýmu bol zároveň charakterizovaný pohybom od konvenčných foriem skutočného odevu (v období baroka a klasicizmu) k jeho rastúcej historickej, geografickej, národnej autentickosti, presnosti a autentickosti. V divadle naturalizmu a psychologického realizmu sa kostým stáva úplne adekvátnym charakteru postavy, vyjadruje nielen jej sociálne postavenie, ale aj stav mysle. Zároveň dnes aj v minulých storočiach zostáva kostým predmetom osobitej tvorivosti umelcov (medzi ktorých patria najvýznamnejší majstri výtvarného a scénického výtvarníctva) a skladajú ho (aj zdanlivo každodenné kostýmy každodennej potreby, nie spomenúť fantastické ), nielen ako samostatné dielo, ale ako podstatnú zložku predstavenia.

„Kostým je hercova druhá škrupina, je to niečo neoddeliteľné od jeho bytia, je to viditeľná tvár jeho javiskového obrazu, ktorá s ním musí tak celistvo splývať, aby sa stala neoddeliteľnou...“ A. Ya. Tairov. Divadelný kostým je súčasťou javiskového obrazu herca, sú to vonkajšie znaky a charakteristiky stvárňovanej postavy, ktoré napomáhajú hercovej premene; prostriedok umeleckého vplyvu na diváka. Kostým je pre herca hmota, forma, inšpirovaná zmyslom roly. Tak ako herec slovom a gestom, pohybom a zafarbením hlasu vytvára novú bytosť javiskového obrazu, vychádzajúc z toho, čo je dané v hre, tak umelec, vedený rovnakými údajmi z hry, stelesňuje obraz. prostriedkami svojho umenia.

Šitie divadelných kostýmov Šitie divadelných kostýmov je v prvom rade vytvorením osobného umeleckého obrazu, takéto kostýmy majú väčšinou bohatú výzdobu, objemnosť tvaru a detailov. Tento kostým hrá samostatne a vytvára nezvyčajnú atmosféru. Profesionálne šitie divadelných a javiskových kostýmov kladie veľkú zodpovednosť, aby štýl zodpovedal prostrediu - tanečné kostýmy, bifľošské kostýmy, historické kostýmy (XVII, XVIII, XIX storočia), cirkusové kostýmy, dámske a pánske šaty z rôznych čias, s prihliadnutím na presne do prostredia, pre ktoré je oblek určený. Javiskové oblečenie bolo a zostáva pre divákov jasné, zaujímavé a nezvyčajné, ktoré prekvapuje svojim luxusom, šik a nezvyčajnosťou. Nie však pre módnych návrhárov a skutočných remeselníkov. Oblečenie na javisko si vyžaduje neustálu inšpiráciu od módneho návrhára, ktorý hrá rolu umelca. Ideálna módna návrhárka je umelkyňa, ktorá je zároveň aj dobrou psychologičkou a výbornou krajčírkou. Veď len kontaktom s hercom či zákazníkom vytvoríte presne ten obraz, ktorý je potrebný pri šití divadelného kostýmu. Divadelné kostýmy sú šité na profesionálnom šijacom zariadení, čo nepochybne ovplyvňuje kvalitu kostýmov. Nechýba ručná úprava detailov kostýmu. Obleky sú ušité podľa vašich individuálnych vzorov, takže perfektne sadnú na vašu postavu.

Vlastnosti divadelných kostýmov Divadelný kostým musí byť prispôsobený tak, aby sedel a nespôsoboval hercovi úzkosť alebo nepríjemnosti. Na kostýme pracuje veľa ľudí - režisér, ktorý dáva všeobecnú charakteristiku požadovaného obrazu, dizajnéri, rezači, krajčírky, ktoré oživujú myšlienku kostýmu. Zvyčajne sa pred šitím obleku vykoná viac ako jedna montáž. Asi pár týždňov pred uvedením predstavenia na javisku herci skúšajú v kostýmoch. Je to potrebné, aby sa hlbšie dostali do roly, precítili ju nielen dušou, ale aj kožou. Kombinácia látok v divadelnom kostýme môže byť veľmi rôznorodá. Patria sem kombinácie kaliko a vrecoviny, satén a pleteniny a pletené časti. Výber látky závisí aj od podstaty výkonu, od jeho obrázkov. Divadelný kostým by nemal byť preťažený množstvom detailov. Každá stuha, každý gombík totiž nesie nejakú informáciu.

Umenie divadelného kostýmu

"Časťou scény, ktorá je v rukách hercov, je jeho kostým."
Francúzska encyklopédia.

„Kostým je hercova druhá škrupina, je to niečo neoddeliteľné od jeho bytia, je to viditeľná tvár jeho javiskového obrazu, ktorá s ním musí tak úplne splynúť, aby sa stala neoddeliteľnou...“
A. Ya. Tairov.

