Назад
Вперёд
Внимание! Предварительный просмотр слайдов используется исключительно в ознакомительных целях и может не давать представления о всех возможностях презентации. Если вас заинтересовала данная работа, пожалуйста, загрузите полную версию.
В настоящее время все детские музыкальные школы и школы искусств России переходят на новые стандарты обучения. Образовательные программы стали разделяться на предпрофессиональные и общеразвивающие. И если дети, которые учатся по предпрофессиональным программам, получают углубленные знания по всем предметам, то знания детей, осваивающих общеразвивающие программы, очень поверхностные. Особенно по теоретическим предметам, т.к. согласно учебным планам вместо полноценных уроков “сольфеджио”, “музыкальной литературы”, “теории музыки”, “анализа музыкальных формы” учащиеся проходят предмет “Музыка и окружающий мир” (1 ч. в неделю).
Играя произведения по специальности, учащиеся должны иметь хотя бы элементарные знания о музыкальных эпохах, стилях, т.к. эти знания очень важны для расширения кругозора, воспитания познавательной активности учащихся, для поддержания интереса к обучению. Уроки в музыкальной школе должны быть интересными, красочными, информативными, а главное – запоминающимся.
Отсюда проистекает главная цель урока-лекции:способствовать формированию у учащихся представления об эстетических ценностях посредством знакомства с музыкальными эпохами.
Для достижения поставленной цели необходимо решить следующие задачи урока:
- познакомить учащихся со стилями “барокко”, “классицизмом” и “романтизмом”;
- дать представление о звучании мировых шедевров, созданных в эти эпохи;
- закрепить и обобщить знания.
Ход урока
Слайд 1. Музыка сопровождает человека с первых дней и на протяжении всей его жизни. Мы слушаем ее с момента пробуждения, в течение дня и засыпаем под звуки музыки. Мы слышим ее всегда: в дороге, на отдыхе, на работе… Музыка способна поднять настроение, вдохновить, но может и привести в состояние тоски, скорби или тихой грусти. Музыка, как один из видов искусства, направлена, прежде всего, на душу человека.
Что же такое музыка? Музыка - это искусство звуков. Ученые доказали, что древние люди выжили в ледниковый период и стали преобладающим видом на планете, потому, что обладали способностью творить: передавать и созидать звуки, краски, создавать зрительные и звуковые образы.
Музыка развивалась параллельно с другими видами искусства, поэтому в ней много общего с живописью, архитектурой, скульптурой, литературой и театром.
Искусство, и прежде всего музыка разных эпох, отражало своё время и выражалось определённым художественным стилем.
Музыка не всегда была такой, какой мы знаем ее сейчас. Сегодня мы предлагаем Вам совершить музыкальное путешествие во времени и познакомиться с некоторыми стилями классической музыки.
Слайд 2. Первая остановка -эпоха барокко.
Эпоха барокко (от ит. barocco – “странный”, “причудливый”), возникшая на рубеже XVI – XVII вв. – одна из наиболее значимых в истории развития человечества. Именно в это время зарождаются новые стили и направления в искусстве: литературе, музыке, живописи, архитектуре. Эпоха барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью.
Слайд 3. Например, в то время женщина должна быть неестественно бледной, в вычурном парике, в тугом корсете и в огромной юбке.
Слайд 4. Мужчина в парике без усов и бороды, напудрен и надушен духами.
Этому стилю присущи выразительность, драматизм, зрелищность, торжественность, парадность, стремление к соединению разных видов искусств. Данные черты в полной мере проявились в опере, где соединились музыка, поэзия, драматургия и театральная живопись.
Слайд 5. Первые дошедшие до нас произведения нового жанра - две оперы под одним названием “Эвридика”, композиторов Якопо Пери и Джулио Каччини , созданные на сюжет мифа об Орфее.
Опера стала быстро развиваться, возникали различные оперные школы. Например, в Неапольской оперной школе сложился вокальный стиль бельканто (ит. bel canto – “прекрасное пение”), который славился необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством.
В эпоху барокко изменилось представление о церковной музыке. Появились произведения, написанные на тексты или сюжеты, но не предназначенные для обязательного исполнения в церкви. К ним относятся кантата, оратория.
Слайд 6. Мастером монументальной оратории того времени является Георг Фридрих Гендель (1685-1759), немецкий композитор и органист. Он создал новый тип оратории, грандиозный по масштабам, демократический по музыкальному языку. Оратории Генделя оказали значительное влияние на творчество европейских композиторов.
В эпоху Барокко полифония, господствовавшая в музыке эпохи Возрождения, начала уступать место гомофонии (от греч. “хомос” - “один” и “фоне” - “звук”. В отличие от полифонии, где все голоса равноправны, в гомофонии выделяется один голос, а остальные играют роль аккомпанемента. Это дало толчок к развитию инструментальной музыки, появлению новых жанров и в первую очередь инструментального концерта.
Слайд 7. В жанре “Кончерто – гроссо” - большого концерта работал один из выдающихся мастеров скрипичной музыки Антонио Вивальди (1678-1741), который написал 465 концерта. Концерты А. Вивальди состоят из 3 частей – быстрые крайние части и медленная средняя часть. Многие концерты А. Вивальди имеют программу, например, цикл концертов “Времена года”.
Приложение 1. А. Вивальди “Времена года”: “Зима” 1ч.
Слайд 8. Представителем Немецкой школы барокко является Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) - крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры. Его творчество представляет собой одну из вершин философской мысли в музыке. Свободно скрещивая черты не только разных жанров, но и национальных школ, Бах создал бессмертные шедевры, стоящие над временем.
Приложение 2. И.С. Бах Токката и фуга d-moll
Будучи последним (наряду с Г.Ф. Генделем) великим композитором эпохи барокко обобщил достижения музыкального искусства переходного периода от барокко к классицизму.
Слайд 9. Следующая остановка – эпоха классицизма .
Художественный стиль классицизм от лат. Classicus – “образцовый”, “совершенный” возник в XVII столетии во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к идеалу, ясным и строгим формам, гармоничным образам. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью. Как и сам человек, искусство классицизма было жизнеутверждающим и светлым. Именно в это время в западноевропейской музыке складываются "образцовые" для всей последующей истории структуры сонаты и симфонии.
Слайд 10. Сонатная форма – это принцип изложения музыкального материала, который предполагает взаимодействие тем и художественных образов. Темы - главная и побочная – либо противопоставляются друг другу, либо дополняют друг друга. Развитие тем проходит три этапа – экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции, разработке происходит дальнейшее развитие тем. Реприза - итог сложного пути, к которому темы пришли обогащенные развитием в экспозиции и разработке. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе – коде, однако она необязательна.