Divadlo je syntetická forma umenia, ktorá nám umožňuje nielen počuť, nielen si predstaviť, ale aj pozerať a vidieť. Divadlo nám dáva možnosť byť svedkami psychologických drám a podieľať sa na historických úspechoch a udalostiach. Divadlo, divadelné predstavenie, vzniká úsilím mnohých umelcov, od režiséra a herca až po produkčného dizajnéra, pretože predstavenie je „spojením rôznych umení, z ktorých každé sa pretavuje do tohto plánu a získava novú kvalitu. ...“.

Divadelný kostým je súčasťou javiskového obrazu herca, sú to vonkajšie znaky a charakteristiky stvárňovanej postavy, ktoré napomáhajú hercovej premene; prostriedok umeleckého vplyvu na diváka. Kostým je pre herca hmota, forma, inšpirovaná zmyslom roly.
Tak ako herec slovom a gestom, pohybom a zafarbením hlasu vytvára novú bytosť javiskového obrazu, vychádzajúc z toho, čo je dané v hre, tak umelec, vedený rovnakými údajmi z hry, stelesňuje obraz. prostriedkami svojho umenia.

Scénografia počas stáročnej histórie divadelného umenia neustále prechádzala evolučnou premenou, ktorá bola spôsobená nielen zdokonaľovaním javiskovej techniky, ale aj všetkými peripetiami štýlov a módy zodpovedajúcich čias. Záviselo to od charakteru literárnej štruktúry hry, od žánru drámy, od sociálneho zloženia diváka, od úrovne javiskovej techniky.

Obdobia stabilných architektonických štruktúr staroveku ustúpili primitívnej etape stredoveku, ktorá zase ustúpila kráľovským dvorným divadlám so sebestačným luxusom predstavení. Vystúpenia boli v látke, v zložitých konštruktívnych dekoráciách, len v svetelnom dizajne, úplne bez dekorácie - na holom javisku, na pódiu, len na chodníku.

Úloha kostýmu ako „pohyblivej“ dekorácie bola vždy dominantná. Zmenil sa pohľad na jeho „vzťah“ s hercom, časom a históriou a napokon aj s jeho priamym „partnerom“ – výtvarným stvárnením scény.

V procese progresívneho rozvoja umenia moderného divadla, inovácie réžie, transformácie spôsobu výtvarného stvárnenia rola kostýmového umenia neupadá – práve naopak. S rastom svojich mladších a flexibilnejších bratov – kina a televízie – divadlo nepochybne pri svojom hľadaní a mučení získava nové formy veľkolepých techník, presne také, ktoré by bránili a definovali postavenie divadla ako trvalej hodnoty nezávislého umenia. formulár. Kostým ako najpohyblivejší prvok divadelnej kulisy sa v tomto hľadaní dostáva na prvé miesto.

Vysoká moderná kultúra divadelného umenia, jemná a hlboká režijná práca na hrách a predstaveniach a talentované herecké výkony si vyžadujú, aby kostýmový výtvarník, ktorý inscenáciu navrhuje, starostlivo prenikol do dramaturgie predstavenia a úzkeho kontaktu s režisérom. Moderný dizajn nie je kanonizovaný pravidlami. Je to individuálne a špecifické v každom konkrétnom prípade. „Práca režiséra je neoddeliteľná od práce umelca. Najprv musí režisér nájsť vlastné odpovede na základné problémy výpravy. Umelec zase musí cítiť úlohy inscenácie a vytrvalo hľadať výrazové prostriedky...“
Divadelný kostým vzniká najskôr vizuálnymi prostriedkami, teda skicou.
Návrh divadelných kostýmov

"Časťou scény, ktorá je v rukách hercov, je jeho kostým."
Francúzska encyklopédia.

„Kostým je hercova druhá škrupina, je to niečo neoddeliteľné od jeho bytia, je to viditeľná tvár jeho javiskového obrazu, ktorá s ním musí tak úplne splynúť, aby sa stala neoddeliteľnou...“
A. Ya. Tairov.

Divadlo je syntetická forma umenia, ktorá nám umožňuje nielen počuť, nielen si predstaviť, ale aj pozerať a vidieť. Divadlo nám dáva možnosť byť svedkami psychologických drám a podieľať sa na historických úspechoch a udalostiach. Divadlo, divadelné predstavenie, vzniká úsilím mnohých umelcov, od režiséra a herca až po produkčného dizajnéra, pretože predstavenie je „spojením rôznych umení, z ktorých každé sa pretavuje do tohto plánu a získava novú kvalitu. ...“.

Divadelný kostým je súčasťou javiskového obrazu herca, sú to vonkajšie znaky a charakteristiky stvárňovanej postavy, ktoré napomáhajú hercovej premene; prostriedok umeleckého vplyvu na diváka. Kostým je pre herca hmota, forma, inšpirovaná zmyslom roly.

Tak ako herec slovom a gestom, pohybom a zafarbením hlasu vytvára novú bytosť javiskového obrazu, vychádzajúc z toho, čo je dané v hre, tak umelec, vedený rovnakými údajmi z hry, stelesňuje obraz. prostriedkami svojho umenia.