Слайд 11. Симфония – наиболее сложная форма инструментальной музыки. Исполняется симфоническим оркестром. Композиторы венской классической школы (Гайдн, Моцарт, Бетховен) разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы.
Первая часть обычно исполнялась в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием, писалась в сонатной форме. Вторая часть медленная, созерцательная - это лирический центр композиции. Третья часть подвижная, носит танцевальный либо шутливый характер (Менуэт или Скерцо). Четвертая часть Финал, обычно быстрая часть, здесь подводятся итоги развития образов и тем всей симфонии.
Слайд 12. В опере XVII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка (1714-1787), создавшего новую трактовку этого вида музыкально-драматического искусства. Врожденный инстинкт драматурга и ощущение неудовлетворенности оперой-сериа, с ее культом певцов-виртуозов влекут композитора в сторону музыкальной драмы, к античному образцу.
Первыми операми, созданными по новым правилам, стали “Орфей и Эвридика” (1762), “Парис и Елена” (1770). Либретто к этим операм написал поэт и драматург Раньери да Кальцабиджи, это был первый пример сотрудничества автора музыки и либреттиста в процессе создания оперы, прежде композиторы писали музыку на уже готовые и отдельно изданные либретто. Для своих опер Глюк выбирал, как правило, античные сюжеты, в которых воспевался подвиг во имя любви и исполнение долга. Основное внимание композитор уделял слову. Он стремился к тому, чтобы музыка точно выражала дух и настроение поэтического текста. Важную роль в операх Глюка играли речитативы, они всегда звучали под аккомпанемент оркестра (в отличие от “секко” - речитативов оперы - “сериа”), которые сопровождались клавесином. Главная мелодическая линия проводится в ариях. Возросла роль оркестра. Уже в увертюре были обозначены основные идеи. В произведениях Глюка привлекали ясность драматургического развития, цельность образов, классическая строгость и выразительность музыки, естественность и красота мелодий, благородство чувств героев.
Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Й. Гайдна, В.А. Моцарта и Л. Бетховена, работавших, преимущественно, в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре – венскую классическую школу.
Слайд 13. С творчеством Йозефа Гайдна (1732-1809) связан расцвет таких жанров, как симфония (их у него 104), струнный квартет, клавирная соната. Большое внимание композитор уделял концертам для различных инструментов, камерным ансамблям, духовной музыке. Композиторам венской классической школы, и, прежде всего, Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава оркестра. Звучание музыкальных инструментов приводилось в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки, основанных на знании возможностей инструментов.
Слайд 14. Творчество Вольфганга Амадея Моцарта (1756-1791) занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью.
Особое внимание Моцарт уделял опере, но не стремился по примеру Глюка к созданию новой оперной формы – новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую – появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены (“Свадьба Фигаро”, “Дон Жуан”, “Волшебная флейта”).
Приложение 3. В.А. Моцарт Ария Царицы Ночи из оперы “Волшебная флейта”, написанная в стиле bel canto.
Большое внимание Моцарт уделял симфонии, особенно популярны три последние – №39, №40 и №41 “Юпитер”. В произведениях этого жанра окончательно закрепились 4-х частный цикл и правила сонатной формы.
Моцарт стал одним из создателей жанра классического концерта. Фортепианное творчество включает 19 сонат, а также сочинения в жанре фантазии. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием.
Слайд 15. Последним представителем Венской классической школы был Людвиг ван Бетховен (1770-1827). Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идей Просвещения и Французской революции. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой – содержит в себе черты нового, романтического искусства (смелое экспериментаторство в симфониях и сонатах, интерес к вокальной и инструментальной миниатюре и программность). За свою жизнь композитор написал девять симфоний, тридцать две сонаты для фортепиано, а также для скрипки и виолончели, шестнадцать струнных квартетов, оперу “Фиделио”, пять концертов для фортепиано. Вершиной симфонического творчества по праву считают Девятую симфонию. Симфония грандиозна по масштабам, особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст орды к радости И.Ф. Шиллера.
Слайд 16. Следующая остановка – эпоха романтизма.
На рубеже XVIII-XIX столетий в европейском искусстве сложилось новое направление – романтизм (фр. romantisme), в формировании которого огромную роль сыграла Французская революция 1789 года. Она принесла людям разочарование и безнадёжность, т.к. за что боролись революционеры, не сбылось. Реальность была мрачна, поэтому романтики искали утешение в мире мечты. Основными темами становятся одиночество, далёкое прошлое, мечта, сказка. Романтиков интересует человеческая душа, её страсти и переживания.
Общество мещан, торговцев, простых обывателей диктовало музыкальному искусству свои вкусы, что привело к созданию “лёгких” жанров. Получили широкое развитие песня и романс.
Ведущим жанром становится миниатюра, часто имеющая конкретное название. В небольшом инструментальном сочинении-миниатюре можно было запечатлеть и мимолётные чувства, и глубокое душевное потрясение, и мгновенное настроение, и зарисовку с натуры.
Важным средством создания музыкального образа стала словесная программа, раскрывающая содержание произведения. Иногда музыка писалась как иллюстрация к произведению литературы или живописи. Порой композитор сам сочинял сюжет для инструментальной музыки и излагал его в специальном пояснении к партитуре.
Композиторы-романтики часто обращались к фольклору, используя интонации, ритмы, мотивы народных танцев и песен.
Композиторы-романтики были убеждены, что через музыкальное просвещение можно изменить мир и человека, поэтому немало сил отдавали публицистике и просветительской деятельности. Они стремились лично воздействовать на большую аудиторию и становились исполнителями или дирижёрами. Именно романтики создали в Европе систему общедоступных концертов.
Слайд 17. Первым представителем романтизма стал австрийский композитор Франц Шуберт (1797-1828).За свою короткую жизнь композитор создал более 1000 сочинений. Инструментальная музыка Шуберта связана с традициями венской классической школы. Композитор написал девять симфоний. Симфония №8, имеющая подзаголовок “Неоконченная” (1822г.) - одно из самых ярких произведений не только в творчестве Шуберта, но и в мировой симфонической музыке. Но при жизни он получил признание лишь как автор песен, а его симфонии, сонаты, фортепианные миниатюры были надолго забыты.
Приложение 4. Ф. Шуберт “Пчёлка”.
Шуберт написал более 600 песен. Каждая из них – это рассказ о человеке, способном на сильные, искренние чувства. Основная часть песен посвящена любви, однако есть среди них пейзажные и жанровые зарисовки (например, “Форель”), романтические легенды (баллада “Лесной царь” на стихи немецкого поэта И.В. Гёте). В песнях огромное значение приобретает партия фортепиано, которое будто бы полностью подчинено голосу, именно инструмент передает те чувства и эмоции, которые не выразить словами. Вокальные циклы “Прекрасная мельничиха” и “Зимний путь” - являются вершиной творчества Ф. Шуберта.