Scénografia počas stáročnej histórie divadelného umenia neustále prechádzala evolučnou premenou, ktorá bola spôsobená nielen zdokonaľovaním javiskovej techniky, ale aj všetkými peripetiami štýlov a módy zodpovedajúcich čias. Záviselo to od charakteru literárnej štruktúry hry, od žánru drámy, od sociálneho zloženia diváka, od úrovne javiskovej techniky.

Obdobia stabilných architektonických štruktúr staroveku ustúpili primitívnej etape stredoveku, ktorá zase ustúpila kráľovským dvorným divadlám so sebestačným luxusom predstavení. Vystúpenia boli v látke, v zložitých konštruktívnych dekoráciách, len v svetelnom dizajne, úplne bez dekorácie - na holom javisku, na pódiu, len na chodníku.

Úloha kostýmu ako „pohyblivej“ dekorácie bola vždy dominantná. Zmenil sa pohľad na jeho „vzťah“ s hercom, časom a históriou a napokon aj s jeho priamym „partnerom“ – výtvarným stvárnením scény.

V procese progresívneho rozvoja umenia moderného divadla, inovácie réžie, transformácie spôsobu výtvarného stvárnenia rola kostýmového umenia neupadá – práve naopak. S rastom svojich mladších a flexibilnejších bratov – kina a televízie – divadlo nepochybne pri svojom hľadaní a trápení získava nové formy veľkolepých techník, presne také, ktoré by bránili a definovali postavenie divadla ako trvalej hodnoty nezávislého. druh umenia. Kostým ako najpohyblivejší prvok divadelnej kulisy sa v tomto hľadaní dostáva na prvé miesto.

Vysoká moderná kultúra divadelného umenia, jemná a hlboká režijná práca na hrách a predstaveniach a talentované herecké výkony si vyžadujú, aby kostýmový výtvarník, ktorý inscenáciu navrhuje, starostlivo prenikol do dramaturgie predstavenia a úzkeho kontaktu s režisérom. Moderný dizajn nie je kanonizovaný pravidlami. Je to individuálne a špecifické v každom konkrétnom prípade. „Práca režiséra je neoddeliteľná od práce umelca. Najprv musí režisér nájsť vlastné odpovede na základné problémy výpravy. Umelec zase musí cítiť úlohy inscenácie a vytrvalo hľadať výrazové prostriedky...“ Divadelný kostým vzniká najskôr vizuálnymi prostriedkami, teda skicou.

Odoslanie dobrej práce do databázy znalostí je jednoduché. Použite nižšie uvedený formulár

Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.

• 3
• 2. Antický divadelný kostým 5
• 7
• 9
• 5. Divadelný kostým Európy z r XVIV. do modernej doby 13
• 17

1. Čo je to divadelný kostým?

Divadlo je forma umenia, ktorá nemôže existovať bez publika, takže všetko v ňom je navrhnuté pre vonkajší efekt. Divadelný kostým (spolu s falošnými fúzmi a bradou, parochňami, kozmetikou, maskami) je súčasťou divadelného líčenia. Make-up (z francúzskeho "grimer" - "zafarbiť tvár") je umenie zmeniť vzhľad herca pre danú úlohu a prostriedky potrebné na to.

Divadlo (a s ním aj make-up) vzniklo v hlbinách magického synkretického obradu staroveku. Ľudia v ňom videli liečivú silu, ktorá očisťuje telo od rôznych vášní.

Od staroveku majú všetky národy sveta sviatky spojené s každoročnými cyklami smrti a znovuzrodenia prírody. Tieto sviatky dali život divadlu.

Starí Gréci milovali a uctievali mladého boha Dionýza. Najvyššiemu božstvu - Dia - uctievali len raz za štyri roky (olympijské hry); Athena - raz za dva roky; Apollo - raz za dva roky; ale Dionýz - trikrát do roka. Je to pochopiteľné: Dionýz bol bohom vinárstva.V marci na Veľkej Dionýzii prišli do Atén ľudia zo všetkých gréckych mestských štátov. Cez týždeň uzatvárali dohody, politické spojenectvá a len tak sa zabávali.

Sviatok sa začal dovozom dreveného Dionýza v člne na kolesách. Túto loď sprevádzal zbor satyrských mumrajov. Preto bol vzhľad tohto božstva vždy spojený s obliekaním a karnevalovými kostýmami.

Vrchol prázdnin nastal na tretí deň. V tento deň boli Dionýzovi obetované samce, pretože on, narodený zo stehna Zeusa, bol spojený s čisto mužským princípom. Obeťami mohli byť kohúti, býci, ale najčastejšie kozy. Keď bol zabitý taký „obetný baránok“, spievali smutnú „koziu pieseň“ - tragédiu. Potom sa kôš s črevami a falusom kozy vyniesol na pole, aby zúrodnil zem, pričom sa postupne pilo víno zasvätené Dionýzovi. Po návrate domov košikári niekoho pokarhali (napríklad miestneho politika). Po vstupe do mesta zavesili komos - kozie črevá - blízko domu muža. Tá akcia, ten dav a tie zábavné pesničky. ktoré spievala, sa nazývali komos ("bujarosti"). Odtiaľ pochádza komédia. Pravda, existujú aj iné verzie vzniku divadla.