Слайд 18. Еще один представитель романтизма композитор Роберт Шуман (1810-1856). В своём творчестве композитор уделял большое внимание фортепианной музыке. Один за другим были написаны знаменитые фортепианные циклы “Вариации” (1830г.), “Бабочки” (1831г.), “Карнавал” (1835г.), “Фантастические пьесы” (1837г.), а так же “Детские сцены”, “Крейслериана”, “Новелетты”. Композитор писал психологическую музыку, которая далека была от фольклорных мотивов. Произведения Шумана – это нечто “личное”. Гармоничный язык его произведений более сложный, нежели у его современников. Ритм творений Шумана достаточно прихотлив и капризен.
Композитор обращался и к вокальной музыке. Центральное место в вокальном наследии Шумана занимают два цикла “Любовь и жизнь женщины” и “Любовь поэта”.
Приложение 5. Р. Шуман “Я не сержусь” из цикла “Любовь поэта”.
Слайд 19. Фредерик Шопен (1810-1849) - композитор – романтик, основоположник польской национальной композиторской школы. Ф. Шопен – уникальный композитор, так как писал практически только фортепианную музыку. Характерной чертой “шопеновского” стиля является соединение камерной лирики, поэтической импровизационности с блестящей виртуозной техникой. Для композиторского стиля Шопена характерен синтез романтических и классических традиций. Обращение к народным истокам: использование народных ладов, ритмов и гармонизации. Фортепиано часто “подражает” народному оркестру. Многие фортепианные сочинения композитора носят элегический характер мелодики. Многие произведения Шопен создал в ритме польских народных и городских танцев (мазурка, полонез, вальс).
Приложение 6. Ф. Шопен Ноктюрн Es-dur.
Слайд 20. Опера в эпоху романтизма развивалась двумя путями – путем развития и обновления традиций (Джузеппе Верди (1813-1901) в Италии, Жорж Бизе (1838-1875) во Франции) и путем реформы (Рихард Вагнер (1813-1883) в Германии).
Оперы Верди и Бизе обобщили лучшие достижения итальянской и французской оперы, существенно обновив их содержание. Главное – новые герои. Это не мифологические персонажи и исторические деятели, а простые люди, нередко – “униженные и оскорбленные”. Шут в “Риголетто”, куртизанка в “Травиате” Верди, работница табачной фабрики и солдат в “Кармен” Бизе. Но именно их жизненные истории становятся основой сюжета, именно их чувствам и страстям сопереживает слушатель. При этом характеры героев раскрываются в условиях драматических, даже трагедийных.
Оперы Верди и Бизе являются образцами психологической лирики в музыке, и объединяют черты романтического и реалистического искусства.
Слайд 21. Р. Вагнер – крупнейшая фигура в истории музыки XIX в. Его личность и творчество вызвало бурные дискуссии, которые продолжаются едва ли не до сих пор. Вся его жизнь была сосредоточена на одном деле – создании того, что сам он называл “Произведение искусства будущего”.
Принципы оперной реформы Р. Вагнера (сформулированы им самим в многочисленных теоретических трудах, например, “Опера и драма”):
1) Процесс сочинения начинается с формулирования художественной идеи.
2) Композитор и драматург – одно лицо. Ему принадлежит идея, он сам пишет и текст, и музыку своей оперы. Это полностью его сочинение.
3) В основе сюжета – мифы и легенды. Именно в них можно найти вечные, прошедшие многовековую проверку временем, а значит, всегда актуальные идеи.
4) Композитор вырабатывает музыкальный язык, который стал бы “чувственным выражением мысли”.
Слушатель не просто наслаждается красивыми созвучиями, но прочитывает музыку, как текст. Для этого используется система лейтмотивов. Лейтмотив (т. е. повторяющаяся тема) может символизировать чувство (любовь, страдание), понятие (искушение, судьба, смерть,), предмет (волшебный меч, кольцо власти), явление природы (буря). Выстраивая эти лейтмотивы в разнообразные последовательности, повторяя и изменяя их, композитор направляет мысль слушателя.
Интересно, что каждая из реформаторских опер Вагнера, при всей обобщенности мифологического содержания и значимости философских идей, вызвана к жизни глубоко личными переживаниями, т.е. основана на автобиографических мотивах. И это выдает в нем типичного художника-романтика.
Вот и подошло к концу наше музыкальное путешествие. Мы кратко ознакомились с некоторыми важнейшими для развития искусства эпохами. Небольшая викторина поможет нам подвести итоги нашего путешествия.
Слайды 22, 23. Вопросы и ответы:
С какими эпохами мы сегодня познакомились? (Барокко, классицизм, романтизм)
Как называется оперной вокальный стиль, который славился необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством? (bel canto – “прекрасное пение”)
Чем отличается полифоническая музыка от гомофонной музыки? (В полифонии все голоса равноправны, а в гомофонии выделяется один голос, а остальные играют роль аккомпанемента.)
- Кто автор цикла инструментальных концертов “Времена года”? (А. Вивальди)
- Великий немецкий композитор эпохи Барокко - крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры? (И.С.Бах)
- Назовите строение сонатной формы. (Экспозиция, разработка, реприза)
- Назовите композиторов венской классической школы. (Й.Гайдн, В.А.Моцарт и Л.Бетховен)
- К каким жанрам чаще всего обращались композиторы романтики? (миниатюра, песня, романс)
- Какой немецкий композитор в теоретическом труде “Опера и драма” изложил свои принципы оперной реформы? (Р.Вагнер)
Но также есть и «классический» период в истории музыки, называемый классицизм, яркими представителями классицизма были Гайдн и Моцарт. Это прежде всего появление первых публичных концертов, образование в столицах и больших городах музыкальных обществ и оркестров.
Поздний классицизм, связанный с Просвещением, приблизительно с середины XVIII до начала XIX века, ассоциируется прежде всего с венской классической школой. К этому направлению принадлежат, в частности, реформаторские оперы К. В. Глюка, ранняя венская и мангеймская школы.
Классицизм в музыке – венские классики
В музыке, как ни в одном другом виде искусства, понятие «классика» имеет неоднозначное наполнение. Да простят меня любители старинной музыки за легкомысленное слово «шлягер», но ведь и великие композиторы когда-то писали для своих современников популярную музыку, вовсе не замахиваясь на вечность. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности.
Эстетические установки классицизма
Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное.
Общая характеристика стиля
Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений. Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как венские классики.
Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, – вот главная черта творчества венских классиков. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки – таких, как соната, симфония, концерт.
В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет. Кратко остановимся на характерных для классицизма нововведениях. Классическая сонатная форма основана на противопоставлении 2-х тем (часто контрастных, иногда – конфликтных) – главной и побочной – и их развитии. Как правило, в сонатной форме были написаны первые, быстрые части сонатного или симфонического цикла, потому за ними закрепилось название сонатное allegro.
Сонатно-симфонический цикл
Это произведение для оркестра и солирующего инструмента. Музыка классицизма удивительным образом сочетает в себе внешнюю простоту и ясность с глубоким внутренним содержанием, которому не чужды сильные чувства и драматизм. Классицизм, кроме того, является стилем определенной исторической эпохи, причём стиль этот не забыт, а имеет серьёзные связи с музыкой современности (неоклассицизм, полистилистика).
Всё не отвечающее разуму, всё безобразное должно было предстать в искусстве К. очищенным и облагороженным
Термин «классическая» в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Классицизм начался в эпоху Просвещения — время радикальных перемен в осознании человеческих и социальных ценностей и правил поведения в обществе. Новый состав оркестра привел к появлению симфонии — важнейшего типа музыки, по стандарту состоящей из трех темпов — быстрого начала, медленной середины и быстрого окончания.
Работы создаются специально для струнного квартета со своим стандартом в четыре темпа, напоминающим о симфонии. В эту же эпоху было создано пианино или фортепиано (правильное название). Это позволило музыкантам-клавишникам исполнять музыку в различных вариациях, как мягко (piano), так и более громко (forte), в зависимости от используемых клавиш.
Как и симфонии, сонаты стали способом объединения множества различных типов инструментальной музыки в один тип. 1750 и до 1820 я склоняюсь больше к тому что эта эпоха началась после капиталистической революции в Британии и закончилась великой буржуазной революцией во Франции.
Существенные перемены в это время отличают музыкальную жизнь Европы. Оркестры расширяются по составу, из них уходят орган и клавесин, увеличиваются группы духовых инструментов, в обиход входит кларнет с его чувствительным, полным неги звучанием. Из этой среды формируется один из важнейших жанров эпохи классицизма — струнный квартет. По глубине и актуальности образов, по развитой технике музыкальной ткани и строению формы он в состоянии соперничать с симфонией — этой своеобразной классицистской инструментальной драмой.
Вторая половина XVIII в. — время реформаторских процессов, можно сказать, революционных изменений в опере. Они связаны в первую очередь с именами К.-В. Глюка и В.-А. Моцарта. Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787) — австрийский композитор, детство и юность которого прошли в Чехии, затем он переехал в Милан, где был руководителем капеллы итальянского аристократа А. Мельци.
Вместе с тем врожденный инстинкт драматурга и ощущение неудовлетворенности оперой-sena с ее культом певцов-виртуозов влекут композитора в сторону музыкальной драмы, к античному образцу. И на рубеже 1760-х гг. Глюк вступает на путь реформ: не технически изощренная колоратура, а драматическое действие с острыми коллизиями, выраженными музыкой.
В музыке виднейшим его представителем был Ж. Б. Люлли, создатель жанра «лирической трагедии», к-рая по своей тематике и осн. cтилистич
В основе сюжета оперы — древнегреческий миф о поэте-певце Орфее, силой чувства и своего мастерства разжалобившего фурий подземного царства, в которое попадает его умершая жена Эвридика. Персонажи из статичных фигур превращаются в актеров, вступающих в активные действия, конфликтные отношения.
Это одна из немногочисленных опер классицизма, активно сохраняющихся в репертуаре современных музыкальных театров. Классицизм (от лат. classicus — образцовый), художественный стиль, существовавший в 17 — нач. 19 вв. в европ. литературе и искусстве. В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Высшие достижения классицизма в музыке связаны с деятельностью венской классической школы - с творчеством Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетховена.
Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности.
ЭСТЕТИЧЕСКИЕ УСТАНОВКИ КЛАССИЦИЗМА. В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное.
Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры. «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.
КЛАССИЦИЗМ В МУЗЫКЕ – ВЕНСКИЕ КЛАССИКИ. Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений. Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как венские классики. Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки – от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, – вот главная черта творчества венских классиков. Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум. Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность формы. Простота и непринуждённость высказывания композиторов-классиков могла бы показаться современному уху банальной (в некоторых случаях, разумеется), если бы музыка их не была столь гениальной. Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем – он с легкостью творил в любом жанре. Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы – от оперы буфф до музыкальной драмы. В плане предпочтений композиторами тех или иных образных сфер для Гайдна более характерны объективные народно-жанровые зарисовки, пастораль, галантность, Бетховену близка героика и драматизм, а также философичность, ну и, конечно, природа, в небольшой степени и утончённая лирика. Моцарт охватил, пожалуй, все существующие образные сферы.
ЖАНРЫ МУЗЫКАЛЬНОГО КЛАССИЦИЗМА. Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки – таких, как соната, симфония, концерт. Сформировалась многочастная сонатно-симфоническая форма (4-частный цикл), до сих пор являющаяся основой многих инструментальных сочинений. В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет. Система разработанных венской школой форм актуальна до сих пор – современные «навороты» наслаиваются на неё, как на основу. Кратко остановимся на характерных для классицизма нововведениях.
СОНАТНАЯ ФОРМА Жанр сонаты существовал ещё в начале XVII века, но окончательно сформировалась сонатная форма в творчестве Гайдна и Моцарта, а Бетховен довел её до совершенства и даже начал ломать строгие каноны жанра. Классическая сонатная форма основана на противопоставлении 2-х тем (часто контрастных, иногда – конфликтных) – главной и побочной – и их развитии. Сонатная форма включает в себя 3 главных раздела: первый раздел – экспозиция (проведение основных тем), второй – разработка (развитие и сопоставление тем) и третий – реприза (видоизменённое повторение экспозиции, в котором обычно происходит тональное сближение ранее противопоставляемых друг другу тем). Как правило, в сонатной форме были написаны первые, быстрые части сонатного или симфонического цикла, потому за ними закрепилось название сонатное allegro.
СОНАТНО-СИМФОНИЧЕСКИЙ ЦИКЛ По строению, логике следования частей, симфонии и сонаты очень похожи, отсюда общее название их цельной музыкальной формы – сонатно-симфонический цикл. Классическая симфония почти всегда состоит из 4-х частей: I – быстрая активная часть в традиционной для неё форме сонатного allegro; II – медленная часть (форма её, как правило, строго не регламентирована – здесь возможны и вариации, и трёхчастная сложная или простая формы, и рондо-сонаты, и медленная сонатная форма); III – менуэт (иногда скерцо), так называемая жанровая часть – по форме почти всегда сложная трёхчастная; IV – финальная и итоговая быстрая часть, для которой тоже нередко выбирали сонатную форму, иногда форму рондо или рондо-сонаты.