Čo sa týka outfitov účastníkov festivalu, je známe, že išlo o zvieracie kože (aby sa viac podobali satyrom s kozími nohami). Neskôr sa vďaka súťaži básnikov na javisku stali tragické a komické piesne samostatnými divadelnými žánrami.

2. Antický divadelný kostým

Za oficiálny rok zrodu antického divadla sa považuje rok 534 pred Kristom. e.. keď bola tragédia Thespis prvýkrát inscenovaná na Veľkej Dionýzii.

V tom čase už bol divadelný kostým veľmi odlišný od každodenného. Umelec, ktorý bol najprv len jeden, sa objavil na pódiu v sviežich a jasných šatách. Na tvári mal masku spojenú s parochňou a vybavenú kovovým hlasovým rezonátorom umiestneným blízko úst. Maska mala otvory na oči. Herec mal oblečené buskiny na vysokej platforme. To všetko bolo navrhnuté pre odľahlosť diváka, pretože do gréckeho divadla pod holým nebom sa zmestilo až 17 000 ľudí. Svetlé šaty, veľká maska ​​a vysoké topánky umožnili lepšie vidieť účinkujúceho. Rezonátor zosilnil zvuk (hoci akustika v starovekých divadlách bola taká, že slovo vyslovené šeptom v strede javiska sa dostalo do posledných radov).

Rôznych druhov masiek bolo až sedemdesiat. Boli potrebné aj preto, že všetky úlohy vtedy vykonávali muži. Herec si počas akcie zmenil masku, keď vystupoval v novej úlohe a keď divákovi ukázal zmenu nálady svojej postavy. Masky sprostredkovali typické prejavy radosti, smútku, trikov atď. Boli vyrobené z dreva alebo sadry a následne namaľované.

Dôležitú úlohu zohrala symbolika farieb. Kniežatá mali purpurový odev; ich ženy boli biele; vyhnanstvo - čierne alebo modré; mladí muži - červená; obyčajné ženy sú žlté; hetaery sú pestré.

Kostýmy boli sprevádzané stálymi atribútmi, aby diváci mohli ľahšie rozoznať postavu. Vládca mal žezlo, pútnik mal palicu, Dionýz mal kvitnúcu vetvu plyšu (thyrsus), Apolón mal luk a šípy, Zeus mal blesk atď.

Tragickí herci vďaka dlhým šatám a vysokým topánkam pôsobili monumentálne a pohybovali sa plynulo. Komedianti nosili kratšie, vypasovanejšie outfity. Tí, ktorí stvárňovali satyrov a silenei, si za sebou uviazali chvost, nasadili zvieraciu masku (alebo rohy) a tým sa ich líčenie skončilo. Takéto oblečenie vám umožnilo voľne skákať po pódiu. V Ríme uprednostňovali ľahké žánre a tragédie komédiu. Tam na scénu vstúpila pantomíma. Cirkusové predstavenia boli veľmi obľúbené. Publikum ľahšie vnímalo fliaky (z gréckeho „flyax“ – „vtip“) – paródie na tragédie a komédie; mímy - malé scénky na každodenné témy; atellans - vtipné improvizácie.

Kostým sa priblížil každodenným outfitom. Pravda, farebná symbolika bola stále zachovaná. Mímy už nemali masky a diváci mohli pozorovať výrazy tváre hercov. V týchto predstaveniach hrali nielen muži, ale aj ženy, čo umocňovalo erotický moment a vytváralo dôvody na verejné striptízy.

Grécko-rímsky divadelný kostým naďalej ovplyvňoval javiskový kostým neskorších čias.

3. Divadelný kostým európskeho stredoveku

V stredoveku ľudia nezabudli ani na staroveké zábavy a takmer každý kresťanský sviatok sprevádzalo predstavenie v tvare vrchu: koruna pre šaša, čiapka pre kráľa.

Histrions (z latinského „histrio“ - „herec“) sa potulujú po Európe, ktorí sa vo Francúzsku nazývajú žongléri, v Anglicku - miništranti. v Nemecku sú to shpilmani a v Rusku bifľoši. Sú to one man show, pretože vedia hrať a spievať. chodiť po lane, žonglovať. Kostým týchto ľudí bol vhodný na akrobaciu: pančucháče, mäkké topánky, krátka tunika s opaskom, popri histriónoch cestovali vagáni - „vagabondi“: polovzdelaní školáci, seminaristi, kňazi s odnímaním. Hranice ako také ešte neexistovali a jazyky sa príliš nerozchádzali od jednej základne, čo umožňovalo dorozumieť sa všade. Oblečenie tulákov sa nelíšilo od každodenného kostýmu stredovekého človeka.

Vaganti usporiadali zábavné predstavenia - comu, v ktorých bola cirkev zosmiešňovaná v podobe Matky bláznovej, kvôli ktorej predstavitelia oficiálneho náboženstva prenasledovali umelcov.