КОНЦЕРТ Название концерта, как жанра, произошло от латинского слова concertare – «состязание». Это произведение для оркестра и солирующего инструмента. Инструментальный концерт, созданный в эпоху Возрождения и получивший просто грандиозное развитие в музыкальной культуре барокко, в творчестве венских классиков обрёл сонатно-симфоническую форму.
СТРУННЫЙ КВАРТЕТ Состав струнного квартета обычно включает две скрипки, альт и виолончель. Форма квартета, аналогичная сонатно-симфоническому циклу, определилась уже у Гайдна. Моцарт и Бетховен также внесли свой огромный вклад и проложили пути для дальнейшего развития этого жанра. Музыкальная культура классицизма стала своеобразной «колыбелью» для струнного квартета, в последующие времена и до настоящего времени композиторы не перестают писать всё новые и новые произведения в жанре концерта – настолько этот вид произведений оказался востребованным. Музыка классицизма удивительным образом сочетает в себе внешнюю простоту и ясность с глубоким внутренним содержанием, которому не чужды сильные чувства и драматизм. Классицизм, кроме того, является стилем определенной исторической эпохи, причём стиль этот не забыт, а имеет серьёзные связи с музыкой современности (неоклассицизм, полистилистика).
Классицизм (от лат. сlassicus - образцовый) – стиль в искусстве XVII – XVIII вв. Название «классицизм» происходит от обращения к классической древности как высшей норме эстетического совершенства. Свой эстетический идеал представители классицизма черпали в образцах античного искусства. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в наличии порядка и гармонии в природе и внутреннем мире человека. Эстетика классицизма содержит сумму обязательных строгих правил, которым должно отвечать художественное произведение. Важнейшие из них – требование равновесия красоты и истины, логической ясности, стройности и законченности композиции, строгих пропорций, чёткого разграничения жанров.
В развитии классицизма отмечают 2 этапа:
Классицизм XVII века, развивавшийся отчасти в борьбе с искусством барокко, отчасти во взаимодействии с ним.
Просветительский классицизм XVIII века.
Классицизм XVII века – во многом антитеза барокко. Наиболее законченное выражение получает во Франции. Это была эпоха расцвета абсолютной монархии, оказавшей высочайшее покровительство придворному искусству и требовавшей от него пышности и великолепия. Вершиной французского классицизма в области театрального искусства стали трагедии Корнеля и Расина, а также комедии Мольера, на чьё творчество опирался Люлли. Его «лирические трагедии» несут на себе печать воздействия классицизма (строгая логичность построения, героика, выдержанный характер), хотя им присущи и черты барокко – пышность его опер, обилие танцев, шествий, хоров.
Классицизм XVIII века совпал с эпохой Просвещения. Просвещение – широкое движение в философии, литературе, искусстве, охватившее все европейские страны. Название «Просвещение» объясняется тем, что философы этой эпохи (Вольтер, Дидро, Руссо) стремились просвещать своих сограждан, пытались решать вопросы устройства человеческого общества, природы человека, его прав. Просветители исходили из представления о всемогуществе человеческого разума. Вера в человека, в его разум определяет светлый, оптимистичный настрой, присущий воззрениям деятелей Просвещения.
В центре музыкально-эстетических споров – опера. Французские энциклопедисты считали её жанром, в котором должно быть восстановлен синтез искусств, существовавший в античном театре. Эта мысль легла в основу оперной реформы К.В. Глюка.
Великим завоеванием просветительского классицизма является создание жанра симфонии (сонатно-симфонического цикла) и сонатной формы, что связывается с творчеством композиторов мангеймской школы. Мангеймская школа, сложилась в г. Мангейме (Германия) в середине XVIII века на основе придворной капеллы, в которой работали главным образом чешские музыканты (крупнейший представитель – чех Ян Стамиц). В творчестве композиторов мангеймской школы утвердились 4-хчастная структура симфонии и классический состав оркестра.
Мангеймская школа стала предшественницей венской классической школы – музыкальное направление, обозначающее творчество Гайдна, Моцарта, Бетховена. В творчестве венских классиков окончательно сформировались сонатно-симфонический цикл, который стал классическим, а также жанры камерного ансамбля и концерта.
Среди инструментальных жанров особой популярностью пользовались различные виды бытовой развлекательной музыки – серенады, дивертисменты, звучавшие на открытом воздухе в вечернее время. Дивертисмент (франц. развлечение) – инструментальные многочастные произведения для камерного ансамбля или оркестра, соединяющие в себе черты сонаты и сюиты и близкие серенаде, ноктюрну.
К. В. Глюк – великий реформатор оперного театра
Кристоф Виллибальд Глюк (1714 - 1787) – немец по происхождению (родился в г. Эрасбахе (Бавария, Германия)), тем не менее, является одним из выдающихся представителей венской классической школы.
Реформаторская деятельность Глюка протекала в Вене и Париже и осуществлялась в русле эстетики классицизма. Всего Глюк написал около 40 опер – итальянских и французских, buffa и seria, традиционных и новаторских. Именно благодаря последним он обеспечил себе видное место в истории музыки.
Принципы глюковской реформы изложены в его предисловии к партитуре оперы «Альцеста». Они сводятся к следующему:
Музыка должна выражать поэтический текст оперы, она не может существовать сама по себе, вне драматического действия. Таким образом, Глюк существенно повышает роль литературно-драматической основы оперы, подчиняя музыку драме.
Опера должна оказывать нравственное воздействие на человека, отсюда – обращение к античным сюжетам с их высоким пафосом и благородством («Орфей и Эвридика», «Парис и Елена», «Ифигения в Авлиде»). Г. Берлиоз назвал Глюка «Эсхилом музыки».
Опера должна соответствовать «трём великим принципам прекрасного во всех видах искусства» - «простоте, правде и естественности». Необходимо избавить оперу от излишней виртуозности и вокальной орнаментики (присущей итальянской опере), запутанных сюжетов.
Не должно быть резкого контраста между арией и речитативом. Глюк заменяет речитатив secco аккомпанированным, в результате чего он приближается к арии (в традиционной опере-seria речитативы служили лишь связкой между концертными номерами).
Глюк по-новому трактует и арии: он вносит черты импровизационной свободы, развитие музыкального материала связывает с изменением психологического состояния героя. Арии, речитативы и хоры объединяются в большие драматические сцены.
Увертюра должна предвосхищать содержание оперы, вводить слушателей в её атмосферу.
Балет не должен быть вставным номером, не связанным с действием оперы. Его введение должно обуславливаться ходом драматического действия.