Cirkev však potrebovala zvýšiť aj zábavnú hodnotu svojich „vystúpení“, takže priamo v chráme vzniká liturgická dráma. Epizódy z Biblie inscenovali samotní kňazi vo svojich uniformách. Ale čím viac sa moment hrania v týchto inscenáciách zväčšoval, tým boli medzi múrmi kostola „neslušnejšie“. Preto sa predstavenie presunulo najskôr na verandu a potom na námestie. Objavil sa nový žáner – zázrak („zázrak“), predstavujúci zázračné udalosti spojené s Pannou Máriou a Ježišom. Na základe zázraku sa objavuje tajomstvo („tajomstvo“) - divadelná akcia nejasne súvisiaca s biblickým sprisahaním.

Postavami mystérií mohli byť nielen Panna Mária, Ježiš a biblickí proroci, ale aj čerti, diabol a spravodliví mešťania. Preto sa kostým stal rozmanitejším. Kristus, apoštoli a proroci vystupovali v rúchach duchovenstva. A samotnými predstaviteľmi týchto rolí mohli byť kňazi alebo mnísi (to nebolo zakázané). Obchodníci, remeselníci a iní hrdinovia nosili odevy mešťanov svojej doby. Fantastické postavy oblečené v zložitom kostýme s nepostrádateľnými atribútmi, ako sú rohy, chvosty a vlčie či baranie kože diablov. Masky mohli mať personifikované choroby (mor, kiahne), hriechy (obžerstvo, pochlebovanie), cnosti (pravdivosť, nádej).

Často sa však nevyrábali špeciálne kostýmy (rovnako ako kulisy). Nápisov „Nebo“, „Peklo“, „Boh Otec“ atď.

Svetlo bolo hlavnou kategóriou stredovekej estetiky, takže najdôležitejšie božské postavy boli v bielych a lesklých šatách a diabolské potery boli v čiernom. Vera si obliekla biele šaty. Nádej - v zelenom. Láska je v červenom.

Rovnako ako v starodávnom divadelnom kostýme mali hrdinovia konštantné atribúty: Viera mala kríž, Nádej mala kotvu, Láska mala srdce alebo ružu, Lakomosť mala peňaženku, Pleasure mala pomaranč, Flattery mal líščí chvost.

Divadelný kostým sa postupom času čoraz viac podobal bežnému domácemu a ten všedný sa stával divadelnejším.

4 Divadelný kostým v krajinách juhovýchodnej Ázie

Synkretizmus primitívnej kultúry (neoddeliteľnosť rôznych druhov kultúrnych aktivít) sa prejavil v magických mestách, kde v hlbinách mytológie vedľa seba koexistovali tanec, hudba, maľovanie, divadelné predstavenia atď.. Ešte v 2. tisícročí pred Kristom. e. Tanec a pantomíma boli súčasťou uctievania bohov v starovekej Indii. Eposy „Mahab-Harap“ a „Ramayana“, ktoré sa objavili v 1. tisícročí pred Kristom. tvorili základ klasického divadla Indie a krajín, kde existuje hinduizmus, pretože tieto eposy sú posvätnými knihami tohto náboženstva. V rôznych formách (aktuálne divadlo, bábkové divadlo, tieňové divadlo, balet) stále existujú inscenácie epizód Mahábháraty a Rámájany. A teraz používajú veľmi svetlé, drahé kostýmy, masky alebo masky podobný make-up. Nie sú tu žiadne scenérie, všetko sa odohráva v lone majestátnej prírody.

V Číne sa divadlo vyvinulo aj z tanca a akrobatických prvkov, ktoré boli súčasťou posvätných rituálov. V 7. – 10. storočí sa rozšírili tance na historické a hrdinské témy, popretkávané malými divadelnými medzihrami. Prvýkrát sa objavili špeciálne divadelné kostýmy.

V 13. – 14. storočí dosiahlo čínske divadlo svoj vrchol v podobe zaju. Toto zmiešané predstavenie zahŕňalo hudbu, spev, tanec a akrobaciu.

Nechýbali žiadne kulisy, takže mimoriadny význam sa kládol na herectvo a ich vzhľad. Všetky úlohy hrali muži. Najžalostnejšie scény sa odohrávali spomalene.

Všetky hnutia boli prísne kanonizované. Samotní herci o sebe hovorili ako o hrdinoch, určovali čas a miesto konania.

V nasledujúcich storočiach zaju nezomrelo, ale premenilo sa do rôznych foriem. Tak ako predtým, na javisku je málo rekvizít a to, čo je k dispozícii, sa využíva multifunkčne: stôl je hora, oltár a vyhliadková plošina; čierne vlajky symbolizujú vietor, červené - oheň atď. Farebná symbolika sa používa v líčení a kostýme: červená - odvaha, biela - podlosť, žltá - farba cisára.