Большая часть этих принципов воплотилась в опере «Орфей и Эвридика» (премьера в 1762). Эта опера знаменует начало нового этапа не только в творчестве Глюка, но и в истории всей европейской оперы. За «Орфеем» последовала другая его новаторская опера – «Альцеста» (1767).
В Париже Глюк написал другие реформаторские оперы: «Ифигения в Авлиде» (1774), «Армида» (1777), «Ифигения в Тавриде» (1779). Постановка каждой из них превращалась в грандиозное событие в жизни Парижа, вызывая бурную полемику между «глюкистами» и «пиччинистами» - сторонниками традиционной итальянской оперы, которую олицетворял неаполитанский композитор Николо Пиччини (1728 - 1800). Победа Глюка в этой полемике была ознаменована триумфом его оперы «Ифигения в Тавриде».
Таким образом, Глюк превратил оперу в искусство высоких просветительских идеалов, насытил его глубоким нравственным содержанием, раскрыл на сцене подлинные человеческие чувства. Оперная реформа Глюка оказала плодотворное влияние как на его современников, так и на последующие поколения композиторов (особенно на венских классиков).
№ 5 МУЗЫКАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ ЭПОХИ КЛАССИЦИЗМА
Наиболее важными из сольных произведений классического периода были сонаты, они создавались для любого сольного инструмента, но в первую очередь для игры на фортепьяно. Как симфонии, сонаты стали способом объединения множества различных типов инструментальной музыки в один тип.
Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень стройную и логическую систему правил построения произведения. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната. В теории, по-прежнему самыми ценными и уважаемыми считали цер-ковные жанры, но на практике гораздо больше и весомыми стали высшие жанры театральной и камерной музыки: музыкальная драма и симфония.
Музыкальный театр жанров имел свою иерархию в зависимости от воплощаемых в ней «аффектов». Поэтому «серьезная опера» оставалась более престижной, нежели комическая. Комические жанры тоже превращаются в высокую комедию со сложными характерами, изысканными чувствами и высокоразвитыми музыкальными формами.
Опера распространяла свое влияние на церковную и инструментальную музыку. Иерархия жанров была такова:
Первой шла симфония, как высшая ступень. В раннеклассический период различались «театральные» симфонии (т.е. увертюры, которые могли еще называться «партитами») и «камерные». Камерные симфонии были струнными, оркестровыми и концертными. Струнные отличались утонченностью письма, потому как были рассчитаны на изысканный слух знатоков. В оркестровых симфониях также участвовали духовые инструменты. Оркестровая музыка, в основном, носила развлекательный характер. Дивертисменты, серенады, партиты были значительно ниже симфонии. Здесь композитор мог себе позволить шумовые и звукоизобразительные эффекты, экстравагантные шутки.
На следующей «ступени» - концерты, сочетающие в себе и оркестрово-коллективное, и сольно-личностное начало.
Сонаты в XVIII веке, представляли собой обширную жанровую группу: все ансамблевые и сольные сочетания (от клавирных сонат до трио, квартетов, квинтетов и т.д.) Главными «правилами» отличия сонаты как вида от симфоний были : Нерегламентированное количество частей (от двух до четырех, а в ансамблях и более); Исполнение каждой партии одним инструментом;
Как вследствие этого, индивидуализация содержания и возможность выражения самостоятельных тонких чувств или очень субъективных настроений.
Струнные ансамблевые сонаты (квартеты и трио) переживали небывалый расцвет и быструю эволюцию. Это произведение быть сугубо «домашним», для узкого круга людей. Здесь наметились две тенденции:
Музыка для любителей, не слишком сложная технически;
Музыка для знатоков. Композитор мог использовать любые приемы, в том числе и экспериментальные.
Также были и ансамбли с участием клавира. Партию фортепиано мог исполнять как любитель, так и пианист профессионал. Еще ниже стояли сонаты для двух инструментов и следующие их жанровые разновидности:
Тип сонаты для солирующего инструмента, особенно скрипки, с клавиром, выполняющего роль continuo.
Сонаты для клавира с сопровождением скрипки, флейты, виолончели. Сопровождающий голос мог быть написан в Ad libitum.
Сонаты, дуэты для двух равноправных инструментов без участия клавира и носили более камерный характер.
В самом низу находились фортепианные миниатюры (у классиков – рондо, менуэты, багатели), вариаций на популярные темы, песни, обработки народных песен для голоса с инструментальным ансамблем (Гайдн, Бетховен); циклы танцев – менуэты, контрдансы, экосезов – для фортепиано, ансамбля и оркестра. Они также носили развлекательный характер.
ГЕОГРАФИЧЕСКИЕ ЦЕНТРЫ РАЗВИТИЯ.
ОСНОВНЫЕ ПРЕДСТАВИТЕЛИ
основоположником классицизма в музыкальном театре стал Ж.Б. Люлли (создатель лирической трагедии), черты классицизма и барокко объединены в жанре оперы-сериа; вершинной стадией развития музыкального классицизма стало искусство венской классической школы.
Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа – простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не слад-коголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев. Опера «Орфей и Эвридика» была первым произведением, в котором Глюк осуществил новые идеи и положил начало оперной реформе. Строгость, соразмерность формы, благородная простота без вычурностей, чувство художественной меры в сочинениях Глюка напоминает гармоничность форм античной скульптуры. Арии, речитативы, хоры образуют большую оперную композицию.
Расцвет музыкального классицизма начался во второй половине XVIII века. Центральной площадкой развития данного направления стала Вена, столица музыкальной культуры того времени. Высшим выражением классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена, которые работали в Вене и образовали направление в музыкальной культуре – венскую классическую школу. В творчестве венских классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедшее наиболее полное воплощение в сонатной форме и обусловившее симфонизм многих их сочинений. С симфонизмом, в широком смысле, связаны расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи - симфонии, сонаты, концерта и камерного ансамбля, окончательное формирование 4-частного сонатно-симфонического цикла. Гайдна называют основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного симфонического оркестра и отцом симфонии. В классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить очень глубокое содержание. В творчестве Гайдна устанавливается и тип классической трех-частной сонаты. Произведениям композитора присущи красота, порядок, тонкая и благородная простота. Искусство Гайдна оказало громадное воздействие на формирование симфонического и камерного стиля Моцарта. Опираясь на его достижения в области сонатно-симфонической музыки, Моцарт внес много нового и оригинального. Огромную художественную ценность составляют его оперы. Уже два столетия пользуются успехом «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан», поражающие обаятельно изящной мелодией, простотой, роскошной гармонией. Оперное творчество Моцарта открыло широкие перспективы развития различных типов оперы - лирической и социально-обличительной комедии, музыкальной драмы, философской оперы-сказки и других.
Бетховен прославился как величайший симфонист. Его искусство пронизано пафосом борьбы. Оно претворило передовые идеи эпохи Просвещения, утвердившего права и достоинства человеческой личности. Мир образов Бетховена разнообразен. Его герой не только смелый и страстный, он наделен тонко развитым интеллектом. Он борец и мыслитель. В музыке Бетховена жизнь во всем ее разнообразии – бурные страсти и отрешенная мечтательность, драматическая патетика и лирическая исповедь, картины природы и сцены быта. Завершая эпоху классицизма, Бетховен одновременно открывал дорогу грядущему веку, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке.
№ 5 Реализм???
Шишкова Наталия Витальевна
МОУ ДОД "Детская школа искусств №1", г.Балаково
Эпохи в музыке, живописи, архитектуре
Музыка в эпоху Возрождения XV-XVI век.
В средние века, музыка была прерогативой Церкви, поэтому большинство музыкальных произведений были священными, в основе которых лежали церковные песнопения (Григорианский хорал).
За Средневековьем последовал Ренессанс, который был для музыкантов эрой открытий, новшеств и исследовании - эпоха Возрождения всех слоев культурного и научного проявления жизни от музыки и живописи до астрономии и математики.
С изобретением печатного станка, появилась возможность печатать и распространять ноты.
Именно в это время появилась виола - предшественница скрипки. Также были популярные и духовые инструменты - блок-флейта, флейта и рожок. Самая сложная музыка писалась для только что созданного клавесина и органа.
Перселл Генри (1659–1695), английский композитор. Его профессиональная жизнь почти целиком прошла в Королевской капелле и Вестминстерском аббатстве. Основу наследия Пёрселла составляют композиции, созданные «на случай», т.е. связанные с королевской семьей и церковными службами в Капелле и в Аббатстве. Среди духовных произведений композитора не менее 60 антемов, 5 полных служб и множество пьес для солирующих голосов, 6 полных опер и музыка к 44 пьесам.
Рамо Жан Филипп (1683–1764), французский композитор и музыкальный теоретик. Наследие Рамо состоит из нескольких десятков книг и ряда статей по вопросам музыки и теории акустики; четырех томов клавирных пьес, нескольких мотетов и сольных кантат; 29 сценических сочинений – опер, опер-балетов и пасторалей.
Скарлатти, Доменико (1685–1757), сын Алессандро, композитор, крупнейший мастер итальянской клавирной музыки. Самобытность клавирного стиля Скарлатти выявилась в 555 сонатах. В каталоге Киркпатрика значатся 14 опер, 9 ораторий, 16 камерных кантат и арий и 13 духовных композиций. Среди наиболее поразительных черт стиля композитора – красочность диссонирующих гармоний и смелые модуляции, перекрещивание левой и правой рук, репетиции, трели и прочие типы орнаментики.
Архитектура в эпоху Возрождения.
В Италии эпохи Возрождения готикой назвали средневековое искусство Северной Европы - художественный стиль, господствовавший в странах Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы между серединой XII в. и XV-XVI вв. В эпоху Возрождения открытие античности вызывало радость и восторг.
Живопись в эпоху Возрождения.
Б
оттичелли, Сандро. Рождение Венеры. Около 1482-1483. Возрождение. Италия. Флоренция. Галерея Уффици.В каждой стране эпоха Возрождения имеет свои особенности. В Италии, где Возрождение наиболее полно проявилось в классической форме, оно охватывает XIV- XVII вв. (рубеж XIII-XIV вв. - Проторенессанс; XV в. - Раннее Возрождение; конец XV - первая четверть XVI в. - Высокое Возрождение; XVI в.
Музыка эпохи Барокко (1600-1750)
С
лово «барокко» предположительно происходит от португальского perola barroca - жемчужина причудливой формы. И действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться и к музыке того времени. В эпоху барокко родились такие гениальные произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечерня» Клаудио Монтеверди. Музыкальный орнамент стал весьма изощрённым, появился такой вид сочинений, как опера.
Условной точкой перехода между эпохами барокко и ренессанса можно считать создание итальянским композитором Клаудио Монтеверди (1567-1643) его речитативного стиля и последовательное развитие итальянской оперы.
Выдающимся представителем придворных композиторов двора Людовика XIV был Джованни Баттиста Люлли (1632-1687). Уже в 21 год он получил звание «придворного композитора инструментальной музыки». Люлли создал законченный тип французской оперы; так называемой во Франции лирической трагедии
Композитор и виолинист Арканджело Корелли (1653-1713) -известен своей работой над развитием жанра кончерто гроссо. Корелли был одним из первых композиторов, чьи произведения публиковались и исполнялись по всей Европе.
В Англии зрелое барокко отмечено ярким гением Генри Пёрселла (1659-1695). Пёрселл работал в широком спектре жанров; от простых религиозных гимнов до маршевой музыки, от вокальных сочинений большого формата до постановочной музыки. Его каталог насчитывает более 800 работ.
Антонио Вивальди (1678-1741) - итальянский композитор, родился в Венеции. Известность Вивальди принесли публикации его работ, включавшие его трио-сонаты, скрипичные сонаты и концерты (более 500). Он также давал программные названия некоторым своим работам, таким как знаменитые «Времена года».
Но возможно, самым знаменитым придворным композитором стал Георг Фридрих Гендель (1685-1759). Он родился в Германии, учился в Италии, начал свою блистательную и коммерчески успешную карьеру в Лондоне. Гендель перерабатывал материал других композиторов, и постоянно переделывал свои собственные сочинения. Гендель смешал в своей музыке богатые традиции импровизации и контрапункта. Искусство музыкальных украшений достигло в его произведениях очень высокого уровня развития.
Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) Германия. За свою жизнь он сочинил более 1000 произведений в различных жанрах, кроме оперы. Но при жизни он не добился какого-либо значимого успеха.
Живопись эпохи Барокко
Живопись барокко или барочная живопись - живописные произведения периода барокко в культуре XVI-XVII веков, тогда как в политическом плане исторический период разделяется на Абсолютизм и Контрреформацию. Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плотскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность; яркий пример - Рубенс, Караваджо.
Архитектура эпохи Барокко
Итальянское слово «барокко» означает буквально «странный», «причудливый». Стиль барокко тяготел к парадной торжественности и пышности. Вместе с тем он выразил прогрессивные представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его сложности, изменчивости, постоянном движении.
Музыка эпохи Классицизма.
Классици́зм (от лат. classicus - образцовый) - художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII-XIX вв. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Понятие классицизма в музыке устойчиво ассоциируется с творчеством Гайдна, Моцарта и Бетховена, называемых венскими классиками и определивших направление дальнейшего развития музыкальной композиции.