V Japonsku sa tiež rozvinulo niekoľko druhov divadelných predstavení, ktoré prežili dodnes. Kan'ami Kpetsugu a jeho syn Zeami na prelome 14. a 15. storočia vytvorili divadlo Noh z roztrúsených piesňových a tanečných čísel. Sami boli herci, režiséri, autori a skladatelia (a Zeami bol aj teoretikom divadla Nó). Ich práca sa objavila v čase, keď bol japonský spôsob života výrazne teatrálny: ľudia nízkeho pôvodu sa stali vládcami a ako všetci nováčikovia sa obzvlášť držali rituálu. Túžba po zábave vyvolala masové čajové obrady alebo oslavy obdivovania čerešňových kvetov (čo je samo o sebe absurdné, pretože pre Japoncov je to niečo veľmi osobné). Povinnou súčasťou obradov a recepcií sa stali divadelné predstavenia No. Často mnohohodinové (a aj viacdňové) predstavenia na historické a hrdinské témy začali meniť priebeh skutočných udalostí (napríklad priebeh dovolenky). Vládcovia si na obrazy javiskových hrdinov zvykli. A šógun (vojenský diktátor) Tojotomi Hideyoshi, z veľkého fanúšika divadla Noh, sa zmenil na herca a v roku 1593 počas trojdňového predstavenia na počesť narodenia svojho syna účinkoval v desiatich hrách. Hral sám seba.

Divadlo nó má charakteristické črty, ktoré už boli spomenuté: chýbajúce kulisy, pomalé pohyby v dôležitých častiach predstavenia a mužskí herci. Scény sa odohrávali pred obrazom borovice na zlatom pozadí. Obraz borovice sa vrátil k najstarším agrárnym magickým symbolom a zlato zosobňovalo slnko a bohyňu Amaterasu. Takéto pozadie navyše symbolizovalo splynutie s prírodou, najmä preto, že akcie mohli presiahnuť javisko a pripojiť sa k skutočnej atmosfére recepcie alebo oslavy.

Kostým herca do 17. storočia. sa nelíšil od každodenného kroja šľachty (neskôr ho začali vyrábať podľa rytín a vzoriek 14.-15. storočia). Bola tu tradícia dávať hercom drahé šaty (rozšírilo sa to najmä za čias divadelného vládcu Tojotomiho Hidejošiho). V dôsledku toho sa divadlo Noh stalo aj múzeom luxusného oblečenia. V súčasnosti je najstarším odevom uloženým v divadle kostým šóguna z 15. storočia.

V roku 1615 vládca Ieyasa Totkugawa vydal kódex upravujúci farby a kvalitu látok. Zákaz drahých materiálov sa dotkol aj divadla Noh. Režiséri začali hľadať iné obrazné vyjadrenie, už nie na úkor drahých outfitov. Látka obleku sa stala symbolickou knihou, ktorá sa dala naplniť informáciami. Teraz štylizovaný kanonický kostým divadla Noh odhaľuje charakteristický obraz. Všetko na nej je symbolické – od strihu až po výšivku.

Farba hrá dôležitú úlohu. Biela znamená vznešenosť, červená patrí bohom a kráskam, bledomodrá sa spája s vyrovnanosťou, hnedá znamená nízky rod.

V divadle Noh sú hercami muži, takže masky a fanúšikovia sú dôležité. Veľkosť, sfarbenie, dizajn a pohyb ventilátora charakterizujú postavu. Masky sú jednoduché, ale veľmi elegantné. Sú vyrobené z cyprusu, opatrené základným náterom a brúsené. Maska sa nasadí na parochňu a zaistí sa šnúrkami. Najmenšia zmena osvetlenia alebo uhla mu dáva nový výraz. Existujú masky rôznych pohlaví, veku, postáv a dokonca aj fantastických tvorov.

5. Európsky divadelný kostým zo 16. storočia. do modernej doby

V období renesancie sa v Európe začali objavovať prvé stále súbory pracujúce na profesionálnej báze. Túlajú sa alebo sa držia na jednom mieste. Ľudia sa radšej smejú ako plačú, a tak herci inscenujú svetlo, komické predstavenia, frašky a paródie. Potulní komedianti pokračovali v stredovekých tradíciách a (ako celá kultúra renesancie) sa obrátili k antickému dedičstvu. Najstaršie takéto skupiny vznikli v Taliansku. Tam sa objavilo divadlo commedia dell'arte, teda „komédia masiek“.

V commedia dell'arte bolo jedno prostredie – mestská ulica. Neexistoval žiadny konštantný dej: vedúci súboru (kapokomiko) to pripravil a herci improvizovali, ako v starovekých atlanoch. Tieto triky a riadky, ktoré vzbudili súhlas verejnosti, sa opakovali a posilňovali. Akcia sa točila okolo lásky mladých, ktorej prekážali starí a pomáhalo služobníctvo.

Maska hrala v komédii najdôležitejšiu úlohu. Čierna maska ​​by mohla pokrývať celú tvár alebo jej časť. Niekedy to bol prelepený nos alebo hlúpe okuliare. Hlavná vec je vytvoriť typickú tvár, vybrúsenú do karikatúry.

Na kostým boli dve požiadavky: pohodlie a komédia. Preto na jednej strane pripomínal odev stredovekých histriónov a na druhej bol doplnený o charakteristické vtipné detaily.

Napríklad Pantalone - lakomý obchodník - mal vždy svoju peňaženku. Jeho odev bol podobný odevu benátskych obchodníkov: sako previazané šerpou, krátke nohavice, pančuchy, župan a okrúhla čiapka. Potom sa však jedného dňa umelec objavil na pódiu v širokých červených nohaviciach a publiku sa tento charakteristický detail zapáčil. Výsledkom bolo, že Pantalone a jeho nohavice sa tak zlúčili v mysliach ľudí, že časom sa z osobného mena vytvorilo spoločné podstatné meno pre dámsku spodnú bielizeň, pantaloony.

Doktor, ďalší hrdina commedia dell'arte, bol paródiou na vedca a objavil sa v čiernom akademickom rúchu s čipkovaným golierom a manžetami. Vždy mal v rukách papierové zvitky a na hlave široký klobúk.

Kapitán bol vojenský dobrodruh, mal na sebe kyrys, nohavice, čižmy s obrovskými ostruhami, krátky plášť a klobúk s perím. Jeho stálym atribútom bol drevený meč, ktorý sa v prípade potreby určite zasekol v pošve.

Najpočetnejšími a najrozmanitejšími postavami boli sluhovia (zanni), pretože boli „motormi pokroku“ v milostnom konflikte. Pulcinella mala obrovský zahnutý nos; Harlekýn má toľko nášiviek, že sa časom štylizovali do šachovnicového vzoru, Pierrot má bielu širokú košeľu s strihovým golierom a dlhé nohavice; Brighella má širokú bielu blúzku a zodpovedajúce nohavice.

Toto ľudové divadlo bolo vďaka svojim ľahkým zápletkám oveľa populárnejšie ako divadlá Shakespeare alebo Lope de Vega, ktoré dávali väčšiu prednosť nie zábave, ale hĺbke obsahu. Napríklad pre diela Lope de Pega sa dokonca objavil názov „komédie plášťa a meča“, pretože ich herci v skutočnosti hrali iba v každodenných kostýmoch súčasných autora.

Súbežne s putovnými súbormi existovali aj dvorné divadlá, ktorých kostýmy sa rátali na stovky a vyznačovali sa vysokou cenou. Boli zobrazené oddelene od predstavenia hry.

V 17. – 18. storočí nastal úpadok vo vývoji divadelného kostýmu. K slovu sa dostáva, dialóg pohltí všetku pozornosť publika. Na javisku sa používa každodenný kostým zbavený historizmu. Toto je obvyklý módny kostým tej doby. Pravda, v hre neuvidíte otrhaného sluhu ani zle oblečenú pastierku. Oblek je rafinovaný. To je dôsledok teatralizácie života. Divadlo vstupuje tak hlboko do každodenného života, že sa stiera hranica medzi „divadelným a každodenným“ kostýmom. Treba si uvedomiť, že v 17. – 18. storočí často určoval módu divadelný kostým (ako už bolo spomenuté v predchádzajúcich kapitolách). Umelci sa obliekali lepšie a extravagantnejšie ako ostatní. V 17. storočí pre Monsieur à la mode boli na javisku usporiadané špeciálne miesta pre divákov, kde nielen sledovali predstavenie, ale diskutovali o umelcoch a ich kostýmoch.

V 17. a 18. storočí prekvitali syntetické žánre: opera, balet, cirkus (hoci boli známe už skôr). Tieto žánre zahŕňajú dramatickú akciu, kaskadérske kúsky, hudbu, spev a jasný, nezabudnuteľný make-up. Syntetické žánre zahŕňajú prvky každodenného života. Napríklad spoločenský tanec kankán (francúzsky kankán) s charakteristickým vysokým kopaním nohami vznikol okolo 70. rokov 18. storočia. Postupne sa stáva neoddeliteľnou súčasťou operety – žánru hudobnej a tanečnej komédie.

V 19. storočí ožil záujem o históriu vo všetkých oblastiach kultúry. Vďaka archeologickým a literárnym objavom bolo možné dozvedieť sa viac o kostýmoch staroveku, a tak sa v historických hrách po prvý raz pokúšajú reprodukovať autentické kostýmy minulosti.

Rozvoj kritického realizmu ako metódy umenia a spôsobu vnímania sveta vedie k tomu, že na javisku už neuvidíte sedliacke ženy v peignoiroch a naškrobených sluhov. V divadle sa objavujú rekvizity, o ktorých sa v slušnej spoločnosti nikdy predtým nahlas nespomínalo. Hľadanie nových foriem vyjadrenia vedie k naturalistickému líčeniu. Toto píše V. A. Gilyarovsky vo svojich esejach o Moskve a Moskovčanoch:

"V roku 1879, ako chlapec v Penze, pod vedením divadelného kaderníka Shishkova, bola malá Mitya študentkou. To bolo obľúbené u podnikateľa z Penzy V.P. Dalmatova, ktorý mu jediný dovolil dotýkať sa jeho vlasov a naučil ho robiť make-up. Raz V.P. Dalmatov mal na svojom benefičnom predstavení „Notes of a Madman" a prikázal Mityovi pripraviť holohlavú parochňu. Na predstavenie priniesol mokrý býčí mechúr a začal ho nanášať Dalmatovovi na upravený účes... Na hercov plač , herci pribehli na toaletu.