Франц Йозеф Гайдн (1732-1809) - австрийский композитор, представитель венской классической школы, один из основоположников таких музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет.
Во́льфганг Амаде́й Мо́царт (1756-1791) - австрийский композитор, капельмейстер, скрипач-виртуоз, клавесинист, органист. Его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха.
Лю́двиг ван Бетхо́вен (1770-1827) - великий немецкий композитор, дирижёр и пианист. Он писал во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, балет, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Самым значительным в его наследии считаются инструментальные произведения: фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, концерты для фортепиано, для скрипки, квартеты, увертюры, симфонии.
Живопись эпохи Классицизма.
Величайший теоретик Ренессанса, Леон Батиста Альберти, еще в XV в. выразил идеи, предвещавшие отдельные принципы классицизма и в полной мере проявившиеся во фреске Рафаэля «Афинская школа» (1511). Открытие «подлинной» античной живописи при раскопках Помпеи, обожествление античности немецким искусствоведом Винкельманом, во второй половине XVIII века вдохнули в классицизм новое дыхание.
Архитектура эпохи Классицизма.
Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы.
Музыка эпохи Романтизма (1810-1910).
Музыка в романтический период отличается энергией, интенсивностью и страстью. Строгие формы классической музыки обрели экспрессию и выражение. Музыка стала ближе к искусству, литературе и театру. Основной задачей романтизма было изображение внутреннего мира, душевной жизни.
Многие композиторы начали создавать симфонии, которые следовали одной основной сюжетной линии или "программе" ("Фантастическая симфония" Берлиоза или "Симфония Фауста" Листа, "Свадебный марш" Мендельсона).
Романтический период был периодом рождения солистов-виртуозов как явления, исполнители становились звездами своих дней. Список виртуозов воглавляют пианисты Лист и Шопен и скрипач Паганини. Все они были музыкальными брилиантами эпохи романтизма.
В Германии очень значительной частью репертуара музыкантов стал романс - идеальная форма для романтизма, как единство музыки и поэзии. Шуберт и Брамс создавали очень много романнсов. Песни были главным образом исполнялись под фортепьяно.
В середине романтической эпохи взошла звезда Джузеппе Верди, который признан одним из величайших композиторов всех времен. Он перевернул всю итальянскую оперу передставив миру новые сюжеты произведений, часто с социальными, политическими или патриотическими темами.
В Германии реформатором оперы стал Рихард Вагнер, он полностью изменил немецкую оперу. Оперы Вагнера написаны как длинная, непрерывно текущая музыка. Характеры персонажей и идеи произведения описывают короткие мелодии названные лейтмотивами.
Живопись эпохи Романтизма.
Романтизм - идейное и художественное движение в европейской и американской культуре конца 18 – начала 19 веков. Романтизм противопоставил утилитаризму и нивелированию личности устремленность к безграничной свободе и бесконечному, жажду совершенства и обновления, пафос личной и гражданской независимости. Мучительный разлад идеала и действительности лег в основу романтического мировосприятия.
Изображение сильных страстей, одухотворение природы, интерес к национальному прошлому, стремление к синтетическим формам искусства сочетаются с мотивами мировой скорби, тягой к исследованию и воссозданию "теневой", "ночной" стороны человеческой души, со знаменитой "романтической иронией".
Архитектура эпохи Романтизма.
И
нтерес к национальному прошлому (нередко - его идеализация), традициям фольклора и культуры своего и других народов, стремление создать универсальную картину мира (прежде всего истории и литературы), идея синтеза искусств нашли выражение в идеологии и практике романтизма.
Музыка XX века. Джаз.
Джаз как форма музыкального искусства появился в США на стыке XIX – XX веков, вобрав в себя музыкальные традиции европейских переселенцев и африканские фольклорные мелодические рисунки.
Характерная импровизационность, мелодическая полиритмия и экспрессивность исполнения стали отличительной чертой первых нью-орлеанских джаз-ансамблей (jazz-band) в первые декады прошлого века.
С течением временем джаз прошел периоды своего развития и становления, меняя ритмический рисунок и стилистическую направленность: от импровизационной манеры рэгтайма (ragtime), к танцевальному оркестровому свингу (swing) и неторопливому мягкому блюзу (blues).
Период с начала 20-х и вплоть до 1940-х годов связан с расцветом джазовых оркестров (биг-бэндов), состоявших из нескольких оркестровых секций саксофонов, тромбонов, труб и ритм-секции. Пик популярности биг-бэндов пришелся на середину 30-х годов прошлого века. Музыка в исполнении джазовых оркестров Дюка Эллингтона (Duke Ellington), Каунта Бэйси (Count Basie), Бенни Гудмена (Benny Goodman) звучала на танцевальных площадках и на радио.
Импрессионизм.
Музыкальный импрессионизм - музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века - начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.
Сам по себе термин «импрессионизм» носит подчёркнуто условный характер. Средства живописи, связанные со зрением и средства музыкального искусства, базирующиеся на слухе, могут быть связаны друг с другом при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании.
Импрессионизм в живописи.
Импрессионизм направление в искусстве последней трети 19 – начала 20 века, мастера которого, фиксируя свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости.
Литература.
Конен В. Пёрселл и опера. М., 1978
Уэстреп Дж. Г.Пёрселл. Л., 1980
Брянцева В.Н. Жан Филипп Рамо и французский музыкальный театр. М., 1981
Малиньон Ж. Ж.Ф.Рамо. Л., 1983
Окраинец, И.А. Доменико Скарлатти: через инструментализм к стилю. М., 1994
Лучина Е.И. Опера Алессандро Скарлатти «Гризельда». Воронеж, 1998
В статья была использована информация с сайтов:
/index.php/Muzyka-v-epohu-Vozrozhdeniya.html
artwood.dp.ua/index.php?option=com_content&view=article&id=4&Itemid=6
/txt/6barokko01.shtml
meget.kiev.ua/arhitektura/barokko/
/wiki/Музыка_Барокко
/wiki/Музыка_периода_классицизма
/wiki/Классицизм
/wp-content/uploads/2008/10/franz-schubert.jpg
/alb15954/ft505476/
arosh.at.ua/dir/
www.aze.az/news_v_centre_kultury_53175.html
/art/music/composer/weber/weber_816431914_tonnel.shtml
/2010/Zametki/Nomer5/BerkovicH2.php
/music/classic/page/21/
/community/musicworldnews/tag/%e4%e0%f2%fb
/showthread.php?p=2475118
meget.kiev.ua/arhitektura/romantizm/
meget.kiev.ua/arhitektura/gotika/
/info.php?id=44&s=9&PHPSESSID=n89n43q5fvu0gi3ilto64dbb16