- Ste veľký umelec, Vasilij Panteleimonovič, ale dovoľte mi byť umelcom vo svojom odbore! - Zdvihol hlavu k vysokému V.P. Dalmatovovi a ospravedlňoval sa. - Len to skúste!

V.P. Dalmatov nakoniec súhlasil - a po niekoľkých minútach bola bublina nasadená, sem-tam namazaná a oči B.P. Dalmatova žiarili potešením: úplne holá lebka s čiernymi očami a výrazným make-upom pôsobila silným dojmom.

Trend moderny dal na prelome 19. a 20. storočia vzniknúť novým formám divadelného kostýmu. Outfity sú štylizované, menia sa na symboly. Európania objavili divadlá východu, čo sa prejavilo aj na scénických kostýmoch.

V prvých rokoch po októbrovej revolúcii divadelný kostým úplne zmizol, nahradili ho „kombinézy“, keďže herci sú „divadelníci“.

Postupne sa všetko vrátilo do starých koľají a na javisko sa opäť vrátil divadelný kostým. Navyše v 20. stor. objavilo sa také nové divadlo ako módne divadlo. Prehliadky modelov sa zmenili na hudobné a dramatické predstavenia. Takže domáci kostým sa nakoniec otvorene „spojil“ s divadlom.

Zoznam použitej literatúry

2. Gelderod M. de. Divadlo: So.: Per. od fr. / Doslov L. Andrea, p. 653-694

3. Komentujte. S. Shkunaeva; Umelec N. Aleksejev. -M.: Umenie, 2003. -717 s.

4. Divadlo De Filippo E.: Hry: Trans. s tým. /Doslov L. Veršinina, s. 759-775; Umelec N. Aleksejev. -M.: Umenie, 2007. -775 s.

Podobné dokumenty

Charakteristika divadelného kostýmu. Požiadavky na jeho náčrt. Analýza obrazu ľudskej postavy; techniky a nástroje používané v grafických zdrojoch. Využitie grafických techník divadelného kostýmu pri tvorbe odevnej kolekcie.

kurzová práca, pridané 28.09.2013


Antropomorfologická charakteristika postavy. Analýza historického kostýmu. Vlastnosti pánskeho obleku. Odôvodnenie výberu základného modelu. Umelecká a kompozičná analýza analógových modelov. Výpočet a konštrukcia výkresov navrhovaného výrobku.

kurzová práca, pridané 28.04.2015


Kostým ako objekt sociokultúrnej analýzy: história vývoja, význam, úloha, funkcie a typológia. Charakteristika semiotických aspektov kostýmu, atribúty, doplnky, sociálny a psychologický základ. Analýza symboliky kostýmu „dandy“.

práca, pridané 24.01.2010


Pojem dekoratívneho umenia ako výrazového prostriedku divadelného umenia. Hlavné prostriedky expresivity divadelného umenia: úloha kulisy, kostýmu, make-upu pri odhaľovaní obrazu postáv, vizuálna a optická úprava predstavenia.

test, pridaný 17.12.2010


História európskeho kroja 19. storočia. Rozdiely medzi empírovým štýlom a klasicizmom. Charakteristika krojovej skladby. Estetický ideál krásy. Hlavné typy odevov, ich dizajnové riešenia. Víkendové šaty, topánky, klobúky, účesy, šperky.

kurzová práca, pridané 27.03.2013


Historická charakteristika dynastie Ming. Národné čínske oblečenie ako súčasť čínskej histórie. Ornament, ozdobné prvky a symbolika kroja. Zásady výtvarného stvárnenia kostýmu, jeho originalita. Všeobecný charakter farebnej schémy.

abstrakt, pridaný 23.05.2014


Úloha a význam kostýmu v starovekom svete: Egypt, Grécko, Rimma, India a Byzancia. Kroj západnej Európy v stredoveku. Renesančný kostým: taliansky, španielsky, francúzsky, nemecký, anglický. Empírový štýl a romantizmus, rokoko a baroko.

kurzová práca, pridané 26.12.2013


Charakteristika vývoja kroja v barokovom období, estetický ideál krásy a vlastnosti látok, farieb a ozdôb. Zvláštnosti dámskych a pánskych oblekov, topánok a účesov. Charakteristiky rezného systému barokovej éry, ich odraz v modernej móde.

kurzová práca, pridané 12.7.2010


Všeobecná charakteristika kultúry a umenia Japonska. Opis princípov tvorby japonských kostýmov. Druhy kimon, strih a doplnky. Moderná interpretácia japonského kostýmu v dielach známych dizajnérov (J. Galliano, A. McQueen, I. Miyake, M. Prada).

abstrakt, pridaný 01.07.2013


Dámske účesy Byzantskej ríše. Charakteristické črty mužských účesov 15.–16. storočia. Vývoj dvorného kostýmu v Rusku v 18. storočí. "Románsky" štýl v modernom ženskom obraze. Vplyv šľachtického kroja na kroje iných vrstiev.